Ladronas

Es muy sencillo. A partir de una premisa atractiva, esta cinta dirigida por Mélanie Laurent se queda entrampada por una ejecución fallida. Veamos por qué.

Dos ladronas preparan un último gran golpe. Se trata de Carole -Mélanie Laurent-, y Álex -Adèle Exarchopoulos-, quienes están decididas a dejar atrás su vida ilegal, no seguir ocultándose, y disfrutar de la vida después de asegurar su futuro. Ambas son bellas, inteligentes y muy hábiles, sin embargo necesitan la ayuda de la joven Sam -Manon Bresch-, para poder concretar el robo, que esta vez tiene un grado superior de dificultad.

La película comienza en forma vertiginosa, con una huida a través de amplios parajes en lo que sería el prólogo para una acción desbocada y permanente. Pero aquello es solo una ilusión: el metraje decae a poco andar y la desilusión se apodera de la pantalla.

¿Cuáles son los mayores inconvenientes que encontramos?

Primero, un guion que no profundiza en las relaciones. No sabemos qué son estas dos amigas aunque se observan muy cercanas; ¿acaso son pareja o solo íntimas amigas? Esta bien, puede quedar en nosotros descubrirlo, deducirlo o imaginarlo, pero la apuesta no funciona. Segundo, la ejecución. Con ritmo irregular, por momentos vibrante, y por otros francamente flojo, la cinta no logra encontrar un piso firme sobre el cual desarrollar su trama. Se siente entrecortada, desunida, y hasta un poco deshilachada, permitiendo que entre agua por sus cuatro costados. Tercero, la construcción de la narrativa, porque nunca sentimos que la película nos lleve hacia algo concreto, más bien ofrece solo expectativas del tipo “veamos qué viene más adelante”, o “esperemos que se arregle la carga en el camino”, pero, lamentablemente, nada de eso sucede.

“Voleuses” ofrece una mejor perspectiva que lo que realmente entrega. Entretiene, pero muy por encima, y por eso no logra alcanzar lo que propone en su cartel comercial. Una lástima, porque Mélanie Laurent y Adèle Exarchopoulos conforman una buena dupla que, bajo mi punto de vista, en esta ocasión se encuentra desaprovechada.

A ver, ¿tiene algunas cosillas?, sí, ¿una que otra escena de acción?, también, ¿y algunas aristas que prometen?, claro que sí, pero la verdad, no es suficiente. La decisión de verla es suya, obviamente, pero por favor no diga después que no le advertí.

Ficha técnica

Título original: Voleuses
Año: 2023
Duración: 114 minutos
País: Francia
Compañías: Gaumont Télévision, Gaumont. Distribuidora: Netflix
Género: Acción. Comedia | Cómic. Robos & Atracos
Guion: Cedric Anger, Christophe Deslandes. Cómic: Jérôme Mulot, Florent Ruppert
Fotografía: Antoine Roch
Reparto: Mélanie Laurent, Adèle Exarchopoulos, Manon Bresch, Isabelle Adjani, Félix Moati, Philippe Katerine
Dirección: Mélanie Laurent 

Mavka: Guardiana del Bosque

Mavka, una joven y virtuosa ninfa, despierta en primavera junto con el resto de los habitantes del bosque. La historia cuenta que fue cerrado a los humanos luego de una cruenta batalla, cuando un grupo de ellos se quiso aprovechar de la preciada fuente de la juventud. Por eso, este reino poblado por fantásticas criaturas necesita de un protector que vele por ellos y haga frente a cualquier amenaza o agresión externa.

Recién ungida como la nueva guardiana, Mavka, tan curiosa como sensible, conoce al joven Lucas, un aldeano que toca la flauta y ama la música. La atracción es instantánea, y además correspondida, por lo que esta incipiente historia de amor se traba en lo más importante: la desconfianza que tienen hacia los humanos, y la posible unión de dos mundos, en apariencia, irreconciliables.

Basada en la obra de 1918 “La canción del bosque”, de la poeta Lesya Ukrainka, esta película infantil parte de la premisa de la traición como fuente de conflicto inicial. La confianza llevó a la traición, y eso no puede volver a suceder. Pero, ¿a partir del acto de unos pocos, se puede excluir al resto sin consideración? ¿No se transforma algo en prejuicio cuando ni siquiera se da una oportunidad? ¿Es tanto el miedo, o tanto lo sufrido, que lo mejor es cerrar las puertas para siempre?

Esta fábula animada dirigida por Aleksandra Ruban y Oleh Malamuzh y que procede de Ucrania, resulta sencilla de comprender gracias a la identificación del mal y del bien como polos opuestos y diferenciados. Colorida y con suaves movimientos en su animación, es una película que expresa con gestos todos y cada uno de sus mensajes.

Los valores que representa son fundamentales. Vemos confianza, fe, y bondad, en papeles protagónicos. La ausencia de algo negativo es casi ingenuo, aunque sabemos que siempre se cierne la amenaza humana referida al pasado violento que prácticamente les exterminó. Por otra parte, la maldad la observamos en la ambición, la avaricia y el engaño, tres claros ejemplos de cómo podemos fácilmente perder el foco y hacer daño a los demás.

Otro punto que la cinta aborda es respecto a quién lidera la maldad. Habitualmente son pocos, sin embargo convencen a las masas, deseosas de dejarse llevar por discursos mesiánicos que no permiten exhibir detalles. Sabemos que la ira consume, enturbia y quita color. Es algo capaz de borrar todo y contraer, para que finalmente sea el odio el que se imponga por sobre todo el orden establecido.

La fuente de vida que el bosque posee es guardada celosamente. Y aquí otro punto, el del terror a envejecer y la búsqueda de cualquier acción o ilusión para detener el paso del tiempo que nuestro cuerpo refleja. ¿Eterna juventud? Difícilmente, solo asumir que es una condición natural y aceptarla como tal, porque de cualquier otra manera negamos nuestra humanidad.

La unión de la joven pareja se da a través de la música, y ¡qué lindo es este ejemplo!. Es una magia que transforma, que se abre paso incluso por entremedio de las barreras más fuertes y pobladas. Es icónico el poder sanador de la música y el bálsamo que además significa para el alma.

“Mavka. The Forest Song”, es una bella fábula de amor. Simple, directa, predecible sí, pero que cumple con su objetivo, pues logra expandir su mensaje gracias al florecimiento de sus personajes, los que se expanden en la medida que permiten el paso de esa fuente inagotable de energía que es el amor.

Ficha técnica

Título original: Mavka. The Forest Song
Año: 2023
Duración: 90 minutos
País: Ucrania
Compañías: 3Beep, Animagrad Animation Studio, FILM.UA Group, Ukrainian State Film Agency, United States Agency for International Development. Distribuidora: FILM.UA Distribution, Feelgood Entertainment, Kinomania, Shout! Factory, Universal Pictures Content Group
Género: Animación. Fantástico. Romance. Aventuras. Comedia | Cine familiar
Guion: Yaroslav Voytseshek, Jeffrey Hylton. Poema: Lesya Ukrainka
Reparto: Animación
Música: Maksym Berezhnyak, DakhaBrakha, Dario Vero
Fotografía: Animación
Dirección: Aleksandra Ruban, Oleh Malamuzh 

Napoleón

La esperada versión de “Napoleón”, del director Ridley Scott, ya está con nosotros. Y ¡wow, es una obra impactante, monstruosa! Vamos a ver por qué.

La sinopsis es fácil de imaginar, porque se trata de una parte de la vida del emperador francés vista desde una óptica particular, centrada en su vida personal y en algunas de sus más emblemáticas batallas.

Hay varios aspectos en los cuales quisiera detenerme en su análisis particular. Esta vez será una reflexión compartimentada, abarcando tres tópicos, para que la suma de estas partes permita apreciar el resultado final.

Producción: sin duda, y sin temor a equivocarme, uno de los puntos más altos. Ridley Scott, lo sabemos, es un director puntilloso, y en extremo preocupado de los detalles. Su versión destaca por una fotografía espléndida y una construcción de locaciones que es simplemente alucinante. Cuando estamos a campo traviesa, en medio de las batallas, no hay nada que escape al ojo del director. Las cámaras abarcan desde lo general a lo particular, con movimientos perfectos, y una maquinaria aceitada que fluye siempre en forma acertada. A veces parece que estamos allí, que nos pueden alcanzar los proyectiles, o el fuego. La sensación es de agobio y de angustia, algo que logra traspasar la pantalla con facilidad. En el margen opuesto, vale decir en las tomas interiores, cuando se producen diálogos, maquinaciones, o en la misma relación particular de la pareja protagónica, asistimos a una pieza de cámara donde cada ambiente posee la luz necesaria para destacar en el cuadro aquello que se quiere mostrar. Qué hablar del vestuario y los maquillajes, muy reales y adecuados; nada está sobrecargado, sino totalmente ad hoc a la época representada, y siempre realizado en forma convincente. En síntesis, siete de siete o diez de diez.

Actuaciones: Joaquin Phoenix -reconozco que soy su fan-, realiza una interpretación brillante. No solo tiene el vigor para hacer un Napoleón creíble, sino que es capaz de transmitir una cantidad de emociones que resultan difíciles de describir con palabras. No estoy seguro de llamarlo impronta, o presencia, pero el talento que tiene para robarse la pantalla es realmente impresionante. De un magnetismo irresistible, Phoenix es el centro de todo, y en eso comparte plenamente la fama y la forma de ser de quien representa.

Por su parte, Vanessa Kirby interpretando a Josefina, logra una fina distinción entre vulnerabilidad y dominación, una extraña mezcla para un personaje que, al menos en esta versión, carece de algunos pisos de desarrollo que permitan comprender mejor sus acciones, y también que nos lleve a sumergirnos en una personalidad misteriosa, inquietante y cautivante.

Relato: tal vez el punto sobre el que podemos debatir más. ¿Por qué? Primero, porque sabemos que a Ridley Scott le gusta narrar con tiempo y sin apuro. Segundo, debido a que ya sabemos que se prepara una versión extendida de la película que verá la luz en streaming, en Apple TV+, y que durará cuatro horas con diez minutos. Y tercero, tomando en cuenta los dos puntos anteriores, intuimos que para llegar a esta versión estrenada en cines, el director debió decidir un corte delimitado y especial. ¿Resultado? La cinta es larga y, al menos en mi caso, eso se siente. No es por su ritmo, que en general es vibrante, sino porque hay ciertas secciones que parecen un poco alargadas si las comparamos con otras que se suceden tal vez demasiado de prisa. Parece que no hubiese mucha consistencia entre preparación y ejecución, como que faltara un piso o argumento para algunas, y otras se alargaran más allá de lo recomendable. Insisto, esto es opinable totalmente, y depende mucho de cómo uno recibe el trabajo y de muchos otros factores. Quiero esperar la versión larga, porque creo que en ella habrá más equilibrio y un desarrollo sostenido, tal vez más consistente para cada uno de los elementos en juego.

A modo de conclusión, “Napoleón” es una película fantástica, muy lograda y que resulta fascinante. Tiene toda la forma y estilo de las grandes producciones de la industria, porque es de ese cine que debe ser visto en pantalla grande y con sonido envolvente. Además, la música compuesta por Martin Phipps es preciosa, y combina muy bien con muchas piezas clásicas y barrocas, muy de la época, generando un ambiente aún más embriagador.

Gran experiencia audiovisual, de todo mi gusto; ¡imperdible!

Ficha técnica

Título original: Napoleon
Año: 2023
Duración: 158 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Coproducción Estados Unidos-Reino Unido; Apple Studios, Scott Free Productions, Apple. Distribuidora: Columbia Pictures, Apple TV+
Género: Drama | Histórico. Biográfico. Siglo XVIII. Cine épico
Guion: David Scarpa
Música: Martin Phipps
Fotografía: Dariusz Wolski
Reparto: Joaquin Phoenix, Vanessa Kirby, Tahar Rahim, Ben Miles, Ludivine Sagnier, Matthew Needham

Dirección: Ridley Scott 

Una Cigüeña en Apuros: la Joya Perdida

Sinopsis: Richard, un gorrión adoptado por una familia de cigüeñas, pasa el invierno en el Gran Lago del norte de África. Cuando se da cuenta de que no será él quien guíe a su bandada de vuelta al norte, Richard decide volar para viajar por su cuenta y se cruza con Samia y su bandada de gorriones, que están cautivos de unos malvados marabús bajo el control del codicioso pavo real Zamano. La única oportunidad de liberarse para los gorriones es resolver un acertijo y encontrar la Gran Joya, lo que requerirá trabajo en equipo, confianza y, sobre todo, habilidades de “spork” (gorrión + cigüeña).

Con una animación colorida, alegre y fluida, llena de aventuras que conllevan liderazgo y valentía, esta película alemana funciona en parte como sana diversión y en parte como fábula. ¿Por qué? En mi opinión, la delgada sencillez de su argumento deriva solo en acciones entretenidas, pero que carecen muchas veces de un eje de mayor sustentación. Por otra parte, los mensajes importantes tienden perderse debajo de esa capa lúdica y atractiva de su presentación, y se aprecian más como anécdota que como enseñanza.

Si bien la cinta comienza con un planteo interesante, el aprendiz que debe superar etapas para luego liderar, al pasar a lo opuesto, con la descalificación de Richard -el protagonista-, más su posterior decepción y huida, la película entra en un terreno pantanoso que la enreda en cuanto al despliegue narrativo. La nueva aventura que se nace entonces, parece un poco desconectada de su base, se alarga demasiado, y compromete a un sector central que se diluye totalmente.

El norte vuelve casi al final, cuando la resolución del acertijo es la clave para unir las piezas y volver todo a la normalidad. Es allí donde emergen los valores y los principios, porque cuando aflora el egoísmo, surge el espíritu común de unir fuerzas para derrotar al enemigo, remarcando la importancia de trabajar en equipo tras un mismo fin.

“Richard the Stork and the Mystery of the Great Jewel”, su título original, es entretenida, sí, aunque muy orientada al público infantil que seguramente la gozará mucho más que el mundo adulto. Disfrutemos, entonces, de la frescura de la composición animada y no le pidamos más de lo que puede dar.

Ficha técnica

Título original: Richard the Stork and the Mystery of the Great Jewel
Año: 2023
Duración: 84 minutos
País: Alemania
Compañías: Coproducción Alemania-Bélgica-Noruega; Knudsen & Streuber Filmproduktion, Walking The Dog, Den Siste Skilling, BNP Paribas Fortis Film Fund, Mediefondet Zefyr. Distribuidora: Filmarti, Five Stars, Karantanija Film, MovieBiz Films, Nashe Kino
Género: Animación. Aventuras | Aves / Pájaros. Secuela
Guion: Reza Memari, Philip Lazebnik, Mette Rank Tange, Benjamin Quabeck. Diálogos: Jeffrey Hylton
Reparto: Animación
Música: Éric Neveux
Fotografía: Animación
Dirección: Benjamin Quabeck, Mette Rank Tange 

Sayen: La ruta seca

Segunda parte de la trilogía que continúa la historia pero cambiando radicalmente su escenario.

Si en la primera entrega a nuestra protagonista, interpretada por Rayen Montenegro, la dejamos viajando rumbo al norte, esta secuela la ubica ya en su destino final -el Desierto de Atacama-, en su afán de ir tras los pasos de la mega transnacional Actaeon y su líder, Maximo Torres -Enrique Arce-.

Agua ha pasado bajo el puente. Sayen es intensamente buscada pues es sindicada como una criminal peligrosa, una asesina que ya es considerada una amenaza terrorista. Pero los hechos trágicos detonantes de todo su actuar no se han borrado. La dolorosa pérdida de su familia junto a la destrucción de gran parte de su hábitat natural en el sur, la han impulsado a emprender una lucha sin cuartel, donde ningún tipo de consideración vale.

Así las cosas, el enfrentamiento es inevitable. Rayen, decidida a todo, y la empresa, defendiéndose a cómo dé lugar de una amenaza que crece como bola de nieve. Y claro, ya no es solo la compañía la principal responsable. Aparecen otros actores, políticos y empresas aún más grandes, que no ven con buenos ojos que esta mujer mapuche sea quien les desestabiliza y pone en riegos sus proyectos e inversiones.

Hay elementos que se repiten en esta segunda película dirigida por Alexander Witt: un muy buen nivel de producción y una fluida edición. Las tomas amplias y abiertas de un desierto exuberante resultan bellas, destacando los colores especiales provocados por lo seco del entorno. Ese contraste con la película anterior está muy bien logrado; bosque verde abundante, versus aridez y despoblado cautivante. Otros puntos que sobresalen son las escenas en movimiento con motos y autos que son captadas por drones, un acierto que se complementa con ensayadas coreografías, aunque esta vez no destacan demasiado.

Esta cinta también comparte buena parte de las falencias de su predecesora. Se cae en los diálogos que presenta y en la credibilidad de sus actuaciones, parecen fingidas y en ocasiones bastante planas. Y respecto a esto un detalle. Alfredo Castro y Enrique Arce están muy por encima de sus compañeros de escena, incluso con muchos menos minutos de participación. La diferencia es sideral, pero no alcanza para sostener un metraje que, a pesar de ser acotado -una hora y treinta minutos-, se siente más extenso de lo que verdaderamente es.

En los temas de fondo del relato, dos son las médulas abordadas. Primero, si las acciones violentas se validan por el fin que ellas buscan, y segundo, si un soborno recibido y usado para construir un propósito noble podría ser algo aceptable. Estoy siendo reduccionista, claro está, al rescatar ese hilo delgado sobre lo que lleva a la protagonista a buscar algo más que un simple deseo de justicia, es decir, más bien venganza por todo lo que ha tenido que sufrir.

En “Sayen: La ruta seca” hay un aroma a Robin Hood en esta lucha contra los grandes conglomerados que no dudan en pisotear todo a su paso. El crecimiento de la corrupción y el predominio de los intereses creados parece ser un cáncer inabordable, un tumor que crece y crece entre medio de mentiras que hacen que absolutamente todo parezca un río turbio.

Desde el punto de vista fílmico, aún espero que la ya prometida parte final logre consolidar mejor la historia y también ofrezca un mejor desarrollo de los personajes -actores- y sus diálogos. Se hace necesaria mayor solidez narrativa, esos detalles que ojalá permitan que esta saga despegue, y al mismo tiempo pueda finalizar de buena manera. Es necesario, sí, porque la idea que subyace es buena, y un nivel de producción de esta calidad de verdad se lo merece. Espero que así sea.

Ficha técnica

Título original
Sayen: La ruta seca
Año: 2023
Duración: 90 minutos
País: Chile
Compañías: Fabula. Productor: Pablo Larraín. Distribuidora: Amazon Prime Video
Género: Acción. Thriller | Secuela
Guion: Leticia Akel, Paula Del Fierro, Julio Rojas
Música: Miguel Miranda, José Miguel Tobar
Fotografía: Enrique Stindt
Reparto: Rallén Montenegro, Enrique Arce, Jorge López, Katalina Sánchez, Claudio Riveros, Eyal Meyer, Alfredo Castro
Dirección: Alexander Witt 

Los juegos del hambre: La balada de pájaros cantores y serpientes

Hace once años, la primera película de “Los Juegos del Hambre”, fue un éxito de taquilla y lanzó a la fama a su estrella, Jennifer Lawrence. Luego vinieron tres cintas más, para así completar la versión cinematográfica de la saga escrita por Suzanne Collins. Hoy día, y luego de un vasto camino recorrido, llega al Cine una precuela de la historia, la primera parte de una nueva trilogía cuyo objetivo es enlazar los eventos generando los lazos respectivos y las explicaciones correspondientes.

64 años antes de los eventos que ya conocemos, está por comenzar la Décima Versión de los “Juegos”. “Panem” apenas ha podido reponerse de los ataques rebeldes al recibir refriegas desde sus diversos distritos, mientras el Capitolio lucha por recuperar un prestigio que está por el suelo debido a los implacables combates de una guerra violenta.

El eje del relato es el joven Coriolanus -Tom Blyth-, en quien la familia Snow tiene puesta su última esperanza para revertir una decadencia económica que amenaza con sumirles en una pobreza que les haría desaparecer de la órbita de clase en la que se acostumbran desenvolver. No la tiene fácil este brillante muchacho, y alumno sobresaliente de la Academia; ni su astucia ni su arrogancia son suficientes para sobreponerse a lo que vendrá a continuación. Seguro ganador de un premio que arreglaría todo, la sorpresa se apodera de él y de su entorno: la posición de privilegio se debe ganar en la arena, como mentor de un tributo; ganar o morir, es decir, la gloria o el fracaso absoluto.

Coriolanus menos lo puede creer cuando se le asigna a la participante más débil de la competencia, Lucy Gray Baird -Rachel Zegler-, una chica que forma parte de los Covey, un grupo de artistas y músicos nómadas del cada vez más empobrecido distrito 12. La tarea académica difiere enormemente de las labores que implican una mentoría, sin embargo Snow decide aprovechar la oportunidad al ver el talento y desplante de la joven contendiente. ¿Lograrán ambos su cometido, es decir sobrevivir en el caso de Lucy Gray, y recuperar el poder perdido en el caso de la familia Snow?

El guion escrito por Michael Arndt y Michael Lesslie respeta el relato escrito por Collins y separa la acción en tres grandes secciones. En la primera observamos cómo las apariencias pueden ocultar la decadencia implacable de la familia Snow, y cómo una joven humilde y pobre, pero talentosa intenta sobrevivir. Basado en un doble principio, ayudar para ganar, Snow emprende su propósito con aparentes buenas intenciones, lo que desafía varios de los principios establecidos para que Lucy Gray, que parte en desventaja, pueda al menos tener alguna opción de no morir en el intento.

En la sección central de la historia nos sumergimos en el desarrollo de los Juegos, que son básicamente un espectáculo televisivo que también está cuestionado y en franca decadencia. Por eso, la habilidad de Snow es echar mano a los principios básicos de un “reality”, para ponerlo en palabras actuales, es decir un show mediático que nuevamente capture audiencias, el archiconocido “pan y circo” que adormece a las masas, que las mantenga a raya sin pensar ni cuestionar.

La parte final gira hacia escenarios diferentes. Es donde se ponen de manifiesto los conceptos más profundos que el relato contiene. Enfrentamos acá, la soberbia con la rebeldía, el reto al poder con la subordinación; la búsqueda de sentido en medio de una ley de la selva donde solo sobrevive el más fuerte. La aparente desaparición de la civilización, no es más que una pantalla más o menos fina para ocultar el abuso, la injusticia y la represión, acusando a los menos privilegiados de actuar con reacciones propias de animales salvajes.

Uno de los mensajes más importantes que entrega el texto, es referente a la lealtad y la traición, ese acto de cruzar la línea y validar la maldad en contra de toda bondad, un tópico tan humano que resulta transversal a cualquier tiempo, historia o lugar.

Bajo la dirección de Francis Lawrence, “The Hunger Games: The Ballad of Songbirds and Snakes”, y sus 157 minutos de duración, se trata de una obra bien compuesta, bien ambientada y bien desarrollada. Nunca es sencillo alejarse de una historia exitosa para crear un derivado, menos cuando ninguno de los personajes emblemáticos no están considerados. Tampoco es fácil no tener actores ya consagrados -salvo Viola Davis y Peter Dinklage-, lo que también constituye una apuesta riesgosa para la consolidación de esta nueva trilogía.

Esta nueva película de “Los Juegos del Hambre” tiene un par de debilidades: ir de más a menos en cuanto a su ritmo, y ofrecer una tercera parte -una vez terminados los Juegos-, que puede amenazar la atención y concentración de una audiencia que siempre espera ver fuegos artificiales en pantalla. Aún así, los puntos altos son muchísimos más que los bajos -mención especial a la partitura de James Newton Howard que representa un pilar importante-, superando mis expectativas.

Estamos ante un nuevo comienzo, una saga nueva que podría también convertirse en un éxito. Creo que dependerá de la profundidad que revista la mutación de personalidad de su protagonista -incipiente aún en esta entrega-, pues ya sabemos que en el futuro, Coriolanus Snow se convertirá en el omnipotente y omnipresente tirano de Panem.

Ficha técnica

Título original: The Hunger Games: The Ballad of Songbirds and Snakes
Año: 2023
Duración: 157 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Color Force, Lionsgate, Good Universe. Distribuidora: Lionsgate
Género: Ciencia ficción. Acción. Aventuras | Distopía. Precuela
Guion: Michael Arndt, Michael Lesslie. Libro: Suzanne Collins
Música: James Newton Howard
Reparto: Tom Blyth, Rachel Zegler, Peter Dinklage, Hunter Schafer, Josh Andrés Rivera, Jason Schwartzman y Viola Davis
Dirección: Francis Lawrence 

El Asesino

Disponible en Netflix.

Seis partes y un epílogo conforman esta nueva película del director David Fincher. Las secciones, bastante simétricas en duración, corresponden a las ciudades que recorre el protagonista, interpretado por Michael Fassbender. Hablamos de París, República Dominicana, Nueva Orleans, Florida, Nueva York y Chicago, en ese orden, escenarios clave en los que transcurren los hechos.

¿Qué tenemos acá? Primero, un profesional hecho y derecho, prolijo, obsesivo y meticuloso, que tiene todo calculado y planes que abarcan hasta la letra Z. Segundo, su ámbito de acción, pues su negocio es matar por encargo; un asesino a sueldo, y de los “top”, de los caros, esos que escasean porque son infalibles. Y tercero, un imprevisto en su último encargo lo pone literalmente de cabeza, le obliga a usar todo el abanico de opciones que maneja para sortear un sinnúmero de dificultades que se le presentan, desde sus clientes, pasando por sus intermediarios, cercanos y hasta por su propia integridad.

Fincher filma un guion de Andrew Kevin Walker sobre una novela gráfica francesa del mismo nombre escrita por Alexis "Matz" Nolent e ilustrada por Luc Jacamon, y lo hace con una destreza digna de elogio. Las sutilezas observadas en cada detalle se disfrutan enormemente, junto a la magnífica edición de Kirk Baxter que resalta la fotografía de Erik Messerschmidt. Me quedo con los mencionados detalles porque son los que hacen la diferencia, son los que permiten que la película se sienta mucho más corta que sus 120 minutos, y provoca que estemos pegados a la pantalla casi sin pestañear.

Michael Fassbender configura un personaje de culto, el que bien podría cobrar vida propia si se quisieran explorar ramificaciones. Su natural impasividad, un control desmesurado que podría incluso ser diagnosticado como un “TOC Asesino”, es brillante, porque transmite perfectamente esa ausencia de sentimientos para una labor que claramente no tiene ningún asomo de empatía. Además, al repetir ese mantra, que escuchamos varias veces, permite que nos adentremos en la mente criminal de un hombre que sabe perfectamente lo que hace y también la forma de moverse en un mundo que para nosotros resulta ajeno y tremendamente despiadado.

Fassbender sostiene el relato y no es menor su participación. Lo vemos prácticamente siempre, y cuando dejamos de observarlo por pocos instantes, sabemos que está detrás de nosotros, respirando y atento al siguiente movimiento. Esos ciclos, una metodología estudiada y perfecta, es artesanía pura, una maldad inherente apartada de cualquier moralidad posible. Mucho del contenido, del texto, lo recibimos en forma de voz “en off” gracias al relato del protagonista. Y esa decisión es un riesgo, porque son muchos momentos, y las secuencias de acción se separan bastante unas de otras. Acá hay un mérito del director que debemos reconocer, porque el ritmo nunca decae, y la tensión tampoco; estamos siempre encima, esperando un giro o un cambio que nos saque de la pista o nos derive, con brío, a otra carretera.

“The Killer” atrapa, entretiene, y aunque no lo quiera, nos deja un tema de reflexión. ¿Hay cambios en el personaje? ¿Las sensibilidades expuestas, las vulnerabilidades, existe algo que vaya contrariando sus principios? ¿O la frialdad se mantiene a tope, pase lo que pase, para dar cumplimiento ciego a una especie de mandamiento que debe aplicar cada vez que debe ejecutar una acción criminal? Véala y me cuenta si este es un rollo mío o la cinta da para algo más. En lo que creo que podremos estar de acuerdo es que las espaldas de David Fincher son sólidas, no defrauda en lo absoluto, y además se vienen más colaboraciones suyas para Netflix. ¡En horabuena!

Ficha técnica

Título original: The Killer
Año: 2023
Duración: 118 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Archaia Entertainment, Paramount Pictures, Plan B Entertainment, Boom! Studios, Panic Pictures. Distribuidora: Netflix
Género: Thriller. Intriga | Crimen. Cómic
Guion: Andrew Kevin Walker. Novela gráfica: Alexis Nolent
Música: Trent Reznor, Atticus Ross
Fotografía: Erik Messerschmidt
Reparto: Michael Fassbender, Arliss Howard, Charles Parnell, Kerry O'Malley, Sala Baker, Sophie Charlotte, Tilda Swinton
Dirección: David Fincher 

Triple Frontera

Disponible en Netflix.

Tres aspectos destacan en esta producción de Netflix estrenada el año 2019. El primero, atractivos protagonistas. Ver juntos a Ben Affleck, Oscar Isaac, y Pedro Pascal, acompañados por Charlie Hunnam y Garrett Hedlund, es un muy buen gancho inicial. Segundo, el entorno donde se desarrolla historia, la llamada “Triple Frontera”, es un lugar real que comprende Perú, Brasil y Colombia, un sector de vegetación exhuberante que se encuentra cooptado por mafias dedicadas al tráfico de drogas, de armas, y de lavado de dinero a gran escala. Y tercero, la sustancia de la trama, que comprende a cinco ex Delta Force que está vez se reúnen, no para luchar por su país, sino que por su propio beneficio.

Dirigida por J.C. Chandor, esta película presenta a Tom Davis -Ben Affleck-, Santiago García -Oscar Isaac-, William Miller -Charlie Hunnam-, Benjamin Miller -Garrett Hedlund-, y Francisco Morales -Pedro Pascal-, como un grupo multidisciplinario de excombatientes que viaja especialmente a una zona conflictiva con un objetivo claro: robarle a un narco una cifra cercana a los 75 millones de dólares en efectivo. Dar con el jefe del cártel, Gabriel Martín Lorea no es fácil, pero sabemos que el dinero mueve montañas, por lo que llegan al lugar con menos dificultad de lo esperado para ubicar un tesoro que resulta ser mucho más que lo esperado, es decir, tres o cuatro veces la cifra que tenían en su mente.

Si una cosa es llegar, otra es salir con vida, y además con fajos de billetes a cuestas que pesan varios cientos de kilos y necesitan transporte especial. A esa altura, la aventura ya se encuentra en pleno desarrollo con todas las cartas sobre la mesa. Es la ley de la selva, son ellos o sus perseguidores; el más fuerte sobrevive y el más débil queda atrás.

Chandor no se amilana para filmar en locaciones escabrosas, usar drones muy bien dirigidos, y conducir un elenco de lujo que cualquiera quisiera tener en los créditos. Y sale airoso del desafío, porque la fotografía se aprecia bella en la pantalla chica (imaginemos cómo podría ser en el cine), y los personajes entregan lo que esperamos de ellos. Obviamente es una cinta ruda, donde la testosterona aflora por todas partes, aunque el principal giro de la historia trate de compensar un poco ese machismo a prueba de balas y también de emociones.

“Triple Frontier”, cumple sus promesas. Son dos horas que van de menos a más, y que aumentan en tensión en la medida que avanzamos hacia el epílogo, momento donde se gatillan los procesos más importantes y las piezas cuadran como si de un acabado tetris se tratara. Si puede, dele una oportunidad, vale la pena, no se va a arrepentir.

Ficha técnica

Título original: Triple Frontier
Año: 2019
Duración: 127 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Atlas Entertainment. Distribuidora: Netflix
Género: Thriller. Acción | Crimen. Robos & Atracos
Guion: Mark Boal, J.C. Chandor. Historia: Mark Boal
Música: Rich Vreeland
Fotografía: Roman Vasyanov
Reparto: Ben Affleck, Oscar Isaac, Charlie Hunnam  Garrett Hedlund, Pedro Pascal
Dirección: J.C. Chandor 

El negocio del dolor

Disponible en Netflix.

Esta película expone en sus diez minutos iniciales cuatro tópicos que serán desarrollados durante sus casi dos horas de duración: las dificultades económicas de una madre con su hija; la desesperación de perder todo, o casi todo; la aparición de una oportunidad que promete ser lucrativa; y las relaciones filiales como principal impulso en la toma de decisiones.

Liza Drake -Emily Blunt-, es madre soltera. Trabaja de bailarina nocturna y debe hacerse cargo en solitario de una hija que padece epilepsia y que, además, acaba de ser suspendida en el colegio. La vida de Liza y de la adolescente transcurre con urgencia pues el diagnóstico de la menor es perentorio: se debe operar, sí o sí, pero el seguro médico es insuficiente y las opciones son cada vez más reducidas y riesgosas. Todo es oscuro y cuesta abajo, por lo que cuando Liza conoce a Pete Brenner -Chris Evans-, el mundo se voltea a su favor, o al menos eso pareciera. La oferta es simple: interceder -en realidad vender-, para que médicos especialistas receten un nuevo medicamento que promete ser la panacea para curar el dolor en pacientes diagnosticados de cáncer terminal.

Liza, sin experiencia alguna en el rubro, acepta el desafío y deja los pies en la calle en su nuevo encargo. Tiene que demostrar en solo cinco días que puede hacerlo, que puede lograr al menos una receta del medicamento para que la empresa liderada por el doctor Jack Neel -Andy García-, pueda sortear una inminente quiebra. Pete confía en ella, o más bien deposita una esperanza bastante lejana a la objetividad, sobre todo porque las reiteradas negativas ahogan todas las gestiones y parece que nadie quiere innovar en su tratamiento probando una opción diferente.

Basada en el libro de Evan Hughes, que se inspira en hechos reales, esta cinta dirigida por David Yates, y pese a sus irregularidades narrativas, resulta interesante y a la vez entretenida. Es cierto que gran parte de lo que sucede es fácil de anticipar, pero por lo mismo, las actuaciones constituyen el plato fuerte de este trabajo. Actrices consagradas, como Emily Blunt y Catherine O'Hara, junto a actores sólidos como Chris Evans y Andy García, entregan un soporte que cualquier producción quisiera tener entre sus créditos. Y acá no son solo los nombres, es la prestancia de cada uno lo que les permite construir papeles dinámicos que hacen más creíble la representación en pantalla.

Los temas valóricos que están en juego son muchos y evidentes. Por un lado está la salud y el dolor físico de miles de personas. El fundador de la compañía farmacéutica desarrolló el medicamento por la experiencia traumática vivida por su esposa. El tratamiento es real y es efectivo, pero debe ser cuidadosamente recetado y supervisado. Primer punto, responsabilidad ética respecto a drogas que pudieran causar dependencia y adicción en personas vulnerables a sus efectos. En contraposición a lo anterior se encuentra el negocio lucrativo que significa su práctica. Al ser una medicación muy potente, su costo es elevado, y las ganancias por su fabricación y distribución son cuantiosas. Si a esto le sumamos una red de sobornos y corrupción, la mesa está servida para dar rienda suelta a la ambición y codicia que provoca ganar dinero a manos llenas gracias a una necesidad y todo ello en un reducido período de tiempo.

Ahondar en las razones que llevan al Dr. Neel, a Pete y a Liza, a saltarse toda barrera moral, daría para un escrito muchísimo más extenso y seguramente desbordaría este comentario, sin embargo la película condensa en buena parte todos los elementos que, combinados, son los causantes de una crónica que tiene una muerte anunciada, con la licencia de parafrasear al gran García Márquez.

“Pain Hustlers” -Estafadores del dolor”, su título original-, es interesante como testimonio y también como historia. Resumir en dos horas, años de maquinación -desde la austeridad absoluta a darse lujos impensados y excentricidades varias-, para dejar al descubierto una red carente es escrúpulos, no es un desafío menor. La cinta lo consigue, con dificultades insisto, con aciertos y deficiencias, pero siempre con un norte que va más allá de lo que podría significar una simple entretención. Acá hay un fondo importante, un mensaje claro que no deja de ser controversial, porque cuando se trata del bienestar de las personas no se puede tomar nada a la ligera, menos cuando un producto que se muestra efectivo puede tener efectos contraproducentes, no necesariamente por su composición, sino por quien puede acceder a él y las dosis que corresponden según los estados en que se encuentre.

Auge y caída empresarial y también en términos personales, una montaña rusa que presenciamos desde la primera fila. Dos horas intrigantes, con algunas pinceladas de comedia, que nos mantienen alertas y conscientes todo el tiempo, evaluando permanentemente, y que nos dejan un buen material para la reflexión: ¿la salud como un negocio o como un bien común y universal? El debate está muy lejos de cerrarse, a nivel local y, por supuesto, también a nivel mundial.

Ficha técnica

Título original: Pain Hustlers
Año: 2023
Duración: 122 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Grey Matter Productions, Wychwood Media. Distribuidora: Netflix
Género: Drama | Basado en hechos reales. Drogas
Guion: Wells Tower. Libro: Evan Hughes
Música: James Newton Howard, Michael Dean Parsons
Fotografía: George Richmond
Reparto: Emily Blunt , Chris Evans , Andy García , Catherine O'Hara , Jay Duplass , Brian d'Arcy James y Chloe Coleman
Dirección: David Yates 

Tesis sobre un homicidio

Roberto Bermúdez -Ricardo Darín-, 55 años, abogado penalista con vasta experiencia docente , se prepara para impartir un reconocido Seminario de ocho sesiones. Sus 15 alumnos son selectos, lo mejor de lo mejor, y Bermúdez promete exigirles hasta superar una vara muy alta. En plena introducción del curso, Gonzalo Ruiz Cordera -Alberto Ammann-, interrumpe, llega tarde, una impertinencia que el profesor apenas tolera y lo permite solo porque el joven es hijo de su viejo colega y gran amigo Felipe Ruiz Cordera.

Naturalmente, la relación entre discípulo y profesor comienza con el pie izquierdo, sin embargo la inquietud intelectual de Gonzalo de inmediato despierta el interés de su maestro, con incipientes diálogos que poco a poco van tomando vuelo para convertirse en conversaciones profundas sobre las entrañas del derecho y también sobre la vida en general.

Roberto ha devenido en un ser solitario, baila al son del whisky y los cigarros, en una relación inversamente proporcional a su contacto con el mundo exterior. El joven Gonzalo llega a desafiar este status quo, moviendo su espacio de confort al requerir bastante atención y despertar, a su vez, una intensa curiosidad en su interlocutor.

Un brutal crimen que ocurre en los estacionamientos, justo debajo de la sala de clases, pone a toda la facultad en alerta. Una joven ha sido asaltada, violada y asesinada sin un motivo aparente. Conmoción, espanto, rabia, condena total. No obstante, Gonzalo muestra una singular tranquilidad que de inmediato llama la atención de Roberto. Un par de pistas y los posteriores diálogos con el muchacho, convencen al profesor que el autor del crimen es nada menos que su brillante alumno, por lo que decide investigar para demostrar que está en la razón. A partir de ese momento, viviremos una especie de duelo mental entre los dos protagonistas, que alcanzará ribetes inesperados cuando cada uno intente probar cuál es la verdadera tesis sobre este homicidio.

Me reconozco admirador de Ricardo Darín, y si bien este premiado actor argentino siempre es él mismo, es notable cómo se da maña para dotar a sus personajes de un aura de credibilidad que permite diferenciarlos perfectamente. Quizás el tono, la fuerza, o bien la astucia, o tal vez la inteligente manera de convencer que es quién dice ser, sea lo que está en la base de la magia que Darín proyecta en cada una de sus diversas configuraciones. Esta vez, por cierto, no es la excepción, porque este relato basado en la novela de Diego Paszkowski se sostiene prácticamente en solitario sobre los hombros de su actor protagónico.

La atmósfera que transmite la dirección de Hernán Goldfrid es muy apropiada para los hechos que quiere describir. Hay largas tomas, escenas donde solo hay imágenes y sonido carentes de diálogo, en las que transcurren caminos y pensamientos tan conducentes como inconducentes, pero en los que sentimos que hay un tránsito, un desarrollo, una profundización de tal o cuál elemento o arista investigativa. Asuntos cotidianos también están presentes; alguna salida, el acercamiento con la hermana de la víctima, y alguna que otra disputa, son condimentos para una trama que se concentra en los detalles y no se va nunca por las ramas.

“Tesis sobre un homicidio” funciona bien, provoca tensión y además requiere atención. Una hora con cuarenta minutos de un ritmo lento intrigante, que hace que necesitemos una resolución, y que nos ofrece un final diferente, abierto a la imaginación para ser rellenado por nuestras propias conclusiones. Interesante propuesta que, pese a ser del año 2013, mantiene una frescura y actualidad que pareciera detener el tiempo.

Ficha técnica

Título original: Tesis sobre un homicidio
Año: 2013
Duración: 106 minutos
País: Argentina
Compañías: Coproducción Argentina-España; BD Cine, Tornasol Films, Telefé, Haddock Films, Castafiore Films
Género: Intriga. Thriller | Crimen. Thriller psicológico
Guion: Patricio Vega. Novela: Diego Paszkowski
Música: Sergio Moure De Oteyza
Fotografía: Rodrigo Pulpeiro
Reparto: Ricardo Darín, Alberto Ammann, Calu Rivero, Arturo Puig
Dirección: Hernán Goldfrid 

El ángel en el reloj

Disponible en Disney Plus.

Esta película de animación mexicana tiene una premisa encantadora: se trata de la obsesión de la pequeña Amelia por detener el paso del tiempo. Ella está enferma, ha sido diagnosticada de leucemia, por lo que de lograr su objetivo, se traduce en prolongar su vida y la compañía de sus seres queridos.

Amelia es inquieta y traviesa, es su esencia, por lo que permanentemente está buscando acciones, como sacar las pilas de sus relojes, sin embargo naturalmente eso no es suficiente. Cuando mágicamente conoce a Malachi, un curioso ángel que habita su reloj de pared, se abre un mundo de exploración sensorial a través de los “Campos del Tiempo” acompañada por las hadas “Aquí” y “Ahora”, pero no todo resulta bien. Una avería grave pone en jaque el tiempo de Amelia y de todos quienes le rodean, por lo que su reparación ahora es asunto de vida o muerte. Con la ayuda del maestro relojero Balzac, y luego del Capitán Manecilla, Amelia debe unir todas las fuerzas para enfrentarse al malvado “No Tiempo” con el fin de recuperar el orden de las cosas.

Esta cinta dirigida por Miguel Ángel Uriegas es una fábula interesante respecto al valor que asignamos al tiempo, una temática que es sin duda atemporal, es decir, funciona en cualquier época y en cualquier dimensión. Estamos tan preocupados del paso del tiempo, desde lo que hacemos cotidianamente hasta lo que significa envejecer, que la mayor parte de las veces perdemos la perspectiva. Algo de eso tiene como moraleja esta historia, muy bien representada por los nombres que tienen las graciosas hadas acompañantes.

Es cierto que una enfermedad grave, o bien la inminente proximidad de la muerte, puede cambiarnos la mirada en forma radical. Por eso es importante comprender que lo único que realmente tenemos en forma cierta es nuestro presente, el “aquí y ahora” que es subrayado por la película, y cuando nos desviamos de eso solo vivimos de los recuerdos o bien en un incierto futuro.

“El ángel en el reloj” tiene un colorido mágico y una animación fluida gracias a una composición estética perfectamente lograda. Si bien su ritmo es irregular, y por momentos algo cansino, la película releva las temáticas que expone, las que pueden transformarse en un punto de partida interesante para iniciar una reflexión con los más pequeños del hogar.

Ficha técnica

Título original: El ángel en el reloj
Año: 2017
Duración: 91 minutos
País: México
Compañías: Fotosintesis Media
Género: Animación. Fantástico. Aventuras. Infantil | Infancia. Enfermedad
Guion: Miguel Ángel Uriegas, Rosana Curiel, Miguel Bonilla
Música: Manuel Vázquez
Fotografía: Animación
Reparto: Animación
Dirección: Miguel Ángel Uriegas 

El Infiltrado

Disponible en HBO Max.

Basada en la autobiografía homónima de Robert Mazur, un agente estadounidense que en la década de 1980 ayudara a desintegrar una organización de lavado de dinero utilizada por Pablo Escobar, esta cinta del año 2016 dirigida por Brad Furman resulta intrigante y alambicada. Mazur, interpretado por el excelente Bryan Cranston, actúa -literalmente- encubierto, representando a un importante hombre de negocios corrupto que necesita ganarse la gracia y confianza de una organización que no da puntada sin hilo.

El objetivo principal es ir contra el Bank of Credit and Commerce International (BCCI), y la forma es montar una tapadera creando un personaje, "Bob Musella”, con contactos al más alto nivel, y que se mueva como pez en el agua dentro de las redes narco que lavan dinero usando instituciones de prestigio comprometiendo a los personeros de más alta reputación dentro del sistema bancario.

El plan no deja de ser osado. Mazur se debe infiltrar junto a Kathy Ertz -Diane Kruger-, y para ello deben fingir que son novios a punto de contraer matrimonio. Les acompaña en la aventura Emir Abreu -John Leguizamo-, un agente frío y directo por sus formas poco tradicionales, con quien acceden hasta la cúpula de esta organización criminal que tiene los ojos puestos en todos quienes rondan sus círculos íntimos.

La operación es arriesgada. Mazur tiene familia real y su trabajo constituye un peligro constante. Este es tal vez el punto más débil del relato, porque en sus dos horas de duración no se comprende cómo puede mantenerles a salvo, a pesar de ser seguido de cerca, o verse enfrentado a imprevistos que pueden sacar fácilmente a la luz una mentira sostenida solo por las apariencias y la buena caracterización de los protagonistas reales.

Esta historia de infiltración es fascinante, y cobra más envergadura al saber que corresponde a hechos verídicos. Incluso se considera como la mayor operación encubierta de la historia, y si a eso le sumamos la presencia del cártel de Pablo Escobar, sabemos que claramente se trata de palabras mayores.

La película se sostiene gracias al carisma de Bryan Cranston y el certero acompañamiento de Diane Kruger. Es fácil desviarse del camino, irse por las ramas dado los diferentes recovecos de un guion que abre y abre aristas constantemente para demostrar cuán compleja es la operación, sin embargo queda la sensación que con un poco menos de elementos en exposición podría haber desarrollado un ritmo con más vértigo y así acentuar alguna sorpresa para un final que es fácilmente anticipable.

“The Infiltrator” funciona mejor como testimonio que como cinta de expectación. Cranston es en sí mismo la película, y bien vale gozar su actuación, sus cambios de humor y la gestualidad precisa para cada uno de los eventos en los que se ve involucrado. La ambientación es otro punto alto del metraje, con esa recreación ochentena que nos devuelve en el tiempo y nos provoca incluso cierta nostalgia.

127 minutos de un complejo entramado que expande una historia increíble, y que al ver los créditos finales dimensionamos como lo que verdaderamente es: un paso concreto y radical en la lucha contra el narcotráfico en lo que más duele a las organizaciones, su organización financiera.

Ficha técnica

Título original: The Infiltrator
Año: 2016
Duración: 127 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Broad Green Pictures, Good Films
Género: Thriller | Basado en hechos reales. Años 80. Crimen. Drogas
Guion: Ellen Brown Furman. Novela: Robert Mazur
Música: Chris Hajian
Fotografía: Joshua Reis
Reparto: Bryan Cranston, Diane Kruger, Benjamin Bratt, John Leguizamo, Saïd Taghmaoui, Joe Gilgun, Amy Ryan
Dirección: Brad Furman 

Poderes Ocultos

“De uskyldige” -Los Inocentes, su título original-, es más descriptivo que el nombre con que esta cinta noruega llega a los países de habla hispana. Y no es que “Poderes Ocultos” sea una mala sentencia, solo que agrega un elemento que es mejor que se desprenda de las acciones de sus protagonistas.

Ida -Rakel Lenora Fløttum-, una niña de nueve años, protagoniza la historia. Su familia se acaba de trasladar a un suburbio de Oslo y ella debe hacerse cargo de su hermana Anna -Alva Brynsmo Ramstad-, quien padece de un severo autismo que no le permite hablar y relacionarse con otras personas. El entorno que Ida encuentra en el barrio no es muy acogedor, se le ve incómoda, incluso un poco perdida. Además, la responsabilidad de cuidar a su hermana, o al menos salir con ella a la plaza para que tome aire, claramente no es algo motivador.

Afortunadamente, los niños encuentran rápidamente nuevas amistades, por lo que el encuentro con Ben -Sam Ashraf-, se da en forma natural. Además, este niño le ofrece un atractivo adicional pues es capaz de desviar la trayectoria de algunos objetos que caen solo con su pensamiento focalizado, con su mirada, para sorpresa y encanto de la pequeña Ida. A ellos se suma Aisha -Mina Yasmin Bremseth Asheim-, una niña con problemas de pigmentación en la piel, callada y reservada, pero muy observadora de cada una de las situaciones de su entorno.

El director Eskil Vogt filma su propio guion y lo hace con una calma tensa. ¿Contradicción? En absoluto, porque lo que vemos son incipientes conexiones emocionales y unos juegos que poco a poco se tornan un poco extraños y a la vez oscuros. La sensación es clara: algo va a suceder, no sabemos qué, pero claramente nos va a sorprender.

La cinta pone énfasis en la comunicación. Primero, y lo que es evidente, en la dificultad -y también insensibilidad- de Anna. Segundo, la empatía -y algo más-, con la que Aisha logra conectar con ella. Por otra parte, aunque se produce una cierta distancia entre Ida y Ben, la fascinación -o intriga-, que también es mutua, derriba toda barrera. Se produce una natural compañía entre ellos, a la vez que descubrimos que a la telekinesis se suma la importante capacidad telepática de Aisha.

Llegados a este punto, la inocencia de estos juegos muta radicalmente. Ciertas acciones -y algunas imágenes que pueden resultar chocantes-, dan cuenta que lo que sucede ya no es simplemente juego. ¿Se despierta la maldad? ¿Cuáles son las motivaciones para hacer lo que Ben realiza? ¿Ida se siente cómoda con esto, es un descubrimiento fascinante o es algo que le produce algún tipo de sentimiento encontrado?

Hay un denominador común en la vida de estos niños “inocentes”: sus madres no les prestan demasiada atención, o bien los tienen un poco descuidados. Sus reacciones son diversas, pero se parecen, responden a un molde estructurado a pesar de tener claramente características distintas. Otro punto que llama la atención es una especie de desconexión de la realidad, un proceso que implica una transición o viaje, aísla a quienes se dejan llevar.

Esta cinta de casi dos horas de duración es lenta, tiene una cadencia importante y enfrenta los sucesos con eventos inesperados y la sensación que siempre se busca algo. Cada uno de los protagonistas tiene sus propias características y eso está de la mano con su esencia más pura.

Interesante relato nos propone Eskil Vogt, sobre todo en cuanto a los ambientes que propone y las sensaciones que provoca. Se respira en el aire una maldad visceral que no sabemos bien desde donde procede junto con un dejo de venganza, o ajuste de cuentas, en varios niveles. Y allí radica el principal mérito de esta película que es más de suspenso psicológico que de terror: parece que no pasara nada, pero en realidad, lo que sucede realmente trasciende la sustancia de todo el metraje.

Ficha técnica

Título original: De uskyldige
Año: 2021
Duración: 113 minutos
País: Noruega
Compañías: Coproducción Noruega-Suecia-Dinamarca-Finlandia-Francia-Reino Unido; BUFO, Logical Pictures, Mer Film, Snowglobe Films, Protagonist, Zentropa International Sweden, Snowglobe Films, Oy Bufo Ab, Don't Look Now
Género: Fantástico. Terror. Thriller | Infancia. Sobrenatural. Thriller psicológico
Guion: Eskil Vogt
Música: Pessi Levanto
Fotografía: Sturla Brandth Grøvlen
Reparto: Rakel Lenora Fløttum, Alva Brynsmo Ramstad, Sam Ashraf, Mina Yasmin Bremseth Asheim
Dirección: Eskil Vogt 

De Jueves a Domingo

Este primer largometraje de la directora Dominga Sotomayor constituye un trabajo muy íntimo. El relato está marcado por aquello que se percibe más que por lo que es expresado verbalmente. Hay secuencias largas, silencios largos, conversaciones triviales y mucho de cotidiano, sin embargo, es en una vertiente interior donde realmente ocurre el nervio particular de la historia.

Todo comienza un jueves, punto de partida de un viaje familiar a pasar un fin de semana largo fuera de Santiago. Lucía (10) -Santi Ahumada-, y Manuel (7) -Emiliano Freifeld-, junto a sus padres Ana (35) -Paola Giannini-, y Fernando (38) -Francisco Pérez-Bannen-, recorren varios cientos de kilómetros en auto con destino al norte de Chile. Cada uno de los cuatro miembros de esta familia tiene diferentes expectativas; ir a la playa, recordar un sitio, o recuperar lo perdido, se van cruzando entre medio de lo que inexorablemente ocurre o más bien, va a ocurrir.

La película, muy acertadamente, está construida en niveles. Los niños y los adultos transitan por caminos diferentes, paralelos en ocasiones, divergentes en otras. La familia y los amigos a quienes visitan es otra muestra de las realidades que conviven, no necesariamente ideales pero sí bastante palpables.

El viaje, una metáfora del paso del tiempo, de la construcción y deconstrucción de entornos, juega un papel primordial en la estructura de la narración. El encierro es otra metáfora, contrapuesta con la amplitud del paisaje abierto, en especial respecto al árido desierto que sueñan florido para así visitarlo en el futuro, un futuro que resulta indudablemente incierto.

Los conflictos están soterrados. Hay barreras, incomunicación, difícilmente salvables en la perceptiva Lucía que sí siente lo que pasa aunque no necesariamente lo entienda de manera conceptual. La directora, autora también del guion de la cinta, tiene habilidad para sostener una trama que no es conclusiva manteniendo abierta cualquier resolución, y que, además, permite dar paso a una reflexión que posee muchos más elementos de especulación que de realidad concreta.

Con una fotografía elocuente, a cargo de Barbara Alvarez, y una banda sonora muy apropiada provista por Diego Fontecilla, Sotomayor revela su talento en aquellos planos amplios y ángulos cerrados que se oponen con tanto contraste como el que existe entre el mundo adulto y la niñez esperanzada.

“De jueves a domingo” consigue su objetivo, introducirnos en un mundo de referencias y matices, de sensaciones y polos opuestos, para hacernos tomar conciencia que nos equivocamos cuando, como adultos, creemos que los niños no se dan cuenta de nuestras acciones. Craso error, ellos están pendientes de cada gesto y de cada movimiento, los leen incluso mejor, y a diferencia nuestra, mantienen esa cuota de esperanza que muchas veces, sin querer, se nos escapa de las manos.

Disponible en Vimeo.

Ficha técnica

Título original: De jueves a domingo
Año: 2012
Duración: 96 minutos
País: Chile
Compañías: Productora Forastero, Cinestación, Circe Films
Género: Drama | Familia. Road Movie
Guion: Dominga Sotomayor
Música: Diego Fontecilla
Fotografía: Barbara Alvarez
Reparto: Santi Ahumada, Emiliano Freifeld, Paola Giannini, Francisco Pérez-Bannen, Jorge Becker, Axel Dupré
Dirección: Dominga Sotomayor

Juego Limpio

Disponible en Netflix.

Emily Meyers -Phoebe Dynevor-, y Luke Edmunds -Alden Ehrenreich-, son dos analistas bursátiles que trabajan sin pausa y bajo mucha presión en una empresa financiera de Manhattan. Debido a férreas políticas laborales no pueden hacer público su romance, por lo que, aunque viven juntos, deben mantener oculta su intensa y apasionada relación. La inesperada propuesta de matrimonio de Luke descoloca un poco a Emily, sin embargo acepta y le cuenta a su madre.

El poco delicado despido del ejecutivo jefe de la cartera de inversiones pone en alerta a los jóvenes colegas. Emily escucha que tal vez Luke puede ser ascendido y así se lo menciona, no obstante el escenario cambia radicalmente cuando Campbell -Eddie Marsan-, el CEO de la firma, cita de madrugada a Emily para comunicarle que la elegida para la alta gerencia es ella.

No es fácil para Luke aceptar la noticia. Amargamente se alegra, pero algo lo consume por dentro, una mezcla de inseguridad y rabia que aflora a medias y por supuesto tensa la relación de la pareja. Por su parte, Emily intenta aprender a llevar su nuevo cargo, pero se siente incómoda, tanto por las actitudes de Luke como por lo que escucha sobre él, que es ineficiente, que pronto lo van a despedir, etc. Entre aciertos y desaciertos, tanto económicos como personales, la trama se va complicando más y más, y lo que podríamos llamar el paraíso se transforma en la misma entrada al infierno.

Chloe Domont escribe y dirige con pulso firme este thriller dramático que es cocinado a fuego lento. La historia de amor de estos jóvenes, una relación estable, con un compromiso a la vista pero secreta ante los ojos de sus colegas debido a las circunstancias, va mutando por los roles que ambos deben cumplir. Cuando Emily se transforma en una mujer exitosa, de inmediato se empodera. Al contrario, Luke se minimiza e inseguriza, dando inicio a cadena de acciones que resultan ser, para ambos, inversamente proporcionales. Domont imprime un buen sello a sus personajes y les permite soltura expresiva, situación aprovechada por los dos actores para configurar correctamente sus roles, aunque sin brillar en sus respectivas interpretaciones.

Lo más interesante de este filme es el retrato que hace sobre del deterioro de una relación sentimental que es violentamente traspasada por la competencia y la ambición. Cuando la dinámica del poder se modifica y con ello se desestabiliza, comienzan las dudas y las desconfianzas, con descalificaciones que si no son detenidas a tiempo, pueden desembocar incluso en agresiones físicas.

Tomar conciencia de los avisos, y a tiempo, puede ser vital para salvar una relación. Las luces, amarillas y rojas se encienden siempre, el problema es que muchas veces no las percibimos o sencillamente no las queremos ver. Algo de esto pasa con los protagonistas de “Fair Play”, tal vez cegados por múltiples factores. Por eso, casi sin darse cuenta, comienzan a descender por una pendiente que los puede llevar al abismo más profundo. ¿Lograrán salvarse o se hundirán en un rotundo fracaso?

Ficha técnica

Título original: Fair Play
Año: 2023
Duración: 113 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: MRC Film, Star Thrower Entertainment, T-Street. Distribuidora: Netflix
Género: Thriller. Drama | Thriller psicológico. Bolsa & Negocios. Trabajo/empleo
Guion: Chloe Domont
Música: Brian McOmber
Fotografía: Menno Mans
Reparto: Phoebe Dynevor, Alden Ehrenreich, Eddie Marsan, Rich Sommer, Sebastian De Souza, Jim Sturgeon, Geraldine Somerville

Dirección: Chloe Domont