Sin Piedad

Pese a las críticas, en su mayoría negativas, la trama de esta película me llamó la atención como para darle una oportunidad. La historia se desarrolla en un futuro no tan lejano, en el que el detective Chris Raven -Chris Pratt- es acusado de asesinar a su esposa. En un juicio express, el otrora destacado oficial de la policía de Los Ángeles tiene solo 90 minutos para demostrar su inocencia ante la jueza Maddox -Rebecca Ferguson-, una IA avanzada que forma parte de un programa denominado Mercy.

¿Verdad que la premisa es interesante? Claro, sobre todo hoy que estamos rodeados de noticias sobre los avances de la Inteligencia Artificial y cómo el mundo está cambiando sus costumbres y procesos. Imaginemos nuestro mundo actual, inundado de delitos, una criminalidad en aumento, procedimientos engorrosos para capturar y juzgar a los delincuentes, etc. Y de pronto llega una solución tecnológica que promete agilidad, respeto de los derechos, basarse únicamente en hechos comprobables, infalibilidad y un valor que resulta esencial: la imparcialidad.

Da para pensar, sin duda, pero, ¿qué pasa entonces con el acusado? En este ejemplo, se trata de un policía pionero en el nuevo sistema llamado Mercy -que da el título a la película y significa misericordia-, y que ha sido parte de los primeros procesos llevados a cabo. Pero ahora tiene todo en su contra y se encuentra ubicado justo al otro lado del tablero. Su angustia es extrema. No recuerda nada, los actos lo incriminan, no sabe cómo defenderse y en solo 90 minutos su caso será historia. Con un índice de culpabilidad superior al 97 %, como figura el suyo, solo si reduce ese porcentaje al 92 % y si logra aportar evidencia objetiva, podría salvarse de la ejecución. No es sencillo hacerlo, sin embargo, no todo es negativo. Producto de los protocolos, Raven tiene acceso a la misma información que la jueza ha revisado para determinar su condición. Pero ¿por dónde comienza, cómo usa todo ese caudal de datos para poder exculparse?

Poco a poco aparecen algunas pistas: un segundo teléfono perteneciente a su esposa está extraviado, hay datos sobre una relación paralela, un evento en casa con sus compañeros de trabajo… nada muy claro, pero, al menos, pequeñas pistas que permiten iniciar una investigación que pueda dilucidar lo que realmente sucedió. El tiempo corre; el tic-tac es implacable.

El director Timur Bekmambetov se las arregla para presentar en pantalla un mundo inquietantemente familiar, en el que drones, teléfonos y cámaras ubicadas en todas partes, registran permanentemente nuestros movimientos. Si bien la ejecución resulta parecida a otras cintas de su género, esta producción logra generar tensión entre un escenario único -el lugar donde está encerrado el protagonista- y el mundo exterior, gracias a varias imágenes, rápidas y breves, que van configurando cada una de las vertientes de la historia. Lo anterior implica un gran esfuerzo de producción y un plan bien ejecutado que se sostenga con una edición prolija y dinámica.

Chris Pratt y Rebecca Ferguson logran bastante química en pantalla. Por otra parte, los personajes fuera del recinto, Jaq Diallo -Kali Reis-, la compañera de Chris y Rob Nelson -Chris Sullivan-, el compañero de trabajo de la mujer asesinada, evitan que la historia quede encerrada en una caja y lo amplían hacia un mundo más abierto que incluye múltiples posibilidades.

“Mercy” vuela en sus 100 minutos de duración y, además con entretener, deja un par de sensaciones. ¿Puede la IA tener actos de humanidad? ¿Son los hechos más importantes que conocer la verdad? Parece un asunto en blanco y negro, sin embargo, está lleno de zonas grises, tal vez de aquella materia gris que todavía podemos llamar inteligencia natural.

Ficha técnica

Título original: Mercy
Año: 2026
Duración: 100 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Atlas Entertainment, Amazon MGM Studios, Bazelevs Production, Big Indie Pictures. Distribuidora: Amazon MGM Studios
Género: Ciencia ficción. Thriller. Acción | Crimen. Distopía. Inteligencia artificial
Guion: Marco van Belle
Música: Ramin Djawadi
Fotografía: Khalid Mohtaseb
Reparto: Chris Pratt, Rebecca Ferguson, Kali Reis, Annabelle Wallis, Chris Sullivan, Kylie Rogers
Dirección: Timur Bekmambetov 

La vida que vendrá

Tres decisiones de la directora Karin Cuyul marcan este trabajo documental. La primera, mostrar imágenes en color de una época asociada al blanco y negro. La segunda, componer el metraje con imágenes poco conocidas, la mayoría registradas de manera casera. Y la tercera, no hacer una película triste, elección que apunta hacia el futuro.

Este es un recorrido muy personal de la autora y comienza con el funeral oficial del presidente Salvador Allende, realizado el 4 de septiembre de 1990, apenas recuperada la democracia en Chile. Karin Cuyul deja claros sus sentimientos de pesadumbre y desesperanza debido a las muchas expectativas existentes ante un futuro que se ha va quedando atrás, subsumido por un presente que, finalmente, resulta ser eterno. La búsqueda de paz y tranquilidad queda a medio camino. ¿Existen otras opciones, otros caminos, otros rumbos?

Pronto pasamos al plebiscito del Sí y el No del año 1988. Ante la derrota de la dictadura en las urnas, la elección presidencial lleva a que, en 1990, Patricio Aylwin asuma el mando de la nación mientras el General Augusto Pinochet se queda como Comandante en Jefe del Ejército y luego como Senador vitalicio. El cuestionamiento surge espontáneo en uno de los testimonios: “tenemos un No ganador pero un Sí mandador”. La esperanza comienza a transformarse en resignación; la resistencia es vital para poder seguir creyendo en algo. Los sentimientos cambian, derivan en pesimismo y tristeza.

Si el eje principal de esta cinta es la figura de Salvador Allende, Karin Cuyul sitúa a Pinochet en la vereda opuesta. Se detiene en el proceso judicial desarrollado en el extranjero, su detención en Londres, su defensa por parte del Estado, su regreso a Chile y su muerte el 10 de diciembre de 2006, sin que en el país se concretara una sentencia judicial.

Más adelante, la directora conecta con el denominado “estallido social”, ocurrido el 18 octubre 2019 y la expectativa que provocó en muchas personas: la posibilidad concreta de impulsar cambios profundos y redactar una nueva Constitución. Todo aquello se desmorona el 4 de septiembre de 2022, cuando, en el plebiscito de salida, la opción Rechazo alcanza un 62% contra un 38% del Apruebo. La resignación se transforma en aceptación, algo similar a un “statu quo” que se torna permanente.

“La vida que vendrá” tiene una línea editorial coherente y clara. Archivos amateurs e imágenes desconocidas agregan gran valor a un trabajo sobre una etapa política del país. Karin Cuyul logra generar un relato que se transforma en un testimonio personal e intenso, una voz que, en palabras de la propia directora, da cuenta de un país que no fue.

Ficha técnica

Año: 2025
País: Chile, Colombia
Duración: 92 minutos
Producción: Joséphine Schroeder (Chile)
Co-producción: Jerónimo Atehortúa (Colombia)
Guión: Karin Cuyul
Producción ejecutiva: Joséphine Schroeder, Miguel Yilales, Jerónimo Atehortúa, Juan Sebastián Mora Baquero, María José Alarcón Ardila
Compañías productoras: Pequén Producciones (Chile), Invasión Cine (Colombia)
Sonido: Diana Martínez Muñoz
Montaje: Federico Atehortúa
Postproducción de sonido: Guateque Cine
Post de color: Darío Órdenes (Albatros Post – Chile)
Diseño sonoro: Diana Martínez Muñoz, José Delgadillo Gaviria
Dirección: Karin Cuyul 

Hokum

En un amplio plano del desierto, aparece un hombre ataviado con una armadura acompañado de un niño pequeño. El paisaje es desolador, seco, caluroso y agobiante. Sin más detalles, solo observamos la acción. Es el final del viaje; no hay salida posible.

Mientras esas imágenes se asientan, encontramos al escritor Ohm Bauman -Adam Scott- en medio de un dilema. No sabe cómo concluir su libro y debe saldar deudas emocionales pendientes. Sus padres han muerto y aún conserva sus cenizas, por lo que es el momento de cerrar esa parte de su historia. Viene a su mente el Hotel Bilberry Woods, en Irlanda, donde sus padres pasaron su luna de miel. ¿Acaso llevar sus restos hasta ese lugar le permitiría cerrar el duelo?

Ohm es un escritor de historias de terror, de muy pocas palabras, hosco, de mal carácter y retraído, un personaje bastante antisocial, casi un ermitaño. El viaje lo saca de su zona de confort, porque se enfrenta a experiencias completamente nuevas. La búsqueda de un lugar para dejar las cenizas de sus padres lo lleva a un encuentro extraño con alguien que más adelante terminará siendo clave en la trama. Se trata de Jerry -David Wilmot-, un hombre que vive en su camioneta y que acostumbra beber leche mezclada con hongos mágicos.

Muy pronto, dos acontecimientos marcan el relato. Al mismo tiempo, Fiona -Florence Ordesh-, la encargada del bar del hotel; Mal -Peter Coonan-, el recepcionista; Fergal -Michael Patric-, el jardinero; y Alby -Will O'Connell-, el botones, asumen papeles importantes en la historia. Desde ese momento, la búsqueda inicial de Ohm se transforma en el camino para superar su pasado y, al mismo tiempo, en una lucha por sobrevivir.

Escrita y dirigida por Damian McCarthy, “Hokum” no es la típica película de terror a la que estamos acostumbrados. Al contrario, va un poco más allá, pues no se apura en revelar sus cartas a pesar de usar varios recursos asociados al género. A través de enlaces, recuerdos y breves diálogos, el director nos propone una experiencia más atmosférica que real, para que la imaginación complete los vacíos. Con una construcción lenta, son las imágenes, junto con la música, las que generan impacto, siempre en ambientes poco iluminados, con colores pálidos y luces que potencian una penumbra en la que los sonidos se cuelan por las rendijas del relato.

La cinta desarrolla varias capas temáticas. Una de ellas es la brujería, pero no abusa ni recurre a soluciones sobrenaturales ridículas. Esa decisión marca una diferencia, porque es el espectador el que debe cuestionar qué es real y qué no, y hasta qué punto la historia personal de Ohm -su pasado traumático y su camino de redención- constituye realmente el motor del metraje.

En el plano de las actuaciones, ayuda mucho la presencia de Adam Scott ocupando el rol central. Quienes lo hemos visto en producciones como “Severance”, podemos ratificar que es un actor difícil de leer y predecir, capaz de confundirnos con su mirada, alguien que saca mucho partido al manejo de la ambigüedad en escenas con pocos diálogos. Respaldado por un equipo sólido, Scott asume gran parte del peso dramático y se mueve con comodidad, manteniendo la tensión hasta la última escena.

“Hokum”, en un poco menos de dos horas, resulta interesante justamente por ser diferente. Afortunadamente no cae en clichés; evita así exageraciones y rumbos fáciles, para cerrar de manera coherente y circular, muy por encima de lo que promete en un comienzo.

Ficha técnica

Título original: Hokum
Año: 2026
Duración: 101 minutos
País: Irlanda
Compañías: Coproducción Irlanda-Emiratos Árabes-Estados Unidos; Cweature Features, Imagenation Abu Dhabi FZ, Neon Films, Spooky Pictures, Team Thrives, Waypoint Entertainment. Distribuidora: Neon
Género: Terror | Sobrenatural. Literatura. Familia. Brujería
Guion: Damian McCarthy
Música: Joseph Bishara
Fotografía: Colm Hogan
Reparto: Adam Scott, Peter Coonan, David Wilmot, Florence Ordesh, Michael Patric, Will O'Connell, Brendan Conroy, Austin Amelio
Dirección: Damian McCarthy 

Michael

No exenta de polémica llega esta película sobre Michael Jackson, un ícono de la música pop que probablemente no deja a nadie indiferente. Escrita por John Logan y dirigida por Antoine Fuqua, “Michael” se enfoca en los primeros años del cantante. Con sencillez y humildad, el menor de los hermanos Jackson destaca desde sus primeros años por su carisma y una facilidad vocal distintiva. Su padre Joseph -Colman Domingo-, un trabajador esforzado, está convencido de que la única forma de surgir está en el sacrificio y el trabajo duro. “El mundo se divide en dos: ganadores y perdedores”, les repite a sus hijos, más de una vez. Su forma de ver la vida establece una férrea disciplina que aplica con dureza a los “Jackson 5”, el grupo musical de hermanos que pronto consiguen sus primeros éxitos.

Esta dureza de Joseph -evidentemente abusiva y con castigos físicos-, encuentra contraste en la bondad y el amor de una madre que se transforma en el pilar emocional de Michael. “Deja brillar la luz que hay en ti”, le señala, dando un respiro y un futuro a un niño extremadamente talentoso cuya voz resulta deslumbrante.

Destaca en esta primera sección la actuación de Juliano Krue Valdi como el joven Michael, alegre y espontáneo, un contrapunto respecto a sus hermanos y a una cierta caricaturización de los padres, todo esto en un segmento que funciona correctamente como introducción, pero que no logra despegar del todo.

El paso de los años es bastante brusco. Michael, aún niño en muchos aspectos, es todo sonrisas. Su canto fluye de manera tan natural, que los detalles y las sutilezas de su voz encandilan a los expertos, y también a quienes perciben que están frente a un verdadero diamante con un potencial que parece no tener techo. La producción de un disco en solitario, mientras su vida transcurre entre mascotas y juguetes, multiplica exponencialmente su fama. Ya no es una promesa, es una realidad. Ya no es un diamante, es una joya. No obstante, Michael ya comienza a exhibir gustos excéntricos y algunas rarezas difíciles de comprender, las que parecen ser solo el preámbulo de sus futuros cuestionamientos.

La ruptura con su padre y el alejamiento de la familia no tarda en llegar. Michael necesita ser libre para crear, para componer. Viene el disco “Thriller” y la filmación de su famoso clip; también “Billie Jean” y varios éxitos más; un accidente grave, una nueva gira con sus hermanos y sus primeros conciertos globales.

La actuación de Jaafar Jackson -sobrino de Michael- resulta muy convincente. No solo existe una gran similitud física sino que su caracterización posee esencia. Los genes está allí. La sangre, el brío y la convicción, una herencia familiar innegable que proviene de un gran tronco compartido. Los roles de soporte se ubican, todos, un peldaño más abajo. Nunca gravitan, quedan relegados a la órbita de Michael y parece que solo están allí para poblar un escenario donde la luz del Rey del Pop brilla por sí sola.

Lo más destacado de esta producción es sin duda el espectáculo audiovisual que ofrece de algunas de las canciones más icónicas de Jackson. Las recreaciones de los conciertos, los escenarios y las grabaciones en estudio se encuentran en un altísimo nivel, en contraste con las escenas más íntimas, esas secuencias mucho menos vibrantes donde la cinta presenta sus principales baches narrativos. Tal vez por ello es que las críticas por la ausencia de los aspectos negativos -las acusaciones en contra de Michael Jackson por diversos tipos de abuso-, ha despertado más de alguna polémica. Es cierto que la película está acotada a un período específico y que los casos denunciados adquieren relevancia pública con posterioridad. Sin embargo, al conocerse que, por acuerdos judiciales, no pudieron ser incorporados, tal vez aquello justifica en parte un desequilibrio que perjudica la parte relacional y emocional del relato, algo que apenas se esboza, pero que en ningún caso se llega a profundizar.

Con sus altos y bajos, quedémonos con lo mejor de esta producción: la música, el baile y lo que representa un fenómeno social y de masas. “Michael” consigue, en solo dos horas, reflejar el impacto cultural que generó. Vibrante y con un vuelo artístico único, Jackson será recordado siempre como una gran estrella: histriónico, desafiante y con un talento arrollador, pese a las persistentes dudas sobre su vida privada y sus dudosos comportamientos.

“La historia continúa”, señala el último cartel de la cinta. ¿Vendrá una segunda parte que profundice en los cuestionamientos o será solo una ampliación de esta primera? Solamente nos queda esperar lo que viene al ritmo de “Billie Jean” y “Thriller”, esos éxitos inmortales ya instalados en nuestra memoria colectiva.

Ficha técnica

Título original: Michael
Año: 2026
Duración: 127 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Lionsgate, GK Films, Universal Pictures. Distribuidora: Lionsgate
Género: Drama | Biográfico. Música. Años 80. Años 70
Guion: John Logan. Biografía sobre: Michael Jackson

Música original: Lior Rosner
Fotografía: Dion Beebe
Reparto: Jaafar Jackson, Nia Long, Juliano Valdi, KeiLyn Durrel Jones, Laura Harrier, Jessica Sula, Mike Myers, Miles Teller, Colman Domingo
Dirección: Antoine Fuqua

Los Hijos (Ŋa hinarere)

Dirigido por Leonardo Pakarati, este trabajo documental ofrece una mirada diferente sobre la Isla de Pascua. Su centro es la historia de Lázaro Hotu y su comunidad, quienes, pese a las restricciones impuestas, fueron capaces de levantar la cabeza de sus antepasados restaurando una memoria silenciada, mientras la expedición del año 1955, liderada por Thor Heyerdahl, puso a Rapa Nui en el foco mundial debido a sus moáis derribados.

El punto de vista expuesto por Pakarati es íntimo: un relato que cobra vida a través de las voces de los descendientes de quienes protagonizaron los hechos. Si bien a la película le cuesta comenzar, con testimonios parciales y un tanto desconectados, poco a poco va profundizando y poniendo el foco en la individualización de cada testimonio y su incidencia en la historia.

Lo cotidiano, las dinámicas y la forma de vida al interior de la comunidad, marcan los recuerdos, anécdotas y sentimientos arraigados de quienes sostienen un metraje que no teme sumergirse en la memoria, la dignidad y la transmisión entre generaciones orgullosas de su origen y de su pueblo.

Pakarati también aborda un aspecto poco conocido. La soledad de algunos habitantes que, ante la opresión y las crecientes dificultades, buscan abandonar la isla en busca de nuevos horizontes. Sin embargo, el vínculo con la isla se vuelve prioritario; terminan volviendo para trabajar por un bien mayor y universal.

“Me interesaba mostrar cómo, en una comunidad pequeña como Rapa Nui, las historias siempre se entrelazan. Personas de distintos lugares y orígenes terminan formando parte de una misma memoria. Esta película habla de ese cruce de vidas y de cómo todos quienes habitan un territorio, de una u otra forma, pasan a ser parte de su historia”, reflexiona el director Leonardo Pakarati.

Hay un incidente que marca un punto de inflexión. Se trata de un accidente que marca un antes y un después en el relato. En ese momento de clímax emocional, comprendemos que las historias individuales no solo están relacionadas, sino que constituyen algo mucho más importante: son el motor vital de un grupo de personas estrechamente vinculadas, dispuestas a realizar los mayores sacrificios en beneficio de su comunidad.

“La película muestra un momento en que el pueblo rapa nui comenzaba a recuperar su voz y su relación con el territorio. Mirar ese pasado permite entender mejor muchas discusiones actuales sobre identidad, autonomía y la forma en que una comunidad decide contar su propia historia”, destaca Pakarati.

Un particular orgullo recorre de forma constante el metraje. De manera muy clara, releva la importancia de los ancestros a través de su legado. El director no elude aspectos conflictivos, como el control político por parte de la Armada chilena, la opresión y también la explotación y sometimiento que sufrió la isla. Además, pone sobre la mesa la llegada del turismo, y con ello el dinero, con los pros y contras de un desarrollo que amenaza las tradiciones al prometer mejores condiciones de vida para los habitantes de Rapa Nui.

“Los hijos” es un homenaje abierto que enseña y realza la cultura de un pueblo ejemplar. Emocionan sus experiencias, porque casi sin querer las hacemos propias. En el formidable ejemplo de levantar un moái a punta de piedras y palos, con un ingenio a prueba del mejor diseño de ingeniería, la metáfora resulta perfecta. Es, en rigor, el pueblo rapa nui el que se levanta a sí mismo y se pone de pie, rescatando lo mejor de su historia para mirar hacia adelante con pie firme y raíces sólidas que parten reconociendo a sus antepasados para, desde allí, forjar su futuro.

Ficha técnica

País: Chile
Producción: Paula Rossetti y Claudia Barril
Casa Productora: Mahatua Producciones
Año: 2025
Duración: 72 minutos
Guion: Leonardo Pakarati Quiroz
Montaje: Diego Macho
Dirección de fotografía: Guillermo Bravo Silva
Reparto: Brigid Mulloy, Thor Heyerdahl Jr, Enrique Baeza, Marta Hotu, Enerike Carrasco, Leonardo Pakarati
Director: Leonardo Pakarati

Outcome

Disponible en Apple TV.

Expectación. Keanu Reeves y Cameron Diaz protagonizan una nueva comedia. ¿Qué tal la experiencia? Lamento decir que la palabra es inequívoca: decepcionante. Veamos por qué.

Reef Hawk -Reeves- lleva sobrio cinco años. El actor se ha tomado un descanso para construir un nuevo hogar y su vida comienza poco a poco a mejorar. Sin embargo, cuando recibe una llamada de su abogado Ira Slitz -Jonah Hill-, quien le revela que lo están chantajeando con un vídeo comprometedor, todo se pone patas arriba. A regañadientes, Reef se ve obligado a planear cómo hacer las paces con aquellos a los que ha ofendido o hecho daño en el pasado, mientras intenta descubrir quién lo está extorsionando.

A partir de un guion de su autoría, el actor y director Jonah Hill elabora una historia que nunca decide qué rumbo tomar. Aunque la premisa resulta interesante -una introspección de vida, los daños ocasionados en el camino, la culpa y el perdón-, la ejecución queda en deuda porque pierde completa coherencia. Keanu Reeves luce incómodo, forzado, como si llevara una camisa apretada que nunca se logra sacar. Cameron Diaz y Matt Bomer, quienes interpretan a los mejores amigos de Reef, deambulan por la intrascendencia, meras figuras decorativas cuyo aporte es mínimo y ni siquiera califican como personajes secundarios.

Quien sí destaca, como florero y centro de mesa, es el propio director, Jonah Hill. Parece que la película es sobre él, ese personaje omnipresente, abogado de crisis y quién sabe de cuántas cosas más, un asesor de celebridades que salta de una situación a otra como pez en el agua, aunque por momentos el agua solo sea una ilusión.

¿Algo rescatable en una cinta sin objetivos? Afortunadamente un par de cosas. La primera, su duración: solo 83 minutos. Realmente se agradece, porque no estoy seguro de haber podido terminar un metraje más extenso. Y lo segundo, un inesperado alivio: Martín Scorsese interpretando a un ex agente del protagonista. No sé cómo aceptó ni por qué se sumó a este proyecto, pero lo que sí está claro es que sus instantes con Reeves son los mejores, aunque aún así no logre salvar la estantería.

En síntesis, “Outcome” es totalmente prescindible. Ahora bien, si igual le inquieta un poco, basta y sobra con ver el tráiler.

Ficha técnica

Título original: Outcome
Año: 2026
Duración: 83 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Apple Original Films, Apple Studios, Strong Baby. Distribuidora: Apple TV
Género: Comedia. Drama
Guion: Jonah Hill, Ezra Woods
Fotografía: Benoît Debie
Reparto: Keanu Reeves, Jonah Hill, Matt Bomer, Cameron Diaz
Dirección: Jonah Hill

Sueños de Trenes

Basada en la novela de Denis Johnson, “Train Dreams”, es una película íntima que narra la vida de Robert Grainier -Joel Edgerton- en los alrededores de Bonners Ferry, Idaho. La historia se remonta a su llegada al lugar. Huérfano y, después de una adolescencia desorientada, conoce a Gladys Olding -Felicity Jones-, con quien se casa y juntos construye una austera cabaña cercana al río Moyie para criar a la hija de ambos, Kate.

Robert trabaja como leñador. Su oficio le obliga a pasar largas temporadas fuera de su hogar para conseguir el sustento. La tala de árboles, necesaria para construir las líneas del ferrocarril, pasa a ser su principal tarea. Estos trabajos, siempre en diferentes lugares, hacen que Robert mantenga distancia en el trato con los demás. Algo tímido y de muy pocas palabras, Robert trata de no entrar en conflicto, sin embargo, a lo largo de los años le toca presenciar hechos y tragedias que van forjando su carácter.

Luego de un largo periodo, al regresar a casa con planes de dejar esa rutina y crear su propio aserradero, se enfrenta a un incidente que cambia su vida para siempre. Desde ese momento, Robert ya no podrá ser el mismo; su futuro se transformará en una suma de añoranzas y sueños que volverán, una y otra vez, sobre lo que ha sido la mayor ilusión de su existencia.

Clint Bentley, quien, junto a Greg Kwedar, adapta la novela original de Denis Johnson, ofrece un trabajo que se centra en crear atmósferas. Los delicados paisajes, con una fotografía que deslumbra por sus colores y profundidad, configuran un escenario perfecto para provocar un contraste con la intimidad de su protagonista. El metraje transcurre con mucha calma, con largos espacios de reflexión y con foco en lo que Robert siente en lo más profundo de su corazón.

A medida que pasan los años, la vida del protagonista se vuelve cada vez más difícil. A contracorriente y en solitario, aunque aún conserva la esperanza, trata de adaptarse al paso del tiempo y seguir avanzando a pesar de estar emocionalmente al límite de sus capacidades. Joel Edgerton transmite muy bien la tristeza de Robert, en una actuación que, más que palabras, contiene movimientos y miradas profundamente sinceras.

“Sueños de Trenes” emociona, trae calma y plantea, quizá, una de las preguntas más difíciles de responder. ¿Se puede continuar luego de una tragedia que arrebata lo más preciado en la vida de una persona? ¿Es posible seguir adelante y sobreponerse a la adversidad? La cinta no entrega las respuestas, solo deja la semilla plantada, una semilla que germinará si somos capaces de ponernos en el lugar de Robert y analizar todo desde nuestro propio recorrido. Seguramente encontraremos más de un punto en común con esta película que, sin grandes conflictos externos y sin demasiadas pretensiones, traspasa la pantalla para impregnarse en el alma.

Ficha técnica

Título original: Train Dreams
Año: 2025
Duración: 102 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Black Bear, Kamala Films. Distribuidora: Netflix
Género: Drama. Romance | Años 1900 (circa). Vida rural (Norteamérica). Naturaleza
Guion: Clint Bentley, Greg Kwedar. Novela: Denis Johnson
Música: Bryce Dessner
Fotografía: Adolpho Veloso
Reparto: Joel Edgerton, Felicity Jones, Nathaniel Arcand, Clifton Collins Jr., Juan Diehl, Paul Schneider, Kerry Condon, William H. Macy
Dirección: Clint Bentley 

El Drama

Escrita y dirigida por Kristoffer Borgli, esta película muestra cómo la relación de Emma y Charlie pasa del mágico encantamiento inicial a un deterioro profundo en cuestión de días. Poco antes de su boda, la pareja comienza entra en una espiral de tensiones emocionales que los lleva a cuestionar la esencia de su compromiso tras revelarse algunos secretos del pasado.

¿Hay cosas que no se deben decir? Esta pregunta subyace en el relato, porque la respuesta parece inclinarse con claridad. Emma -Zendaya- y Charlie -Robert Pattinson- conforman una pareja feliz, sin duda, pero un juego que cruza ciertos límites los deja expuestos. Junto a dos amigos se preguntan cosas íntimas, guardadas bajo siete llaves, y la respuesta de Emma los desconcierta a todos. Son pensamientos que alguna vez tuvo, que no fueron acciones pero que respondían a una lógica y a un plan que pudo haberse concretado de no mediar determinadas circunstancias.

La cinta construye su tensión en función de un tema extremadamente difícil y sobre el cual existen diferentes visiones. Conviene no adelantar nada porque es mejor no conocer la temática y enfrentarse a ella con pocos antecedentes. El asunto es que se trata de pensamientos, planes, ideas que nunca se concretaron pero que salen a la luz justo antes de un momento trascendente. ¿Son cuestionables? ¿Dicen algo? ¿Han quedado atrás o son una amenaza? ¿Es necesario ser absolutamente transparente o bien se debe aplicar ciertos filtros, incluso en las relaciones más cercanas?

Sin duda, estamos ante una realidad compleja. En este caso, algo que era idílico se transforma en aterrador. Ambos se llenan de cuestionamientos y dudas. ¿Se conocen realmente o son personas distintas? Las respuestas pueden ser diversas, pues todos cambiamos a lo largo del tiempo. ¿Cuál Emma es la que se va a casar con Charlie? ¿La adolescente irreverente o la actual adulta con varios años más de experiencia y vida? ¿Qué es lo que se juzga, si es que existe derecho a juzgar?

Algunos aspectos en este relato llaman la atención. Primero, la construcción se realiza con pensamientos imaginados, en una descripción gráfica que por momentos se transforma en visiones oníricas. Segundo, el género de la cinta se mueve entre el romance, el drama y la comedia, con momentos clave que provocan puntos de inflexión, sin que ninguno se imponga ante los demás. En tercer término, al usar imágenes en paralelo se produce un juego de temporalidad. En ocasiones debemos calzar las piezas para poder ordenar los hechos, y en otros, simplemente dejarnos llevar. Guardo para el final un aspecto técnico referido a la partitura compuesta por Daniel Pemberton. Un solo de flauta, que enfatiza un intervalo (distancia) llamado “tritono” (tres tonos), suma muchísima tensión. Es, en la armonía clásico-romántica, el intervalo tal vez más disonante y se encuentra siempre asociado al quiebre tonal. En el transcurso de la acción, su utilización como preparación, seguimiento y resultado, resulta coherente, un recurso muy bien empleado que no solo refleja, sino que refuerza el nerviosismo y la incertidumbre.

En las actuaciones, Zendaya y Robert Pattinson están a la altura de sus créditos. La emocionalidad de ella y la contención de él se complementan perfectamente. La montaña rusa de sentimientos se observa desde enfoques muy diferentes, desde la exuberancia y desde la intimidad, creando atmósferas envolventes que se entrelazan con las acciones, los sueños y los pensamientos de cada uno.

“The Drama”, en un poco menos de dos horas, aborda una temática compleja y discutible. Está en juego la honestidad, el amor y el compromiso, como también la intimidad y las certezas, cada vez más escasas en la vida actual. Kristoffer Borgli no teme poner sobre la mesa los temores y dificultades que plantea la sobreexposición actual, y tampoco escatima recursos en poner presión a ese difuso límite que resguarda aquello que debemos conservar en lo más profundo de nuestros pensamientos.

¡Interesante!

Ficha técnica

Título original: The Drama
Año: 2026
Duración: 106 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: A24, Square Peg, Live Free or Die Films
Género: Drama. Romance
Música: Daniel Pemberton 
Guion: Kristoffer Borgli
Fotografía: Arseni Khachaturan
Reparto: Zendaya, Robert Pattinson, Mamoudou Athie, Alana Haim, Hailey Gates, Zoë Winters
Dirección: Kristoffer Borgli 

Las Catadoras

Otoño de 1943. Un inicio nervioso, filmado con cámara en mano, intensifica la acción. Una mujer llega a una modesta casa, casi al límite de sus fuerzas. ¿La razón? Ha logrado huir del Berlín destruido por los bombardeos para para refugiarse con sus suegros en Gross-Partsch, un pueblo del noreste de Polonia, mientras su joven marido combate en el frente de batalla.

La joven es Rosa Sauer -Elisa Schlott-, y lleva poco tiempo casada. La guerra ha separado a la pareja pero su ilusión sigue intacta. A través de cartas, una luz de esperanza se mantiene encendida, sin embargo, repentinamente, las fuerzas nazis obligan a Rosa a participar en una operación secreta. Se trata de un grupo de mujeres seleccionadas que son llevadas diariamente a la famosa “Guarida del Lobo”, el cuartel general del Führer, para que prueben la comida antes de ser servida al propio Adolf Hitler.

Basada en “Le assaggiatrici”, novela publicada en 2018 por la autora italiana Rosella Postorino, la cinta desarrolla una historia inspirada en Margot Wölk, una secretaria alemana que afirmó haber estado entre las quince jóvenes elegidas para probar los alimentos del líder alemán.

El director Silvio Soldini encabeza una producción cuya mayor fortaleza está en las relaciones personales de sus protagonistas y en una cuidada recreación de los ambientes de la época. A través del paso de las estaciones, observamos el curso del tiempo, mientras la guerra continúa y el temor -tanto interno como externo- aumenta.

El metraje es claro en representar el uso de la fuerza. La figura de la autoridad no se puede discutir bajo ningún punto de vista. La angustia de cada una de estas mujeres, forzadas a realizar una tarea que no han elegido, se acrecienta cada día. El temor es evidente. ¿Y si la comida está envenenada? Por algo son “conejillas de indias”. El encierro y la vigilancia hacen mella; el maltrato es cotidiano; y la consecuencia es un abuso horroroso. Simplemente, son usadas como piezas destinadas a filtrar y contener una posible amenaza.

Soldini decide elaborar un relato fragmentado, episódico, donde los cortes marcan capítulos que avanzan linealmente en el tiempo. Desde un comienzo se aprecia que la relación entre las mujeres no es sencilla. Cada una tiene su propia historia, con diferentes temores, sueños y esperanzas, pero solo se conoce una parte de aquello. Surgen sentimientos de amistad, de protección, de colaboración; incluso el guion explora una vertiente clandestina, un fugaz amorío que amenaza con robarse parte del protagonismo, mientras la guerra avanza hacia un inminente final.

“Las Catadoras” es una película sobre pérdidas y encuentros, sobre la búsqueda de sentido cuando situaciones límite podrían destruir a cualquiera. La resiliencia de Rosa emerge como la principal virtud. Teniendo todo en contra, insiste en mantenerse en pie, en buscar una salida y encontrar la fuerza necesaria para seguir viviendo y avanzar. Es la Segunda Guerra Mundial vista desde otro ángulo, desde una historia particular que refleja la época y describe de manera íntima los efectos de un conflicto que aniquiló a millones de seres humanos.

Ficha técnica

Título original: Le assaggiatrici (The Tasters)
Año: 2025
Duración: 123 minutos
País: Italia
Compañías: Coproducción Italia-Bélgica-Suiza; Vision Distribution, Lumière & Co., Tarantula Suisse SA, Tellfilm. Distribuidora: Vision Distribution
Género: Drama | Basado en hechos reales. II Guerra Mundial. Nazismo. Años 40
Guion: Doriana Leondeff, Silvio Soldini, Cristina Comencini, Giulia Calenda, Ilaria Macchia, Lucio Ricca. Novela: Rosella Postorino
Fotografía: Renato Berta
Música: Mauro Pagani
Reparto: Elisa Schlott
Max Riemelt
Dirección: Silvio Soldini 

Te van a matar

El título ya es significativo. Un anuncio claro de lo que está por venir, porque es mucho lo que oculta ese misterioso hotel de Nueva York donde Asia Reaves -Zazie Beetz- llega buscando trabajo. Ella es exconvicta y tiene poderosas razones para internarse en aquel mundo desconocido, pues lleva tiempo buscando incansablemente a su hermana María y una pista clara la ha conducido a ese lugar. ¿Qué encontrará en la comunidad que habita allí? ¿Logrará dar con su hermana? ¿Podrá evitar que la maten, como sugiere el título?

Esta película, escrita y dirigida por Kirill Sokolov, tiene un muy buen trabajo en el diseño de los escenarios. Los efectos especiales representan una parte importante del trabajo de producción y postproducción, y resultan vitales para dotar al relato de aquellos elementos visuales cuya función es provocar impacto. Otro punto destacado es la narrativa escogida. A pesar de ser lineal, logra separarla según la perspectiva de los personajes, dividiéndose en capítulos según cada uno, para luego unir las piezas como si se tratara de un buen rompecabezas.

Destaca la actuación de Zazie Beetz. Totalmente compenetrada en su rol, la actriz realiza acrobacias dignas de elogio. En algunas tomas, las escenas resultan muy reales, luchando cuerpo a cuerpo, logrando un punto alto en una película que desde las primeras escenas pretende capturar la atención del espectador.

Dicho esto, aún no logro conectar con este género; me produce cierto rechazo. Primero, no le encuentro sentido, porque la ejecución -no la premisa- no tiene ni pies ni cabeza (literal). Segundo, rápidamente solo se centra en matanzas y sangre, mucha sangre, y el guion se torna tan absurdo que ni siquiera algunos temas de fondo, como los abusos de los ricos a los pobres, adquieren visibilidad, pues quedan debajo de capas pirotécnicas que impiden ver la luz.

Tengo claro que esta cinta es de acción, sin embargo resulta demasiado estridente para mi gusto. ¿Provoca adrenalina? Puede ser, pero solo hasta que la caricatura de las situaciones logran traspasar barreras y ya solo reímos o sonreímos con cada una de las cruentas secuencias. Haciendo un paralelo, sucede con lo visual lo que a mí me pasa cuando la música está tan fuerte que no deja espacio a nada más. Uno se nubla, se confunde y finalmente termina mareado y atontado.

“They Will Kill You”, en poco más de una hora y media, pasa rápido. No vuela pero corre bastante. Ciertamente para fans de este tipo de películas funcionará, porque las peleas, los desmembramientos y todo todo ese tipo de excesos está asegurado, algo que a mí me resulta tedioso y agotador.

¡Atención! Está el camino despejado para una secuela del tipo “Te van a matar 2” o “Igual te van a matar”. Ya veremos.

Ficha técnica

Título original: They Will Kill You
Año: 2026
Duración: 94 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Film Afrika Entertainment, New Line Cinema, Skydance Productions. Distribuidora: Warner Bros.
Género: Terror. Acción | Comedia de terror. Satanismo. Trabajo/empleo
Guion: Kirill Sokolov, Alex Litvak
Música: Carlos Rafael Rivera
Fotografía: Isaac Bauman
Reparto: Zazie Beetz, Myha'la, Paterson Joseph, Tom Felton, Heather Graham, Patricia Arquette
Dirección: Kirill Sokolov 

Jugada Maestra

Con el magnetismo de Glen Powell a lo largo de sus 105 minutos, “How to Make a Killing” nos envuelve en una historia poco previsible.

Becket Redfellow -Powell- está a punto de ser ejecutado. Solo faltan cuatro horas y recibe la visita de un sacerdote para que lo acompañe en sus últimos momentos. Está demasiado tranquilo para las circunstancias, pero no sabemos si se trata de una apariencia o existen razones fundadas que le permiten esa calma inusual.

En una especie de confesión, Becket entra en detalles. Conocemos su origen y entendemos gran parte de su comportamiento. Su madre soltera, dejada de lado por los Redfellow, no tuvo más remedio que arreglárselas sola con su hijo, lo que forjó su carácter bajo la premisa de luchar por conseguir el tipo correcto de vida, es decir, aquella vida que él merece.

Becket adopta ese leitmotiv a lo largo de su vida. Enamorado desde pequeño de Julia Steinway -Margaret Qualley-, el protagonista va creciendo bajo el rigor del trabajo. Cuando se reencuentra con su amor platónico, ya casada y viviendo una vida lujosa, Becket no duda en idear un plan para heredar la cuantiosa fortuna familiar. El único inconveniente es que él es el octavo en la línea de sucesión, por lo que, para avanzar, solo tiene una opción: eliminar a todos los demás.

Escrita y dirigida por John Patton Ford, “Jugada Maestra” se sostiene en los hombros de su actor principal. La idea es más que interesante, sin embargo, el guion tiende a perder un poco el equilibrio en su ruta hacia la máxima tensión. Como la cinta trata sobre los lujos y la ambición por acercarse a ellos, no es sencillo darle sentido a la propuesta. El carácter aspiracional de Becket choca de frente con la acomodada vida de Julia, pero eso no basta para justificar sus acciones. Es necesario dar un rodeo, almidonar la historia y articular un relato que, poco a poco, permita que las piezas se desordenen y y se dispersen.

Glen Powell es el eje de la película. Construye un personaje simpático, canchero, que se las sabe todas y que es capaz de salir airoso de las situaciones más inverosímiles. Margaret Qualley, por su parte, hace un buen contrapunto, una mujer misteriosa y ambiciosa de la que sabemos poco, aunque siempre tensiona el relato con su presencia.

Sin hacer demasiado spoiler, cuando Becket debe enfrentarse a su abuelo -Ed Harris-, vemos uno de los momentos más logrados de la cinta. Partiendo por la música de Emile Mosseri, la secuencia en la mansión destaca por el brío de los protagonistas en un punto clave, ya cerca del final.

En síntesis, “Jugada Maestra” es entretenida. A pesar de perder consistencia por momentos, logra llevarnos paso a paso a un final que no esperamos, al menos para el espectador que no conoce su inspiración: la película británica de 1949 “Kind Hearts and Coronets” de Robert Hamer y John Dighton.

Ficha técnica

Título original: How to Make a Killing
Año: 2026
Duración: 105 minutos
País: Reino Unido
Compañías: Coproducción Reino Unido-Francia; Blueprint Pictures, Studiocanal. Distribuidora: A24
Género: Drama. Comedia. Intriga | Comedia negra. Crimen. Familia
Guion: John Patton Ford
Música: Emile Mosseri
Fotografía: Todd Banhazl
Reparto: Glen Powell, Margaret Qualley, Jessica Henwick, Bill Camp, Zach Woods, Topher Grace, Ed Harris
Dirección: John Patton Ford

Boda Sangrienta 2

Estamos ante una continuación exacta de la primera parte. Sin tiempo para reponerse, Grace MacCaullay -Samara Weaving- despierta en el hospital, tremendamente magullada. Cuando aparece Faith -Kathryn Newton-, su hermana menor, Grace se da cuenta de que ambas corren peligro. Deben escapar. En efecto, se ha puesto en movimiento un gran operativo por parte de las familias más poderosas de la Tierra, pues no pueden arriesgarse a perder sus fortunas. Para eliminar los cabos sueltos, deben tomarlas prisioneras y matarlas en un nuevo juego. ¿Conseguirán su objetivo o las hermanas podrán sortear las dificultades y salir con vida?

Al igual que su predecesora, esta cinta, dirigida por Matt Bettinelli-Olpin y Tyler Gillett, funciona como un verdadero videojuego. Por una parte, es tan improbable e inverosímil que nada puede tomarse en serio. En segundo término, la cantidad de balas y sangre mantiene su nivel de abundancia y los golpes sangrientos, esas explosiones de cuerpos, resultan impactantes, pero no por la sorpresa o por el hecho mismo, sino por lo burdo de su ejecución. En fin, se trata de un juego, algo falso desde el comienzo, cuyo objetivo es solo pasar un rato de distracción.

A pesar de la delgada ambición de esta película, esta secuela profundiza su crítica en conceptos clave. La relevancia del poder y del dinero es ubicada en la parte alta de la pirámide, haciendo una caricatura de familias ricas que no tienen nada mejor que hacer que pasar el tiempo sometiendo cruelmente a otras personas. Quizá lo más terrible es que es solo por diversión, haciendo la salvedad de que no existe ningún argumento ni fundamento para hacerlo bajo ninguna circunstancia.

Otro punto que la cinta pone en relieve es la ignorancia y estupidez de estos ricachones. El desfile de personajes con diversas disfunciones es simplemente aterrador. No se salva ninguno, ni siquiera algunos menores, quienes siguen fielmente las enseñanzas y el ejemplo de sus mayores. Todo es absurdo, tirado de las mechas, sin embargo, esto último podría terminar siendo su mayor virtud: la cinta declara abiertamente el triunfo mundial de la banalidad pues el pensamiento ya no sería algo necesario.

“Ready or Not 2: Here I Come” es sangrienta, una película vertiginosa que, sin las escenas de acción, tiende a decaer, aunque consigue recuperarse a mitad de camino. Es una secuela típica, que amplifica lo mostrado en la primera entrega y que intenta no bajar el nivel de tensión. Por momentos, lo consigue, sin embargo, sigue siendo un filme de nicho, de esos que los fans del slasher siguen con devoción. Se trata de una película no apta para pieles más sensibles o aquellas que necesitan mantener una prudente distancia.

Ficha técnica

Título original: Ready or Not 2: Here I Come
Año: 2026
Duración: 108 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Searchlight Pictures, Vinson Films, Radio Silence, Mythology Entertainment. Distribuidora: Walt Disney Pictures
Género: Thriller. Terror. Intriga. Comedia | Secuela. Comedia negra. Slasher
Guion: Guy Busick, R. Christopher Murphy
Música: Sven Faulconer
Fotografía: Brett Jutkiewicz
Reparto: Samara Weaving, Kathryn Newton, Kevin Durand, David Cronenberg, Sarah Michelle Gellar, Elijah Wood
Dirección: Matt Bettinelli-Olpin, Tyler Gillett