The Banker

Inspirada en hechos reales, “The Banker” relata la historia de Bernard Garrett -Anthony Mackie- y Joe Morris -Samuel L. Jackson- quienes en los años 50 se transformaron en los primeros afroamericanos dueños de un Banco en Estados Unidos. Garret, proviene de Texas, de una familia pobre y segregada. Su talento matemático innato lo despliega desde muy joven. Calcula rápidamente, y atento a las circunstancias, siempre ve una oportunidad donde otras personas no alcanzan a percibir nada. Todos van y él viene de regreso.

Cuando Bernard, a mediados de los 50, se muda a California junto a su esposa y su pequeño hijo, conoce a Joe Morris. Al principio no coinciden en nada pues ambos son muy diferentes y la posibilidad de asociarse se diluye entre sus personalidades. Entonces Garret emprende su propio camino y con esfuerzo y trabajo duro logra sacar adelante un emprendimiento con la ayuda de otro inversor. A poco andar y luego de sufrir un duro revés -él no podía figurar en contratos ni como socio por su condición de afroamericano- visualiza una oportunidad que no se puede dejar pasar. Renace allí la posibilidad de alianza con Morris en vista de un buen negocio inmobiliario que emprenden con agudeza y la colaboración de Matt Steiner -Nicholas Hoult-, un joven blanco de personalidad confiable pero de escasos, o más bien nulos, conocimientos empresariales.

La cinta fluye con mucha dinámica en su primera mitad. Los emprendimientos avanzan y todo marcha viento en popa. ¿Y el conflicto? Está ausente hasta ese momento. Bernard es próspero, gana mucho dinero y los negocios florecen. Pero él tiene una deuda con su ciudad natal. Quiere ayudar a su gente y se le ocurre una forma de hacerlo; comprar un Banco que pueda ayudar a quienes más necesitan un impulso para salir adelante y emprender.

El desarrollo de la historia es muy entretenido. No tiene pausa, posee un guion inteligente y equilibrado, una hermosa fotografía, una recreación de época muy bien lograda y bastante diálogo entre los protagonistas. Hay situaciones muy risueñas que contrastan con la seriedad permanente de Garrett. Samuel L. Jackson destaca por su soltura -el contrapunto al personaje de Anthony Mackie- y aporta con la distensión precisa en los momentos más duros y complicados del relato.

“The Banker” presenta una historia de superación que reconforta. El racismo y discriminación que sufren tanto Bernard como Joe los lleva a buscar ideas creativas y desafiantes. La relación con Matt es muy cercana y además fructífera comercialmente, pero siempre hay algo con lo que se tropieza en el camino. La ambición y el poder juegan un papel importante pues no es sencillo tomar la necesaria distancia.

La inteligencia, el valor, el coraje y el sentido de la oportunidad son características de la resiliencia de Bernard Garrett, sin embargo hay una que resalta aun más. El honor y rectitud de su actuar es implacable y es ese su sello principal. Tal vez no es siempre reconocido o comprendido pero le entrega estatura ética. No puede oponerse a las injusticias con otra injusticia o con mentiras. Al contrario, su ejemplo es el que debe derribar muros y correr fronteras de lo que para esos años era impensado. ¡Y vaya que es importante y significativo! La cinta lo relata en forma amena además de recordarnos, y con ello revisitar, un momento de la historia que confiamos haber dejado atrás.

Disponible en Apple TV+

Ficha técnica

Título original: The Banker
Año: 2020
Duración: 120 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Romulus Entertainment / Iam21 Entertainment. Distribuida por Apple TV+
Género: Drama | Basado en hechos reales. Años 50. Bolsa & Negocios
Guion: Niceole R. Levy, George Nolfi, David Lewis Smith, Stan Younger (Historia: Brad Kane)
Música: H. Scott Salinas
Fotografía: Charlotte Bruus Christensen
Reparto: Samuel L. Jackson, Anthony Mackie, Nicholas Hoult, Jessie T. Usher, Nia Long, Colm Meaney, Paul Ben-Victor, Michael Harney, Gregory Alan Williams, Taylor Black, James DuMont, Rhoda Griffis, Chris Gann, Jordan Salloum, Jason Davis, David Maldonado, Jill Jane Clements, Bill Kelly, Craig Welzbacher, Alexa Whitaker, Garrett Kruithof, Gralen Bryant Banks, Crystal Coney, Jody Thompson, Mason Pike, Xen Sams, Adam Drescher, Sherry Richards, David Andrew Nash, David Alexander, Albert L. Taylor, Zach Hanner
Dirección: George Nolfi

Chicas Perdidas

Mari Gilbert -Amy Ryan- trabaja en dos turnos. En el día opera maquinaria pesada y por la tarde-noche atiende en un Restaurante. De sus tres hijas, las dos menores viven con ella y los ingresos son insuficientes. Shannan, la mayor, hace años dejó el hogar, sin embargo cada cierto tiempo les visita. Y una noche, a una cita en casa, Shannan no llega. Extraño pero dentro de lo normal, sin embargo el contacto se pierde. No atiende su celular y su novio, con quien vive, no sabe su paradero. Las alarmas se encienden, Mari la reporta como desaparecida y la policía poco y nada toma en cuenta la denuncia.

Basada en hechos reales del año 2010, esta cinta de Liz Garbus basada en la novela de Robert Kolker, pone énfasis en la discriminación que sufren algunas personas debido a lo que hacen o bien su condición. Shannan es una joven trabajadora sexual por lo que su ausencia no despierta suficiente atención en el cuerpo policial. Es vista con lejanía, con desidia, como uno de tantos otros casos. El esfuerzo de Mari, entonces, es luchar por sobreponerse a dicha adversidad y exigir mayor compromiso con su hija sobre todo después de conocer la llamada de auxilio que efectuó antes de desaparecer.

Los acontecimientos cambian cuando la policía encuentra restos humanos en una zona de Long Island, cerca de una comunidad privada donde Shannan fue vista por última vez. Corresponden a tres mujeres jóvenes, reportadas como desaparecidas en 2007, también trabajadoras sexuales. Ya no es coincidencia, habría un patrón común, pero la policía aun está lejos de poder enlazar los hechos.

Mari y sus hijas Sherre -Thomasin McKenzie- y Sarra -Oona Laurence- toman contacto con familiares de las jóvenes encontradas en torno a una vigilia que organizan en su recuerdo. Shannan sigue desaparecida y la investigación estancada. Algunos sospechosos -un residente de la comunidad y el “chofer” de la joven son interrogados pero la pesquisa no avanza. Frustración, rabia y desazón para Mari y sus hijas. Se consuma una injusticia evidente, una discriminación odiosa e inaceptable.

La película tiene una narración que siendo intensa carece de urgencia. Empatizamos con la madre, con su sentimiento de culpa, con su angustia y su fuerza para exigir justicia. También observamos a la policía más preocupada de los medios, de contener una crisis mayor, que dar respuesta al caso. Richard Dormer -Gabriel Byrne- el comisionado, quien ha tenido dificultades en el pasado, ahora tiene al frente a Mari. Poco a poco se ve entre la espada y la pared, presionado por sus superiores y por una madre que no está dispuesta a dejar de luchar por su hija.

Liz Garbus filma con pulso firme cada escena. El relato se configura lentamente y va tomando su fuerza con el correr de los minutos. La fotografía es elocuente y ayuda a tener un contexto claro de lo que sucede. La personalidad que Amy Ryan imprime a su personaje resulta vital, es el motor de la historia y nos compromete. Aun así, el ritmo del metraje es cadencioso y por momentos se siente la baja de intensidad. Aunque no pierde totalmente la tensión necesaria, es finalmente la emoción lo que conduce el relato hacia su punto culminante.

“Chicas perdidas” tiene su principal mérito en la discriminación que denuncia. Una llamada de una joven al 911 pidiendo auxilio desde la comunidad privada tarda cerca de una hora en tener oficiales en terreno. Una llamada, desde la misma comunidad, por invasión a la propiedad, menos de 10 minutos. Cuando se trata de vidas humanas, no hay discriminación posible. Esa es la mayor injusticia y la cinta se hace cargo de denunciarlo.

Ficha técnica

Título original: Lost Girls
Año: 2020
Duración: 95 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Archer Gray / Langley Park Pictures. Distribuida por Netflix
Género: Thriller. Intriga. Drama | Basado en hechos reales. Secuestros / Desapariciones. Prostitución. Crimen
Guion: Michael Werwie (Libro: Robert Kolker)
Música: Anne Nikitin
Fotografía: Igor Martinovic
Reparto: Amy Ryan, Thomasin McKenzie, Lola Kirke, Gabriel Byrne, Oona Laurence, Miriam Shor, Dean Winters, Kevin Corrigan, Austyn Johnson, Rosal Colon, Reed Birney, Jimi Stanton, Molly Brown, Matthew F. O'Connor, Haskiri Velazquez, Harvey B. Jackson, Jared Johnston, Karan Choudhary, Stan Carp, Grace Capeless, Brian Adam DeJesus, Aaron Morton, Jon Haslam, Sarah Wisser
Dirección: Liz Garbus

El Hoyo

Inquietante desde su premisa, da cuenta de una prisión no convencional en la que existe una cantidad indeterminada de niveles y solo dos reclusos por piso. Diariamente una plataforma llena de comida recorre el edificio y los de abajo comen las sobras que van dejando los que están arriba de ellos. Uno de los presos, Goreng -Iván Massagué- quiere cambiar la situación. ¿Lo conseguirá? Junto a su compañero de piso Trimagasi -Zorion Eguileor-, la enigmática Miharu -Alexandra Masangkay-, la recién llegada Imoguiri -Antonia San Juan- y el decidido Baharat -Emilio Buale-, pone a prueba su fortaleza y al mismo tiempo se juega la vida.

Esta cinta del director español Galder Gaztelu-Urrutia es tremendamente cruda. Parte señalando que “hay tres clases de personas; los de arriba, los de abajo y los que caen…” Esto ya nos da una luz de lo que viene. El guion de David Desola y Pedro Rivero sorprende por ser simple y directo. No se guarda nada y expone el material abiertamente, sin resguardos ni consideraciones.

“El Hoyo” es una pieza teatral que tiene un desarrollo cinematográfico arriesgado ya que su forma podría llevar a evadir el foco principal. El acento está puesto en la desigualdad que provoca el poder. El que está arriba lo ejerce contra quien está abajo, no es proporcional y habitualmente es despótico. Incluso, luego de intercambiar posiciones en el edificio, las diferencias se acentúan. El comportamiento llega a ser bestial, instintivo. La supervivencia está en juego y las reacciones dejan de ser racionales. Este hecho perfectamente lo podemos extrapolar a lo que hoy vivimos. Si existe la oportunidad de conseguir algunos bienes o productos de primera necesidad, se acaparan sin pensar en las necesidades de los demás. Reclamamos cuando no tenemos acceso y cuando lo tenemos ignoramos a los que están a lado, detrás o bajo nosotros.

El tono de esta cinta es alto. Las situaciones e imágenes que presenta son extremas y se debe tener un buen estómago para verlas. Corresponde a una distopía ubicada en el futuro, un thriller de ciencia ficción con Gore explícito que causa indudable conmoción. Cuando parece que superamos una, viene otra escena de mayor intensidad. Es necesario advertirlo sin entregar por ello ningún adelanto de su argumento.

Varios reconocimientos y premios ha tenido esta cinta, que es la ópera prima de su director. La idea sobre la que está basada es tremendamente interesante. Una película que con pocos elementos centrales, aunque muy sólidos, es capaz de mantener la tensión por una hora y media merece atención. Si bien la forma puede resultar chocante y difícil de digerir, bien vale la pena correr el riesgo y aventurarse. La provocación es parte de su esencia. Logra incomodar y por ello reflexionar, aunque en el camino, cada una de sus capas nos hagan sentir que estamos dentro de la misma prisión que estamos observando.

Ficha técnica

Título original: El hoyo
Año: 2019
Duración: 94 minutos
País: España
Productora: Basque Films / Mr Miyagi Films / TVE / ETB / Zentropa Spain / Eusko Jaurlaritza / ICAA / Consejería de Cultura del Gobierno Vasco / Instituto de Crédito Oficial
Género: Ciencia ficción. Thriller | Distopía. Supervivencia. Gore
Guion: David Desola, Pedro Rivero
Música: Aránzazu Calleja
Fotografía: Jon D. Domínguez
Reparto: Ivan Massagué, Zorion Eguileor, Antonia San Juan, Emilio Buale, Alexandra Masangkay, Eric Goode, Algis Arlauskas, Miriam Martín, Óscar Oliver
Dirección: Galder Gaztelu-Urrutia

Su último deseo

Basada en el libro de Joan Didion escrito en 1996, “The last thing he wanted”, narra la historia de Elena McMahon -Anne Hathaway-, una periodista de Washington que se ve envuelta en una delicada operación de tráfico de armas al cumplir el último deseo de su padre, Richard Dick McMahon interpretado por Willem Dafoe.

Corren los años 80. Elena realiza un peligroso periodismo investigativo en terreno y ha debido huir de El Salvador raudamente. Luego, durante la campaña presidencial norteamericana del año 1984 se reencuentra con su padre quien le solicita un encargo muy lucrativo y a la vez riesgoso. Debe llevar un cargamento de armas a centroamérica y cobrar por el una gran suma de dinero. El intercambio no resulta como estaba planificado y Elena debe improvisar para buscar responsables, averiguar de qué se trata la operación y también velar por su vida.

Dee Rees filma un guion escrito junto a Marco Villalobos. El argumento desde un principio no es sencillo de seguir y de comprender. Hay bastante de historia, sobre todo de política norteamericana y su intervención en países como Nicaragua y El Salvador, que viven problemas de inestabilidad interna y lucha de guerrillas. La suma de personajes, las más de las veces sin aportar contexto ni profundizar, hacen que en el primer tercio no sepamos bien hacia donde nos conduce el relato.

Anne Hathaway, Willem Dafoe y Ben Affleck, que interpreta al enigmático Treat Morrison, realizan muy buenas actuaciones. Es curioso, ellos se destacan a pesar de la confusión narrativa que inunda el metraje. El peso de sus caracterizaciones se aprecia en sus gestos, en la intencionalidad de sus diálogos pero aquello no basta para sacar adelante la cinta. ¿Por qué? Tal vez no hay una sola razón pero quizá la más importante se refiere a las decisiones que toma el guion. Plantea un complejo rompecabezas que, aunque se logra finalmente resolver, está lleno de sobresaltos y giros que no favorecen el desarrollo dramático de la cinta.

“The last thing he wanted”, estrenada en Netflix en febrero pasado, llama la atención por la temática y sus actores. Tal vez por ello vale la pena verla, aunque al final no quedemos con el mejor de los gustos. Además de apreciar al elenco podemos confirmar que la presencia de buenos intérpretes como ellos, no siempre asegura que el producto sea de excelencia. Sin embargo, su aparición es un enganche que impulsa a ver la película para sí adarle una oportunidad aun sabiendo de sus dificultades y deficiencias.

Ficha técnica

Título original: The Last Thing He Wanted
Año: 2020
Duración: 115 minutos
País: Estados Unidos
Productora: The Fyzz Facility / thefyzz / Elevated Films / Pimienta. Distribuida por Netflix
Género: Thriller. Drama
Guion: Dee Rees, Marco Villalobos (Novela: Joan Didion)
Música: Tamar-Kali Brown
Fotografía: Bobby Bukowski
Reparto: Anne Hathaway, Ben Affleck, Willem Dafoe, Rosie Pérez, Toby Jones, Bill Kelly, Mel Rodriguez, Edi Gathegi, Laura Niemi, Carlos Leal, Brian Tester, Millie Ruperto, Yetta Gottesman, Rick Walters, David Vadim, Ellen Marguerite Cullivan
Dirección: Dee Rees

Vivir dos veces

Emilio -Oscar Martínez- tiene su rutina diaria. Resuelve Sudoku mientas toma desayuno en la cafetería de siempre. Como profesor de matemáticas ya jubilado, el ejercitar su mente es parte de su vida. Sin embargo, pequeños síntomas aparecen y su memoria ya no es la misma. Algo se está deteriorando y a pesar de su inicial resistencia, el diagnóstico se confirma médicamente.

Emilio vive solo. Tiene una hija, Julia -Inma Cuesta-, a la que ve poco. Ella vive junto a su marido y a Blanca -Mafalda Carbonell-, una joven escolar inquieta y que pasa imbuida en su celular. Al conocer lo que le sucede a su padre, Julia intensifica la relación con él. Así, una serie de situaciones desencadenan una aventura de pronóstico reservado. Emilio se propone buscar a su amor de juventud antes que la olvide y para ello la ayuda y complicidad de su nieta resulta fundamental.

“Vivir dos veces” es una comedia española que se desenvuelve sin aspavientos ni falsas promesas. Basa su relato en el carisma de personajes que logran generar empatía. El tema de la enfermedad de Emilio es serio, sin embargo el tono del guion lo suaviza e incluso permite que nos riamos de situaciones que son ciertamente dolorosas.

La cinta dirigida por María Ripoll no posee un gran vuelo, sin embargo tiene méritos. La relación del abuelo con su nieta es interesante -y también muy divertida- porque a pesar de no tener temas en común, logran conectar a través del cariño. El matrimonio de Julia pasa por momentos complejos y, a pesar que el tema no se profundiza, no se deja pasar. La resistencia inicial de Emilio para asumir su deterioro es fuerte y a Julia le cuesta sobrellevar la noticia. Solo el tiempo va permitiendo que ambos vayan aceptando la situación y así estrechar lazos que se encontraban más distantes. Y lo más difícil. Para Julia aceptar que su padre busque a su primer amor lo ve como una traición a su madre que ha muerto años antes, sin embargo y con mucho amor, le apoya y acompaña.

En estos tiempo, una película con una forma liviana de tratar un tema que es complejo, tiene valor agregado. No solo permite mirarlo desde otra perspectiva sino que a la vez nos da luces de esperanza. Por un momento nos olvidamos de los problemas y nos enfocamos en el amor, en la familia y en la ternura de los protagonistas. Vamos con ellos en su aventura sin saber qué les depara. Nos sorprendemos en el camino y nos emocionamos junto a ellos. Les acompañamos y ellos nos acompañan, algo que en momentos de crisis, es bastante.

Ficha técnica 

Título original: Vivir dos veces
Año: 2019
Duración: 101 minutos
País: España
Productora: Alamar Cinena 161 / Convoy Films / Crea SGR / Film Factory Entertainment / Generalitat Valenciana / Institut Valencià de Cultura / Netflix / Plural-Jempsa / TVE / À Punt Media
Género: Comedia. Drama | Road Movie. Vejez. Alzheimer
Guion: María Mínguez
Música: Arnau Bataller
Fotografía: Núria Roldos
Reparto: Oscar Martínez, Inma Cuesta, Mafalda Carbonell, Nacho López, Aina Clotet, Isabel Requena, Antonio Valero, María Zamora, Hugo Balaguer, Valeria Schoneveld, Lucas Cavataio, Amparo Oltra, Mamen García, Manu Valls, Silvia Valero, Ferran Gadea, Jordi Aguilar, Jordi Tamarit,  Nieves Soria, Hugo Sáez Contreras, Gustavo Ferrada, Alex Franco, Daniel González, María Ripoll, Antonio Ruz
Dirección: María Ripoll

El precio de la verdad

Esta cinta, basada en hechos reales, narra la historia de Robert Bilott -Mark Ruffalo-, un abogado recién ascendido a socio del Buffet “Taft Stettinius & Hollister” en Cincinnati, Ohio. Su trabajo es defender grandes corporaciones, sin embargo el foco cambia radicalmente cuando intempestivamente recibe la visita de Wilbur Tennant -Bill Camp-, un granjero proveniente de Parkersburg, West Virginia, quien le denuncia la muerte de decenas de sus animales y atribuye la causa a la poderosa empresa química DuPont. Tennant supo de Robert por su abuela, vecina de la localidad, y trae pruebas concretas. Varios videos muestran anomalías extrañísimas en los animales muertos.

El guion escrito por Matthew Carnahan y Mario Correa se basa en un artículo de “New York Times Magazine” del año 2016 titulado “El abogado que se convirtió en la peor pesadilla de DuPont” escrito por Nathaniel Rich. Si bien no se trata de un drama trepidante, el argumento es equilibrado y aunque por momentos su ritmo es pausado, da perfecta cuenta del dificultoso proceso legal y humano que implica oponerse a una compañía poderosa y líder de la industria.

Junto a Bilott está su familia, su esposa Sarah -Anne Hathaway- y sus hijos. Es que una decisión como la que él toma no solo le afecta a él. Arrastra con ello a todo su entorno y principalmente a sus seres queridos. La rigurosidad y tenacidad del abogado parece no tener limite. Se debe enfrentar a un gigante que posee todos los medios económicos para ejercer presión -legales e ilegales- y no dar su brazo a torcer. Además, Robert debe defender su actuar y sus decisiones ante su jefe en el Buffet de abogados, asunto que significa un detrimento de su carrera profesional y también de sus ingresos.

La actuación de Mark Ruffalo es sólida. Su papel, absolutamente creíble, se complementa muy bien con el soporte de Anne Hathaway. La presencia de Tim Robbins, Victor Garber y Bill Pullman agregan peso a una narración que aunque por momentos se hace densa, resuelve correctamente lo que plantea apoyada por una línea de tiempo que comienza el año 1998 y concluye en el año 2015.

Pocas veces me gustan los títulos en español de películas cuyo original considero que no se debe modificar. Esta es una excepción, pues si bien “Dark Waters” es clarísimo, titularla “El precio de la verdad” agrega un valor que está presente en la misma película. La audacia y valentía de Robert Bilott no es gratis, tiene un precio. Mas que un precio, en realidad es un costo. Robert arriesga y mucho. Su familia, su empleo, su reputación, incluso el rechazo de una comunidad convencida que DuPont es una empresa “santa”. Ese riesgo tiene costos y Robert está dispuesto a pagarlos porque está convencido que su acción favorece el bien común, el bien de miles de personas que sufren las consecuencias de un sistema que no es capaz de controlar adecuadamente a una empresa que, aún sabiendo el daño que causan sus acciones, sigue adelante sin tomar nada en cuenta pues su único fin de ganar aun más dinero aunque sea a costa de la salud y la vida de las personas de su propia comunidad.

Ficha técnica

Título original: Dark Waters
Año: 2019
Duración: 126 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Killer Films / Participant Media. Distribuida por Focus Features
Género: Drama | Basado en hechos reales. Drama judicial
Guion: Matthew Carnahan, Mario Correa, Nathaniel Rich (Artículo: Nathaniel Rich)
Música: Marcelo Zarvos
Fotografía: Edward Lachman
Reparto: Mark Ruffalo, Anne Hathaway, Tim Robbins, Bill Camp, Bill Pullman, Victor Garber, William Jackson Harper, Mare Winningham, Kevin Crowley, Trenton Hudson, Marc Hockl, Lyman Chen, Courtney DeCosky, Scarlett Hicks, Lea Hutton Beasmore, Denise Dal Vera, Louisa Krause, Daniel R. Hill, Chaney Morrow, Lisa DeRoberts, Brian Gallagher, John Newberg, Wynn Reichert, Tera Smith, Tyler Craig, Barry G. Bernson, Amy Morse, Jeffrey Grover, Teri Clark
Dirección: Todd Haynes

Grandes Espías

Un agente de la CIA -Dave Bautista-, luego de fracasar en una importante misión, recibe el encargo de vigilar a Kate Newton -Parisa Fitz-Henley- y a su hija Sophie -Chloe Coleman-. Este cuidado es necesario ya que un familiar de ambas está envuelto en una operación internacional a gran escala y es un sujeto peligroso. JJ es un agente duro, de pocos amigos, mal genio e impaciente. Sus misiones se caracterizan por golpear, disparar y luego preguntar, por lo que en este nuevo trabajo se ve absolutamente sorprendido cuando la pequeña Sophie le enfrenta directamente. Ella, una niña de 9 años, tímida y siempre molestada por las más populares de su escuela, no tiene reparos en plantarse de igual a igual a JJ cuando descubre su rol de espía. Sophie es tan irreverente que logra condicionar a este especial “big man” surgiendo entre ambos una química que es quizá lo mejor de la película.

En tono de comedia familiar, “My Spy” entretiene gracias a un desarrollo simple y directo. El director Peter Segal logra unir el relato y lo equilibra con situaciones que contienen humor, acción y también aspectos humanos. En sátira, da cuenta de los cambios en JJ, en cómo él va perdiendo dureza y ganando emocionalidad. También muestra lo que Sophie logra avanzar en la relación con sus pares. Y por supuesto relata lo que se comienza a generar entre la madre de Sophie y JJ sin dejar de lado las reacciones de Bobbi -Kristen Schaal-, la novata compañera de trabajo asignada al agente y que ve en ésta, su primera misión en terreno.

“Grandes espías” funciona bien, cumple lo que promete y no decepciona. Esto, aunque parece algo básico, no siempre está presente en películas de este tipo por lo que vale la pena destacarlo. Además, y aunque en dosis muy básicas, hay pequeñas lecciones que siempre es bueno recordar.

Dejar fluir las emociones es un duro trabajo para alguien rudo, sin embargo cuando se despeja el camino, los hechos se van transformando para mejor. La relación de los protagonistas, principalmente su gran diferencia de edad, también es un punto importante pues la brecha generacional no es impedimento para una una natural comunicación.

La asertividad y frescura de Chloe Coleman sorprenden gratamente. Es quizá lo que le da la magia al relato y hace que literalmente se robe la película. ¡Un acierto que vale la pena ver!

Ficha técnica

Título original: My Spy
Año: 2020
Duración: 102 minutos
País: Estados Unidos
Productora: STX Entertainment. Distribuida por Film & TV House / GEM Entertainment
Género: Comedia | Cine familiar. Espionaje
Guion: Erich Hoeber, Jon Hoeber
Música: Dominic Lewis
Fotografía: Larry Blanford
Reparto: Dave Bautista, Kristen Schaal, Ken Jeong, Parisa Fitz-Henley, Nicola Correia-Damude, Laura Cilevitz, Sima Fisher, Chloe Coleman, Michelle McLeod, Ali Hassan, Vieslav Krystyan, Sukhman Gill, Miranda Millar, Marcus Cornwall, Darrin Baker, Robert Ifedi, Devere Rogers, Lindsay Mullan, Rakhee Morzaria, Basel Daoud, Olivia Dépatie
Dirección: Peter Segal

Atrapados

La angustia está presente desde el título, aunque no es su original. La cinta narra la historia del K-141 Kursk, el submarino nuclear Ruso, Clase “Oscar” con una dotación de 118 tripulantes a bordo, que el 12 de agosto del 2000 sufrió un accidente fatal en medio de un ejercicio naval en el mar de Barents. 

Dirigida por Thomas Vinterberg, “Kursk” relata una historia tremenda y cruda. Primero nos muestra el lado más íntimo y humano de la tripulación del submarino. En tierra celebran el matrimonio de un camarada y vemos familias afligidas en lo económico pero muy unidas en su amistad e intimidad. Cuando ya se despliega la misión, la fotografía de Anthony Dod Mantle muestra bellos paisajes navales y nos introduce en las rendijas de una máquina que se hunde en el mar con municiones, torpedos, un reactor nuclear y un centenar de almas.

Independiente si sabemos o no el final, la película se encarga de mantener el suspenso gracias a un muy buen guion de Robert Rodat. Los códigos marinos, las decisiones de los superiores -las más veces desacertadas y negligentes responsabilizando en la cinta principalmente al General Petrenko, interpretado por Max von Sydow -, mas la persistencia de los familiares, entregan al relato emoción hasta el final. En ese sentido, es una pena que sea hablada en inglés y no en ruso, pues se pierde parte importante del sello y esencia de la identidad.

Las actuaciones son convincentes porque no es fácil hacer una película de la que se sabe, a priori, el desenlace. El mayor trabajo está precisamente en la caracterización de cada uno de los personajes, con sus personalidades e ideales diferentes, sus relaciones personales, el desarrollo de su trabajo y el entorno que posee su vida familiar. El valor de la hermandad y el apoyo entre camaradas submarinistas es conmovedor. Tal vez es lo más fuerte que los une y cobra verdadero sentido en el momento más crítico.

“Atrapados” es intensa en sus momentos más duros. La música compuesta por Alexandre Desplat, íntima y apropiada durante toda la película, funciona como un perfecto hilo conductor emocional. Como homenaje y haciendo honor a los marinos, esta cinta ofrece el lado humano de una tragedia qué tal vez, con otras acciones y decisiones, podría haberse evitado.

Ficha técnica 

Título original: Kursk
Año: 2018
Duración: 117 minutos
País: Bélgica
Productora: Coproducción Bélgica-Luxemburgo; Europa Corp / Belga Productions / VIA EST
Género: Drama | Basado en hechos reales. Submarinos
Guion: Robert Rodat
Música: Alexandre Desplat
Fotografía: Anthony Dod Mantle
Reparto: Matthias Schoenaerts, Léa Seydoux, Colin Firth, Max von Sydow, Michael Nyqvist, Peter Simonischek, Martin Brambach, Guido De Craene, Geoffrey Newland, August Diehl, Matthias Schweighöfer, Fedja Stukan, Miglen Mirtchev, Jehon Gorani
Dirección: Thomas Vinterberg

El robo del siglo

Esta película argentina está basada en la historia real del robo al Banco Río, sucursal de Acassuso, el 13 de enero de 2006. Ese día, seis ladrones ingresaron a sus dependencias, tomaron rehenes, desvalijaron las cajas de seguridad y perpetraron un robo que se encuentra entre los cuatro mejores del mundo.

Fernando Araujo -Diego Peretti-, ideólogo y líder del golpe, pinta cuadros, cultiva marihuana al interior de su casa y pasa los días sin tener muy claro su horizonte personal. Es entonces cuando le surge la idea de robar un banco. Pero no lo puede hacer solo, necesita ayuda y también contactos. Araujo inicia un plan que parte por reclutar a Mario Vitette -Guillermo Francella-, un uruguayo avezado en diversos delitos y dueño de una gran personalidad. Ambos configuran los aspectos centrales del plan, suman más socios y se llevan el peso organizativo del atraco.

El día del gran golpe todo está planificado. Las fases se van sucediendo una a una. Araujo se dedica a vaciar las cajas de seguridad y Mario -que incluso tomó clases de actuación para ello- tiene la misión de controlar a los rehenes y tomar contacto con la policía que ya ha llegado y se ha desplegado por todo el entorno. Miguel Sileo -Luis Luque-, el negociador, no entiende mucho lo que sucede dentro y trata de ganar tiempo para no correr riesgos. Mario, por su parte, intenta lo mismo, mientras sus compañeros siguen adelante con cada uno de los detalles acordados.

El director Ariel Winograd filma el guion escrito por Alex Zito y el mismo Fernando Araujo con dinamismo y versatilidad. Los diálogos son chispeantes y la narración resulta muy entretenida. En varias escenas curiosas situaciones sacan carcajadas pues incluso en los momentos de mayor tensión, siempre está presente un quiebre que la suelte y la relaje.

Con “El robo del Siglo” se produce un efecto muy especial en la audiencia. Nace una natural empatía por los ladrones, por los “malos”. Es algo similar a lo que sucede con la serie “La casa de papel” o la película chilena “Pacto de Fuga”. “Protegemos” a quienes infringen la ley o están cometiendo un delito. No queremos que los encuentren, que los sorprendan, ni menos que les arruinen el plan o los tomen presos. Y cuando el relato nos compromete de esa manera, nos genera vínculo con los protagonistas, nos atrapa y no nos suelta. Por esa empatía y por supuesto por su excelente producción, esta cinta es estupenda y nos brinda 114 minutos de entretención garantizada.

Ficha técnica

Título original: El robo del siglo
Año: 2020
Duración: 114 minutos
País: Argentina
Productora: AZ Films / MarVista Entertainment / Telefé
Género: Thriller | Basado en hechos reales
Guion: Alex Zito, Fernando Araujo
Música: Darío Eskenazi
Fotografía: Félix Monti
Reparto: Guillermo Francella, Diego Peretti, Luis Luque, Pablo Rago, Rafael Ferro, Mariano Argento, Juan Alari, Iván Steinhardt
Dirección: Ariel Winograd

Los Caballeros

Un capo de la droga de origen norteamericano tiene el impero de la marihuana en Londres. Es Mickey Pearson -Matthew McConaughey- quien junto a su mano derecha, Raymond -Charlie Hunnam-, llevan el negocio a grandes alturas. Pero Mickey ya está cabreado, quiere vender y aquello naturalmente desencadena problemas. Fletcher -Hugh Grant-, un investigador privado tan osado como burdo, le sigue la pista y descubre asuntos que no deben salir a la luz. Por una suma de dinero, 20 millones de libras, ofrece a Ray sepultar la historia que ya se encuentra en estado de guion cinematográfico para ser usada y difundida. Socios y enemigos de Mickey se suman a este cóctel perfecto en una comedia que desparrama humor, acción y absurdos que entretienen en la medida que somos capaces de unir las piezas y armar el puzzle.

El director Guy Ritchie, “Sherlock Holmes” y “Aladín” entre otras, filma un estupendo guion de su autoría junto a Ivan Atkinson y Marn Davies, donde la imaginación y las vueltas de carnero resultan ser un sello característico. Si bien es un relato ágil, por momentos cuesta seguirlo. Paciencia, parece que nos desorienta, pero nos regresa a la línea con toques claros y escenas en perspectiva que nos hacen retomar el rumbo sin dificultad. Alertas debemos estar, pero más que a la trama, a aquellos pequeños detalles y sutilezas en un trabajo que tiene una edición y un montaje vibrante.

Es difícil adelantar detalles de la trama. Más vale descubrirlos al verla porque cualquier detalle podría transformarse en spoiler. Solo podemos anticipar detalles en los que es bueno fijarse, como por ejemplo el papel de Colin Farrell como el “entrenador” y el especial liderazgo de sus alumnos, o la caracterización de “Lord George” y “Dry Eye”, villanos que sazonan las acciones.

Guy Ritchie logra un relato que sin ser fascinante, atrapa y se vuelve más interesante hacia su último tercio. Punto aparte para la química de Hugh Grant con Charlie Hunnam. Ambos llevan la historia pues de su encuentro y conversación salen los detalles de esta comedia de gángsters. Por supuesto, consecuente con el estilo, no falta la acción, la violencia y la sangre. Tampoco falta lo absurdo y lo ridículo de algunas escenas que permiten soltar con ello la tensión de un argumento que tiene mucho texto y que demanda permanente atención.

Ficha técnica

Título original: The Gentlemen
Año: 2020
Duración: 113 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Miramax / STX Entertainment. Distribuida por STX Entertainment
Género: Thriller. Acción. Comedia | Crimen. Drogas
Guion: Guy Ritchie (Historia: Guy Ritchie, Ivan Atkinson, Marn Davies)
Música: Christopher Benstead
Fotografía: Alan Stewart
Reparto: Matthew McConaughey, Charlie Hunnam, Hugh Grant, Colin Farrell, Eddie Marsan, Henry Golding, Michelle Dockery, Jeremy Strong, Jason Wong, Jordan Long, Russell Balogh, Chidi Ajufo, Lyne Renee, Max Bennett, Eugenia Kuzmina, Togo Igawa, Tom Wu, Simon. R. Barker, John Dagleish, Lily Frazer, Gershwyn Eustache Jnr, Samuel West, Geraldine Somerville, Franz Drameh
Dirección: Guy Ritchie

Unidos

Walt Disney Pictures de la mano con Pixar Animation Studios nos traen una nueva fábula animada. Esta vez se trata de Ian y Barley Lightfood, dos hermanos elfos adolescentes que descubren que, con un hechizo mágico, pueden traer de regreso por un día a su padre quien falleció cuando ellos eran muy pequeños. Un regalo dejado por su progenitor para ser entregado cuando ambos tuvieran más de 16 años, desencadena una aventura que tiene un plazo; solo 24 horas.

En un mundo de fantasía donde habitan elfos, sirenas, hadas, unicornios y pegasos entre otros, la cruzada que emprenden los dos hermanos tiene carácter épico pues el camino que eligen no está exento de problemas. La ausencia de maravillas y magia en este mundo cambiante ha dado paso a una modernidad que abruma y que es monótona y plana. Los hermanos lo perciben pero no están seguros, las dudas abundan y el riesgo es latente.

Por supuesto los hechizos no salen como se prevé y surge la clásica disputa entre el bien y el mal. Todo ello se desarrolla en escenarios gráficos alucinantes, con diálogos chispeantes que sacan genuinas sonrisas. La animación es encantadora y el colorido fantástico. “Onward” fluye sin altibajos y se disfruta en todo momento.

Por sobre la experiencia de su excelente calidad, “Unidos” plantea muchos temas de fondo que quedan en nuestra retina. Observamos la hermandad, la fuerza de la familia y la figura paterna. También se encuentran fuertes referencias a vencer los temores y arriesgar, es decir, salir de la zona de confort para producir los cambios. La magia es casi una excusa pues en verdad, la voluntad y decisión de los dos hermanos, su mutuo apoyo inagotable cuando alguno de los dos flaquea y el urgente deseo de conocer a su padre les hacen sobreponerse a todo para alcanzar la meta.

“Unidos” es una linda fábula, bien narrada y que no solo entretiene sino que deja temas para pensar. Estas películas infantiles en ocasiones tienen la cualidad de hacer más sentido en adultos que en niños. A través de relatos transversales existe una mágica comunicación de valores y enseñanzas con un lenguaje divertido y dinámico. Y no es que no sean temas serios, al contrario, hay varios y muy serios. Lo que sucede es que la profundidad es alcanzada de otra forma, de manera lúdica, entretenida y desprovista de aquellos encasillados márgenes que muchas veces solo amarran a patrones rígidos conocidos. Acá vemos que se desarrolla libre, sin marcos ni ataduras, entregando contenidos que son recibidos entre sonrisas y aplausos por grandes y chicos.

Ficha técnica

Título original: Onward
Año: 2020
Duración: 103 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Pixar Animation Studios / Walt Disney Pictures. Distribuida por Walt Disney Pictures
Género: Animación. Comedia. Fantástico | Magia. 3-D. Pixar
Guion: C.S. Anderson, Dan Scanlon
Fotografía: Animation
Reparto: Animation
Dirección: Dan Scanlon

El permiso

Las discriminaciones de cualquier tipo no son entendibles. Pero dentro de ellas, algunas son tan absurdas que sencillamente no caben en nuestra actual concepción de mundo. Sin embargo, éstas se mantienen vigentes y como el caso que presenta esta película iraní, además son legales.

Afrooz -Baran Kosari- principal figura y capitana de la selección de fútbol sala (FUTSAL) de Irán, no puede viajar con su equipo a la soñada final de la Copa Asiática de Naciones porque justo antes de abordar el vuelo se entera que su marido le ha prohibido salir del país. Esta situación, inesperada y visiblemente injusta, choca con la actitud que toma la Federación de Fútbol, con la reacción de sus compañeras y por cierto con el doble estándar de quien directamente le ha provocado el problema.

El asunto es que Afrooz es de armas tomar. Lejos de decaer, aumentan sus bríos para luchar contra una ley que aplica sobre miles de mujeres de su país. Afrooz tampoco teme enfrentarse con una “Justicia” que está de parte de esta obvia injusticia. Acompañada por una abogada -que difunde la situación en redes sociales generando más bien un apoyo global más que una ayuda concreta- logra llevar el tema a revisión pero el golpe es duro. Abogada, médico, jugadora o lo que sea, ella es mujer y por lo tanto no tiene ciertos derechos esenciales que son solo para los hombres. ¡Brutal!

“El permiso” expone una realidad actual y vigente. Inconcebible para nosotros, es algo con lo que muchísimas mujeres se enfrentan día a día, además. por cierto, de otras injusticias e incluso vejaciones aún más graves. Lo más importante de cintas como esta es que se puede mostrar esa realidad, compartirla y con ello, tal vez, avanzar un paso más hacia la abolición de leyes que denigran a la mujer, que menoscaban su natural y absoluta igualdad en dignidad y derechos.

Ficha técnica 

Título original: Araghe Sard
Año: 2018
Duración: 85 minutos
País: Irán
Productora: Distribuida por Noori Pictures
Género: Drama | Drama social. Fútbol. Deporte. Feminismo
Guion: Soheil Beiraghi
Música: Karen Homayunfar
Fotografía: Farshad Mohammadi
Reparto: Baran Kosari, Amir Jadidi, Leili Rashidi, Hoda Zeinolabedin, Sahar Dolatshahi, Abbas Moosavi, Maryam Sarmadi, Sogand Soleymani
Dirección: Soheil Beiraghi

Amigos para siempre

Esta película resulta encantadora. Basada en la novela de Colin Thiele y que ya tuvo una versión cinematográfica en 1976, nos sitúa en la costa sur de Australia donde un niño -Finn Little- rescata a tres pelícanos huérfanos. Su dedicación hacia ellos es tan genuina que logra crear fuertes lazos que cambian completamente la perspectiva de su vida.

La historia la narra Mike Kingley -Geoffrey Rush- quien rememora sus vivencias de infancia en un relato para su nieta Madeline -Morgana Davies-, quien pasa un momento de graves conflictos con su padre por el destino de los proyectos empresariales de la familia.

La cinta contiene bellos parajes junto a un relato reconfortante. La filmación de las aves y sus entornos más los cuadros conseguidos en interacciones con “Storm Boy”, provocan sensibilidad y emoción, tal vez no en un grado máximo, pero suficiente para dejar una sensación más que agradable.

Pero la película no solo describe la relación del joven y sus rescatados pelícanos. Hay mucho más en su fondo, la solitaria relación padre-hijo y sus causas, el cuidado de la naturaleza, los cazadores que amenazan la supervivencia de las especies, etc. Y también temas del presente; la llegada del abuelo es un punto de inflexión en la relación de la nieta con su padre y también implica el regreso a la esencia de quien ha sido el generador y creador de la exitosas empresa familiar.

El guion pone en relieve numerosos valores y de forma didáctica se encarga de mostrar sus consecuencias. También se hace cargo de las dificultades, aunque ello en un tono menor, poniendo siempre énfasis en el actuar positivo y en hacer siempre lo correcto por sobre todas las demás consideraciones.

“Storm Boy”, el apodo del niño y el título original de la película, es más que dos palabras sueltas. Implica lo que sucede luego de la caza y muerte de las aves; viene una tormenta y hay que tener el valor y el coraje para enfrentarse a ella. Esta metáfora es mucho más significativa que el título en español -Amigos para siempre- que además se confunde con otras cintas de años recientes. No obstante esta acotación, “Storm Boy” genera simpatía, empatía y nos regala 99 minutos con una historia bella y alentadora.

Ficha técnica 

Título original: Storm Boy
Año: 2019
Duración: 99 minutos
País: Australia
Productora: Ambience Entertainment / Best FX Adelaide. Distribuida por GEM Entertainment
Género: Drama | Familia
Guion: Justin Monjo (Novela: Colin Thiele)
Música: Alan John
Fotografía: Bruce Young
Reparto: Geoffrey Rush, Jai Courtney, David Gulpilil, Erik Thomson, Morgana Davies, Simone Annan, David John Clark, Chantal Contouri, Finn Little, Stinga-T, Trevor Jamieson, Emma Bampton,  Luca Asta Sardelis, Michelle Nightingale, Brendan Rock, Paul Blackwell, Rory Walker, Bradley Trent Williams, Martha Lott
Dirección: Shawn Seet

El hombre invisible

La novela de H.G. Wells publicada el año 1897 ha sido la base para múltiples versiones y adaptaciones de la historia. En esta oportunidad, el guionista y director Leigh Whannell desarrolla un trabajo que merece atención más por su forma que por lo esencial de su trama.

Cecilia -Elisabeth Moss- es la protagonista de la cinta y el relato comienza describiendo la forma en que huye de la lujosa y tecnológica casa que comparte con su novio Adrian -Oliver Jackson-Cohen-. No conocemos las motivaciones de este escape, sin embargo de inmediato descubrimos que Cecilia ha sido abusada y maltratada por él. El plan, urdido junto a su hermana Emily -Harriet Dyer-, contempla ocultarse rápidamente luego de la huida para encontrar refugio y protección. James -Aldis Hodge-, un viejo amigo que vive con su hija, la acoge en su hogar, le ayuda a contener sus miedos y la anima a dejar atrás la pesadilla, sobre todo luego de conocerse la pública notica del suicidio de Adrian.

Hasta aquí, Cecilia comienza muy lentamente a recuperar su temple y a enfrentar sus temores. Sin embargo, una serie de hechos extraños le despiertan la peor de sus sospechas; Adrian está vivo y viene por ella.

El guion se sostiene durante todo el metraje a pesar de algunos sensibles bajones narrativos. El suspenso lo consigue gracias a situaciones y escenarios bien desarrollados pero quien se lleva en esto todos los aplausos es su protagonista. Elisabeth Moss, que ya hemos visto en “El cuento de la criada”, asume su rol con propiedad. Lo impregna de sufrimiento y de impacto, con una sensibilidad reflejada en sus ojos y comunicada con todo su cuerpo. No queda ninguna duda que ella es Cecilia, que sus temores son intensos y sus miedos totalmente reales.

Como no todas las cosas son como parecen, el relato se encarga de darnos varias vueltas con giros que, aunque no terminemos de entender, generan indudable suspenso e inquietud. ¡Qué hablar de los efectos especiales y de la edición! Son dos elementos que siempre están a favor de la acción representada y que destacan por tener un nivel de excelencia. Es así que esta nueva cinta de “El hombre invisible”, y lo podemos decir con énfasis, nos da una gran sorpresa.

Ficha técnica 

Título original: The Invisible Man
Duración: 125 minutos
Año: 2020
País: Estados Unidos
Productora: Blumhouse Productions / Dark Universe / Universal Pictures. Distribuida por Universal Pictures
Género: Fantástico. Terror
Guion: Leigh Whannell. (Novela: H.G. Wells)
Fotografía: Stefan Duscio
Reparto: Elisabeth Moss, Storm Reid, Harriet Dyer, Aldis Hodge, Oliver Jackson-Cohen, Zara Michales
Dirección: Leigh Whannell