El Ángel

Inspirada en la historia de Carlos Robledo Puch, el joven criminal argentino que en 1980 fue condenado a cadena perpetua por diez homicidios calificados, un homicidio simple, una tentativa de homicidio y diecisiete robos, entre otros delitos, esta cinta se centra en el período que va desde mayo de 1971 a febrero de 1972 cuando suceden la mayoría de estos hechos delictivos.

Carlitos -excelentemente interpretado por Lorenzo Ferro- es un joven que no distingue lo propio de lo ajeno. Robar le es natural y simple. Cuando en su nueva escuela conoce a Ramón -Chino Darín- y a su familia -caracterizados por Mercedes Morán y Daniel Fanego-, la vocación de Robledo Puch simplemente se encausa hacia un camino sin retorno. Los rizos rubios y su cara de bebé le valen el apodo mediático de “el ángel de la muerte” o “el ángel negro”, por la ferocidad y violencia de sus accciones llevadas a cabo a tan corta edad.

Esta película dirigida por Luis Ortega y que participó en la sección “Un Certain Regard” del Festival de Cannes del 2018, es amarga, cruda e intrigante. Desde un comienzo nos muestra a un desprendido protagonista, prácticamente sin sentimientos, con una libertad extrema y absoluta naturalidad. El soporte para el personaje que realiza el debutante Lorenzo Ferro es notable. Tanto es así que los secundarios aparecen con poca profundidad, en especial Luis Gnecco y Cecilia Roth quienes caracterizan a los padres del novel asesino.

Con un prolijo uso de cámaras y ángulos cercanos, la cinta es lineal y enfocada. Los textos del guion son precisos y la banda sonora es sólida. Uno de los aspectos más destacados del tratamiento del relato es la construcción de escenas, varias de ellas bastante extensas, que solo tienen sonido ambiente y que generan altísima tensión. ¿Qué es ficción y que es realidad? No queda claro, sin embargo el propio director se encarga de aclarar que la película no es la sobre la vida de Robledo Puch sino una historia original inspirada en el joven criminal.

A pesar de tener una sección intermedia donde el metraje abandona el ritmo trepidante y decae en intensidad, “El Angel” se desarrolla de manera progresiva, agregando elementos cargados de drama y una extraña forma de humor negro. Da la sensación que al protagonista nada le afecta verdaderamente, que robar y asesinar es casi un deporte y que la violencia es algo absolutamente natural. Aparece siempre imbuido en sí mismo, duerme sin mayores problemas y no se observa que sienta culpa alguna por ninguno de sus actos. Solo hay una escena donde profusamente le brotan lágrimas de los ojos y que quizá podría abrir una interrogante. ¿Quién es realmente y qué siente Carlos Robledo Puch? Ortega, hábilmente, lo deja abierto y con ello alimenta aún más el mito del criminal argentino que más tiempo lleva preso -ya van extensos 46 años- y que por el momento no tiene posibilidades de ser liberado pues todos los recursos que ha presentado han sido denegados.

Ficha técnica

Título original: El ángel
Año: 2018
Duración: 117 minutos
País: Argentina
Productora: Coproducción Argentina-España; K&S Films / Underground Contenidos / El Deseo / Telefé
Género: Thriller. Drama | Basado en hechos reales. Años 70
Guion: Luis Ortega, Rodolfo Palacios, Sergio Olguín
Fotografía: Julián Apezteguia
Reparto: Lorenzo Ferro, Chino Darín, Mercedes Morán, Daniel Fanego, Luis Gnecco, Peter Lanzani, Cecilia Roth, William Prociuk, Malena Villa
Dirección: Luis Ortega

Mamma Mía: vamos otra vez

Como continuación de la producción del 2008, “Mamma Mía: vamos otra vez” retoma la historia con Sophie -Amanda Seyfried- preparando una gran reapertura del hotel de su madre Donna, fallecida un año antes. La fiesta debe ser total, es un merecido homenaje a su progenitora, por tanto hay invitados que vienen desde todas las latitudes a visitar esta idílica isla griega. Sky, el marido de Sophie -Dominic Cooper-, está en Nueva York y no podrá acompañarle. Además se vislumbran problemas en la relación. Y para mayor pesar, Harry y Bill, dos de los tres posibles padres de la protagonista no han podido ser ubicados. Solo la acompaña Sam -Pierce Brosnan- que hace sus mejores esfuerzos para contenerla y animarla.

Esta cinta escrita y dirigida por Ol Parker es entretenida y lentamente va tomando vuelo. La producción alcanza una excelente altura y las locaciones están muy bien filmadas. Desde el punto de vista musical, las canciones de ABBA son inconfundibles y a pesar de ser mayoritariamente de las menos conocidas, los grandes éxitos tienen su espacio reservado, lo que es una delicia.

La cinta tiene también un elenco de lujo, aunque en ocasiones algunos de sus principales actores parecen ser poco aprovechados. Las coreografías están muy bien elaboradas y las tomas aéreas son armoniosas y estéticamente muy bien logradas.

Esta secuela logra conmover por la nostalgia que representa. Desde el punto de vista argumental y narrativo, Parker acierta en presentar a Donna joven -Lily James-, intercambiando los tiempos y explicando la historia en forma paralela. Este recurso resulta interesante y le da a la película un ritmo particular, complementando los números musicales con momentos de cercanía afectiva, recuerdos, sueños, añoranzas y aventuras.

“Mamma Mía: vamos otra vez” funciona bien, no solo como un atractivo y colorido musical sino también como una comedia que contiene romance, drama y diversión que fluyen naturalmente. Además, graciosamente nos depara sorpresas como el mismísimo Benny Andersson sentado al piano en "Waterloo", la presencia de Meryl Streep hacia el final, la especial participación de Fernando -Andy García- y la majestuosa aparición de Cher, hacia el final, que adorna el relato con el cierre de un círculo insospechado que aún estaba sin completar.

Ficha técnica 

Título original: Mamma Mia: Here We Go Again!
Año: 2018
Duración: 108 minutos
País: Reino Unido
Productora: Universal Pictures / Legendary Pictures
Género: Musical. Comedia. Romance | Secuela. Precuela
Guion: Ol Parker
Música: Benny Andersson, Anne Dudley, Björn Ulvaeus
Fotografía: Robert D. Yeoman
Reparto: Amanda Seyfried, Lily James, Christine Baranski, Julie Walters, Pierce Brosnan, Colin Firth, Stellan Skarsgard, Dominic Cooper, Andy García, Cher, Meryl Streep, Jeremy Irvine, Alexa Davies, Jessica Keenan Wynn, Josh Dylan, Hugh Skinner, Togo Igawa, Naoko Mori, Omid Djalili

Dirección: Ol Parker

Secretos Ocultos

Ópera prima escrita y dirigida por Sergio G. Sánchez, esta película española del año 2017 cuenta la historia de una madre y sus cuatro hijos que llegan a una granja abandonada en Estados Unidos en 1969 luego de un largo viaje desde Europa. Los cuatro hermanos Marrowbone, Jack, Billy, Jane y Sam han decidido permanecer escondidos tras la repentina muerte de su madre a poco tiempo de haberse instalado en su nuevo hogar. Quieren dejar atrás el pasado, olvidar definitivamente a su padre y recomenzar desde cero, sin embargo los acecha una extraña presencia que los atormenta día y noche.

La cinta está construida en base al misterio de esta familia. No sabemos los detalles, desconocemos su historia y solo vamos atando los cabos en la medida que el metraje avanza y se develan ciertos aspectos que son bastante mínimos por lo demás. Logramos adivinar algunos movimientos, sin embargo la mayor parte del relato nos oculta el trasfondo de los personajes.

El guion de Sánchez es débil. Solo una certera cámara, algunos primeros planos y actuaciones diligentes permiten mantener algún grado de tensión. La película se hace extensa ya que mayormente su realización es en base al desarrollo de movimientos, lugares y escasos diálogos que más que nada dan cuenta del entorno más que de la profundidad de sus personajes.

Hay mucha similitud con cintas destacadas y temáticas que recordamos. “El orfanato” resulta extremadamente familiar y claro, Juan Antonio Bayona su director, es ahora productor. También, varios de los movimientos clásicos del género están presentes en “Marrowbone”, lo que sin duda no va a decepcionar a los fans de estos thriller.

No obstante su evidente planicie narrativa, la película se encarga de sostener un interés que la hace avanzar lentamente. Los 109 minutos de duración se hacen largos, sobre todo cuando el conflicto aparece explícitamente y su desarrollo argumental se configura con una lentitud asombrosa.

“Secretos Ocultos” se observa como una película inmadura, que no logra cuajar correctamente. Es como si su cocción se hubiera apresurado y con ello los elementos no terminaron de encajar adecuadamente. Esto es aun más palpable al encontrarnos con una idea que no resulta original, con un desarrollo previsible y con un final que puede sorprender solo si no estamos lo suficientemente atentos a las luces que en el transcurso de la trama fueron claramente entregadas.

Ficha técnica 

Título original: El secreto de Marrowbone
Año: 2017
Duración: 109 minutos
País: España
Productora: Telecinco Cinema / Lions Gate International
Género: Terror. Thriller. Drama | Familia. Años 60. Vida rural (Norteamérica)
Guion: Sergio G. Sánchez
Música: Fernando Velázquez
Fotografía: Xavi Giménez
Reparto: George MacKay, Mia Goth, Charlie Heaton, Anya Taylor-Joy, Matthew Stagg, Kyle Soller, Nicola Harrison, Tom Fisher
Dirección: Sergio G. Sánchez

Dios no está muerto 3

El pastor Dave -David A.R. White- se encuentra ante un gran dilema. Su iglesia está adosada a un Campus Universitario y es el centro de las críticas por parte de quienes no quieren que siga estando allí señalando que la religión nada tiene que ver con el mundo de la academia. Es tanta la resistencia que la construcción resulta quemada y en el incendio muere su amigo, el recientemente nombrado co-pastor de la iglesia.

Es inevitable comparar esta tercera parte con la idea original del 2014. La distancia es demasiado grande y la verdad es que de aquella ya no queda nada, salvo el título. El relato de la historia es bastante plano, con un ritmo que no alcanza un recorrido que logre capturar la atención. Incluso el conflicto y sus detonantes están bastante contenidos, lo que no entrega herramientas suficientes para que la película despegue.

Es cierto que el mensaje es importante y para quienes creemos en Dios, ello nos puede regocijar. Sin embargo, la pregunta de siempre es si esta forma de contar historias con contenido cristiano es la adecuada para llegar a un público cada vez más distante y que ante los primeros signos de beatería sale huyendo.

Si lo interesante de la primera entrega era un disputa intelectual sobre las convicciones personales, en esta cinta dirigida por Mike Mason el centro está puesto netamente en lo emocional. En ese sentido todas las relaciones personales marcan la historia: los hermanos distanciados, los novios separados, la comunidad universitaria en conflicto, los grupos contrarios y a favor de la iglesia en su interior, el poder autoritario de la junta directiva, la amistad-enemistad rector-pastor, etc.

La expectativa con que llegamos a presenciar “Dios no está muerto 3” se diluye rápidamente. A pesar de ser una producción bien hecha, con buena filmación, actuaciones correctas y música adecuada, la historia es difícil que trascienda en comunidades no cristianas. El contenido es súper claro, está nítidamente expuesto, pero difícilmente logre conmover en un mundo donde los sentidos están mucho más dirigidos hacia los gestos y hacia las acciones más que en los discursos, los sermones o las simples palabras.

Hay un debe en esta cinta. Cierra una saga y por lo mismo nos puede hacer reflexionar sobre la mejor manera de contar historias cristianas. Aún estamos haciéndolo desde la propia centralidad, mirando desde dentro hacia afuera, o en el mejor de los casos desde mundos completamente separados. La realidad es actualmente compleja y ello nos obliga a leerla de muy diferente manera para poder expresar convicciones profundas como lo que significa la fe en la persona de Jesucristo. Espacio existe, las posibilidades están. La idea es que estas cintas no sean solamente para un público interno sino que tiendan puentes con otros mundos, con otros pensamientos y que en conjunto impulsen a una reflexión más profunda. Esto es sin duda un tremendo desafío, sin embargo estimo que se puede lograr, con audacia, creatividad y atrevimiento.

Ficha técnica 

Título original: God's Not Dead: A Light in Darkness
Año: 2018
Duración: 106 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Pure Flix Productions. Distribuida por Pure Flix Entertainment [USA]
Género: Drama
Guion: Howard Klausner, Mike Mason
Música: Pancho Burgos-Goizueta
Fotografía: Brian Shanley
Reparto: Jennifer Taylor, John Corbett, Ted McGinley, Tatum O'Neal, Shane Harper, David A.R. White, Anne Leighton, David Maldonado, Barry Clifton, Mark Sivertsen, Cissy Houston, Dean Denton, Buddy Campbell, Frederick Keeve, Rhonda Johnson Dents, Jude S. Walko, Kay Smith, Angela Sherrill Merriott, David Slayter, Greg Fallon, Lance J. Gosnell, Rick Vyper, Justin Garton, Robert Babcock, Trey Gibson, Nancy Carter, Alyson Courtney, V. Duwane Ledbetter, Toby L. Wilson, Leslie Dianne, Becky Bartlett, Adam Marsden, Misty Jezierski, Jacqueline Baker, Sir Salonis, Vaughn Collar, Emily Mullins, Lesa Wolfe, Dawn Slayter Rogers, Berkeley Courtney-Moore, Tina Riley Johnson, Tina Jones, Kevin Lemar Riley
Dirección: Mike Mason

Lo que de verdad importa

¡Qué difícil es rescatar y reconocer lo positivo hoy en día! Y esto es lo primero que hace esta cinta pues es 100% benéfica. Dona toda su recaudación a los niños enfermos de cáncer a través de Fundaciones especializadas en cada país de exhibición.

Este largometraje del director español Paco Arango se propone, además, algo especial. Nos invita a conmovernos y a transformarnos a través de la historia de Alec -Oliver Jackson-Cohen-, un ingeniero mecánico inglés que vive desenfrenadamente y que está a punto de perder su tienda de reparaciones eléctricas. De la nada aparece un tío -Jonathan Pryce- que le ofrece un trato que no puede dejar pasar: pagar todas sus deudas a cambio de trasladarse a Canadá, específicamente a Nueva Escocia, la tierra de sus antepasados, por el lapso de un año. Alec acepta, no muy convencido, este viaje que cambiará su vida.

El guion escrito por el mismo Arango no entrega muchas sorpresas ya que indudablemente lo que sucede es previsible. El realismo mágico se hace presente en cada una de las interacciones del protagonista con su nuevo entorno. Lo recibe una chica guapa -Camilla Luddington- que le ayuda a publicar un aviso para establecer el negocio que autodenomina “el curandero” -igual nombre del que tenía en Inglaterra- ya que él es capaz de reparar cualquier artefacto electrónico descompuesto. Sin embargo el aviso no especifica esto de “aparato”, por lo que al día siguiente hacen fila en su casa varias personas que acuden a este recién llegado curandero porque confían en curarse de dolencias y enfermedades. A la sorpresa inicial, a Alec le sobreviene un incómodo descubrimiento. Al parecer es poseedor de un don que efectivamente logra sanar a las personas que acuden a él y a poco andar su tío le entrega detalles al respecto. Esto corresponde a una tradición de familia, desde tiempos ancestrales, y Alec debe tomar la posta. ¿Lo hará?

La cinta tiene un bello mensaje sin ninguna duda. No obstante aquello, falla en su construcción y en el desarrollo del relato. En varios momentos se aprecian ciertas desconexiones que hacen perder continuidad, los conflictos no alcanzan a expresarse correctamente y todo se va resolviendo sin mayor tensión. El fondo argumental es encomiable, sin embargo la composición dramática no sustenta una historia que merece un tratamiento más profundo y elaborado. El nivel de producción es bueno y es otra de las razones por las que el metraje se percibe liviano. Los elementos están en su lugar pero algo falta, algo que genere un pulso vital, que capture de otra forma nuestra atención.

A pesar de sus ripios, “Lo que de verdad importa” se las arregla para transmitir su mensaje. Dedicada a Paul Newman, la cinta es un aporte para intentar comprender la realidad de una enfermedad que aún está asociada a una muerte casi segura. También podemos percibir lo importante que es la lucha contra esta enfermedad y lo vital que significa para ello una actitud positiva y los deseos de salir adelante, superarla y sobrevivir. De hecho, es justamente este íntimo convencimiento de las personas de que efectivamente pueden ser curadas y salvadas, el valor más destacado de la película. Es un llamado a mirar en positivo, a tener una actitud diferente frente a la adversidad y a transformarnos en agentes de vida. Esto último, sumado a su carácter benéfico, ya es razón suficiente para ir a verla en el cine. No dejemos pasar la oportunidad de colaborar y de dejarnos tocar por un mensaje positivo en medio del mundo actual donde lo negativo, los desastres, la violencia y la desconfianza no nos dan tregua.

Ficha técnica 

Título original: Lo que de verdad importa
Año: 2017
Duración: 113 minutos
País: España
Productora: ESP-62 Producciones / Topsail Entertainment
Género: Drama. Comedia. Fantástico | Realismo mágico. Religión. Enfermedad
Guion: Paco Arango
Música: Nathan Wang
Fotografía: Javier Aguirresarobe
Reparto: Oliver Jackson-Cohen, Camilla Luddington, Kaitlyn Bernard, Jonathan Pryce, Jorge Garcia, Adrian G. Griffiths, Brian Downey, Suresh John, Richard Donat, Glenn Lefchak, Pasha Ebrahimi, Jackie Torrens, Nikki Barnett, Gay Hauser
Dirección: Paco Arango

Megalodón

Esta súper mega producción sale a flote solo mientras se mantiene sumergida. Tanto es así que cuesta bastante clasificarla porque en rigor son varias películas en una, las más de las veces desconectadas entre sí y que deambulan sin un horizonte claro. Vamos por parte.

Un ambicioso proyecto de exploración submarina financiado por un excéntrico ultra archi millonario está a punto de descubrir algo increíble. Se trata de un mundo submarino mucho más extenso, bajo la capa del subsuelo de las fosas Marianas que se creía el lugar más alejado de la superficie, superando los 11.000 metros de profundidad. Durante esta exploración, el vehículo sumergible de última tecnología que encabeza la misión sufre el ataque inesperado de una criatura totalmente desconocida y brutalmente gigante. Allí entra en escena un experto buceador quien es llamado de urgencia para salvar a la tripulación. Jonás Taylor -Jason Statham- es un tipo especial y rudo que debe lidiar con los tormentos de su pasado y sacar adelante un rescate que parece imposible. Hasta allí, todo va relativamente bien, sin embargo la cinta se estira aún más y con ello el metraje se diluye en aguas profundas y en una superficialidad -con banales imitaciones- que la hunden definitivamente.

Hay que reconocer que no todo es negativo en esta película. La fotografía de Tom Stern del mundo submarino es bella. También los entornos del laboratorio de investigación y varias de las tomas aéreas que nos acercan al lugar están muy bien logradas. La acción también está bien filmada, nos sumerge en ese clima de amplitud oceánica y de vulnerabilidad humana ante la amenaza de lo desconocido. Los problemas más serios se presentan con los personajes debido a su escaso desarrollo, diálogos inútiles y vacíos y en gestos que definitivamente enturbian la fluidez de un relato que no encaja y que es forzado por el timón de un guion plano y flojo que lo deja a la deriva.

“Megalodón” de todas maneras entretiene a pesar de estar llena de clichés. Claro, hay que tener paciencia y aguantar la respiración cuando se trata de las escenas en superficie. Una vez que volvemos al interior del océano la filmación de Jon Turteltaub es mucho más natural porque se encuentra en un hábitat menos complejo de construir desde lo argumental y más claro de exponer desde lo visual.

Si aún no la ha visto, recomiendo no seguir con esta lectura. Las caricaturas de los personajes son tan básicas que podemos adivinar la suerte -o desgracia- del multimillonario, y la cantidad de muertes que asoman al equipo explorador. También podemos aventurar que el héroe logrará su cometido, no sin antes rescatar a su comprensiva ex mujer y también a su futura prometida. Lo de la bahía está absolutamente de más... ni si quiera funciona como guiño a la original “Tiburón”. Y por si lo anterior fuera poco, podemos comprobar que existe algo más terrible que un Megalodón: dos megalodones. ¿No será mucho?

Ficha técnica 

Título original: The Meg
Año: 2018
Duración: 113 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Apelles Entertainment / Gravity Pictures / Maeday Productions / Flagship Entertainment Group. Distribuida por Warner Bros.
Género: Acción. Thriller. Ciencia ficción | Tiburones. Monstruos
Guion: Belle Avery, Dean Georgaris, Erich Hoeber, Jon Hoeber, James Vanderbilt (Novela: Steve Alten)
Música: Harry Gregson-Williams
Fotografía: Tom Stern
Reparto: Jason Statham, Bingbing Li, Rainn Wilson, Ruby Rose, Winston Chao, Cliff Curtis, Robert Taylor, Masi Oka, Ólafur Darri Ólafsson, Jessica McNamee, Page Kennedy
Dirección: Jon Turteltaub

Misión Imposible: Repercusión

Sexta entrega de la saga y lo primero que parece imposible lo logra. Seguir plenamente vigente y construir una cinta de acción que no pierde atractivo a pesar de usar todos los elementos clásicos de sus predecesoras.

Ethan Hunt -Tom Cruise- recibe una nueva misión que decide acepta (¿habrá alguna que no acepte?, se esboza en una parte de la cinta). Esta vez se trata de interceptar un intercambio de plutonia que si resulta exitoso y cae en manos criminales desencadenará una serie de explosiones nucleares en diversos puntos del planeta. Hunt y su equipo planean la misión al detalle pero algo sale mal. En una emboscada poco previsible, el agente debe decidir entre tomar el plutonio o salvar a su equipo, decisión sobre la que no duda ni un instante, privilegiando a sus compañeros por sobre la misión. Comienza entonces la remontada, el ir siempre detrás, luchando contra poderes gigantes para recuperar lo perdido y con ello evitar una debacle de proporciones insospechadas.

La película es lineal y su trama es, dentro de todo, bastante sencilla. No tiene exceso de vueltas y revueltas argumentales por lo que su centro es únicamente la sólida voluntad del protagonista de poder cumplir la misión. Y es aquí donde aparecen los elementos que ya son marca registrada de la franquicia. Las persecuciones, las escenas de extrema acción, peligro y audacia son sus pilares fundamentales. A pesar de un reconocido esfuerzo por incorporar diálogos y reflexiones que de alguna manera construyan líneas argumentales con las cintas anteriores, cada una de esas ramas se presenta en su justa medida, aportando al metraje y siempre dejando en primer lugar el particular desarrollo de esta versión.

Hay puntos altos en Misión Imposible, repercusión. Uno de ellos es una secuencia de acción donde el sonido ambiente es suprimido y solo es acompañada por música incidental. Es notable, se transforma en una coreografía perfecta donde cada movimiento va unido al sonido de forma inseparable. Otro punto altísimo es la partitura original de Lorne Balfe. Bien conocemos el motivo musical característico de Misión Imposible. Balfe logra crear unas variaciones tan limpias que, sin perder originalidad, entregan nuevos horizontes rítmicos y armónicos que “suenan a” y que además funcionan como una apertura hacia otros universos sonoros.

Algo característico de esta saga del agente Ethan Hunt es la filmación de las escenas de acción. Tom Cruise nos ha acostumbrado a estar él mismo en estas secuencias y esta vez no es la excepción. Incluso el rodaje se debió suspender un tiempo por un accidente del protagonista en el set de Londres. Estas escenas son deslumbrantes, no solo por lo bien filmadas y editadas que están, sino porque logran verdaderamente crear la sensación de estar ahí, sobre los actores, seguidos de cerca en las calles de Paris y en la urbanidad de un Londres prístino y moderno.

Fotografía y diseño de producción están también en un altísimo nivel, acompañando un guion ágil que pone acento en lo sustantivo para dejar en relieve solamente lo que venimos a ver en la pantalla grande. Nada sobra en 147 minutos que pasan volando, entretenidos de principio a fin, donde lo imposible es alcanzable y Tom Cruise está intratable. Nada lo doblega, nada lo detiene y nada parece tener la capacidad suficiente para interponerse en su camino con alguna posibilidad de éxito. Larga vida a Ethan Hunt y a sus imposibles misiones que, mientras las siga aceptando, podremos verlas y seguirlas con fantástica admiración.

Ficha técnica

Título original: Mission: Impossible - Fallout
Año: 2018
Duración: 147 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Paramount Pictures / Skydance Productions
Género: Thriller. Acción | Espionaje. Secuela
Guion: Christopher McQuarrie, Bruce Geller
Música: Lorne Balfe
Fotografía: Rob Hardy
Reparto: Tom Cruise, Rebecca Ferguson, Henry Cavill, Simon Pegg, Ving Rhames, Vanessa Kirby, Michelle Monaghan, Alec Baldwin, Angela Bassett, Sian Brooke, Sean Harris, Wes Bentley, Frederick Schmidt, Liang Yang, Kristoffer Joner
Dirección: Christopher McQuarrie

Los oportunistas (The Place)

Este interesante relato del director italiano Paolo Genovese tiene una puesta en escena íntima y minimalista. Lo que está filmado transcurre al interior de un bar llamado “The Place”, sin embargo la acción no se remite solo a dicho lugar y aquello es parte fundamental de la magia que tiene la cinta.

Partimos de una premisa que es enigmática e inquietante. Un hombre -Valerio Mastandrea- se sienta todo el día en la misma mesa y recibe la visita de diversas personas, todas con algo en común: quieren hacer realidad un sueño, piden un milagro o algo que ven muy difícil de conseguir como por ejemplo la recuperación de una enfermedad terminal, ser más bella, volver a tener fe, encontrar un botín, reanimar un rutinario matrimonio o salvar a un hijo de una muerte inminente. Este hombre promete cumplir el deseo siempre y cuando quien lo solicita realice algo a cambio y esta petición no es nada de fácil. Asesinar, robar, perpetrar un atentado, violar a alguien, golpear a un desconocido, pero también cuidar a un niño de ser violentado. No hay explicación, solo un deseo por persona y la condición de hacer algo específico a cambio.

En una dinámica teatral, Genovese filma un juego de ajedrez mental. Las piezas, difusas e inconexas, a veces cuadran como un perfecto juego de Tetris y otras veces toman rumbos de acción que obligan a modificar los planes iniciales. Si hacemos un paralelo con el fútbol, acá hablamos de la táctica fija, la jugada preparada y el análisis de cada uno de los movimientos, algo que funciona en la teoría pero que en la práctica sin duda puede fallar.

El relato nos lleva a imaginar los entornos y lo que hace cada una de las personas que acuden a este extraño “hombre” para cumplir su encargo. Él pide detalles y a través de aquello vamos construyendo una historia que transcurre mucho más en nuestra imaginación que en las imágenes que visualizamos.

Uno de sus requirentes le dice que “lo que hace es alimentar monstruos”, sin embargo la réplica no tarda: “siempre hay alguien dispuesto a hacerlo”. Y allí está la clave, pues el corazón humano tiene la disponibilidad de hacer algo -aún perverso- por una motivación fundamental y vital. Los valores se trastocan, se pueden incluso invertir y la moralidad pasa a ser totalmente subjetiva. Los ejemplos que la película entrega son extremos y obligan a una reflexión profunda.

No es fácil sostener una cinta de este tipo ni menos darle vuelo a nuestra imaginación como espectadores utilizando tan pocos elementos. Genovese lo logra al plantear este enigma y a través de sus conexiones y códigos. Es un notable trabajo, bien filmado, bien actuado y que se sitúa como un punto alto dentro de una cartelera que no se despega de las súper historias y de los súper héroes.

En esta película que data del año 2017 y que recién llega a nuestro país, lo único que podríamos reprocharle es que no mantenga el título original. Su nombre en español no tiene nada que ver con la historia, ni con el relato ni con nada. El título es “The Place”, que no es solo el nombre del bar sino que representa efectivamente lo que es su centro: es, efectivamente, “el lugar”.

Ficha técnica

Título original: The Place
Año: 2017
Duración: 105 minutos
País: Italia
Productora: Leone Film Group / Lotus Productions
Género: Drama
Guion: Paolo Genovese, Isabella Aguilar
Música: Maurizio Filardo
Fotografía: Fabrizio Lucci
Reparto: Valerio Mastandrea, Marco Giallini, Alessandro Borghi, Silvio Muccino, Alba Rohrwacher, Vittoria Puccini, Sabrina Ferilli, Silvia D'Amico, Rocco Papaleo, Giulia Lazzarini, Vinicio Marchioni
Dirección: Paolo Genovese

Mentes poderosas

Anunciada como una película de los productores de la intrigante “Strangers Things”, las expectativas son altas pero lamentablemente se vienen abajo a los pocos minutos de comenzar.

La cinta es una clásica distopía adolescente que tiene un escaso relato y que parte de una idea central misteriosa. Un extraño suceso mata a la mayoría de los niños de Estados Unidos y los que se salvan son llevados a grandes campos de concentración. Lo acontecido les ha entregado a los sobrevivientes diversos súper poderes que se clasifican por colores según su grado de profundidad y también de letalidad. Este inicio no dura demasiado, entrega pocos elementos y luego la cinta deambula predeciblemente en las relaciones de los jóvenes que se encuentran, en sus características, en el cómo se reconocen y el afán común de conocer algo más de lo que les sucede mientras deben protegerse de los cazadores que están permanentemente tras sus pasos.

El bien y el mal, las dudas permanentes en las otras personas, la desconfianza extendida, erráticos comportamientos y no saber definitivamente en quien confiar es parte del menú ofrecido durante largos 105 minutos.

Hay, por supuesto, búsqueda de poder, abusos brutales, un complot del gobierno, ocultamiento y una naciente rebelión juvenil a todo aquello. La discriminación, el aislamiento y los malos tratos que sufren los protagonistas hacen que empaticemos con ellos, sin embargo no alcanza a configurar una tensión suficiente para dotar a la historia de un genuino interés. Y luego de todos esos caminos ya conocidos la cinta queda abierta a nuevas sagas...

Claro, todo es esperable, sin embargo lo mejor tal vez sería que “The Darkest Minds” no avance salvo que tenga algo realmente mejor que mostrar.

Ficha técnica 

Título original: The Darkest Minds
Año: 2018
Duración: 105 minutos
País: Estados Unidos
Productora: 20th Century Fox / 21 Laps Entertainment
Género: Ciencia ficción. Romance. Fantástico | Distopía. Young Adult. Adolescencia. Pandemias
Guion: Chad Hodge (Novela: Alexandra Bracken)
Música: Benjamin Wallfisch
Fotografía: Kramer Morgenthau
Reparto: Amandla Stenberg, Mandy Moore, Gwendoline Christie, Harris Dickinson, Miya Cech, Skylan Brooks, Mark O'Brien, Wallace Langham, Golden Brooks, Patrick Gibson, Catherine Dyer, Peyton Wich, Sammi Rotibi, Deja Dee, Lidya Jewett, Connor Murdock, Kaleigh Rivera, Allie McCulloch, Charles Green, Kassidy Slaughter, Audrey Hope, Carson Holmes, Jonnah-Blaine Bowling, Blake Bertrand, McCarrie McCausland, Curtis Gammage
Dirección: Jennifer Yuh