Godzilla Minus One

Un inicio real, tenso, y con gran sonido, muestra al piloto kamikaze Kōichi Shikishima -Ryunosuke Kamiki-, aterrizando en la isla de Odo, fingiendo un desperfecto mecánico que es fácilmente descubierto por el mecánico principal Sōsaku Tachibana -Munetaka Aoki-. Pero claro, esto vendría a ser lo de menos, porque en la noche se desata una verdadera tragedia: un feroz ataque del un gigantesco monstruo, que destruye y mata a todos los humanos, salvo a los mencionados Shikishima y Tachibana, quienes se transforman en los únicos sobrevivientes de un cuadro verdaderamente dantesco.

La historia cambia rápidamente de escenario, pues Shikishima regresa a su casa y se entera de la muerte de sus padres en el bombardeo de Tokyo. Devastado, y sin saber qué hacer, acepta ayudar a una mujer desconocida, Noriko Ōishi -Minami Hamabe-, que por su parte ha rescatado a una recién nacida de una muerte segura. Ser sobreviviente puede ser el evento más afortunado, pero también el mayor martirio. Lo vemos en Shikishima, desolado, sin rumbo, perdido, aunque tocado por la luz de esperanza que significa dar sentido a su vida al ser solidario con Noriko y la bebé.

Esta familia improvisada -sin lazos comunes-, comienza a reconstruir su vida. Shikishima consigue un trabajo peligroso (ubicar y destruir minas marinas), porque necesita dinero para poder vivir. Es el sino del Japón post guerra, destruido al igual que nuestro protagonista.

Se preguntarán a esta altura, dónde está o dónde quedó Godzilla. Solo en el inicio, hasta ahora, mientras transcurre bastante metraje de la cinta, sin embargo, obviamente tenemos más presencia de la aterradora criatura cuando arremete contra Ginza, ciudad donde trabaja Noriko, y donde se desata la tragedia que cambia el curso de la historia y también las motivaciones de Shikishima para destruir al especímen que ha arruinado su vida.

Con guion, dirección y efectos especiales de Takashi Yamazaki, “Godzilla Minus One” resulta tremendamente interesante. Trata del monstruo, pero principalmente de la reconstrucción material y humana de un pueblo devastado por la destrucción. Encarnado en su protagonista, observamos las pesadillas provocadas por las acciones bélicas. Hay culpa, mucha culpa, pesadillas, horror. También observamos el honor y espíritu de superación necesarios para dejar atrás un evento de enormes proporciones. Este símil entre la guerra y los ataques de la criatura está muy bien desarrollado. ¿Es real este monstruo infernal, o son los miedos los que se transforman en esta imagen gigante? La profundidad de la reflexión es difícil de abarcar. La analogía es brillante.

Cuando un grupo de excombatientes decide hacer frente al problema elaborando un sofisticado plan para destruir a Godzilla, aparecen otros valores que surgen desde lo más íntimo del sentimiento social. Patriotismo, llamado a defender a otros, bien común, son elementos que juegan un papel trascendente en la transformación de varias cruzadas personales en un trabajo de equipo, un esfuerzo común, un llamado a la acción, y que se desarrolla gracias a un liderazgo de conjunto, otro aspecto singular que la película logra plasmar muy bien.

¿Hay búsqueda de venganza en la acción de Shikishima, o se trata de saldar una deuda personal? ¿El sacrificio cobra sentido entonces, aunque el efecto no deseado sea un mal que no se quiere provocar?

Las batallas que presenta el filme son de gran envergadura, y la final, resulta trascendente. Hay allí un momento perfecto, cuando la ausencia de sonido provoca, quizá, la mejor secuencia de la película, donde todo se detiene, y el heroísmo se ve en las caras y en gestos de asombro e incredulidad, con una cámara lenta que trasciende la pantalla y conmueve. Gran momento, uno de los mejores del año, sincero, prístino, y a la vez, íntimo.

“Gojira -1.0” es estupenda. No es una película de monstruos, es una película de humanos. Podríamos incluso decir que Godzilla es una excusa, o un reflejo, una representación. A ese punto escala Takashi Yamazaki con su trabajo, cuando combina elementos y narrar una historia esencial, austera y desprovista de innecesaria pirotécnica. Solo está lo justo, aquello que es fundamental y que se remite al espacio más profundo del desarrollo y transformación de una persona.

Ficha técnica

Título original: Gojira -1.0
Año: 2023
Duración: 125 minutos
País: Japón
Compañías: Robot Communications Inc., Toho. Distribuidora: Toho
Género: Fantástico. Acción | Monstruos
Guion: Takashi Yamazaki
Música: Naoki Sato
Fotografía: Kôzô Shibasaki
Reparto: Ryunosuke Kamiki, Minami Hamabe, Yûki Yamada, Munetaka Aoki, Hidetaka Yoshioka
Dirección: Takashi Yamazaki

Priscilla

Basada en las memorias “Elvis and Me”, de Priscilla Presley, publicadas en 1985, esta cinta relata el noviazgo y el accidentado matrimonio de Elvis y Priscilla, desde que se conocen en la destinación militar alemana, hasta que llegan a vivir juntos en la soñada casa de Graceland, en Memphis, Tennessee.

Sofia Coppola aborda esta película filmando un guion de su autoría. Suena de entrada la Sinfonía Nuevo Mundo, de Dvorak, y como alusión resulta muy válida, porque Priscila solo tiene 14 años cuando conoce al astro del Rock. ¿Cómo una chica tímida, vulnerable, pequeña, logra captar la atención de una celebridad? No queda demasiado claro, salvo una fascinación inmediata que a ella la deja sin palabras y a él encantado, un encuentro de dos almas difícil de describir y menos de descifrar.

Hay una escena mágica a poco andar. Acompañada por “Love me tender”, es uno de los puntos altos de un trabajo íntimo y reflexivo, sello característico de una directora que se ha consolidado bastante más allá de su emblemático apellido.

No obstante los abundantes recursos puestos al servicio de la escena, hay varios puntos que generan al menos un poco de ruido. Por ejemplo, me cuesta creerle a Jacob Elordi, y no sé bien si es a él o a Elvis. El punto es que ese amor declarado parece de todo menos real, y permítanme dudarlo conscientemente. Además, aparecen muy rápidamente los celos de Priscila, obvio, si Elvis es acompañado, adulado y tentado desde muchas y muy diversas partes. Ni siquiera el tiempo alejados logra impregnar sentimientos de verdadero amor en él. Y pregunto, ¿habrá sido así, tal cual, o es la visión pura y dura de Priscila? O solo es la versión que vemos representada en pantalla?

Quizá si el aspecto más importante del filme consiste en cómo se siente Priscila al lado de un monstruo del espectáculo. No tardamos en observar el uso y abuso que ejerce Elvis sobre ella, la trata como objeto, con exacerbado machismo; un ejercicio de poder absoluto sobre una persona que no puede defenderse ni menos escapar. La relación la cohibe y la coarta, es una lucha sin cuartel -y desigual-, contra la fama y los rumores infinitos de infidelidades y muchísimas otras cosas.

Queda claro que Priscila está presa entre el amor y las circunstancias. La violencia, otro aspecto que no tarda en aparecer, complica más el escenario. De hecho, recién luego de una hora de metraje, ella muestra parte de su personalidad, tal vez como mínima defensa, o un intento de, pero algo, al menos.

El final lo conocemos. El matrimonio anda a tumbos y sus vidas se van separando paulatinamente. Otra escena sobre la hija en común con “Love me tender” de fondo, constituye el principio del rompimiento, una fractura irrecuperable que significa para Priscila un escape y comenzar una nueva forma de vivir.

“Priscila” genera muchas más expectativas que las que finalmente cumple. No tengo muy claro el por qué, pero me atrevo a decir que es en parte su ritmo y en parte su tratamiento, ambos factores que, creo, le juegan en contra. La historia es cautivante, claro, sin embargo la latencia del relato no logra ese movimiento constante y necesario para conducirnos por caminos sinuosos y sumergirnos en una narración que nos atrape y de la que no queramos salir. Sí, la película es interesante, pero solo eso; muy poca tensión y casi nada de fascinación.

Ficha técnica

Título original: Priscilla
Año: 2023
Duración: 110 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: American Zoetrope, Stage 6 Films, The Apartment. Distribuidora: A24
Género: Drama | Biográfico. Música. Años 60. Años 70
Guion: Sofia Coppola. Memorias: Priscilla Presley
Fotografía: Philippe Le Sourd
Reparto: Cailee Spaeny, Jacob Elordi, Ari Cohen, Dagmara Dominczyk
Dirección: Sofia Coppola 

Dejar el mundo atrás

Sinopsis: Las vacaciones de una familia dan un giro escalofriante cuando dos desconocidos se presentan en plena noche buscando refugio frente a un ciberataque que se va volviendo más y más aterrador. En esta situación, todos deberán asumir su papel en un mundo que se desmorona.

Lentos y consistentes movimientos de cámara, el uso de gran angular y de drones, llama la atención pues son todos elementos que, junto a una música particular, logran generar una buena cuota de suspenso. Pero eso no es todo, cuando una falla sistémica deja sin luz e internet kilómetros a la redonda, el escenario se transforma en apocalíptico. ¿Se puede sobrevivir a tamaña tragedia?

Sam Esmail -creador de la exitosa “Mr. Robot”-, dirige esta cinta basada en la novela de Rumaan Alam, y cuenta con un elenco de lujo. Destacan en los papeles principales Julia Roberts, Mahershala Ali, Ethan Hawke, Myha'la y Kevin Bacon. Con la intriga como principal factor de suspenso, Esmail se atreve a proponer una exploración de abundantes temas -el cambio climático, la desigualdad social, la corrupción a todo nivel, el racismo y la fe, entre otros-, en una combinación virtuosa de acción, drama e ironía.

Durante muchos pasajes del metraje parece no pasar nada, sin embargo tenemos siempre la sensación que algo efectivamente pasará. Mantener este estado de tensión no resulta sencillo, menos aún cuando son pocos los actores en pantalla y la incertidumbre acapara la capa principal del relato. ¿Qué ha pasado? ¿Por qué el estado de cosas? Un barco que encalla en la playa sin control, accidentes aéreos, aparición de animales en entornos urbanos, la visita inesperada de los dueños de la casa de vacaciones, son parte de los eventos que presenciamos. ¿Tienen algo en común? No hay una sola interpretación, y ese es uno de los méritos de una película abierta y que intenta cuestionar bastante lo establecido y lo conocido.

“Leave the World Behind” apunta a conceptos interesantes con un desarrollo que se asimila al estilo de M. Night Shyamalan. La lentitud de pulso puede provocar más de un cuestionamiento, sin embargo es parte fundamental de un trabajo que se interna en los efectos que ejerce la presión en la naturaleza humana. Cómo reaccionamos ante situaciones extremas y cómo las diferencias pueden aumentar la tensión de estas situaciones está en el centro del guion, en una obra que plantea muchas más preguntas que respuestas y que puede dejar a más de alguien, literalmente, “fuera de juego”.

Ficha técnica

Título original: Leave the World Behind
Año: 2023
Duración: 138 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Esmail Corp, Netflix, Red Om Films, Higher Ground Productions. Distribuidora: Netflix
Género: Thriller. Intriga. Drama | Familia. Internet / Informática
Guion: Sam Esmail. Novela: Rumaan Alam
Fotografía: Tod Campbell
Reparto: Julia Roberts, Mahershala Ali, Ethan Hawke, Myha'la y Kevin Bacon
Dirección: Sam Esmail 

Juntos pero no tanto

Vaya personalidad la de Oren Little -Michael Douglas-. Paciencia, no tiene, empatía tampoco. No es querido, pero por favor, alguien así es difícil que sea aceptado por el resto del mundo. A él, esto poco le importa porque vive en su mundo, su propio mundo, desde que murió su mujer. La escasa relación que tiene Oren con otras personas se remite a sus últimos cartuchos como vendedor inmobiliario, y por supuesto, incomodar uno por uno a sus vecinos del edificio (del que, por de pronto, él también es el dueño).

Leah -Diane Keaton-, vive en el departamento de al lado y muy pocas palabras cruza con el ermitaño energúmeno. Ha perdido también a su esposo y, sin hijos, se dedica a rememorar su carrera de cantante con algunas actuaciones nocturnas en un lugar muy cálido e íntimo. La vida de estos dos “conocidos-desconocidos” está destinada a la intrascendencia, sin embargo la visita del hijo de Oren crea una historia diferente. Recién separado, le pide al abuelo que se haga cargo de su nieta de 10 años, Sarah -Sterling Jerins-, porque debe pasar unos meses en prisión. La negativa inicial de Oren se hace sentir de costa a costa, sin embargo la sencilla acogida que Leah le da a la pequeña, marca la diferencia: es el comienzo de una incierta aventura.

Con guion de Mark Andrus y dirigida por Rob Reiner, esta película es delgada y muy discreta, de una liviandad que la hace muy poco comprometida con cualquier temática que quiera ser sustentada al interior del relato. Y no es que la premisa sea insuficiente, al contrario, hay cosas importantes que se pueden explorar, pero quedan relegadas a un segundo plano por decisión editorial, es decir, por los caminos que se eligen al momento de componer la narración.

Si la forma de desarrollar el contenido nos aleja, la única razón que tenemos para darle una oportunidad es el peso de sus actores protagónicos. Y es verdad, tanto Michael Douglas como Diane Keaton sostienen la película al punto de sentir la responsabilidad que ello significa, especialmente Keaton, quien canta con mucha veracidad y profundidad en sus intervenciones musicales. La química que se da entre ambos consagrados es también automática, y aunque pueda ser predecible lo que vaya a pasar, disfrutamos de cada una de sus escenas, diálogos, miradas y complicidades.

“And So It Goes” dura apropiados 94 minutos. No es necesario más (podría haber sido menos aún, pero así está bien), para una película que solo quiere que nos distraigamos, y que, aunque tenga un fondo del que se podrían extraer piezas clave, opta por saltarlo olímpicamente en beneficio de una forma lúdica de la que solo nos quedará un recuerdo agradable, claro, si es que queda.

Ficha técnica

Título original: And So It Goes
Año: 2014
Duración: 94 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Castle Rock Entertainment, ASIG Productions, Envision Entertainment, Foresight Unlimited, Clarius Entertainment
Género: Comedia. Drama. Romance | Comedia romántica. Vejez / Madurez
Guion: Mark Andr 

Vivir

El segundo movimiento de la Serenata para cuerdas en Mi Mayor, del compositor checo Antonín Dvořák, abre esta película. Y es una apertura cautivadora y brillante que nos sumerge en el Londres de la post guerra, la década de 1950. Vemos de inmediato a Rodney Williams -Bill Nighy-, como el responsable de la oficina de Obras Públicas, parte importante de todo el andamiaje encargado de la reconstrucción posterior a la victoria aliada. Y como buena oficina de estado, la burocracia se come todo; rumas de papeles, derivaciones a otras plantas, oficios, postergaciones, olvido.

Es el nuevo empleado de la oficina, Peter Wakeling -Alex Sharp-, quien comienza a develarnos el día a día de Williams. También la señorita Margaret Harris -Aimee Lou Wood-, parte de este grupo mayoritariamente masculino, pero con deseos de buscar nuevos horizontes. El resto de los personajes son más bien acompañantes, sin roles centrales, sin embargo la trama se encargará de darle a cada uno un papel particular.

Williams, ya veterano en sus oficios, parece haber claudicado luego de la muerte de su esposa. La relación con su hijo no posee la virtud de la comunicación y eso lo deja aún más solitario. Cuando recibe un diagnóstico médico, la reflexión se torna evidente y el curso de las acciones cambia por completo. ¿Qué lo lleva a eso? ¿Alcanzará a girar en forma oportuna, para dejar un legado?

Dirigida por Oliver Hermanus, esta adaptación del guion de “Ikiru”, de Akira Kurosawa, es una película íntima y reflexiva, muy transversal para los tiempos actuales. La contraposición entre juventud y vejez, en un paralelo de inexperiencia y experiencia, resulta una metáfora sobre el inicio y término de la vida, algo tan natural pero que muchas veces perdemos completamente de vista.

La descripción del aparato estatal y su burocracia es bien impresionante. Como la película luce antigua (aunque es del 2022), parece que estamos inmersos en la época, y si tomamos en cuenta lo que pasa hoy en día, podemos darnos cuenta que seguimos entrampados en la permisología y disputa de competencias. Nada ha cambiado, al parecer, es lo mismo solo que con unos pocos adornos y caras nuevas.

Bill Nighy hace un papel notable -muy bien secundado por Aimee Lou Wood (“Sex Education”)-, en un rol que tiene como base la expresión de sentimientos, con gestos mínimos y contenidos. Aportan sustancia los ángulos que elige el director en cada toma, porque muchas escenas son pasivas, no tienen diálogos, y solo debemos contemplarlas para encontrar su profundidad. El cuestionamiento de vida, de su forma de vida, que hace el protagonista llega a ser, por momentos, angustiante. Parece que bajara los brazos, que se encontrara con el fin de la historia, sin embargo intenta superar cada fase con una prestancia que solo un inglés de tomo y lomo puede hacer.

“Living” se divide en tres partes muy claras: un primer tercio descriptivo, un segundo de desarrollo, y un tercero conclusivo que tiene mucho mérito, ya verán por qué. Cuando Williams decide cambiar, es capaz de reírse, y ese es un punto de inflexión que la película destaca muy bien. La joven compañía de Margaret es importante, y no en el sentido literal que podría pensarse, sino en algo mucho más profundo y conmovedor.

Una hora y cuarenta minutos de pausa y de reflexión, de mirada propia e íntima, una remembranza que atestigua a todas luces que “obras son amores y no buenas razones”.

Ficha técnica

Título original: Living
Año: 2022
Duración: 102 minutos
País: Reino Unido
Compañías: Coproducción Reino Unido-Suecia-Japón; Ingenious, Film4 Productions, Film I Väst, Filmgate Films, Kurosawa Production Co., Number 9 Films, County Hall, Lipsync Productions. Distribuidora: Lionsgate UK
Género: Drama | Remake. Enfermedad. Años 50
Guion: Kazuo Ishiguro, Akira Kurosawa
Música: Emilie Levienaise-Farrouch
Fotografía: Jamie Ramsay
Reparto: Bill Nighy, Aimee Lou Wood, Alex Sharp, Tom Burke, Adrian Rawlins, Hubert Burton, Oliver Chris, Michael Cochrane
Dirección: Oliver Hermanus 

Los Tres Mosqueteros: Milady

Este segundo capítulo de la más reciente adaptación de los “Tres Mosqueteros” llevada a la pantalla grande, desarrolla el secuestro de Constance Bonacieux. D’Artagnan debe correr para salvarla entre desquiciados complots políticos que le llevan, incluso, a formar una alianza con la osada y poco fiable Milady de Winter. Poco a poco, el misterio se irá develando, poniendo cada pieza en su lugar al descubrir de qué juega cada personaje y cuánto calza cada uno en este intrincado laberinto de poder, y pasión.

Lo primero que destaca en este trabajo del director Martin Bourboulon es la decoración y las coreografías. Asimismo, las tomas y planos dela filmación revelan un particular sentido estético que habíamos ya observado con particular interés en la primera entrega. Y claro, como ambas películas fueron filmadas en simultáneo, no hay detalles al azar. La continuidad y la edición son de los puntos más alto, entregan soporte sólido a un metraje que tiene como virtud el seguimiento de la acción con cámara en mano, con un grado de realismo gratificante y, por cierto, muy bienvenido.

La película va y viene entre huidas, persecuciones y rescates. El misterio está entregado a los personajes, en especial a quien está dedicada el título de esta secuela, Milady de Winter, personificada por una Eva Green que se luce como mujer indescifrable, una musa vulnerable y que, a la vez, ejerce el poder en las sombras. Por lo anterior, no es de extrañar que los líos entre la Iglesia, la Corona, los súbditos y los aprovechadores de siempre, se introduzcan en las insondables vicisitudes de las lealtades y los engaños, el honor y el deshonor, la defensa y la venganza, el odio y el amor.

Romántica en el sentido puro de la palabra, “Les Trois Mousquetaires: Milady”, resulta ser una obra apasionada aunque el guion, en especial el ritmo elegido, quede al debe en numerosas oportunidades por supeditarse demasiado a la acción y entregar menos carácter a sus segmentos íntimos y sus diálogos.

Gran producción. Con un excelente manejo de la luz y la oscuridad, que aprecian mucho mejor en pantalla grande, esta cinta también entrega algunas pequeñas joyas, unos mini plano-secuencia que resultan muy interesantes tanto por su dinámica de ejecución como por su cuidada puesta en escena.

En resumen, a historia conocida e intrigas varias, gocemos de esta realización. En la medida que nos sumerjamos en su ambiente, mejor lo pasaremos, y podremos exclamar juntos y con toda convicción: “todos para uno, uno para todos”.

Ficha técnica

Título original: Les Trois Mousquetaires: Milady
Año: 2023
Duración: 115 minutos
País: Francia
Compañías: Coproducción Francia-Alemania; Pathé, Chapter 2, Constantin Film, M6 Films, Radar Films
Género: Aventuras | Capa y espada. Secuela
Guion: Martin Bourboulon, Matthieu Delaporte, Alexandre de La Patellière. Novela: Alejandro Dumas
Música: Guillaume Roussel
Fotografía: Nicolas Bolduc
Reparto: François Civil, Vincent Cassel, Pio Marmaï, Romain Duris y Eva Green
Dirección: Martin Bourboulon 

Gol Gana

Sinopsis: Drama deportivo que cuenta la historia del entrenador holandés Thomas Rongen, artífice de realizar una tarea prácticamente imposible en el deporte: tomó las riendas del equipo de fútbol de la Samoa Americana y trató de hacer de un grupo de perdedores unos ganadores natos.

Poca convicción se aprecia en esta nueva película del director Taika Waititi. El formato de caricatura la hace débil y predecible; su tono y ritmo no hacen más que incrementar la sensación de que algo no funciona bien. ¿Qué pasa con este filme en su interior, en su forma, en su redacción?

La historia, basada en hechos reales, da para una narración que destaque un buen número de valores positivos. Hablamos de una pequeña isla, Samoa Americana, y su equipo de fútbol que debe competir en un deporte mundialmente conocido, y en el que definitivamente no tienen éxito alguno. Y no son palabras vanas: poseen el récord de perder un partido por 31 goles a cero, en un hito que tal vez no se vuelva a repetir ni de cerca. ¿Y dónde está lo positivo entonces? En corto, la decisión de revertir los malos resultados y de establecer un propósito a escala humana: anotar un gol; convertir un solo gol es la meta, lejana, pero posible, algo tangible.

Para conseguir la hazaña, la Federación de Fútbol contrata a Thomas Rongen -Michael Fassbender-, un ex futbolista devenido en técnico, con un historial irregular, y siempre envuelto en polémicas. No toma el equipo por gusto, menos por convicción. Es “obligado” a hacerlo al quedar sin trabajo y sin oportunidades. Lo que parece una caída al precipicio, se agudiza con un encargo tan complejo como imposible. Y acá, aunque sea predecible, radica una parte del encanto de la historia. Se trata de la transformación de la persona al ir conociendo un entorno que poco a poco lo cautiva, que luego lo desafía, y luego lo impulsa determinantemente a provocar un cambio en sus dirigidos.

Waititi hace pedazos cualquier sutileza al no reparar en detalles y exacerbar la burla en un cuanto hay de situaciones para buscar la sonrisa nerviosa y la risa fácil. No hablemos de las actuaciones, o de la escena o lafilmación. Buenas tomas o preciosas locaciones no son suficientes, es necesario algo más. Y ese algo más, el guion, la base, el fondo de todo, desaparece al ser tratado superficialmente. Entonces me pregunto, ¿cuál es el propósito que tiene el director al tratar algunos temas serios con un sarcasmo que es propio de otros formatos? Hay situaciones y hechos que no pueden ser tomados a la ligera, a la chacota. Ya lo vimos con “JoJo Rabbit” y su Hitler transformado en payaso, y en las dos “Thor” a su cargo que, aún siendo Marvel, están sobrecargadas. Algo no cuadra, y su obsesión por ser también parte de la pantalla, a mi modo de ver, le juega en contra. Muy en contra.

“Next Goal Wins” podría haber sido un éxito. La transformación humana, la acogida, el desafío de vencer al destino, el espíritu de equipo, la fuerza de una población alegre y esperanzada, la profunda humanidad de todos quienes son parte de un proyecto deportivo que solo necesita una pequeña victoria, un gol, queda en el camino por una forma que se farrea la oportunidad de mostrarlo lúdicamente pero con un mayor grado de respeto y profundidad.

Pulgar abajo al director, una vez más, y un gran bravo por la selección de Samoa Americana, por su gente, por sus tradiciones, y sobre todo por nunca perder lo importante, que claramente no es un partido de fútbol sino soñar con modificar el curso de la historia.

Ficha técnica

Título original: Next Goal Wins
Año: 2023
Duración: 103 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Searchlight Pictures, The Imaginarium. Distribuidora: Searchlight Pictures
Género: Drama | Basado en hechos reales. Deporte. Fútbol
Guion: Taika Waititi, Iain Morris
Música: Michael Giacchino
Fotografía: Lachlan Milne
Reparto: Michael Fassbender, Oscar Kightley , Kaimana, David Fane , Rachel House , Beulah Koale , Will Arnett y Elisabeth Moss
Dirección: Taika Waititi 

Wonka

Esta película del director Paul King tiene todo a su favor: un elenco de lujo, una historia famosa, y una expectativa enorme por saber todo lo que no conocemos y sucede antes de la exitosa “Charlie y la fábrica de chocolates”. La trama es muy simple y trata de la historia de Willy Wonka -Timothée Chalamet-, sus orígenes y el escabroso camino que debe transitar para convertirse en el mayor inventor de chocolates del mundo.

Formalmente lineal, la cinta recorre desde la llegada de Wonka a la gran ciudad, su extrema creatividad, y el contraste que representa una pobreza que le convierte en un ser tremendamente vulnerable. Cuando a duras penas consigue un modesto lugar para pasar la noche para poder conseguir monedas al día siguiente y costearlo, es sujeto de engaño. Las cosas no son las anunciadas y la letra chica del contrato le implica pagar una deuda por todo lo que ha realizado con una única vía de solución: trabajar obligado en una lavandería subterránea donde se encuentran otros ingenuos e incautos compañeros de ruta.

No obstante las paupérrimas condiciones nuevas, Wonka tiene un sueño: crear, surgir, emprender, volar. Su imaginación no tiene techo y sus fuerzas tampoco; contra viento y marea logra crear su primera fábrica de chocolates que luego es saboteada por sus tres principales rivales, los dueños del rubro y de todo el mercado. Lo que sucede a continuación son historias tras historias de éxitos y fracasos, golpes y aprendizajes, una fábula que, aunque predecible, resulta encantadora.

Sin abusar del formato musical, “Wonka” se mantiene a flote gracias a la simpatía de su protagonista y de quienes le acompañan en el camino. Timothée Chalamet lo hace muy bien, se ve que disfruta su personaje y además, aporta su carisma en la construcción del joven genio. El resto del elenco, bien repartido en muchos y diversos papeles, conforman un excelente soporte para la película. Entre ellos es imposible no mencionar a Hugh Grant y Olivia Colman, en dos roles tan diferentes y que logran separarse de cualquier atisbo de otra representación, poniendo realmente todos sus recursos a disposición del relato. Un caso curioso, o tal vez no tanto, es Rowan Atkinson, quien, por más que lo intenta, no logra desprenderse del icónico Mr. Bean.

“Wonka” no tarda en unir piezas y reforzar el tema de la familia, la amistad y la bondad. Claro, no es tan difícil cuando los malos no son tan malos, y los personajes intermedios se diluyen en una suerte de irrelevancia que no apuntala demasiado el guion, pero bueno, hay que hacerlo.

Cómo tributo a la madre de Willy, queda resonando la frase “no importa el chocolate sino la gente con la que lo compartes”. Lindo homenaje para quienes nos guían en la vida, tanto los padres, como hermanos y amigos. Los sueños se deben cultivar para que se transformen en realidad, pero ello implica trabajo, mucho trabajo. Y necesariamente debe ser en equipo, pues en solitario es posible que no necesariamente conduzca a un final feliz. Como ya conocemos lo que viene después de esta cinta, acá vemos la construcción de sus pilares, y sabemos que si son sólidos, lo demás vendrá por añadidura.

Ficha técnica

Título original: Wonka
Año: 2023
Duración: 112 minutos
País: Reino Unido
Compañías: Coproducción Reino Unido-Estados Unidos; Heyday Films, Warner Bros., Village Roadshow. Distribuidora: Warner Bros.
Género: Fantástico. Aventuras. Comedia | Cine familiar
Guion: Simon Farnaby, Paul King. Personaje: Roald Dahl
Música: Joby Talbot
Fotografía: Chung Chung-hoon
Reparto: Timothée Chalamet en el papel principal, junto con el recién llegado Calah Lane y un elenco que incluye a Keegan-Michael Key , Paterson Joseph , Matt Lucas , Mathew Baynton , Sally Hawkins , Rowan Atkinson , Jim Carter , Tom Davis , Olivia Colman y Hugh Grant
Dirección: Paul King 

Penal Cordillera

Sinopsis: Los cinco torturadores más crueles de la dictadura de Pinochet cumplen condenas de varios siglos en una lujosa cárcel a los pies de la cordillera. Es un recinto con piscina, jardines y aviarios, donde están siempre vigilados por guardias que más parecen sus empleados. Cuando un equipo de televisión entrevista a Contreras, uno de los internos, sus declaraciones tienen un impacto insospechado. Ante el temor de que los trasladen a una cárcel común, los militares harán todo lo posible por mantenerse en el lugar, desatando el delirio y la violencia en medio de las montañas.

Esta película se basa en el día a día de cinco ex uniformados que se encuentran recluidos en un centro penitenciario bastante particular, cumpliendo condenas por violaciones a los Derechos Humanos perpetradas en los años de la dictadura militar chilena. Sus conversaciones son especiales también, versan sobre premios y medallas en juegos y olimpiadas, y en prácticamente ningún momento cruzan algún tipo de referencia directa respecto a sus pasadas acciones. Entre ellos, naturalmente, porque cuando el general Contreras da una entrevista, el mundo que han construido al interior del Penal, se viene abajo estrepitosamente.

Esta película dirigida por Felipe Carmona tiene una forma de narrar que compartimenta el relato. Estamos ante una suma de escenas, de cuadros, y de momentos. No necesariamente hay uniones entre los elementos. Son como cápsulas, sostenidas en sí mismas, que dan cuenta de cada uno de los presos, y en las que apenas se vislumbra algo más que la mantención de un status quo más formal que trascendente.

El énfasis de la descripción que hace el guion del mismo director se encuentra en el poder que aun ejercen estos ofícialas de alto rango. Provocan miedo, dominan la escena y parecen ser jefes de los gendarmes. Por otro lado, es más que claro que todos están prisioneros al interior de esta cárcel al aire libre. La frustración es evidente. El encierro, sea por la razón que sea (lo vivimos en carne propia por la Pandemia del Covid19), es tremendo, y la restricción que implica, aunque tengan movilidad, es el sedante para cualquier sueño o propósito.

La entrevista de Contreras trae cola. La ONG que les defiende pierde contacto (o interés), las restricciones aumentan, los beneficios disminuyen, y el carácter de todos se ve amenazado por la incertidumbre de un posible traslado a otra dependencia. Todo tiene consecuencias, las más visibles son obvias, pero las invisibles son las más duras y complejas.

Llama la atención en este filme la ausencia de conflicto o de un nudo central a ser desatado. O, ¿todo es un conflicto? Porque todos son prisioneros de las circunstancias aunque estén en bandos distintos, en posiciones de poder diferentes, o en lugares opuestos? Como contrapunto, las actuaciones de Bastián Bodenhöfer, Mauricio Pesutic, Hugo Medina, Alejandro Trejo y Óscar Hernández resultan sólidas, aportando una gran cuota de verosimilitud, constituyendo el punto más alto de la cinta. ¿Pero basta con eso, con buenas actuaciones?

Me preguntaba mientras veía este trabajo, qué es lo que quiere decir, cuál es su mensaje, y no lo pude responder. Tiendo a pensar que el entramado no se decide, no encuentra el camino, dado que el metraje construye y construye sin necesariamente ir dando paso a cadencias o puntos resolutivos que marquen inflexiones. Por momentos parece querer desentrañar verdades, y por otros una simple caricatura. Daniel Alcaíno, como el Alcaide, tampoco aporta mucho pues no da el tono que requiere, a mi juicio, el jefe del lugar. Es inevitable asociarlo a un rol más de comedia que de drama, y eso es delicado, sobre todo tomando en cuenta la seriedad del tema que se trata acá.

“Penal Cordillera” es difícil de clasificar. Busca pero no encuentra, propone pero no dispone. Se siente trunca y su drama mayor (el infierno interno), no logra sostenerse ni sustentarse. Las actuaciones, reitero, valen, sin embargo la película deja muchas más preguntas que respuestas.

Ficha técnica

Título original: Penal Cordillera
Año: 2023
Duración: 104 minutos
País: Chile
Compañías: Coproducción Chile-Brasil; Cinestación, Multiverso Produções. Distribuidora: Storyboard Media
Género: Drama | Dictadura chilena
Guion: Felipe Carmona
Música: Mariá Portugal
Fotografía: Mauro Veloso
Reparto: Andrew Bargsted, Bastián Bodenhöfer, Mauricio Pesutic, Hugo Medina ,Alejandro Trejo, Óscar Hernández
Dirección: Felipe Carmona 

La Secta

Esta película trata sobre una mujer llamada Ning, cuya vida cambia radicalmente después de que dos mujeres se mudan a su casa como nuevas inquilinas. Cuando la vecina de Ning comienza a sospechar que los nuevos residentes podrían practicar magia negra y empiezan a suceder cosas extrañas en su propia casa, Ning se ve obligada a llegar al fondo del problema, un horror que nunca ha visto en su vida.

Presenciamos la historia de Ning -Nittha Jirayungyurn-, Kwin -Sukollawat Kanarot-, e Ing -Thanyaphat Mayuraleela-, una familia que ve trastocada su vida por la ocurrencia de numerosos eventos inesperados. Todo se inicia al tener que arrendar su casa. Pese a la reticencia inicial, es algo necesario, indispensable, pues los problemas económicos no hacen más que crecer y crecer. Luego, ciertas actitudes extrañas de Kwin -salidas de madrugada, un libro rojo-. Después, el reporte de una vecina que sospecha que las nuevas inquilinas tienen extraños comportamientos. Todo suma y parece que dos más dos efectivamente es cuatro. ¿Se trata de ritos y sacrificios? ¿Corren peligro Ning y también su hija Ing?

Desde Tailandia llega esta interesante película dirigida por Sopon Sukdapisit. Si bien no posee novedades sustanciales en relación a los elementos que usa para generar ambientes de suspenso y gotas de terror, lo que destaca en esta producción, de un poco más de dos horas, es su excelente factura, con tomas interesantes que son poco comunes para este tipo de género, y tampoco abusa de esos golpes de efecto tan tradicionales. La edición que observamos es muy cuidada, entrega un ritmo cadencioso que genera la atmósfera propicia para convencernos que algo va a suceder, aunque eso se demore, o no pase nada.

Otra característica que resulta relevante es la construcción de la cinta. Primero nos muestra la perspectiva de ella, de Ning, y nosotros sacamos conclusiones según eso. Pero después, de forma muy natural, podemos apreciar la de Kwin y las cosas naturalmente cambian. Si a lo anterior sumamos un epílogo que permite unir ambas visiones y concluir el trabajo, observamos tres partes, no simétricas, que van condensando los elementos y junto con ello, incrementando el nivel de incertidumbre y de tensión.

“Home for Rent” resulta ser una muy buena propuesta, diferente a lo conocido, que aprovecha apropiadamente su material para generar un suspenso consistente y un remate que, aunque sea poco verosímil, no se desinfla ni se va por las ramas como tantas otras producciones de un género que marca presencia y que muchas veces queda al debe.

Ficha técnica

Título original: Home for Rent
Año: 2023
Duración: 124 minutos
País: Tailandia
Compañías: GDH 559, N8 Studios. Distribuidora: CJ HK Entertainment, Fortune Arts International, GSC Movies, Golden Village Pictures
Género: Terror. Thriller. Intriga | Sectas
Guion: Tanida Hantaweewatana, Sopon Sukdapisit
Música: Hualampong Riddim, Vichaya Vatanasapt
Fotografía: Niramon Ross
Reparto: Nittha Jirayungyurn, Sukollawat Kanarot, Penpak Sirikul
Dirección: Sopon Sukdapisit 

Ladronas

Es muy sencillo. A partir de una premisa atractiva, esta cinta dirigida por Mélanie Laurent se queda entrampada por una ejecución fallida. Veamos por qué.

Dos ladronas preparan un último gran golpe. Se trata de Carole -Mélanie Laurent-, y Álex -Adèle Exarchopoulos-, quienes están decididas a dejar atrás su vida ilegal, no seguir ocultándose, y disfrutar de la vida después de asegurar su futuro. Ambas son bellas, inteligentes y muy hábiles, sin embargo necesitan la ayuda de la joven Sam -Manon Bresch-, para poder concretar el robo, que esta vez tiene un grado superior de dificultad.

La película comienza en forma vertiginosa, con una huida a través de amplios parajes en lo que sería el prólogo para una acción desbocada y permanente. Pero aquello es solo una ilusión: el metraje decae a poco andar y la desilusión se apodera de la pantalla.

¿Cuáles son los mayores inconvenientes que encontramos?

Primero, un guion que no profundiza en las relaciones. No sabemos qué son estas dos amigas aunque se observan muy cercanas; ¿acaso son pareja o solo íntimas amigas? Esta bien, puede quedar en nosotros descubrirlo, deducirlo o imaginarlo, pero la apuesta no funciona. Segundo, la ejecución. Con ritmo irregular, por momentos vibrante, y por otros francamente flojo, la cinta no logra encontrar un piso firme sobre el cual desarrollar su trama. Se siente entrecortada, desunida, y hasta un poco deshilachada, permitiendo que entre agua por sus cuatro costados. Tercero, la construcción de la narrativa, porque nunca sentimos que la película nos lleve hacia algo concreto, más bien ofrece solo expectativas del tipo “veamos qué viene más adelante”, o “esperemos que se arregle la carga en el camino”, pero, lamentablemente, nada de eso sucede.

“Voleuses” ofrece una mejor perspectiva que lo que realmente entrega. Entretiene, pero muy por encima, y por eso no logra alcanzar lo que propone en su cartel comercial. Una lástima, porque Mélanie Laurent y Adèle Exarchopoulos conforman una buena dupla que, bajo mi punto de vista, en esta ocasión se encuentra desaprovechada.

A ver, ¿tiene algunas cosillas?, sí, ¿una que otra escena de acción?, también, ¿y algunas aristas que prometen?, claro que sí, pero la verdad, no es suficiente. La decisión de verla es suya, obviamente, pero por favor no diga después que no le advertí.

Ficha técnica

Título original: Voleuses
Año: 2023
Duración: 114 minutos
País: Francia
Compañías: Gaumont Télévision, Gaumont. Distribuidora: Netflix
Género: Acción. Comedia | Cómic. Robos & Atracos
Guion: Cedric Anger, Christophe Deslandes. Cómic: Jérôme Mulot, Florent Ruppert
Fotografía: Antoine Roch
Reparto: Mélanie Laurent, Adèle Exarchopoulos, Manon Bresch, Isabelle Adjani, Félix Moati, Philippe Katerine
Dirección: Mélanie Laurent 

Mavka: Guardiana del Bosque

Mavka, una joven y virtuosa ninfa, despierta en primavera junto con el resto de los habitantes del bosque. La historia cuenta que fue cerrado a los humanos luego de una cruenta batalla, cuando un grupo de ellos se quiso aprovechar de la preciada fuente de la juventud. Por eso, este reino poblado por fantásticas criaturas necesita de un protector que vele por ellos y haga frente a cualquier amenaza o agresión externa.

Recién ungida como la nueva guardiana, Mavka, tan curiosa como sensible, conoce al joven Lucas, un aldeano que toca la flauta y ama la música. La atracción es instantánea, y además correspondida, por lo que esta incipiente historia de amor se traba en lo más importante: la desconfianza que tienen hacia los humanos, y la posible unión de dos mundos, en apariencia, irreconciliables.

Basada en la obra de 1918 “La canción del bosque”, de la poeta Lesya Ukrainka, esta película infantil parte de la premisa de la traición como fuente de conflicto inicial. La confianza llevó a la traición, y eso no puede volver a suceder. Pero, ¿a partir del acto de unos pocos, se puede excluir al resto sin consideración? ¿No se transforma algo en prejuicio cuando ni siquiera se da una oportunidad? ¿Es tanto el miedo, o tanto lo sufrido, que lo mejor es cerrar las puertas para siempre?

Esta fábula animada dirigida por Aleksandra Ruban y Oleh Malamuzh y que procede de Ucrania, resulta sencilla de comprender gracias a la identificación del mal y del bien como polos opuestos y diferenciados. Colorida y con suaves movimientos en su animación, es una película que expresa con gestos todos y cada uno de sus mensajes.

Los valores que representa son fundamentales. Vemos confianza, fe, y bondad, en papeles protagónicos. La ausencia de algo negativo es casi ingenuo, aunque sabemos que siempre se cierne la amenaza humana referida al pasado violento que prácticamente les exterminó. Por otra parte, la maldad la observamos en la ambición, la avaricia y el engaño, tres claros ejemplos de cómo podemos fácilmente perder el foco y hacer daño a los demás.

Otro punto que la cinta aborda es respecto a quién lidera la maldad. Habitualmente son pocos, sin embargo convencen a las masas, deseosas de dejarse llevar por discursos mesiánicos que no permiten exhibir detalles. Sabemos que la ira consume, enturbia y quita color. Es algo capaz de borrar todo y contraer, para que finalmente sea el odio el que se imponga por sobre todo el orden establecido.

La fuente de vida que el bosque posee es guardada celosamente. Y aquí otro punto, el del terror a envejecer y la búsqueda de cualquier acción o ilusión para detener el paso del tiempo que nuestro cuerpo refleja. ¿Eterna juventud? Difícilmente, solo asumir que es una condición natural y aceptarla como tal, porque de cualquier otra manera negamos nuestra humanidad.

La unión de la joven pareja se da a través de la música, y ¡qué lindo es este ejemplo!. Es una magia que transforma, que se abre paso incluso por entremedio de las barreras más fuertes y pobladas. Es icónico el poder sanador de la música y el bálsamo que además significa para el alma.

“Mavka. The Forest Song”, es una bella fábula de amor. Simple, directa, predecible sí, pero que cumple con su objetivo, pues logra expandir su mensaje gracias al florecimiento de sus personajes, los que se expanden en la medida que permiten el paso de esa fuente inagotable de energía que es el amor.

Ficha técnica

Título original: Mavka. The Forest Song
Año: 2023
Duración: 90 minutos
País: Ucrania
Compañías: 3Beep, Animagrad Animation Studio, FILM.UA Group, Ukrainian State Film Agency, United States Agency for International Development. Distribuidora: FILM.UA Distribution, Feelgood Entertainment, Kinomania, Shout! Factory, Universal Pictures Content Group
Género: Animación. Fantástico. Romance. Aventuras. Comedia | Cine familiar
Guion: Yaroslav Voytseshek, Jeffrey Hylton. Poema: Lesya Ukrainka
Reparto: Animación
Música: Maksym Berezhnyak, DakhaBrakha, Dario Vero
Fotografía: Animación
Dirección: Aleksandra Ruban, Oleh Malamuzh 

Napoleón

La esperada versión de “Napoleón”, del director Ridley Scott, ya está con nosotros. Y ¡wow, es una obra impactante, monstruosa! Vamos a ver por qué.

La sinopsis es fácil de imaginar, porque se trata de una parte de la vida del emperador francés vista desde una óptica particular, centrada en su vida personal y en algunas de sus más emblemáticas batallas.

Hay varios aspectos en los cuales quisiera detenerme en su análisis particular. Esta vez será una reflexión compartimentada, abarcando tres tópicos, para que la suma de estas partes permita apreciar el resultado final.

Producción: sin duda, y sin temor a equivocarme, uno de los puntos más altos. Ridley Scott, lo sabemos, es un director puntilloso, y en extremo preocupado de los detalles. Su versión destaca por una fotografía espléndida y una construcción de locaciones que es simplemente alucinante. Cuando estamos a campo traviesa, en medio de las batallas, no hay nada que escape al ojo del director. Las cámaras abarcan desde lo general a lo particular, con movimientos perfectos, y una maquinaria aceitada que fluye siempre en forma acertada. A veces parece que estamos allí, que nos pueden alcanzar los proyectiles, o el fuego. La sensación es de agobio y de angustia, algo que logra traspasar la pantalla con facilidad. En el margen opuesto, vale decir en las tomas interiores, cuando se producen diálogos, maquinaciones, o en la misma relación particular de la pareja protagónica, asistimos a una pieza de cámara donde cada ambiente posee la luz necesaria para destacar en el cuadro aquello que se quiere mostrar. Qué hablar del vestuario y los maquillajes, muy reales y adecuados; nada está sobrecargado, sino totalmente ad hoc a la época representada, y siempre realizado en forma convincente. En síntesis, siete de siete o diez de diez.

Actuaciones: Joaquin Phoenix -reconozco que soy su fan-, realiza una interpretación brillante. No solo tiene el vigor para hacer un Napoleón creíble, sino que es capaz de transmitir una cantidad de emociones que resultan difíciles de describir con palabras. No estoy seguro de llamarlo impronta, o presencia, pero el talento que tiene para robarse la pantalla es realmente impresionante. De un magnetismo irresistible, Phoenix es el centro de todo, y en eso comparte plenamente la fama y la forma de ser de quien representa.

Por su parte, Vanessa Kirby interpretando a Josefina, logra una fina distinción entre vulnerabilidad y dominación, una extraña mezcla para un personaje que, al menos en esta versión, carece de algunos pisos de desarrollo que permitan comprender mejor sus acciones, y también que nos lleve a sumergirnos en una personalidad misteriosa, inquietante y cautivante.

Relato: tal vez el punto sobre el que podemos debatir más. ¿Por qué? Primero, porque sabemos que a Ridley Scott le gusta narrar con tiempo y sin apuro. Segundo, debido a que ya sabemos que se prepara una versión extendida de la película que verá la luz en streaming, en Apple TV+, y que durará cuatro horas con diez minutos. Y tercero, tomando en cuenta los dos puntos anteriores, intuimos que para llegar a esta versión estrenada en cines, el director debió decidir un corte delimitado y especial. ¿Resultado? La cinta es larga y, al menos en mi caso, eso se siente. No es por su ritmo, que en general es vibrante, sino porque hay ciertas secciones que parecen un poco alargadas si las comparamos con otras que se suceden tal vez demasiado de prisa. Parece que no hubiese mucha consistencia entre preparación y ejecución, como que faltara un piso o argumento para algunas, y otras se alargaran más allá de lo recomendable. Insisto, esto es opinable totalmente, y depende mucho de cómo uno recibe el trabajo y de muchos otros factores. Quiero esperar la versión larga, porque creo que en ella habrá más equilibrio y un desarrollo sostenido, tal vez más consistente para cada uno de los elementos en juego.

A modo de conclusión, “Napoleón” es una película fantástica, muy lograda y que resulta fascinante. Tiene toda la forma y estilo de las grandes producciones de la industria, porque es de ese cine que debe ser visto en pantalla grande y con sonido envolvente. Además, la música compuesta por Martin Phipps es preciosa, y combina muy bien con muchas piezas clásicas y barrocas, muy de la época, generando un ambiente aún más embriagador.

Gran experiencia audiovisual, de todo mi gusto; ¡imperdible!

Ficha técnica

Título original: Napoleon
Año: 2023
Duración: 158 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Coproducción Estados Unidos-Reino Unido; Apple Studios, Scott Free Productions, Apple. Distribuidora: Columbia Pictures, Apple TV+
Género: Drama | Histórico. Biográfico. Siglo XVIII. Cine épico
Guion: David Scarpa
Música: Martin Phipps
Fotografía: Dariusz Wolski
Reparto: Joaquin Phoenix, Vanessa Kirby, Tahar Rahim, Ben Miles, Ludivine Sagnier, Matthew Needham

Dirección: Ridley Scott 

Una Cigüeña en Apuros: la Joya Perdida

Sinopsis: Richard, un gorrión adoptado por una familia de cigüeñas, pasa el invierno en el Gran Lago del norte de África. Cuando se da cuenta de que no será él quien guíe a su bandada de vuelta al norte, Richard decide volar para viajar por su cuenta y se cruza con Samia y su bandada de gorriones, que están cautivos de unos malvados marabús bajo el control del codicioso pavo real Zamano. La única oportunidad de liberarse para los gorriones es resolver un acertijo y encontrar la Gran Joya, lo que requerirá trabajo en equipo, confianza y, sobre todo, habilidades de “spork” (gorrión + cigüeña).

Con una animación colorida, alegre y fluida, llena de aventuras que conllevan liderazgo y valentía, esta película alemana funciona en parte como sana diversión y en parte como fábula. ¿Por qué? En mi opinión, la delgada sencillez de su argumento deriva solo en acciones entretenidas, pero que carecen muchas veces de un eje de mayor sustentación. Por otra parte, los mensajes importantes tienden perderse debajo de esa capa lúdica y atractiva de su presentación, y se aprecian más como anécdota que como enseñanza.

Si bien la cinta comienza con un planteo interesante, el aprendiz que debe superar etapas para luego liderar, al pasar a lo opuesto, con la descalificación de Richard -el protagonista-, más su posterior decepción y huida, la película entra en un terreno pantanoso que la enreda en cuanto al despliegue narrativo. La nueva aventura que se nace entonces, parece un poco desconectada de su base, se alarga demasiado, y compromete a un sector central que se diluye totalmente.

El norte vuelve casi al final, cuando la resolución del acertijo es la clave para unir las piezas y volver todo a la normalidad. Es allí donde emergen los valores y los principios, porque cuando aflora el egoísmo, surge el espíritu común de unir fuerzas para derrotar al enemigo, remarcando la importancia de trabajar en equipo tras un mismo fin.

“Richard the Stork and the Mystery of the Great Jewel”, su título original, es entretenida, sí, aunque muy orientada al público infantil que seguramente la gozará mucho más que el mundo adulto. Disfrutemos, entonces, de la frescura de la composición animada y no le pidamos más de lo que puede dar.

Ficha técnica

Título original: Richard the Stork and the Mystery of the Great Jewel
Año: 2023
Duración: 84 minutos
País: Alemania
Compañías: Coproducción Alemania-Bélgica-Noruega; Knudsen & Streuber Filmproduktion, Walking The Dog, Den Siste Skilling, BNP Paribas Fortis Film Fund, Mediefondet Zefyr. Distribuidora: Filmarti, Five Stars, Karantanija Film, MovieBiz Films, Nashe Kino
Género: Animación. Aventuras | Aves / Pájaros. Secuela
Guion: Reza Memari, Philip Lazebnik, Mette Rank Tange, Benjamin Quabeck. Diálogos: Jeffrey Hylton
Reparto: Animación
Música: Éric Neveux
Fotografía: Animación
Dirección: Benjamin Quabeck, Mette Rank Tange 

Sayen: La ruta seca

Segunda parte de la trilogía que continúa la historia pero cambiando radicalmente su escenario.

Si en la primera entrega a nuestra protagonista, interpretada por Rayen Montenegro, la dejamos viajando rumbo al norte, esta secuela la ubica ya en su destino final -el Desierto de Atacama-, en su afán de ir tras los pasos de la mega transnacional Actaeon y su líder, Maximo Torres -Enrique Arce-.

Agua ha pasado bajo el puente. Sayen es intensamente buscada pues es sindicada como una criminal peligrosa, una asesina que ya es considerada una amenaza terrorista. Pero los hechos trágicos detonantes de todo su actuar no se han borrado. La dolorosa pérdida de su familia junto a la destrucción de gran parte de su hábitat natural en el sur, la han impulsado a emprender una lucha sin cuartel, donde ningún tipo de consideración vale.

Así las cosas, el enfrentamiento es inevitable. Rayen, decidida a todo, y la empresa, defendiéndose a cómo dé lugar de una amenaza que crece como bola de nieve. Y claro, ya no es solo la compañía la principal responsable. Aparecen otros actores, políticos y empresas aún más grandes, que no ven con buenos ojos que esta mujer mapuche sea quien les desestabiliza y pone en riegos sus proyectos e inversiones.

Hay elementos que se repiten en esta segunda película dirigida por Alexander Witt: un muy buen nivel de producción y una fluida edición. Las tomas amplias y abiertas de un desierto exuberante resultan bellas, destacando los colores especiales provocados por lo seco del entorno. Ese contraste con la película anterior está muy bien logrado; bosque verde abundante, versus aridez y despoblado cautivante. Otros puntos que sobresalen son las escenas en movimiento con motos y autos que son captadas por drones, un acierto que se complementa con ensayadas coreografías, aunque esta vez no destacan demasiado.

Esta cinta también comparte buena parte de las falencias de su predecesora. Se cae en los diálogos que presenta y en la credibilidad de sus actuaciones, parecen fingidas y en ocasiones bastante planas. Y respecto a esto un detalle. Alfredo Castro y Enrique Arce están muy por encima de sus compañeros de escena, incluso con muchos menos minutos de participación. La diferencia es sideral, pero no alcanza para sostener un metraje que, a pesar de ser acotado -una hora y treinta minutos-, se siente más extenso de lo que verdaderamente es.

En los temas de fondo del relato, dos son las médulas abordadas. Primero, si las acciones violentas se validan por el fin que ellas buscan, y segundo, si un soborno recibido y usado para construir un propósito noble podría ser algo aceptable. Estoy siendo reduccionista, claro está, al rescatar ese hilo delgado sobre lo que lleva a la protagonista a buscar algo más que un simple deseo de justicia, es decir, más bien venganza por todo lo que ha tenido que sufrir.

En “Sayen: La ruta seca” hay un aroma a Robin Hood en esta lucha contra los grandes conglomerados que no dudan en pisotear todo a su paso. El crecimiento de la corrupción y el predominio de los intereses creados parece ser un cáncer inabordable, un tumor que crece y crece entre medio de mentiras que hacen que absolutamente todo parezca un río turbio.

Desde el punto de vista fílmico, aún espero que la ya prometida parte final logre consolidar mejor la historia y también ofrezca un mejor desarrollo de los personajes -actores- y sus diálogos. Se hace necesaria mayor solidez narrativa, esos detalles que ojalá permitan que esta saga despegue, y al mismo tiempo pueda finalizar de buena manera. Es necesario, sí, porque la idea que subyace es buena, y un nivel de producción de esta calidad de verdad se lo merece. Espero que así sea.

Ficha técnica

Título original
Sayen: La ruta seca
Año: 2023
Duración: 90 minutos
País: Chile
Compañías: Fabula. Productor: Pablo Larraín. Distribuidora: Amazon Prime Video
Género: Acción. Thriller | Secuela
Guion: Leticia Akel, Paula Del Fierro, Julio Rojas
Música: Miguel Miranda, José Miguel Tobar
Fotografía: Enrique Stindt
Reparto: Rallén Montenegro, Enrique Arce, Jorge López, Katalina Sánchez, Claudio Riveros, Eyal Meyer, Alfredo Castro
Dirección: Alexander Witt 

Los juegos del hambre: La balada de pájaros cantores y serpientes

Hace once años, la primera película de “Los Juegos del Hambre”, fue un éxito de taquilla y lanzó a la fama a su estrella, Jennifer Lawrence. Luego vinieron tres cintas más, para así completar la versión cinematográfica de la saga escrita por Suzanne Collins. Hoy día, y luego de un vasto camino recorrido, llega al Cine una precuela de la historia, la primera parte de una nueva trilogía cuyo objetivo es enlazar los eventos generando los lazos respectivos y las explicaciones correspondientes.

64 años antes de los eventos que ya conocemos, está por comenzar la Décima Versión de los “Juegos”. “Panem” apenas ha podido reponerse de los ataques rebeldes al recibir refriegas desde sus diversos distritos, mientras el Capitolio lucha por recuperar un prestigio que está por el suelo debido a los implacables combates de una guerra violenta.

El eje del relato es el joven Coriolanus -Tom Blyth-, en quien la familia Snow tiene puesta su última esperanza para revertir una decadencia económica que amenaza con sumirles en una pobreza que les haría desaparecer de la órbita de clase en la que se acostumbran desenvolver. No la tiene fácil este brillante muchacho, y alumno sobresaliente de la Academia; ni su astucia ni su arrogancia son suficientes para sobreponerse a lo que vendrá a continuación. Seguro ganador de un premio que arreglaría todo, la sorpresa se apodera de él y de su entorno: la posición de privilegio se debe ganar en la arena, como mentor de un tributo; ganar o morir, es decir, la gloria o el fracaso absoluto.

Coriolanus menos lo puede creer cuando se le asigna a la participante más débil de la competencia, Lucy Gray Baird -Rachel Zegler-, una chica que forma parte de los Covey, un grupo de artistas y músicos nómadas del cada vez más empobrecido distrito 12. La tarea académica difiere enormemente de las labores que implican una mentoría, sin embargo Snow decide aprovechar la oportunidad al ver el talento y desplante de la joven contendiente. ¿Lograrán ambos su cometido, es decir sobrevivir en el caso de Lucy Gray, y recuperar el poder perdido en el caso de la familia Snow?

El guion escrito por Michael Arndt y Michael Lesslie respeta el relato escrito por Collins y separa la acción en tres grandes secciones. En la primera observamos cómo las apariencias pueden ocultar la decadencia implacable de la familia Snow, y cómo una joven humilde y pobre, pero talentosa intenta sobrevivir. Basado en un doble principio, ayudar para ganar, Snow emprende su propósito con aparentes buenas intenciones, lo que desafía varios de los principios establecidos para que Lucy Gray, que parte en desventaja, pueda al menos tener alguna opción de no morir en el intento.

En la sección central de la historia nos sumergimos en el desarrollo de los Juegos, que son básicamente un espectáculo televisivo que también está cuestionado y en franca decadencia. Por eso, la habilidad de Snow es echar mano a los principios básicos de un “reality”, para ponerlo en palabras actuales, es decir un show mediático que nuevamente capture audiencias, el archiconocido “pan y circo” que adormece a las masas, que las mantenga a raya sin pensar ni cuestionar.

La parte final gira hacia escenarios diferentes. Es donde se ponen de manifiesto los conceptos más profundos que el relato contiene. Enfrentamos acá, la soberbia con la rebeldía, el reto al poder con la subordinación; la búsqueda de sentido en medio de una ley de la selva donde solo sobrevive el más fuerte. La aparente desaparición de la civilización, no es más que una pantalla más o menos fina para ocultar el abuso, la injusticia y la represión, acusando a los menos privilegiados de actuar con reacciones propias de animales salvajes.

Uno de los mensajes más importantes que entrega el texto, es referente a la lealtad y la traición, ese acto de cruzar la línea y validar la maldad en contra de toda bondad, un tópico tan humano que resulta transversal a cualquier tiempo, historia o lugar.

Bajo la dirección de Francis Lawrence, “The Hunger Games: The Ballad of Songbirds and Snakes”, y sus 157 minutos de duración, se trata de una obra bien compuesta, bien ambientada y bien desarrollada. Nunca es sencillo alejarse de una historia exitosa para crear un derivado, menos cuando ninguno de los personajes emblemáticos no están considerados. Tampoco es fácil no tener actores ya consagrados -salvo Viola Davis y Peter Dinklage-, lo que también constituye una apuesta riesgosa para la consolidación de esta nueva trilogía.

Esta nueva película de “Los Juegos del Hambre” tiene un par de debilidades: ir de más a menos en cuanto a su ritmo, y ofrecer una tercera parte -una vez terminados los Juegos-, que puede amenazar la atención y concentración de una audiencia que siempre espera ver fuegos artificiales en pantalla. Aún así, los puntos altos son muchísimos más que los bajos -mención especial a la partitura de James Newton Howard que representa un pilar importante-, superando mis expectativas.

Estamos ante un nuevo comienzo, una saga nueva que podría también convertirse en un éxito. Creo que dependerá de la profundidad que revista la mutación de personalidad de su protagonista -incipiente aún en esta entrega-, pues ya sabemos que en el futuro, Coriolanus Snow se convertirá en el omnipotente y omnipresente tirano de Panem.

Ficha técnica

Título original: The Hunger Games: The Ballad of Songbirds and Snakes
Año: 2023
Duración: 157 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Color Force, Lionsgate, Good Universe. Distribuidora: Lionsgate
Género: Ciencia ficción. Acción. Aventuras | Distopía. Precuela
Guion: Michael Arndt, Michael Lesslie. Libro: Suzanne Collins
Música: James Newton Howard
Reparto: Tom Blyth, Rachel Zegler, Peter Dinklage, Hunter Schafer, Josh Andrés Rivera, Jason Schwartzman y Viola Davis
Dirección: Francis Lawrence 

El Asesino

Disponible en Netflix.

Seis partes y un epílogo conforman esta nueva película del director David Fincher. Las secciones, bastante simétricas en duración, corresponden a las ciudades que recorre el protagonista, interpretado por Michael Fassbender. Hablamos de París, República Dominicana, Nueva Orleans, Florida, Nueva York y Chicago, en ese orden, escenarios clave en los que transcurren los hechos.

¿Qué tenemos acá? Primero, un profesional hecho y derecho, prolijo, obsesivo y meticuloso, que tiene todo calculado y planes que abarcan hasta la letra Z. Segundo, su ámbito de acción, pues su negocio es matar por encargo; un asesino a sueldo, y de los “top”, de los caros, esos que escasean porque son infalibles. Y tercero, un imprevisto en su último encargo lo pone literalmente de cabeza, le obliga a usar todo el abanico de opciones que maneja para sortear un sinnúmero de dificultades que se le presentan, desde sus clientes, pasando por sus intermediarios, cercanos y hasta por su propia integridad.

Fincher filma un guion de Andrew Kevin Walker sobre una novela gráfica francesa del mismo nombre escrita por Alexis "Matz" Nolent e ilustrada por Luc Jacamon, y lo hace con una destreza digna de elogio. Las sutilezas observadas en cada detalle se disfrutan enormemente, junto a la magnífica edición de Kirk Baxter que resalta la fotografía de Erik Messerschmidt. Me quedo con los mencionados detalles porque son los que hacen la diferencia, son los que permiten que la película se sienta mucho más corta que sus 120 minutos, y provoca que estemos pegados a la pantalla casi sin pestañear.

Michael Fassbender configura un personaje de culto, el que bien podría cobrar vida propia si se quisieran explorar ramificaciones. Su natural impasividad, un control desmesurado que podría incluso ser diagnosticado como un “TOC Asesino”, es brillante, porque transmite perfectamente esa ausencia de sentimientos para una labor que claramente no tiene ningún asomo de empatía. Además, al repetir ese mantra, que escuchamos varias veces, permite que nos adentremos en la mente criminal de un hombre que sabe perfectamente lo que hace y también la forma de moverse en un mundo que para nosotros resulta ajeno y tremendamente despiadado.

Fassbender sostiene el relato y no es menor su participación. Lo vemos prácticamente siempre, y cuando dejamos de observarlo por pocos instantes, sabemos que está detrás de nosotros, respirando y atento al siguiente movimiento. Esos ciclos, una metodología estudiada y perfecta, es artesanía pura, una maldad inherente apartada de cualquier moralidad posible. Mucho del contenido, del texto, lo recibimos en forma de voz “en off” gracias al relato del protagonista. Y esa decisión es un riesgo, porque son muchos momentos, y las secuencias de acción se separan bastante unas de otras. Acá hay un mérito del director que debemos reconocer, porque el ritmo nunca decae, y la tensión tampoco; estamos siempre encima, esperando un giro o un cambio que nos saque de la pista o nos derive, con brío, a otra carretera.

“The Killer” atrapa, entretiene, y aunque no lo quiera, nos deja un tema de reflexión. ¿Hay cambios en el personaje? ¿Las sensibilidades expuestas, las vulnerabilidades, existe algo que vaya contrariando sus principios? ¿O la frialdad se mantiene a tope, pase lo que pase, para dar cumplimiento ciego a una especie de mandamiento que debe aplicar cada vez que debe ejecutar una acción criminal? Véala y me cuenta si este es un rollo mío o la cinta da para algo más. En lo que creo que podremos estar de acuerdo es que las espaldas de David Fincher son sólidas, no defrauda en lo absoluto, y además se vienen más colaboraciones suyas para Netflix. ¡En horabuena!

Ficha técnica

Título original: The Killer
Año: 2023
Duración: 118 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Archaia Entertainment, Paramount Pictures, Plan B Entertainment, Boom! Studios, Panic Pictures. Distribuidora: Netflix
Género: Thriller. Intriga | Crimen. Cómic
Guion: Andrew Kevin Walker. Novela gráfica: Alexis Nolent
Música: Trent Reznor, Atticus Ross
Fotografía: Erik Messerschmidt
Reparto: Michael Fassbender, Arliss Howard, Charles Parnell, Kerry O'Malley, Sala Baker, Sophie Charlotte, Tilda Swinton
Dirección: David Fincher 

Triple Frontera

Disponible en Netflix.

Tres aspectos destacan en esta producción de Netflix estrenada el año 2019. El primero, atractivos protagonistas. Ver juntos a Ben Affleck, Oscar Isaac, y Pedro Pascal, acompañados por Charlie Hunnam y Garrett Hedlund, es un muy buen gancho inicial. Segundo, el entorno donde se desarrolla historia, la llamada “Triple Frontera”, es un lugar real que comprende Perú, Brasil y Colombia, un sector de vegetación exhuberante que se encuentra cooptado por mafias dedicadas al tráfico de drogas, de armas, y de lavado de dinero a gran escala. Y tercero, la sustancia de la trama, que comprende a cinco ex Delta Force que está vez se reúnen, no para luchar por su país, sino que por su propio beneficio.

Dirigida por J.C. Chandor, esta película presenta a Tom Davis -Ben Affleck-, Santiago García -Oscar Isaac-, William Miller -Charlie Hunnam-, Benjamin Miller -Garrett Hedlund-, y Francisco Morales -Pedro Pascal-, como un grupo multidisciplinario de excombatientes que viaja especialmente a una zona conflictiva con un objetivo claro: robarle a un narco una cifra cercana a los 75 millones de dólares en efectivo. Dar con el jefe del cártel, Gabriel Martín Lorea no es fácil, pero sabemos que el dinero mueve montañas, por lo que llegan al lugar con menos dificultad de lo esperado para ubicar un tesoro que resulta ser mucho más que lo esperado, es decir, tres o cuatro veces la cifra que tenían en su mente.

Si una cosa es llegar, otra es salir con vida, y además con fajos de billetes a cuestas que pesan varios cientos de kilos y necesitan transporte especial. A esa altura, la aventura ya se encuentra en pleno desarrollo con todas las cartas sobre la mesa. Es la ley de la selva, son ellos o sus perseguidores; el más fuerte sobrevive y el más débil queda atrás.

Chandor no se amilana para filmar en locaciones escabrosas, usar drones muy bien dirigidos, y conducir un elenco de lujo que cualquiera quisiera tener en los créditos. Y sale airoso del desafío, porque la fotografía se aprecia bella en la pantalla chica (imaginemos cómo podría ser en el cine), y los personajes entregan lo que esperamos de ellos. Obviamente es una cinta ruda, donde la testosterona aflora por todas partes, aunque el principal giro de la historia trate de compensar un poco ese machismo a prueba de balas y también de emociones.

“Triple Frontier”, cumple sus promesas. Son dos horas que van de menos a más, y que aumentan en tensión en la medida que avanzamos hacia el epílogo, momento donde se gatillan los procesos más importantes y las piezas cuadran como si de un acabado tetris se tratara. Si puede, dele una oportunidad, vale la pena, no se va a arrepentir.

Ficha técnica

Título original: Triple Frontier
Año: 2019
Duración: 127 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Atlas Entertainment. Distribuidora: Netflix
Género: Thriller. Acción | Crimen. Robos & Atracos
Guion: Mark Boal, J.C. Chandor. Historia: Mark Boal
Música: Rich Vreeland
Fotografía: Roman Vasyanov
Reparto: Ben Affleck, Oscar Isaac, Charlie Hunnam  Garrett Hedlund, Pedro Pascal
Dirección: J.C. Chandor 

El negocio del dolor

Disponible en Netflix.

Esta película expone en sus diez minutos iniciales cuatro tópicos que serán desarrollados durante sus casi dos horas de duración: las dificultades económicas de una madre con su hija; la desesperación de perder todo, o casi todo; la aparición de una oportunidad que promete ser lucrativa; y las relaciones filiales como principal impulso en la toma de decisiones.

Liza Drake -Emily Blunt-, es madre soltera. Trabaja de bailarina nocturna y debe hacerse cargo en solitario de una hija que padece epilepsia y que, además, acaba de ser suspendida en el colegio. La vida de Liza y de la adolescente transcurre con urgencia pues el diagnóstico de la menor es perentorio: se debe operar, sí o sí, pero el seguro médico es insuficiente y las opciones son cada vez más reducidas y riesgosas. Todo es oscuro y cuesta abajo, por lo que cuando Liza conoce a Pete Brenner -Chris Evans-, el mundo se voltea a su favor, o al menos eso pareciera. La oferta es simple: interceder -en realidad vender-, para que médicos especialistas receten un nuevo medicamento que promete ser la panacea para curar el dolor en pacientes diagnosticados de cáncer terminal.

Liza, sin experiencia alguna en el rubro, acepta el desafío y deja los pies en la calle en su nuevo encargo. Tiene que demostrar en solo cinco días que puede hacerlo, que puede lograr al menos una receta del medicamento para que la empresa liderada por el doctor Jack Neel -Andy García-, pueda sortear una inminente quiebra. Pete confía en ella, o más bien deposita una esperanza bastante lejana a la objetividad, sobre todo porque las reiteradas negativas ahogan todas las gestiones y parece que nadie quiere innovar en su tratamiento probando una opción diferente.

Basada en el libro de Evan Hughes, que se inspira en hechos reales, esta cinta dirigida por David Yates, y pese a sus irregularidades narrativas, resulta interesante y a la vez entretenida. Es cierto que gran parte de lo que sucede es fácil de anticipar, pero por lo mismo, las actuaciones constituyen el plato fuerte de este trabajo. Actrices consagradas, como Emily Blunt y Catherine O'Hara, junto a actores sólidos como Chris Evans y Andy García, entregan un soporte que cualquier producción quisiera tener entre sus créditos. Y acá no son solo los nombres, es la prestancia de cada uno lo que les permite construir papeles dinámicos que hacen más creíble la representación en pantalla.

Los temas valóricos que están en juego son muchos y evidentes. Por un lado está la salud y el dolor físico de miles de personas. El fundador de la compañía farmacéutica desarrolló el medicamento por la experiencia traumática vivida por su esposa. El tratamiento es real y es efectivo, pero debe ser cuidadosamente recetado y supervisado. Primer punto, responsabilidad ética respecto a drogas que pudieran causar dependencia y adicción en personas vulnerables a sus efectos. En contraposición a lo anterior se encuentra el negocio lucrativo que significa su práctica. Al ser una medicación muy potente, su costo es elevado, y las ganancias por su fabricación y distribución son cuantiosas. Si a esto le sumamos una red de sobornos y corrupción, la mesa está servida para dar rienda suelta a la ambición y codicia que provoca ganar dinero a manos llenas gracias a una necesidad y todo ello en un reducido período de tiempo.

Ahondar en las razones que llevan al Dr. Neel, a Pete y a Liza, a saltarse toda barrera moral, daría para un escrito muchísimo más extenso y seguramente desbordaría este comentario, sin embargo la película condensa en buena parte todos los elementos que, combinados, son los causantes de una crónica que tiene una muerte anunciada, con la licencia de parafrasear al gran García Márquez.

“Pain Hustlers” -Estafadores del dolor”, su título original-, es interesante como testimonio y también como historia. Resumir en dos horas, años de maquinación -desde la austeridad absoluta a darse lujos impensados y excentricidades varias-, para dejar al descubierto una red carente es escrúpulos, no es un desafío menor. La cinta lo consigue, con dificultades insisto, con aciertos y deficiencias, pero siempre con un norte que va más allá de lo que podría significar una simple entretención. Acá hay un fondo importante, un mensaje claro que no deja de ser controversial, porque cuando se trata del bienestar de las personas no se puede tomar nada a la ligera, menos cuando un producto que se muestra efectivo puede tener efectos contraproducentes, no necesariamente por su composición, sino por quien puede acceder a él y las dosis que corresponden según los estados en que se encuentre.

Auge y caída empresarial y también en términos personales, una montaña rusa que presenciamos desde la primera fila. Dos horas intrigantes, con algunas pinceladas de comedia, que nos mantienen alertas y conscientes todo el tiempo, evaluando permanentemente, y que nos dejan un buen material para la reflexión: ¿la salud como un negocio o como un bien común y universal? El debate está muy lejos de cerrarse, a nivel local y, por supuesto, también a nivel mundial.

Ficha técnica

Título original: Pain Hustlers
Año: 2023
Duración: 122 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Grey Matter Productions, Wychwood Media. Distribuidora: Netflix
Género: Drama | Basado en hechos reales. Drogas
Guion: Wells Tower. Libro: Evan Hughes
Música: James Newton Howard, Michael Dean Parsons
Fotografía: George Richmond
Reparto: Emily Blunt , Chris Evans , Andy García , Catherine O'Hara , Jay Duplass , Brian d'Arcy James y Chloe Coleman
Dirección: David Yates 

Tesis sobre un homicidio

Roberto Bermúdez -Ricardo Darín-, 55 años, abogado penalista con vasta experiencia docente , se prepara para impartir un reconocido Seminario de ocho sesiones. Sus 15 alumnos son selectos, lo mejor de lo mejor, y Bermúdez promete exigirles hasta superar una vara muy alta. En plena introducción del curso, Gonzalo Ruiz Cordera -Alberto Ammann-, interrumpe, llega tarde, una impertinencia que el profesor apenas tolera y lo permite solo porque el joven es hijo de su viejo colega y gran amigo Felipe Ruiz Cordera.

Naturalmente, la relación entre discípulo y profesor comienza con el pie izquierdo, sin embargo la inquietud intelectual de Gonzalo de inmediato despierta el interés de su maestro, con incipientes diálogos que poco a poco van tomando vuelo para convertirse en conversaciones profundas sobre las entrañas del derecho y también sobre la vida en general.

Roberto ha devenido en un ser solitario, baila al son del whisky y los cigarros, en una relación inversamente proporcional a su contacto con el mundo exterior. El joven Gonzalo llega a desafiar este status quo, moviendo su espacio de confort al requerir bastante atención y despertar, a su vez, una intensa curiosidad en su interlocutor.

Un brutal crimen que ocurre en los estacionamientos, justo debajo de la sala de clases, pone a toda la facultad en alerta. Una joven ha sido asaltada, violada y asesinada sin un motivo aparente. Conmoción, espanto, rabia, condena total. No obstante, Gonzalo muestra una singular tranquilidad que de inmediato llama la atención de Roberto. Un par de pistas y los posteriores diálogos con el muchacho, convencen al profesor que el autor del crimen es nada menos que su brillante alumno, por lo que decide investigar para demostrar que está en la razón. A partir de ese momento, viviremos una especie de duelo mental entre los dos protagonistas, que alcanzará ribetes inesperados cuando cada uno intente probar cuál es la verdadera tesis sobre este homicidio.

Me reconozco admirador de Ricardo Darín, y si bien este premiado actor argentino siempre es él mismo, es notable cómo se da maña para dotar a sus personajes de un aura de credibilidad que permite diferenciarlos perfectamente. Quizás el tono, la fuerza, o bien la astucia, o tal vez la inteligente manera de convencer que es quién dice ser, sea lo que está en la base de la magia que Darín proyecta en cada una de sus diversas configuraciones. Esta vez, por cierto, no es la excepción, porque este relato basado en la novela de Diego Paszkowski se sostiene prácticamente en solitario sobre los hombros de su actor protagónico.

La atmósfera que transmite la dirección de Hernán Goldfrid es muy apropiada para los hechos que quiere describir. Hay largas tomas, escenas donde solo hay imágenes y sonido carentes de diálogo, en las que transcurren caminos y pensamientos tan conducentes como inconducentes, pero en los que sentimos que hay un tránsito, un desarrollo, una profundización de tal o cuál elemento o arista investigativa. Asuntos cotidianos también están presentes; alguna salida, el acercamiento con la hermana de la víctima, y alguna que otra disputa, son condimentos para una trama que se concentra en los detalles y no se va nunca por las ramas.

“Tesis sobre un homicidio” funciona bien, provoca tensión y además requiere atención. Una hora con cuarenta minutos de un ritmo lento intrigante, que hace que necesitemos una resolución, y que nos ofrece un final diferente, abierto a la imaginación para ser rellenado por nuestras propias conclusiones. Interesante propuesta que, pese a ser del año 2013, mantiene una frescura y actualidad que pareciera detener el tiempo.

Ficha técnica

Título original: Tesis sobre un homicidio
Año: 2013
Duración: 106 minutos
País: Argentina
Compañías: Coproducción Argentina-España; BD Cine, Tornasol Films, Telefé, Haddock Films, Castafiore Films
Género: Intriga. Thriller | Crimen. Thriller psicológico
Guion: Patricio Vega. Novela: Diego Paszkowski
Música: Sergio Moure De Oteyza
Fotografía: Rodrigo Pulpeiro
Reparto: Ricardo Darín, Alberto Ammann, Calu Rivero, Arturo Puig
Dirección: Hernán Goldfrid 

El ángel en el reloj

Disponible en Disney Plus.

Esta película de animación mexicana tiene una premisa encantadora: se trata de la obsesión de la pequeña Amelia por detener el paso del tiempo. Ella está enferma, ha sido diagnosticada de leucemia, por lo que de lograr su objetivo, se traduce en prolongar su vida y la compañía de sus seres queridos.

Amelia es inquieta y traviesa, es su esencia, por lo que permanentemente está buscando acciones, como sacar las pilas de sus relojes, sin embargo naturalmente eso no es suficiente. Cuando mágicamente conoce a Malachi, un curioso ángel que habita su reloj de pared, se abre un mundo de exploración sensorial a través de los “Campos del Tiempo” acompañada por las hadas “Aquí” y “Ahora”, pero no todo resulta bien. Una avería grave pone en jaque el tiempo de Amelia y de todos quienes le rodean, por lo que su reparación ahora es asunto de vida o muerte. Con la ayuda del maestro relojero Balzac, y luego del Capitán Manecilla, Amelia debe unir todas las fuerzas para enfrentarse al malvado “No Tiempo” con el fin de recuperar el orden de las cosas.

Esta cinta dirigida por Miguel Ángel Uriegas es una fábula interesante respecto al valor que asignamos al tiempo, una temática que es sin duda atemporal, es decir, funciona en cualquier época y en cualquier dimensión. Estamos tan preocupados del paso del tiempo, desde lo que hacemos cotidianamente hasta lo que significa envejecer, que la mayor parte de las veces perdemos la perspectiva. Algo de eso tiene como moraleja esta historia, muy bien representada por los nombres que tienen las graciosas hadas acompañantes.

Es cierto que una enfermedad grave, o bien la inminente proximidad de la muerte, puede cambiarnos la mirada en forma radical. Por eso es importante comprender que lo único que realmente tenemos en forma cierta es nuestro presente, el “aquí y ahora” que es subrayado por la película, y cuando nos desviamos de eso solo vivimos de los recuerdos o bien en un incierto futuro.

“El ángel en el reloj” tiene un colorido mágico y una animación fluida gracias a una composición estética perfectamente lograda. Si bien su ritmo es irregular, y por momentos algo cansino, la película releva las temáticas que expone, las que pueden transformarse en un punto de partida interesante para iniciar una reflexión con los más pequeños del hogar.

Ficha técnica

Título original: El ángel en el reloj
Año: 2017
Duración: 91 minutos
País: México
Compañías: Fotosintesis Media
Género: Animación. Fantástico. Aventuras. Infantil | Infancia. Enfermedad
Guion: Miguel Ángel Uriegas, Rosana Curiel, Miguel Bonilla
Música: Manuel Vázquez
Fotografía: Animación
Reparto: Animación
Dirección: Miguel Ángel Uriegas