La Invitación

¿Quién no ha escuchado ruidos provenientes de un departamento superior? Excluyendo a los habitantes de una casa o de un último piso, probablemente todos hemos estado más o menos expuestos a una situación que, sobre todo a altas horas de la noche, puede ser al menos incómoda.

Esta es solo una parte de la premisa de esta película protagonizada por Olivia Wilde y Seth Rogen, una pareja que invita a cenar a sus vecinos de arriba. Joe -Rogen-, es profesor de música y arrastra años de frustraciones. De hecho, la cinta abre con él dirigiendo un ensayo de la banda del colegio en el que ignora las imperfecciones y se limita a decir “buen trabajo”, “repitan”, para luego dejarlos solos. La rutina y el desgano con que Joe enfrenta la vida aumenta en su incómodo retorno a casa -primero en metro y luego en bicicleta- en la única secuencia de la película filmada en exteriores y que da contexto a los créditos iniciales.

En casa, Angela -Wilde- le dice a Joe que tienen invitados. Se trata de los habitantes del piso superior, un encuentro largamente postergado. Joe se niega, no quiere, está cansado y abrumado. Ángela insiste. Discuten acaloradamente pero no hay vuelta atrás. Suena el timbre y llegan Pina -Penelope Cruz- y Hawk -Edward Norton-, dispuestos a pasar una velada que no solo tendrá sorpresas, sino que pondrá en tela de juicio las complejas relaciones de pareja de hoy en día.

Basada en la exitosa obra de teatro “Los Vecinos de arriba”, escrita por Cesc Gay a mediados de la década de 2010, “La Invitación” es un remake de “Sentimental”, una versión llevada al cine por el propio director el año 2020. En esta oportunidad, es Olivia Wilde quien se hace cargo de dirigir y actuar una cinta que no se aparta nunca de su esencia al transcurrir casi en su totalidad en un espacio cerrado. Con textos inteligentes y una música trepidante compuesta por Devonte Hynes, en la que un violoncello lleva la voz cantante, el filme resulta incisivo gracias a una buena dosis de audacia provista por mordaces diálogos que escalan en una espiral que por momentos parece perder el control.

Solo cuatro actores dentro de una habitación logran construir y deconstruir el mundo de las relaciones de pareja en muy pocos minutos. Por momentos es intimidad pura, con movimientos y gestos sutiles; otros responden a dinámicas particulares, individuales, donde cada uno expresa su profunda personalidad; y en gran parte del metraje, la película encuentra su base en un juego de duplas, en aquella identidad de pareja que no es solo la suma de sus partes.

Cuando el tono de la discusión sube y la temperatura aumenta, la sexualidad pasa a ser el centro. Efusiva -motivo de los ruidos- y prácticamente perdida -la realidad de Angela y Joe-, la temática no deja a nadie indiferente cuando la pareja invitada coloca sobre la mesa un posible intercambio. Allí es cuando surgen las complicidades, los cuestionamientos y aquellos puntos de fricción que llevan al filme hacia su ebullición, tal como una olla a presión a punto de explotar.

La acertada elección del elenco no pasa inadvertida. Seth Rogen se ve tan natural en el rol de Joe que es difícil saber si está sujeto al guion o bien improvisa varios de sus pasajes. Lo cierto es que su actuación logra algo muy difícil, esa mezcla de drama y comedia que involucra a la audiencia. Olivia Wilde se separa de su labor de directora al dar vida a Ángela, un personaje complejo de construir pues es quien sostiene las piezas del relato. Edward Norton, como Hawk, resulta inescrutable, y esa faceta -muy bien encarnada por el actor- resulta fundamental para generar un contrapunto que no se advierte sino hasta los minutos finales. En último término, la inclusión de Penélope Cruz, interpretando a Pina, entrega una gran dosis de sensualidad gracias a ese toque hispano latino que contribuye a subir la temperatura de la caldera.

En poco menos de dos horas, “La Invitación” no deja dudas. Cuando hay un guion potente y actores sólidos, el resultado no puede ser mejor en una película que no esconde los problemas. Al contrario, los pone sobre la mesa, los desarrolla y literalmente los desnuda para provocar una discusión sin pretender ser la palabra final o entregar un veredicto circunstancial. Un poco a contracorriente, esta película tal vez no sea para todo público. Su conflicto se desarrolla más en el plano de las ideas que en el de la acción física, algo que en estos días tiende a sucumbir ante la inmediatez y la carencia de una genuina atención.

Ficha técnica

Título original: The Invite
Año: 2026
País: Estados Unidos
Duración: 108 minutos
Compañías: Filmnation Entertainment, Annapurna Pictures, Permut Productions
Género: Comedia. Drama | Comedia dramática. Remake. Cine independiente USA
Guion: Rashida Jones, Will McCormack. Obra: Cesc Gay
Música: Devonte Hynes
Fotografía: Adam Newport-Berra
Reparto: Seth Rogen, Olivia Wilde, Penélope Cruz, Edward Norton
Dirección: Olivia Wilde

Supergirl

Esta cinta está construida desde una perspectiva muy diferente al imaginario colectivo que tenemos sobre su protagonista. Como prima de Superman, es inevitable asociarla con el icónico superhéroe, sin embargo, en esta ocasión, Supergirl representa a una mujer que ha recorrido un camino muy difícil, marcado por sus primeros años de vida en una astilla del planeta Krypton mientras todo moría a su alrededor, hasta que su padre decidió salvarla, enviándola a la Tierra.

Kara Zor-El -Milly Alcock- acaba de cumplir 23 años y lo celebra en grande. Asiste a fiestas, se emborracha y así trata de huir de lo que por años la ha perseguido. En eso está cuando se cruza en su camino Ruthye Marye Knoll -Eve Ridley-, una joven que acaba de perder a su familia cruelmente asesinada por el líder de los Brigands, Krem -Matthias Schoenaerts-, una banda de piratas y traficantes que recorren el universo.

Ruthye quiere ayuda para vengarse pero Kara solo quiere seguir con su vida. No obstante, cuando es atacada por Krem, quien además ha envenenado con un dardo a su perrito Kripto, decide que es el momento de perseguir al bandido para conseguir un antídoto que debe aplicarle en menos de tres días.

Tomando como base la miniserie Supergirl: Woman of Tomorrow (2021-2022), escrita por Tom King e ilustrada por Bilquis Evely, el director Craig Gillespie compone un universo distópico en el que predominan fuerzas intergalácticas. Con guion de Ana Nogueira, la película nunca termina de definir su propia esencia. Por momentos, corresponde al drama íntimo de una adolescente tardía; en otros, privilegia las batallas y peleas; y en los menos, pone el énfasis en sus personajes, la mayoría caricaturas que no tienen mayor desarrollo ni profundidad.

Desde el punto de vista de las actuaciones, Milly Alcock destaca por la soltura con que enfrenta su rol de Kara. Sin embargo, con la vestimenta de Supergirl, no consigue el grado de desdoblamiento requerido. Por su parte, la joven Eve Ridley responde a un contrapunto efectivo. Es ella la que logra remover a Kara con tesón, sobreponiéndose a la adversidad con mucha más naturalidad que la protagonista. En esta dinámica más cercana a la de una hermana mayor y una menor, se recogen pistas del pasado de Kara y se advierten luces del papel que Ruthye podría cumplir en el futuro.

El resto del elenco lo conforman Matthias Schoenaerts, quien construye un arquetipo antagónico sin más peso que el de su crueldad, siempre jugando y no tomando nada en serio; y Jason Momoa, quien da vida a Lobo, un estrafalario mercenario alienígena y cazarrecompensas del planeta utópico llamado Czarnia. La introducción de este último en la saga promete nuevas aventuras y tal vez más un spin off.

En menos de dos horas los tres actos de “Supergirl” fluyen correctamente. Ni la estética ni el enfoque de la película son de mi gusto, pero debo reconocer que las secuencias y efectos especiales cumplen con lo esperado. Tal vez, el mérito mayor de esta nueva entrega es justamente el cambio de esencia que propone para su personaje principal. No sé si estoy de acuerdo con ello, pero me inclino a pensar que se enmarca en la renovación que DC Comics está impulsando. Sin duda atraerá nuevas audiencias y con ello puede que logre despegar, aunque el verdadero veredicto lo entregará la taquilla.

Ficha técnica

Título original: Supergirl
Año: 2026
Duración: 110 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: DC Comics, DC Entertainment, Warner Bros., DC Studios. Distribuidora: Warner Bros.
Género: Ciencia ficción. Fantástico. Acción | Superhéroes. Cómic. DC Comics
Guion: Ana Nogueira. Cómic: Tom King. Personajes: DC Comics
Reparto: Milly Alcock, Matthias Schoenaerts, Eve Ridley, David Krumholtz, Emily Beecham, David Corenswet, Jason Momoa
Dirección: Craig Gillespie 

El Afinador

Las películas que incorporan elementos musicales como eje central de su trama son poco frecuentes. Ya por eso, vale la pena mirar con atención esta obra dirigida por Daniel Roher y coescrita junto a Robert Ramsey.

La historia presenta a Harry Horowitz -Dustin Hoffman- y a Niki White -Leo Woodall-, maestro y aprendiz de un oficio muy poco conocido: la afinación de pianos. La relación entre ambos es estrecha. Amantes de la música y eficientes en su trabajo, tienen una agenda completa que los lleva de casa en casa para afinar los instrumentos de sus clientes.

Niki tiene una particularidad bastante especial. Padece de hiperacusia, una alteración auditiva que le hace percibir todos los sonidos a un volumen exageradamente alto, por lo que lleva tapones en sus oídos de forma permanente. Pero una condición tan adversa tiene también una contrapartida beneficiosa. Con el tiempo, Niki descubre que puede descifrar las combinaciones más complejas de los sofisticados mecanismos de las cajas fuertes, solo escuchando el movimiento de sus engranajes.

Con este escenario, al que se suman Ruthie -Havana Rose Liu-, una talentosa estudiante de composición y objeto del interés romántico de Niki, y la repentina enfermedad de Harry, la historia deriva hacia el thriller policial y el drama, géneros que la película equilibra hasta el final.

Los méritos de esta cinta no radican necesariamente en su estructura narrativa, sino en la exploración de sus temas. Primero, el arduo proceso que implica afinar un piano. Si bien no se explica en detalle, sí es posible advertir lo complejo de la tarea y la necesaria virtud que se debe tener para enfrentarla. Y el resultado es convincente, porque la película contrasta un piano afinado mecánicamente, de sonido más duro y áspero, con otro afinado de forma manual, más rico en armónicos, algo que puede tardar fácilmente dos horas o más. Aparte, la cinta introduce el oído absoluto: la capacidad de identificar con exactitud la altura de cualquier sonido, es decir, qué nota suena con solo escucharla, sin referencia externa, y no solo notas aisladas, sino también acordes y secciones completas.

La segunda característica que explora la cinta es el volumen de sonido. Niki escucha todos los sonidos a una intensidad exagerada. Es una ventaja en ciertos contextos, pero también una fuente constante de dolor. Por eso debe usar tapones. Sin embargo, es justamente esa condición la que le permite escuchar esos mínimos detalles que lo llevan a desarrollar su nueva faceta. Y por supuesto, hay dos factores clave para que Niki ceda a la tentación: la necesidad económica y el dinero fácil.

De edición rápida, pero ritmo lento, a “Tuner” le cuesta fluir hacia su tercio final. La actuación de Leo Woodall es creíble y su química con Havana Rose Liu es innegable, lo que ayuda mucho al metraje. Sin embargo, el desarrollo de la parte criminal con la banda liderada por Uri -Lior Raz-, se vuelve árido y extenso. Pese a ello, las pocas apariciones de Dustin Hoffman destacan por su carisma y la intervención de Jean Reno, como el maestro de Ruthie, completan un elenco sólido y experimentado.

En casi dos horas, que se hacen un poco extensas, esta película trata sobre la búsqueda de la perfección y lo difícil que resulta aceptar las propias imperfecciones. Asimismo, y de manera lúdica, la cinta nunca pierde el foco en el arte del sonido y, al menos para mí, la secuencia final -aunque condensada- constituye su momento más logrado.

Ficha técnica

Título original: Tuner
Año: 2025
Duración: 109 minutos
País: Canadá
Compañías: Coproducción Canadá-Estados Unidos; Black Bear, Elevation Pictures
Género: Thriller | Robos & Atracos. Discapacidad auditiva. Música
Guion: Robert Ramsey, Daniel Roher
Música: Marius De Vries, Will Bates
Fotografía: Lowell A. Meyer
Reparto: Leo Woodall, Havana Rose Liu, Lior Raz, Tovah Feldshuh, Jean Reno, Dustin Hoffman
Dirección: Daniel Roher 

Los Renacidos

Un tema de fondo subyace en esta cinta del director argentino Santiago Esteves. Cuesta llegar a él porque, aunque el título de la película entrega una luz importante, bajo la cobertura de un thriller policial se encuentra una historia humana y familiar compleja. Vamos por parte.

Manuel -Pedro Fontaine- quiere dejar atrás el pasado y vive con su familia aislado en la montaña. Cuando su tío Horacio -Óscar de la Fuente- lo busca para ejecutar un nuevo encargo, junto a su hermano Óscar -Marco Antonio Caponi-, Manuel se ve obligado a aceptar. Distanciados hace un tiempo, los dos tienen experiencia en simular la muerte de personas para luego sacarlos del país con nuevas identidades. Ahora, corresponde el turno del contador de un cartel narco que está en problemas, sin embargo, una serie de acontecimientos desvían el curso de los hechos y lo que era un caso de rutina, se convierte en una persecución implacable en la que la consigna es sobrevivir o morir.

Escrito y dirigido por Esteves, el filme está compuesto por varias capas que se entremezclan a lo largo del metraje. El no saber qué fue lo que separó a los hermanos es la primera intriga. El negocio familiar constituye la segunda, y descubrir el verdadero papel de cada uno es el enigma principal. Esteves no es explícito en el relato, deja mucho a la interpretación y apela a que podamos rellenar varias partes con nuestras propias especulaciones. Esto resulta interesante, pero cansa, porque añade una capa adicional de interpretación a una trama ya bastante enrevesada que en su desarrollo central parece escaparse de las manos.

Los roles principales son masculinos, qué duda cabe. Lo que está en juego es la fortaleza física y mental de los protagonistas, donde cualquier debilidad puede costarles la vida. Tanto Pedro Fontaine como Marco Antonio Caponi, asumen sus papeles con propiedad, pero dejan abiertas algunas rendijas por las cuales se filtran las dudas y vulnerabilidades de un pasado desconocido. En ellos recae el peso del drama, porque en el resto del elenco observamos escaso desarrollo, respondiendo más bien a arquetipos reconocibles y bastante caricaturizados.

La premisa de esta cinta resulta atractiva porque es muy actual. Los ingredientes empleados permiten elaborar un relato que es perfectamente plausible, aún cuando algunas situaciones resulten poco creíbles. El manejo de la tensión, dosificada pero permanente, es quizá el logro mayor de este trabajo, junto con una fotografía que expone la belleza de la cordillera en contrapunto con las oscuras intenciones humanas.

“Los renacidos”, en solo 81 minutos, condensa una historia que podría haber tenido un mayor desarrollo de sus personajes. Si bien logramos hacernos una idea, me quedo con la sensación de que faltó construcción para crear raíces más profundas. Decidir qué entregar y qué ocultar no resulta sencillo, más aún cuando la tentación es propiciar el suspenso a través de la falta de información. Así y todo, esta película mantiene una buena dosis de nervio de comienzo a fin y se las arregla para quedar dando vueltas varios días.

Ficha técnica

Título original: Los renacidos
Año: 2025
Duración: 81 minutos
País: Argentina
Compañías: Coproducción Argentina-España-Chile; Rio Films, Le Tiro Cine, El Otro Lado Films, Zabriskie Films
Género: Thriller. Intriga | Policíaco
Guion: Santiago Esteves
Música: Mario Galván
Fotografía: Enrique Stindt
Reparto: Pedro Fontaine, Marco Antonio Caponi, Óscar de la Fuente, Juan Ignacio Cané, Federico Liss, Verónica Gerez
Dirección: Santiago Esteves

Toy Story 5

¡Bonnie y sus juguetes están de regreso! Jessie, Buzz Lightyear y Woody enfrentan algo desconocido, una pantalla que amenaza robar la atención de la pequeña de ocho años y relegarlos definitivamente a la bodega.

Esta quinta entrega de la saga tiene un giro protagónico. Después de que Woody dejara a Bonnie para quedarse con Bo Peep y ayudar a los juguetes abandonados a encontrar dueños, Jessie se ha convertido en la líder de la habitación, con Buzz como el segundo a cargo. Cuando comienza la cinta, observamos numerosos Buzz replicados, aunque su presencia queda inicialmente sin explicación. En paralelo, Jessie está feliz en su nuevo rol, sin embargo, algo no está bien en Bonnie: se siente sola, sin amigas, triste, y sus padres están muy preocupados por ella.

El crecimiento de Bonnie trae consigo nuevos conflictos. Ella puede ver y comparar lo que hacen sus compañeras y siente que algo le falta. Ya no es suficiente la diversión con sus juguetes, necesita más contacto y poder socializar. De hecho, la principal preocupación de sus padres es que tenga amigas, pero Bonnie es tan tímida que ni siquiera logra relacionarse con otros niños de su entorno.

La solución que surge es eminentemente práctica. Como las tabletas se han vuelto tan populares, permitiendo jugar y estar en contacto con otros niños, santo remedio, piensan sus papás y se la regalan. Lilypad es ahora el nuevo foco de atención de Bonnie y los juguetes pasan al olvido. Y no es que Bonnie no quiera jugar con ellos. El problema es que eso ya no es bien visto por sus pares pues sería un signo infantil, en una edad en que comienzan aspiraciones mayores.

Este filme entra de lleno en los problemas de identidad y libertad de los más pequeños. No son tan chicos como para ignorar lo que ocurre ni tan maduros como para enfrentarlo adecuadamente. Son especialmente sensibles a los estímulos externos, mucho más que respecto a las guías paternas. ¿A quién sigue Bonnie entonces, a sus amigas o a sus papás? El camino parece ser claro.

Lo interesante es que el problema no es la tableta como instrumento tecnológico, sino la virtualidad e instantaneidad que permite para interactuar con otros, lo que provoca cambios radicales de comportamiento. Es tan fácil ver lo que los otros hacen y admirar las vidas externas, que eso obliga a tomar opciones que muchas veces van contra la propia esencia. La película no esconde una crítica de fondo al uso de pantallas y las redes de comunicación, y pone énfasis en que el bullying se traslada tal cual del mundo real al digital.

Pero volvamos a los juguetes. Como resultado, van quedando cada vez más desplazados. Algunos lo asumen con pesar y resignación, pero otros toman las banderas y se rebelan para dar la pelea. Es por eso que la travesía de esta cinta contiene épica, no se trata de algo menor. Hablamos de una aventura orientada a la recuperación de las prioridades, sobre la centralidad de los valores y el desarrollo de la propia esencia.

Los personajes son realmente encantadores. Jessie y Buzz llevan el peso ahora, mientras Woody regresa como colaborador, y pese a que no cumple un papel decisivo, aporta desde la experiencia que tiene y también desde una mirada más externa. También es el momento de destacar a los Buzz, a quienes conocimos en las primeras escenas, un gran grupo organizado que persigue un objetivo, y al resto del elenco que, con sus intervenciones, suma frescura y anécdotas graciosas al metraje.

El punto central de esta película son los cambios culturales. También propone un interesante contrapunto: la soledad de Bonnie versus la unidad de los juguetes. Obviamente, la tableta es presentada como el símbolo visible de la amenaza, pero ¿en verdad lo es? En rigor, sería solo un vehículo, porque los verdaderos problemas serían las apariencias, la vida aspiracional y la soledad en las redes.

“Toy Story 5” es una preciosa fábula y resulta muy actual. Sus enseñanzas son variadas y el mensaje se transmite con facilidad. En forma lúdica, la película entrega muchísimos valores sencillos de asimilar por los más pequeños, tales como el compañerismo, el trabajo en equipo, la amistad verdadera y la entrega desinteresada. Estos no se enseñan mediante discursos, sino a través de las acciones de los personajes, un mérito enorme para tiempos en que la capacidad de concentración es cada vez menor y la competencia por captar la atención está desatada.

Durante noventa minutos, la película construye una historia sobre afecto, crecimiento y transformación, una cinta para chicos y grandes, bien hecha, entretenida y tremendamente educativa. ¡Imperdible!

Ficha técnica

Título original: Toy Story 5
Año: 2026
País: Estados Unidos
Compañías: Pixar Animation Studios, Walt Disney Pictures
Género: Animación. Comedia. Aventuras | Pixar. Secuela
Música: Randy Newman
Fotografía: Animación
Reparto: Animación
Dirección: Andrew Stanton 

Las 100 noches del deseo

Dos hombres aceptan un trato: Manfred tiene cien noches para ganarse el afecto de Cherry y, si tiene éxito, ganará el patrimonio de Jerome; si fracasa, en cambio, debe tener un hijo y presentarlo como legítimo heredero.

Esta premisa tiene un contexto específico, porque sucede en un mundo creado por el dios Kiddo, un jardín pacífico donde nunca sucede nada en particular. Ante eso, su padre, el dios Birdman, interviene para crear las reglas que gobernarán la sociedad, incluidas estrictas expectativas en torno al matrimonio y al género.

En un enorme castillo viven Jerome -Amir El-Masry- y Cherry -Maika Monroe-, casados hace poco tiempo y quienes no han podido concebir un heredero, un hijo que permita continuar la estirpe de la familia. Y las normas sociales son claras: si esto no sucede, Cherry enfrentará la muerte, por lo que tiene 100 días para quedar embarazada. El tema es que Jerome evita a Cherry y ante la llegada de su amigo Manfred -Nicholas Galitzine- diseña un plan astuto y arriesgado: se ausentará del castillo, excusándose detrás de un viaje de negocios, para dejar solos a su mujer y a su amigo.

Cherry se resiste a la seducción de Manfred, sin embargo, no es fácil. En este punto, Hero -Emma Corrin-, su criada, asume un papel fundamental, pues sugiere la idea de contar una historia cada vez que Cherry se encuentre en problemas. Y así, comienzan a pasar las noches, relato tras relato, mientras se acumula tensión entre los tres personajes principales: Cherry, Manfred y Hero.

Basada en la novela gráfica “The One Hundred Nights of Hero” de Isabel Greenberg, Julia Jackman guioniza y dirige este relato inspirado en Scheherezade y las “Mil y una noches”. Esta adaptación resulta original, lúdica y también mágica, sin embargo, lentamente comienza a trabarse y perder fluidez. Indudablemente es una historia femenina con una carga importante aunque implícita de sexualidad, una fábula que muestra determinación, rebelión y empoderamiento, pero que no logra desarrollar un arco que vaya más allá de lo formal.

La preocupación principal del filme se centra en las personalidades representadas. Los personajes son caricaturas, piezas clave que deben tener factores que las destaquen para que se enfrenten entre ellos. Aunque los decorados son preciosos, con un gran trabajo de producción, se sienten vacíos debido al poco movimiento y a la escasa música que acompaña cada escena.

En su valle central, la cinta se torna plana y lenta. Los tiempos de la narración son irregulares y el desafío de cubrir las 100 noches se hace extenso. Esto es una lástima, porque el mundo mágico no alcanza a sostener un hilo que parece que siempre está a punto de romperse.

Si hay algo que merece destacarse en esta película es la naturaleza del contar historias. Creo que es lo más importante y con eso me quedo, con la relevancia y el poder de la narración, al punto que los relatos de Hero cobran incluso más peso que la trama principal. En ese juego de intercambios protagónicos, también representados en pantalla, vemos cómo las historias generan acciones, cambian a sus protagonistas y transforman las realidades. Además, es muy interesante ver cómo aquí la fórmula clásica funciona a la perfección: quedar en suspenso, querer saber más… la historia continuará.

Sin grandes conflictos, el quiebre en esta película llega muy al final, cuando ya queda muy poco espacio para desarrollarlo. Una vez más se percibe un desequilibrio en los tiempos y se condensa metraje en un cierre que podría haber tenido un mejor desarrollo. Las normas, las dudas, el abandono de la resistencia, las transgresiones y sus consecuencias, todo eso queda sin tiempo y sin explicación, una opción que impide cerrar de mejor forma la narración.

Puntos más, puntos menos, “100 Nights of Hero” no destaca aunque entretiene en sus 90 minutos de duración. Es cierto que al final se logran calzar las piezas, pero eso hace aún más evidente que la confección es solo un envoltorio para una historia de amor no tradicional que destaca un poder femenino cuya fortaleza aumenta mientras más adversas sean las condiciones.

Ficha técnica

Título original: 100 Nights of Hero
Año: 2025
Duración: 90 minutos
País: Reino Unido
Compañías: Erebus Pictures, Project Infinity, Piecrust Productions
Género: Fantástico. Romance. Thriller
Guion: Julia Jackman. Libro: Isabel Greenberg
Música: Oliver Coates
Fotografía: Xenia Patricia
Reparto: Emma Corrin, Nicholas Galitzine, Maika Monroe, Amir El-Masry, Charli XCX, Richard E. Grant, Felicity Jones
Dirección: Julia Jackman 

Backrooms

Estamos en 1990. En una grabación casera se observa un recorrido al interior de un edificio con grandes espacios vacíos, paredes amarillas y múltiples laberintos. Portando una cámara, el protagonista nos hace estar allí. A él no lo vemos, solo lo sentimos. Sus movimientos rápidos contagian miedo y desesperación. Entendemos poco pero la experiencia sensorial es clara.

Volver a los años 90 tiene aires retro. Allí vemos a Clark -Chiwetel Ejiofor-, el dueño de una tienda de muebles con problemas económicos. La ausencia de clientes agrava lo que ya pesa: un divorcio reciente. La terapia con la doctora Mary Kline -Renate Reinsve- ofrece un alivio que rápidamente se revela como insuficiente.

Clark no tiene claro qué hacer. Las deudas se acumulan y la factura eléctrica es anormalmente alta. Un técnico le ayuda y le hace ver que hay un interruptor que no responde, aunque las luces se comportan como si tuvieran voluntad propia.

El escenario es inquietante. Mientras Clark vive su soledad con angustia le sucede algo imprevisto. A través de una pared del subterráneo accede a un espacio amplio, mayormente vacío, pero que contiene señales extrañas: un montón de muebles, infinitos laberintos, varios carteles, algunas sillas repartidas, voces en distintos idiomas, etc.

Basada en la serie web de Parsons e inspirada en la creepypasta "Backrooms", esta cinta presenta un mundo paralelo. Se trata de otra dimensión, un lugar que no sabemos dónde está ubicado y que provoca incertidumbre. La curiosidad de Clark lo lleva a actuar, a descubrir y recorrer ese espacio, a interpretar señales que muchas veces no llevan a ninguna parte. A moverse constantemente entre dos realidades.

¿Será una representación vívida de sus temores, o bien corresponderá a una revisión de su mundo interior? ¿Por qué se ve obligado a vivir este trance? ¿Qué es lo que lo lleva a investigar e incluso a pedir ayuda a sus asistentes para incursionar al interior del lugar?

La música de Edo Van Breemen y del propio Kane Parsons sostiene el relato por largos pasajes. Es más: cuando la acción se desplaza al exterior, cuando los diálogos cobran mayor protagonismo, la tensión cae de forma notoria. Afortunadamente, pronto volvemos al misterio, ahora en grupo, para registrar cada uno de los movimientos. En ese instante, la película migra del suspenso al terror y es cuando obtiene los mejores resultados.

Interesante desde muchos puntos de vista, este trabajo merece atención. Primero, surge de una especie de mito que se viralizó en internet en 2019, a partir de la publicación de una foto. A raíz de ello, el adolescente Kane Parsons creó en 2022, con apenas 16 años, una serie web que ahora llega a la gran pantalla con una inversión inicial de 10 millones de dólares y una recaudación en ascenso.

En segundo lugar, la trama no es teórica sino experiencial. Las actuaciones de Chiwetel Ejiofor y Renate Reinsve intensifican la experiencia sensorial a través de sus reacciones y gestos. El mérito radica no solo en lo que observamos en pantalla sino en lo que nosotros mismos imaginamos, algo que puede diferir de lo que sienten los propios protagonistas pero que tiene elementos comunes: amenaza permanente, terror a lo desconocido y desprotección.

En último término, para no extenderme demasiado, este filme trabaja de manera muy acertada los planos y las dimensiones para provocar dudas y sorpresas progresivas. No pretende dar respuestas. Lo que quiere es que descubramos cada acción al momento de verla, pero que aquello no sea racional sino emocional. Entonces, el objetivo se cumple si empatizamos, si sentimos y si nos fundimos con lo que ocurre en pantalla.

“Backrooms” es diferente, una película que propone nuevas formas de inquietar y perturbar sin apelar a las fórmulas tradicionales. Además, el hecho de que su director solo tenga 20 años, anticipa una carrera que merece seguimiento. Es de esperar que los desafíos comerciales no consuman el talento y que este director conserve espacios de experimentación y desarrollo fuera de los parámetros regulares. Porque acá tenemos atrevimiento, osadía y una buena cuota de riesgo, elementos imprescindibles para innovar y crecer.

Ficha técnica

Título original: Backrooms
Año: 2026
Duración: 105 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: A24, 21 Laps Entertainment, Atomic Monster, Blumhouse-Atomic Monster, Chernin Entertainment, Oddfellows Pictures, Phobos. Distribuidora: A24
Género: Intriga. Terror. Fantástico | Thriller psicológico. Años 90. Creepypasta. Espacios liminales
Guion: William Bromell, Kane Parsons. Historia: Kane Parsons
Música: Edo Van Breemen, Kane Parsons
Fotografía: Jeremy Cox
Reparto: Chiwetel Ejiofor, Renate Reinsve, Mark Duplass, Finn Bennett, Lukita Maxwell
Dirección: Kane Parsons 

Ella y su hijo

Mahnaz -Parinaz Izadyar-, una enfermera viuda de 40 años, debe lidiar día a día con su hijo adolescente. Aliyar -Sinan Mohebi - ha sido expulsado de la escuela y las tensiones familiares no hacen más que aumentar. Poco después de su compromiso con Hamid -Payman Maadi-, su novio, sobreviene un trágico accidente. Tras el hecho, Mahnaz se enfoca en la búsqueda de justicia y reparación, enfrentando la pérdida y la traición en una espiral que parece no tener fin.

El director iraní Saeed Roustayi escribe y dirige una historia concebida por Azad Jafarian, un drama sobre una mujer y un niño ambientado en una realidad social muy distinta de la occidental. Se trata de una cultura radicalmente diferente, con ritos y costumbres que pueden resultar incluso chocantes, en la que el patriarcado estructura buena parte de la vida cotidiana, mientras las mujeres, relegadas habitualmente a papeles secundarios, o aceptan ese orden o se rebelan asumiendo grandes costos.

En esta cinta, que tiene un antes y un después del incidente, no solo existe la diferencia entre mujeres y hombres. Desde una mirada marcadamente femenina, el director se propone mostrarnos otros dos mundos, el de los adultos y el de los niños -por ello el título original “Mujer y Niño”-, para acentuar la distancia entre ambos universos, exponer las tensiones de la vida cotidiana y reflejar mejor las constantes tensiones de la vida cotidiana.

En el momento en que se produce el giro, la crisis pasa a dominar el relato. Es justo la mitad del metraje y el dolor es incontenible. La actriz Parinaz Izadyar lo vive intensamente. No parece interpretarlo; lo habita, en una caracterización que compromete a la audiencia. En ese instante, sus objetivos cambian y la película también. El deseo de superar la tragedia choca de frente con las dificultades de un sistema que parece estar absolutamente en contra. Ni la escuela de su hijo ni la justicia entienden la situación. Su otra hija parece no existir. Su madre, su hermana y su exnovio, a esa altura, tampoco empatizan con quien atraviesa uno de los momentos más dolorosos de su vida.

El descubrimiento gradual de lo que realmente ocurrió, sumado a cambios importantes en su núcleo más cercano, ahonda la inestabilidad de la protagonista. A partir de allí, el relato toma un nuevo rumbo y el camino hacia la sanación se torna todavía más pedregoso y complejo. Se trata de un viaje con destino incierto, que nos mantiene alerta y cuyo final difícilmente podemos prever.

“Woman and Child” está muy bien filmada y maneja adecuadamente el ritmo, adoptando pausas e imprimiendo velocidad según cada necesidad, lo que configura un metraje coherente que no pierde foco. Tomas amplias, efectivos distanciamientos visuales y una serie de encuadres no tradicionales dan a las escenas una frescura y dinamismo poco habituales. Saeed Roustayi nos hace sentir que estamos allí, como observadores, o bien como parte de la acción. De esa forma, nos sumerge en las emociones de sus protagonistas y también nos obliga a tomar una postura frente a los acontecimientos, en un viaje íntimo que atrapa nuestra atención.

Ficha técnica

Título original: Woman and Child
Año: 2025
Duración: 131 minutos
País: Irán
Compañías: Coproducción Irán-Francia; Boshra Film, Goodfellas Media
Género: Drama | Maternidad. Familia
Guion: Saeed Roustayi. Historia: Azad Jafarian
Música: Ramin Kousha
Fotografía: Adib Sobhani
Reparto: Parinaz Izadyar, Payman Maadi, Hasan Pourshirazi, Fereshteh Sadre Orafaee, Sahar Goldoost, Soha Niasti, Arshida Dorostkar, Sinan Mohebi, Kaveh Ebrahim
Dirección: Saeed Roustayi

Mil Pedazos

No estoy seguro de cuánto conviene saber sobre esta película antes de verla. En ocasiones, el conocer ciertos detalles nos condiciona y el llegar sin tener una idea preconcebida permite mayor libertad. Aunque también puede ocurrir lo contrario. En este caso, prefiero comenzar por la sinopsis oficial para luego profundizar en el análisis.

Padre, madre e hija salen de vacaciones y sufren un accidente, en la mitad del desierto, con graves consecuencias. La madre queda inconsciente y el padre intenta pedir ayuda para salvar a su hija. Tres meses después, la madre despierta del coma y emprende un largo camino con el fin de encontrar a su familia.

Desde la elección del formato, 4:3 en esta oportunidad, observamos que el director Sergio Castro San Martín no duda en tomar decisiones importantes. Las primeras imágenes resultan difíciles de interpretar; una conversación, una persona al interior de un auto, el paisaje de un árbol, una evidente decisión narrativa pues su objetivo es generar atmósferas sin entregar certezas.

La historia toma forma en el momento en que reconocemos a los integrantes de esa familia: Miguel (55), Isabel (45) y Emilia (9). Ellos preparan el viaje con distintos grados de ilusión. Emilia está feliz porque podrá usar la cámara digital que su padre Miguel le ha regalado. Isabel se resiste, porque no quiere abandonar sus labores, aunque sea por pocos días. Y Miguel impulsa en viaje con brío, porque tal vez sea la última posibilidad de salvar su matrimonio y mantener unida a su familia.

El accidente, información que bajo mi punto de vista no deberíamos conocer en forma previa, marca una ruptura decisiva. En ese momento resuena fuerte el título del filme: “Mil Pedazos”. Se rompe todo, absolutamente todo. ¿O ya estaba todo roto antes de ese momento? ¿Hay algún arreglo posible? La reacción de Miguel ante la tragedia sorprende. Toma una opción, elige un rumbo que trae consigo abandonar algo en una búsqueda de sentido más espiritual que material.

A continuación surge lo otro que ya sabemos de antemano: Isabel despierta tres meses después. Entre fragmentos aislados, no recuerda detalles de lo sucedido pero quiere encontrar a su hija y a su marido. Necesita saber qué pasó, dónde están, y comienza a buscarlos de forma incansable.

En este punto de la película, las preguntas cobran cada vez mayor protagonismo. ¿Cuál es la historia, la de Miguel o la de Isabel? ¿Lo que pasó en la ruta, es realidad o ficción? ¿Quién es Juan?

Sergio Castro San Martín construye este relato inspirado libremente en la historia del llamado “ermitaño de Las Chilcas”, un hombre que vivió por décadas en una cuesta de la Ruta 5 Norte cerca de Llay-Llay. Alimentado por camioneros y escaladores, su caso se transformó en un mito al desconocerse los motivos que tuvo para asumir esa forma de vida. Castro San Martín asume que esa particular decisión responde al abandono del sistema debido a una tragedia y lo traslada al personaje de Miguel.

Daniel Muñoz sostiene con solvencia una gran carga emocional. La primera parte de la película recae sobre él, y también en la joven Emilia Rodríguez, con quien logra una sintonía y un complemento muy natural. Muñoz casi no habla, solo gesticula, observa, dirige miradas perdidas y se mueve a la deriva por un paisaje que parece reflejar su estado interior. Cuando Isabel despierta, es el turno de Paola Giannini, quien compone un personaje doliente, que tampoco tiene un rumbo fijo pero sí posee el objetivo claro de encontrar a los suyos.

La película me dejó sensaciones encontradas. Primero, siento que faltó relato, cohesión narrativa. Está muy bien no ser predecible pero es necesario mantener una lógica interna. En segundo lugar, el director apela a varios recursos narrativos sin aparente relación, ni entre ellos ni con el hilo conductor. Me refiero al fluir del agua, a algunas tomas abiertas, a la acción de orinar en medio de las rocas, etc., elementos básicos que no logran construir un significado conjunto. El tercer punto, y tal vez donde tengo mis mayores reparos, radica en los numerosos elementos que quedan abiertos. Un ejemplo de esto es el tema de los recursos económicos de los que dispone la familia. La película nunca establece claramente ese punto, sin embargo, cuando Isabel emprende la búsqueda lo hace en un auto relativamente nuevo -y costoso-, cuya patente TVHZ68 entrega un dato de temporalidad que no puede obviarse. Otros detalles, como el hecho de que a la perrita no la veamos desde un comienzo, dan cuenta de un relato entrecortado y al mismo tiempo carente de puntos que entreguen dirección y unidad.

“Mil Pedazos”, ¿es un viaje, una experiencia, una reflexión o una historia personal? ¿Qué es, finalmente? Por supuesto el título es clave, porque alude a una metáfora que podemos asociar a la rotura de la vida en miles de pedazos, un quiebre total, sin salida, del que resulta imposible recomponerse. ¿Se podrán unir esos fragmentos de vida? O bien, en otras palabras, ¿qué es lo que podría lograr pegar cada una de las piezas?

Podríamos seguir profundizando y reflexionando, lo que es un mérito indudable de este trabajo que finalmente deja flotando una pregunta: ¿qué vamos a hacer? Porque ante un duelo, las vivencias son diferentes, la forma de enfrentar la vida de uno u otro puede ser totalmente opuesta y el resultado del proceso dependerá de las opciones que cada quien elija. Y tal como en la vida real, esta cinta ofrece varios finales posibles, con intuiciones, ensoñaciones e incertezas que quedan a la deriva esperando que nosotros les demos sentido según nuestro propio recorrido e historia personal.

Ficha técnica

Título original: Mil pedazos
Año: 2026
Duración: 90 minutos
País: Chile
Compañías: Coproducción Chile-España-Argentina; Latente Films, Amore Cine, Maluta Films, Panes Contenidos, Bikini Films, Inaudita
Género: Drama | Familia
Guion: Sergio Castro San Martín, Mara Pescio
Música: Mowat
Fotografía: Eduardo Bunster
Reparto: Daniel Muñoz, Emilia Rodríguez, Francisco Pérez-Bannen, Paola Giannini, Ximena Martín y Andrea Romero
Dirección: Sergio Castro San Martín

Zona de Riesgo

“Fuze”, el título original de esta cinta que hace referencia a la espoleta de una bomba o proyectil, comienza de forma convencional. En una obra de construcción, en el centro de Londres, los obreros que trabajan en el lugar descubren un material extraño. Se trata de una bomba sin explotar que parece ser de la Segunda Guerra Mundial. Si bien no se desata pánico de inmediato, se pone en marcha un operativo para evacuar la zona y evitar daños a residentes y transeúntes.

Como el dispositivo debe ser desactivado a la brevedad, la responsabilidad recae en el Mayor Will Tranter -Aaron Taylor-Johnson-, un militar experto en este tipo de operaciones, muy metódico y capaz de actuar con frialdad. Tranter y su equipo revisan el lugar y adoptan todas las precauciones para llevar a cabo un procedimiento de rutina, sin embargo, pronto se dan cuenta de que se ha activado el mecanismo de cuenta regresiva.

En paralelo al operativo, Karalis -Theo James- y "X" -Sam Worthington-, con dos amigos más, irrumpen en un banco cercano con la intención de acceder a las cajas de seguridad y desvalijarlas. Aunque el vínculo entre ambas situaciones parece claro, las conexiones son difíciles de identificar.

David Mackenzie filma un guion de Ben Hopkins evitando revelar demasiado. Se concentra en presentar una acción frenética, nerviosa, tensa, incrementada por la inminente explosión de la bomba y por el silencioso progreso de los ladrones del banco.

De este modo, vemos tres escenarios: la amenaza de explosión, el robo en proceso y las personas evacuadas que se reúnen en un gran parque. La cinta transcurre veloz durante su primera hora. Es la historia del gato y el ratón, porque se dan vertiginosas persecuciones mientras esta operación planeada al detalle parece terminar con un robo perfecto que no deja rastro.

La película toma otro rumbo en el último tercio del metraje, y es donde vienen las sorpresas y el guion deja de ser predecible. Una música permanente -tipo “Perpetuum Mobile”- acompaña todas las secuencias. Es monótona y agotadora; la verdad, termina saturando. Siempre lo mismo, intentando generar tensión a través de la incomodidad subterránea de sonidos que se repiten incesantemente.

Si bien en esta sección final el relato varía, la coda de la cinta recién explica los hechos. Es una jugada arriesgada, porque se sienten las diferencias de ritmo. Arranca con intensidad pero pierde impulso con una caída evidente en intensidad, un declive marcado que finalmente deja sensaciones encontradas.

Con actuaciones correctas y una buena fotografía, mis reparos están en el guion y en las decisiones adoptadas para contar la historia. Se sienten algunos baches y los saltos no ayudan mucho a la continuidad de la narración. Por supuesto sospechamos que las cosas no son lo que parecen, y eso funciona bien, el tema es que cuando se revela la verdad, es demasiado tarde. Ya no hay tiempo para desarrollar ni profundizar. Es como si se acabara el tiempo y ya no cabe nada más, dejando en el aire las historias propias de los protagonistas, por ejemplo la de Rahim -Elham Ehsas-, uno de los civiles afectados por el atraco.

“Zona de Riesgo” apunta más alto de lo que consigue. Entretiene, sí, pero promete más de lo que entrega. Suele pasar con películas de este tipo, que a veces no logran espacio de proyección en salas de cine -o duran muy poco tiempo-, y pasan directo al streaming para buscar allí su mejor rendimiento.

Ficha técnica

Título original: Fuze
Año: 2025
Duración: 98 minutos
País: Reino Unido
Compañías: ACE, Sigma Films
Género: Thriller. Acción | Robos & Atracos
Guion: Ben Hopkins
Música: Tony Doogan
Fotografía: Giles Nuttgens
Reparto: Aaron Taylor-Johnson, Theo James, Gugu Mbatha-Raw, Sam Worthington
Dirección: David Mackenzie

Después de la niebla

El viento mece las hojas de los árboles mientras se escucha el canto de los pájaros. Es el sur de Chile en esplendor, filmado con delicadeza y atención. Tonos verdes intensos, naturaleza exuberante y una casa. María se mueve con sigilo. Es temprano. Su madre duerme. Debe comer algo. El viaje es largo. Su padre la lleva a Osorno.

Con esa misma fragmentación se construye el relato que va construyendo la directora Miriam Heard en su trabajo de adaptar la novela “Después de la niebla” de María Edwards Urrejola, publicada en 2021.

María -Ema Godoy- estudia en la ciudad. Vive durante la semana en una especie de internado donde recibe techo, comida y educación. La disciplina que imparte su profesora es rigurosa. Se siente su disciplina alemana. En este hogar semanal comparte con su mejor amiga. Conversan, juegan, estudian y se acompañan. Vemos pocos niños. Aunque los hay, ellas son el eje de la historia.

María vuelve a su casa cada fin de semana, pero este es especial. Llegan visitas desde Santiago, amigos de sus padres que vienen a pasar unos días. Se rompe la rutina, pero solo para los adultos, porque para la pequeña protagonista se agudizan sus sensaciones.

Cuesta definir cuál es la historia de esta película. El trasfondo político -la campaña entre el Sí y el No del año 1988, y que además sitúa temporalmente la acción- parece importante en un comienzo pero poco a poco se diluye. Podemos ir más a fondo, entonces. La familia, su relación con el entorno, las dificultades económicas, la búsqueda de sentido. Esa lectura es más cercana pero aún resulta insuficiente. Finalmente nos quedamos con María, de unos 8 años, dividida entre dos mundos: el de sus padres, durante el fin de semana y el de sus estudios en la semana.

Miriam Heard filma cuidadosamente cada detalle y entrega el espacio necesario para que nos preguntemos qué estamos viendo. Quizá la respuesta esté en el deambular de María entre su mundo exterior, el que observamos, y su mundo interior, que intuimos y sentimos. Ema Godoy hace un trabajo muy natural. Desde las primeras tomas se ve sencilla y sin exageraciones. Al soportar prácticamente todo el peso de la cinta, muy pocas veces se le ve incómoda o forzada. Parece que actúa su propia vida, inmersa en un mundo de adultos que no logra comprender.

“Después de la niebla” habla de la soledad, de la necesidad de atención y del lugar que ocupa una niña en un espacio de padres ausentes. No se trata de la ausencia física -en la semana, naturalmente que es así- sino afectiva. No basta que su madre le diga que la quiere, y mucho. Eso es lo racional. Lo que María siente, puede ser incluso todo lo contrario: descuido, despreocupación; algo muy cercano al abandono. Muchas veces su contención es su nana, una mujer que se sobrepone a las dificultades cotidianas y que, gracias a ella, la casa sigue funcionando.

El conflicto que presenta Miriam Heard en este trabajo es diferente a lo que estamos acostumbrados. Es sutil y algo difuso, mucho más interno, y se juega en la interioridad de sus personajes. El desarrollo es lento y la cadencia larga. No parece haber apuro. El metraje se transforma en una rutina continua. Así, lo importante es la descripción, una mirada cercana a la vida íntima, para interpretarla y darle sentido.

Ficha técnica

Título original: Después de la niebla
Duración: 101 minutos
Género: Ficción
Productora ejecutiva: Dominique Rammsy S.
Director de fotografía: David Bravo Nuñez
Directora de sonido: Soledad Andrade
Director de arte: Gerardo Moro
Montaje: Luca Alverdi
Elenco: Ema Godoy, Inés Martín Bernaldo de Quirós, Mario Horton, Valentina Murh Altamira, Viviana Herrera, Heidrun María Breier, Álvaro Espinosa, Rocío Uson y Daniel Guillon
Dirección: Miriam Heard

The Mandalorian and Grogu

¿Demasiadas expectativas? Es posible. Eso es inevitable cada vez que una nueva película del universo Star Wars llega a los cines. ¿Está a la altura? ¿Funciona? Entremos en detalle.

La historia del cazarrecompensas mandaloriano Din Djarin y su aprendiz Grogu continúa. El Imperio ha caído y la Nueva República busca capturar a varios señores de la guerra que están repartidos por toda la galaxia. Allí Djarin encuentra su espacio, pues la comandante Ward -Sigourney Weaver- le encarga seguir el rastro de Janu Coin -Jonny Coyne-, un importante líder de la antigua armada imperial. La fuente de información proviene de los gemelos Hutt, hermanos y sucesores del difunto Jabba, pero su entrega está condicionada al rescate del hijo y heredero de Jabba, Rotta. De ese modo, el conflicto queda planteado para configurar un desafío que, de sencillo, tiene poco.

Escrita y dirigida por Jon Favreau, la película se remite a lo que ya conocemos de las tres temporadas de la exitosa serie “The Mandalorian” y su spin-off, “El libro de Boba Fett”. La cinta inicia fuerte, con una intervención llena de acción que recuerda las mejores secuencias de la saga original. Son quince minutos de adrenalina, de enfrentamientos y múltiples efectos que se gozan en pantalla grande. Sin embargo, desde ese momento, el metraje tiende más hacia la irregularidad, básicamente por lo fragmentado de su guion y sus consecuencias previsibles.

En términos escénicos, esta película tiene todos los ingredientes que esperamos: espectacularidad, fuerza, risas y emoción. La dificultad, entonces, radica en la necesidad de combinarlos en este relato de un poco más de dos horas, en un formato unitario que no parezca una sucesión de episodios. ¿El resultado? Se siente como un capítulo extendido de la serie o quizá como una temporada resumida. Desde cualquiera de los dos puntos de vista, la estructura termina desbalanceada, ya que el formato elegido parece carecer del tiempo suficiente para obtener un desarrollo consistente.

De lo que no hay duda es que es un espectáculo entretenido, especialmente en la gran pantalla IMAX. Allí se transforma en experiencia, porque los efectos visuales, la banda sonora y el entorno se aprecian en todo su esplendor. Y hay que elogiarlo, porque tal vez la mayor fortaleza sea justamente la ambientación espacial, aquello que a esta altura es marca registrada y ya está instalado en el imaginario colectivo, seamos más o menos fans del universo creado hace casi 50 años por George Lucas.

¿Vale la pena “The Mandalorian and Grogu”? Sí, y con letras grandes, pero no por originalidad ni por su suspenso. Vale la pena verla en el cine porque el escenario es inmersivo. Las secuencias de acción y la ternura de Grogu terminan siendo lo más destacado y opacan los escasos minutos de Pedro Pascal sin el casco de su personaje. No obstante, la química entre el mandaloriano y Grogu es clara y todo apunta a que nuestro pequeño y futuro Yoda tenga cada vez más protagonismo.

¿“This is the way” o “May the Force be with you”? Ya veremos qué nos depara el futuro. Por ahora disfrutemos y esperemos con confianza los nuevos rumbos de un universo memorable.


Ficha técnica

Título original: Star Wars: The Mandalorian and Grogu
Año: 2026
Duración: 132 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Lucasfilm, Golem Creations, Ian Bryce Productions
Género: Ciencia ficción. Acción | Star Wars
Guion: Jon Favreau, Dave Filoni, Noah Kloor. Saga creada por: George Lucas
Música: Ludwig Göransson
Fotografía: David Klein
Reparto: Pedro Pascal, Jeremy Allen White, Brendan Wayne, Lateef Crowder, Sigourney Weaver
Dirección: Jon Favreau