Sonríe

Estamos ante una cinta que tiene muchos elementos que, probadamente, dan susto. Por ejemplo, una banda sonora que crece y decrece en tensiones, el sonido de teléfonos que interrumpen el silencio, o un timbre. También cortes de sonido abruptos, y para qué hablar de cuchillos, de la oscuridad, de la confusión o gritos que se suceden a lo largo de un peregrinar efectista que conocemos sobradamente. Mientras las tomas nos muestran cámaras que van y vienen, de lento a rápido y viceversa, imágenes aéreas y otras “patas para arriba”, la película juega con su principal arma que es lo repentino, aquello que sabemos que viene pero no sabemos cuándo viene. ¿Funcionan todos estos ingredientes? ¿Nos ponen los pelos de punta? La respuesta es sí.

La historia se centra en la doctora Rose Cotter -Sosie Bacon-, quien, luego de presenciar un serio incidente causado por una paciente del centro donde ejerce, comienza a sentir y vivir experiencias que le provocan pánico y terror. Hay mucho de inexplicable en los sucesos. Nadie la comprende. Ella los ve pero nadie más; algo no está bien, su centro se va perdiendo y la desesperación la carcome por fuera y por dentro. En la búsqueda de explicaciones emerge su pasado con una gran cantidad de situaciones no resueltas, en un camino que se torna horrible y peligroso.

Parker Finn escribe y dirige esta cinta que encuentra su mejor punto al elaborar espacios prolongados que logran construir y describir atmósferas. Hay vacíos, donde pareciera no pasar nada pero pasa todo. Allí conviven la realidad con la irrealidad y no sabemos si lo que nos resulta inverosímil, es o no verdadero. ¿Es un sueño? ¿Corresponde a una posesión? ¿Hay una presencia maldita que se traspasa de persona en persona? El guion parece enfocarse en ese lento proceso que implica perder la cordura. ¿Será esto el volverse loco? ¿Todos esos sucesos extraños, son fuerzas externas o más bien internas?

Existe una cadena de acciones y consecuencias. ¿Se debe romper? ¿Rose debe escapar y huir, o por el contrario, la opción es enfrentar esa soledad, esos miedos, ese pasado amenazante que no quiere retroceder? ¿Hacer frente a una historia que necesita explicaciones o al menos una comprensión que va más allá de las capas superficiales?

“Sonríe” se maneja bien durante sus casi dos horas de duración. Los recursos típicos están correctamente dosificados y funcionan correctamente. Nada es muy exagerado o se pasa de revoluciones. Hay marcos, sí, pero amplios, un movimiento que permite flexibilidad para aumentar los minutos de una historia que no afloja y que exige su desenlace.

Al contrario de otras películas de su género, “Smile” tiene buen remate. No es descabellado pero sí contiene giros, reales o no, que entregan más contenido, más argumento, y más sustento a una película que, si bien no reescribe lo que ya conocemos, combina bien los elementos -casi de manual-, dándole vida a un thriller que engancha y que consigue su objetivo.

Ficha técnica

Título original: Smile
Año: 2022
Duración: 115 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Temple Hill, Paramount Players. Distribuidora: Paramount Pictures
Género: Terror. Thriller | Thriller psicológico
Guion: Parker Finn
Música: Cristobal Tapia de Veer
Fotografía: Charlie Sarroff
Reparto: Sosie Bacon, Jessie T. Usher, Kyle Gallner, Caitlin Stasey, Kal Penn, Rob Morgan, Judy Reyes, Gillian Zinser, Kevin Keppy, Scot Teller, Nick Arapoglou, Sara Kapner, Setty Brosevelt
Dirección: Parker Finn 

1976

Carmen -Aline Küppenheim-, prepara sus vacaciones de invierno en la casa familiar de la playa. Corre el año 1976 y Chile se encuentra convulsionado a tres años del Golpe Militar que tiene en el poder al dictador Augusto Pinochet. Carmen, bastante abstraída de dicha realidad pues tiene un pasar acomodado, piensa en remodelar su casa y pintarla, recibir a su marido, a sus hijos y a sus nietos cuando puedan visitarla y atenderles de la mejor forma posible. Su tranquilidad se ve trastocada cuando el sacerdote del balneario, el padre Sánchez -Hugo Medina-, amigo íntimo de la familia, le pide atender y cuidar a un joven herido -Nicolás Sepúlveda-, que se encuentra escondido en la casa parroquial. Carmen acepta, sin embargo ese sí la conduce por caminos complejos y peligrosos que modifican completamente su vida.

Escrita y dirigida por Manuela Martelli, esta cinta describe un camino, el tránsito íntimo sobre la toma de conciencia de una mujer que vive, al menos hasta ese momento, ajena a un entorno que cada vez resulta más visible. En su hogar no se habla de política, se evade el tema para no discutir, para que no signifique un punto de desunión o conflicto. A raíz de aquello, se cancela cualquier realidad diferente; pero existen las caras opuestas, coexisten las visiones antagónicas que Carmen va descubriendo con algunos signos que se abren paso vertiginosamente.

Los desenfoques de cámara se pueden interpretar como la manera de plasmar esa nebulosa que tiene ella respecto al mundo real. Como efecto -y también como una precisa decisión de la directora-, resulta muy apropiado, al igual que la presencia de una banda sonora moderna, inquietante, que transmite marcada tensión, a pesar de exponer un volumen tal vez demasiado fuerte en algunas escenas.

Desde el punto de vista del guion, observamos una progresión ascendente del pulso narrativo. Así, sin más, el último tercio apura el conflicto y desata la incertidumbre. Emerge entonces un thriller que necesita resolución y que concluye acertadamente, con sagacidad y también con gran sentido de continuidad.

Observamos, a través de sus 95 minutos, interesantes ángulos y delicados movimientos de cámara. Un ejemplo es la muy buena escena donde el Cura se confiesa ante Carmen, lo que significa un punto clave y de inflexión en el tramado de la historia.

La actuación de Aline Küppenheim es sobresaliente. Siente y vive su personaje, está imbuida, inserta en una fusión tan ineludible como inseparable. Hugo Medina también logra convencer, se muestra honesto y creíble como un sacerdote carismático, jugado y conflictuado a la vez. La gran cantidad de personajes secundarios dificulta un poco el andamiaje, lo que sin embargo aquello no afecta el resultado de la configuración del relato. Si bien no todo el reparto logra el mismo nivel de proyección, cumple con el objetivo de dar cuenta de una realidad, de ese entrono que Carmen comienza poco a poco a descubrir.

Primerísimos planos muestran pequeños gestos de la protagonista, y son muy buenas esas capturas de mínimos detalles. Asimismo, la ambientación resulta muy real. Está muy bien hecha la recreación de la época, por ejemplo el calefont de la casa, o el valor de la micro, aspectos a veces ignorados o pasados por alto en producciones de nivel.

Manuela Martelli desarrolla un trabajo muy interesante, de construcción lenta y a la vez sólida (así como los arreglos de la casa), una realización que marca un debut más que interesante de esta excelente actriz chilena que ahora cambia de rol para estar detrás de la cámara y así poder entregarnos su visión de un momento de la historia de Chile que, aunque pasen los años, nos sigue estremeciendo y conmoviendo.

Ficha técnica

Título original: 1976
Año: 2022
Duración: 95 minutos
País: Chile
Productora: Cinestación, Magma Cine, Wood Producciones
Género: Drama | Años 70. Dictadura chilena
Guion: Manuela Martelli, Alejandra Moffat
Música: Mariá Portugal
Fotografía: Soledad Rodríguez
Reparto: Aline Küppenheim, Nicolás Sepúlveda, Hugo Medina, Alejandro Goic, Carmen Gloria Martínez, Antonia Zegers, Marcial Tagle

Dirección: Manuela Martelli 

Karnawal

Disponible en Cines.

Cabra -Martin Lopez Lacci-, es un adolescente que sueña con convertirse en bailarín de Malambo, el baile más reconocido de los gauchos. La intempestiva visita de su padre, “el Corto” -Alfredo Castro-, trastoca sus planes y siembra un manto de dudas. La perspectiva general de los hechos adquiere un cariz diferente y las prioridades cambian sustancialmente. ¿Podrá sobreponerse a un camino lleno de adversidades e incertidumbres?

Podemos desglosar esta película en tres partes. La primera, una especie de introducción, donde observamos los bailes y sueños de Cabra, quien vive con su madre y la pareja de ella en la frontera de Argentina y Bolivia, inmerso en una realidad de pobreza y vulnerabilidad que le obliga a poner a prueba lo que está dispuesto a sacrificar para conseguir su objetivo.

Una segunda podría verse como el desarrollo de la cinta. “El Corto” aparece de pronto, y con ello da paso a otra historia. Él es un prácticamente un desconocido. ¿Qué intenciones tiene? ¿Por qué regresa? ¿Viene por un reencuentro genuino, o hay algún interés detrás? De cualquier manera, su entrada en escena naturalmente tuerce el camino que recorren Cabra y su madre.

Una tercera sección vendría ser la conclusión del relato, el momento en que surge la intriga, el suspenso, y que conduce al remate de una historia de algo más de una hora y media de duración.

Varias preguntas surgen luego de ver la cinta: ¿Cuán protagónico es el baile? ¿Es un medio de escape, una mera excusa, o es un fin en sí mismo? ¿Quién protagoniza realmente esta película, Cabra o El Corto? ¿De quién es la historia que se cuenta, o son historias paralelas, con igual profundidad y peso dramático?

Muy bien Martin Lopez Lacci en sus bailes y coreografías. Eso sí, se le ve menos activo en aquello que resulta ajeno a ese foco. Por su parte, Alfredo Castro se roba la cámara cuando aparece en pantalla. Hay luces en sus ojos; entrega una actuación dinámica y efervescente. La fotografía de Ramiro Civita es bella, expone un auténtico colorido, una composición estética que da solidez a una película bien construida y bien filmada.

“Karnawal” tiene algo difícil de describir. Va de menos a más, pero deja varias preguntas sin respuestas exponiendo, incluso, algunas situaciones que resultan inverosímiles. ¿Es un relato familiar, o más bien social, de sueños y frustraciones? ¿Resiste varias hipótesis? ¿Da para interpretaciones más profundas que solo dar cuenta de una realidad?

Todas estas interrogantes perduran durante el metraje buscando tal vez resolver la gran incógnita: ¿cuál es el mensaje que nos quiere entregar “Karnawal”? ¿O corresponde más bien a una experiencia, un acompañamiento, un viaje al interior de un mundo altiplánico que requiere ser visibilizado y escuchado?

Ficha técnica

Título original: Karnawal
Año: 2020
Duración: 97 minutos
País: Argentina
Productora: Coproducción Argentina-Brasil-Chile-México-Bolivia-Noruega; Bikini Films, 3 Moinhos Produções Artísticas, Picardia Films, Phototaxia Pictures, Londra Films P&D
Género: Drama | Familia. Adolescencia
Guion: Juan Pablo Félix
Música: Leonardo Martinelli
Fotografía: Ramiro Civita
Reparto: Alfredo Castro, Martin Lopez Lacci, Mónica Lairana, Diego Cremonesi, Adrián Fondari, Sergio Prina
Dirección: Juan Pablo Félix  

El niño del Plomo

Esta cinta dirigida por Daniel Dávila tiene como telón de fondo un descubrimiento que hicieron dos pirquineros en el cerro El Plomo, a 5400 metros de altura, en Febrero de 1954: en la cumbre encontraron el cuerpo de un niño Inca congelado por más de 500 años. Como decidieron trasladarlo a Santiago, retiraron así esta ofrenda entregada en su momento a la montaña.

En el Santiago actual, Mateo y su niñera Scarlett emprenden el ascenso a El Plomo sin una motivación clara. Mateo parece recibir un llamado enigmático, una voz proveniente del cerro, que le reclama acerca de lo sucedido y que necesita, o más bien le exige, visitar el lugar de los hechos.

Luego de un inicio con imágenes rápidas producidas con una compleja edición, sentimos agobio. La música colabora a dicha sensación por sus secuencias de medios tonos, unos clústers tonales que, junto con la superposición de imágenes, aumentan progresivamente la tensión. Luego viene la calma, el sonido del viento y el silencio; por fin la anhelada paz.

Entonces, la bella fotografía surge en esplendor: una imagen preciosa acompañada de un imponente silencio. Es la blanca montaña, es la naturaleza, es todo un renacer. Algunos carteles con texto manuscrito nos dan algunas explicaciones. Observamos un diario, un relato, una historia.

“El Niño del Plomo” es una película conceptual, abstracta, con analogías y alegorías de una ruta, de un camino, de un tránsito tan confuso como difuso. Cuando hay diálogos, se pierde bastante de la magia que entregan las imágenes y los sonidos, se siente sobreactuada, no resulta natural si lo comparamos con la majestuosidad del retrato anterior.

El ascenso es difícil, dificultoso, hay cansancio, es un desafío mayor. Persisten, en varios pasajes, los sonidos tensos y los cortes abruptos que entregan el silencio como oposición.

El trabajo de Daniel Dávila es onírico. Su trabajo de las luces, los colores y los sonidos entregan una sensación mágica inmersiva, con conexiones de todo tipo mayormente entregadas a lo que el espectador pueda configurar y concebir.

Los cuatro elementos esenciales están presentes; tierra, aire, fuego y agua. La película pasa de estática a difusa, también se llena de fusiones (o confusiones) a lo largo y ancho de su metraje.

“El Niño del Plomo” es un cúmulo de experiencias sensoriales, un trabajo atemporal y también experimental cuyo objetivo se difumina aún más al llegar a su propia cumbre. Si se completa o no, si es inicio o fin, queda entregado a quienes acompañemos este recorrido; desde nuestra propia visión, y desde nuestra propia experiencia.

Ficha técnica

País: Chile
Año: 2021
Duración: 77 minutos
Casa productora: Kiné-Imágenes Producciones
Producción: Teresita Ugarte
Guion: Daniel Dávila, Elisa Eliash
Dirección de fotografía: Enrique Stindt
Montaje: Daniel Dávila
Dirección de arte: Víctor Nuñez
Sonido: Charly Rojas, Roberto Zuñiga
Elenco: Daniela del Pino, Mateo del Sante
Dirigida por: Daniel Dávila 

Amsterdam

Disponible en Cines.

Un médico, una enfermera y un abogado. Burt, Valerie, Harold. Tres amigos que comparten una historia.

En 1933, en Estados Unidos, las secuelas de la guerra aún persisten. Burt -Christian Bale-, atiende en su consultorio a los veteranos; Harold -John David Washington-, se ha convertido en abogado; y Valerie -Margot Robbie-, ha quedado atrás, en aquel recuerdo de Amsterdam donde, 15 años atrás, los tres se conocieron y trabaron amistad.

El reconocido Senador Meekins ha muerto. Harold, contratado por la hija del también ex general, le pide a Burt hacer la autopsia. Hay algo extraño en la causa del deceso; se sospecha que fue asesinado. Los dos amigos deciden investigar y encuentran un hilo que los lleva hasta Tom Voze -Rami Malek-, un rico empresario textil, que resulta ser nada menos que el hermano de Valerie. Reunidos nuevamente, los tres deberán desentrañar oscuros misterios a través de laberintos de poder y corrupción.

Escrita y dirigida por David O. Russell, esta singular comedia negra se inspira en hechos reales. Su fuente está en “The Business Plot”, una supuesta conspiración política conformada por empresarios adinerados que, en 1933, se habría propuesto derrocar al presidente Franklin D. Roosevelt para instalar, en su reemplazo, a un dictador. Enrevesada en su tratamiento, y con un complejo guion no lineal, la cinta avanza irregularmente hacia un declive intermedio del que ni su nutrido -y reconocido- elenco se logra sustraer.

No obstante el sinuoso ritmo de la película, los actores destacan por dos aspectos. Primero, por sus tres carismáticos y sólidos protagonistas: Christian Bale, Margot Robbie y John David Washington. Y segundo, por carencias notorias en los personajes secundarios, entre los que observamos a Rami Malek, Anya Taylor-Joy, Robert De Niro y Chris Rock -¡qué hace aquí!-, con caricaturas de personajes que no se logran configurar bien. Aunque la sola presencia de De Niro, cuando se toma la pantalla, sube los bonos al tercio final del metraje, aquello no resulta suficiente para ofrecer contrapeso al trío protagónico.

“Amsterdam”, a pesar de generar un piso de misterio y una cierta atención, no logra imponerse como una historia que sea fácilmente recordable. Es más, a medida que pasan los días, la temática se vuelve aún más nebulosa, lo que hace que olvidemos rápido incluso los detalles más interesantes de una cinta que tiene en la parafernalia su mayor mérito y valor.

Ficha técnica

Título original: Amsterdam
Año: 2022
Duración: 134 minutos
País: Estados Unidos
Productora: 20th Century Studios, Regency Television, Forest Hill Entertainment, Canterbury Classic. Distribuidora: Walt Disney Pictures
Género: Drama. Romance. Comedia. Intriga | Basado en hechos reales. Comedia negra. Años 30. Años 1910-1919. Amistad. Política
Guion: David O. Russell
Música: Daniel Pemberton
Fotografía: Emmanuel Lubezki
Reparto: Christian Bale, Margot Robbie, John David Washington, Alessandro Nivola, Anya Taylor-Joy, Andrea Riseborough, Chris Rock, Matthias Schoenaerts, Michael Shannon, Mike Myers, Robert De Niro, Taylor Swift, Rami Malek
Dirección: David O. Russell 

El Castigo

Disponible en Cines.

Un niño de siete años se ha extraviado. En la orilla de una carretera del sur de Chile lo buscan sus padres, Ana -Antonia Zegers-, y Mateo -Néstor Cantillana-. Se internan en el frondoso bosque. ¡Lucas!… ¡Lucas!… gritan a viva voz, pero los esfuerzos son infructuosos. Lucas no aparece. Cae la tarde, baja la temperatura, lo hermoso se torna amenazante. Es mejor llamar a Carabineros para que colaboren con la búsqueda. Crece la tensión, y de Lucas, nada. 

El director chileno Matias Bize ejecuta el espléndido texto escrito por Coral Cruz con precisión, agudeza y maestría. “El Castigo” es una cinta que imprime sentido de urgencia, preocupación, desesperación y angustia ante una situación límite que parece escaparse de las manos de esta madura pareja. 

Con aparente sencillez en su premisa, esta película tiene compartimentos que se van develando con el correr de los minutos. Varias crisis están presentes: familiar, matrimonial, de maternidad, de paternidad; también de las acciones y sus consecuencias. Está en juego el sentido de la vida, y abarca la intimidad más profunda de dos padres carcomidos por las circunstancias. 

El guion está muy bien compuesto. Con textos claros y concisos, Cruz hace un trabajo notable al determinar también los adecuados movimientos escénicos para dar cuenta de la evolución de los personajes, y así percibir esos cambios que se producen según pasa el tiempo, aquello que deja al descubierto las emociones que emergen de esos mínimos gestos y palabras que afectan significativamente, pues no tienen filtro y son directas; casi sin elaboración brotan del corazón. 

Las actuaciones de Antonia Zegers y Néstor Cantillana resultan de una gran solidez. No solo tienen enorme realismo sino que además se sienten espontáneas y honestas, dotadas de un peso expresivo que logra traspasar la pantalla y conmover. Catalina Saavedra, que interpreta a la Sargento, si bien logra un compromiso importante con los roles protagónicos, no consigue separarse de los personajes que ya le conocemos. Es cierto, hay matices y diferencias, pero en sí, es su misma personalidad la que observamos una y otra vez, lo que indudablemente da cuenta de una enorme fuerza interior que quizá necesita reinventarse. 

Bize aborda este proyecto con una filmación en tiempo real, sin cortes, un solo plano secuencia -técnicamente dificilísimo-, gracias al cual la película se siente aun más real. En ese sentido, la fotografía de Arnaldo Rodríguez es impecable: seguimiento permanente, tensión creciente, movimientos calculados; es como estar allí siguiendo a los protagonistas. A veces más cerca, a veces más lejos, la cámara representa nuestros ojos leyendo muy bien lo que tal vez haríamos en caso de estar físicamente en el lugar.

Las capas del relato van mostrando y componiendo al mismo tiempo la historia. Es una construcción de liberación lenta, vamos conociendo detalles con el paso de los minutos. El escenario mismo es simbólico. Estamos en un bosque que resulta tan precioso como preocupante. Observamos el cambio paulatino de la luz en un atardecer, el que a su vez se transforma en una metáfora. La oscuridad (en todo sentido) y el frío (esa necesidad de abrigo y cobertura física, pero también emocional), además podrían ser leídos como signos que están en lo más profundo de los sentimientos de ambos protagonistas. La música es el sonido del bosque, un silencio tenso, una ausencia-presencia de sonidos naturales que resulta ser todo un acierto, en forma y fondo. 

Interpelaciones, demandas, contradicciones, impulsos, debilidades, miedos y confesiones. Estamos ante un cúmulo de sensaciones afectivas que nos llegan de manera directa. En “El Castigo” las reflexiones quedan y las preguntas perduran. Es de esas películas que pasan a habitar en nosotros, para continuarlas, para sentirlas, para vivirlas. 

Felicitaciones a Matías Bize y a todo el equipo de producción por entregarnos una película vital, indispensable, e imperdible. 

Ficha técnica 

Título original: El castigo 
Año: 2022 
Duración: 85 minutos 
País: Chile 
Productora: Coproducción Chile-Argentina; Ceneca Producciones, Sudestada Cine S.R.L 
Género: Drama 
Guion: Coral Cruz 
Música: Diego Fontecilla 
Fotografía: Arnaldo Rodríguez 
Reparto: Antonia Zegers, Néstor Cantillana, Catalina Saavedra, Yair Juri, Santiago Urbina 
Dirección: Matías Bize

Vista por última vez

Luego de una breve secuencia inicial, en muy pocos minutos tenemos el escenario configurado. El matrimonio de Will Spann -Gerard Butler-, y su esposa Lisa -Jaimie Alexander-a, pasa por un mal momento. No sabemos si se van a separar, pero lo concreto es que ella le ha pedido un tiempo sin verse, el que pasará en casa de sus padres.

Se percibe la tensión en un viaje que Will nunca hubiera querido hacer. Es una despedida, transitoria o definitiva, una pesadilla que nubla su vista y trastorna su vida. Faltando muy poco para llegar a destino, es necesario echar bencina. Tal vez una pausa abra alguna esperanza, nunca se sabe en este tipo de situaciones. Mientras Lisa va al baño y compra una botella de agua, Will termina de llenar el estanque y espera que ella regrese, pero pasan los minutos y no vuelve. La busca en los baños, en la parte de atrás, le deja mensajes de voz, la llama a viva voz. Nada.

De la angustia, Will pasa a la desesperación. Llama al 911, parecen no tomarlo en cuenta; un caso cotidiano, ya aparecerá. La tensión crece, los minutos pasan y claramente algo malo ha sucedido. Llega el oficial de policía: las preguntas de rigor, posibles sospechosos, noticia en desarrollo…

La trama parece conocida, por eso lo señalado no constituye un adelanto, porque la hemos visto muchas veces, de diversas maneras, con colores y sabores diferentes, pero compartiendo una misma esencia. Una mujer desaparece de la nada, como si se la hubieran tragado, las pistas son mínimas, solo hay pequeños detalles y un camino pedregoso por delante.

Dirigida por Brian Goodman, “Last Seen Alive” logra imprimir tensión durante sus 95 minutos a pesar de múltiples acciones que resultan bastante inverosímiles. Claro, Gerard Butler interpreta bien al hombre desesperado que busca a su mujer perdida, es todo un héroe en progreso dadas las circunstancias que le toca enfrentar.

No obstante la nerviosa espera de la resolución final, sabemos que hay un punto en el que nos cruzaremos con el comienzo de la cinta. Pero antes, a los dos tercios, el relato se tuerce hacia un ramal extraño donde aumentan las coincidencias.

Butler en lo suyo y Jaimie Alexander un poco apagada, conociendo otros roles interpretados, dan forma a un thriller que resulta entretenido pero que se olvida rápido. Una hora y media de tensión, duración apropiada para poner la mente en otros asuntos, liberar adrenalina y botar una que otra carga acumulada. Si no la ven en Cines, perfectamente se puede esperar el streaming, no es ningún pecado.

Ficha técnica

Título original: Last Seen Alive
Año: 2022
Duración: 95 minutos
País: Estados Unidos
Productora: G-BASE, Marc Frydman Productions. Distribuidora: Voltage Pictures
Género: Thriller. Intriga | Secuestros / Desapariciones
Guion: Marc Frydman
Música: Sam Ewing
Fotografía: Peter Holland
Reparto: Gerard Butler, Jaimie Alexander, Dani Deetté, Robert Walker Branchaud, David Kallaway, Matthew R. Staley, Emily Brinks, Jordan Salloum, Chip Lane, Aleks Alifirenko Jr., Alphonso A'Qen-Aten Jackson, Billy Burns
Dirección: Brian Goodman

Rubia

Disponible en Netflix.

“Rubia”, escrita y dirigida por Andrew Dominik, obtiene su base del bestseller del mismo nombre de Joyce Carol Oates. Es una película que reinventa la vida y carrera de la icónica Marilyn Monroe, tal vez el símbolo sexual más famoso del mundo. La cinta abarca a la modelo, actriz y cantante norteamericana durante la década de 1950 y los primeros años de los sesenta, mostrando sus fracasos matrimoniales, su frustrada maternidad, y los sinsabores de una vida de aclamación pública y oscuridad personal.

Bajo mi punto de vista, estamos ante una película innecesaria, injustificada y excesiva. ¿Por qué? Porque resulta demasiado larga, explicita y ambigua, además de muchas secuencias que no tienen una justificada razón de ser.

Desde la perspectiva femenina, es posible observar a Marilyn Monroe como víctima al ser una mujer objeto, una mujer usada y abusada,. Se evidencia todo lo mal que lo pasa en una vida sin escapatoria, sometida a presiones de todo tipo, violentada, traumada y vulnerada hasta lo más profundo de su intimidad.

Desde el punto de vista cinematográfico, la película resulta al menos confusa. Con juegos difusos entre blanco y negro y color, más otras capas nubosas en la fotografía qué tal vez intentan imprimir cierta vaguedad, la narración no es agradable de seguir, al menos para mí. No solo no fluye, se siente interrumpida, seccionada y compartimentada. Recién cuando entra en escena Adrien Brody, interpretando a Arthur Miller -aunque no se le nombra explícitamente, tal como a muchos de los otros personajes-, la cinta adquiere otro cariz, incluso un peso distinto. El licuado guion de Dominik no genera demasiado interés, se nota aguado, diluido, un trago sin sabor que lo único que deseamos es que se acabe pronto.

Lo mejor de “Rubia” es Ana de Armas. La actriz cubana-española vive, siente y expresa en su rol un mundo de sensaciones y emociones que retratan con bastante fidelidad a Marilyn Monroe. La producción, que también es resulta ser un esfuerzo importante, pone énfasis en los vestidos, los peinados y las locaciones, dando cuerpo a un desafío que, al fin de cuentas, parece no llegar a buen puerto.

Es necesario preguntarse, entonces, ¿y todo esto para qué? ¿Qué se desea conseguir? ¿Qué quiere entregar esta película?

Tal vez un ensayo de respuesta se podría resumir en una sola frase: estamos ante una realización pretensiosa que no logra conseguir el tono adecuado, ni en su ejecución, ni en el mensaje que nos desea transmitir.

Ficha técnica

Título original: Blonde
Año: 2022
Duración: 166 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Plan B Entertainment. Distribuidora: Netflix
Género: Drama | Drama psicológico. Biográfico. Años 50. Años 60. Cine dentro del cine
Guion: Andrew Dominik. Novela: Joyce Carol Oates
Música: Nick Cave, Warren Ellis
Fotografía: Chayse Irvin
Reparto: Ana de Armas, Bobby Cannavale, Adrien Brody, Julianne Nicholson, Evan Williams, Xavier Samuel, Caspar Phillipson, Toby Huss, Sara Paxton, Chris Lemmon, Dan Butler, Garret Dillahunt, Lucy DeVito
Dirección: Andrew Dominik 

La Mujer Rey

“La Mujer Rey”, dirigida por Gina Prince-Bythewood, posee coreografías espléndidas, una agradable banda sonora y una bella fotografía. Nos muestra batallas cruentas, repletas de realismo bélico, en una producción que no deja nada al azar.

1823. En África occidental, en el reino de Dahomey, la general Nanisca -Viola Davis-, líder del batallón de guerreras denominadas “Agojie”, consigue liberar a mujeres que fueron secuestradas por esclavistas del Imperio Oyo. Esta chispa enciende una guerra total entre los ejércitos, por lo que las “Agojie” necesitan urgentemente entrenar nuevas generaciones para proteger su reino. Una de estas nóveles aprendices es Nawi -Thuso Mbedu-, una joven que es entregada al rey pues se ha negado al matrimonio concertado por sus padres. Nawi sabe que es adoptada -tiene una marca en su hombro izquierdo-, posee un temple fuerte y una convicción precisa: su deseo de llegar a ser una “Agojie” es el desafío de su vida.

Los enfrentamientos se suceden, unos tras otros, en una película que destaca, entre otras cosas, por sus sólidas actuaciones. Viola Davis es el corazón de la cinta, sin embargo los papeles secundarios también resultan convincentes. Lashana Lynch como Izogie, o Sheila Atim como Amenza, convencen con sus representaciones, al punto de dejar a John Boyega -que interpreta al rey Ghezo-, algo desconectado. La construcción que hace Davis para su personaje es relevante. Expone a una mujer firme, estoica, una líder fuerte y decidida, vital y enérgica, cuyo lema es jamás rendirse en la lucha por la libertad de su pueblo. Configura, junto a Mbedu, una química sencilla, honesta y real, y si bien tiene algunos visos de vulnerabilidad -más emocionales que físicas-, aquello no es obstáculo para llevar adelante su misión.

Esta historia inspirada en hechos reales está bien narrada. Aunque se expone desde un punto de vista lineal y tal vez clásico (maestro-aprendiz), funciona bien porque se sumerge en un mundo de descubrimientos, relaciones y sentimientos. No obstante el relato impacta por su crudeza, bajo esas capas de cemento resistente encontramos un fondo sensible que se explota en su justa medida gracias a las escenas intermedias que entregan respiro a las épicas batallas.

“The Woman King” toma vuelo en la medida que el metraje avanza. Despierta genuino interés e impulsa a conocer un poco más sobre la historia de este reino africano que existió desde cerca del año 1600 hasta 1904. Interesante y entretenida, es una película para ir a ver en pantalla grande, donde su realización y textura adquieren un merecido protagonismo.

Ficha técnica

Título original: The Woman King
Año: 2022
Duración: 135 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Jack Blue Productions, JuVee Productions, TriStar Productions, Welle Entertainment, Entertainment One. Distribuidora: TriStar Pictures
Género: Acción. Drama | Histórico. Siglo XVIII. Siglo XIX
Guion: Dana Stevens. Historia: Maria Bello, Dana Stevens
Música: Terence Blanchard, Lebo M.
Fotografía: Polly Morgan
Reparto: Viola Davis, John Boyega, Lashana Lynch, Hero Fiennes-Tiffin, Thuso Mbedu, Jayme Lawson, Adrienne Warren, Sheila Atim, Masali Baduza, Jordan Bolger, Angélique Kidjo, Thando Dlomo, Jimmy Odukoya, Shaina West, Chioma Antoinette Umeala
Dirección: Gina Prince-Bythewood 

La Huérfana: el origen

Se dice que segundas partes no son buenas. En rigor, esta cinta no es una continuación, sino que remite a los hechos anteriores a la historia que conocimos el año 2009 sobre una niña huérfana, sin embargo, y una vez hecha la precisión, ¿aplica ahora el conocido dicho?

Luego de un indefinido y violento comienzo filmado con textura nebulosa, en 25 minutos tenemos configurados los principales escenarios. Volvemos al año 2007, en Estonia, Leena Klammer -Isabelle Fuhrman-, una paciente psicópata con enanismo, prepara su fuga del psiquiátrico donde es atendida. Con una sucesión de engaños, logra hacerse pasar por Esther Albright, una niña norteamericana desaparecida en 2003, y consigue viajar a Estados Unidos simulando regresar a su hogar.

Desde las primeras secuencias y progresiones, destaca la forma cómo Fuhrman logra verse frágil y siniestra al mismo tiempo. Muy bien su protagónico, el que ya admiramos en la primera entrega; gran talento para encarnar a una niña inocente y, a la vez, a una mujer trastornada que vemos encerrada en un cuerpo infantil.

Las dudas sobre su identidad emergen en su familia lentamente pero con consistencia. Podría ser o no ser, podría estar actuando… sin embargo todo se despeja bastante rápido. Los padres salen a una fiesta y Esther se queda en un “carrete” con su hermano Gunnar. Un policía, a cargo en su momento de la desaparición de la pequeña, siembra la incógnita; sobreviene el suspenso y los más usuales elementos del género son puestos en práctica en una de las mejores escenas de la película en la que también destaca, por cierto, una buena banda sonora.

Entonces, ¿qué sucede? Sobreviene un giro del que no podemos adelantar nada.

En términos de actuación, observamos un enfrentamiento de mujeres fuertes, Isabelle Fuhrman versus Julia Stiles -quien interpreta a su madre, Tricia Albright-, lo que también se visualiza en el relato debido a los secretos y engaños, aquellos cruces relacionales que existen en una familia que alberga una caja de Pandora en su interior.

¿Hacia dónde va y cómo se resuelve una cinta de esta naturaleza? En algún momento, Esther tiende a perder el control, y por eso podría ser tan significativa la escena donde suena de fondo “Maniac”, famosa canción ochentera que resulta ser todo un acierto en fondo y forma.

Pero volviendo historia y a la pregunta inicial, “Orphan: First Kill” funciona a medias y se sitúa un poquito por sobre el promedio de un género que necesita reinventarse. Tiene una ventaja y desventaja a la vez, porque sabemos lo que sucede con Esther Albright más adelante, algo que naturalmente es una merma que, sin embargo, no anula el suspenso que sí logra imprimir. Lo mejor de todo es que es corta, algo que se agradece, y deja abierta la puerta a nuevas entregas que necesitarán bastantes dosis de novedad para no matar a la gallinita de los huevos de oro. Veremos si se lo toman en serio y avanzan en esa dirección; solo el tiempo lo dirá.

Ficha técnica

Título original: Orphan: First Kill
Año: 2022
Duración: 99 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Dark Castle Entertainment, Entertainment One, Eagle Vision
Género: Thriller. Intriga. Terror | Crimen. Precuela
Guion: David Coggeshall. Historia original: David Johnson, Alex Mace. Personajes: Alex Mace
Música: Brett Detar
Fotografía: Karim Hussain
Reparto: Isabelle Fuhrman, Julia Stiles, Rossif Sutherland, Hiro Kanagawa, Stephanie Sy, Jade Michael, Andrea del Campo, Lauren Cochrane, Erik Athavale, Matthew Finlan, Morgan Easton-Fitzgerald, Sarah Luby, Kennedy Irwin
Dirección: William Brent Bell 

El Chef

Debo decir que me encantan las escenas que consisten en una sola toma, lo que se denomina “plano-secuencia”. Y es que hay que tener oficio y aceptar una buena cuota de riesgo para hacerlo, pues implica un desafío técnico mayor, tanto para los actores como para la producción de escenarios y la dirección de escena, incluyendo fotografía y un sinnúmero de otros detalles asociados. Dicho lo anterior, esta película no contiene escenas de una sola toma sino que sus 92 minutos son un extenso plano-secuencia, lo que en sí mismo ya es un tremendo mérito. Y por si fuera poco, la película va aún más allá.

Andy Jones -Stephen Graham-, es el chef de “Jones & Sons”, un lujoso restaurante de Londres. La fama acarrea costos, algo que le pone en la mira de todo el mundo, provocando una gran concurrencia de público y también odiosas inspecciones sanitarias. En una noche que se vislumbra complicada, la degradación de cinco a tres estrellas parece ser solo el comienzo de una caída exponencial; un turno con exceso de reservas, varias celebraciones -propuesta de matrimonio incluida-, además de la presencia de influencers y afamados críticos gastronómicos, configuran un cóctel difícil de digerir, aún más complejo de gestionar y casi imposible de sobrellevar.

“Boiling Point”, su excelente título original, es un drama coral en todo el sentido de la palabra. Si bien su protagonista, Stephen Graham, captura gran parte de la atención, es imposible dejar de lado a todos quienes participan en una coreografía que resulta siempre interesante, sobre todo cuando los puntos de atención varían, los seguimientos se ubican en diferentes ángulos y vertientes, y los personajes son retratados en forma tan honesta que con muy pocos elementos somos capaces de comprender bastante de su personalidad e historia personal.

Es difícil dar más antecedentes para un relato que prácticamente representa una obra de teatro filmada, y que, no obstante aquello, usa perfectamente todos los elementos cinematográficos para servir a un guion claro y preciso. El metraje resulta tan natural que el hecho de ser una sola toma otorga una densidad y tensión difícil de describir. El hilo conductor está siempre a la vista, los problemas laborales y personales se entremezclan y confunden en un verdadero huracán que amenaza con destrozar todo a su paso; impredecible, imparable, incontestable.

Escrita y dirigida por Philip Barantini, “El Chef” no permite pausa, y tampoco suelta nuestra atención. En su variopinto mundo de personajes las vidas se traslucen, se ven vulnerables, sensibles y provocan empatía. Desde la persona más humilde que se encuentra al servicio hasta el cliente más arrogante, muchos niveles están representados en un abanico amplio que resulta acuciante. Muy recomendable, una grata sorpresa, una pequeña joya de nuestra cartelera actual.

Ficha técnica

Título original: Boiling Point
Año: 2021
Duración: 92 minutos
País: Reino Unido
Productora: Ascendant Films, Burton Fox Films, White Hot Productions, Three Little Birds Pictures, Alpine Films, Bromantics, Insight Media Fund, Matriarch Productions, Urban Way Productions. Distribuidora: Cinobo, Filmware International, Saban Films
Género: Drama. Thriller | Cocina
Guion: Philip Barantini, James Cummings
Música: Aaron May, David Ridley
Fotografía: Matthew Lewis
Reparto: Stephen Graham, Jason Flemyng, Ray Panthaki, Hannah Walters, Izuka Hoyle, Vinette Robinson, Áine Rose Daly, Lourdes Faberes, Malachi Kirby, Gary Lamont, Stephen McMillan, Thomas Coombes, Alice May Feetham
Dirección: Philip Barantini 

Súper... ¿quién?

Qué triste vida la de Cedric -Philippe Lacheau-; su novia lo ha dejado, no encuentra trabajo como actor y sus problemas personales aumentan con el paso de los días. Sin embargo, una luz de esperanza emerge cuando, luego de un especial proceso de casting, consigue el papel principal para protagonizar una película de súper héroes llamada “Badman”, y caracterizar a un justiciero sin poderes particulares que no solo debe luchar contra los villanos sino también contra el escuálido presupuesto de una producción bastante mediocre. 

Si bien el rodaje avanza según lo previsto, un día Cedric abandona urgentemente el set de grabación y sufre un accidente automovilístico que lo deja con amnesia. No recuerda nada pero lleva puesto el traje y algunas pertenencias del super héroe, por lo que, uniendo los cabos sueltos, se convence que es quien cree ser y según eso define un nuevo horizonte: perseguir a los bandidos y acabar con el mal. 

El trailer es el mejor resumen de esta película pues contiene una síntesis de las escenas más graciosas de una filmación de una hora y veinte minutos que, a pesar de su extensión limitada, se hace tediosa por ser reiterativa al abundar en situaciones ridículas, infelices coincidencias, y gran cantidad de sinsentidos. 

Una consideración especial para el protagonista y director, Philippe Lacheau. No debe ser nada de fácil hacer de mal actor y elaborar con ello un personaje que resulte bien configurado. Observamos a una persona sin suerte alguna, un “fatalito” que se encuentra a la deriva y es realmente un desgraciado (es decir, sin ninguna gracia). En el fondo, este personaje es alguien que busca desesperadamente la aceptación, como actor, como hijo, como pareja, e incluso como amigo. Es por ello que el accidente le abre un camino, un nuevo despertar, una posibilidad de encontrar algún rumbo, especialmente por no recordar nada y también por no tener sobre los hombros la historia de su vida. 

La suma de gags a menudo no alcanzan para componer un relato consistente Y en este caso resulta aún más notorio que esta unión de piezas individuales, a las que se les fuerza un hilo común, no consigue el objetivo que se propone. “Super-héros malgré lui” configura, así, una sátira muy poco sutil, a ratos subida de tono, con pizcas de humor francés y buenas coreografías -tal vez lo más rescatable-, la que, sin grandes pretensiones y abusando de un relato desbocado, logra sacar una que otra sonrisa. 

Ficha técnica  

Título original: Super-héros malgré lui 
Año: 2021 
Duración: 82 minutos 
País: Francia 
Productora: Cinéfrance Studios, Baf Prod, Studiocanal, TF1 Films Production, Panache Productions, La Compagnie Cinématographique, Proximus, VOO, BeTV, Ciné+ 
Género: Comedia. Acción | Cine dentro del cine. Superhéroes. Parodia 
Guion: Julien Arruti, Pierre Dudan, Philippe Lacheau, Pierre Lacheau 
Música: Maxime Desprez, Michaël Tordjman 
Fotografía: Vincent Richard 
Reparto: Philippe Lacheau, Élodie Fontan, Jean-Hugues Anglade, Julien Arruti, Rayane Bensetti, Tarek Boudali, Georges Corraface, Michel Crémadès, Alice Dufour, Amin Harfouch, Philippe Katerine 
Dirección:Philippe Lacheau