Invasión: el fin de los tiempos

Esta película de ciencia ficción no es típica. Primero que nada, es Rusa y segundo, es la secuela de la entrega de 2017 llamada “Invasión: la guerra ha comenzado” que narra el derribo por parte del ejército ruso de un objeto no identificado, posiblemente de origen extraterrestre, sobre Moscú. Este hecho y sus consecuencias cambia la vida de Julya -Irina Starshenbaum- y por cierto con ello la visión que tenemos del universo. Ahora, en esta continuación de la historia tres años más tarde, el Coronel Lebedev -Oleg Menshikov- protege a su hija, salvada de morir con la ayuda de la tecnología extraterrestre y ahora con habilidades especiales, de posibles reacciones y ataques.

Julya es objeto de investigación en un laboratorio secreto del Ministerio de Defensa pues su nueva condición no solo atrae a personas en la Tierra, sino también la atención de los alienígenas. Es por ello que el Coronel Lebedev debe modificar sus planes ante una nueva amenaza exterior y la aparición de Khariton -Rinal Mukhametov- quien regresa para proteger a la protagonista.

Para quienes no vimos la primera película -atención con la introducción que la resume someramente- la confusión del argumento en el primer tercio ayuda a ponernos en alerta. Se entiende la trama en la medida que avanza, sin embargo hay varios enlaces que quedan inconclusos y que ameritan conocimiento previo para comprenderlos a cabalidad.

Fedor Bondarchuk, su director, imprime fuerza al relato con muy buenos efectos visuales. Ya en la introducción marca un sello que se reafirma con el correr de los minutos. Resulta muy interesante la descripción de la tecnología utilizada, el control de todos los sistemas a distancia y el hackeo de redes digitales para incorporar contenido falso. Surge allí la necesidad de un apagón, de desconectar todo y volver a lo analógico, a lo antiguo. Teléfonos convencionales y máquinas de escribir se roban algunas escenas para regocijo de quienes vivimos en aquella “prehistoria”.

Como sucede en muchas cintas de este género, el comienzo sorprende pero luego va decayendo en intensidad. Es difícil mantener la novedad, crear un giro inesperado y sostener la tensión. Esta película lo consigue intermitentemente pero en su último tercio baja notoriamente, dando paso a elementos que son en extremo predecibles. De todas formas, este filme elabora correctamente varios de sus elementos y aunque está dentro del promedio, destaca su filmación en Imax por lo que vale la pena verla en la gran pantalla para apreciar cabalmente todos sus efectivos y sólidos efectos visuales.

Ficha técnica

Título original: Prityazhenie 2
Año: 2020
Duración: 134 minutos
País: Rusia
Guion: Oleg Malovichko, Andrey Zolotarev
Fotografía: Vladislav Opelyants
Reparto: Alexander Petrov, Irina Starshenbaum, Rinal Mukhametov, Oleg Menshikov, Yuriy Borisov,  Sergey Garmash
Productora: Art Pictures Studio / Vodorod 2011
Género: Ciencia ficción | Extraterrestres. Secuela
Dirección: Fedor Bondarchuk

Buscando Justicia

Basada en hechos reales, “Buscando Justicia” narra la historia del joven abogado Bryan Stevenson -Michael B. Jordan- quien, recién egresado de Harvard, funda en Alabama un centro jurídico para defender a reclusos condenados a muerte. El foco del abogado es ayudar a quienes han sido condenados por error o que carecen de recursos para tener una representación legal adecuada. Su trabajo lo realiza con el apoyo de la activista local Eva Ansley -Brie Larson- con quien comparte el idealismo y la búsqueda de igual Justicia para todos.

El caso principal que presenta la cinta es el de Walter "Johnny D." McMillian -Jamie Foxx- un afroamericano acusado en 1987 del asesinato de Ronda Morrison, una joven blanca de 18 años. Revisando su expediente, Bryan se percata de lo débil de la acusación y de la falta de pruebas. El caso construido por la fiscalía solo se basa en la declaración de un convicto, Ralph Myers -Tim Blake Nelson- quien declara contra McMillian para aliviar su propio castigo.

La película relata en primera persona -está basada en el libro que el propio Stevenson escribió como homenaje a McMillian- las infinitas maniobras legales que el joven abogado debe realizar para defender a su cliente. Con todo en contra, sin colaboración de las autoridades, con humillaciones y presiones indebidas producto de un solapado aunque evidente poder racista, Bryan debe sacar todo su coraje para sobreponerse a ello y no darse por vencido.

En mi caso personal, las películas que refieren a esta temática legal me encantan y la historia que presenta ésta en particular es, además, conmovedora. La realidad del llamado “corredor de la muerte” o “death row” en inglés, es desoladora. Allí los reclusos esperan su hora, elevan sus plegarias en busca de un milagro, de un aplazamiento o algún recurso de último minuto que retrase su sentencia a muerte. De nueve condenados a la pena máxima, uno es liberado sin cargos, señala una estadística que es tan brutal como incomprensible. Por ello, este relato es principalmente un grito contra la pena de muerte y un épico llamado a que cada persona, por más culpable que parezca o pueda ser, reciba la mejor, la más oportuna y la más diligente defensa.

El guion de Destin Cretton con la colaboración de Andrew Lanham deja muchas cosas en claro. Habla de un idealismo que nos reflota nuestras convicciones y nos entrega esperanza. El luchar por la gente que más ayuda requiere es su principal bandera sobre todo en un estado -Alabama, en el sur de Estados Unidos- donde algunas personas son vistas como culpables desde el mismo momento en que nacen, donde los prejuicios y el racismo va en contra de todo derecho humano de todo quien no es de textura blanca.

También observamos muchísima humanidad a lo largo del metraje. Los gestos del abogado hacia la familia de su defendido y también el trato que le da a otros clientes en similares condiciones es un signo a destacar. Donde algunos ni siquiera llaman, Bryan concurre personalmente, se da el tiempo de hablar con todos y aquello sin duda es un impulso para no darse por vencido a pesar de que todo se ve cuesta arriba.

“Just Mercy” su título en inglés es elocuente. Solo misericordia, es lo que resalta una cinta que independiente de su epílogo, escarba en las injusticias de un sistema penal que no resulta infalible. El poder abusa, hace la vida difícil a quienes lo desafían con hostigamientos, presiones ilegales y que también pasa por encima de la verdad en muchas oportunidades. Sin embargo, esta historia releva lo importante que es pelear por las convicciones. Nunca es tarde para la Justicia y aunque no se pueda asegurar o conseguir en todos los casos, la defensa de la verdad es algo que nadie nos puede quitar jamás.

Ficha técnica

Título original: Just Mercy
Año: 2019
Duración: 136 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Warner Bros. / Endeavor Content / Participant Media / MACRO / Netter Productions. Distribuida por Warner Bros.
Género: Drama | Biográfico. Basado en hechos reales. Drama judicial. Racismo. Años 80. Años 90
Guion: Destin Cretton, Andrew Lanham (Novela: Bryan Stevenson)
Música: Joel P. West
Fotografía: Brett Pawlak
Reparto: Michael B. Jordan, Brie Larson, Jamie Foxx, O'Shea Jackson Jr., Tim Blake Nelson, Rob Morgan, Lindsay Ayliffe, Ron Clinton Smith, Mary Kraft, Drew Scheid, David Michael-Smith, Denitra Isler, Rhoda Griffis, Steve Coulter, Elizabeth Becka, Dominic Bogart, Terence Rosemore, Jay DeVon Johnson, Kirk Bovill
Dirección: Destin Cretton

Frankie

En la preciosa localidad de Sintra, Portugal, se desarrolla esta historia cuyo centro es Frankie -Isabelle Huppert-, una famosa y renombrada actriz que reúne a toda su familia un día de vacaciones. Es mucho más que una reunión de descanso, involucra su vida, sus amores y a todos quienes, en su círculo más íntimo, le rodean.

Esta cinta de Ira Sachs tiene muchas vertientes. La principal es la protagonista, sin embargo es capaz de delinear a cada uno de sus personajes de tal forma que cada historia es una rama vital e interesante. Estas vidas paralelas -su hijo solitario que pronto se va a vivir a Nueva York, su hija en severos problemas de pareja, su nieta en plena adolescencia, su actual marido a la par con su exmarido y hasta una amiga maquilladora que viaja con su compañero- están cargadas de humanidad y pueden tener aun más protagonismo si se lo proponen.

Temas fundamentales como el amor, el desamor, el destino incierto, la elección de caminos de vida, disputas y herencias, están presentes en una extensión que siempre fluye pese a un ritmo lento y cadencioso. Los parajes del lugar, jardines, casas, cerros y bosques de ensueño, entregan un marco de belleza que acentúa lo transcendente del relato; la cercanía de la muerte, la necesidad de ordenar sentimientos y también las cosas materiales y prácticas.

Huppert está magnífica y sus acompañantes también, gracias a una filmación cercana que combina planos cerrados junto con aperturas que dan cuenta de preciosos rincones de la localidad. La cámara de la directora es cercana y la fotografía de Rui Poças tiene numerosos aciertos a lo largo de un metraje que, si bien dura solo 98 minutos, por momentos se siente más extenso de lo que realmente es.

“Frankie” es una suma de elementos vitales. Muy profunda en su fondo y sencilla en su forma, aborda lo más importante que tenemos los seres humanos: nuestra vida y por supuesto la familia. Tal vez Ira Sachs pone demasiado foco en la forma con la que construye el relato, sin embargo lo compensa con la manera en que compone y desarrolla a sus protagonistas. Logra que nos sintamos cercanos, que comprendamos sus problemas y que nos involucremos. Aun sin lograr demasiada empatía ni emoción en su recorrido total, la escena final -sin diálogos y observada desde lejos- es un perfecto cierre minimalista para una bella historia.

Ficha técnica

Título original: Frankie
Año: 2019
Duración: 98 minutos
País: Francia
Productora: Coproducción Francia-Portugal; Beluga Tree / O Som e a Fúria / SBS Productions
Género: Drama
Guion: Ira Sachs, Mauricio Zacharias
Música: Dickon Hinchliffe
Fotografía: Rui Poças
Reparto: Isabelle Huppert, Brendan Gleeson, Greg Kinnear, Marisa Tomei, Jérémie Rénier, Pascal Greggory, Carloto Cotta, Vinette Robinson, Ariyon Bakare
Dirección: Ira Sachs

Una guerra brillante

Desde 1880, Thomas Edison -Benedict Cumberbatch- y George Westinghouse -Michael Shannon- libran una competencia decisiva para el futuro del uso y distribución de la energía eléctrica. Edison, inquieto inventor y dueño de muchísimas patentes opta por la corriente continua, que sin embargo es costosa y de alcance limitado. Westinghouse, por su parte, apuesta por la corriente alterna, la que puede funcionar a mayores distancias y con un costo significativamente menor. Ambas, con muchos pro y contra, ofrecen dar un salto respecto al uso del gas y con ello un notable y significativo progreso.

La cinta del director Alfonso Gomez-Rejon no ha estado exenta de polémica. Originalmente supervisada por Harvey Weinstein -coproductor del filme y responsable de su distribución- la cinta obtuvo una mala recepción en el Festival de Toronto. Luego de la disolución de “The Weinstein Company” producto de las acusaciones en contra de su dueño, Gomez-Rejon rehizo partes de la cinta, acortó su duración y modificó la banda sonora para su estreno comercial el año 2019.

Gracias a la inspiración en hechos reales, el sustento de la historia es muy interesante. Aun cuando abusa de algunos tecnicismos respecto a la electricidad, la película no abandona la confusión como sello narrativo. El guion de Michael Mitnick no logra claridad -no la busca en ningún momento- y no profundiza en sus personajes. La inclusión de un tercer referente, el inventor Nikola Tesla -Nicholas Hoult- tampoco logra impregnar al metraje de un mejor desarrollo, dejando la tensión solo en manos de los dos grandes adversarios.

“The Current War”, su título original que da cuenta de “actual” y no “brillante”, es una película que se siente desconectada. Pese al interés que despierta la temática y a un sólido elenco, la cinta se diluye rápidamente y cae en un bache que no logra superar. La banda sonora -que más bien parece tomada de otra cinta- no se condice con las escenas ni tampoco con el ritmo de la filmación. Si bien la recreación de la época es un punto a favor, no alcanza para entregarle mayor dinamismo e interés a la historia.

En síntesis, “Una guerra brillante” no entrega lo que promete porque no corre riesgos, no configura mayormente a sus personajes y no profundiza en algunos elementos que sí están a su alcance. Es posible que el conflicto del director con la producción original y la labor de enmendar lo realizado sea el centro del problema, sin embargo la desconexión que muestra es evidente lo que resta méritos a lo fundamental, la llamada “guerra de las corrientes”, sus resultados y su legado.

Ficha técnica  

Título original: The Current War
Año: 2017
Duración: 107 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Bazelevs Production / Film Rites / Fourth Floor Productions / The Weinstein Company / Lantern Entertainment. Distribuida por 101 Studios [USA]. Productor: Martin Scorsese, Timur Bekmambetov
Género: Drama | Siglo XIX. Biográfico
Guion: Michael Mitnick
Música: Danny Bensi, Saunder Jurriaans
Fotografía: Chung Chung-hoon
Reparto: Benedict Cumberbatch, Michael Shannon, Nicholas Hoult, Katherine Waterston, Tom Holland, Tuppence Middleton, Matthew Macfadyen, Celyn Jones, Tom Sweet, Damien Molony, Louis Serkis, Simon Kunz, Craig Conway, Amy Marston, Emma Davies, Woody Norman, Colin Stinton, Tom Bell, John Schwab, Abigail Johns, Conor MacNeill
Dirección: Alfonso Gomez-Rejon

Prometo Volver

Esta película de Alice Winocour narra la historia de Sarah -Eva Green-, una astronauta francesa que entrena para una importante misión. Se trata de un viaje al espacio como preparación para el exigente objetivo de llegar a Marte. Tanto la fase previa en tierra como el viaje propiamente tal, ocupan extensos períodos de tiempo. Para Sarah la exigencia es enorme, tanto físicamente como emocionalmente. Ella vive sola con su hija Stella, de 7 años e indudablemente las decisiones de Sarah impactan en la vida de ambas y tensionan la relación madre-hija.

El guion de Jean-Stéphane Bron y Alice Winocour describe muy bien los sentimientos que tiene la protagonista. Siente culpa al optar por su trabajo postergando con ello a su hija. También siente el orgullo de ser la única mujer en una tripulación masculina y en un entorno evidentemente machista. Su deseo de estar a la par se enfrenta con la vulnerabilidad de su situación de vida. La responsabilidad de cuidar a su hija pequeña es una carga que no consigue alivio. Incluso el compromiso y ayuda de su ex pareja parece insuficiente a la luz de las altísimas exigencias que tiene Sarah como madre.

“Proxima”, su titulo original, muestra el vínculo familiar de una madre con su hija. La reflexión surge espontáneamente porque es difícil ponerse en el lugar de Sarah. La cinta logra visualizar el conflicto aunque con dificultades pues, a pesar que el dilema está presente, la opción de la protagonista es clara desde un comienzo.

La cinta también funciona un homenaje a muchas mujeres astronautas, describiendo los sacrificios que deben hacer, mostrando los programas de entrenamiento que llevan al límite sus capacidades y sobre todo poniendo en relieve la relación con sus familias y seres queridos. Este último punto es el que la cinta observa con mayor atención pues, independiente de las enormes exigencias físicas que la protagonista debe superar, lo más importante y trascendente sin duda es el vínculo familiar, emocional y afectivo con Stella.

Ficha técnica

Título original: Proxima
Año: 2019
Duración: 107 minutos
País: Francia
Productora: Dharamsala / Pandora Film
Género: Drama. Acción | Aventura espacial. Familia
Guion: Jean-Stéphane Bron, Alice Winocour
Fotografía: Georges Lechaptois
Reparto: Eva Green, Matt Dillon, Lars Eidinger, Sandra Hüller, Jan Oliver Schroeder, Nancy Tate, Marc Fischer, Zélie Boulant, Alexey Fateev, Vitaly Jay, Birger Frehse
Dirección: Alice Winocour

Una vida oculta

Franz Jägerstätter -August Diehl- vive con esposa Franziska -Valerie Pachner- y sus tres hijas en una granja en las montañas de Sankt Radegund, Austria. Su rutina es ardua y la vez encantadora. El cuidado de sus animales, la siembra, la cosecha, los juegos y reuniones en el pueblo, son parte de las actividades de esta abnegada familia campesina. Corre el año 1938 y las tropas de Hitler entran en Austria y todo gira en 180 grados. Se respira el nazismo y el reclutamiento para la confrontación es inminente. Pero Franz se niega a prestar juramento a Hitler. Es un objetor de conciencia que rechaza combatir para la alemania nazi por lo que es encarcelado en Linz y después en Berlín.

El director Terrence Malick filma un guion de su autoría de una manera muy particular. Construye un sensible homenaje a la consecuencia, a los valores y a la familia en base a la firme convicción de su protagonista. El relato es extenso y Malick se toma bastante tiempo para componerlo. Los paisajes son preciosos, la fotografía de Jörg Widmer es de gran belleza y la cámara del director pone acento en ello con lentes de gran ángulo que entregan una perspectiva amplia y magnífica. La banda sonora y las composiciones de James Newton Howard coronan un trabajo estético de primer nivel que resulta fuertemente conmovedor.

La tensión en la historia es un hilo interno que la recorre de forma permanente. Sabemos que esa vida apacible en esos parajes no es para siempre. Percibimos algo de lo que vendrá, lo suponemos, lo imaginamos. Malick se encarga de entregarnos elementos que se reiteran una y otra vez. Por eso es que las secuencias se sienten repetidas y en ocasiones parecen aportar poco al desarrollo del metraje.

El tiempo que el director decide entregar al desarrollo de la historia es extenso, son 180 minutos que se sienten. Pueden parecer excesivos tomando en cuenta que muchas secuencias podrían abreviarse para entregar mayor profundidad a otros personajes y también en beneficio de duración del filme. Malick justifica la extensión por la calidad de la filmación, sin embargo no debemos olvidar que el foco del relato es la vida y el acto objetor de Franz Jägerstätter y no un precioso documental de la vida campesina en la alta montaña.

El testimonio de Jägerstätter es ejemplar y está lleno de una vitalidad interior indescriptible. Estamos hablando de decisiones que tienen un componente moral y ético que es tremendamente complejo y que en este caso no solo lo involucra a él sino que a toda su familia. El inconmensurable amor de su esposa junto con su temple y su enorme fe cristiana, es probablemente lo que permite a Franz mantener su decisión a pesar de todas las salidas y opciones propuestas.

“Una vida oculta” es una historia potente, un drama que exuda humanidad, valentía, fe y esperanza. Malick nos relata valores y nos entrega elementos para la discusión, rodeado de entornos significativos que no nos dejan indiferentes. Solo debemos cuidar tener tiempo para verla sin apuro y permitir sorprendernos a pesar de las reiteraciones. La historia de Franz Jägerstätter, nos permite contemplar un sentido tributo a un hombre que, sin medir consecuencias, se mantuvo siempre firme en sus convicciones.

Ficha técnica

Título original: A Hidden Life
Año: 2019
Duración: 180 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Coproducción Estados Unidos-Alemania; Studio Babelsberg / Medienboard Berlin-Brandenburg
Género: Drama | Basado en hechos reales. II Guerra Mundial. Biográfico. Nazismo. Años 30. Años 40
Guion: Terrence Malick
Música: James Newton Howard
Fotografía: Jörg Widmer
Reparto: August Diehl, Matthias Schoenaerts, Valerie Pachner, Michael Nyqvist, Jürgen Prochnow, Bruno Ganz, Martin Wuttke, Karl Markovics, Franz Rogowski, Tobias Moretti, Florian Schwienbacher
Dirección: Terrence Malick

Nueva York sin salida

Medianoche en Manhattan. Un robo sale mal. El enfrentamiento entre los dos jóvenes asaltantes y la policía arroja un saldo de ocho oficiales muertos. El escape es complejo y el operativo que se monta, implacable. El tiempo apremia. En contra de los fugitivos y también en contra de quienes los persiguen.

Andre Davis -Chadwick Boseman- es quien lidera el procedimiento. Davis es hijo de un policía asesinado en acto de servicio por lo que conoce muy bien las reacciones cuando mueren uniformados. Como detective debe sobreponerse y hacer lo posible para atrapar vivos a los responsables. Pero el reloj corre. Se decreta el cierre de los 21 accesos que tiene la isla de Manhattan -“21 Bridges” es el título original de la película- para cercar a los fugitivos. Se conocen detalles del robo, las identidades de los prófugos y también suceden situaciones confunden todo. Andre Davis debe apurarse, el tiempo avanza. Todo es vértigo, adrenalina y suspenso.

Con una trama previsible pero entretenida, el guion de Matthew Carnahan y Adam Mervis funciona bien. Con un tour nocturno por un oscuro Manhattan como telón de fondo, la cinta gira en torno al robo y a la persecución policial sin dejar de lado el aspecto humano del detective y la actitud de los oficiales desplegados por toda la ciudad. Por cierto es un robo de droga y donde la hay, también se encuentra la corrupción, que aparece como un ingrediente adicional y altamente fundamental para el desarrollo de la historia.

Me gustan las películas así. Cuando tienen las dosis justas de acción más una trama entretenida que incluye giros, estas cintas aunque sean “de manual”, funcionan cuando están bien hechas. Y no se pide más. Que cumplan con lo que prometen, que entretengan y que por obvias que sean, dejen algún gusto a sorpresa. Brian Kirk y su equipo lo logran gracias a actuaciones convincentes y a un excelente trabajo de fotografía de Paul Cameron. Si puede verla en el cine, mejor. Si no, podrá ser un buen panorama para una tarde de otoño-invierno frente a la TV.

Ficha técnica 

Título original: 21 Bridges
Año: 2019
Duración: 99 minutos
País: Estados Unidos
Productora: AGBO. Distribuida por Film & TV House / GEM Entertainment / STX Entertainment
Género: Thriller. Drama. Acción | Crimen. Policíaco
Guion: Matthew Carnahan, Adam Mervis
Música: Alex Belcher, Henry Jackman
Fotografía: Paul Cameron
Reparto: Chadwick Boseman, Sienna Miller, Taylor Kitsch, J.K. Simmons, Stephan James, Keith David, Victoria Cartagena, Gary Carr, Shayna Ryan, Toby Hemingway, Dale Pavinski, Louis Cancelmi, Christian Isaiah, Morocco Omari, Katie McClellan, Jamaal Burcher, Adam Desautels, Lucky Harmon, Kevin D. Benton, Suzette Gunn, Wesley Green, Gina Destra, Jamie Neumann
Dirección: Brian Kirk

Sonic

Lo reconozco. No tenía expectativas para esta película y la verdad es que la cinta resulta simpática y agradable. Basada en el erizo azul de los videojuegos de SEGA, las aventuras de Sonic involucran mucha acción y movimiento. La criatura ha encontrado un lugar en la tierra luego de huir de su mundo al ser perseguido por quienes quieren sus superpoderes. Y el lugar es Green Hills, donde vive el Sheriff Tom Wachowski -James Marsden- junto a su esposa Maddie. Todo se complica cuando “Sonic”, frustrado y solo, provoca un corte de energía global que es investigado por el gobierno. Allí aparece en acción un oscuro personaje, el Dr. Robotnik -Jim Carrey- un ambicioso y mal intencionado científico que descubre a Sonic y quiere atraparlo con dudosos fines.

Me quedo con la simpatía del protagonista animado y su relación con Tom. James Marsden hace un excelente trabajo pues su contraparte es digital. Sus diálogos e interacciones resultan totalmente naturales y los efectos especiales están siempre al servicio del relato. El resto de los personajes son decorativos y caricaturas, que podrían perfectamente no estar lo que no afectaría el resultado de la historia.

Punto aparte para Jim Carrey. Histriónico como siempre y por cierto sobreactuado, su papel se hace pesado y tosco. Es cierto, es el villano, pero no me convence esta vez. Hay escenas que no tienen que ver necesariamente con la trama y que parecen hechas solo para que Carrey juegue, haga morisquetas o baile. Claro, es su salsa y seguramente se siente cómodo, pero no aporta nada al argumento. Solo obtiene algunas pocas sonrisas extra que a mi gusto están de más.

“Sonic the Hedgehog” funciona como extensión del videojuego y es entretenida. Deja abierta la puerta para futuras entregas porque el material y los personajes están. Ojalá, eso si, que los próximos villanos sean más interesantes que el Dr. Robotnik. Seguramente él va a estar, pero idealmente en un plano menor que permita el surgimiento de otros. De esta forma, las nuevas situaciones que se presenten podrán realzar a “Sonic” en sus aventuras y desventuras.

Ficha técnica 

Título original: Sonic the Hedgehog
Año: 2020
Duración: 99 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Coproducción Estados Unidos-Canadá-Japón; Blur Studio / Original Film / Marza Animation Planet / Sony Pictures Animation / Sony
Género: Fantástico. Comedia. Aventuras. Animación | Videojuego
Guion: Patrick Casey, Josh Miller, Oren Uziel (Personajes: Yuji Naka, Naoto Ohshima, Hirokazu Yasuhara. Historia: Van Robichaux, Evan Susser)
Música: Junkie XL
Fotografía: Animation, Stephen F. Windon
Reparto: Animation, James Marsden, Jim Carrey, Neal McDonough, Adam Pally, Leanne Lapp, Shannon Chan-Kent, Debs Howard, Bailey Skodje, Frank C. Turner, Dean Petriw, Tika Sumpter, Natasha Rothwell, Elfina Luk, Emma Oliver, Breanna Watkins, Lee Majdoub, John Specogna, Nicholas Dohy, Melody Nosipho Niemann, Jeanie Cloutier, Jeff Sanca
Dirección: Jeff Fowler

Parásitos

Esta película del director Bong Joon-ho es una joya. Posee un guion alucinante con un ritmo perfecto. Se suma a ello una fotografía, una edición y variadas perspectivas que están al servicio de un relato que sorprende y que incluye conflicto social, política, y un contexto tremendamente humano.

Los Kim, Ki-taek -Song Kang Ho- su esposa Chung-sook -Chang Hyae Jin- y sus hijos Ki-woo -Choi Woo Shik- y Ki-jung -Park So Dam-, viven en un subterráneo miserable de Seul. En realidad, subsisten apenas, realizan trabajos esporádicos y muy mal remunerados. Ante esta precariedad, la oportunidad que surge para que Ki-woo pueda hacer clases particulares de inglés a una joven colegiala de la clase alta de la ciudad es una ventana inesperada y se transforma en un salvavidas familiar. Poco a poco, con bastante imaginación y también con indudable frescura y afán aprovechador, el clan comienza a formar parte de la vida de los Park, Dong-ik -Lee Sun Kyun-, un gerente de altos ingresos, su esposa Yeon-kyo -Cho Yeo Jeong- y sus dos hijos.

Uno de los detalles que más llama la atención de esta estupenda y elogiada cinta es que sus personajes están perfectamente delineados. Todos, hasta los que tienen una mínima participación como pueden ser los repartidores de pizza o las personas en situación de calle, tienen perfectamente claro su rol en la historia. El grado extremo de miseria y riqueza reflejado por estas dos familias espejo -dos padres y dos hijos cada una- impacta. Es un blanco y negro marcado y agobiante, sin matices. Bong Joon-ho subraya la soledad y marginalidad de ambas familias que se encuentran en extremos opuestos en tanto sus condiciones económicas y que sin embargo comparten características que son totalmente transversales.

El guion es tan asertivo y provocador que, con su estilo en tono comedia negra, profundiza en problemáticas densas y particulares que a la vez son del todo universales. Es muy difícil no conmoverse con el amor filial y con la protección familiar. Asimismo, es complejo ocultar el actuar sinvergüenza que los lleva a relajarse, bajar la guardia y enfrentarse a la amenaza de un porvenir aparentemente exitoso y libre de mayores riesgos que engañosamente están construyendo.

Bong Joon-ho, en un acierto que es una genialidad, establece una línea de flotación física y también imaginaria. Los Kim están bajo esa linea y los Park sobre ella. ¿Pero, es tan así, o puede ser al revés? Las diferencias son notorias y extremas, sin embargo ambas familias tienen mucho más en común de lo que pudiera imaginarse. Sus condiciones son obviamente diferentes en lo material, pero es su vulnerabilidad lo que les hace similares, independiente del lado de la línea en el que se encuentren.

Luego de ganar la Palma de Oro en Cannes y varios otros premios, “Parásitos” se ha convertido en la revelación del año al lograr un hecho inédito hasta ahora: ser la primera película de habla no inglesa en ganar el Óscar a la Mejor Película. Los méritos los tiene y por supuesto de sobra, porque es de esas películas redondas, que marcan, que generan reacciones, que provocan y que por ello se recuerdan. La fuerza del relato, la convicción de sus actuaciones, el poder de su forma y las constantes sorpresas de sus giros, la transforman en una cinta imprescindible. Y ojo, no es fácil de ver. Incluso puede provocar algún rechazo en varias secuencias que son bastante crudas y que están dotadas de un realismo convenientemente acentuado.

“Parásitos” engloba tantos elementos de cine que es muy difícil analizarlos por separado. Aquello es tal vez su gran riqueza. Cumple las expectativas cuando esperamos algo que no sea obvio. También cumple al provocar incomodidad y no dejar que los asientos nos adormezcan. Y principalmente cumple al reflejar, en una cultura y en una historia particular, la mayor universalidad de todas, aquella que da cuenta de las relaciones humanas, sus acciones y reacciones, llevadas a un nivel de máxima tensión, a un punto disruptivo y genuinamente perturbador.

Ficha técnica

Título original: Gisaengchung
Año: 2019
Duración: 132 minutos
País: Corea del Sur
Productora: Barunson / CJ Entertainment / TMS Comics / Tokyo Movie Shinsha (TMS) / CJ E&M Film Financing & Investment Entertainment & Comics
Género: Intriga. Comedia. Drama. Thriller | Comedia negra. Drama social. Familia
Guion: Bong Joon-ho, Jin Won Han
Música: Jaeil Jung
Fotografía: Kyung-Pyo Hong
Reparto: Song Kang-ho, Lee Seon-gyun, Jang Hye-jin, Cho Yeo-jeong, Choi Woo-sik, Park So-dam, Park Seo-joon, Lee Jeong-eun, Park Keun-rok, Hyun Seung-Min, Andreas Fronk, Park Myeong-hoon, Jung Hyun-jun, Ji-hye Lee, Joo-hyung Lee, Jeong Esuz, Ik-han Jung, Seong-Bong Ahn, Dong-yong Lee, Hyo-shin Pak
Dirección: Bong Joon-ho

Un buen día en el vecindario

La sensación que provoca esta película es bien especial. El retrato de Fred Rogers interpretado con encanto y ternura por Tom Hanks, seduce desde el comienzo porque la figura de este presentador de televisión para niños, creador de “Mister Rogers' Neighborhood” en pantalla desde 1968 al 2001, es a la vez fascinante e intrigante.

La historia se basa en la experiencia personal de Lloyd Vogel -Matthew Rhys-, un crítico periodista quien debe escribir un artículo en “Esquire” sobre este ícono de la televisión norteamericana. Vogel, inspirado en Tom Junod que escribió dicho artículo el año 1998, va cambiando su perspectiva luego de los múltiples encuentros con Roger y su entorno. Escéptico en un comienzo e incrédulo hasta el final, observa que Rogers es alguien demasiado bueno para ser real. Esto, por cierto, le despierta sospechas y además lo hace cuestionar su propia vida y su propio actuar. ¿Es genuino? ¿Es Rogers un Santo, o un héroe?

Tom Hanks dota a su personaje de una amabilidad que cautiva. Claro, su programa es para niños, sin embargo su temática es profunda y transversal. Su foco son las emociones, su manejo, su expresión y la capacidad de reconocerlas y de hablar sobre ellas. Plantea diversas formas positivas de lidiar con los sentimientos, algo que no estamos acostumbrados a hacer. Vogel acaba de ser padre, su esposa debe asumir el cuidado del bebé mientras él viaja para los encuentros y la relación de Lloyd con su familia (su padre y su hermana) es conflictiva y distante.

Esta fábula, además de contener grandes dosis de dulzura, nos deja enseñanzas y también desafíos. “A veces necesitamos pedir ayuda y eso está bien”, señala Rogers, afirmando que “lo que mejor podemos hacer es hacerle saber a la gente que cada uno de ellos es precioso”. Quizá este es el punto más visible de la cinta; la atención genuina y sincera que Fred le presta a Lloyd y a su familia. Si aplicáramos una parte de sus enseñanzas sin duda que nuestro vecindario, es decir nuestra sociedad, nuestra ciudad, nuestro país, sería sin duda, un lugar mucho mejor y mucho más agradable.

Ficha técnica

Título original: A Beautiful Day in the Neighborhood
Año: 2019
Duración: 108 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Coproducción Estados Unidos-China; Big Beach. Distribuida por TriStar Pictures
Género: Drama | Biográfico. Amistad. Familia. Televisión
Guion: Micah Fitzerman-Blue, Noah Harpster (Artículo: Tom Junod)
Música: Nate Heller
Fotografía: Jody Lee Lipes
Reparto: Tom Hanks, Matthew Rhys, Chris Cooper, Susan Kelechi Watson, Noah Harpster, Tammy Blanchard, Wendy Makkena, Enrico Colantoni, Sakina Jaffrey, Maddie Corman, Crystal Lonneberg, Maryann Plunkett, Michael Masini
Dirección: Marielle HellerSinopsis

Aves de presa (y la Fantabulosa Emancipación de Una Harley Quinn)

Esta octava cinta del Universo extendido de DC (DCEU), spin-off de Escuadrón Suicida (2016) y dirigida por Cathy Yan, presenta una nueva aventura cuya protagonista es Harley Quinn, caracterizada por Margot Robbie. Resulta que Harley ha terminado su relación con el Joker y por ello decide comenzar de nuevo. Pero no puede, porque hay muchas cuentas pendientes y varios agravios de por medio que solo se mantenían contenidos gracias a la protección del Guasón. No obstante las serias amenazas y también venganzas en curso, Quinn se entera que la joven Cassandra Cain -Ella Jay Basco- se ha robado un diamante que pertenece al jefe del crimen de Ciudad Gótica, el malvado Black Mask -Ewan McGregor-, por lo que junto a Black Canary -Jurnee Smollett-Bell -, Huntress -Mary Elizabeth Winstead- y a la detective Renée Montoya -Rosie Perez- intentan protegerla

La película tiene una dinámica propia y bastante especial. La narrativa es fiel al estilo cómic con algunas idas y vueltas temporales que resultan muy divertidas. Su tono hilarante es permanente y para ello Robbie se desenvuelve de forma estupenda, sobrellevando el peso del relato durante todo el metraje. Cada personaje tiene su historia, a veces más y a veces menos desarrollada, que une puntos del pasado para entender el lugar que cada uno ocupa en la actualidad.

Lo más interesante de esta extravagante fantasía visual es la forma de encarar el tema de los superhéroes pues se hace desde otra perspectiva. La ausencia del Joker y las alusiones a Batman y a una Ciudad Gótica en ebullición, solo son piezas de contexto. Se trata, ahora, del poder femenino y por ello el título agrega como subtítulo la “Fantabulosa Emancipación de Una Harley Quinn”. Claro, Harley no es superhéroe o supervillana. Es una mujer normal con una gran personalidad -la influencia de Joker se nota-, que también domina el arte del combate y se desenvuelve perfecto en las luchas cuerpo a cuerpo. A esto se suman las habilidades de las otras compañeras de escena que, cada una con su propia especialidad, dan cuenta de diversas características que les permiten enfrentar y sortear las dificultades.

“Aves de Presa” entretiene en su estilo, se mueve dentro de los códigos de sus personajes y despliega muchísima acción, efectos visuales y guiños de todo tipo. Ideal para fans, resulta más difícil para quienes no lo somos porque solo observamos y disfrutamos una capa más externa de la historia, por cierto admirando la versatilidad de Margot Robbie quien no deja de sorprender con sus caracterizaciones.

Ficha técnica

Título original: Birds of Prey (And the Fantabulous Emancipation of One Harley Quinn)
Año: 2020
Duración: 109 minutos
País: Estados Unidos
Productora: DC Entertainment / Clubhouse Pictures / Kroll & Co. Entertainment / LuckyChap Entertainment. Distribuida por Warner Bros.. Productor: Margot Robbie
Género: Acción. Aventuras | Crimen. Cómic. DC Comics
Guion: Chuck Dixon, Jordan B. Gorfinkel, Christina Hodson (Cómic: Greg Land)
Música: Daniel Pemberton
Fotografía: Matthew Libatique
Reparto: Margot Robbie, Mary Elizabeth Winstead, Ewan McGregor, Jurnee Smollett-Bell, Rosie Pérez, Chris Messina, Derek Wilson, Steven Williams, Ali Wong, Matthew Willig, Charlene Amoia, François Chau, Greice Santo, Eric Michael Cole, Nico Greetham, Judy Kain, Eddie J. Fernandez, Robert Catrini, Dana Lee, Anthony Molinari, Ego Mikitas, Michael Masini, Gerald Downey, David Bianchi, Sara Montez, Mike Ferguson, Lenora May, Dominic Pace, David Anthony Buglione, Jeff Lipary, Joe Bucaro III, Eddie Alfano, Ryan Wicks, Pramod Kumar, Paul Lasa, William Guirola, Bruno Oliver, Karen Teliha, Zack Whyel, Julian Garcia, Nick Phillips, Bojana Novakovic, Jenelle McKee, Luis Richard Gomez, Ryan Watson, David Ury, Shad Gaspard, Adinett Nsabimana, Jason Catron, Jack Dourakos, Diezel Ramos
Dirección: Cathy Yan

Hra (The Play)

En una pequeña ciudad de la República Checa se desarrolla la historia de “Hra”, el nuevo trabajo del director chileno Alejandro Fernández Almendras. Petr -Jirí Mádl-, es un joven director de teatro que se apresta a estrenar su nueva creación, una adaptación de “Fedra” de Eurípides, basada en una versión de Miguel de Unamuno, con una visión personal sobre la corrupción naciente post caída del muro. A pocas semanas de la primera presentación pierde a sus dos actores principales, el municipio de la ciudad le hostiga exigiendo formalismos y su matrimonio está en crisis.

La cinta, con un marcado tratamiento teatral, se desarrolla en cinco actos más un prólogo y un epílogo. En cada uno de ellos, Fernández Almendras desarrolla las facetas más íntimas de sus personajes. Karolina -Elizaveta Maximová-, la mujer de Petr, es una joven impulsiva y enfocada en su trabajo. El cuidado de su pequeño hijo entorpece sus sueños profesionales y resiente la poca atención que su marido le presta a ambos producto de la absorbente preparación del estreno de la obra. Katerina -Marika Soposká-, llega a escena como la actriz reemplazante para el rol principal y con su magnetismo y soltura lo perturba todo. Petr, abrumado y confundido, se deja llevar y el romance entre ambos surge explosivo y natural.

Alejandro Fernández Almendras filma su propio guion, un drama que tiene varios elementos y puntos de vista para analizar y comprender. La crisis de la mediana edad, problemas matrimoniales, aspiraciones profesionales, problemas económicos y exigencias administrativas se mezclan con sentimientos profundos y cuestionamientos trascendentes que requieren decisiones fundamentales. Se trata de una deconstrucción y una construcción simultánea, un drama ultra existencial que habla de la pérdida de rumbo, la soledad y la búsqueda de caminos. Una pregunta concluye el primer tercio de la narración a propósito de la temática y dificultad de la obra: ¿hay algo más complejo que el amor y la pasión? Aquella frase parece encerrar, en un simple cuestionamiento, una magnitud que abarca la esencia misma de la existencia.

Párrafo aparte para destacar la fotografía en blanco y negro a cargo de Inti Briones. Su trabajo de excelencia dota al relato de una fuerza narrativa que pone énfasis en la profundidad, en los gradientes de la escala de grises, con planos abiertos -especialmente los nocturnos- que evocan importantes divagaciones, junto a otros cerrados que resultan íntimos y conmovedores. Del mismo modo la banda sonora a cargo de Pablo Vergara, entrega una fuerza especial a cada una de las escenas con obras de Shostakovich, Ravel, Schubert, Brahms, Mozart y otras piezas compuestas por el mismo Vergara, donde destacan sus arreglos para Cuarteto de Cuerdas y piano, en especial el de la Tercera Sinfonía de Brahms.

“Hra” -juego en checo- es una película muy interesante y que cautiva durante sus 93 minutos. Alejandro Fernández Almendras logra plasmar con su estilo una cinta rodada en otro idioma, reflejando otra cultura pero manteniendo el foco en la universal humanidad del relato. Tal vez esto es lo más importante para el director de Huacho, Sentados frente al fuego, Matar a un hombre y Aquí no ha pasado nada; se trata de la consolidación de su línea estilística, una característica que florece y provoca con su movimiento y constante reflexión.

Ficha técnica

Título original: Hra (The Play)
Año: 2018
Duración: 93 minutos
País: Chile
Productora: Coproducción Chile-República Checa-Francia-Corea del Sur; Arizona Productions / Arizona Productions / Film & Roll / Jirafa. Distribuida por Pilot Film [Czech Republic]
Género: Comedia. Drama. Romance
Guion: Alejandro Fernández Almendras
Música: Pablo Vergara
Fotografía: Inti Briones (B&W)
Reparto: Vladimíra Benoni, Sarah Havacova, Sarah Hlavácová, Danica Jurcová, Ondrej Malý, Elizaveta Maximová, Jirí Mádl, Darina Nicová, Marika Soposká, Jirí Strébl, Adam Vacula, Jana Zenáhlíková
Dirección: Alejandro Fernández Almendras

Gretel y Hansel

Esta adaptación del cuento clásico “Hansel & Gretel” de los hermanos Grimm, dirigida por Oz Perkins, se sitúa en la Baviera del Siglo XIV. Los hermanos Gretel -Sophia Lillis - y Hansel -Sam Leakey-, de 13 y 12 años, están desesperanzados. A la muerte de su padre, hace algunos años, se suma que su madre está casada con un hombre malévolo. Al verse en la absoluta miseria y desamparo, los niños deciden irse de su hogar, dejar el pueblo en busca de una mejor vida y nuevas oportunidades.

En su camino atraviesan un bosque que esconde personas que desean aprovecharse de ambos. Cuando creen haber sorteado los peligros encuentran una casa al interior que es la cabaña de Holda -Alice Krige-, una mujer que los acoge con comida y atención pero, como las apariencias engañan, deben escapar para salvar sus vidas.

La cinta se centra en ambos jóvenes y no es casual la inversión en el clásico título pues el peso de la aventura lo lleva justamente Gretel. El tratamiento del guion de Rob Hayes que realiza Oz Perkins es por momentos confuso. Por una parte, mérito por cierto, se decide por una opción de generación de suspenso que no es la usual. En esta apuesta, algunos recursos quedan sin el desarrollo suficiente para generar la tensión necesaria e incluso tampoco producen temor.

En líneas generales el relato se sostiene gracias a la hermosa fotografía provista por Galo Olivares y a la banda sonora compuesta por Robin Coudert que entrega un contexto misterioso y especial a la historia. Perkins tampoco profundiza en los personajes, los aleja y los observa a la distancia. Sobre el último tercio, aun pudiendo hacer algo más, desdibuja las acciones en busca de efectos, sin empatizar con ellos en la cadencia final.

“Gretel & Hansel” genera más expectativas que las que efectivamente es capaz de cumplir. A pesar de su acotada duración, por momentos se hace pesada, no fluye como se espera y transita hacia soluciones obvias y repetidas. Tal vez es una primera aproximación del director y su equipo en una búsqueda diferente en un género en el que cada vez se hace más complejo crear e innovar. Y está bien, si no se experimenta no se llega a nuevos resultados y tal vez esta película es un paso hacia aquel objetivo. Esperamos que sea así.

Ficha técnica

Título original: Gretel & Hansel
Año: 2020
Duración: 99 minutos
País: Estados Unidos
Género: Terror. Fantástico | Cuentos
Productora: Automatik Entertainment / Orion Pictures / Bron Studios / Wild Atlantic Pictures / Creative Wealth Media Finance. Distribuida por GEM Entertainment
Guion: Rob Hayes (Cuento: Wilhelm Grimm, Jacob Grimm)
Música: Robin Coudert
Fotografía: Galo Olivares
Reparto: Sophia Lillis, Ian Kenny, Charles Babalola, Alice Krige, Abdul Alshareef, Jessica De Gouw,  Samuel Leakey, Loreece Harrison, Beatrix Perkins, Manuel Pombo Angulo
Dirección: Oz Perkins