Lazos de Vida

“One Life” -su título original-, es una película biográfica dirigida por James Hawes. La trama se basa en la historia verídica del humanitario británico Sir Nicholas Winton -interpretado por Anthony Hopkins-, quien arriesgó su vida para salvar a cientos de niños judíos en la Checoslovaquia ocupada por los alemanes entre 1938 y 1939, justo antes del inicio de la Segunda Guerra Mundial. El protagonista, un hombre mayor, vive atormentado por los fantasmas de aquellos niños que no pudo rescatar, sintiendo gran culpa por no haber podido hacer más.

Hawes dirige un guion de Lucinda Coxon y Nick Drake basado en la biografía sobre Nicholas Winton escrita por Barbara Winton, y lo hace con intimidad y sutileza. Su ritmo cálido y conmovedor resalta la historia de este héroe durante uno de los capítulos más oscuros de la historia de la humanidad. La película también cuenta con la actuación de Helena Bonham Carter como la madre de Nicholas, junto a Jonathan Pryce, Lena Olin, Romola Garai, Alex Sharp y Johnny Flynn.

Anthony Hopkins realiza una interpretación que resulta entrañable y dulce. Su personaje pasa mucho tiempo en silencio, solo mirando, pensativo, cabizbajo, y la mayoría de las veces, inundado por la tristeza. Hopkins transmite todo eso con sus ojos y con sus gestos, porque no necesita hablar para que sepamos qué es lo que sucede en el interior de su alma. Es tanto su peso dramático, que la película tiende a caer cuando él no está en pantalla, en esos momentos que dan paso a la recreación vertiginosa de los recuerdos, una acción pasada que vamos poco a poco dimensionando. La reflexión se da en tiempo presente, a fines de los años 80, 50 años después de los acontecimientos, momento que coincide, además, con cambios importantes en la configuración del orden mundial.

El tema central que presenta esta cinta sin duda ya lo hemos visto. Un ejemplo ya clásico es “La lista de Schindler”, y por supuesto, hay varios más; sin embargo, en esta película es imposible no conmoverse con el encuentro final, cuando los caminos del “salvador” y los “salvados” se cruzan y se funden en un agradecimiento que va más allá de cualquier protocolo o gesto de cariño. Es muy genuina esa parte de la cinta, y además resulta muy verosímil, pues deja para el final toda la emoción acumulada en un metraje que va calando lentamente en la audiencia.

“Lazos de Vida” es una emotiva historia que resulta ser tremendamente edificante. Los 669 niños salvados de las garras del nazismo son testimonio puro de aquellos sacrificios realizados en favor del rescate de la vida. La esperanza brilla, movilizando a quienes se entregan por la causa, aun a riesgo de su propia integridad, uniendo lealtad, amistad y amor. Bella película y un gran homenaje para Sir Nicholas Winton, reconocido en vida por la Reina Isabel II, cuya gesta queda en este retrato para la posteridad.

Ficha técnica

Título original: One Life
Año: 2023
Duración: 110 minutos
País: Reino Unido
Compañías: BBC Film, MBK Productions, See-Saw Films, Cross City Films, Filmnation Entertainment
Género: Drama | Basado en hechos reales. Biográfico. Nazismo. Años 40
Guion: Lucinda Coxon, Nick Drake. Biografía sobre: Nicholas Winton. Libro: Barbara Winton
Música: Volker Bertelmann
Fotografía: Zac Nicholson
Reparto: Anthony Hopkins, Johnny Flynn, Lena Olin, Romola Garai, Alex Sharp, Jonathan Pryce, Helena Bonham Carter
Dirección: James Hawes 

Ese crimen es mío

Esta película del director François Ozon se inspira en la obra teatral del mismo nombre, escrita en 1934 por Georges Berr y Louis Verneuil. La historia sigue a Madeleine Verdier -Nadia Tereszkiewicz-, una aspirante a actriz con poco talento y foto de dinero, quien junto a su amiga abogada Pauline Mauléon -Rebecca Marder-, también sin ingresos, enfrentan la amenaza de ser desalojadas del departamento que comparten por no pagar el arriendo. No obstante, el complejo mundo de las dos mujeres se invierte radicalmente cuando Madeleine es sindicada como la principal sospechosa de un crimen, una acusación que, como se dice en algunas ocasiones, le viene como anillo al dedo.

El elenco de este filme se fusiona muy bien. Nadia Tereszkiewicz y Rebecca Marder tienen mucha química y aportan gran frescura a sus actuaciones. Cuando Isabelle Huppert entra en escena con su papel de Odette Chaumette, se roba la película. Con elegante sarcasmo, Huppert completa un trío femenino que, literalmente, no deja títere con cabeza.

François Ozon equilibra muy bien el humor y la intriga en un thriller-comedia que fluye gracias a sus diálogos rápidos y chispeantes. El mundo creado por Manu Dacosse, el director de fotografía, se mueve entre lo glamoroso y lo mundano, al mostrar escenarios que se convierten en personajes en sí mismos, al tiempo que la cámara se mueve ágil, capturando la vitalidad de los personajes y los giros de la trama.

“Ese Crimen es Mío” es cine teatralizado o también teatro filmado, y ciertamente funciona muy bien. Es cierto que la capa absurda parece imponerse a otras más delgadas que tal vez pueden ser más importantes, como las que se refieren al machismo imperante, al abuso sexual, y al despertar del feminismo, todo ello al compás de una época que propone cambios sociales importantes. Sin embargo, tal vez el foco está en varias partes y no en una sola en particular, dado que esta comedia francesa también intenta mostrarnos cómo la notoriedad pública -esta vez producto de un crimen- puede resultar, al mismo tiempo, un trampolín a la fama o un encierro insufrible.

Ficha técnica

Título original: Mon crime
Año: 2023
Duración: 102 minutos
País: Francia
Compañías: Mandarin Cinéma. Distribuidora: Gaumont
Género: Drama. Intriga. Comedia | Crimen. Años 30
Guion: François Ozon, Philippe Piazzo. Obra: Georges Berr, Louis Verneuil
Música: Philippe Rombi
Fotografía: Manuel Dacosse
Reparto: Nadia Tereszkiewicz, Rebecca Marder, Isabelle Huppert, Fabrice Luchini, Dany Boon, André Dussollier
Dirección: François Ozon 

El club de los milagros

Ambientada en 1967, esta película narra una historia que abarca tres generaciones. Se trata de Lily -Maggie Smith-, Eileen -Kathy Bates-, y Dolly -Agnes O'Casey-, todas residentes de la comunidad rural de Ballygar, ubicada en las afueras de Dublín, Irlanda. El sueño de estas tres amigas es poder conocer la sagrada ciudad francesa de Lourdes, ese lugar de milagros que atrae a millones de visitantes cada año. Para concretarlo, realizan sus mejores esfuerzos dado que el gran premio de una competencia local es justamente aquel viaje soñado.

Como los sacrificios rinden frutos, logran los boletos para la peregrinación, sin embargo, justo antes de emprender rumbo a Francia, Chrissie -Laura Linney-, luego de pasar casi 40 años en los Estados Unidos, regresa a Ballygar para el funeral de su madre. Y así, espontánea e inesperadamente, la recién llegada se une al periplo, pero las viejas heridas se vuelven a abrir en el camino, obligando a las mujeres a enfrentar su pasado y sus traumas compartidos, los que solo serán superados gracias al poder curativo del amor y la amistad.

Difícil clasificar esta obra del director Thaddeus O'Sullivan. A primera vista podría estar claro que es un drama, pero esos toques de comedia que despliega durante el metraje giran un poco la brújula y cambian su destino. No es mucho, pero influye, sobre todo en un relato que tal vez por lo predecible se hace un poquito extenso.

Los temas que trata esta cinta sin duda son importantes. Hablamos de la amistad, el perdón, la redención, la fe y la esperanza, entre otros, valores trascendentes que se desarrollan de forma clásica y casi sin ninguna sorpresa. Al no existir nudos de conflicto demasiado relevantes, la película se siente un poco plana, pues no consigue capturar la atención más allá de la anécdota, o alguna que otra situación circunstancial.

No obstante tener correctas actuaciones, ninguna brilla en particular, dado que no pasan de representar marcados estereotipos. Un ejemplo de esto lo vemos en los personajes masculinos, incluyendo al sacerdote, que no son más que un acompañamiento que solo al final es sazonado con un poco más de elegancia. Por su parte, las protagonistas femeninas se van enredando paulatinamente en sí mismas -es muy fácil adivinar hacia dónde van-, desdibujando sus personalidades hasta perder gran parte de la fuerza inicial.

En “The Miracle Club”, hay una suerte de confrontación entre los anhelados milagros atribuidos a la Virgen de Lourdes y aquellos que sí están al alcance de nosotros y que muchas veces no logramos ver. En lo cotidiano está, posiblemente, el mayor milagro de la vida; en ocasiones cuesta descubrirlo, pero allí está presente, junto a nosotros. Solo debemos dejar que salga a la superficie y nos rodee con su espíritu fraterno. Para conseguirlo, debemos poner a un lado el orgullo y dejarnos seducir, requisitos fundamentales para que el misterio y el poder del amor nos transforme y nos lleve a ser, cada día, mejores personas.

Ficha técnica

Título original: The Miracle Club
Año: 2023
Duración: 91 minutos
País: Irlanda
Compañías: Coproducción Irlanda-Reino Unido; Zephyr Films, City Films Entertainment, City Films I, Ingenious Media, ShinAwil Productions
Género: Drama. Comedia
Guion: Joshua D. Maurer, Timothy Prager, Jimmy Smallhorne
Música: Edmund Butt
Fotografía: John Conroy
Reparto: Maggie Smith, Laura Linney, Kathy Bates, Agnes O'Casey, Stephen Rea, Mark O'Halloran
Dirección: Thaddeus O'Sullivan 

El hombre de los sueños

En un mundo donde los sueños se entrelazan con la realidad, conocemos a Paul Matthews Nicolas Cage-, un profesor de biología evolutiva, lleva una vida apacible y rutinaria hasta que el destino le da un giro inesperado: sin previo aviso, comienza a aparecer en los sueños de su hija, de algunos estudiantes y otros desconocidos. Pero no es un protagonista activo de esos sueños, sino un observador silencioso, con su suéter desgastado y sus empañados lentes.

Las personas se obsesionan con él, y pronto se convierte en una celebridad, sin embargo la fama tiene un precio: los sueños compartidos con Paul se vuelven violentos, y él se convierte en una amenaza. ¿Qué misterio se oculta tras esta conexión onírica? ¿Por qué, Paul, primero es un espectador y luego se transforma en actor? Las respuestas no llegan, se diluyen, y la película nos sumerge en un ir y venir entre lo veleidoso de la fama, la cultura de la cancelación y las pulsiones incontenibles.

Interesante premisa, buena idea del guionista y director Kristoffer Borgli la de presentar a este “hombre común” que se transforma en un sujeto viral por aparecer en los sueños de las personas. Primer argumento, ¡check!, porque esta repentina popularidad para alguien más bien reservado constituye una evidente sorpresa. Pero como no todo es para siempre, las cosas se complican rápido, y sin perder un ápice de fama, su vida pasa a transformarse en un suplicio; ya nadie quiere estar con él, es evitado e incluso demonizado a más no poder.

La película alcanza un clímax muy pronto, y eso, creo, le juega en contra, porque se nota que desde el segundo tercio la trama se enreda y se alarga sin mucha necesidad, percibimos que probablemente ha sido difícil buscar una fórmula que la concluya; en realidad da la impresión que no saben muy bien cómo terminarla, porque siguen pasando cosas y no cuaja ningún tema en particular. Cuando llega el giro final, la verdad es que es muy tarde y queda trunco, sin sustento, sin una posición adecuada, aún siendo interesante como idea y teniendo un buen mensaje final.

Nicolas Cage cae pintado en este rol protagónico. Abúlico y cansino, se las arregla para dar credibilidad a un personaje que tiene un rol absurdo, un papel en el que despliega soltura y, además, parece pasarlo muy bien. Mucho a su alrededor no hay, porque todo gira en torno a Paul, un centro de atención concreto y real, pero también onírico y fantasioso.

Entre broma y broma, y entremedio de no pocos baches narrativos, “Dream Scenario” toca un par de temas de fondo que ameritan al menos una mención. Esto de la viralización, fenómeno tan típico de las actuales redes sociales, siempre puede ser un arma de doble filo. Todo depende de qué sucede, cómo sucede y cuándo sucede. Además, esta idea de intervenir los sueños (claro que intencionalmente, a propósito) dejaría todo lo que actualmente conocemos como una alpargata, porque, ¡imagínense!, publicidad directo al inconsciente, directo al cerebro, intervención pura y dura a nuestro motor de toma decisiones. Peligroso, por decir lo menos.

“El hombre de los sueños” parte bien pero se va desinflando en el camino. Aún así entretiene y esto ya es un primer punto a favor. Por otra parte, ver a Cage muy cómodo en un papel, algo que no ha sido recuente en sus últimos trabajos, es, en sí mismo, otro punto a favor. El tema es que haciendo una raya para la suma, ¿son más puntos a favor o en contra los que tenemos? Saque usted la conclusión. Queda abierto el debate.

Ficha técnica

Título original: Dream Scenario
Año: 2023
Duración: 96 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: A24, Square Peg, Wildling Pictures. Productor: Ari Aster. Distribuidora: A24
Género: Comedia | Comedia de terror. Comedia dramática. Surrealismo
Guion: Kristoffer Borgli
Música: Owen Pallett
Fotografía: Benjamin Loeb
Reparto: Nicolas Cage, Julianne Nicholson , Michael Cera , Tim Meadows , Dylan Gelula y Dylan Baker
Dirección: Kristoffer Borgli

Cabrini

“Cabrini”, la nueva película del director Alejandro Monteverde, nos sumerge en un viaje emotivo a través de la vida de la Madre Francisca Cabrini, una monja italiana que dedicó su vida a ayudar a los más necesitados. La cinta destaca por una elaborada fotografía -y gran producción-, que pone en relieve la belleza de la Italia de finales del siglo XIX al contrastarla con la desordenada y bulliciosa vida de la ciudad de Nueva York.

La historia de Cabrini es bella, inspiradora y desafiante. Nacida en una pequeña aldea del norte italiano, desafió las normas sociales de la época para convertirse en monja y dedicar su vida al servicio de los demás. Su carisma y determinación la llevaron a fundar una orden religiosa que se extendió por todo el mundo, brindando ayuda principalmente a los inmigrantes, enfermos y marginados. Monteverde consigue plasmar en la pantalla, más que su vida, la fuerza interior de Cabrini, su profunda fe y su incansable lucha por la justicia social.

La película, por momentos, se desconecta. El ritmo narrativo se vuelve algo lento en algunas partes, afectando su continuidad y con ello el interés del espectador. Si a esto le sumamos el uso de repetitivo de estereotipos para dar cuenta de la autoridad y la desafiante personalidad de la protagonista, la cinta se aprecia más como una caricatura que como una recreación veraz de los diferentes momentos que la Madre Cabrini debió enfrentar.

El guion, escrito por Rod Barr y el propio Monteverde, se basa en una sólida investigación histórica, sin embargo a veces se siente un poco forzado en su intento por abarcar la totalidad de la vida de Cabrini. A pesar de que se trata de una obra extensa que pudo ser más ágil en su tratamiento, la película tiene destellos brillantes, en especial cuando la banda sonora, compuesta por Gene Back, se acopla para acompañar, con sensibilidad, algunas escenas importantes.

El mayor mérito que posee esta cinta es la certera configuración del carácter de Francisca Cabrini. Su convicción, decisión y firmeza se ven inquebrantables; contra todo pronóstico es capaz de convencer hasta al mismísimo Santo Padre que su misión es tan prioritaria como global. Su aspiración no conoce límite alguno, se propone la recuperación de la dignidad de los más desposeídos, la búsqueda y salvación de los más pobres y marginados de la sociedad.

“Cabrini” invita a reflexionar sobre nuestro propio compromiso con el mundo que nos rodea. Es una historia que inspira a ser mejores personas y a luchar por un mundo más justo y solidario al transmitir un mensaje esperanzador sobre el poder de la fe, la compasión y la acción social.

Ficha técnica

Título original: Cabrini
Año: 2024
Duración: 145 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Francesca Film Production NY
Género: Drama | Siglo XIX. Biográfico. Feminismo
Guion: Rod Barr. Historia: Rod Barr, Alejandro Monteverde
Música: Gene Back
Fotografía: Gorka Gómez Andreu
Reparto: Cristiana Dell'Anna, John Lithgow, Giancarlo Giannini, David Morse, Federico Castelluccio, Katherine Boecher, Jeremy Bobb, Patch Darragh
Dirección: Alejandro Monteverde 

El Bastardo

En la Dinamarca de finales del siglo XIX, azotada por los vientos fríos del Mar del Norte y las áridas llanuras de Jutlandia, un hombre atormentado por su pasado busca redención a través de una ambiciosa empresa: construir un asentamiento real en un lugar inóspito. El capitán retirado Ludwig Kahlen -Mads Mikkelsen-, con la mirada cargada de determinación y el corazón dañado por los fantasmas, se embarca en un viaje que pondrá a prueba su temple y sus valores.

Esta película, dirigida por Nikolaj Arcel y protagonizada por el siempre brillante Mads Mikkelsen, nos sumerge en un micromundo de intrigas, corrupción y sacrificios personales. A lo largo de un tortuoso camino, Ludvig se va rodeando de un conjunto de personajes complejos y llenos de sombras liderados por el despiadado Frederik de Schinkel -Simon Bennebjerg-, quienes tejen una red de intereses ocultos que intensifican la tensión y complejizan la trama.

Uno de los puntos que destaca en este filme es su narrativa sólida, cuidadosamente construida, que nos atrapa desde la primera escena hasta el desenlace final. Arcel realiza una dirección sobria y elegante, capturando la áspera belleza del paisaje danés a través de la fotografía de Rasmus Videbæk, que convierte cada plano en una verdadera obra de arte. La partitura de Ólafur Arnalds se suma a la experiencia visual con una banda sonora melancólica y evocadora que se funde con la historia, creando atmósferas densas, cargadas de emociones.

Mikkelsen, en una actuación vibrante que confirma su impronta como uno de los grandes intérpretes actuales, da vida a Ludvig con una intensidad que cautiva. El actor explora múltiples capas en su personaje, desde su férrea decisión y lealtad patriota, hasta los atribulados recuerdos que dan cuenta de una profunda vulnerabilidad. Su mirada transmite una mezcla de dolor, furia y esperanza que nos conecta con su lucha interna creando un protagonista cercano y convincente. El resto del reparto brilla, también, gracias a actuaciones matizadas que aportan verosimilitud y complejidad a cada uno de los personajes.

"El Bastardo" es una película cruda, sin concesiones, y que no esquiva el abordar temas difíciles como la ambición desmedida, la codicia, y el abuso de poder. Sin embargo, también es una historia sobre la perseverancia, el trabajo duro, y la búsqueda de la paz interior. Más allá de la historia, esta cinta invita a reflexionar sobre las ambiciones que nos motivan, los sacrificios que estamos dispuestos a hacer y el precio que pagamos por nuestros actos, un filme que nos confronta con la oscuridad del ser humano, pero que también es capaz de entregar un atisbo de esperanza.

Ficha técnica

Título original: Bastarden
Año: 2023
Duración: 127 minutos
País: Dinamarca
Compañías: Coproducción Dinamarca-Noruega-Alemania; Koch Films, Nordisk Film, SVT, Zentropa, Plaion Pictures, Nordisk Film, TV2
Género: Aventuras. Drama | Siglo XVIII. Histórico. Biográfico
Guion: Nikolaj Arcel, Anders Thomas Jensen
Música: Dan Romer
Fotografía: Rasmus Videbæk
Reparto: Mads Mikkelsen, Amanda Collin, Simon Bennebjerg, Kristine Kujath Thorp, Gustav Lindh, Jakob Lohmann, Morten Hee Andersen, Magnus Krepper, Felix Kramer
Dirección: Nikolaj Arcel 

Simone, la mujer del siglo

Este vibrante, íntimo y complejo retrato de Simone Veil, figura icónica del siglo XX, narra su trayectoria pública marcada por hitos como la legalización del aborto en Francia. Explora, también, las experiencias que forjaron su carácter y la llevaron a convertirse en una luchadora infatigable por la justicia social.

El guion juega con el tiempo durante todo el metraje. A través de constantes flashbacks y saltos temporales, la película teje una narrativa que se sitúa más allá de una simple cronología, lo que permite conectar con la Simone niña, adolescente y mujer madura. Este enfoque no lineal, aunque por momentos resulta confuso, termina aportando profundidad y complejidad a la descripción del personaje, al tiempo que revela las profundas motivaciones que la llevaron a desafiar las normas sociales y luchar por sus ideales.

Dirigida por Olivier Dahan, el filme posee una dirección de arte, un vestuario y una fotografía que recrean con precisión la época en la que Simone vivió, transportándonos a la Francia de posguerra y a los convulsos años 70. La banda sonora, partitura escrita por Armand Amar, acompaña la historia de forma emotiva, al subrayar con intensidad varios momentos importantes.

Elsa Zylberstein destaca por su brío en el papel protagónico. Captura la esencia de Simone Veil con una actuación llena de variados matices. Zylberstein configura una mujer fuerte e inteligente, pero a la vez vulnerable y humana, una interpretación que nos lleva a empatizar con ella, comprender sus dudas y acompañar su proceso de transformación.

Si bien la película se centra principalmente en la vida pública de Simone, ofrece también destellos de su vida personal. Observamos la relación con su familia, sus amigos y algunos colaboradores, aspectos centrales que permiten comprender mejor las fuerzas que impulsaron su camino.

“Simone, la mujer del siglo”, es una película política que aborda desde sus entrañas la lucha por los derechos de las mujeres. Puede resultar controversial, en especial por la promoción y defensa a ultranza del derecho al aborto, sin embargo se plantea como un honesto homenaje a una figura fundamental de la historia reciente, un biopic emotivo e inspirador sobre una mujer que luchó por un mundo mejor y que dejó una huella indeleble en la sociedad francesa.

Ficha técnica

Título original: Simone, le voyage du siècle
Año: 2022
Duración: 134 minutos
País: Francia
Compañías: Marvelous Productions, Scope Pictures, France 2 Cinema, France 3 Cinéma
Género: Drama | Biográfico. Feminismo
Guion: Olivier Dahan
Música: Olvon Yacob
Fotografía: Manuel Dacosse
Reparto: Elsa Zylberstein, Rebecca Marder, Olivier Gourmet, Elodie Bouchez
Dirección: Olivier Dahan 

Baghead : Habla con los Muertos

Sinopsis: Dirigida por Alberto Corredor, la historia comienza con Iris (Freya Allan, “The Witcher”), quien tras la muerte de su padre (Peter Mullan) hereda un antiguo bar en ruinas que la deja ligada a una entidad indescriptible que habita en el sótano del lugar: Baghead, una criatura que puede tomar la forma de cualquier persona que haya muerto. Dos mil dólares en efectivo por dos minutos con la criatura, es todo lo que necesita la gente para hablar con sus seres queridos, despedirse, hacerle esa pregunta que no pudieron, decirles cuánto lo amaban y así calmar su dolor. Pero Iris pronto descubre que romper la regla de los dos minutos puede tener consecuencias aterradoras y junto a su mejor amiga (Ruby Barker) debe luchar para mantener el control de Baghead y descubrir cómo destruirla antes de que ella acabe con ellos.

Buen nivel de producción exhibe esta película. La filmación, en general oscura, permite visualizar solo ciertos detalles, ocultando precisamente aquellos que en cualquier momento nos pueden aparecer sorpresivamente. Detallista y con ojo clínico, la cámara sigue las acciones desde cerca, como para dar la impresión que estamos allí, que somos observadores privilegiados en primera fila, logrando que, aunque no pase nada muy concreto, tengamos esa sensación de que en cualquier momento ocurrirá algo inesperado.

Esto es terror y por lo tanto tenemos que asustarnos. Bien, pero eso no pasa en los primeros treinta minutos. El prólogo es largo y da cuenta de una elaborada historia en base a una premisa que sí resulta interesante, pues el guion escrito por Bryce McGuire y Christina Pamies cumple a cabalidad con el objetivo de sumergirnos en el sótano gris de ese antiguo bar. Un secreto hay allí, pero nosotros ya lo conocemos: esa entidad que se transforma y trae a la vida a un ser querido fallecido, pero de la que no hay que abusar. Son solo dos minutos frente a ella y nada más. Dos minutos, o en caso contrario, las consecuencias serán fatales.

Volviendo a los sustos, a la media hora se declara el primero. El interés de Iris en el asunto crece, y su ambición también. Más que mal, ella no tiene nada, y ahora, al menos, tiene algo. Mientras tanto, su mejor amiga trata de alejarse un poco y buscar respuestas en el entorno exterior, optando por un camino fuera del recinto que la lleva a descubrir quiénes eran los antiguos propietarios del misterioso edificio.

“Baghead” parte bien pero se va enredando solita. Se diluye con el correr de los minutos y cae pronto en situaciones absurdas y carentes de sentido. Al irse por las ramas, sobre todo en los últimos veinte minutos, provoca que el remate no cierre de manera consistente, porque no nos quedamos con el fin de la historia sino con la posibilidad de un nuevo comienzo. Obvio, porque una de las aspiraciones evidentes de este tipo de películas es sembrar la posibilidad de convertirse en saga. ¿Lo logrará? Dependerá de los boletos que corte y su posterior desempeño en el streaming.

Y de Berlín, la ciudad donde se desarrolla la trama, poco y nada. Tres imágenes y sería todo. Una pena, pero así están las cosas.

Ficha técnica

Título original: Baghead
Año: 2024
Duración: 94 minutos
País: Reino Unido
Compañías: The Picture Company, Vertigo Entertainment. Distribuidora: Studiocanal
Género: Terror | Brujería
Guion: Bryce McGuire, Christina Pamies
Fotografía: Cale Finot
Reparto: Freya Allan, Jeremy Irvine, Ruby Barker, Ned Dennehy, Saffron Burrows
Dirección: Alberto Corredor 

The Quiet Girl

Dirigida por Colm Bairéad, esta es una película que nos lleva la Irlanda del año 1981. La cinta narra la historia de Cáit, una niña de nueve años que vive en un ambiente familiar caótico y carente de afecto. Para aliviar en algo la carga familiar, y cuando se acerca la fecha de un nuevo parto de su madre, Cáit es enviada a pasar el verano con unos parientes lejanos, Eibhlín y Seán. En ese entorno nuevo, la niña comienza a experimentar un despertar emocional y una sensación de pertenencia que no había conocido antes.

Este filme destaca por su delicada y sensible emotividad. El director evita caer en lo típico, y se enfoca en construir atmósferas melancólicos y evocadoras. La bella fotografía captura en detalle la exultante belleza del paisaje rural irlandés, mientras los encuadres provistos por cámaras fijas, con gran amplitud de campo, se posicionan como ojos observadores de una realidad tan colorida como, al mismo tiempo, sombría, creando un paralelo con el mundo interior de Cáit, impregnado de sueños reprimidos y emociones contenidas.

Las actuaciones constituyen un punto fuerte en este trabajo. Catherine Clinch, en un debut cinematográfico de gran vuelo, da vida a Cáit con conmovedora naturalidad y expresividad. Realmente construye muy bien su personaje, lo hace verosímil pese a su inexperiencia actoral y su corta edad. Los personajes secundarios, interpretados por Carrie Crowley y Andrew Bennett, también están muy bien desarrollados, aportan complejidad a una historia íntima y reflexiva.

No deja de ser sorprendente -aunque es una ratificación de lo que ya hemos visto muchas veces-, lo que la acogida, la consideración y la preocupación, entregan a un niño en sus primeros años de vida. La transformación de Cáit resulta impactante, y su aprendizaje es aún más significativo. El comenzar a creer en sus propias capacidades, en el desarrollo de su confianza, más el incipiente grado de libertad que forja, son factores potencian su personalidad, dejando en evidencia marcados contrastes con su situación de vida anterior. De ser una persona reprimida y triste pasa a ser una niña cada vez más alegre, con iniciativa, una evolución producto del cariño que encuentra en personas que no conoce, y con quienes comienza a construir genuinos y profundos vínculos.

“The Quiet Girl”, es una película que perdura después de verla, una historia sobre la resiliencia del espíritu, la importancia de la familia, y el poder de transformación que posee el amor. Una película que nos invita a reflexionar sobre nuestra propia experiencia y que impulsa a valorar aquello que realmente importa en la vida.

Ficha técnica

Título original: An Cailín Ciúin
Año: 2022
Duración: 95 minutos
País: Irlanda
Compañías: Inscéal, Broadcasting Authority of Ireland, TG4, Fís Éireann/Screen, Screen Ireland
Género: Drama | Familia. Años 80. Infancia
Guion: Colm Bairéad. Historia: Claire Keegan
Música: Stephen Rennicks
Fotografía: Kate McCullough
Reparto: Catherine Clinch, Carrie Crowley, Andrew Bennett
Dirección: Colm Bairéad 

Duna: Parte Dos

Fue un privilegio ver nuevamente, en pantalla grande, la primera parte de Duna hace menos de un mes. Es cierto que películas como esta no se olvidan, sin embargo a veces los detalles quedan un tanto relegados al quedar en la retina una visión más global de la obra. Por eso, esta esperada segunda parte -anunciada para noviembre, retrasada producto de la huelga de guionistas y, por tanto, estrenada hace pocos días-, tal vez obtenga una pequeña ventaja respecto a su predecesora.

Los hechos quedaron con Paul -Timothée Chalamet-, y su madre, Lady Jessica -Rebeca Ferguson-, en pleno desierto de Arrakis luego que los Harkonnen aniquilaran casi totalmente a los Atreides. Es la tribu de los Fremen quien les recoge, no sin reparos, para emprender una travesía épica, primero para sobrevivir, y luego para vengar su honor y recuperar lo perdido. En este viaje es vital la presencia de Chan -Zendaya-, visualizada por Paul en sus sueños, ahora transformada en compañera de ruta y acompañante sentimental.

La nada sencilla convivencia con los lugareños, liderados por Stilgar -Javier Bardem-, se dificulta aún más producto de las desconfianzas que provocan Paul y su madre, sin embargo, lentamente surgen indicios que van despejando incertidumbres y que hacen que la alianza prospere de forma natural. Stilgar cree que ha llegado un mesías, un salvador, y poco a poco se va convenciendo que es Paul. Son los hechos, más que las palabras, los que van confirmando poco a poco su teoría. El arduo entrenamiento -incluyendo montar gusanos-, comienza a dar frutos, y Paul va demostrando que es un líder innato, atrayendo voluntades con sus arriesgadas acciones.

La llamada cuestión social también está presente en la historia. Basta recordar que las Casas gobernantes se rigen por sus diferentes clases, sin embargo los Fremen se organizan bajo el principio de la igualdad y el bien común, lo que constituye otro aprendizaje importante en el camino de este joven que, sin desearlo, se va convirtiendo en eje central de la resistencia.

Por cierto, la batalla en Arrakis es por el control económico. La producción es de “especias”, elemento vital para el imperio, el tesoro a conseguir, y es por eso que, históricamente, ha sido muy disputado, desatando cruentas luchas de poder. En ese sentido, las decisiones del emperador pasan a ser trascendentes, mucho más que en la primera entrega, pues nos enteramos que su voluntad no es imparcial ni genuina, sino claramente influenciada por la conveniencia y necesidad de mantener su estatus de poder discrecional.

Significativa es una secuencia en blanco y negro en el que se muestra cómo, en el bando contrario, surge la figura de Feyd-Rautha -Austin Butler-, quien se transformará en el poderoso rival a vencer por el joven Atreides. Guerrero de tomó y lomo, Feyd-Rautha parece invencible, alguien intratable que avanza sin cuidado tras el objetivo último: aniquilar, a cualquier costo, todo asomo de resistencia.

Técnicamente prodigiosa, esta cinta resulta deslumbrante, brilla más que la primera entrega y asombra por la forma que adopta para construir la historia. Denis Villeneuve conduce magistralmente una cinta que no escatima detalles, y en la que los tiempos están al servicio de la narrativa. ¿Cuántas veces es necesario tomar más espacio para el desarrollo de un personaje o una relación, y no se consigue por las restricciones de duración o por un manejo inapropiado de los recursos dramáticos? Muchas, sin duda. Villeneuve, sin embargo, se los toma, sin abusar ni cansar, gracias al apoyo de un elenco que se sitúa en el marco alto de la actuación. Asimismo, los efectos especiales, que son innumerables, muchas veces no se notan, resultan creíbles, y son parte de esos bellos escenarios donde los movimientos y el aparataje, tanto aéreo como terrestre, con coreográficas peleas y batallas, se complementa en forma perfecta con los momentos de intimidad y diálogo que dan fuerza interior a un relato cuya vigencia pareciera imperecedera.

Es imprescindible ver “Dune: Part Two” en pantalla grande porque es una obra virtuosa que necesita el mejor escenario posible para desplegar su magia. Una vez más se impone la forma de narrar respecto al fondo de la historia. Es cierto, se trata de ciencia ficción, género que algunas personas quisieran saltar de su preferencias, sin embargo aquella temática es solo una excusa para contar una historia de transformación humana, desafiante y épica, en la que los valores y principios se alinean tras un objetivo mayor: la lucha contra la opresión con la esperanza de un futuro mejor.

Ficha técnica

Título original: Dune: Part Two
Año: 2024
Duración: 166 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Coproducción Estados Unidos-Canadá; Legendary Pictures, Warner Bros., Villeneuve Films. Distribuidora: Warner Bros.
Género: Ciencia ficción. Aventuras. Acción. Drama | Cine épico. Secuela
Guion: Denis Villeneuve, Jon Spaihts. Novela: Frank Herbert
Música: Hans Zimmer
Fotografía: Greig Fraser
Reparto: Timothée Chalamet, Rebecca Ferguson, Josh Brolin, Stellan Skarsgård, Dave Bautista, Zendaya, Charlotte Rampling, Javier Bardem, Austin Butler, Florence Pugh, Christopher Walken, Léa Seydoux, Souheila Yacoub
Dirección: Denis Villeneuve 

American Fiction

Thelonious "Monk" Ellison -Jeffrey Wright-, escritor y profesor afroamericano en Los Ángeles escribe novelas bien recibidas por el mundo académico pero que se venden mal, tanto así que los editores rechazan su último manuscrito por no ser "suficientemente negro". La Universidad donde imparte clases lo obliga a una licencia temporal debido a algunos problemas con algunos estudiantes respecto a cuestiones raciales; sus superiores le sugieren que pase tiempo con su familia en su ciudad natal, Boston, y asista a un seminario literario. En el encuentro, su panel tiene una paupérrima asistencia, mientras la sala del lado está repleta para una presentación de Sintara Golden, cuya novela más vendida “We's Lives in Da Ghetto” satisface todos los estereotipos esperados. Monk, cansado de tanta hipocresía, decide escribir un libro en base a todo lo que le piden y que él critica, lo que traerá sorprendentes consecuencias.

En este drama/comedia, basado en la novela de Percival Everett, escrito y dirigido por Cord Jefferson, presenciamos varias historias paralelas con personajes muy bien delineados. Cada uno tiene un espacio en el que queda clara su configuración y peso en el relato, con un ritmo y edición en los que destaca especialmente la selección de los tiempos empleados y la duración y consistencia de cada una de las escenas.

Jeffrey Wright hace un papel magnífico. Nominado a mejor actor en los Óscar 2024, destaca su genialidad gestual que llena y completa la pantalla, sin ser quien se lleve el peso mayor sino cumpliendo un rol de guía y enlace, una especie de vértice común, para todos quienes rodean a este especial académico. Y es que las ramificaciones son extensas, partiendo por su familia, su madre Agnes, su hermana Lisa, su hermano Clifford -Sterling K. Brown, nominado a mejor actor de reparto-, y Lorraine -quien ayuda en casa hace muchos años. A ellos se suma Coraline, la vecina del frente, los editores que reciben el manuscrito, los jurados de un premio de literatura al que Monk es invitado, y por cierto la mismísima Sintara Golden, la escritora de moda, una especie de rival inspiradora del protagonista.

“American Fiction” es una sátira deliciosa sobre el contenido que realmente “vende”, pero que es despreciado por el mundo intelectual. También lo es sobre la descalificación de los fenómenos masivos, o aquella complacencia que da en en gusto a la audiencia con temas banales, fingiendo cercanía, pero solamente entregando lo que se espera, sin ir más allá. Ciertamente la cinta toca el tema de la discriminación racial y sexual que afecta a las personas de color, pero lo hace desde una óptica diferente, internándose en un mundo que podría resultar peligroso si no se lleva adecuadamente.

Hacer comedia es de los géneros más difíciles, y esta obra lo hace muy bien. Entre broma y broma, se cuelan verdades del tamaño de una casa, porque también acá está en juego la autoestima y la conexión humana con otras realidades. Hay algo en la genialidad de ciertas personas que les impide una fluida relación con el entorno, y ago de esto está presente en Thelonious Ellison, sobre todo cuando es conminado por su hermano Cliff a dejarse amar por todos quienes le quieren, sin poner barreras o hacer distinciones.

La cantidad de detalles que tiene esta cinta son muchísimos. Solo tres, para tener en consideración: un Malbec “Luigi Bosca” (vino de Mendoza, Argentina) en una comida; la escena donde “Monk” escribe su novela y suceden cosas a su alrededor; y un final inesperado y sorprendente, tres trozos de manjar para saborearlos y degustarlos en el paladar luego de verlos.

Con el “Lacrimosa” del Réquiem de Mozart como telón de fondo, “Ficción Americana” concluye en forma brillante, sin aspavientos ni vericuetos imposibles, honesta y significativa, una película que hay que ver y disfrutar en todo su esplendor. ¿Se transformará en la sorpresa, en “el tapado” este fin de semana en la entrega de los premios Óscar? ¡Imperdible!

Ficha técnica

Título original: American Fiction
Año: 2023
Duración: 117 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Orion Pictures, MRC Film, 3 Arts Entertainment, Media Rights Capital (MRC), Metro-Goldwyn-Mayer (MGM). Distribuidora: Amazon Prime Video
Género: Comedia. Drama | Comedia dramática. Literatura. Sátira
Guion: Cord Jefferson. Novela: Percival Everett
Música: Laura Karpman
Fotografía: Cristina Dunlap
Reparto: Jeffrey Wright, Tracee Ellis Ross, Issa Rae, Sterling K. Brown, John Ortiz, Erika Alexander, Leslie Uggams, Adam Brody, and Keith David.
Dirección: Cord Jefferson 

Imaginario: Juguete Diabólico

Sinopsis: Cuando Jessica (DeWanda Wise) vuelve con su familia a la casa de su infancia, Alice (Pyper Braun), su hijastra más pequeña, comienza a desarrollar un extraño apego hacia Chauncey, el oso de peluche que encuentra en el sótano. En un primer momento, Alice y Chauncey se entretienen con juegos aparentemente divertidos que, poco a poco, irán volviéndose más siniestros y peligrosos. A medida que el comportamiento de Alice se va volviendo más inquietante, Jessica decide intervenir, pero cuando lo hace se da cuenta de que Chauncey es mucho más que un inofensivo oso de peluche.

Dirigida por Jeff Wadlow, esta cinta se inicia con una terrorífica secuencia. Jessica es escritora, pinta, hace caricaturas, y tiene un presente exitoso, pero creativamente pasa por un período en blanco previo a su próxima entrega. En lo familiar, tampoco lo pasa bien. A sus problemas de sueño, se agrega que debe lidiar con la carga de ser madrastra de las dos hijas de su pareja, la adolescente Taylor y la pequeña Alice.

Un proyectado -y adelantado- cambio de casa debería ayudar y favorecer las cosas. Más que mal, se trata de la casa donde ella vivió su infancia y que ahora vuelve a ocupar en circunstancias muy diferentes. La historia pesa, pero es un cable a tierra a pesar de algunos eventos que marcaron su difícil y compleja niñez y posterior adolescencia. Pero las cosas no mejoran. La relación con Taylor es tirante y se agudizan aún más las discusiones. El estrés de lo laboral también le pasa la cuenta, porque cuando intenta darse un tiempo para jugar con Alice, un llamado la saca de foco justo en el momento en que la pequeña descubre, en el sótano, un oso de peluche que se va a transformar en su nuevo amigo imaginario.

El género de terror no es nada fácil. Caer en los estereotipos y figuras manidas es siempre una tentación que puede llegar a ser irresistible. Wadlow rehuye un poco de aquello, sin embargo imprime muchas características “de manual” en este trabajo. Los sustos son parte fundamental, y ahí están, bien construidos y bien estructurados. La música de Bear McCreary ayuda también a crear atmósferas, y tiene una sincronía pura con las imágenes en los momentos precisos en los que se necesita esa coincidencia plena. La fotografía, oscura y lúgubre, aporta a crear incertidumbre, porque siempre hay un sótano con algún recoveco, espacio o puerta escondida que se abre en el momento menos pensado. El mérito del director es usar bien todos estos elementos, sin abusar, dosificados, para lograr que crezca la tensión y Chauncey se transforme en el verdadero protagonista de la historia.

En una hora de metraje parece que viniera el punto de inflexión, sin embargo es allí donde la película comienza a decaer, básicamente porque intenta explicar lo que estamos viendo en pantalla. La argumentación es tan laberíntica como los escenarios visualmente propuestos, y ya sabemos: si las explicaciones confunden y enredan más, finalmente no son mucho aporte. Más bien restan puntos a un todo que de a poco se va desintegrando.

Como en muchas cintas de terror, las bases de la trama se encuentran en los traumas pasados que no han sido superados. Acá, eso adquiere un papel fundamental, porque sabemos que “la historia no se repite pero rima”. Lo presente se transforma en una proyección del pasado, máxime cuando se abren algunas ventanas que lo observan y se muestran secretos que por fin salen a la luz.

En un poco menos de dos horas -aunque 90 minutos habrían sido ideales-, “Imaginary” funciona porque hace las cosas bien, con coherencia visual y argumental. La pequeña Alice brilla en su papel, dejando varios escalones más abajo a su hermana adolescente que no logra dar credibilidad a su rol. Jeff Wadlow trabaja bien las secuencias, el ritmo y la edición. Solo queda un poco al debe respecto a esas lagunas que se producen al profundizar aspectos que tal vez pueden ser considerados menos relevantes. Pero bueno, finalmente se trata de tomar decisiones y de optar, por lo que nada de esto quita mérito alguno a una película que resulta interesante por su buen nivel de producción, y porque no se deshace entre las manos cuando debe hacer el remate final. Si habrá continuación o no, dependerá de la taquilla. Al menos las pistas están, solo queda tirar de la manilla.

Ficha técnica

Título original: Imaginary
Año: 2024
Duración: 104 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Blumhouse Productions, Lions Gate Films, Tower of Babble Entertainment. Distribuidora: Lionsgate
Género: Terror | Sobrenatural
Guion: Greg Erb, Bryce McGuire, Jason Oremland, Jeff Wadlow
Música: Bear McCreary
Fotografía: James McMillan
Reparto: DeWanda Wise, Tom Payne, Taegen Burns, Pyper Braun, Veronica Falcón y Betty Buckley .
Dirección: Jeff Wadlow 

Io capitano

Intensa, realista, y esencialmente desgarradora, resulta ser esta película dirigida por el italiano Matteo Garrone. La explotación y violencia que deben enfrentar estos dos jóvenes senegaleses es máxima, un viaje donde su abrupta pérdida de inocencia se combina con unas pequeñas gotas de esperanza junto a una resiliencia que emerge, literalmente, desde sus vísceras.

Desde su natal Dakar, donde el ambiente familiar es protegido a pesar de las acuciantes necesidades económicas, estos primos, Seydou -Seydou Sarr-, y Moussa -Moustapha Fall-, se plantean un desafío que les quita el sueño. Quieren buscar un nuevo rumbo y cumplir su sueño de ser cantantes famosos en Italia. Han decidido ahorrar cada moneda, cada billete, cada centavo para lograrlo, porque para llegar a Europa necesitan dinero, pero también una gran dosis de convicción. No es fácil la decisión. En un cierto sentido es huir, o escapar, pero en el otro puede ser “LA” oportunidad para surgir y desarrollar todas sus capacidades al máximo nivel posible.

El escenario que muestra esta cinta es angustiante. El trayecto de por sí es larguísimo. Implica transitar desde la costa africana hacia Nigeria, luego atravesar el desierto del Sahara, recalar en Tripoli, Libia, para desde allí cruzar el mediterráneo hacia las costas Sicilianas. Eso, si todo sale bien. Parecen cuatro pasos de lo más lógicos, sin embargo lo que encuentran en el camino son peligros que no estaban en ninguno de sus peores vaticinios, porque así es la migración, está sujeta a todo tipo de imprevistos, agravados por el tráfico de personas y una corrupción generalizada, explotación humana diversificada en todas sus formas que llega incluso hasta la tortura, con condiciones infrahumanas que ponen en peligro la integridad y la vida de personas que son, en extremo, vulnerables.

Los engaños están a la orden del día, pero los primos desconfían. Así y todo, es fácil dejarse llevar por cualquiera que les preste atención y que les prometa el oro y el moro a cambio de dinero. Como ya están inmersos en el desafío, por ningún motivo quieren renunciar, ni menos regresar, porque eso sería rendirse ante una adversidad que creen capaces de superar. Obtienen pasaportes, atraviesan el desierto y allí, los contrastes son tan grandes que el espejismo no es solo son un oasis, es también la ensoñación, aquello que quieren ver, y que les moviliza para seguir adelante.

El drama se acrecienta cuando ambos se separan luego de ser interceptados por una patrulla fronteriza. Responde el hecho a un punto de inflexión, porque la sensación de abandono no puede ser más grande. ¿En qué momento se pasa de una tragedia absoluta a generar resiliencia? Porque cuando vemos esclavitud no imaginamos que pudiera revertirse tal situación. Sin embargo, en los peores momentos suelen aparecer las mayores capacidades de los seres humanos, y Seydou parece volver a nacer. Es cierto que recibe la ayuda de un “ángel” en su camino, pero es él quien comienza a pararse frente al mundo de forma distinta, con otra mirada, con cuidado, preocupación y, principalmente, con amor.

“Io capitano”, aunque predecible en su construcción y desarrollo, tiene un gran espacio para reflexionar. Ayuda muchísimo que sus protagonistas sean actores aficionados, porque entregan frescura y naturalidad al relato, lo hace verosímil. De hecho son sus mismos nombres los usados, simples y cercanos, porque la historia la vamos construyendo nosotros como cómplices de esta odisea de marca mayor. Es impactante el tránsito desde esa fragilidad suprema hacia una valentía que nos deja, literalmente, sin aliento. ¿Cómo se produce? ¿Cuánto hay de las circunstancias lo provocan? Cientos quedan en el camino y no lo logran nunca, pero, ¿estos primos lograrán finalmente concretar su objetivo? El mensaje central tiene que ver con la decisión y la determinación con que se enfrenta la adversidad y cómo se logra pasar de la pasividad a la acción, independiente del resultado final, aunque sin duda, y por las características de esta película, se transforme en un aspecto trascendente. Imperdible.

Ficha técnica

Título original: Io capitano
Año: 2023
Duración: 121 minutos
País: Italia
Compañías: Coproducción Italia-Bélgica-Francia; Archimede, RAI Cinema, Tarantula, Pathé, Logical Content Ventures, Proximus
Género: Drama | Inmigración. Supervivencia. África. Drama social
Guion: Massimo Ceccherini, Matteo Garrone, Massimo Gaudioso, Andrea Tagliaferri
Música: Andrea Farri
Fotografía: Paolo Carnera
Reparto: Seydou Sarr, Moustapha Fall
Dirección: Matteo Garrone 

Todos somos extraños

Los fundidos iniciales anticipan una inmersión en la intimidad del protagonista. El silencio y la contemplación pronto develan la soledad y la monotonía en la que vive Adam -Andrew Scott-, un guionista que, además, se enfrenta a la desesperación que provoca la pavorosa “página en blanco”

El edificio es nuevo y no hay otros residentes. O tal vez solo un departamento más, el que se ve iluminado desde la planta baja. Suena el timbre. Adam recibe una visita inesperada. Es Harry -Paul Mescal-, quien, un poco bebido, se le insinúa sin tapujos ni prejuicios. Adam niega cualquier posibilidad, cierra completamente la puerta.

En ocasiones es necesario revisitar el pasado para entender el presente y construir el futuro. Adam, consciente de aquello, emprende viaje a la casa de sus padres, que le acogen con cierta sorpresa pero felices de volverlo a ver. Se ven jóvenes, muy jóvenes, casi tanto como su hijo; pero ellos murieron cuando Adam tenía 12 años.

Algo se detona con el viaje. Adam vuelve a escribir, y además se encuentra casualmente con Harry en el ascensor. Ahora sí se abre a la posibilidad. Sucede lo esperado, un encuentro sexual, pasional, desenfrenado, liberador.

El director Andrew Haigh adapta la novela de Taichi Yamada entregándole un sello atmosférico. El metraje es explícito sin mostrar demasiado. Se centra en dos individuos que se encuentran en el vértice del vacío existencial. Dos opuestos que confluyen con sus extremos hacia un centro común, complementario, diferente, esperanzador. Ambos conectan, se acompañan, comienzan de nuevo, despiertan a otra vida.

La sucesión de encuentros de Adam con sus padres se hace cada vez más frecuente. La acogida de su madre es diferente a la marcada ausencia de su progenitor. Descubrimos que esa falta de figura paterna ha hecho mella en la personalidad de Adam, lo que sumado al bullying infantil, configura el presente de una persona vulnerable, tímida y en extremo sensible, que necesita la protección de un otro.

Lo que viene es un ida y vuelta. Adam comprende que debe salir de su zona de confort. Ya no debe enclaustrase más, debe salir a vivir, liberarse, destapar todo aquello que ha comprimido su vida por años, una opresión permanente agudizada por la temprana muerte de sus padres.

Haigh nos conduce de manera inteligente a través de una historia que se fragua muy lentamente. Amor, perdida, perdón. Hay mucho implícito en esos traumas y situaciones no resueltas. Varias preguntas sin respuesta dan paso a una creciente soledad del protagonista, la que no hace más que consolidarse con el tiempo.

“Todos somos extraños” tiene múltiples lecturas y eso es parte de lo interesante de su propuesta. Se deslizan la insatisfacción, la desconformidad, el amor propio, la autoestima y la inseguridad. La dualidad de tiempos, muy bien empleada, funciona como espejo, porque esa mezcla de realidades diferentes, lo concreto y lo imaginario, hace que no solo el protagonista se transporte sino que nosotros les acompañemos en este viaje de reconciliación, redención y trascendencia cuyo destino resulta indescifrable.

Ficha técnica

Título original: All of Us Strangers
Año: 2023
Duración: 105 minutos
País: Reino Unido
Compañías: Coproducción Reino Unido-Estados Unidos; Blueprint Pictures, Film4 Productions, Fox Searchlight. Distribuidora: Fox Searchlight
Género: Fantástico. Drama | Familia. Homosexualidad
Guion: Andrew Haigh. Novela: Taichi Yamada
Música: Emilie Levienaise-Farrouch
Fotografía: Jamie Ramsay
Reparto: Andrew Scott, Paul Mescal, Jamie Bell, Claire Foy

Dirección: Andrew Haigh 

Mi amigo robot

Sinopsis: Basada en la novela gráfica de Sara Varon. Dog es un perro solitario que vive en Manhattan. Un día decide construirse un robot, para que sea amigo. Su amistad crece, hasta hacerse inseparables, al ritmo del Nueva York de los 80. Una noche de verano, Dog, con gran pena, se ve obligado a abandonar al robot en la playa.

El director Pablo Berger construye una cinta animada delicada y llena de detalles. Su factura es preciosa, está realmente muy bien hecha, con tomas excelentemente logradas, sencillas y simples, que denotan el gran trabajo realizado para componer cada uno de sus cuadros y enfoques.

“Robot Dreams” es austera, tierna y sentimental, todo en uno. Deja a un lado cualquier tipo de parafernalia para concentrase en lo medular de su argumento para, de forma concisa, decir mucho sin tener un solo diálogo. Sin duda, las imágenes valen más que mil palabras, y tocan la fibra íntima gracias a una humanidad representativa que por resultar cercana, produce gran empatía.

El tema central de este filme animado es la soledad y la necesidad de acompañamiento, y aunque esté ambientada en los años 80, este es un tema que posee una actualidad cada vez más vital, dada la búsqueda de motivaciones que logren dar sentido a la existencia. En este caso, Dog se siente solo, abandonado, se compara con su entorno, y eso le provoca tristeza. Le cuesta mucho visualizar alguna forma de poder seguir adelante, porque las adversidades se encuentran cada vez más presentes.

Los sueños son también parte importante de la historia. Existe una mezcla entre realidad y fantasía, entre lo concreto y lo deseado, algo que por momentos es difícil diferenciar. Nos vemos atrapados dentro de dos mundos cuya línea divisoria es difusa y que permanentemente cambia el foco. Es por eso que resulta necesario dejarnos llevar para poder navegar por aguas dúctiles que fluyen hacia momentos emotivos y de profunda reflexión, y que abarcan varias temáticas que, eso sí, están más orientadas a jóvenes y adultos que a niños demasiado pequeños.

Asoman con impronta valores fundamentales en el metraje, sobre todo el valor de la amistad y la lealtad. Al momento de tomar decisiones es cuando se pone en juego la solidez de los principios: ¿optar por el bien particular o por el bien común?; ¿lo que me conviene a mí, o lo que nos conviene a todos?; ¿lo que quiero yo, como individuo, en solitario, sin pensar en los demás, o lo que debo hacer para beneficio de la mayor cantidad de personas que me rodean, sean cercanas o lejanas?

“Mi amigo robot” es una preciosa fábula que tiene múltiples enseñanzas. Sin palabras, porque no las necesita, llega al corazón gracias a una propuesta sencilla. Se trata de un trabajo de joyería que no podemos dejar de ver, de admirar y que pronto nos provoca la necesidad de compartirlo con otras personas. Es un reflejo de la vida, la actual, en su múltiples dimensiones. Todos podemos ser un poco de cada uno de los personajes que recorre la cinta; depende de dónde nos encontremos, la perspectiva que adoptemos o con quién nos identifiquemos más. A disfrutar y reflexionar, el trabajo, ahora, queda de nuestro lado.

Ficha técnica

Título original: Robot Dreams
Año: 2023
Duración: 102 minutos
País: España
Compañías: Coproducción España-Francia; Arcadia Motion Pictures, Noodles Production, Les Films du Worso, RTVE, Movistar Plus+
Género: Animación. Ciencia ficción. Drama. Comedia | Años 80. Robots. Amistad
Guion: Pablo Berger. Novela gráfica: Sara Varon
Reparto: Animación
Música: Alfonso de Vilallonga
Fotografía: Animación
Dirección: Pablo Berger