Godzilla Minus One

Un inicio real, tenso, y con gran sonido, muestra al piloto kamikaze Kōichi Shikishima -Ryunosuke Kamiki-, aterrizando en la isla de Odo, fingiendo un desperfecto mecánico que es fácilmente descubierto por el mecánico principal Sōsaku Tachibana -Munetaka Aoki-. Pero claro, esto vendría a ser lo de menos, porque en la noche se desata una verdadera tragedia: un feroz ataque del un gigantesco monstruo, que destruye y mata a todos los humanos, salvo a los mencionados Shikishima y Tachibana, quienes se transforman en los únicos sobrevivientes de un cuadro verdaderamente dantesco.

La historia cambia rápidamente de escenario, pues Shikishima regresa a su casa y se entera de la muerte de sus padres en el bombardeo de Tokyo. Devastado, y sin saber qué hacer, acepta ayudar a una mujer desconocida, Noriko Ōishi -Minami Hamabe-, que por su parte ha rescatado a una recién nacida de una muerte segura. Ser sobreviviente puede ser el evento más afortunado, pero también el mayor martirio. Lo vemos en Shikishima, desolado, sin rumbo, perdido, aunque tocado por la luz de esperanza que significa dar sentido a su vida al ser solidario con Noriko y la bebé.

Esta familia improvisada -sin lazos comunes-, comienza a reconstruir su vida. Shikishima consigue un trabajo peligroso (ubicar y destruir minas marinas), porque necesita dinero para poder vivir. Es el sino del Japón post guerra, destruido al igual que nuestro protagonista.

Se preguntarán a esta altura, dónde está o dónde quedó Godzilla. Solo en el inicio, hasta ahora, mientras transcurre bastante metraje de la cinta, sin embargo, obviamente tenemos más presencia de la aterradora criatura cuando arremete contra Ginza, ciudad donde trabaja Noriko, y donde se desata la tragedia que cambia el curso de la historia y también las motivaciones de Shikishima para destruir al especímen que ha arruinado su vida.

Con guion, dirección y efectos especiales de Takashi Yamazaki, “Godzilla Minus One” resulta tremendamente interesante. Trata del monstruo, pero principalmente de la reconstrucción material y humana de un pueblo devastado por la destrucción. Encarnado en su protagonista, observamos las pesadillas provocadas por las acciones bélicas. Hay culpa, mucha culpa, pesadillas, horror. También observamos el honor y espíritu de superación necesarios para dejar atrás un evento de enormes proporciones. Este símil entre la guerra y los ataques de la criatura está muy bien desarrollado. ¿Es real este monstruo infernal, o son los miedos los que se transforman en esta imagen gigante? La profundidad de la reflexión es difícil de abarcar. La analogía es brillante.

Cuando un grupo de excombatientes decide hacer frente al problema elaborando un sofisticado plan para destruir a Godzilla, aparecen otros valores que surgen desde lo más íntimo del sentimiento social. Patriotismo, llamado a defender a otros, bien común, son elementos que juegan un papel trascendente en la transformación de varias cruzadas personales en un trabajo de equipo, un esfuerzo común, un llamado a la acción, y que se desarrolla gracias a un liderazgo de conjunto, otro aspecto singular que la película logra plasmar muy bien.

¿Hay búsqueda de venganza en la acción de Shikishima, o se trata de saldar una deuda personal? ¿El sacrificio cobra sentido entonces, aunque el efecto no deseado sea un mal que no se quiere provocar?

Las batallas que presenta el filme son de gran envergadura, y la final, resulta trascendente. Hay allí un momento perfecto, cuando la ausencia de sonido provoca, quizá, la mejor secuencia de la película, donde todo se detiene, y el heroísmo se ve en las caras y en gestos de asombro e incredulidad, con una cámara lenta que trasciende la pantalla y conmueve. Gran momento, uno de los mejores del año, sincero, prístino, y a la vez, íntimo.

“Gojira -1.0” es estupenda. No es una película de monstruos, es una película de humanos. Podríamos incluso decir que Godzilla es una excusa, o un reflejo, una representación. A ese punto escala Takashi Yamazaki con su trabajo, cuando combina elementos y narrar una historia esencial, austera y desprovista de innecesaria pirotécnica. Solo está lo justo, aquello que es fundamental y que se remite al espacio más profundo del desarrollo y transformación de una persona.

Ficha técnica

Título original: Gojira -1.0
Año: 2023
Duración: 125 minutos
País: Japón
Compañías: Robot Communications Inc., Toho. Distribuidora: Toho
Género: Fantástico. Acción | Monstruos
Guion: Takashi Yamazaki
Música: Naoki Sato
Fotografía: Kôzô Shibasaki
Reparto: Ryunosuke Kamiki, Minami Hamabe, Yûki Yamada, Munetaka Aoki, Hidetaka Yoshioka
Dirección: Takashi Yamazaki

Priscilla

Basada en las memorias “Elvis and Me”, de Priscilla Presley, publicadas en 1985, esta cinta relata el noviazgo y el accidentado matrimonio de Elvis y Priscilla, desde que se conocen en la destinación militar alemana, hasta que llegan a vivir juntos en la soñada casa de Graceland, en Memphis, Tennessee.

Sofia Coppola aborda esta película filmando un guion de su autoría. Suena de entrada la Sinfonía Nuevo Mundo, de Dvorak, y como alusión resulta muy válida, porque Priscila solo tiene 14 años cuando conoce al astro del Rock. ¿Cómo una chica tímida, vulnerable, pequeña, logra captar la atención de una celebridad? No queda demasiado claro, salvo una fascinación inmediata que a ella la deja sin palabras y a él encantado, un encuentro de dos almas difícil de describir y menos de descifrar.

Hay una escena mágica a poco andar. Acompañada por “Love me tender”, es uno de los puntos altos de un trabajo íntimo y reflexivo, sello característico de una directora que se ha consolidado bastante más allá de su emblemático apellido.

No obstante los abundantes recursos puestos al servicio de la escena, hay varios puntos que generan al menos un poco de ruido. Por ejemplo, me cuesta creerle a Jacob Elordi, y no sé bien si es a él o a Elvis. El punto es que ese amor declarado parece de todo menos real, y permítanme dudarlo conscientemente. Además, aparecen muy rápidamente los celos de Priscila, obvio, si Elvis es acompañado, adulado y tentado desde muchas y muy diversas partes. Ni siquiera el tiempo alejados logra impregnar sentimientos de verdadero amor en él. Y pregunto, ¿habrá sido así, tal cual, o es la visión pura y dura de Priscila? O solo es la versión que vemos representada en pantalla?

Quizá si el aspecto más importante del filme consiste en cómo se siente Priscila al lado de un monstruo del espectáculo. No tardamos en observar el uso y abuso que ejerce Elvis sobre ella, la trata como objeto, con exacerbado machismo; un ejercicio de poder absoluto sobre una persona que no puede defenderse ni menos escapar. La relación la cohibe y la coarta, es una lucha sin cuartel -y desigual-, contra la fama y los rumores infinitos de infidelidades y muchísimas otras cosas.

Queda claro que Priscila está presa entre el amor y las circunstancias. La violencia, otro aspecto que no tarda en aparecer, complica más el escenario. De hecho, recién luego de una hora de metraje, ella muestra parte de su personalidad, tal vez como mínima defensa, o un intento de, pero algo, al menos.

El final lo conocemos. El matrimonio anda a tumbos y sus vidas se van separando paulatinamente. Otra escena sobre la hija en común con “Love me tender” de fondo, constituye el principio del rompimiento, una fractura irrecuperable que significa para Priscila un escape y comenzar una nueva forma de vivir.

“Priscila” genera muchas más expectativas que las que finalmente cumple. No tengo muy claro el por qué, pero me atrevo a decir que es en parte su ritmo y en parte su tratamiento, ambos factores que, creo, le juegan en contra. La historia es cautivante, claro, sin embargo la latencia del relato no logra ese movimiento constante y necesario para conducirnos por caminos sinuosos y sumergirnos en una narración que nos atrape y de la que no queramos salir. Sí, la película es interesante, pero solo eso; muy poca tensión y casi nada de fascinación.

Ficha técnica

Título original: Priscilla
Año: 2023
Duración: 110 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: American Zoetrope, Stage 6 Films, The Apartment. Distribuidora: A24
Género: Drama | Biográfico. Música. Años 60. Años 70
Guion: Sofia Coppola. Memorias: Priscilla Presley
Fotografía: Philippe Le Sourd
Reparto: Cailee Spaeny, Jacob Elordi, Ari Cohen, Dagmara Dominczyk
Dirección: Sofia Coppola 

Dejar el mundo atrás

Sinopsis: Las vacaciones de una familia dan un giro escalofriante cuando dos desconocidos se presentan en plena noche buscando refugio frente a un ciberataque que se va volviendo más y más aterrador. En esta situación, todos deberán asumir su papel en un mundo que se desmorona.

Lentos y consistentes movimientos de cámara, el uso de gran angular y de drones, llama la atención pues son todos elementos que, junto a una música particular, logran generar una buena cuota de suspenso. Pero eso no es todo, cuando una falla sistémica deja sin luz e internet kilómetros a la redonda, el escenario se transforma en apocalíptico. ¿Se puede sobrevivir a tamaña tragedia?

Sam Esmail -creador de la exitosa “Mr. Robot”-, dirige esta cinta basada en la novela de Rumaan Alam, y cuenta con un elenco de lujo. Destacan en los papeles principales Julia Roberts, Mahershala Ali, Ethan Hawke, Myha'la y Kevin Bacon. Con la intriga como principal factor de suspenso, Esmail se atreve a proponer una exploración de abundantes temas -el cambio climático, la desigualdad social, la corrupción a todo nivel, el racismo y la fe, entre otros-, en una combinación virtuosa de acción, drama e ironía.

Durante muchos pasajes del metraje parece no pasar nada, sin embargo tenemos siempre la sensación que algo efectivamente pasará. Mantener este estado de tensión no resulta sencillo, menos aún cuando son pocos los actores en pantalla y la incertidumbre acapara la capa principal del relato. ¿Qué ha pasado? ¿Por qué el estado de cosas? Un barco que encalla en la playa sin control, accidentes aéreos, aparición de animales en entornos urbanos, la visita inesperada de los dueños de la casa de vacaciones, son parte de los eventos que presenciamos. ¿Tienen algo en común? No hay una sola interpretación, y ese es uno de los méritos de una película abierta y que intenta cuestionar bastante lo establecido y lo conocido.

“Leave the World Behind” apunta a conceptos interesantes con un desarrollo que se asimila al estilo de M. Night Shyamalan. La lentitud de pulso puede provocar más de un cuestionamiento, sin embargo es parte fundamental de un trabajo que se interna en los efectos que ejerce la presión en la naturaleza humana. Cómo reaccionamos ante situaciones extremas y cómo las diferencias pueden aumentar la tensión de estas situaciones está en el centro del guion, en una obra que plantea muchas más preguntas que respuestas y que puede dejar a más de alguien, literalmente, “fuera de juego”.

Ficha técnica

Título original: Leave the World Behind
Año: 2023
Duración: 138 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Esmail Corp, Netflix, Red Om Films, Higher Ground Productions. Distribuidora: Netflix
Género: Thriller. Intriga. Drama | Familia. Internet / Informática
Guion: Sam Esmail. Novela: Rumaan Alam
Fotografía: Tod Campbell
Reparto: Julia Roberts, Mahershala Ali, Ethan Hawke, Myha'la y Kevin Bacon
Dirección: Sam Esmail 

Juntos pero no tanto

Vaya personalidad la de Oren Little -Michael Douglas-. Paciencia, no tiene, empatía tampoco. No es querido, pero por favor, alguien así es difícil que sea aceptado por el resto del mundo. A él, esto poco le importa porque vive en su mundo, su propio mundo, desde que murió su mujer. La escasa relación que tiene Oren con otras personas se remite a sus últimos cartuchos como vendedor inmobiliario, y por supuesto, incomodar uno por uno a sus vecinos del edificio (del que, por de pronto, él también es el dueño).

Leah -Diane Keaton-, vive en el departamento de al lado y muy pocas palabras cruza con el ermitaño energúmeno. Ha perdido también a su esposo y, sin hijos, se dedica a rememorar su carrera de cantante con algunas actuaciones nocturnas en un lugar muy cálido e íntimo. La vida de estos dos “conocidos-desconocidos” está destinada a la intrascendencia, sin embargo la visita del hijo de Oren crea una historia diferente. Recién separado, le pide al abuelo que se haga cargo de su nieta de 10 años, Sarah -Sterling Jerins-, porque debe pasar unos meses en prisión. La negativa inicial de Oren se hace sentir de costa a costa, sin embargo la sencilla acogida que Leah le da a la pequeña, marca la diferencia: es el comienzo de una incierta aventura.

Con guion de Mark Andrus y dirigida por Rob Reiner, esta película es delgada y muy discreta, de una liviandad que la hace muy poco comprometida con cualquier temática que quiera ser sustentada al interior del relato. Y no es que la premisa sea insuficiente, al contrario, hay cosas importantes que se pueden explorar, pero quedan relegadas a un segundo plano por decisión editorial, es decir, por los caminos que se eligen al momento de componer la narración.

Si la forma de desarrollar el contenido nos aleja, la única razón que tenemos para darle una oportunidad es el peso de sus actores protagónicos. Y es verdad, tanto Michael Douglas como Diane Keaton sostienen la película al punto de sentir la responsabilidad que ello significa, especialmente Keaton, quien canta con mucha veracidad y profundidad en sus intervenciones musicales. La química que se da entre ambos consagrados es también automática, y aunque pueda ser predecible lo que vaya a pasar, disfrutamos de cada una de sus escenas, diálogos, miradas y complicidades.

“And So It Goes” dura apropiados 94 minutos. No es necesario más (podría haber sido menos aún, pero así está bien), para una película que solo quiere que nos distraigamos, y que, aunque tenga un fondo del que se podrían extraer piezas clave, opta por saltarlo olímpicamente en beneficio de una forma lúdica de la que solo nos quedará un recuerdo agradable, claro, si es que queda.

Ficha técnica

Título original: And So It Goes
Año: 2014
Duración: 94 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Castle Rock Entertainment, ASIG Productions, Envision Entertainment, Foresight Unlimited, Clarius Entertainment
Género: Comedia. Drama. Romance | Comedia romántica. Vejez / Madurez
Guion: Mark Andr 

Vivir

El segundo movimiento de la Serenata para cuerdas en Mi Mayor, del compositor checo Antonín Dvořák, abre esta película. Y es una apertura cautivadora y brillante que nos sumerge en el Londres de la post guerra, la década de 1950. Vemos de inmediato a Rodney Williams -Bill Nighy-, como el responsable de la oficina de Obras Públicas, parte importante de todo el andamiaje encargado de la reconstrucción posterior a la victoria aliada. Y como buena oficina de estado, la burocracia se come todo; rumas de papeles, derivaciones a otras plantas, oficios, postergaciones, olvido.

Es el nuevo empleado de la oficina, Peter Wakeling -Alex Sharp-, quien comienza a develarnos el día a día de Williams. También la señorita Margaret Harris -Aimee Lou Wood-, parte de este grupo mayoritariamente masculino, pero con deseos de buscar nuevos horizontes. El resto de los personajes son más bien acompañantes, sin roles centrales, sin embargo la trama se encargará de darle a cada uno un papel particular.

Williams, ya veterano en sus oficios, parece haber claudicado luego de la muerte de su esposa. La relación con su hijo no posee la virtud de la comunicación y eso lo deja aún más solitario. Cuando recibe un diagnóstico médico, la reflexión se torna evidente y el curso de las acciones cambia por completo. ¿Qué lo lleva a eso? ¿Alcanzará a girar en forma oportuna, para dejar un legado?

Dirigida por Oliver Hermanus, esta adaptación del guion de “Ikiru”, de Akira Kurosawa, es una película íntima y reflexiva, muy transversal para los tiempos actuales. La contraposición entre juventud y vejez, en un paralelo de inexperiencia y experiencia, resulta una metáfora sobre el inicio y término de la vida, algo tan natural pero que muchas veces perdemos completamente de vista.

La descripción del aparato estatal y su burocracia es bien impresionante. Como la película luce antigua (aunque es del 2022), parece que estamos inmersos en la época, y si tomamos en cuenta lo que pasa hoy en día, podemos darnos cuenta que seguimos entrampados en la permisología y disputa de competencias. Nada ha cambiado, al parecer, es lo mismo solo que con unos pocos adornos y caras nuevas.

Bill Nighy hace un papel notable -muy bien secundado por Aimee Lou Wood (“Sex Education”)-, en un rol que tiene como base la expresión de sentimientos, con gestos mínimos y contenidos. Aportan sustancia los ángulos que elige el director en cada toma, porque muchas escenas son pasivas, no tienen diálogos, y solo debemos contemplarlas para encontrar su profundidad. El cuestionamiento de vida, de su forma de vida, que hace el protagonista llega a ser, por momentos, angustiante. Parece que bajara los brazos, que se encontrara con el fin de la historia, sin embargo intenta superar cada fase con una prestancia que solo un inglés de tomo y lomo puede hacer.

“Living” se divide en tres partes muy claras: un primer tercio descriptivo, un segundo de desarrollo, y un tercero conclusivo que tiene mucho mérito, ya verán por qué. Cuando Williams decide cambiar, es capaz de reírse, y ese es un punto de inflexión que la película destaca muy bien. La joven compañía de Margaret es importante, y no en el sentido literal que podría pensarse, sino en algo mucho más profundo y conmovedor.

Una hora y cuarenta minutos de pausa y de reflexión, de mirada propia e íntima, una remembranza que atestigua a todas luces que “obras son amores y no buenas razones”.

Ficha técnica

Título original: Living
Año: 2022
Duración: 102 minutos
País: Reino Unido
Compañías: Coproducción Reino Unido-Suecia-Japón; Ingenious, Film4 Productions, Film I Väst, Filmgate Films, Kurosawa Production Co., Number 9 Films, County Hall, Lipsync Productions. Distribuidora: Lionsgate UK
Género: Drama | Remake. Enfermedad. Años 50
Guion: Kazuo Ishiguro, Akira Kurosawa
Música: Emilie Levienaise-Farrouch
Fotografía: Jamie Ramsay
Reparto: Bill Nighy, Aimee Lou Wood, Alex Sharp, Tom Burke, Adrian Rawlins, Hubert Burton, Oliver Chris, Michael Cochrane
Dirección: Oliver Hermanus 

Los Tres Mosqueteros: Milady

Este segundo capítulo de la más reciente adaptación de los “Tres Mosqueteros” llevada a la pantalla grande, desarrolla el secuestro de Constance Bonacieux. D’Artagnan debe correr para salvarla entre desquiciados complots políticos que le llevan, incluso, a formar una alianza con la osada y poco fiable Milady de Winter. Poco a poco, el misterio se irá develando, poniendo cada pieza en su lugar al descubrir de qué juega cada personaje y cuánto calza cada uno en este intrincado laberinto de poder, y pasión.

Lo primero que destaca en este trabajo del director Martin Bourboulon es la decoración y las coreografías. Asimismo, las tomas y planos dela filmación revelan un particular sentido estético que habíamos ya observado con particular interés en la primera entrega. Y claro, como ambas películas fueron filmadas en simultáneo, no hay detalles al azar. La continuidad y la edición son de los puntos más alto, entregan soporte sólido a un metraje que tiene como virtud el seguimiento de la acción con cámara en mano, con un grado de realismo gratificante y, por cierto, muy bienvenido.

La película va y viene entre huidas, persecuciones y rescates. El misterio está entregado a los personajes, en especial a quien está dedicada el título de esta secuela, Milady de Winter, personificada por una Eva Green que se luce como mujer indescifrable, una musa vulnerable y que, a la vez, ejerce el poder en las sombras. Por lo anterior, no es de extrañar que los líos entre la Iglesia, la Corona, los súbditos y los aprovechadores de siempre, se introduzcan en las insondables vicisitudes de las lealtades y los engaños, el honor y el deshonor, la defensa y la venganza, el odio y el amor.

Romántica en el sentido puro de la palabra, “Les Trois Mousquetaires: Milady”, resulta ser una obra apasionada aunque el guion, en especial el ritmo elegido, quede al debe en numerosas oportunidades por supeditarse demasiado a la acción y entregar menos carácter a sus segmentos íntimos y sus diálogos.

Gran producción. Con un excelente manejo de la luz y la oscuridad, que aprecian mucho mejor en pantalla grande, esta cinta también entrega algunas pequeñas joyas, unos mini plano-secuencia que resultan muy interesantes tanto por su dinámica de ejecución como por su cuidada puesta en escena.

En resumen, a historia conocida e intrigas varias, gocemos de esta realización. En la medida que nos sumerjamos en su ambiente, mejor lo pasaremos, y podremos exclamar juntos y con toda convicción: “todos para uno, uno para todos”.

Ficha técnica

Título original: Les Trois Mousquetaires: Milady
Año: 2023
Duración: 115 minutos
País: Francia
Compañías: Coproducción Francia-Alemania; Pathé, Chapter 2, Constantin Film, M6 Films, Radar Films
Género: Aventuras | Capa y espada. Secuela
Guion: Martin Bourboulon, Matthieu Delaporte, Alexandre de La Patellière. Novela: Alejandro Dumas
Música: Guillaume Roussel
Fotografía: Nicolas Bolduc
Reparto: François Civil, Vincent Cassel, Pio Marmaï, Romain Duris y Eva Green
Dirección: Martin Bourboulon 

Gol Gana

Sinopsis: Drama deportivo que cuenta la historia del entrenador holandés Thomas Rongen, artífice de realizar una tarea prácticamente imposible en el deporte: tomó las riendas del equipo de fútbol de la Samoa Americana y trató de hacer de un grupo de perdedores unos ganadores natos.

Poca convicción se aprecia en esta nueva película del director Taika Waititi. El formato de caricatura la hace débil y predecible; su tono y ritmo no hacen más que incrementar la sensación de que algo no funciona bien. ¿Qué pasa con este filme en su interior, en su forma, en su redacción?

La historia, basada en hechos reales, da para una narración que destaque un buen número de valores positivos. Hablamos de una pequeña isla, Samoa Americana, y su equipo de fútbol que debe competir en un deporte mundialmente conocido, y en el que definitivamente no tienen éxito alguno. Y no son palabras vanas: poseen el récord de perder un partido por 31 goles a cero, en un hito que tal vez no se vuelva a repetir ni de cerca. ¿Y dónde está lo positivo entonces? En corto, la decisión de revertir los malos resultados y de establecer un propósito a escala humana: anotar un gol; convertir un solo gol es la meta, lejana, pero posible, algo tangible.

Para conseguir la hazaña, la Federación de Fútbol contrata a Thomas Rongen -Michael Fassbender-, un ex futbolista devenido en técnico, con un historial irregular, y siempre envuelto en polémicas. No toma el equipo por gusto, menos por convicción. Es “obligado” a hacerlo al quedar sin trabajo y sin oportunidades. Lo que parece una caída al precipicio, se agudiza con un encargo tan complejo como imposible. Y acá, aunque sea predecible, radica una parte del encanto de la historia. Se trata de la transformación de la persona al ir conociendo un entorno que poco a poco lo cautiva, que luego lo desafía, y luego lo impulsa determinantemente a provocar un cambio en sus dirigidos.

Waititi hace pedazos cualquier sutileza al no reparar en detalles y exacerbar la burla en un cuanto hay de situaciones para buscar la sonrisa nerviosa y la risa fácil. No hablemos de las actuaciones, o de la escena o lafilmación. Buenas tomas o preciosas locaciones no son suficientes, es necesario algo más. Y ese algo más, el guion, la base, el fondo de todo, desaparece al ser tratado superficialmente. Entonces me pregunto, ¿cuál es el propósito que tiene el director al tratar algunos temas serios con un sarcasmo que es propio de otros formatos? Hay situaciones y hechos que no pueden ser tomados a la ligera, a la chacota. Ya lo vimos con “JoJo Rabbit” y su Hitler transformado en payaso, y en las dos “Thor” a su cargo que, aún siendo Marvel, están sobrecargadas. Algo no cuadra, y su obsesión por ser también parte de la pantalla, a mi modo de ver, le juega en contra. Muy en contra.

“Next Goal Wins” podría haber sido un éxito. La transformación humana, la acogida, el desafío de vencer al destino, el espíritu de equipo, la fuerza de una población alegre y esperanzada, la profunda humanidad de todos quienes son parte de un proyecto deportivo que solo necesita una pequeña victoria, un gol, queda en el camino por una forma que se farrea la oportunidad de mostrarlo lúdicamente pero con un mayor grado de respeto y profundidad.

Pulgar abajo al director, una vez más, y un gran bravo por la selección de Samoa Americana, por su gente, por sus tradiciones, y sobre todo por nunca perder lo importante, que claramente no es un partido de fútbol sino soñar con modificar el curso de la historia.

Ficha técnica

Título original: Next Goal Wins
Año: 2023
Duración: 103 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Searchlight Pictures, The Imaginarium. Distribuidora: Searchlight Pictures
Género: Drama | Basado en hechos reales. Deporte. Fútbol
Guion: Taika Waititi, Iain Morris
Música: Michael Giacchino
Fotografía: Lachlan Milne
Reparto: Michael Fassbender, Oscar Kightley , Kaimana, David Fane , Rachel House , Beulah Koale , Will Arnett y Elisabeth Moss
Dirección: Taika Waititi 

Wonka

Esta película del director Paul King tiene todo a su favor: un elenco de lujo, una historia famosa, y una expectativa enorme por saber todo lo que no conocemos y sucede antes de la exitosa “Charlie y la fábrica de chocolates”. La trama es muy simple y trata de la historia de Willy Wonka -Timothée Chalamet-, sus orígenes y el escabroso camino que debe transitar para convertirse en el mayor inventor de chocolates del mundo.

Formalmente lineal, la cinta recorre desde la llegada de Wonka a la gran ciudad, su extrema creatividad, y el contraste que representa una pobreza que le convierte en un ser tremendamente vulnerable. Cuando a duras penas consigue un modesto lugar para pasar la noche para poder conseguir monedas al día siguiente y costearlo, es sujeto de engaño. Las cosas no son las anunciadas y la letra chica del contrato le implica pagar una deuda por todo lo que ha realizado con una única vía de solución: trabajar obligado en una lavandería subterránea donde se encuentran otros ingenuos e incautos compañeros de ruta.

No obstante las paupérrimas condiciones nuevas, Wonka tiene un sueño: crear, surgir, emprender, volar. Su imaginación no tiene techo y sus fuerzas tampoco; contra viento y marea logra crear su primera fábrica de chocolates que luego es saboteada por sus tres principales rivales, los dueños del rubro y de todo el mercado. Lo que sucede a continuación son historias tras historias de éxitos y fracasos, golpes y aprendizajes, una fábula que, aunque predecible, resulta encantadora.

Sin abusar del formato musical, “Wonka” se mantiene a flote gracias a la simpatía de su protagonista y de quienes le acompañan en el camino. Timothée Chalamet lo hace muy bien, se ve que disfruta su personaje y además, aporta su carisma en la construcción del joven genio. El resto del elenco, bien repartido en muchos y diversos papeles, conforman un excelente soporte para la película. Entre ellos es imposible no mencionar a Hugh Grant y Olivia Colman, en dos roles tan diferentes y que logran separarse de cualquier atisbo de otra representación, poniendo realmente todos sus recursos a disposición del relato. Un caso curioso, o tal vez no tanto, es Rowan Atkinson, quien, por más que lo intenta, no logra desprenderse del icónico Mr. Bean.

“Wonka” no tarda en unir piezas y reforzar el tema de la familia, la amistad y la bondad. Claro, no es tan difícil cuando los malos no son tan malos, y los personajes intermedios se diluyen en una suerte de irrelevancia que no apuntala demasiado el guion, pero bueno, hay que hacerlo.

Cómo tributo a la madre de Willy, queda resonando la frase “no importa el chocolate sino la gente con la que lo compartes”. Lindo homenaje para quienes nos guían en la vida, tanto los padres, como hermanos y amigos. Los sueños se deben cultivar para que se transformen en realidad, pero ello implica trabajo, mucho trabajo. Y necesariamente debe ser en equipo, pues en solitario es posible que no necesariamente conduzca a un final feliz. Como ya conocemos lo que viene después de esta cinta, acá vemos la construcción de sus pilares, y sabemos que si son sólidos, lo demás vendrá por añadidura.

Ficha técnica

Título original: Wonka
Año: 2023
Duración: 112 minutos
País: Reino Unido
Compañías: Coproducción Reino Unido-Estados Unidos; Heyday Films, Warner Bros., Village Roadshow. Distribuidora: Warner Bros.
Género: Fantástico. Aventuras. Comedia | Cine familiar
Guion: Simon Farnaby, Paul King. Personaje: Roald Dahl
Música: Joby Talbot
Fotografía: Chung Chung-hoon
Reparto: Timothée Chalamet en el papel principal, junto con el recién llegado Calah Lane y un elenco que incluye a Keegan-Michael Key , Paterson Joseph , Matt Lucas , Mathew Baynton , Sally Hawkins , Rowan Atkinson , Jim Carter , Tom Davis , Olivia Colman y Hugh Grant
Dirección: Paul King 

Penal Cordillera

Sinopsis: Los cinco torturadores más crueles de la dictadura de Pinochet cumplen condenas de varios siglos en una lujosa cárcel a los pies de la cordillera. Es un recinto con piscina, jardines y aviarios, donde están siempre vigilados por guardias que más parecen sus empleados. Cuando un equipo de televisión entrevista a Contreras, uno de los internos, sus declaraciones tienen un impacto insospechado. Ante el temor de que los trasladen a una cárcel común, los militares harán todo lo posible por mantenerse en el lugar, desatando el delirio y la violencia en medio de las montañas.

Esta película se basa en el día a día de cinco ex uniformados que se encuentran recluidos en un centro penitenciario bastante particular, cumpliendo condenas por violaciones a los Derechos Humanos perpetradas en los años de la dictadura militar chilena. Sus conversaciones son especiales también, versan sobre premios y medallas en juegos y olimpiadas, y en prácticamente ningún momento cruzan algún tipo de referencia directa respecto a sus pasadas acciones. Entre ellos, naturalmente, porque cuando el general Contreras da una entrevista, el mundo que han construido al interior del Penal, se viene abajo estrepitosamente.

Esta película dirigida por Felipe Carmona tiene una forma de narrar que compartimenta el relato. Estamos ante una suma de escenas, de cuadros, y de momentos. No necesariamente hay uniones entre los elementos. Son como cápsulas, sostenidas en sí mismas, que dan cuenta de cada uno de los presos, y en las que apenas se vislumbra algo más que la mantención de un status quo más formal que trascendente.

El énfasis de la descripción que hace el guion del mismo director se encuentra en el poder que aun ejercen estos ofícialas de alto rango. Provocan miedo, dominan la escena y parecen ser jefes de los gendarmes. Por otro lado, es más que claro que todos están prisioneros al interior de esta cárcel al aire libre. La frustración es evidente. El encierro, sea por la razón que sea (lo vivimos en carne propia por la Pandemia del Covid19), es tremendo, y la restricción que implica, aunque tengan movilidad, es el sedante para cualquier sueño o propósito.

La entrevista de Contreras trae cola. La ONG que les defiende pierde contacto (o interés), las restricciones aumentan, los beneficios disminuyen, y el carácter de todos se ve amenazado por la incertidumbre de un posible traslado a otra dependencia. Todo tiene consecuencias, las más visibles son obvias, pero las invisibles son las más duras y complejas.

Llama la atención en este filme la ausencia de conflicto o de un nudo central a ser desatado. O, ¿todo es un conflicto? Porque todos son prisioneros de las circunstancias aunque estén en bandos distintos, en posiciones de poder diferentes, o en lugares opuestos? Como contrapunto, las actuaciones de Bastián Bodenhöfer, Mauricio Pesutic, Hugo Medina, Alejandro Trejo y Óscar Hernández resultan sólidas, aportando una gran cuota de verosimilitud, constituyendo el punto más alto de la cinta. ¿Pero basta con eso, con buenas actuaciones?

Me preguntaba mientras veía este trabajo, qué es lo que quiere decir, cuál es su mensaje, y no lo pude responder. Tiendo a pensar que el entramado no se decide, no encuentra el camino, dado que el metraje construye y construye sin necesariamente ir dando paso a cadencias o puntos resolutivos que marquen inflexiones. Por momentos parece querer desentrañar verdades, y por otros una simple caricatura. Daniel Alcaíno, como el Alcaide, tampoco aporta mucho pues no da el tono que requiere, a mi juicio, el jefe del lugar. Es inevitable asociarlo a un rol más de comedia que de drama, y eso es delicado, sobre todo tomando en cuenta la seriedad del tema que se trata acá.

“Penal Cordillera” es difícil de clasificar. Busca pero no encuentra, propone pero no dispone. Se siente trunca y su drama mayor (el infierno interno), no logra sostenerse ni sustentarse. Las actuaciones, reitero, valen, sin embargo la película deja muchas más preguntas que respuestas.

Ficha técnica

Título original: Penal Cordillera
Año: 2023
Duración: 104 minutos
País: Chile
Compañías: Coproducción Chile-Brasil; Cinestación, Multiverso Produções. Distribuidora: Storyboard Media
Género: Drama | Dictadura chilena
Guion: Felipe Carmona
Música: Mariá Portugal
Fotografía: Mauro Veloso
Reparto: Andrew Bargsted, Bastián Bodenhöfer, Mauricio Pesutic, Hugo Medina ,Alejandro Trejo, Óscar Hernández
Dirección: Felipe Carmona 

La Secta

Esta película trata sobre una mujer llamada Ning, cuya vida cambia radicalmente después de que dos mujeres se mudan a su casa como nuevas inquilinas. Cuando la vecina de Ning comienza a sospechar que los nuevos residentes podrían practicar magia negra y empiezan a suceder cosas extrañas en su propia casa, Ning se ve obligada a llegar al fondo del problema, un horror que nunca ha visto en su vida.

Presenciamos la historia de Ning -Nittha Jirayungyurn-, Kwin -Sukollawat Kanarot-, e Ing -Thanyaphat Mayuraleela-, una familia que ve trastocada su vida por la ocurrencia de numerosos eventos inesperados. Todo se inicia al tener que arrendar su casa. Pese a la reticencia inicial, es algo necesario, indispensable, pues los problemas económicos no hacen más que crecer y crecer. Luego, ciertas actitudes extrañas de Kwin -salidas de madrugada, un libro rojo-. Después, el reporte de una vecina que sospecha que las nuevas inquilinas tienen extraños comportamientos. Todo suma y parece que dos más dos efectivamente es cuatro. ¿Se trata de ritos y sacrificios? ¿Corren peligro Ning y también su hija Ing?

Desde Tailandia llega esta interesante película dirigida por Sopon Sukdapisit. Si bien no posee novedades sustanciales en relación a los elementos que usa para generar ambientes de suspenso y gotas de terror, lo que destaca en esta producción, de un poco más de dos horas, es su excelente factura, con tomas interesantes que son poco comunes para este tipo de género, y tampoco abusa de esos golpes de efecto tan tradicionales. La edición que observamos es muy cuidada, entrega un ritmo cadencioso que genera la atmósfera propicia para convencernos que algo va a suceder, aunque eso se demore, o no pase nada.

Otra característica que resulta relevante es la construcción de la cinta. Primero nos muestra la perspectiva de ella, de Ning, y nosotros sacamos conclusiones según eso. Pero después, de forma muy natural, podemos apreciar la de Kwin y las cosas naturalmente cambian. Si a lo anterior sumamos un epílogo que permite unir ambas visiones y concluir el trabajo, observamos tres partes, no simétricas, que van condensando los elementos y junto con ello, incrementando el nivel de incertidumbre y de tensión.

“Home for Rent” resulta ser una muy buena propuesta, diferente a lo conocido, que aprovecha apropiadamente su material para generar un suspenso consistente y un remate que, aunque sea poco verosímil, no se desinfla ni se va por las ramas como tantas otras producciones de un género que marca presencia y que muchas veces queda al debe.

Ficha técnica

Título original: Home for Rent
Año: 2023
Duración: 124 minutos
País: Tailandia
Compañías: GDH 559, N8 Studios. Distribuidora: CJ HK Entertainment, Fortune Arts International, GSC Movies, Golden Village Pictures
Género: Terror. Thriller. Intriga | Sectas
Guion: Tanida Hantaweewatana, Sopon Sukdapisit
Música: Hualampong Riddim, Vichaya Vatanasapt
Fotografía: Niramon Ross
Reparto: Nittha Jirayungyurn, Sukollawat Kanarot, Penpak Sirikul
Dirección: Sopon Sukdapisit