Coda

Disponible en Amazon Prime Video.

“CODA”, cuyo título es el acrónimo de “Child of deaf adult(s)”, es una película sencilla con una historia bien definida. Remake de la entrañable “La familia Bélier”, Francia, 2014, sitúa la acción en Gloucester, Massachusetts, y la desarrolla de una manera un poco ingenua y tal vez algo complaciente. 

Ruby -Emilia Jones-, es una adolescente muy trabajadora. Desde la madrugada ayuda a sus padres y a su hermano en las faenas pesqueras familiares, para luego asistir a sus estudios habituales en la escuela. A pesar de su agobiante rutina, su alma inquieta le impulsa a descubrir otros intereses, e incursiona en el coro del colegio. El canto siempre le ha llamado la atención y este espacio, además, le permite estar cerca de un compañero por el que siente una incipiente atracción. 

Pero la vida no es sencilla para Ruby. Ella es la única persona de su casa que puede oír y comunicarse verbalmente con los demás. A través del lenguaje de señas, sirve de puente a su padre, a su madre y a su hermano -todos ellos sordos-, para que se relacionen con sus entornos, por lo que cualquier motivación personal queda en segundo plano debido a las demandas explícitas e implícitas de su grupo familiar. 

Pese a un comienzo dubitativo, Ruby demuestra gran talento musical por lo que es animada por su profesor Bernardo -Eugenio Derbez-, a postular a una reconocida Escuela de Música en la que tiene muchas posibilidades de ser aceptada. La opción que ella escoja implica su futuro: seguir sus sueños o sacrificarse por su familia. ¿Qué camino elegirá nuestra protagonista? 

Debo reconocer que tenía más expectativas de esta cinta escrita y dirigida por Sian Heder. Tal vez es porque la original es muy reciente o porque en su momento aquella me resultó gratificante. Lo cierto es que esta nueva versión describe bien el entorno familiar y grafica perfectamente los roles y rutina que lleva a cabo esta familia de esfuerzo y de trabajo. Todo calza y parece estar bien así, por lo que la aparición del conflicto remueve un poco el piso pero no logra desestabilizar a sus personajes. 

El guion se enfoca en la necesidad que tiene la protagonista de buscar independencia, de querer hacer algo diferente. Ruby ama el canto. En el pesquero se libera completamente y despliega un caudal vocal que no puede repetir en una sala o en privado. ¿Se trata de un asunto de personalidad, o de algún grado de temor, a sí misma o a su familia? 

En torno a esa disyuntiva, la película se centra en el descubrimiento del camino propio, en la búsqueda de apoyo y natural reconocimiento. El problema es que Ruby da un paso adelante y dos atrás; no le resulta fácil, el tránsito es arduo y los cables a tierra parecen estar demasiado arraigados. 

¿Cómo se resuelve algo de esta naturaleza? ¿Cómo se puede soltar amarras, no solo por parte de Ruby, sino también desde su entorno cercano.? Esto no es sencillo porque implica comprender cada mundo, es decir a aquellos que no pueden oír y viceversa, algo que sin duda requiere un nivel de empatía difícil de conseguir. En esta línea, una de las escenas mejor logradas de la cinta es cuando nos sumerge, en plena actuación de Ruby, en la ausencia de sonido, algo que resulta indescriptible y que corresponde a la realidad de un mundo en silencio complejo de imaginar. Y esa realidad tiene un paralelo precioso cuando Ruby traduce la letra de una canción al lenguaje de señas para conectar con su familia, en un esfuerzo por encontrar puntos de unión entre dos mundos totalmente opuestos. 

“Coda” funciona aún sin tener el brillo de la original, y es principalmente por la historia que describe y por las actuaciones naturales que su elenco proporciona, donde destacan actores sordos en los papeles principales. También aporta al desarrollo de la cinta una apropiada muestra de estas relaciones de dependencia que tienden a anularse, donde choca la necesidad con el egoísmo, el instinto con el impulso, más todo aquello que se refiere a quién da el primer paso, quién cede y ante qué, de cara a una decisión que ciertamente es capaz de cambiar la vida de todos los involucrados. 

Ficha técnica  

Título original: CODA 
Año: 2021 
Duración: 111 minutos 
País: Estados Unidos 
Productora: Coproducción Estados Unidos-Francia-Canadá; Vendome Pictures, Pathé Films, Picture Perfect Federation. Distribuidora: Apple, Apple TV+ 
Género: Drama | Discapacidad auditiva. Familia. Música. Remake 
Guion: Sian Heder 
Música: Marius De Vries 
Fotografía: Paula Huidobro 
Reparto: Emilia Jones, Eugenio Derbez, Marlee Matlin, Troy Kotsur, Daniel Durant, Ferdia Walsh-Peelo, Amy Forsyth, Kevin Chapman, John Fiore, Erica McDermott, Owen Burke, Rebecca Gibel, Molly Beth Thomas 
Dirección: Sian Heder

Spencer

Esta película dirigida por Pablo Larraín se sumerge en un fin de semana de la vida de la Princesa Diana de Gales -Kristen Stewart-. El año 1991 y en vísperas de Navidad, la familia real británica se apresta a celebrar la tradicional fiesta en el Queen's Sandringham Estate en Norfolk. Con rumbo perdido y sin claridad respecto de su vida, Diana maneja su auto en dirección a la residencia con una evidente contradicción vital. Su matrimonio con el Príncipe Carlos atraviesa por marcadas turbulencias producto del romance con Camilla Parker Bowles, por lo que se aproximan decisiones cruciales que, en tres días, pueden definir su futuro y también el de la Corona. 

Estamos ante una cinta atmosférica, donde la representación de los cambios de ánimo se refleja tanto en la filmación como principalmente a través de la música que pasa a ser un personaje con un protagonismo innegable. A modo de “Perpetuum Mobile”, se lleva a cabo una tensión musical y narrativa que entrega a la película una distinción tan inquietante como perturbadora. Otra característica que destaca en este trabajo es la gran cantidad de simbolismos, metáforas, y tradiciones retratadas. Podemos ver, entre muchas, las menciones respecto de la ausencia de calefacción y el frío que se sufre al interior del Palacio, y la costumbre de pesar a los invitados, antes y después de las fiestas, para medir si realmente fueron bien atendidos de acuerdo al resultado de la comparación. 

A través de una fina estética, Larraín usa ángulos de cámara interesantes y encuadres llamativos -las tomas aéreas son un real aporte-, para captar el movimiento de sus personajes, para describir los entornos que les rodean y para realizar el seguimiento de una acción que no se detiene en ningún momento. El objetivo es retratar de cerca la manifiesta infelicidad e impotencia de Diana, su frustración, la falta de cariño y el abandono al que está expuesta. También denota, y en forma explícita, sus conexiones con un difuso pasado, algo que incide en su imaginación -que también juega un papel de contención-, a la par de aquel volcán de rabia y rebeldía que ella tiene a flor de piel. 

Kristen Stewart es Diana, no cabe duda. Vive intensamente su rol y su interpretación resulta en extremo convincente. Con muchos primeros planos muy cercanos y otros tantos bastante lejanos, Larraín evidencia los extremos, esas contradicciones íntimas y profundas que existen tanto al interior como en el exterior de la carismática princesa. Agobiada por la Corona, parece que Diana solo buscara su libertad. Si es una víctima o no de las circunstancias, queda en suspenso y a merced de un camino que la conduce hacia una delicada inestabilidad emocional muy difícil de encausar. ¿Cómo puede vivir, cómo puede escapar, cómo rompe el círculo en el que se encuentra inserta? ¿Es ella sola y todo gira a su alrededor. ¿O es ella la que debe bailar al ritmo que le imponen? 

El inteligente guion de Steven Knight juega con dualidades y planos, para confundirse entre la ficción y la realidad, entre la fábula y los hechos reales, entre los contrastes íntimos y lo deslumbrante del exterior. El filme se sumerge en el ahogo de Diana, es expresivo en mostrar sus sentimientos, y cauto respecto a las parcas relaciones que la joven construye con sus cercanos. Pareciera inclinarse hacia la descripción de una vida miserable, próxima a una permanente tortura, una existencia que quizás nunca ha experimentado un verdadero grado de amor y felicidad. 

El pulso de Pablo Larraín se percibe de comienzo a fin, pues la película fluye con carácter visceral y ritmo creciente. La obra resulta sólida y convincente, un trabajo muy interesante que a lo largo de sus dos horas de duración entrega inquietud permanente a una historia pública, conocida, que tiene múltiples versiones e interpretaciones, en una imaginería que, cinematográficamente hablando, da cuenta de una visión de autor que logra cautivar y atrapar. 

Ficha técnica 

Título original: Spencer 
Año: 2021 
Duración: 116 minutos 
País: Reino Unido 
Productora: Coproducción Reino Unido-Estados Unidos-Chile-Alemania; Fabula, Komplizen Film, Shoebox Films, Filmnation Entertainment. Distribuidora: Neon 
Género: Drama | Biográfico. Años 90 
Guion: Steven Knight 
Música: Jonny Greenwood 
Fotografía: Claire Mathon 
Reparto: Kristen Stewart, Jack Farthing, Timothy Spall, Sally Hawkins, Sean Harris, Richard Sammel, Amy Manson, Ryan Wichert, Michael Epp, Olga Hellsing, Wendy Patterson, Niklas Kohrt, John Keogh 
Dirección: Pablo Larraín

Todo sobre los Ricardo

Disponible en Amazon Prime Video.

Elaborada e intrincada, esta película escrita y dirigida por Aaron Sorkin, relata la vida de Lucille Ball -Nicole Kidman-, y su marido Desi Arnaz -Javier Bardem-. Sorkin siembra y desarrolla una semilla que crece y crece con el correr del metraje, con sus propias ramas y vetas, sobre dos personalidades independientes, con mucho en común y también enormes diferencias 

La cinta se desarrolla en una semana de trabajo de la icónica serie “I Love Lucy” y se presenta desde tres perspectivas diferentes: entrevistas a tres de los escritores del programa, numerosos “flashbacks”, y los ensayos para aquella grabación en vivo el año 1953. 

Las actuaciones resultan convincentes, en especial la expresividad latina que Javier Bardem entrega a su personaje. Kidman, si bien aparenta un menor brillo, desarrolla muchos papeles e incluso configura roles sobre sí misma, algo que la hace lucir desde un ángulo muy diferente. Hábilmente, el guionista y director hace cine dentro del cine y televisión dentro de la televisión, en una simbiosis que se acerca mucho más al teatro y a las representaciones de la época. 

Desde el punto de vista técnico, tanto el guion como la dirección resultan exigentes. Hay mucho texto importante -un sello Sorkin-, que se transforma en una metralla difícil de seguir y que obliga a los actores a desarrollar un esfuerzo de proporciones. Todas estas idas y vueltas, con interrupciones, muchos énfasis e intenciones, ponen a prueba la reconocida capacidad actoral tanto de Nicole Kidman como de Javier Bardem. 

El relato mezcla temporalidades y se hace complejo. No deja de ser una tentación el poder retroceder la película para entender, sin embargo si se continua, la historia se explica y se comprende, más aun después, en perspectiva, ya sin el exceso de información al que hemos sido expuestos. 

Presenciamos una historia donde más que esperar una conclusión, admiramos su desarrollo, el contexto en el que suceden los hechos, qué hacen, cómo lo hacen, las modas de la época y lo innovador que resulta el tener público en vivo al momento de grabar el episodio semanal de un exitoso show. La trastienda pasa a ser importante y el decorado un escenario trascendente para comprender lo que está en juego: la historia de cada uno, lo que significa su carrera y por supuesto su matrimonio. 

¿Quién lleva la historia? Él o ella? ¿Lucille o Dezi? Finalmente, ¿quién rescata a quién? Están unidos pero siguen siendo independientes, son fuertes pero son capaces de atacar los puntos débiles que cada uno tiene, aquello que les hace vulnerables. 

Aaron Sorkin logra una interesante composición artística de espacios reducidos. Las acciones transcurren en pasillos, durante ensayos y pruebas. Las conversaciones son lo más importante y no podemos perdernos ninguna línea. En ese sentido, la cinta es racional y metódica, sin embargo no deja fuera el lado emocional que aportan los actores en cada diálogo, ya sea interpretando los papeles propios del show o con sus conversaciones cotidianas. 

¿Quiénes eran los “Ricardo”? El resultado es una propositiva respuesta entregada por Sorkin, que nos hace revivir la época y nos presenta, de una forma de ingeniosa, la posibilidad de redescubrir su historia. 

Ficha técnica 

Título original: Being the Ricardos 
Año: 2021 
Duración: 132 minutos 
País: Estados Unidos 
Productora: Escape Artists, Amazon Studios, Big Indie Pictures. Distribuidora: Amazon Studios 
Género: Drama. Comedia | Biográfico. Televisión. Años 50 
Guion: Aaron Sorkin 
Música: Daniel Pemberton 
Fotografía: Jeff Cronenweth 
Reparto: Nicole Kidman, Javier Bardem, J.K. Simmons, Nina Arianda, Tony Hale, Alia Shawkat, Clark Gregg, Robert Pine, Linda Lavin, Christopher Denham, Jake Lacy, Nelson Franklin, John Rubinstein 
Dirección: Aaron Sorkin

King´s Man: El origen

La historia se remonta al año 1902, cuando Orlando -Ralph Fiennes-, duque de Oxford, junto a su esposa Emily y su hijo Conrad, visita un campo de concentración en Sudáfrica. Un sorpresivo ataque cobra la vida de Emily, y marca el momento en el que Orlando decide cambiar la historia, es decir, trabajar para impedir los conflictos antes que ocurran. 

El plan cobra vigor doce años más tarde, cuando su red de espionaje, a cargo de Shola -Djimon Hounsou-, y Polly -Gemma Arterton-, dos personas de absoluta confianza del aristócrata líder, comienza a dar sus frutos. Por su parte, Conrad -Harris Dickinson-, nada sabe acerca del secreto actuar de su padre y solo desea unirse al ejército y combatir, sin embargo Orlando, que ha jurado protegerle desde la muerte de su madre, intenta impedirlo con todos sus medios. 

La historia se complica por la acción de una poderosa red que pretende desestabilizar la paz mundial, enfrentando a los alemanes, a los rusos y a los británicos entre ellos, situación que escala hasta el gobierno de Estados Unidos que se ve en la encrucijada de intervenir o permitir que los acontecimientos deriven en cruentas batallas. 

Por cierto hay muchas más tramas, bastantes idas y vueltas, giros y vericuetos, que componen un relato cuya finalidad es explicar el origen de esta particular organización y su principal misión: adelantarse a los tiempos y mantener el orden en el mundo. 

“Kingsman: El origen” se disfruta mejor al verla sin mayores expectativas. Con trazos de comedia y bastante acción, el guion organiza una precuela que se mantiene a flote gracias al carisma de su protagonista, Ralph Fiennes. 

Con una filmación ágil, y a pesar que el metraje se hace pesado hacia los dos tercios, el argumento resulta interesante aunque no del todo convincente. Cuesta comprender este enorme retroceso en el tiempo, incluso como para preguntarse si esto se justifica o no. Aún así, el relato entrega contexto a los orígenes de la saga y prepara adecuadamente la carta oculta para el giro principal, algo que sorprende pero que no resulta definitivo para la historia. 

Matthew Vaughn, que dirige y también colabora en el guion, filma correctamente respondiendo a lo que se espera en películas de este tipo. Los paisajes y entornos son llamativos y el ritmo, en general, funciona, no obstante, quedarnos con una sensación un poco extraña, tal vez como esperando recibir algo más. 

“The King's Man”, parece no tener más aspiraciones que transformarse en un entretenimiento liviano para una tarde de cine relajada y familiar. Me cuesta asociarla a las dos entregas anteriores, lo que no es necesariamente algo negativo ni tampoco una falta importante. Que se entienda la trama ya es bastante, porque el foco es distraerse, reírse un rato y soltar tensiones. Y en esto último, Kingsman cumple, y no debemos pedirle más. 

Ficha técnica 

Título original: The King's Man 
Año: 2021 
Duración: 131 minutos 
País: Reino Unido 
Productora: Coproducción Reino Unido-Estados Unidos; Marv Films, 20th Century Studios, Marv Studios. Distribuidora: Walt Disney Pictures 
Género: Thriller. Acción. Comedia | Espionaje. I Guerra Mundial. Cómic. Precuela 
Guion: Jane Goldman, Matthew Vaughn, Karl Gajdusek. Personaje: Dave Gibbons, Mark Millar. Historia: Matthew Vaughn 
Música: Dominic Lewis, Matthew Margeson 
Fotografía: Ben Davis 
Reparto: Ralph Fiennes, Harris Dickinson, Djimon Hounsou, Gemma Arterton, Rhys Ifans, Charles Dance, Tom Hollander, Matthew Goode, Daniel Brühl, Aaron Taylor-Johnson, Stanley Tucci, David Kross, Alison Steadman 
Dirección: Matthew Vaughn

Belle

Esta fantasía audiovisual animada del director Mamoru Hosoda resulta asombrosa. Es una película profunda y sencilla a la vez, con múltiples capas, significados e interpretaciones. 

Suzu Naito, una adolescente de diecisiete años, vive con su padre en las afueras de la prefectura de Kōchi, en Japón. Tras perder de niña a su madre, a Suzu le cuesta congeniar con sus compañeros de clase aunque con unos pocos es bastante cercana. En un permanente estado de melancolía y emocionalmente sin un rumbo, descubre un popular mundo virtual llamado “U”. Para ingresar es sencillo, basta descargar la aplicación, crear una cuenta y configurar su avatar, para comenzar a ser parte de un universo que se ofrece como un nuevo inicio, el lugar indicado para desplegar una nueva personalidad. 

La aventura parece fascinante y Suzu se hace llamar “Bell”, la traducción al inglés de su propio nombre. Ademas, como este universo se nutre de parámetros biométricos de la persona para completar al nuevo usuario, también se incorporan algunas características y talentos de cada nuevo participante, por lo que “Bell” muy pronto obtiene reconocimiento como cantante, éxito que poco a poco la hace conocida como “Belle”, que significa “hermosa” en francés. 

Pero no todo es ideal. La vida real de Suzu enfrenta conflictos y en esta especie de escape virtual tampoco está libre de críticas y problemas. Parece ser el momento indicado para conseguir definiciones, para descubrir su esencia personal, su identidad, su verdadera personalidad. ¿Quién prevalecerá, a fin de cuentas, la Suzu real o la Bell virtual? 

La animación de esta cinta es arrebatadora. El original guion está repleto de detalles, giros e inmersiones, en una fábula visual que tiene un claro mensaje nutrido de contenido, valores y enseñanzas. La dolorosa y temprana pérdida de su madre marca la vida de la protagonista. Necesita protección y refugio, algo que le resulta esquivo. Es por ello que este descubrimiento de una virtualidad que le ofrece ser otra persona, nueva y diferente, resulta ser tan atractiva. Es como volver a nacer, es la creación de un otro yo, un súper yo; en definitiva, supone para ella ser quien quiere realmente ser. 

Mamoru Hosoda se sumerge en el proceso de desarrollo de la propia identidad, en los roles, las caretas, y en lo que podríamos llamar la personalidad real y la personalidad virtual. Se visualiza fácilmente esta dualidad, esta aparente doble vida, algo que retrata muy bien los tiempos actuales capturados por las redes sociales y las pantallas, con sus indudables beneficios y los peligros subyacentes. Está en juego la relación con los demás y también el aislamiento producto de determinadas condiciones, situación que pone de relieve un tema fundamental que se refiere a la propia aceptación además de la que proporciona el entorno. 

“Bell” vive todo un proceso de transformación que hace “click” cuando conoce y se acerca a “la bestia”, un avatar que genera inquietud y que es perseguido por los guardianes de “U”. En esta actualización de “La bella y la bestia”, emerge la necesidad de conexión, tal vez por el reconocimiento de un estado similar, o quizás por una sintonía fina que los hace vibrar en una misma frecuencia. Fruto del contacto, surge la honestidad y la sinceridad, caen las barreras y aparece la empatía y la solidaridad, en un proceso de crecimiento interno que pronto se expande hacia otros porque simplemente es algo tan profundo que no se puede contener. 

En “Belle”, Hosoda pone el foco en lo esencial, en lo primario y sustantivo que significa conocer quién es realmente cada persona, quién quiere ser y cómo la ven los demás. Es un tema complejo, íntimo y profundo, tratado con la sutileza de un cuento animado pero que no pierde un ápice de profundidad. A través de la película, el cineasta nos habla a nosotros mismos como espectadores, y nos toca según nuestra propia realidad. Porque lo que le sucede a Suzu podría ser similar a lo que vivimos nosotros, es decir este paralelismo entre nuestra vida cotidiana y lo que somos, o pretendemos ser, en nuestras redes sociales digitales.  

¿Hay acá un dilema que resolver? ¿Llevamos existencias paralelas? ¿Debemos optar? Es justamente la actualidad del mensaje y la interpelación que surge en esta cinta lo que nos lleva a reflexionar. Y se hace más interesante aun, cuando cuestiona lo que hacemos y pensamos, en el momento en que nos expresa la necesidad vital de asumir nuestra propia realidad y el vital espacio de encuentro con los demás. 

Preciosa película, tanto por su lograda estética como por la inteligencia de su contenido. Para disfrutar y pensar. Imperdible. 

Ficha técnica 

Título original: Ryū to Sobakasu no Hime 
Año: 2021 
Duración: 122 minutos 
País: Japón 
Productora: Studio Chizu, Dentsu Inc, Kadokawa, Nippon TV, Toho 
Género: Animación. Ciencia ficción | Internet / Informática 
Guion: Mamoru Hosoda 
Música: Taisei Iwasaki 
Fotografía: Animación 
Reparto: Animación 
Dirección: Mamoru Hosoda

La nave del olvido

Lautaro, sur de Chile. Claudina -Rosa Ramírez-, queda viuda después de muchos años de matrimonio y debe abandonar su casa. Su hija la acoge. Ella vive con Cristóbal, su hijo pequeño, y la llegada de su madre provoca tensión debido a su creciente y cercana amistad con Elsa -Romana Satt-, su vecina. Los rumores se esparcen y la gente comienza a hablar. 

Esta película escrita y dirigida por Nicol Ruiz Benavides presenta una trama que se disocia de su realización. Sus protagonistas, además, dan cuenta de sus actuaciones, es decir siempre parece que están actuando, ya sea por una sobre interpretación o bien por enlaces forzados o bruscos. Los diálogos, en su mayoría con poco sustento, son parte de un guion predecible, en una cinta donde, además, se nota la presencia de la cámara en más de alguna secuencia. 

La historia supera la filmación. Hay cortes expositivos que no tienen aparente sentido, con pausas que desean ser reflexivas pero que aumentan la sensación de lentitud de sus 71 minutos. La introspectiva de la cinta se logra, eso sí, con la protagonista en solitario, algo que se pierde cuando le corresponde conectar con otros. El trabajo de Ruiz es explícito, prácticamente sin capas, todo está expuesto, por lo cual se torna evidente. Es cierto que podría haber un grado de profundidad mayor en los ojos y gestos de Claudina, sin embargo no resulta creíble. Aun así, los mejores momentos son aquellos que no tienen diálogos, los que solo contienen imágenes, como por ejemplo la escena central, junto a los meritorios esfuerzos realizados en la composición fotográfica. 

Lo que expone Claudina es una historia íntima de descubrimiento y redescubrimiento. Hay otra perspectiva de la vida luego de la muerte de su esposo. Sucede, entonces, una transformación interior y un cambio exterior, algo que va desde una contenida tristeza hasta una leve y liberadora sonrisa. Por eso, hago hincapié en que el núcleo central del argumento, fuerte y potente, supera la realización artística de la composición presentada. 

“La nave del olvido”, título que envuelve muchos conceptos desplegados en el relato, habla de tránsito. De la renuncia de Claudina a sí misma para construir otra persona. De asumir su yo íntimo, de soltar amarras y mirar hacia adelante, donde el camino es incierto, tal vez tan incierto como resulta el ejercicio de su propia libertad. 

Ficha técnica 

Título original: La nave del olvido 
Año: 2020 
Duración: 71 minutos 
País: Chile 
Productora: Alen Cine 
Género: Drama. Romance | Vejez / Madurez. Homosexualidad 
Guion: Nicol Ruiz Benavides 
Música: Santiago Jara 
Fotografía: Víctor Rojas 
Reparto: Rosa Ramírez, Romana Satt, Gabriela Arancibia, Claudia Devia, Raúl López Leyton, Cristóbal Ruiz 
Dirección: Nicol Ruiz Benavides

La última noche

En la tarde previa a la Navidad, un grupo de amigas de la escuela con sus respectivas parejas se reúnen en una casa de campo para compartir la cena. Los anfitriones, Nell -Keira Knightley-, y Simon -Matthew Goode-, reciben a sus invitados en la que será una velada especial, marcada tanto por la Noche Buena como por la catástrofe que el mundo espera que suceda de forma inminente, algo que calza perfecto con su título en español: “la última noche”. Es mejor no tener más antecedentes antes de ver esta película. 

Escrita por Camille Griffin, la cinta, que podemos dividir en tres partes, preparación, contexto y final, transita de menos a más. Luego de un comienzo poco entendible y difuso, el metraje se desarrolla como una comedia absurda aunque poco jocosa. Posteriormente, nos perdemos entre falsas pistas y variados equívocos, con historias y relaciones entre los protagonistas que dan para mucho. El tercio final, que resulta ser el más interesante, configura la tensión, desarrollando los personajes con un despliegue que ataca el conflicto de fondo sin dejar de lado algunos suaves resabios de la comedia inicial. 

Las actuaciones no gravitan, algo que afecta incluso a Keira Knightley. Quien sí destaca, y por lejos, es Roman Griffin Davis, quien personifica a Art, el hijo mayor del matrimonio dueño de casa. Cada vez que está en pantalla, atrapa la cámara y por él pasan los hilos más importantes del argumento principal. El resto del elenco cumple, pero sin brillar, en una correcta filmación que que tampoco destaca algún elemento en particular. 

El guion de Griffin está conformado por varias capas. La primera, la de la superficie, puede aburrir e incluso podemos querer escapar o abandonar, pero debemos dejar correr un poco el agua. Poco a poco se develan las otras capas, más interesantes aunque más de alguna de ellas algo predecibles. Aun así, la película presenta un tipo de suspenso distinto, aborda un tema actual que, sin entregar muchos detalles, se basa principalmente en el comportamiento de cada persona -y el colectivo y autoridades-, ante un final inminente. 

Como pequeña síntesis, observamos una película que tiene un claro mensaje que, aunque algo diluido, permite reflexionar, especialmente después de una escena clave que marca el punto de inflexión, y que da paso al desenlace y posterior epilogo.  

Ficha técnica 

Título original: Silent Night 
Año: 2021 
Duración: 90 minutos 
País: Reino Unido 
Productora: Marv Films, Maven Screen Media 
Género: Comedia. Drama | Comedia negra. Navidad. Fin del mundo 
Guion: Camille Griffin 
Música: Lorne Balfe 
Fotografía: Sam Renton 
Reparto: Keira Knightley, Matthew Goode, Roman Griffin Davis, Annabelle Wallis, Kirby Howell-Baptiste, Lucy Punch, Lily-Rose Depp, Rufus Jones, Holly Aird, Sope Dirisu, Davida McKenzie, Dora Davis, Gilby Griffin Davis, Hardy Griffin Davis 
Dirección: Camille Griffin

Scream

Woodsboro, veinticinco años después. La máscara de “Ghostface” ha regresado, un nuevo asesino comienza a sembrar el caos en torno a un grupo de adolescentes que conoce bien la historia pero que no prevee el desenlace. La intriga se remonta al pasado, hay secretos que salen a la luz y cualquiera de ellos podría ser víctima o victimario. ¿Quién es responsable de los macabros sucesos? 

Ocupando la posición cinco -tomando en cuenta las entregas previas de la franquicia-, esta película escrita por Guy Busick, James Vanderbilt y Kevin Williamson, en primer lugar se ríe de sí misma. Si bien apela a un formato clásico, la cinta hace un puente con el pasado y a la vez se encarga de producir un recambio generacional. El guion toma elementos de la propia historia y se ejemplifica en sí misma, con lo que trae de regreso a antiguos protagonistas, realizando cine dentro del cine como herramienta de enlace y continuidad. 

La esencia de esta nueva “Scream” es la misma de siempre. Golpes de efecto y contragolpes -juega con la posibilidad de que pase algo o no pase nada-, algo que ya hemos visto y por supuesto esperamos. La sorpresa es, entonces, por sí sucede algo o no sucede nada, siempre manteniendo el tono de comedia, en un producto que, si bien no reinventa nada, entrega novedad y frescura. 

El suspenso y terror de “Scream” es lo que pedimos y esperamos de su género, algo que a esta altura es casi icónico. La estética por supuesto es conocida, funciona, y el guion es “de manual” -aunque se estira mucho- por lo tanto predecible en su forma. No obstante, el texto acierta en mantener el suspenso de quién está detrás de todo. En ese sentido, cubre bien la incógnita, nos hace dudar de todos, y va descartando uno a uno a los posibles culpables. 

Las escenas de los ataques son crudos -buenos efectos especiales-, pero, la verdad, no se pueden tomar muy en serio porque acá hay sangre por diversión, de esa que incluso salpica fuera de la pantalla. Y no importa, porque se nota que es ficción, lo esperamos como si se tratara de una caricatura, como parte sustantiva del producto entregado. 

“Scream” cumple con lo que promete -un piso mínimo-, aunque igual recomiendo verla con bajas expectativas. La recepción de los fans es buena -a juzgar por quienes estaban en la Avant Premiere-, lo que entrega un bonus track a una película que no aburre, que distrae y despeja a través de un formato conocido y ejecutado como si fuera un clásico. 

Ficha técnica 

Título original: Scream 
Año: 2022 
Duración: 114 minutos 
País: Estados Unidos Estados Unidos 
Productora: Spyglass Media Group, Lantern Entertainment, Miramax, Outerbanks Entertainment, Project X Entertainment, Radio Silence Productions. Distribuidora: Paramount Pictures 
Género: Terror. Thriller. Intriga | Secuela. Sátira. Slasher. Comedia negra. Asesinos en serie 
Guion: Guy Busick, James Vanderbilt, Kevin Williamson 
Música: Brian Tyler 
Fotografía: Brett Jutkiewicz 
Reparto: Courteney Cox, Neve Campbell, David Arquette, Jack Quaid, Jenna Ortega, Melissa Barrera, Marley Shelton, Kyle Gallner, Dylan Minnette, Mikey Madison, Jasmin Savoy Brown, Mason Gooding 
Dirección: Matt Bettinelli-Olpin, Tyler Gillett

La hija oscura

Disponible en Netflix.

Femenina, íntima y profunda, esta película dirigida por Maggie Gyllenhaal y basada en la novela homónima de Elena Ferrante, cala hondo. La historia presenta a Leda Caruso -Olivia Colman-, una profesora universitaria que pasa sus vacaciones en Grecia. Abstraída del mundo, la tranquilidad de su tiempo estival se rompe con la llegada de una numerosa y bulliciosa familia. Allí conoce a Nina -Dakota Johnson-, una joven madre que se desespera cuando Elena, su hija de tres años, desaparece en la playa. 

Leda encuentra a la pequeña pero se apropia de su muñeca, un incidente aparentemente menor que sin embargo acusa el conflicto interno que se detona en la protagonista. Podemos observar claramente los puntos en común entre Leda y Nina, en tiempos distintos pero similares en esencia, y son justamente esas claves las que dan vida a un relato que va creciendo en tensión a través de un desarrollo contenido y también vibrante. 

Inscrita dentro de las películas más interesantes del 2021, este filme aborda la maternidad y la sexualidad de una manera diferente. ¿Cómo compatibiliza una joven madre su vida profesional, su vida personal y su vida familiar? ¿Debe privilegiar alguna? ¿Sacrificar otra? Las contradicciones son múltiples, a pesar que el contructo social tiene probablemente solo una respuesta. 

Si hay roles establecidos y atribuidos, esta historia rompe con los moldes y tabúes. Si hay prejuicios, la cinta explora asertivamente otros juicios. Confronta la predestinación con la liberación, y también pone acento en lo injusto que resulta el juzgar las decisiones de los demás. 

Después de ver esta película me he cuestionado bastante sobre el origen del título. La novela se llama “La hija perdida” y el filme se presenta como “La hija oscura”. La traducción es francamente un equívoco, porque implica anticipar algo que su propio desarrollo intenta discernir. ¿Se usa oscura como sinónimo de perdida? Ni de cerca. ¿Será perdida, en su original, algo que tiene más relación con algún otro tipo de pérdida, no un extravío o algo concreto, sino más bien en torno a un tema conceptual? Y si lo tomáramos literalmente, ¿por qué habría oscuridad en la elección de un camino y en contraposición, luz en la elección de otro? ¿Es todo binario o existen miradas diferentes? 

Actuaciones sólidas, vibrantes, y llenas de carácter nos entregan Olivia Colman, Jessie Buckley y Dakota Johnson. Maggie Gyllenhaal filma realmente bien, muy de cerca, con primeros planos que resultan agobiantes, y que permiten observar pequeños detalles, gestos y miradas, constituyendo un genuino y exitoso intento de retratar lo más íntimo de Leda Caruso en cada etapa de su vida. 

“The Lost Daughter” posee bastantes cabos sueltos. ¿Requieren explicaciones? Tal vez es mejor sentir que entender. Hay culpa, compasión, perdón; tal vez una permanente búsqueda o quizá alguna aspiración. Responde al duro camino recorrido hacia la esperada tranquilidad y perspectiva que dan los años, algo que no se resuelve fácilmente y tampoco es del todo satisfactorio. ¿Redención? ¿Paz? En este caso, es posible que ni siquiera el tiempo tenga la clave de la razón. Es emoción la que emerge a raudales entre los recovecos de estas heridas del pasado que se resisten a sanar. 

Ficha técnica 

Título original: The Lost Daughter 
Año: 2021 
Duración: 121 minutos 
País: Estados Unidos 
Productora: Coproducción Estados Unidos-Reino Unido-Israel; Endeavor Content, Faliro House, Pie Films, Samuel Marshall Productions 
Género: Drama. Intriga | Thriller psicológico. Maternidad 
Guion: Maggie Gyllenhaal. Novela: Elena Ferrante 
Música: Dickon Hinchliffe 
Fotografía: Hélène Louvart 
Reparto: Olivia Colman, Dakota Johnson, Peter Sarsgaard, Jessie Buckley, Paul Mescal, Oliver Jackson-Cohen, Ed Harris, Dagmara Dominczyk, Alba Rohrwacher 
Dirección: Maggie Gyllenhaal

Pasajero 666

Disponible en Cines.

Esta cinta de terror -Rusia, 2021-, comienza con un accidente aéreo donde la única sobreviviente es una niña pequeña. Pasan los años y esta segunda oportunidad en la vida moldea la personalidad de Ekaterina -Svetlana Ivanova-, quien, superando progresivamente sus temores, llega a convertirse en doctora y tiene una hija de seis años llamada Diana -Marta Kessler-. 

Sin embargo, un viaje para visitar al abuelo de Diana revive el pasado. Tienen que abordar un vuelo justo el día en que las condiciones climáticas son extremas, cuando se han cancelado numerosos viajes y, ademas, deben embarcarse en un horario poco usual. La cabina, prácticamente vacía, reúne muy pocos pasajeros y comienza a sufrir estragos. Pasan cosas insólitas y sobrevienen muertes inexplicables. ¿Corresponde a sucesos sobrenaturales? ¿Se repite la historia? ¿Cuál es, entonces, la realidad? 

Dirigida por Alexander Babaev, y en solo 77 minutos, la película discurre entre las secuencias del viaje en avión, recuerdos -entre ellos el del primer accidente-, y el mundo interior de la protagonista. El escenario para mantener la tensión resulta apropiado ya que naturalmente un vuelo en esas condiciones, con tormentas, turbulencias y situaciones extrañas, permite sostener bastante bien la incertidumbre. 

Pero el centro de la película es un poco más confuso que su capa superficial. Trata de temores internos y externos, de lo que vive Ekaterina, de sus temas no cerrados, confusiones temporales, saltos y transferencias, en un guion no lineal que transita por diferentes fases, incluyendo visiones espeluznantes y también versiones distintas de una misma realidad. 

“Fila 19”, su título original, es ciertamente mejor y más descriptivo que “Pasajero 666”, aunque igualmente esta última denominación trate de subsumir el relato al demoniaco número y en algunos puntos obtenga algo de razón. La cinta cumple con un suspenso medio, suficiente para una película de tono menor, que funciona para distraernos y pasar el rato, para pensar en cualquier otra cosa que nos aleje de nuestra propia realidad. 

Ficha técnica 

Título original: Ryad 19 
Año: 2021 
Duración: 77 minutos 
País: Rusia 
Productora: Central Partnership, KIT Film Studio, Monumental Film. Distribuidora: Central Partnership, Well Go USA Entertainment: Género 
Terror. Thriller | Aviones 
Guion: James Rabb 
Fotografía: Nikolay Smirnov 
Reparto: Svetlana Ivanova, Wolfgang Cerny, Anna Glaube, Vitaliya Kornienko, Anatoliy Kot, Yola Sanko, Ivan Verkhovykh, Ekaterina Vilkova 
Dirección: Alexander Babaev

Matrix Resurrecciones

Matrix regresa con una versión críptica. 

Thomas Anderson -Keanu Reeves-, vive en San Francisco y desarrolla videojuegos basados en vagos recuerdos sobre su pasado. Sin embargo, esas imágenes poco nítidas le han servido para configurar “The Matrix”, su título estrella. Los sueños pasan fugazmente, mientras que en lo cotidiano se cruza con Tiffany -Carrie-Anne Moss-, una mujer con quien evidentemente tiene alguna conexión que no logra descifrar. 

Anderson acude a un terapeuta que le ayuda con estas confusiones entre sueños y realidades, algo que trata de mantener a raya en base a pastillas azules, un tratamiento que, no obstante, resulta insuficiente. Él quiere ir más allá, descubrir qué sucede en verdad, por lo que cada cierto tiempo ejecuta un trozo de código informático antiguo para explorar y entender lo que sus sueños le quieren expresar. Este bucle se transforma en una ventana de oportunidad a través de la cual Anderson es contactado por Bugs -Jessica Henwick-, quien en otra instancia de código descubre y libera a Morpheus -Yahya Abdul-Mateen II-. 

El escenario se hace cada vez más intenso para Thomas. Poco entiende, pero su instinto le dice que debe confiar y seguir adelante. Pese a ello, el cambio radical solo se produce cuando deja de tomar esas pastillas azules y acepta una roja ofrecida por Morpheus. ¿Entenderá, por fin, quién es, qué hace en esta dimensión y cuál es su misión? 

Esta cinta dirigida por Lana Wachowski -una de las creadoras de la exitosa franquicia-, se siente un poco anticuada y algo pasada de moda. La historia como tal envejece mal, pierde novedad, frescura e intriga, haciendo que esta secuela resulte innecesaria. 

Estéticamente, la película se desarrolla en forma acorde con sus predecesoras, pero sin brillar. Observamos una filmación apagada, sin vibraciones altas, como si sus personajes estuvieran siempre en un loop, en cámara lenta, tratando de alzar el vuelo. 

Confusa en su argumento -recordemos que en Matrix Revoluciones se produjo la Guerra contra las Máquinas en la que mueren sus protagonistas-, el guion trae de regreso a la vida a Neo y Trinity con una vuelta de tuerca hábil pero que no reviste mayor gracia. Además, con un ritmo cansino, en su tejido dramático se nota demasiado la intención de alargar el relato con diálogos insulsos, desprovistos de emoción, basando su sustrato solo en sus prolijas escenas de acción. 

Un punto a destacar, tal vez el único en mi perspectiva, es la música de Johnny Klimek y Tom Tykwer. Es casi un concierto, bien compuesto y ejecutado, un detalle que le entrega al menos una base a una película donde solo funcionan bien las conexiones con la "Matrix" original. Tanto es así, que esta cuarta entrega corre el riesgo de ser solo para seguidores y para quienes conocen la trama, sin embargo, y aún así, la apuesta se queda en el camino.  

¿Vale la pena revivir “The Matrix”? ¿Es un aporte? A mi modo de ver, no es para nada claro. Esta película me decepciona y acrecienta la percepción de que hemos recorrido una historia de ha ido de más a menos, desde un original virtuoso hasta esta última parte que se va apagando lenta e inexorablemente.  

En síntesis, “The Matrix Resurrections” resulta fallida y se queda corta en un vano intento por revisitar un mundo vital que ya no tiene ni los efectos ni la ilusión que marcaron su fama. 

Ficha técnica

Título original: The Matrix Resurrections 
Año: 2021 
Duración: 148 minutos 
País: Estados Unidos 
Productora: Warner Bros., Village Roadshow, NPV Entertainment, Silver Pictures. Distribuidora: Warner Bros., HBO Max 
Género: Ciencia ficción. Acción. Drama | Cyberpunk. Mundo virtual. Secuela 
Guion: Aleksandar Hemon, David Mitchell, Lana Wachowski. Personajes: Lana Wachowski, Lilly Wachowski 
Música: Johnny Klimek, Tom Tykwer 
Fotografía: John Toll, Daniele Massaccesi 
Reparto: Keanu Reeves, Carrie-Anne Moss, Neil Patrick Harris, Jada Pinkett Smith, Yahya Abdul-Mateen II, Jessica Henwick, Priyanka Chopra, Ellen Hollman, Jonathan Groff, Brian J. Smith, Max Riemelt, Lambert Wilson, Andrew Caldwell 
Dirección: Lana Wachowski

Misterio

Disponible en Netflix.

Esta película tierna, grácil y tranquila, es un oasis reconfortante en medio del extendido barullo de fin de año, momento en el que escribo estas líneas. La cinta narra la historia de Stéphane -Vincent Elbaz-, y su hija Victoria -Shanna Keil-, quienes se mudan a una región montañosa de Francia para hacer un duelo familiar. Desde que murió su madre, Victoria no habla ni se relaciona con nadie. Su vida parece haber perdido todo sentido, y su padre intenta, por todos los medios, recomponer su relación y que ambos puedan volver a mirar el mundo de frente. 

El entorno tiene bosques y parajes preciosos, y justamente en medio de una excursión, padre e hija de pronto se extravían. Al recibir ayuda y orientación de un lugareño, Victoria se encariña con un pequeño cachorro llamado “Mystère" y el gentil hombre se lo regala. La niña lo lleva a hurtadillas a su casa, pero muy pronto queda al descubierto. Además, el pequeño cachorrito no es un perro sino un lobo, lo que naturalmente cambia completamente las cosas. Victoria es otra niña desde que está con “Mystère", pero es cosa de tiempo que se deban separar, no solo por el peligro que puede representar sino también por las costumbres y presión social del entorno en el que se encuentran. 

Esta historia simple, inspirada en hechos reales, demuestra cómo el cariño, la unión, y los lazos afectivos funcionan como terapia e influyen en procesos de curación del alma. El nexo que se forma, la calma que se produce, lleva progresivamente a la aceptación de la realidad, algo que se transforma, con el paso del tiempo, en una motivación para seguir adelante. 

Bella fotografía tiene esta cinta dirigida por Denis Imbert, quien realiza una filmación contemplativa que no tiene mayores sobresaltos ni conflictos, solo los necesarios para apuntalar un relato que tiene su foco en la emoción. Las acciones que vemos son comunes y no hay mayor profundidad en los personajes -tal vez no lo requiere-, en una realización que destaca, por sobre todas las cosas, unas tomas muy naturales del comportamiento de su principal protagonista, “Mystère”. 

Esta película constituye una grata sorpresa porque releva lo sencillo y lo simple de la vida, realzando su mensaje principal que es el vínculo de amistad entrañable que nace entre Victoria y “Mystère". 

Ficha técnica  

Título original: Mystère
Año: 2021 
Duración: 84 minutos 
País: Francia 
Productora: Radar Films 
Género: Drama | Familia. Perros/Lobos 
Música: Armand Amar 
Fotografía: Fabrizio Fontemaggi 
Reparto: Vincent Elbaz, Shanna Keil, Marie Gillain, Tchéky Karyo, Eric Elmosnino 
Dirección: Denis Imbert

Nadie

Disponible en HBO Max.

La monótona y tediosa vida de Hutch Mansell -Bob Odenkirk-, no parece tener complicaciones. Siempre la misma rutina, cada día tiene su afán, sin embargo una noche todo cambia intempestivamente. Dos ladrones, un hombre y una mujer armados, se introducen en su casa, pero Hutch no hace nada. Incluso le pide a su hijo Blake que suelte a uno de los sujetos, lo que naturalmente provoca gran frustración en el adolescente. 

La decepción familiar por el incidente es notoria y el distanciamiento se hace cada vez mayor. Solo recibe muestras de cariño de su hija menor y justamente es algo que a ella le han robado los intrusos lo que le hace cambiar de actitud. Hutch tiene un pasado que ha querido dejar atrás, que está oculto por esta nueva vida en la que es un “don nadie”, pero que aún así está contenido, latente, y bregando por salir. ¿Qué hará Hutch? ¿Podrá seguir deteniendo su lado oscuro o finalmente se impondrá su esencia? 

Esta cinta dirigida por Ilya Naishuller posee una edición dinámica y unos cuadros iniciales muy rápidos que nos sitúan en contexto velozmente. La acción no se tarda, se desencadena muy pronto, porque ya a los 20 minutos estamos en plena marcha gracias a la pericia y buen ritmo del guion firmado por Derek Kolstad. 

Con una duración más que justa, la película presenta un personaje que tal vez ya hemos visto en trabajos de Liam Neeson y varios otros. El elegido para protagonizar este thriller es Bob Odenkirk, reconocido actor de “Breaking Bad” y “Better call Saul”, quien aporta su mirada cautivante para la construcción de un personaje que muta desde lo apacible a lo violento en pocos segundos y sin mediar mayor distancia. 

Si el protagonista es ágil y bien desarrollado, los secundarios no están a la altura. Salvo una apagada química de Odenkirk con Connie Nielsen, quien interpreta a la esposa, el personaje del villano de turno, el mafioso ruso Yulian Kuznetsov -Aleksei Serebryakov-, es una caricatura que no logra para nada convencer. Un villano de historieta sería más robusto, es decir, constituye el punto más flaco de esta ficción. 

La película funciona, reitero, por Odenkirk. Hay ironía en su actuar, un disfraz de su personalidad oculta, una vida que no puede dejar atrás, un pasado que lo demuele por dentro. Es, al fin y al cabo, una historia de apariencias, de transformaciones, donde está en juego pasado y futuro, la protección familiar, el fin último de la persona y, en particular, el reconocimiento de su verdadera esencia. 

“Nadie” tiene mucha violencia pero no se asusten, es de caricatura, o de video juego. No es aberrante ni menos intolerable, porque sabemos de antemano que es así, y que es un recurso que es parte del estilo de la película, algo que no quiere incomodar sino, muy por el contrario, divertir. 92 minutos que pasan rápido, un filme que se deja ver sin problema, entretiene, y capaz que nos ofrezca más de alguna secuela. 

Ficha técnica 

Título original: Nobody 
Año: 2021 
Duración: 92 minutos 
País: Estados Unidos 
Productora: Perfect World Pictures, Odenkirk Provissiero Entertainment, 87North, Eighty Two Films. Distribuidora: Universal Pictures 
Género: Acción. Thriller | Crimen. Mafia. Comedia negra 
Guion: Derek Kolstad 
Música: David Buckley 
Fotografía: Pawel Pogorzelski 
Reparto: Bob Odenkirk, Aleksey Serebryakov, Connie Nielsen, Christopher Lloyd, Michael Ironside, Colin Salmon, RZA, Billy MacLellan, Araya Mengesha, Gage Munroe, Paisley Cadorath, Aleksandr Pal, Humberly González, Edsson Morales, J.P. Manoux 
Dirección: Ilya Naishuller