Patines de Plata

Disponible en Netflix.

Cuando Matvey -Fedor Fedotov, pierde su trabajo como repartidor en la famosa confitería “Le Grand Pie", se ve en problemas. Su talento sobre aquellos patines que su padre le obsequió hace muchos años ya no le sirve para ser el más veloz en las entregas a domicilio, sin embargo llama la atención de un grupo de jóvenes liderados por Alex -Yuri Borisov-, quienes justamente usan y abusan de sus habilidades para robar en el mercado y en las calles para luego huir como relámpagos sobre los ríos y canales congelados de San Petersburgo. 

En otro extremo, vemos cómo Alisa -Sofya Priss-, hija del poderoso ministro zarista Nikolai Nikolaevich, tiene interés en la ciencia y quiere estudiar química, algo que le es vedado por no considerarse necesario. Además, ante la insistencia de sus padres, la joven se ve obligada a asumir un compromiso matrimonial con el Capitán Príncipe Arkadiy Trubetskoy -Kirill Zaytsev- joven oficial del Departamento de Guardia a quien apenas conoce de vista. 

El encuentro de ambos protagonistas es totalmente casual y fortuito. Matvey se ha unido a la banda de Alex con el fin de ahorrar dinero para poder enviar a su padre enfermo a un sanatorio y una noche trepa en un balcón que resulta ser, nada menos, que el dormitorio de Alisa. Desde ese momento comienzan las aventuras y desventuras, los enredos y desenredos, en un relato bastante ameno y sin grandes preocupaciones. 

Esta película la dirige Michael Lockshin, quien saca provecho de los paisajes naturales de la bella ciudad congelada. Gran parte del atractivo son las coreografías sobre hielo, las persecuciones y escapadas, todas muy bien filmadas y que resultan originales y entretenidas. Y aunque el guion de Roman Kantor ofrece varios matices, da la impresión que estos solo quedan como buenas intenciones, pues temas que podrían resultar importantes no son abordados con mayor profundidad. 

Observamos en esta cinta muchos guiños -algunos más interesantes y otros menos- que son usados, principalmente, como pié forzado para delinear algún tono de comedia. Por ejemplo, tenemos la fascinación/envidia por Paris y su cultura, la referencia al sufragio femenino, las luchas ideológicas, la religión y también las menciones musicales que aporta la banda sonora compuesta por Guy Farley. Son varios los elementos presentes que aparecen en diferentes niveles y permiten aliñar un relato cuya historia tenemos la sensación de haber visto muchas veces. 

“Patines de Plata” resulta más entretenida por su forma que por su fondo. No obstante aquello, enuncia algunas cosas y no deja de ser interesante su procedencia Rusa, lo que confirma que el visitar una historia clásica en un escenario diferente entrega valor agregado. Y en el caso de esta película del año 2020, no son solo los patines y su ubicación geográfica, sino que suma una serie de detalles entretenidos para ir descubriendo en el transcurso de sus 130 minutos. 

Ficha técnica 

Título original: Serebryanye konki 
Año: 2020 
Duración: 130 minutos 
País: Rusia 
Productora: Kinoslovo, Studio Trite, Central Partnership, Gazprom Media, KIT Film Studio 
Género: Aventuras. Drama. Romance. Fantástico 
Guion: Roman Kantor 
Música: Guy Farley 
Fotografía: Igor Grinyakin 
Reparto: Fedor Fedotov, Sonia Priss, Yuriy Borisov, Kirill Zaytsev, Aleksei Guskov, Severija Janusauskaite, Cathy Belton, Vasiliy Kopeikin, Mikhail Shelomentsev, Bato Shoinjonov, Aleksandra Revenko, Timofey Tribuntsev, Yuri Kolokolnikov, ver 4 más 
Dirección: Michael Lockshin

Dancing Queens

Disponible en Netflix. 

Esta cinta sueca dirigida por Helena Bergström narra la historia de Dylan Pettersson -Molly Nutley-, quien sueña con ser bailarina. Esta joven de 23 años vive en una pequeña isla y un aviso que su abuela encuentra le despierta interés: en la ciudad habrá una audición para ser parte de una compañía internacional de baile. 

Dylan se demora en aceptar el desafío pero finalmente se embarca rumbo a lo desconocido, hacia aquello que podría cambiar su vida. Pero, naturalmente, las cosas suceden de forma diferente y acepta un oficio de aseadora del “Queens”, un club de drag queens que está en serios problemas económicos y que prepara un show como última oportunidad para salir a flote. 

Dylan comienza a soñar con ser parte del show pero es difícil. Ella es mujer y allí solo bailan hombres que interpretan a mujeres. Sin embargo, su talento puro y natural es inmediatamente descubierto. El coreógrafo del espectáculo se fija en ella y la principal figura del “Queens” ve a esta joven como una providencial tabla de salvación. 

La película, de algo menos de dos horas de duración, responde a su cartel. No hay nada demasiado elaborado y cumple su promesa de entretener. Podríamos separarla en tres partes. Una primera, nos muestra el entorno de la isla y la rutina diaria que Dylan lleva en la localidad. Las imágenes son bellas y los paisajes preciosos. La reciente pérdida de su madre -que le ha enseñado a bailar desde pequeña-, sumada a la soledad de su padre, hacen mella en su espíritu. Se le ve cómoda pero siempre con una espinita por resolver. La segunda parte corresponde al desarrollo de la temática, a la apuesta por salir de la zona de confort y ver qué sucede al arriesgarse. Para concluir, presenta una última sección que, a partir del conflicto que se genera en el proceso, debe resolver los nudos planteados para terminar el relato. 

La película es lineal y predecible. No ofrece mayor tensión porque el punto de inflexión, en mi opinión, demora mucho, llega tarde, recién sobre el último tercio, lo que deja poco espacio a un desarrollo más elaborado. No obstante esta decisión narrativa, la cinta se impone gracias a la gracilidad de su actriz principal, cuya simpatía y carisma logran sacar a flote una historia que probablemente no recordaremos más allá de unos días. 

“Dancing Queens”, en todo caso, no es solo baile y escenarios, tal vez intenta ser algo más pero entrampa en el camino camino. Por ello debemos bajar la exigencia y disfrutar su esencia. Además, las bellas puestas de sol y los entornos maravillosos, por sí solos, constituyen una ventana preciosa en este tiempo. Y si a ello le agregamos una historia que se muestra amable, mejor aún para una tarde de invierno en plena pandemia. 

Ficha técnica 

Título original: Dancing Queens 
Año: 2021 
Duración: 110 minutos 
País: Suecia 
Productora: Sweetwater Productions

Distribuidora: Netflix 
Género: Drama. Comedia | Baile 
Guion: Helena Bergström, Denize Karabuda 
Reparto: Molly Nutley, Mattias Nordkvist, Christopher Wollter, Rakel Wärmländer, Emil Almén, Marie Göranzon, Claes Malmberg, Dominika Peczynski, Ann Westin, Max Ulveson, Robert Fux, Fredrik Robertsson, Razmus Nyström, Louie Nelson Indriana, Fredrik Quinones, André Christenson 
Dirección: Helena Bergström

Hasta el cielo

Disponible en Netflix. 

Miguel Herrán es Ángel y Carolina Yuste es Estrella. Ambos protagonizan este thriller de acción dirigido por Daniel Calparsoro y que produce bastantes sentimientos encontrados. 

Ángel trabaja en un taller mecánico y sin grandes aspiraciones, pero un encuentro casual en una discoteca definitivamente cambia su vida. Allí conoce a Estrella y se pelea a golpes con Poli, su novio, marcando el comienzo de algo que no estaba ni en sus sueños más extraños. Resulta que Poli figura como el líder de una banda de atracadores que tiene de cabeza a la policía de Madrid y este le impulsa para que se les una como uno más. Ángel lo hace y comienza a escalar en un submundo de asaltos, lavado de dinero, negocios clandestinos y corrupción generalizada. 

En ese momento aparece a Rogelio -Luis Tosar-, uno de los capos del mercado negro de la ciudad y Ángel se transforma en su protegido. Todo esto es vertiginoso, tanto en el desarrollo de la historia como también en lo que observamos en pantalla. Por supuesto que todo este éxito no es gratuito y tampoco está exento de peligro: la policía les pisa los talones y cualquier error puede significar un pasaje sin retorno a prisión. Tampoco es fácil lidiar con estos “amigos”, se exige lealtad y compromiso, algo que Ángel no conjuga en su diccionario pues pretende llegar a lo más alto de la pirámide: hasta el cielo. 

El relato es un ir y venir entre escenas de acción muy bien desarrolladas y otras intermedias, algo planas, cuya función es solo de enlace. Y es en esto, justamente, donde esta película ofrece grietas que no logran ser superadas con el ritmo impreso en su edición. Algunas cosas quedan cortadas, otras carecen de mayor desarrollo y otras se ven tan fragmentadas que, por momentos, parecen sacadas de otras partes pero no de la historia original. Pienso que el guion de Jorge Guerricaechevarría está previsto así, por lo que no entrega muchas opciones al realizador. 

Independiente de los marcados altos y bajos, la historia que presenta esta película es bastante interesante. Tiene un trasfondo social, un mensaje referido al éxito fácil, al aprovechamiento de las oportunidades y al surgir sin contemplaciones, incluso mordiendo la mano del que da de comer. En ambientes donde la corrupción abunda, el poder del dinero es fundamental para conseguir los objetivos. Todo es transable, todo se puede comprar y cada quien tiene su precio. 

“Hasta el cielo” ofrece menos de lo que promete y eso puede ser un problema. Si bien sus actuaciones son buenas -Herrán intenta despegarse de su famoso personaje en “La Casa de Papel” y lo consigue aunque solo a medias-, no responden al fuerte cartel de sus protagonistas. Me parece que falta desarrollo en las caracterizaciones, alejarse un poco más de los clichés y arriesgar en profundizar los talentos presentes en el set. 

Me quedo con la historia de esta cinta y con algunas secuencias de su filmación. En una sociedad cada vez más compleja, poner de relieve las trampas y con ello hacer una denuncia, puede configurar un mensaje importante. Sin embargo, sin querer, podemos contradecirnos fácilmente y desdibujar cualquier atisbo de valor positivo. “Hasta el cielo” no se inclina para ninguno de los extremos, pasa un poco en banda y por eso sucumbe ante su propia premisa. 

Ficha técnica 

Título original: Hasta el cielo
Año: 2020 
Duración: 121 minutos 
País: España 
Productora: Vaca Films, TVE, Movistar+, Telemadrid, ICAA 
Género: Thriller | Robos & Atracos 
Guion: Jorge Guerricaechevarría 
Fotografía: Josu Inchaustegui 
Reparto: Miguel Herrán, Carolina Yuste, Luis Tosar, Asia Ortega, Patricia Vico, Fernando Cayo, Richard Holmes, César Mateo, Marina Campos, Dollar Selmouni, Lucio Romero, Jaime García Machín 
Dirección: Daniel Calparsoro

Yo soy todas las niñas

Disponible en Netflix.

Esta cinta retrata una de las tragedias más impactantes que sucede en muchas partes del mundo. Se trata del tráfico de personas y y sus horrorosas consecuencias. 

Aunque señala estar “basada en hechos reales”, lo que da sustento a la historia sería el caso de Gert van Rooyen, un pedófilo y asesino en serie sudafricano que habría secuestró a 6 niñas entre 1988 y 1989 y que nunca aparecieron. También se sospecha que, junto a su cómplice Joey Haarhoff, habría muchas más niñas involucradas de las que se desconoce su paradero. 

El relato ficciona un hecho que habría ocurrido en la ciudad de Johannesburgo en 1994 cuando, en pleno apartheid sudafricano, Gert de Jager -J.P. du Plessis-, secuestra a seis niñas que nunca habrían sido encontradas. El interrogatorio y posterior desaparición del imputado alerta a todos los círculos concéntricos. Él no estaba solo, tenía cómplices -incluso famosos políticos-, y era pieza importante de una red que incluso vendía a las menores secuestradas a un multimillonario del Medio Oriente. 

El argumento se traslada, entonces, a la policía local, presentando a Jodie Snyman -Erica Wessels-, quien está justamente tras las bandas dedicadas al tráfico sexual. Pero las redadas fallan, ella es removida y asignada a otro caso, un extraño homicidio donde participa también la forense Ntombizonke Bapai -Hlubi Mboya-. Es la relación entre los sucesos y la conexión de ambas lo que captura las secciones más importantes del metraje, pues surgen pistas, rastros y personajes en torno al tráfico de niñas, y la serie de asesinatos están claramente vinculados con una venganza orquestada hacia los máximos responsables. 

La cinta, dirigida por Donovan Marsh, tiende a ser bastante cruda, y no solo por lo que muestra sino, además, por la dureza de su temática. Es un thriller policial pero con una dosis importante de drama, que logra exponer la violencia, la vulnerabilidad y también la desesperación por estos hechos totalmente inhumanos. La concepción fílmica es oscura; debe dar cuenta del bajo mundo, de la opresión y del abuso, del poder de quienes operan encubiertos y de quienes se aprovechan de sus posiciones de poder para cometer crímenes atroces. 

“I Am All Girls” no se hace fácil de ver, al contrario, provoca distancia, y está bien que así sea. La idea es remecernos para que tomemos conciencia y, además, agregar un componente que ciertamente provoca debate: ¿justicia o venganza? Hay un dilema moral contenido en la premisa de esta historia porque indudablemente obliga a manifestarnos al respecto en una interpelación que es tan directa como poderosa. 

La dirección de Donovan Marsh resulta acertada. Al impregnar elementos que hacen que la historia parezca real y sea creíble, el cineasta logra que entremos en el mundo que nos quiere mostrar. Cuotas de suspenso, de dolor, relaciones personales, persecuciones e intriga, alimentan la tensión del metraje. Además, al entregar el peso del relato al duo protagónico, hace una apuesta que funciona muy bien, no solo en relación a la acción misma sino que también sobre los antecedentes que nosotros debemos ir completando para poder tener un cuadro más global de todas las situaciones y elementos que involucran a las dos mujeres. 

Es necesario ver esta cinta con calma y dejarse maltratar. No podemos ser indiferente ante situaciones de este tipo, que muchas veces observamos desde lejos y atribuimos a otros mundos. Este tipo de abuso extremo puede estar muy cerca, quizás más de lo que pensamos. También es probable que comience con otros hechos que tal vez pueden estar mal normalizados o bien ocultos en círculos familiares, en lugares vulnerables y de pobreza extrema. Es importante estar alerta a la señales y no bajar la guardia. Los abusos, de cualquier tipo, deben ser denunciados de inmediato, con decisión y sin ningún temor. Es la manera de contribuir, responsablemente, ante crímenes que no podemos tolerar ni permitir. 

Ficha técnica 

Título original: I Am All Girls 
Año: 2021 
Duración: 107 minutos 
País: Sudáfrica 
Productora: Nthibah Pictures. Distribuidora: Netflix 
Género: Thriller | Asesinos en serie 
Guion: Wayne Fitzjohn, Marcell Greeff, Emile Leuvennink, Jarrod de Jong. Historia: Donovan Marsh 
Música: Brendan Jury 
Fotografía: Trevor Calverley 
Reparto: Deon Lotz, Erica Wessels, Masasa Mbangeni, Lizz Meiring, Matt Stern, Hlubi Mboya, Brendon Daniels, Ben Kruger, Israel Makoe, Cindy Swanepoel, Rafiq Jajbhay, Mothusi Magano, Mampho Brescia
Dirección: Donovan Marsh

Unlocked

Disponible en Netflix como "Código Abierto".

Un mensajero interceptado antes de entregar su encargo, una interrogadora experimentada, un ataque en progreso a un blanco norteamericano en Reino Unido, la CIA, el MI5, jefes y exjefes, varios conflictos de intereses, un amigo inesperado y un virus que de ser liberado pondrá en peligro la humanidad, se reúnen en este cóctel de acción llamado “Unlocked”. Si además agregamos la presencia de estrellas como Noomi Rapace, Orlando Bloom, Toni Collette, junto a John Malkovich y Michael Douglas, ¡wow!, de veras promete. Veamos… 

Alice -Noomi Rapace-, lleva un tiempo fuera de las pistas y trabaja encubierta. Aun sufre por lo sucedido años antes en Paris, algo que marca su carrera. Pese a su reticencia, es reclutada nuevamente para una misión importante que busca neutralizar un posible ataque biológico. El principal interesado, su ex jefe en la estación de París de la CIA, Eric Lasch -Douglas-. Pero Alice depende ahora de Ed Romley -Brian Caspe-, y Bob Hunter -Malkovich-, ambos de la División de Europa de la Agencia Norteamericana y tiene vínculo directo con Emily Knowles -Collette-, jefa de inteligencia del MI5.  

Con la descripción anterior se puede ver que la trama no es fácil, porque los cruces son variados y los enredos mayúsculos. A poco andar -y también en el trailer-, vemos que Alice es engañada; interroga al mensajero pero con otros fines y en otro bando. Logra huir -no es spoiler- gracias a un inesperado amigo y mientras comienza a intentar desenredar la madeja, las complicaciones aumentan, la acción también y la película agarra un ritmo vigoroso como predecible. 

Con guion de Peter O'Brien y dirigida por Michael Apted, la cinta no alcanza a cubrir todas sus promesas iniciales. ¿Tal vez exceso de expectativa? Puede ser. ¿Una historia rudimentaria, complejizada para ocultar su debilidad argumental? También puede ser. ¿Actores sólidos a los que no se les saca mayor partido? Quizás. LO cierto es que esta cinta promete más de lo que entrega, por lo que es válido sentirse frustrado al terminar de verla. Al menos en parte, porque acción tenemos; escenas rápidas, tiroteos, peleas, escapes, atracos y demases son parte importante de lo que vemos en sus 98 minutos de duración. Pero es eso y muy poquito más. 

¿Qué rescato? El ritmo, porque no decae a pesar de anticipar lo que viene. Y además, la simpatía de ver a John Malkovich de jefe de la CIA en Europa y a Michael Douglas en un rol diferente a lo acostumbrado. ¿El más bajo?Orlando Bloom, en una versión algo deslavada, por el rol y el papel asignado. Aun así, logra química con Noomi Rapace quien ha logrado, con brillantez, separarse de sus roles iniciales en la saga “Millenium”.  

En resumen, entretención pura y dura, que pasa veloz y se olvida rápido. Una distracción que funciona meridianamente bien para una tarde-noche de streaming. 

Ficha técnica 

Título original: Unlocked 
Año: 2017 
Duración: 98 minutos 
País: Reino Unido 
Productora: Lionsgate 
Género: Thriller. Acción | Terrorismo 
Guion: Peter O'Brien 
Música: Stephen Barton 
Fotografía: George Richmond 
Reparto: Noomi Rapace, Orlando Bloom, John Malkovich, Michael Douglas, Toni Collette, Akshay Kumar, Adelayo Adedayo, Aymen Hamdouchi, Brian Caspe, David Bowles, Raffaello Degruttola, Jessica Boone, Tosin Cole 
Dirección: Michael Apted

Agujeros Negros: al límite del conocimiento

Disponible en Netflix.

"Tenemos un objetivo que nunca antes se había hecho: queremos tomar la primera foto de un agujero negro, algo que lucha con todo su poder para no ser visto”, son las palabras de palabras del director fundador de Event Horizon Telescope (EHT), Shep Doeleman, que encabezan este documental liderado por Peter Galison, historiador, filósofo de la ciencia, y profesor de la Universidad de Harvard. 

La propuesta de Galison no deja de ser arriesgada. Busca relevar un hito científico y acercarlo al público común y corriente, tarea que por cierto no es sencilla. El trabajo del director se remonta a los últimos dos años del proyecto, desde la primera ventana de observación el 29 de enero de 2017 hasta la difusión pública, el 10 de abril de 2019, de la histórica imagen que, por cierto, ha causado revuelo mundial. 

El documental también entrega algunos detalles internos de cómo se unió la composición. Cantidades exhorbitantes de datos provenientes de grandes telescopios ubicados en diferentes partes de mundo y que juntos funcionaron como un observatorio del tamaño de la propia Tierra, proporcionaron el material primario para componer una fotografía cuyas características eran absolutamente desconocidas. Es por ello que los equipos trabajaron separados, para no influenciarse ni ser guiados por otras miradas. Un extenuante trabajo en equipo de más de 200 científicos, con muchas pruebas y también errores, quienes ven coronados sus esfuerzos con algo deslumbrante, sin precedente alguno: la primera imagen de este agujero negro supermasivo, incluida su sombra, que se encuentra en el centro de la galaxia M87. 

La cinta revela, en paralelo, otro esfuerzo científico notable. Se trata de la resolución de la “paradoja de la pérdida de información”, trabajo liderado por Andy Strominger, Sasha Haco y Malcolm Perry con la asesoría y colaboración de Stephen Hawking. Introducida en la década de 1970 por el mismo Hawking, postula que los agujeros negros podrían destruir la información, algo que la física actual sugiere como imposible. A través de infinitas fórmulas y cálculos de cientos de términos, a veces estando más cerca y a veces más lejos, los científicos no se rinden, incluso tras la muerte de Hawking, en su afán por resolver la problemática, en una muestra de tenacidad, compromiso y fascinación que trasciende sus propias fronteras, y más cercano al área de la filosofía de la ciencia. 

Estos objetos, tan misteriosos como magnéticos, obligan a un esfuerzo de abstracción que es difícil de conseguir. Estamos en los límites, en el borde del conocimiento, algo complejo para un científico y casi inalcanzable para nosotros los mortales. Solo pensar en el espacio-tiempo, donde tal vez las leyes de la física se rompen o al menos desdibujan lo que hasta ahora conocemos, resulta sorprendente. Al menos por momentos lógranos entender el impulso que cientos de personas tienen por ir más allá, aquellos deseos de desentrañar los secretos del universo y conocer detalles que puedan explicar tantos fenómenos que nos maravillan pero que aun nos resultan incomprensibles. 

El documental de Peter Galison es muy interesante a pesar de contener muchos datos técnicos que podrían resultar tediosos para algunas personas, aunque básicos para quienes están en dichas áreas. Sin embargo, existe mucho énfasis en transmitir la vida en la ciencia, esa pasión por descubrir, la camaradería, el trabajo en equipo y la infinita capacidad de maravillarse ante cada descubrimiento realizado.  

Resulta gratificante acceder a trabajos de este tipo, que nos desafían e impulsan. Resultan ser una ventana privilegiada hacia los confines del cosmos, un reconocimiento a la labor de centenares de científicos de todo el mundo que se dedican a investigar el universo para beneficio de la humanidad. A ellos nuestra gratitud y a Peter Galison un aplauso por permitir acercarnos, por sumergirnos en su mundo y por hacernos vibrar con su cuidadoso trabajo. 

Ficha técnica 

Título original: The Edge of All We Know 
Año: 2020 
Duración: 99 minutos 
País: Estados Unidos 
Productora: Collapsar, Sandbox Films. Distribuidora: Giant Pictures [USA] 
Género: Documental | Documental científico 
Música: Zoe Keating 
Fotografía: Martin Albert, Nikki Bramley, Hugh Campbell, Tim Cragg 
Reparto: Documental 
Dirección: Peter Galison

Un Amor Memorable

Disponible en Cinemark.cl

Escrita y dirigida por Harry Macqueen, “Supernova” -su título original-, narra la historia de Sam -Colin Firth- y Tusker -Stanley Tucci-, quienes son pareja hace 20 años. En una casa rodante, aprovechan sus vacaciones para visitar nuevamente el Lake District en Inglaterra, pero esta vez el recorrido es especial: Tusker ha sido diagnosticado en una fase temprana de demencia que es irreversible y su enfermedad se acrecentará con el paso de los días. 

La pareja tiene sintonía fina, vibran juntos. Sam es pianista, tiene un concierto en perspectiva. Tusker es escritor, y avanza en su último libro. Los bellos parajes que recorren son preciosos y delicados, tal como la relación que ambos mantienen. Se ven compañeros, cómplices, cariñosos y comprensivos, sin embargo los destellos que acusan el progresivo deterioro de la mente de Tusker se intensifican. Es solo cosa de tiempo. 

Una reunión con familiares y amigos marca un punto de inflexión. Un sentido discurso de Tusker, leído por Sam, da cuenta del estado actual de la situación. Cada vez falta menos, el descenso es inevitable y el punto de llegada ya sabemos cuál es. 

La pareja aprovecha al máximo este tiempo que están juntos. No quieren que concluya, tratan de extenderlo lo más posible, sin embargo los síntomas y las luces no son alentadoras e indudablemente se enfrentan a una realidad dura. Lo que viene por delante se prevé aun más complejo, algo que afectará sus acciones, sus roles y también sus decisiones. 

El guion de esta cinta es clave. Con mucha pausa, nos va sumergiendo en un tema que es muy difícil digerir y que de inmediato provoca nuestra empatía. Observar el deterioro de uno y la impotencia del otro resulta, por momentos, desgarrador. Ambos actores exteriorizan muy profundamente sus sentimientos y viven sus papeles en plenitud. Sentimos que se identifican con sus personajes, incluso más allá de la actuación, con primeros planos emotivos junto a diálogos sentidos y profundos. Un detalle precioso es la pieza "Salut d'Amour", Op. 12 de Edward Elgar, interpretada por Colin Firth, no solo por la belleza de la obra sino, además, por la cercanía y realidad que representa en momentos significativos del metraje.

El director Harry Macqueen hace un muy buen trabajo con la hermosa fotografía de Dick Pope. Los planos, bien compuestos y con muchos detalles, ayudan a configurar cada ambiente. Amplitud de paisajes por un lado y también encierro en espacios interiores por otro, lo que perfectamente podemos asimilar a los conflictos internos de los dos protagonistas. 

La cinta es explícita en varios planos, especialmente a nivel de decisiones. Está en juego la libertad de quien padece la enfermedad y también la voluntad de quien acompaña el proceso. Por momentos emerge el egoísmo, tanto de uno como de otro. No es fácil comprender el desarrollo de cada pensamiento porque llega un momento en que se separan, como vertientes de agua que fluyen por laderas muy distantes entre sí. La separación de ambos se vislumbra como inevitable, el tema es la forma de enfrentarla, cómo se vive el tiempo de espera, de qué manera se comprenden, se acompañan y asumen la partida. 

“Supernova” es emotiva e incluso, en algunos tramos, llega a ser conmovedora. Refleja una intensa historia de amor, con interpretaciones que le entregan solidez y credibilidad. Pero hay algo más allá que la película quiere explorar y que solo deja enunciado. Es algo ambiguo y lo hace en varios segmentos, en los que permite que la historia se complete sin mostrarla. Tal vez corresponde al anhelo de una realización que, aunque no alcanza a volar tan alto, resulta suficiente para colarse al interior de nuestro corazón. 

Ficha técnica 

Título original: Supernova 
Año: 2020 
Duración: 93 minutos 
País: Reino Unido 
Productora: BBC Films, British Film Institute, Quiddity Films, The Bureau 
Género: Drama | Road Movie. Enfermedad. Alzheimer. Homosexualidad. Amistad 
Guion: Harry Macqueen 
Música: Keaton Henson 
Fotografía: Dick Pope 
Reparto: Colin Firth, Stanley Tucci, James Dreyfus, Pippa Haywood, Sarah Woodward, Tina Louise Owens, Julie Hannan, John Alan Roberts, Lori Campbell, Peter MacQueen 
Dirección: Harry Macqueen

Roberto Baggio: el divino

Disponible en Netflix. 

En el fútbol hay estrellas luminosas. Y son varias, la mayoría famosas y otras que, además, son muy queridas. Es por ello que cuando surge una película sobre la vida de alguna de ellas llama inmediatamente la atención. Si a lo anterior le sumamos que sucede en Italia, donde “Il calcio” es el deporte más popular y genera tanta algarabía como tristeza cada vez que la “azzurra” pisa el campo de juego, el atractivo es aun mayor. 

En esta ocasión, el retratado es Roberto Baggio, destacadísimo futbolista italiano, poseedor de una carrera llena de grandes éxitos y también de sonados fracasos. Con paso por algunos de los clubes más reputados de Italia, Vicenza, Fiorentina, Juventus, Milan, Bolonia, Inter y Brescia, más numerosas convocatorias a la selección de su país, la cinta intenta mostrar su lado más humano, desde su infancia hasta su retiro oficial de la actividad deportiva el año 2004. 

Baggio, interpretado por Andrea Arcangeli, se presenta como una joven figura prometedora. Cuando logra su primer contrato se lesiona de gravedad, lo que parece que frustrará su carrera, sin embargo es capaz de salir adelante, recuperarse con mucho esfuerzo y volver a ser un jugador de excepción. No obstante su tremendo talento, Roberto Baggio no está exento de sufrir crisis personales, otra amenaza importante, las que consigue resolver gracias a su acercamiento con el budismo. 

La película se salta años, avanza y retrocede. Indudablemente el punto central se fija en el Campeonato Mundial de 1994 y en específico, en la final de Italia versus Brasil. Resulta que cuando niño, a los 3 años y mientras Italia perdía la final de México 70, Roberto prometió a su padre que alguna vez ganaría la final del Mundial frente a Brasil. Por eso es tan especial y emblemático ese momento al que la cinta regresa una y otra vez. Y también por lo que conocemos; Baggio pierde el último penal y Brasil se proclama campeón del mundo en Estados Unidos. 

“Il Divino Codino”, título original que se refiere a la “colita” de pelo que caracterizaba al jugador, abarca varios detalles de su vida familiar, la conducta estricta de su padre en medio de su numerosa familia, los afectos y pasiones del jugador y sobre todo su tremenda fuerza de voluntad y su carácter fuerte, algo que también le trajo problemas y dificultades con compañeros y entrenadores. 

Sin ser un relato a gran escala, la película se deja ver a pesar de sus baches narrativos, de algunas secuencias que quedan inconclusas y otras que no tienen tal vez las debidas justificaciones. Andrea Arcangeli hace un buen trabajo caracterizando a “Roby”, algo que se agradece cuando el representado es tan conocido, famoso y querido. 

No solo para los amantes del fútbol, esta película imprime fuerza a un valor que siempre es necesario destacar y relevar. Tiene que ver con el esfuerzo personal, con el espíritu de superación, con la resiliencia y con la fortaleza en los momentos más amargos de la vida. Sobreponerse es imprescindible para poder seguir adelante. Y en el caso de Roberto Baggio hay mucho de eso y aun más; existen ambiciones, sueños, promesas, lealtades y desafíos, un coctel virtuoso que sin duda lo llevaron a la cúspide del reconocimiento deportivo junto al merecido cariño de sus hinchada. 

Ficha técnica 

Título original: Il Divino Codino 
Año: 2021 
Duración: 92 minutos 
País: Italia 
Productora: Fabula Pictures. Distribuidora: Netflix 
Género: Drama | Biográfico. Deporte. Fútbol 
Fotografía: Benjamin Maier 
Reparto: Andrea Arcangeli, Valentina Bellè, Thomas Trabacchi, Andrea Pennacchi, Antonio Zavatteri 
Dirección: Letizia Lamartire

Lejos de los Hombres

Disponible en Amazon Prime.

Inspirada en el breve cuento “L’Hôte”, de Albert Camus, esta cinta se desarrolla en los albores de la guerra de Argelia, el año 1954. Daru -Viggo Mortensen-, un maestro rural francés de ascendencia española, recibe el encargo de trasladar a Mohamed -Reda Kateb-, un prisionero árabe acusado de dar muerte a su primo, al cuartel general de la policía en Tinguit para que allí sea juzgado. 

Reticente en un comienzo, Daru entiende que no puede ser neutral y debe cumplir la misión. Mohamed, por su parte, representa un misterio, habla muy poco y no conocemos sus intenciones. 

El centro de la historia transcurre durante el viaje por las montañas del Atlas sahariano de Argelia, donde ambos hombres se ven enfrentados a los peligros que ofrece, por un lado, la resistencia rebelde que lucha contra el colonialismo francés, y por otro, el ejército, encargado de aniquilar cualquier atisbo de insurrección y acción independentista. 

La película, escrita y dirigida por David Oelhoffen, profundiza en la relación de los dos protagonistas. Como seres opuestos, no se vislumbra que puedan existir puntos en común. Los diálogos son simples y sencillos, mientras el compromiso entre ambos va tomando forma en la medida que los minutos avanzan y comparten experiencias. 

La fotografía de Guillaume Deffontaines es preciosa. Amplia y con colorido diverso, describe la ruta impregnando la atmósfera de variados sentimientos y puntos de vista. Es casi un retrato del alma profunda de estas dos personas que logran encontrarse en la infinitud de una aventura cuyo final representa toda una incógnita. 

La cinta avanza lentamente, sin ninguna prisa, con mucha atención a los detalles y largos pasajes en silencio, siempre en movimiento, desarrollando un metraje cuya tensión se configura mayormente por los imprevistos del camino más que por conflictos profundos o esenciales, lo que no significa que no están presentes. En este sentido, el guion es hábil al estructurar diversos planos, porque lo trascendente de la transformación que manifiestan los protagonistas queda reservada a su intimidad, aunque naturalmente se expresa exteriormente en sus actos y decisiones. 

“Loin des hommes” es una película llena de valores humanos donde el más visible es la comprensión y valoración del prójimo. También encontramos muchos simbolismos a nivel religioso y también social, donde pequeños detalles contribuyen a contextualizar las acciones y explican el por qué de ciertas situaciones. El existencialismo -ciertamente esencial en el cuento original de Camus-, está presente durante todo el relato, junto con el dilema permanente sobre la necesidad de elegir, de inclinarse por una opción. ¿Qué camino tomar? ¿Qué es lo correcto? ¿Cuál es la ruta que conduce a la verdadera libertad? Son preguntas que no se responden fácilmente y que esta historia revela como sustantivas y fundamentales.  

El tratamiento cinematográfico desarrollado para una temática tan íntima y profunda, destaca en el trabajo del director David Oelhoffen. Presentada en el Festival de Venecia en 2014, “Lejos de los hombres” obtuvo el premio SIGNIS a la mejor película, junto al premio Arca CinemaGiovanni y el premio Interfilm en el mismo festival. Sin duda, estos merecidos premios dan cuenta de una composición de gran riqueza valórica y humana, que resulta ser una fuente de inspiración y esperanza. 

Ficha técnica 

Título original: Loin des hommes (Far From Men) 
Año: 2014 
Duración: 101 minutos 
País: Francia 
Productora: One World Films, Perceval Pictures 
Género: Drama. Western | Años 50. Colonialismo. África 
Guion: David Oelhoffen. Relato: Albert Camus 
Música: Warren Ellis, Nick Cave 
Fotografía: Guillaume Deffontaines 
Reparto: Viggo Mortensen, Reda Kateb, Djemel Barek, Vincent Martin, Nicolas Giraud, Jean-Jérôme Esposito, Hatim Sadiki, Yann Goven, Antoine Régent, Sonia Amori, Antoine Laurent, Ángela Molina 
Dirección: David Oelhoffen

Cafarnaúm

Disponible en Amazon Prime.

Drama como pocos, esta película escrita y dirigida por Nadine Labaki resulta desgarradora. La historia corresponde a Zain, un niño de 12 años que ha decidido demandar a sus padres por traerlo al mundo. 

El relato transcurre en Beirut, Líbano, donde se circunscriben las acciones. Luego de la apertura inicial y con el juicio en pleno desarrollo, las imágenes se remontan meses atrás para describir el día a día de la familia. Veremos cómo Zain y su hermana Sahar comercian en la calle para llevar algo de dinero a su casa. También observaremos cómo usan recetas falsas para comprar Tramadol, molerlo y sumergirlo en ropa que su madre venderá a drogradictos en prisión.  

El hacinamiento y las miserables condiciones de vida en las que esta numerosa familia intenta sobrevivir resultan dramáticas. La subsistencia no está garantizada y la lucha diaria es sencillamente dificilísima. Marginación, pobreza, discriminación, ambientes hostiles y amenazas permanentes, son el pan de cada día. Zain se rebela, pero poco puede hacer, sin embargo consigue urdir un plan para escapar con su hermana. Cuando la apuesta fracasa producto del matrimonio forzado de Sahar con el casero Assad, Zain decide marcharse solo y buscar su propio camino. 

Si la vida que llevaba era difícil, ahora, totalmente solo y en la calle, se aprecia imposible. Sin embargo, en un parque de diversiones, conoce a Rahil, una mujer etíope, trabajadora y migrante, que se desempeña como aseadora en una de las instalaciones del complejo. Ella tiene un hijo muy pequeño, Yonas, al que cuida y protege, pero ambos están en peligro pues los papeles de la madre están por vencer e inevitablemente será deportada. No obstante, Rahil acoge a Zain bajo su techo, principalmente para que cuide a su hijo y así dedicarse conseguir los documentos que logren extender su permanencia. 

Contar más antecedentes acerca de la trama puede ser contraproducente, pero no entregar los detalles ya señalados podría entregar una visión equívoca sobre este delicado trabajo. Es que la sustancia de la historia no solo se centra en la relación de Zain con sus padres, sino que abarca muchas otras aristas que explicitan las brutales condiciones de vulnerabilidad que viven numerosas personas, ya sean nacionales o extranjeras, en un lugar que se podría encontrar en cualquier lugar del mundo. 

El trabajo de Nadine Labaki resulta agrio, difícil de ver, complejo de asimilar y puede provocar un natural rechazo, porque se siente muy real y es tremendamente duro. Por momentos adquiere aspecto documental, porque la libertad de movimiento de la cámara produce dudas. No sabemos si lo que observamos es actuación o realidad. La cámara vibra en cada secuencia, cuando acompaña en primeros planos y cuando se desplaza grandes distancias; no da tregua, incomoda, resulta punzante, a veces amenazante. ¡Un gran mérito!  

Impresiona la actuación de Zain Al Rafeea interpretando al protagonista. Su corta edad no le impide dotar con una amplia paleta de sentimientos a cada una de sus secuencias, demostrando carácter, fragilidad, fortaleza, abatimiento, desilusión, esperanza y resiliencia. Qué decir del pequeño Yonas, a quien da vida Boluwatife Treasure Bankole. La cámara de Labaki lo capta en escenas que conmueven, con movimientos que sin duda son espontáneos pero que parecen perfectamente estudiados y ensayados. ¡Tremendo acierto! 

“Cafarnaúm” es una denuncia escrita con letras mayúsculas. Es un grito contra la indiferencia, contra la marginación, contra quienes prefieren mirar hacia el lado y no hacerse cargo de las dificultades. El Premio del Jurado en Cannes y la ovación de 15 minutos luego de su estreno dan cuenta del impacto conseguido por relevar algo que conocemos pero que muchas veces pasamos por alto.  

El ojo agudo de una cineasta, su talento artístico y su cruda forma de filmar nos interpela directamente respecto a estos temas complejos que como sociedad tenemos el deber de abordar. La realidad supera la ficción y este es un claro ejemplo. Lamentablemente es una realidad triste, que conmueve, y que necesita ser visibilizada para al menos ser tomada en cuenta. El cine lo permite y esta película consigue su objetivo. Y ahora, ¿qué hacemos nosotros? 

Ficha técnica 

Título original: Capharnaüm 
Año: 2018 
Duración: 126 minutos 
País: Líbano 
Productora: Coproducción Líbano-Estados Unidos-Francia; Les Films des Tournelles 
Género: Drama | Pobreza. Infancia 
Guion: Nadine Labaki. Historia: Labaki Jihad Hojeily 
Música: Khaled Mouzanar 
Fotografía: Christopher Aoun 
Reparto: Zain Al Rafeea, Yordanos Shiferaw, Boluwatife Treasure Bankole, Kawthar Al Haddad, Fadi Kamel Youssef, Cedra Izam, Alaa Chouchnieh, Nour el Husseini, Elias Khoury, Nadine Labaki 
Dirección: Nadine Labaki

Inquebrantable: Camino de Redención

Disponible en Netflix.

Esta película del año 2018 describe la vida de Louis Zamperini -Samuel Hunt-, un ex atleta olímpico y veterano de la Segunda Guerra Mundial. La historia profundiza en el trauma que aqueja al protagonista cuando regresa a su hogar luego de vivir lo indescriptible en el campo de batalla. 

Atormentado por sus recuerdos, Louis intenta salir adelante. Contrae matrimonio con Cynthia -Merritt Patterson-, una joven atractiva que conquista su corazón, pero la desesperación es creciente y las pesadillas aumentan. El abuso del alcohol y una fuerte depresión prácticamente lo tienen sin salida, al borde del divorcio, y en una situación de vulnerabilidad extrema. 

En el momento más complejo de su vida, una luz de esperanza se deja ver con la llegada la ciudad del Pastor Billy Graham -Will Graham-, quien, con su “Cruzada de Los Ángeles”, logra transmitirle el sentido profundo que conlleva el camino de conversión personal a la fe cristiana. 

Basada en el libro de Laura Hillenbrand, esta película dirigida por Harold Cronk tiene un comienzo que condensa la vida del protagonista. Es, en realidad, una secuela de “Unbroken”, del año 2014, y se enfoca en los hechos luego de su retorno de la guerra.  

La cinta explora mayormente lo que sucede en la mente de Zamperini y sus esfuerzos por superar el brutal trauma ocasionado por el conflicto bélico. Cuando todo parece perdido, cuando ya no le queda fuerza para sobreponerse, emerge la fe, ese tránsito a través de un sólido camino que permite alcanzar la redención. Sabemos el final porque conocemos la historia, por lo tanto no es un spolier el señalarlo. Incluso el título lo anticipa, por lo que el guion resulta aun más complejo de elaborar. Aunque se basa en hechos reales, la construcción del relato carece de la tensión requerida, aunque resulta interesante, porque profundiza en la intimidad del protagonista, en sus miedos, sus frustraciones y también en sus más profundos anhelos. 

“Inquebrantable: Camino de Redención” es una linda historia de encuentro personal, de fe y de esperanza. Aunque algo ingenua, muestra cómo la fe puede transformar el corazón, y cómo el perdón, que es tal vez lo más difícil de conseguir, finalmente sana las heridas y permite transmitir genuinamente el amor de Dios. Esta cinta también fortalece valores universales y destaca de forma clara y precisa la transformación interior que experimenta Louis Zamperini. Al final de la cinta vemos a los verdaderos protagonistas, en un sentido homenaje a estas personas cuyo testimonio de amor logran inspirar nuestros corazones. 

Ficha técnica  

Título original: Unbroken: Path to Redemption 
Año: 2018 
Duración: 98 minutos 
País: Estados Unidos 
Productora: Universal 1440 Entertainment, Matt Baer Films 
Género: Drama | Biográfico. Secuela 
Guion: Richard Friedenberg, Ken Hixon. Libro: Laura Hillenbrand 
Música: Brandon Roberts 
Fotografía: Zoran Popovic 
Reparto: Samuel Hunt, Merritt Patterson, Will Graham, Bobby Campo, David Sakurai, Vincenzo Amato, Maddalena Ischiale, Gianna Simone, Ali Eagle, Andrew Caldwell, Gary Cole, Bob Gunton, Donald Martin Stark
Dirección: Harold Cronk

Estados Unidos vs. Billie Holiday

Disponible en Amazon Prime.

Basada en la novela de Johann Hari, esta película narra un acotado tiempo de la vida de la famosa cantante. Se concentra a fines de los años 40, cuando Billie -Andra Day-, una de las más icónicas representantes del jazz, es seguida de cerca por el Departamento Federal de Narcóticos de Estados Unidos. 

En una operación secreta, el Agente Federal Jimmy Fletcher -Trevante Rhodes-, logra ingresar al círculo íntimo de la artista con el fin de conseguir antecedentes y pruebas para una acusación por drogas. Pero el trasfondo real no son las sustancias prohibidas, sino acallar la voz de la cantante. La canción “Strange Fruit", un clamor contra el linchamiento de personas “de color”, es la piedra de tope, aquello que molesta a los altos mandos y provoca esta velada persecución, poniendo de manifiesto las feroces discriminaciones raciales de la época. 

Este filme de Lee Daniels resulta interesante por los contenidos que se propone retratar. Conocer un poco más de cerca la vida de Holiday resulta atrayente, sin embargo el tratamiento que Suzan-Lori Parks le confiere al guion queda en deuda. Existe bastante confusión en su texto, quizás demasiadas relaciones y poco desarrollo que permita dar sustento a un relato que, mientras avanza, se pierde en detalles sin alcanzar una adecuada elaboración. 

La cámara de Daniels, sin embargo, es interesante. Las escenas, bien compuestas desde lo gráfico y con un marcado estilo, aparecen como composiciones independientes que podríamos asimilar a pequeñas cápsulas que se sostienen individualmente. Aquello funciona bien, sin embargo, la unión de estos segmentos produce pérdidas en el hilo conductor. Quizás es la edición la que provoca que se sienta fragmentado, es decir, falto de unidad y carente de una dirección clara. Tal vez corresponde a un estilo, a una forma narrativa, pero en este caso no resulta fluida y le resta vibración. 

La actuación de la protagonista, ganadora de un Globo de Oro y nominada al Óscar por este trabajo, es un punto alto en esta película, pero no alcanza, por sí misma, a dotarla de mayor solidez y atención. Es más, Andra Day también parece, por momentos, desconectada de la globalidad, confinada a un papel fundamental pero sin el aire necesario para resultar cautivante y convincente. 

Observamos en “The United States vs. Billie Holiday”, una vez más, una cinta que despierta mayor interés por la historia que revela más que por su realización. Es posible que su extensión le juege en contra y también muchas secuencias donde, paradójicamente, la ausencia de música resulta inexplicable. Así y todo recomiendo verla. Corresponde a otra visión de un período complejo, tanto en lo social como en lo cultural, y constituye un aporte por relevar a una artista comprometida con los derechos humanos y cuya voz resuena hasta nuestros días. 

Ficha técnica  

Título original: The United States vs. Billie Holiday 
Año: 2021 
Duración: 130 minutos 
País: Estados Unidos 
Productora: Lee Daniels Entertainment, New Slate Ventures, Roth/Kirschenbaum Films. Distribuidora: Hulu 
Género: Drama | Biográfico. Música. Años 40. Años 50. Drogas 
Guion: Suzan-Lori Parks. Novela: Johann Hari 
Música: Kris Bowers 
Fotografía: Andrew Dunn 
Reparto: Andra Day, Trevante Rhodes, Natasha Lyonne, Garrett Hedlund, Rob Morgan, Tone Bell, Da'Vine Joy Randolph, Evan Ross, Dana Gourrier, Melvin Gregg, Erik LaRay Harvey, Tristan D. Lalla, Kwasi Songui 
Dirección: Lee Daniels

No Matarás

Disponible en Amazon Prime.

Reconozco que tenía cierta resistencia a ver esta película. No sé bien por qué, tal vez por algún comentario que leí, por la temática o sencillamente no me despertó mayor interés. Pero el Premio Goya al mejor actor para Mario Casas por su papel acá me hizo cambiar de opinión. Y estaba esperando el momento oportuno, porque los estados de ánimo muchas veces impulsan a elegir cintas de determinadas características y aproveché aquello cuando sentí que necesitaba ver un thriller. Y me sorprendió. Veamos las razones. 

Daniel -Mario Casas- se ha dedicado en los últimos años a cuidar a su padre enfermo, pero sucede lo inevitable y sobreviene su muerte. Aun indeciso, Dani no sabe qué rumbo emprender, sin embargo intuye que debe retomar su vida. La perspectiva de un viaje alrededor del mundo le regala vitalidad y energía, no obstante, acontecimientos inesperados le sumergen en un camino oscuro, desconocido y peligroso. 

Planeando sus futuros pasos y comiendo en un local de hamburguesas, Dani se encuentra con Mila -Milena Smit-, una joven que le pide dinero para pagar su comida porque la han dejado plantada. Es algo casual, sin mayor pretensión, no planificado, algo posiblemente sin mayor importancia. Daniel es buena persona, que duda cabe, por lo que accede y le facilita el dinero. ¿Fin de la historia? No, porque al salir, Mila le pide que le acompañe cerca para devolverle los 20 euros. Ella es atractiva y sensual, es difícil resistirse, es difícil decirle que no. Dani lo intenta pero no lo logra y da el brazo a torcer ante su insistencia y descarada manipulación. 

Lo que viene a continuación es algo que se puede describir como una verdadera pesadilla, donde cada momento es peor que el anterior. Y antes que nos demos cuenta estamos tan atrapados como el protagonista. 

Escrita por Jordi Vallejo, Clara Viola y el mismo director, David Victori, la película tiene algunas características que llaman la atención desde su inicio. La secuencia inicial, una cámara que sigue a Casas de espalda mientras va a comprar y regresa a su departamento, sirve de escenario para los primeros créditos. Pero esta no es una secuencia cualquiera, imprime el sello que tendrá el tratamiento cinematográfico de la filmación. La cámara es cercana, nerviosa, invasiva por momentos. Genera mucha tensión, se mueve en forma irregular, cambia de planos, gira, retrocede, da vueltas, confunde, irrita. Hay mucho guion en todos esos movimientos; nada es al alzar, todo calza perfectamente. 

David Victori conoce lo que quiere lograr; incomodidad. El recurso tiene además un añadido perfecto, una banda sonora que permite incrementar o disminuir los grados, especialmente en secuencias largas, donde no hay diálogos y sobre los que todo el peso del relato está en la soledad del actor y en lo que logra transmitir a través de sus miradas y movimientos. 

Me pregunté varias veces por la razón del Premio Goya para Casas, y no porque no lo mereciera, sino intentando buscar ejemplos, fundamentaciones o alguna secuencia clave. El tema es que el protagonista está presente en todo el metraje, nunca abandona la pantalla en los 92 minutos que dura la acción. Tal vez por ello es complicado encontrar algo singular porque es un todo lo que está involucrado. El registro de Mario Casas es amplio y, si bien tiene mucho que podemos reconocer de otros papeles, se aprecia aquí la mano del director para un desdoble emocional del protagonista que por momentos sorprende. Y sin hacer spoiler, la escena final corona su actuación tal vez con el mejor momento, una secuencia que entrega sentido a muchos aspectos del filme y que demuestra el carácter y los recursos que Casas logra desplegar en la construcción de un personaje que va siempre “in crescendo”. 

En síntesis, “No Matarás” es un thriller vibrante, con altas dosis de tensión y mucho suspenso. Aunque tiene bastante violencia, lo que no lo hace apto para pieles sensibles, logra un delicado equilibrio con abundantes secuencias que transitan por capas oscuras, submundos, algunas situaciones inverosímiles, y nefastas coincidencias en una noche que se sale de control. Algo en la compresión del tiempo también se aprecia, desde el encuentro casual al desenlace que, aunque no es tiempo real, produce esa sensación por la forma de abordar el relato. Interesante trabajo de David Victori en una película que vale la pena ver no solo por la actuación de su protagonista sino que también por sus detalles narrativos, por el filoso uso de la cámara y por una composición audaz y efectiva. 

Ficha técnica 

Título original: No Matarás 
Año: 2020 
Duración: 92 minutos 
País: España 
Productora: Castelao Pictures, Filmax, Movistar+, TVE, TV3 
Género: Thriller | Crimen 
Guion: Jordi Vallejo, David Victori, Clara Viola 
Música: Adrian Foulkes, Federico Jusid 
Fotografía: Elías M. Félix 
Reparto: Mario Casas, Milena Smit, Elisabeth Larena, Joaquín Caserza, Victor Solé, Fernando Valdivieso, Albert Green, Andreu Kreutzer 
Dirección: David Victori