Mi Papá es un Peligro

Sinopsis: Sebastian le dice a su padre Salvo, un inmigrante italiano chapado a la antigua, que tiene intención de pedirle matrimonio a su novia estadounidense, Ellie. Pero antes de dar su visto bueno, Salvo insiste en pasar un fin de semana con los padres de ella.

Dirigida por Laura Terruso y escrita por el protagonista Sebastián Maniscalco junto a Austen Earl, esta comedia intenta hacer variaciones respecto a películas similares que enfrentan a familias de novios. Basada parcialmente en la vida del mismo Maniscalco, la oportunidad parece propicia para incursionar en temas de identidad, nacionalismo, y el esforzado trabajo de los inmigrantes que llegan a Estados Unidos. El choque cultural es evidente; italianos versus norteamericanos, una familia hecha a pulso versus otra adinerada y rodeada de lujos, costumbres antagónicas y personalidades que no cuadran ni por un segundo. ¿Funciona? Veamos.

Robert De Niro, como un carismático y extrovertido estilista curtido por mil batallas, se ve cómodo en su papel, sin embargo no logra ser el puntal que Maniscalco parece necesitar. Hay algo forzado, no sé si es química o entendimiento, pero no fluyen sus diálogos y no se perciba conexión emocional entre ambos. Quien también se ve casi perdida en su propio mundo es Leslie Bibb interpretando a Ellie. No engancha ni con su novio ni con sus padres, algo curioso siendo el pivote que debería unir los polos y mediar las situaciones de conflicto. El resto de los secundarios, los hermanos de Elli, no pasan de ser caricaturas, a veces entretenidas, pero sin demasiado valor agregado. Dejo para el final a los padres de Ellie, porque teniendo un papel relevante, se quedan a medio camino. Por momentos parece que lograran su cometido, pero a la escena siguiente se diluyen, tal como pasa con situaciones que no logran abrir o cerrar bien, las que se quedan solo en la anécdota y el simple sketch.

Con poquísimo vuelo, “About My Father” al menos es acotada gracias a su hora y media de duración. No se hace larga, pero demuestra una vez más que la suma de gags no necesariamente sirven para componer una película. Llama la atención, asimismo, la ausencia de un conflicto mayor en el relato. Cuando algo parecido se produce, es tan al final y tan evidente su resolución, que no logra exigir atención porque no tiene el peso que lo justifique.

Es posible que el problema mayor sea que yo no conecto con este tiempo de películas. Hacer comedia es difícil, y por lo mismo la producción debe poner extremo cuidado en los detalles para no arruinar su esencia. Acá, los detalles son gruesos, no son delicados, tanto así que tienden a nublar el fondo al que la película aspira. La premisa es buena, sí, sobre todo respecto a la formación familiar, la cultura de origen, y principalmente a la relación de un hijo con un padre al que admira pero que se transforma en un obstáculo para llevar adelante sus sueños. Y es una lástima, porque con ese buen material resulta frustrante en su confección, no logra nunca despegar y sufre producto de sus propias limitaciones.

Ficha técnica

Título original: About My Father
Año: 2023
Duración: 89 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Depth of Field, Lionsgate
Género: Comedia
Guion: Austen Earl, Sebastian Maniscalco
Reparto: Sebastian Maniscalco, Leslie Bibb, Kim Cattrall, Robert De Niro
Música: Stephanie Economou
Fotografía: Rogier Stoffers

Dirección: Laura Terruso 

El último traje

Disponible en Star +.

Abraham Bursztein -Miguel Ángel Solá-, un sastre judío de 88 años, se encuentra en problemas. Su condición de salud no es buena, arrastra problemas serios en una de sus piernas, y además sus hijas quieren vender su departamento y trasladarlo a un geriátrico. Fiel a su personalidad, Abraham no está dispuesto a ceder un ápice. Con sigilo idea un plan para escapar, y emprender un viaje de Buenos Aires a Lodz, Polonia, para cumplir una deuda que le atormenta, algo que aún no ha podido realizar, un compromiso sellado en su juventud. El arriesgado periplo implica encontrar a Piotrek, el gran amigo polaco que lo rescató de la muerte al final de la Segunda Guerra Mundial y que luego lo ayudó a escapar, para entregarle aquel traje que el título alude.

Abraham es malas pulgas, qué duda cabe. Y también un viejo zorro, hábil e inteligente para hacer de las suyas. Es tal vez por eso que esta aventura que acompaña su devenir, un desolado deambular, se mueve entre el drama y la comedia, con situaciones jocosas y otras que ciertamente provocan un nudo en la garganta. Con mucha profundidad, Pablo Solarz escribe y dirige una película íntima que nos muestra a un hombre marcado a fuego por su historia de vida. La deuda incumplida es por momentos solo una excusa, porque este sobreviviente del holocausto no ha podido superar ni el miedo, ni el temor, y guarda un enorme resentimiento producto de todo lo que le tocó presenciar y sufrir en carne propia. En ese sentido, tal vez la mejor palabra que describe su sentimiento más interno es ese incontrolable pavor que por momentos lo paraliza, pero que, sin embargo, al mismo tiempo lo impulsa y lo obliga a encontrase de frente con su brutal pasado.

Una serie de coincidencias con personas especiales ponen de manifiesto algunos valores fundamentales. Cuando Abraham se esfuerza por ser insoportable, recibe de vuelta gestos gratuitos y bondadosos. Y es que, en el fondo, él es transparente, y logra expresar implícitamente que está con el corazón roto, aunque con una vaga esperanza, y un sueño que parece imposible. La ilusión se hace más visible cuando quienes se cruzan en su camino terminan ofreciéndole ayuda desinteresada, tal vez el signo más genuino de aquella humanidad arrebatada a Abraham en su juventud.

Miguel Ángel Solá realiza una caracterización magistral, que soporta todo el peso del relato y logra que su personaje sea totalmente verosímil. Le secundan, y muy bien, Martín Piroyansky, Ángela Molina (¡qué carisma!), Julia Beerhold, y Olga Boladz, cada quien en su rol, construyendo apoyos fundamentales para un viaje de resultado incierto en todos sus aspectos.

Si bien tengo ciertos reparos por las caricaturas y estereotipos que se presentan, como también en el modo de elaborar ciertas situaciones de la comedia, “El último traje” excede los márgenes de lo ya conocido para aportar una mirada distinta. Creo que ese es su principal valor, porque aunque es una película oscura y triste, nos llega como una obra vigente, profundamente humana, sensible, y esperanzadora.

Ficha técnica

Título original: El último traje
Año: 2017
Duración: 86 minutos
País: Argentina
Compañías: Coproducción Argentina-España; Zampa Audiovisual, Tornasol Films, Hernández y Fernández P.C, Rescate Producciones AIE, Haddock Films, Patagonik
Género: Drama | Holocausto. Vejez / Madurez
Guion: Pablo Solarz
Música: Federico Jusid
Fotografía: Juan Carlos Gómez
Reparto: Miguel Ángel Solá, Ángela Molina, Martín Piroyansky, Natalia Verbeke, Julia Beerhold, Olga Boladz, Jan Mayzel
Dirección: Pablo Solarz 

La Sirenita

Este remake del clásico animado de Disney del año 1989, presenta a Ariel, una joven e inquieta sirena, hija menor del Rey Tritón, que está cansada de su monótona vida como princesa bajo el mar. Ella solo desea escapar de ese fondo marino y hacer su vida arriba en la superficie, porque le fascina el mundo humano, aunque sabe que eso no es posible, le es negado terminantemente. Sin embargo, en una de sus numerosas incursiones, logra salvar de morir ahogado a Eric, un hermoso príncipe, cuyo barco ha naufragado en una tormenta. Ariel se enamora perdidamente y hace un trato con la bruja Úrsula para convertirse en humana a cambio de su voz. Al tener la oportunidad de estar con el príncipe, las cosas no salen bien y la aventura se dificulta hasta el extremo.

Con una historia similar a la original, esta nueva versión es visualmente encantadora. El colorido y los escenarios resultan mágicos, en especial si tomamos en cuenta lo bien que están combinadas la animación y los personajes reales. El despliegue musical es también notable, pues la cinta incluye canciones de la primera entrega y agrega otras nuevas, escritas especialmente para esta ocasión por Lin-Manuel Miranda.

Las actuaciones protagónicas son muy buenas, en especial Halle Bailey, que con carisma interpreta a Ariel, Melissa McCarthy, que hace una Úrsula más encantadora que malvada, y Javier Bardem, que encarna con convicción al paternal Rey Tritón. Un peldaño abajo, eso sí, está Jonah Hauer-King, como Eric, una figura que si bien cumple su cometido, no tiene el vuelo ni el encanto propio de su personaje. Es tal vez por lo anterior que la química de la pareja principal no es mucha, y se roban la película los fieles amigos de Ariel, el cangrejo Sebastian, el ave Scuttle y el pez Flounder, siempre dispuestos a ayudar a nuestra vibrante sirenita en los problemas y dificultades en los que ella inocentemente se involucra.

Mi reparo en esta ocasión está en la música incidental de Alan Menken, quien también estuvo a cargo en la primera versión. Esta vez, algo pasa que no siempre la partitura cuadra con la escena; o bien las progresiones resultan insuficientes, o no logran alcanzar resoluciones. Y esto se da en varias oportunidades, generando un vacío que resulta extraño dado que este tema es siempre una fortaleza en las películas que llevan el sello Disney.

Dirigida con acierto por Rob Marshall, esta cinta familiar es una linda fábula sobre el espacio de confort y la búsqueda de superarlo al enfrentar el mundo exterior. El deseo de explorar, algo vital para Ariel, choca de frente con la sobreprotección paterna, en una tensión difícil de llevar y aún más compleja de resolver. Asimismo, la historia remarca la necesidad de no hacer generalizaciones -por ejemplo sobre los humanos-, observando que no es bueno achacar el mismo comportamiento a todos los seres de una determinada especie. La búsqueda de la felicidad y el poder del amor verdadero, se mimetizan en una animada aventura que también combina valentía y fidelidad a los propios sentimientos. El guion es asertivo respecto a la toma de riesgos, una necesidad importante si se quiere descubrir la diversidad de cualquier otro espacio, y pone en relieve el valor del cuidado y acompañamiento -pero en dosis adecuadas-, algo que en la historia está muy bien reflejado por los amigos de la protagonista.

El respeto por las inquietudes y deseos juveniles, y lo difícil que es soltar las amarras paternales, podría ser la moraleja de una cinta que, a pesar de conocida, no pierde vigencia, tal como el cuento original de Hans Christian Andersen en el que se basa la historia. La película resulta encantadora, funciona en casi todos sus aspectos, y da gusto verla y disfrutarla en pantalla grande, ideal para sumergirnos literalmente en este mundo de ilusión que, además de entretener, sirve perfectamente para conversar y reflexionar, en especial con los más pequeños de la casa.

Ficha técnica

Título original: The Little Mermaid
Año: 2023
Duración: 135 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Lucamar Productions, Marc Platt Productions, Walt Disney Pictures, 5000 Broadway Productions, Xm2 Pursuit. Distribuidora: Walt Disney Pictures
Género: Fantástico. Musical. Romance | Aventuras marinas. Mitología. Cuentos. Remake
Guion: Jane Goldman, David Magee, Ron Clements, John Musker. Cuento: Hans Christian Andersen
Música: Alan Menken, Lin-Manuel Miranda
Fotografía: Dion Beebe
Reparto: Halle Bailey, Melissa McCarthy, Javier Bardem, Jonah Hauer-King, Jacob Tremblay, Awkwafina, Daveed Diggs, Noma Dumezweni, Jessica Alexander, Jude Akuwudike, Kajsa Mohammar y Lorena Andrea.
Dirección: Rob Marshall 

Demonio Negro

¿Una clásica película de tiburones atacando a humanos? ¿O tal vez de un monstruo que emerge desde las profundidades? Ni lo uno, ni lo otro, sino todo lo contrario, como dice otro amigo querido, porque luego de un inicio clásico, la cinta se desliza a través de varias vertientes que es pertinente mencionar y analizar.

El comienzo inquieta. Una plataforma petrolera, en medio del océano, y un accidente de rigor para dejar presentado el misterio de la criatura submarina. Tras ello, seguimos en modo tradicional, porque observamos a una familia en viaje de fin de semana de descanso. Y la presentación no es breve, porque vemos lo cotidiano, también lo intrascendente, las infaltables peleas, las discusiones, los juegos, y algo más. Concita interés la llegada a aquel pueblo casi abandonado, que ha perdido auge desde que los problemas achacados a la extracción de petróleo han revivido la famosa leyenda del “Demonio Negro”.

Ya es tendencia clara usar más de un idioma en las filmaciones actuales, y acá funciona bien, apelando al coloquial mexicano que se entremezcla con el mayoritario inglés de la producción. Ayuda también la presencia de la chilena Fernanda Urrejola, que, de manera muy natural, se mueve como pez en el agua (valga la referencia con la temática).

Mientras la película prepara lo que es evidente, la ansiada aparición del megalodón, es decir la forma en que lo veremos por primera vez en gloria y majestad, el guion va derrapando entre conexiones a mitos, leyendas y culturas de la región. Es verdad que todo es disperso y no logra sostener su peso, algo que lamentablemente no se revierte en el transcurso del relato. Al mismo tiempo, y en una clara denuncia, se va dibujando consistentemente ese odio a las empresas petroleras, también a la acción humana que provoca devastación, y a las fatales consecuencias que aquello produce en los ecosistemas afectados.

Y llega el esperado cruce, y los protagonistas ya están encerrados en medio del mar. El problema es que ahí nos quedamos, encerrados nosotros también, porque definitivamente lo que viene a continuación no logra concretar ninguno de los potenciales enlaces que ha expuesto en su extensa introducción.

Respecto a las actuaciones, Urrejola está un paso adelante de Josh Lucas, en especial en los recursos del arco dramático al que apela en los estados de desesperación. Lucas no convence, sus progresiones son equívocas, y eso quita verosimilitud a un personaje que es obligado girar sobre sí mismo sobre el tercio final. Quien sí destaca, por su naturalidad, es “Chato” -Julio Cesar Cedillo-, mucho más centrado y en buena línea con la demanda de su rol de soporte. Asimismo, el hijo menor de la pareja se distancia también un poco, básicamente por su espontaneidad, lo que deja al descubierto una irregular dirección de actores.

Cuando la cinta se quiere explicar, aparecen los temas de fondo. Por ejemplo, el reclamo ante los daños a la naturaleza por esta intervención de empresas, carentes de regulación, que arrasan todo a su paso. También emerge el sentido de venganza, o de restablecer el orden natural, basado en esas historias míticas sobre las que se construye la premisa. Todo aquello, que podría funcionar bien, se desaprovecha por la básica argumentación, y porque se ve todo un poco fuera de foco, desconectado del hilo conductor de la historia global.

Dirigida por Adrian Grunberg, “The Black Demon” funciona a medias. Al no centrarse en las andanzas de la criatura, destina mucho espacio a lo relacional, intenta proponer una reflexión, y no resulta convincente. Además, tiene algunas inconsecuencias básicas como los cambios de ropa de los protagonistas en la plataforma, escenas submarinas muy parecidas unas con otras, y algunas secuencias donde la edición no es todo lo pulcra que uno esperaría de este tipo de realizaciones.

Al final, ¿es una película de terror o pretende ser una lección moral? En ese sentido, y al no estar claro el objetivo, el rumbo se difumina pues podría haber logrado acentuar mejor su moraleja, y con ello obtener un satisfactorio resultado final.

Ficha

Título original: The Black Demon
Año: 2023
Duración: 100 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Coproducción Estados Unidos-Rep. Dominicana; Mucho Mas Media, Silk Mass, Chocolatito, Lantica Media
Género: Thriller. Acción | Tiburones. Monstruos
Guion: Boise Esquerra. Historia: Carlos Cisco
Fotografía: Antonio Riestra
Reparto: Josh Lucas, Fernanda Urrejola, Julio Cesar Cedillo, Venus Ariel, Jorge A. Jimenez
Dirección: Adrian Grunberg 

La Madre

Sinopsis: Una letal asesina sale de su escondite para proteger a su hija, a quien dio en adopción años atrás. Juntas se verán obligadas a huir de todos los peligros que las acechan.
Difícil catalogar este nuevo estreno. ¿De acción? Apenas roza el suficiente. ¿Thriller? No alcanza a serlo. ¿Un drama, entonces? No hay mucho tampoco. El problema es que la película no resulta, no despega nunca, y parece de no creer el término anticipado del contrato de varios actores.

Si bien posee fotografías interesantes, este filme dirigido por Niki Caro no camina adecuadamente. Hay algo forzado en su ritmo y desarrollo, o más bien desconectado, tal como su música, y en especial cuando hay ausencia de banda sonora en varias de sus escenas. Jennifer Lopez intenta ser dura, en un papel muy distinto a sus últimos trabajos, pero se contagia con el ambiente y queda a medio camino. Pocas veces vemos un primer plano con brillo en sus ojos, algo que resulta a todas luces extraño para una actriz que aprovecha muy bien su imagen, desplante y atractivo. ¿Química femenina, entonces, entre madre e hija? Tampoco. Y del resto, poco, muy poco rescatable.

El guion, basado en una historia de Misha Green, tiene dos partes muy claras: una primera más activa y una segunda que representa el viaje de las dos protagonistas, ese camino y encuentro que finalmente es lo medular del relato. Tal como está desplegado, son dos películas -una por cada parte-, porque no observamos un punto de tensión común que construya una progresión hacia una cima que exija resolución.

“The Mother”, en síntesis, es plana porque sabemos hacia dónde va. No toma riesgos (ojalá hubiese tomado alguno como los de la protagonista), se diluye en lo predecible, y el relleno, al que por momentos recurre, la hace sentir más larga de lo que realmente es. Si se mantiene a flote es única y exclusivamente por Jennifer Lopez, quien con su carisma hace esfuerzos enormes para que este barco, que hace agua por todos lados, no termine en el fondo del mar.

Ficha técnica

Título original: The Mother
Año: 2023
Duración: 115 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Nuyorican Productions, Vertigo Entertainment. Distribuidora: Netflix
Género: Thriller. Acción
Guion: Andrea Berloff, Peter Craig, Misha Green. Historia: Misha Green
Música: Germaine Franco
Fotografía: Ben Seresin
Reparto: Jennifer Lopez, Lucy Paez, Omari Hardwick, Joseph Fiennes, Gael García Bernal, Paul Raci, Jesse Garcia, Yvonne Senat Jones, Edie Falco

Dirección: Niki Caro 

Rápidos y Furiosos X

Versión 10 de esta saga que parece no tener techo ni límites, aunque ya se anuncia su pronta conclusión, en uno o dos capítulos más. En esta ocasión, el clan Toretto se ve enfrentado a una amenaza que parece insalvable. Se trata de la aparición en escena de Dante Reyes -Jason Momoa-, hijo del mafioso narcotraficante brasileño Hernán Reyes, quien viene decidido a liquidar a Dom -Vin Diesel-, y de paso arrasar con su familia y todo su equipo, para vengar los hechos ocurridos el año 2011, en la quinta parte de la historia.

Como siempre, la película pone énfasis en esa unión familiar irreductible que transmiten los Toretto. Y esto no es pequeño, porque la familia no es solo de sangre sino bastante extendida: abarca a todos quienes han estado a su lado, trabajado junto a ellos, e incluso a aquellos que se han convertido de enemigos acérrimos a fieles seguidores y buenos amigos. El valor que les une, ese sentido de protección, se traduce en un amor incondicional, a prueba de cualquier dificultado o condición, y es la característica principal que moviliza una historia que en su capa externa solo muestra acción, fuegos artificiales, y muchísima parafernalia.

Dirigida por Louis Leterrier, las dos horas con veinte minutos de duración pasan veloz, y solo se sienten un poco en la transición al tercio final que prepara la conclusiva batalla. La acción trepidante que se desarrolla es infernal, desde la secuencia inicial, y pasando por cada una de las secciones que componen el pilar fundamental de su construcción. Podríamos señalar, incluso, que esta es una película vibrante, algo interrumpida por algunas pausas dramáticas que apenas se salvan de ser reconocidas como baches narrativos.

El fuerte está en la calle, en las carreras de autos, en las persecuciones, en esos saltos inverosímiles, en la absurda destrucción que producen, y en todo aquello que ya es característico y sello indiscutido de todas las secuelas de “Fast”. Las cámaras están muy bien puestas y la edición es brillante. El uso de los drones -que puede marear por momentos-, propone unos cambios de velocidad -y de altura-, que se complementan muy bien con las secuencias filmadas en tierra; un acierto, sin duda, que ya es marca registrada.

Lo qué pasa a pérdida es también bastante claro. Las peleas “de a pie”, en tierra, no tienen la misma dinámica, lamentablemente. Un caso similar sucede con el humor, esta vez algo sobregirado, ni tan gracioso, ni tan importante en su aporte al relato como en otras oportunidades. Otro punto a considerar es que en esta ocasión parece ser la película de Jason Momoa, en detrimento de sus figuras tradicionales. Incluso, Dom se ve algo resentido por la confección de este villano improbable, e insufrible, una mezcla de payaso egocentrista que, cual mercenario, no dilapida un segundo en someter al mundo a sus sádicas condiciones. Jason parece disfrutarlo, y eso se nota, y aunque resulte muy desagradable, hay que decir que se luce en una caracterización bastante alejada de sus roles habituales.

Desde la trama, bueno, es muy simple y directa. Un robo, una trampa, confusiones varias, buenos que persiguen a “buenos”, hasta que se dan cuenta que están equivocados; y malos que persiguen a otros más malos, hasta que toman conciencia que solos no pueden y necesitan ayuda… ¡de esos “buenos”! Tal vez, lo más interesante del guion es llevar las cajas en forma separada, en un paralelismo de historias que por momentos resulta, porque así descansamos un poco de cada una, algo así como tomar un respiro de aire para poder continuar. Y así pasamos por Los Ángeles, Roma, Río de Janeiro, Londres y Portugal, en una caída libre que parece que no se detiene nunca.

Con ciertas odas a lo antiguo, o reminiscencias de los 90, esta “Fast X” entrega el protagonismo afuera del equipo principal, mostrando a los Toretto siempre a la defensiva, un paso atrás, y con un peso desequilibrado en cada uno de los personajes que lo componen. La película gana mucho cuando regresa a su esencia pura, a la carretera, a lo callejero, a aquello que es su centro y razón de ser, la velocidad y sus muy bien logrados saltos ornamentales. Y claro, al final todo cuadra, porque quedamos en ascuas, en un final abierto tipo “continuará”, y que deberemos esperar para descubrir cómo se las van a arreglar para resolver un entuerto que de verdad no está nada fácil; por el contrario, esta requetecontra difícil.

Ficha técnica

Título original: Fast X
Año: 2023
Duración: 141 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Original Film, One Race Films. Productor: Justin Lin. Distribuidora: Universal Pictures
Género: Acción | Coches/Automovilismo. Secuela
Guion: Justin Lin, Dan Mazeau. Personajes: Gary Scott Thompson
Música: Brian Tyler
Fotografía: Stephen F. Windon
Reparto: Vin Diesel, Michelle Rodriguez, Tyrese Gibson, Ludacris, Jason Momoa, Jason Statham, John Cena, Jordana Brewster, Nathalie Emmanuel, Sung Kang, Brie Larson, Charlize Theron, Helen Mirren, Rita Moreno.
Dirección: Louis Leterrier 

Cuando ellas quieren más

Sinopsis: Cuatro mejores amigas mayores llevan su club de lectura a Italia para el divertido viaje de chicas que nunca tuvieron. Cuando las cosas se descarrilan y se revelan los secretos, sus relajantes vacaciones se convierten en una aventura a campo traviesa única en la vida.

En esta segunda parte -y recargada- de este ameno Club de Lectura, vemos cómo Diane -Diane Keaton-, Vivian -Jane Fonda-, Sharon -Candice Bergen-, y Carol -Mary Steenburgen-, logran superar con bastante éxito el encierro generado por la pandemia. Cuando se vuelven a reunir presencialmente, y ante el inminente e inesperado matrimonio de Vivian, surge una idea loca. ¿Qué tal si, como buena despedida de soltera, viajan las cuatro a Italia, a recorrer sus hermosos parajes, y por qué no, algo más?

La reticencia es mínima, obvio, aunque igual existe. Comienzan, entonces, una aventura que las llevará de tour por Roma y Venecia, en un lujo paradisiaco que se verá interrumpido por situaciones y anécdotas propias de un cuento de hadas, pero también por dificultades, obviamente necesarias para darle un poquito de tensión al relato.

Escrita y dirigida por Bill Holderman, esta película tiene postales preciosas. Qué lindo es ver Roma a través de los ojos de las protagonistas. ¡Y qué decir Venecia! Con esa llegada magnifica, aunque algo accidentada, dan ganas de ir, volver, visitar y revisitar una ciudad mágica, bella, llena de rincones y sorpresas.

La película disfruta de la relación que se da entre estas grandes amigas. Se gozan por igual esos cuadros pintorescos de sus personalidades como aquellas conversaciones, muchas veces superficiales, pero que rozan temas de fondo. Un punto que no pasa inadvertido es la figuración masculina en esta pieza. La caricatura es clara, y el peso de los papeles también. Daría para unas buenas líneas analizar esos roles, pero claramente no constituyen la parte principal de la cinta, a pesar que, buenamente, podría asociarse a un soñado ideal femenino.

Simpática, divertida e inverosímil (aunque a veces muy falsa y adornada), “Book Club 2: The Next Chapter” ratifica que “el dinero no hace la felicidad”, pero ayuda a financiarla, como dice un buen amigo. Casi dos horas bien agradables, ayudan a pasar un buen rato para distraerse y pensar en la amistad y en el amor como fuente principal de vida, independiente de cualquier diferencia, condición o edad.

Ficha técnica

Título original: Book Club 2: The Next Chapter
Año: 2023
Duración: 107 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Endeavor Content, Focus Features, Makeready. Distribuidora: Focus Features, Universal Pictures International
Género: Comedia. Drama. Romance | Secuela. Amistad. Literatura
Guion: Bill Holderman, Erin Simms
Música: Tom Howe
Fotografía: Andrew Dunn
Reparto: Andy García, Diane Keaton, Jane Fonda, Mary Steenburgen, Don Johnson, Candice Bergen, Craig T. Nelson, Giancarlo Giannini, Hugh Quarshie, Vincent Riotta, Grace Truly, Adriano De Pasquale, Vera Dragone
Dirección: Bill Holderman 

Cría Siniestra

Muy interesante filme finlandés dirigido por Hanna Bergholm. El centro es la joven Tinja -Siiri Solalinna-, de solo 12 años, y su madre -Sophia Heikkilä-, una influencer que a través de su blog insiste en lo perfecta que es su familia.

Como sabemos que las apariencias engañan, y no todo lo que brilla es oro, cuando un cuervo ingresa intempestivamente a la casa, comienzan a suceder extraños sucesos que amenazan la tranquilidad familiar. La madre mata al cuervo y le pide a Tinja que lo bote a la basura, pero en realidad el pájaro no esta muerto. Se ha escapado hacia el bosque, y en su nido hay un pequeño huevo. Luego de sacrificarlo para aliviar su agonía, la conciencia de la joven le obliga a cuidar ese peculiar descubrimiento, lo lleva a casa, lo cuida y protege durante su crecimiento. Las cosas se complican cuando eclosiona y surge una criatura espeluznante que cambia por completo la vida de Tinja.

Lo explícito del sustento de la cinta, la presencia de un “doppelgänger”, hace que el argumento sea todavía más inquietante. ¿Vemos un espejo de la realidad, o más bien no queremos ver esa realidad? ¿Esta obsesión de presentar en público una familia modelo, que por cierto dista mucho de aquello, es solo la punta del iceberg de problemas mucho más profundos?

Basada en una historia original de su directora, Hanna Bergholm, esta película propone un suspenso diferente gracias a interpretaciones consistentes, en especial la de la joven Siiri Solalinna. Hay tantas caretas que llevamos puestas en la vida, que descubrir cuál es la propia resulta todo un desafío. Este trabajo lo proyecta en esta criatura que es acogida, incluso antes de nacer, por Tinja. Es bastante claro que corresponde a una parte de su propia realidad, por ello esta forma de desdoblarse provoca no solo temor, sino que se traduce en una inquietud que se podría describir como terror oculto, inmanejable y desbordante.

“Pahanhautoja”, su título original, incursiona con elementos diferentes en un género que pocas veces ofrece mayor innovación. Con pocos diálogos, y un trabajo que apunta más a las sensaciones, logra cautivar durante sus 88 minutos de duración, ofreciendo una realización cuidada estéticamente, con buen ritmo y un final, que naturalmente, queda abierto a nuestras propias interpretaciones.

Ficha técnica

Título original: Pahanhautoja
Año: 2022
Duración: 88 minutos
País: Finlandia
Compañías: Coproducción Finlandia-Suecia; Silva Mysterium Oy, Film I Väst, Hobab. Distribuidora: IFC Midnight
Género: Terror. Thriller | Familia. Gimnasia. Thriller psicológico
Guion: Ilja Rautsi. Historia: Hanna Bergholm
Música: Stein Berge Svendsen
Fotografía: Jarkko T. Laine
Reparto: Siiri Solalinna, Sophia Heikkilä, Jani Volanen, Reino Nordin, Oiva Ollila, Saija Lentonen, Stella Leppikorpi, Ida Määttänen, Hertta Karen, Miroslava Agejeva
Dirección: Hanna Bergholm 

Amor a primer mensaje

Sinopsis: ¿Qué ocurriría si un mensaje de texto al azar te llevara al amor de tu vida? Mientras intenta superar la pérdida de su prometido, Mira Ray envía una serie de mensajes románticos a su antiguo número de teléfono... sin tener en cuenta que el número había sido reasignado al nuevo teléfono de trabajo de Rob Burns. Rob, periodista, queda sorprendido por la honestidad de los mensajes de texto. Cuando le asignan la tarea de escribir un artículo sobre la megaestrella Celine Dion, él le pide ayuda para averiguar cómo conocer a Mira en persona... y conquistar así su corazón.

Como remake de la película alemana del 2016 “SMS für Dich”, y basada en la novela de Sofie Cramer, esta nueva versión Escrita y dirigida por Jim Strouse presenta una comedia romántica convencional con una buena premisa. Ambos protagonistas pierden al amor de su vida, pero en circunstancias muy diferentes: Mira -Priyanka Chopra Jonas-, en una tragedia que parece insuperable; Rob -Sam Heughan-, producto de una decepción amorosa ad portas de contraer matrimonio. Los dos actores lo hacen bien, se notan sueltos y despliegan ampliamente sus carismas. La química entre ellos funciona, se ve natural, y gracias a ello convence. En ese sentido, la distancia que existe respecto a los personajes secundarios es amplia, pues se ven demasiado livianos y caricaturizados, aunque aquello sea algo común en este tipo de trabajos.

¿Lo descrito, alcanza a configurar una historia interesante?

“Love Again” es simple, lineal, irremediablemente predecible, con un obvio punto de conflicto y tal vez un poquito extensa. Y aunque Céline Dion le da un plus con su música y personalidad interpretándose a sí misma, este filme solo logra un resultado irregular. Funciona mejor en el romanticismo que en la comedia, en ese atisbo de profundidad que en el simple estereotipo.

No obstante este análisis, a veces queremos ver películas así, sobre esas esperanzadoras segundas oportunidades, para confiar en el azar, volver a creer en el amor, y desear que esa magia que observamos en pantalla se transmita a nuestra propia vida. Además, la película se desarrolla en Nueva York… ¡qué mejor escenario!

Por eso, y al menos para mí, “Amar de nuevo”, la traducción de su título original, cumple, porque finalmente las películas las recibimos y valoramos según nuestro estado de ánimo y propias necesidades. Y justo hoy, necesitaba ver una película así.

Ficha técnica

Título original: Love Again
Año: 2023
Duración: 104 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Screen Gems, Thunder Road Pictures. Distribuidora: Sony Pictures Entertainment (SPE)
Género: Romance. Comedia | Comedia romántica. Remake
Guion: Jim Strouse. Libro: Sofie Cramer. Remake: Karoline Herfurth, Malte Welding, Andrea Willson, Sophie Kluge, Anika Decker
Música: Keegan DeWitt
Fotografía: Andrew Dunn
Reparto: Priyanka Chopra, Sam Heughan, Céline Dion, Lydia West, Russell Tovey, Celia Imrie, Nick Jonas, Omid Djalili, Steve Oram, Amanda Blake

Dirección: Jim Strouse

Misántropo

Noche de Año Nuevo. Baltimore. Fuegos artificiales, celebración, jolgorio. Un francotirador, 29 víctimas. Un departamento destruido por una explosión. No hay explicación, ni antecedentes, ni tampoco relaciones. Ningún cabo del cual tirar.

La policía local está sobrepasada y actúa el FBI. Geoffrey Lammark -Ben Mendelsohn-, el investigador que asume el caso, exuda experiencia, liderazgo, prestancia, seguridad; excelente imagen externa, pero no resultados. Eleanor Falco -Shailene Woodley-, oficial de bajo rango y una de las primeras en llegar a escena, le atención, y no por sus mejores atributos. Ve en ella a una persona retraída, con una personalidad asimilable al victimario, pero que ha tomado un camino diferente. En vez de salir a eliminar al mundo exterior, ha intentado eliminarse.

El centro de esta película escrita y dirigida por Damián Szifrón es su título original: atrapar al asesino. El comienzo es escalofriante, seco, duro, impactante. La tensión sube lentamente. No es necesario acentuar nada: asesinatos a sangre fría, dirigidos, claros, certeros.

La interrogante a resolver es quién es el culpable, por qué hace lo que hace. Parece algo vago y sin sentido, pero es obra de un profesional entrenado. Hay sospechosos, y se investiga. Una clave: se trata de un perfil, se deben leer los detalles. De esa lectura pueden desprenderse indicadores que despejen la incógnita.

Szifrón maneja los tiempos, el ritmo y la profundidad. Porque no es solo la presa lo importante, también los cazadores. No vemos al responsable pero sí sabemos de él. Vamos configurando su imagen, su personalidad. Imaginamos algunas motivaciones, pero no tenemos total seguridad. La psicología comienza a jugar un papel relevante, porque el paralelismo de perfiles es evidente. ¿Y el de Lammark, encaja también?

La película adquiere otro matiz a partir del segundo tercio. Otra masacre, pero ya se observa algo más. Un descuido, imágenes, y restos encontrados en un basural. Es todo un desafío unir los hilos, encontrar las piezas, rellenar los espacios vacíos. Las estrategias policiales difieren, la prensa se involucra, la difusión se transforma como una tragedia paralela. Un error, una falla; consecuencias fatales.

Justo antes de emprender el tercio final, cunde la desesperanza. Están perdidos entre luchas internas de poder. Emerge una conclusión que es, casi, como un volver a empezar. Eleanor se enfrenta sola con sus miedos y sus traumas, con serias dudas, en una lucha intensa contra ella misma. Se repite la historia. Cuando se abre una pista, el relato se completa, todo adquiere sentido.

Interesante trabajo del director Argentino de “Relatos Salvajes”. Con un estilo diferente y manteniendo su característica dirección, ubica las piezas en lugares estratégicos para provocarnos. Caminos difusos se separan y se unen; configuración de personajes muy bien logrados; actuaciones sólidas, creíbles y complementarias; escenarios oscuros, grises, deprimentes. Un invierno permanente, frío, lúgubre, asociado, así, a personalidades nubladas y en extremo vulnerables.

“To Catch a Killer”, funciona como thriller pero es más un drama psicológico. Una exposición de elementos para analizar profundamente, para explorar, y discutir. El cara a cara final resulta casi una sesión de terapia, convincente y a la vez definitoria, lo mismo que ese final ácido en contra del “establishment”, tan real y decadente como podemos suponer que es.

Ficha técnica

Título original: To Catch a Killer
Año: 2023
Duración: 119 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Filmnation Entertainment, RainMaker Films. Distribuidora: Vertical Entertainment
Género: Thriller. Intriga. Drama | Policíaco. Asesinos en serie
Guion: Damián Szifrón, Jonathan Wakeham
Música: Carter Burwell
Fotografía: Javier Juliá
Reparto: Shailene Woodley, Ben Mendelsohn, Jovan Adepo, Ralph Ineson, Dusan Dukic, Mark Camacho, Richard Zeman, Nick Walker, Sean Tucker, Jason Cavalier
Dirección: Damián Szifrón 

Empieza el Baile

Juan Carlos Moreno -Darío Grandinetti-, vive en Madrid con su esposa y su hija. Un repentino llamado desde su natal Argentina trastoca la rutina cotidiana. El aviso lo fulmina: su expareja de baile, se ha suicidado. Con ella, ambos fueron famosos bailarines de tango, estrellas de una época que ha quedado atrás, muy atrás, una caja de recuerdos a punto de pasar al olvido.

La nostalgia invade a Carlos. Debe viajar al funeral. Decide ir solo, sabiendo de los celos y el enfado que ello provoca en su actual mujer. Al menos tiene el apoyo de su hija, una relación que, en breves minutos, podemos percibir como genuina y de gran ternura.

El arribo a Buenos Aires es el esperado. Un taxista típico (con esas conversaciones sobre política que siempre iluminan al viajero internacional), y la muestra de esa idiosincrasia porteña, se combinan perfectamente. El encuentro con “Pichuquito” -Jorge Marrale-, gran amigo en común de la pareja, devela una gran historia de amistad que la trama va desarrollando lenta y pausadamente, hasta que un giro radical -que es mejor no adelantar- pone el relato de cabeza.

¡Qué buena configuración de personajes tiene esta película escrita y dirigida por Marina Seresesky! Es cierto que el trío protagonista es de lujo, pero la convicción de la dirección, los espacios individuales, y el adecuado pulso entregado a cada uno, potencia actuaciones que quedan de inmediato en nuestra retina. Grandinetti expresa prestancia, una tranquilidad que solo la experiencia puede entregar, un peso y serenidad fundamental que entrega bases sólidas para el desarrollo de esta aventura. Mercedes Moran, por su parte, está estupenda interpretando a “Marga”, con todas sus luces y sus sombras, empecinada en cumplir un objetivo que para ella asoma primordial, y que refiere a su pasado con Carlos, también a sus mayores miedos y quizás escasa perspectiva futura. Jorge Marrale es el tercero en el panel, el eje, el mediador, pero también de conexiones profundas con ambos, además de un íntimo secreto que le carcome por fuera y por dentro.

El guion está muy bien compuesto. Todo resulta tan cotidiano y tan simple, que permite que se desarrolle una gran química entre los protagonistas. La humanidad que conlleva la trama es la sustancia de fondo; una crónica de recuerdos imborrables que involucra alegrías y tristezas, éxitos y fracasos, enmarcada en la carrera profesional y personal -la vida entera- de Marga, Carlos y Pichu.

Después de una inesperada confesión, las sorpresas continúan y la trama se enreda aún más. ¡Qué facilidad para reírse de las tragedias tienen algunas películas Argentinas! Esta no es la excepción, pues el cruce de géneros se advierte claro. Fluctúa entre un drama robusto, una comedia negra aligerarte, y una “road movie” que parece perseguir el lema “cada día puede ser… peor”. Una tragicomedia de tomo y lomo.

Simpática, cautivante, deliciosa, y encantadora, “Empieza el baile” cubre de un especial ropaje un viaje esencial que quiere reconciliar el pasado, ubicar el presente y encontrar paz. Cuando la película se arriesga a seguir abriendo posibilidades, ya bien avanzado el metraje, uno se pregunta cómo podrá hacer el cierre. En otro acierto de la directora, aquello se produce sin más, con sutileza y mucha delicadeza, al ofrecer un final abierto a la interpretación, pero que se cuida de tomar varios detalles enunciados con anterioridad.

Muy recomendable, una agradable sorpresa de temporada, para disfrutarla y saborearla con mucha calma.

Ficha técnica

Título original: Empieza el baile
Año: 2023
Duración: 98 minutos
País: Argentina
Compañías: Coproducción Argentina-España; Meridional Producciones, Oeste Films, Patagonik, El Gatoverde Producciones, Áralan Films, Habitación 1520 Producciones, Sur Films, Reina de Pike
Género: Comedia. Drama | Comedia dramática. Vejez / Madurez. Road Movie
Guion: Marina Seresesky
Música: Nicolás Guerschberg
Fotografía: Federico Rivares
Reparto: Darío Grandinetti, Mercedes Morán, Jorge Marrale, Pastora Vega, Agostina Pozzi, Lautaro Zera, Marcelo Xicarts, Carolina Sobisch
Dirección: Marina Seresesky 

En el lugar equivocado

Disponible en Netflix.

El gancho es inequívoco: Bruce Willis. Además, en una de las últimas películas de su exitosa carrera, filmada antes de conocerse su retiro producto de su invalidante condición.

La trama nos muestra a Frank Richards -Willis-, un ex capitán de policía que está a punto de recibir la visita de su hija. Un año antes, las tragedias familiares provocaron una verdadera inundación: la detección del cáncer de Chloe -Ashley Greene-, y luego un accidente de fatales consecuencias, modificaron por completo su vida.

Frank sobrelleva ese fuerte trauma y en poco tiempo ha logrado pararse, al menos un poco, para ocuparse de la seguridad privada de una tienda cercana. ¿Cómo se recupera una persona de un sufrimiento que parece inextinguible? ¿Se puede aliviar una pesada culpa y, en definitiva, sanar? Un incidente inesperado, casi fortuito, modifica una vez más el escenario para el protagonista, quien debe enfrentarse a una brutal venganza.

El mayor problema que tiene esta cinta dirigida por Mike Burns radica en que no sabemos hacia dónde transita. Los pasos del guion son menores, incluso inconexos. Parece que los errores, a los que hace mención el título, no hacen más que ratificarse en un metraje plano y sin sentido, cuya tensión es cuestionable, irregular y muy poco convincente.

El personaje del Capitán East -Texas Battle-, está destinado a entregar la cuota de distensión del filme, pero no funciona. La habilidad de Chloe, especialmente en las escenas del bosque, se ve opacada por las escenas realizadas junto a su pareja o su padre, donde se despega totalmente de cualquier posible conexión emocional. Bruce Willis aporta muy poco, en realidad, pero debemos ser generosos con el. La historia pesa, y las condiciones de la filmación también. Una concesión, a esta altura, no solo es justa sino merecida.

Es verdad que al final coinciden las piezas y existe alguna que otra fotografía hermosa, pero es insuficiente. La película es pobre, en desarrollo y en configuración. Como comedia, definitivamente no camina; como thriller, es sumamente predecible; y como drama, tal vez podría haber funcionado con una mejor construcción de personajes y un tejido más interesante de la historia.

Fallida y no creíble, con detalles no cuidados (solo un ejemplo, una gruesa deficiencia cuando toman armas sospechosas sin guantes apropiados), “Wrong Place” tiene un final extenso, que migra hacia lo sentimental pero sin tener previo sustento. Entretiene, a medias, y los sentimientos encontrados florecen abiertamente. Gracias a Bruce Willis por su carrera, por acompañarnos tantos años, sin embargo, qué lástima que un trabajo tan pequeño sea parte de sus últimas apariciones. Afortunadamente, podremos recordarlo por obras mayores, sin lugar a dudas.

Ficha técnica

Título original: Wrong Place
Año: 2022
Duración: 96 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Five Star Films, BondIt, Buffalo 8 Productions, EFO Films, Verdi Productions. Distribuidora: Vertical Entertainment
Género: Thriller. Acción | Crimen
Guion: Bill Lawrence
Música: Mike Burns
Fotografía: Peter Holland
Reparto: Ashley Greene, Bruce Willis, Michael Sirow, Texas Battle, Massi Furlan, Stacey Danger, Josh Rhett Noble, John D. Hickman, Adam Huel Potter, Amber Townsend, Larken Woodward
Dirección: Mike Burns 

Ghosteado

Disponible en Apple TV +.

Una nueva historia de “chico conoce chica”, con ciertos condimentos que la diferencian de otras manidas comedias románticas.

Veamos, las cosas son más o menos así. En un encuentro casual, en un mercado de Washington DC, Sadie Rhodes -Ana de Armas-, conoce a Cole Turner -Chris Evans-, un granjero vendedor de especias. No va bien esta primera aproximación, sin embargo parece que hay algo… ¿una atracción, un coqueto, un incipiente interés? No es muy claro, pero se conceden salir y la cita resulta mucho más fluida de lo que ambos hubiesen imaginado. Hasta ahí, todo bien, pero Sadie desaparece y no contesta ningún mensaje más, de ahí el título de la cinta.

Lo único que sabe Cole es que esta preciosa joven debía ir a Londres, y no se le ocurre mejor idea que viajar y sorprenderla. Craso error -bueno, si no, no hay película-, porque al llegar a buscarla lo toman prisionero. Afortunadamente Sadie lo rescata, pero nuestro protagonista se entera por las malas del oficio de su enamorada, nada menos que agente secreta y, además, de élite. Y esto es solo el primer paso. Las aventuras siguientes los llevarán por variados lugares -Isla paradisiaca mediante-, en la lucha por detener a un peligroso traficante que quiere hacer negocios con un arma de destrucción masiva, capaz de poner en peligro al mundo entero.

El director Dexter Fletcher hace de las suyas filmando muy bien las escenas de acción y que, por lo demás, son varias. El primer rescate brilla por la coreografía acrobática presentada; la escena en el avión también es trepidante; y la pelea final tira toda la “carne a la parrilla” al punto de dejarnos exhaustos, incluso más que a los propios protagonistas. Como el argumento es sencillo, la base es precisamente la acción, y la película, cuando se centra en ello, fluye bien. El tema es cuando se aleja porque se nota, es como si le pusieran un freno de mano; se mueve poco y nada.

Es un acierto ubicar a Adrien Brody nuevamente en un papel de villano. Termina siendo un buen antagonista para una dupla protagónica que tiene sus momentos de buena química. Naturalmente ambos actores, Chris Evans y Ana de Armas, tienen peso por sí mismos, pero juntos demoran en alcanzar ese grado de complicidad que se necesita para dar mayor vida a un relato que se sostiene casi exclusivamente en la simpatía, prestancia y versatilidad de ambos.

Algo boba y naturalmente predecible, estamos ante una película livianísima, exagerada, inverosímil, pero entretenida. Y si les gustan los actores, los dos lucen toda su belleza, galanura, brillando como las estrellas que son. En resumen, “Ghosted” resulta ideal -y lo digo con conocimiento de causa porque justamente fue mi caso-, para soportar la tediosa espera de un vuelo pospuesto por unas cuantas horas.

Ficha técnica

Título original: Ghosted
Año: 2023
Duración: 116 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Apple Original Films, Skydance Productions, Studio Concierge. Distribuidora: Apple TV+
Género: Acción. Romance | Comedia romántica. Espionaje
Guion: Rhett Reese, Paul Wernick, Chris McKenna, Erik Sommers. Historia: Rhett Reese, Paul Wernick
Música: Lorne Balfe
Fotografía: Salvatore Totino
Reparto: Chris Evans, Ana de Armas, Adrien Brody, Mike Moh, Amy Sedaris, Tate Donovan, Tim Blake Nelson, Mustafa Shakir, Lizze Broadway, Fahim Fazli
Dirección: Dexter Fletcher 

Blanquita

Este filme de Fernando Guzzoni comienza con una escena de un joven fuera de control que trata de ser calmado por otra joven. Ella es Blanca -Laura López-, y ambos viven en un hogar a cargo del Padre Manuel. Enérgico, y con un lenguaje directo, el sacerdote reprende a quienes forman parte de este centro de acogida. “Ustedes no existen… solo acá son seres humanos”. La mayoría de quienes allí reciben ayuda son jóvenes que han sido abusados. Los informes médicos son claros: niños vulnerables, con vidas precarias, muchos de ellos en situación de calle, que han sufrido violaciones y vejámenes indescriptibles.

Al destaparse un mediático caso que involucra a un renombrado empresario, Blanca señala haber estado en las fiestas organizadas y conocer a una figura pública, un Senador de la República. Los contactos del padre Manuel los llevan hasta una diputada amiga -Amparo Noguera-, quien se involucra a pesar de sus iniciales dudas. Lo que viene a continuación son peritajes, informes médicos, entrevistas, investigaciones, y revuelo mediático, la historia íntima de un caso que sacudió a la sociedad chilena hace casi 20 años.

Basada en hechos reales -el llamado "Caso Spiniak"-, “Blanquita” recrea los hechos con convicción y transparencia. La óptica corresponde a la joven Blanca, sin embargo no excluye a ninguno de los principales protagonistas de un escándalo de proporciones. Guzzoni aprovecha la oscura fotografía, realizada por Benjamín Echazarreta, para ejemplificar los laberintos intrincados de un argumento crudo, dramático, y que tiene un claro hilo conductor. Los contrastes tonales y esa tenue iluminación, resaltan los rostros y gestos de los involucrados. Las emociones afloran diáfanas, cristalinas y sin ningún filtro. Esta particular estética, por momentos claustrofóbica, no se enreda ni se desenfoca con detalles nimios, muy por el contrario, entrega la consistencia necesaria a un relato extremadamente natural en sus diálogos, y capaz de poner los puntos sobre las íes. En síntesis, una sólida y verosímil forma de dar cuenta del bullado caso.

La actuación de Laura López es sobresaliente. Impacta la forma cómo configura su personaje. Se muestra ruda y vulnerable a la vez, distante, desconfiada, pero al mismo tiempo valiente y segura de los pasos que debe dar. Hay en ella un compromiso tácito: los culpables de los abusos, en especial el Senador, deben pagar. Blanca duda, por momentos quiere desertar, pero es impulsada a continuar en su afán. Alejandro Goic acompaña muy bien, alejado de las formas clericales clásicas y muy comprometido con la denuncia, dando perfecta cuenta del perfil de quien representa. Amparo Noguera, por su parte, nos permite vislumbrar ese mundillo político, donde todos se conocen, tienen compromisos, responden a presiones y amistades, y solo pueden llegar hasta un cierto punto antes de quedar fuera del juego.

Fernando Guzzoni maneja de buena forma la tensión. Imprime sentido de urgencia cuando se requiere, y es capaz de pausar cuando necesitamos tomar un respiro. El ritmo no decae nunca, eso sí, y ese suspenso e intranquilidad que transmite el metraje realmente incomoda. De los momentos más importantes, podemos destacar el amedrentamiento al que son sometidos los protagonistas, la entrevista de Blanca en TV (muy impactante en su momento), el encuentro del padre Manuel con el Cardenal, las diferentes confrontaciones cara a cara, y algunas frases que remecen por su contenido y significado. “Me van a pillar”, “me estás usando”, o “ellos pueden violar y yo no puedo mentir”, son palabras fuertes que quedan resonando. Asimismo, marca profundamente una expresión del padre Manuel que no pasa inadvertida: “las buenas mentiras se arman con verdades”.

“Blanquita” es una excelente realización -elegida para representar a Chile en los pasados Premios Óscar- que llama a reflexionar sobre la vulnerabilidad, y las redes que usan y abusan de jóvenes desprotegidos que no tienen cómo hacer frente a tamañas atrocidades. El tinte verás que posee este trabajo es digno de admiración, una construcción finísima, nada complaciente, de una realidad que muchas veces logra esconder a los verdaderos culpables.

Cuando el investigador -interpretado por Marcelo Alonso-, confronta mentiras con verdades, todo parece venirse abajo por las muchas inconsistencias que quedan al descubierto. ¿Es el fin del camino? La pregunta que surge a continuación responde al caso real, y es de fondo. ¿Qué se busca con una denuncia de este tipo, realizada bajo esas condiciones? Sin duda, la respuesta espontánea es justicia, sin embargo, en algunas oportunidades los caminos escogidos pueden dificultar, más que ayudar, el encontrar una verdad esquiva, muy comprometida con el poder económico, y que muchas veces logra cubrir su rastro para que la mayoría de los responsables quede impune.

Ficha técnica

Título original: Blanquita
Año: 2022
Duración: 99 minutos
País: Chile
Compañías: Coproducción Chile-México-Luxemburgo-Francia-Polonia; Don Quijote Films
Género: Drama
Guion: Fernando Guzzoni
Música: Chloé Thévenin
Fotografía: Benjamín Echazarreta
Reparto: Laura López, Alejandro Goic, Amparo Noguera, Marcelo Alonso, Daniela Ramírez, Ariel Grandón, Katy Cabezas, Nicolás Durán
Dirección: Fernando Guzzoni 

Guardianes de la Galaxia Vol.3

Los Guardianes tienen un buen pasar en su refugio de Knowhere, salvo Peter, que sigue deprimido y se emborracha hasta borrarse. No ha podido superar la pérdida de Gamora, salir de ese cerrado círculo negro que amenaza con hacerse cada vez más y más grande, cuando sobreviene un inesperado ataque al cuartel general. Caos, destrucción y Rocket gravemente herido. Su vida peligra. Lo deben intervenir -¡urgente!-, pero no es sencillo. Algo dentro de él lo impide. Para su código, 89P13, solo su creador puede tener la clave. El tiempo apremia. Solo unas pocas horas separan la vida de la muerte.

En este tercer volumen regresan Star-Lord -Chris Pratt-, Gamora -Zoe Saldana-, Drax -Dave Bautista-, Nebula -Karen Gillan-, Mantis -Pom Klementieff-, Groot -voz de Vin Diesel- y Rocket Raccoon -voz de Bradley Cooper-, con un propósito muy claro: salvar a Rocket. Es por ello que vamos conociendo de manera intercalada y desde el inicio, trozos de la historia de este mapache diseñado genéticamente por el Alto Evolucionador. Y los guardianes deben urgar fino, porque la clave está en una información codificada que se encuentra en Orgosphere. Se trata del archivo original de Rocket, pieza clave para salvar su vida. En su búsqueda, las cosas se complican y la acción se torna frenética porque, por supuesto, los Guardianes deben, una vez más, defender el universo.

James Gunn escribe y dirige esta última parte, y el énfasis es muy claro. El motor principal, lo que mueve a nuestros héroes, es el amor, la amistad, el cariño y la camaradería. Uno de los suyos peligra, por lo tanto, todos los esfuerzos en él, y aunque en el camino surgen nuevas amenazas y problemas de gran envergadura, el objetivo central no cambia. Al contrario, todos los escenarios se complementan, e incluso podríamos decir que la nueva realidad con la que deben lidiar también forma parte de la solución.

Como sello Marvel, la película se goza en las construcciones y los escenarios. Los efectos visuales son pomposos, glamorosos, grandilocuentes. Verlos en pantalla IMax es notable, dado que están diseñados para esa pantalla extra grande, para situarnos prácticamente “dentro” de las propias secuencias. Otra distinción de esta cinta corresponde a su música, importantísima para otorgar tensión a muchas de sus escenas. Hacer el ejercicio abstracto de quitar esa música en alguna de ellas, permite justamente apreciar la dimensión de lo que aporta esta banda sonora escrita por John Murphy, y por cierto la cuidada elección de los temas que acompañan varias de las acciones. Finalmente, esa necesaria cuota de humor está más que presente, aunque mi impresión es que en esta oportunidad no causa tantas risas como en otras entregas.

Gunn cierra bien la trilogía, y fin de su ciclo en Marvel, ya que desde Noviembre de 2022 es copresidente y director ejecutivo de DC Studios, la competencia. Naturalmente ayuda mucho el hecho que ya estemos encariñados con los protagonistas de la historia, porque se produce algo que es curioso pero a la vez muy efectivo. Ya no nos preocupamos tanto de la trama, sino que lo más importante pasa a ser las relaciones que hacemos, la variación que presenta tal o cual personaje, y celebramos hasta la más mínima aparición de algunos -como Sylvester Stallone-, aunque en realidad su aporte no sea necesariamente sustantivo.

Del elenco principal, cada uno en lo suyo, y bien, con sus caricaturas y rasgos distintivos que los hacen únicos. Representan un equipo un poco disparejo pero en extremo unido, y lo más importante, con un nítido fin común. Nos hacen correr a su ritmo, y girar cuando corresponde, porque -insisto-, el argumento es lo de menos, se adivinan incluso sus variaciones.

Entretenida, y llena de fuegos artificiales, las dos horas y media de “Guardianes…” no se sienten. “Todos para uno, uno para todos” (aunque sea tomado de otra cinta presente estos días), parece ser la premisa de un grupo que se torna poderoso gracias a su diversidad. Y como el sustento de fondo es lo principal, el sentido de protección asoma como fundamental en su actuar, algo que también se extrapola a otros temas, como podemos apreciar en la conclusión.

Por favor no salgan volando de la sala, hay dos escenas post créditos que hay que ver porque… bueno, porque es Marvel.

Ficha técnica

Título original: Guardians of the Galaxy Vol. 3
Año: 2023
Duración: 150 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Marvel Studios, Marvel Entertainment. Distribuidora: Walt Disney Pictures
Género: Ciencia ficción. Aventuras. Acción. Comedia | Superhéroes. Cómic. Marvel Comics. MCU. Secuela
Guion: James Gunn. Cómic: Dan Abnett, Andy Lanning
Música: John Murphy
Fotografía: Henry Braham
Reparto: Chris Pratt, Zoe Saldana, Dave Bautista, Elizabeth Debicki, Pom Klementieff, Will Poulter, Karen Gillan, Sylvester Stallone, Sean Gunn, Daniela Melchior, Chukwudi Iwuji. Voz: Bradley Cooper, Vin Diesel
Dirección: James Gunn 

Beau tiene miedo

Ari Aster, como guionista y director, ofrece una apuesta arriesgada, un trabajo muy personal y reflexivo sobre la vida. Cuenta nada menos que con Joaquin Phoenix para componer su narrativa, un actor capaz de transmitir solo con su mirada los sentimientos más profundos e íntimos de este hombre que se ve enfrentado a sus miedos más extremos cuando trata de llegar a la casa de su madre.

“Beau tiene miedo”, en sus cuatro secciones, describe una verdadera odisea, algo que podría no tener sentido alguno o bien contenerlo todo. Lo que abarca es tan vasto que se transforma en un infinito, una especie de “loop” que suele retornar siempre a un origen, a un nacimiento, a una primera vez, a una instancia primigenia.

Hay gran talento y mérito composicional en esta obra de Aster. El análisis de personalidad es exhaustivo (aunque parcial), lo referente a las relaciones es profundo, y las amarras emocionales, significativas. La soledad de Beau nos hace sentir gran parte de su angustia existencial. Phoenix, un actor de magnitudes gigantescas, “es” la película. Sus hombros la sostienen, su pulso le da vida, su sangre le entrega fluidez. Su interpretación, en síntesis, es vibrante, sensible, y absolutamente comprometida.

Esta cinta resulta inclasificable. ¿Comedia negra? ¿Terror psicológico? ¿Drama humano? Ninguna de las anteriores y todas a la vez, un cruce inexacto que fácilmente descoloca. Lo que, desde mi visión, puedo señalar con certeza, es que se trata de una obra que provoca los sentidos, tremendamente abstracta y al mismo tiempo muy humana. Estamos ante un viaje sensitivo a través de islas de sentimientos y sensaciones, un tránsito esquizofrénico que gira en torno a la culpabilidad y a un motivo principal, el agua.

Ari Aster no la hace fácil, ni con la duración -179 minutos-, ni tampoco con señales que nos permitan elucubrar acerca de sus intimas motivaciones. La interpretación recae en nosotros, en nuestro camino recorrido, en nuestra propia historia de vida, y fundamentalmente en esa relación hijo - madre que queda tan visiblemente expuesta en tantos sentidos y dimensiones.

Párrafo aparte para la sección central -la médula significativa-, que cuenta con una animación creada por los chilenos Cristóbal León y Joaquín Cociña, de excelente factura y de gran vuelo artística, un verdadero cortometraje dentro de la película. El punto de inflexión que allí se ofrece es trascendente, tal vez imposible de graficar de otra forma; un tránsito extraño y a la vez conmovedor, con imágenes que se suceden vertiginosamente, que rápidamente cambian de lugar, de ambiente, tal como, podríamos suponer, operaría en la mente del protagonista.

El sello del director es el cine de autor, sin presiones, dogmatismos, ni nada convencional. Quizá por eso se atreve a realizar este retrato de vida que ofrece diversas fases y etapas. Asimismo, esa extrañísima mezcla de surrealismo con hiperrealismo, pasando por momentos minimalistas y maximalistas, entrega una vaguedad especial a un relato que, en lo simbólico y metafórico, configura, prácticamente, un trabajo de psicoanálisis abiertamente expuesto.

En síntesis, “Beau Is Afraid” no es fácil de entender ni de digerir. Requiere tiempo -para verla y para procesarla-, porque los espectadores somos parte esencial de la propuesta; en nosotros radica la conversación íntima, la reflexión profunda, y tal vez una necesaria introspección.

Ficha técnica

Título original: Beau Is Afraid
Año: 2023
Duración: 179 minutos
País: Canadá
Compañías: Coproducción Canadá-Finlandia-Estados Unidos; A24, Square Peg, IPR.VC, Access Industries. Distribuidora: A24
Género: Drama. Comedia | Comedia dramática. Drama psicológico
Guion: Ari Aster
Música: The Haxan Cloak
Fotografía: Pawel Pogorzelski
Reparto: Joaquin Phoenix, Nathan Lane, Amy Ryan, Kylie Rogers, Armen Nahapetian, Parker Posey, Patti LuPone, Stephen Henderson, Michael Gandolfini, Zoe Lister Jones
Dirección: Ari Aster 

Los Tres Mosqueteros: D'Artagnan

Sinopsis: 1627, época de luchas y divisiones. D’Artagnan -François Civil-, un intrépido joven, es dado por muerto tras intentar salvar a una joven de ser secuestrada. Cuando llega a París, intenta por todos los medios encontrar a sus agresores. Sin embargo, ignora que su búsqueda le llevará al corazón de una guerra en la que está en juego el futuro de Francia. Juntamente con Athos -Vincent Cassel-, Porthos -Pio Marmaï-, y Aramis -Romain Duris-, tres valientes mosqueteros del Rey -Louis Garrel-, D'Artagnan se enfrenta a las oscuras maquinaciones del cardenal Richelieu. No obstante, es cuando se enamora perdidamente de Constance Bonacieux -Lyna Khoudri-, la confidente de la Reina -Vicky Krieps-, cuando D'Artagnan se pondrá realmente en peligro, pues esta pasión le llevará tras la pista de quien se convertirá en su gran enemiga: Milady de Winter -Eva Green-.

El inicio de esta cinta, dirigida por Martin Bourboulon, anticipa la calidad de su metraje. La estupenda cinematografía, los filtros y la iluminación nos retrotraen a un tiempo épico con una historia de la que conocemos muchísimas adaptaciones. La famosísima novela de Alejandro Dumas sirve de base para esta nueva versión que tiene algunos rasgos que la hacen especial. Primero, es una producción francesa, de altísimo presupuesto, probablemente la más cara de 2023; segundo, han pasado 62 años desde la última realización -“Los tres Mosqueteros” de Bernard Borderie, 1961-; y tercero, se trata de un proyecto amplio, consta de dos partes filmadas simultáneamente.

Tal vez lo más destacado de esta realización es el uso de locaciones reales y la configuración de diversos planos secuencia, especialmente en varios de sus combates. Las coreografías, por cierto, son excelentes, sobresalen la secuencia inicial y la pelea después del duelo. Las actuaciones convincentes de todo el elenco confirman su buena elección y compromiso. Las ambientaciones y el vestuario nos sumergen en la época, y la banda sonora, compuesta por Guillaume Roussel, no solo acompaña la escena sino que es una sinfonía en sí misma. El resultado, una película inmersiva que es cautivante y a la vez encantadora.

La obra original es rica en valores, y esta versión no hace más que reforzarlos. Vemos la gran amistad que existe entre los Mosqueteros, el coraje, la valentía, la entrega y camaradería de cada uno de ellos, quienes acogen con gratitud a este joven recién llegado. A propósito de intrigas, bandos contrapuestos y lucha de poderes, especialmente en los interiores de Palacio, observamos conspiraciones, trampas y traiciones, sin embargo, aquello obtiene el contrapunto necesario gracias a altos grados de lealtad, honestidad, nobleza, amabilidad y respeto en diferentes momentos; existe clara conciencia del bien común, y que el amor es capaz de superar las más exigentes y dolorosas pruebas.

“Les Trois Mousquetaires: D'Artagnan” es para disfrutarla de principio a fin, deleitarse con su construcción, con su hermosa fotografía, con los detalles cuidadosos que ofrece y también, por supuesto, con el thriller que propone. Que el collar de la Reina sea una pieza clave, entrega el suspenso apropiado, porque en esta búsqueda de poder y juego de roles, nadie sabe para quien trabaja. Y no se vayan de inmediato, hay una pequeña escena post créditos importante adelanto de la segunda parte anunciada para diciembre próximo.

Ficha técnica

Título original: Les Trois Mousquetaires: D'Artagnan
Año: 2023
Duración: 121 minutos
País: Francia
Compañías: Coproducción Francia-Alemania-España; Pathé, Chapter 2, Constantin Film, M6 Films, ZDF, DeAPlaneta
Género: Aventuras. Intriga. Romance | Capa y espada. Siglo XVII
Guion: Matthieu Delaporte, Alexandre de La Patellière. Novela: Alejandro Dumas
Música: Guillaume Roussel
Fotografía: Nicolas Bolduc
Reparto: François Civil, Eva Green, Vincent Cassel, Romain Duris, Pio Marmai, Vicky Krieps, Louis Garrel, Lyna Khoudri, Jacob Fortune-Lloyd, Oliver Jackson-Cohen

Dirección: Martin Bourboulon 

La Heredera de la Mafia

Kristin -Toni Collette-, tiene un trabajo en el que lo pasa mal. Su rol es hacer campañas publicitarias pero su jefe poco y nada la toma en cuenta por ser la mujer del equipo. En casa, las cosas tampoco van muy bien; su hijo adolescente debe emigrar a otra ciudad para continuar sus estudios y la relación con su marido llega a un punto de no retorno cuando descubre que la engaña con una mujer más joven.

Justo en este momento complejo de vida, Kristin recibe un enigmático llamado desde Italia. Se trata de Bianca -Mónica Belucci-, la mano derecha de su abuelo, quien le informa de su fallecimiento y de la urgencia que ella asista al funeral. Las dudas iniciales dan paso a la decisión de tomar el viaje como una oportunidad, un necesario escape de su agobiante vida, incluso con la ilusión de tener allá un apasionado romance.

No bien llegar a Roma, Kristin se encanta en el aeropuerto con un apuesto joven italiano, Lorenzo -Giulio Corso-, lo que reafirma que está totalmente en modo “aventura”, sin embargo todo cambia bruscamente cuando el cortejo fúnebre es atacado violentamente por los “Romanos”. Este hecho marca solo el comienzo, porque Kristin descubre que su abuelo no era solo viñatero y que su último deseo fue que ella asumiera como la jefa máxima de su negocio verdadero, los “Balbanos”, la familia más poderosa de la mafia de Calabria.

Dirigida por Catherine Hardwicke y con Toni Collette como productora, “Mafia Mamma” es una película hecha con simpatía, una sátira ligera y absurda sobre la mafia italiana y una mujer norteamericana que de pronto debe enfrentar desafíos insospechados para los que obviamente no se encuentra preparada.

La dupla de Collete con Belucci ofrece bastante química, y pareciera que lo pasaron muy bien filmando la película. Los demás personajes son caricaturas, con logros mayores o menores, pero siempre un paso atrás de las dos carismáticas mujeres. Collete se luce con un despliegue de actitudes que no le son tan comunes, y las aborda muy bien, con soltura y también con convicción. Belucci, por su parte, tiene una impronta perfecta para su papel, ni tan severa ni tan grácil, una combinación muy adecuada para ser el eje conductor de una historia, a todas luces, inverosímil.

“La heredera de la mafia”, buen título en español (como pocos), es entretenida, sobre todo en su primera mitad. Hay situaciones ridículas, sí, pero funcionan, sacan sonrisas, y otras muy descabelladas que son una completa ironía. Lamentablemente, la resolución de uno de los conflictos más o menos al medio, provoca que la segunda parte se sienta un poco larga, dejando la sensación que la conclusión podría haber sido bastante más breve y concisa. Aún así, y sin pedirle más de lo que es, “Mafia Mamma” cumple las expectativas; un poco más de hora y media de diversión gracias al natural atractivo de sus protagonistas.

Ficha técnica

Título original: Mafia Mamma
Año: 2023
Duración: 101 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Cattleya, Edver Films, Ingenious Media, New Sparta Films. Distribuidora: Bleecker Street
Género: Comedia | Mafia
Guion: J. Michael Feldman, Debbie Jhoon. Idea: Amanda Sthers
Reparto: Toni Collette, Monica Bellucci, Eduardo Scarpetta, Giulio Corso, Alfonso Perugini, Rob Huebel, Yonv Joseph
Dirección: Catherine Hardwicke