Una jungla de locura 2

"Les As de la Jungle 2: Opération tour du monde”, es una película de animación francesa que nos trae una nueva aventura de estos locos animalitos que conocimos hace algunos años. En esta oportunidad, nuestros héroes -la “Jungle Bunch”-, con Maurice a la cabeza, deberán embarcarse en un viaje alrededor del mundo para salvar su hogar de una misteriosa amenaza, una sustancia que cubre el valle y que explota de inmediato al contacto con el agua.

Con una animación vibrante y colorida que da vida a los escenarios de forma espectacular, esta película ofrece mucha acción y humor, con paisajes variados y detallistas que van desde la exuberante jungla hasta las imponentes montañas nevadas, pasando por un sinnúmero de escenas que dejarán quietos a los más pequeños frente a la pantalla.

Más allá de la diversión, esta cinta también es capaz de transmitir valores importantes como la amistad, el trabajo en equipo, la perseverancia y la importancia de cuidar el medio ambiente. Asimismo nos recuerda que, incluso en los momentos más complicados, siempre habrá esperanza, y que, siempre en unión con otros, podremos superar cualquier obstáculo y alcanzar nuestros sueños.

“Una jungla de locura 2”, pese a tener una premisa sencilla y un argumento predecible, funciona como fábula animada al entregar un mensaje positivo y transversal para todas las edades. Una hora y media de sana entretención, ideal para ver y disfrutar en familia.

Ficha técnica

Título original: Les As de la jungle 2 - Opération tour du monde
Año: 2023
Duración: 89 minutos
País: Francia
Compañías: France 3 Cinéma, Master Films, SND Groupe M6
Género: Animación. Comedia. Infantil | Secuela
Guion: David Alaux, Eric Tosti, Jean-François Tosti
Música: Olivier Cussac
Fotografía: Animación
Reparto: Animación
Dirección: Laurent Bru, Yannick Moulin, Benoît Somville 

Atlas

Atlas Shepherd -Jennifer Lopez-, una brillante analista que desconfía de la inteligencia artificial, busca hace 28 años a Harlan -Simu Liu-, líder terrorista de una rebelión que dejó tres millones de muertos antes que las fuerzas militares de la nueva Coalición Internacional de Naciones (ICN) lo obligaran a huir al espacio exterior. Después de que uno de los agentes enviados por el fugitivo fuera capturado e interrogado, Atlas descubre que su gran objetivo ha escapado a un planeta en la Galaxia de Andrómeda, por lo que insiste en ser parte de la misión militar que pretende encontrarlo y capturarlo.

Estrenada con gran despliegue de publicidad, y de la mano de su productora y actriz principal, esta cinta se inicia con una premisa interesante y que, por lo demás, se encuentra actualmente en el ojo del huracán. Mucho se habla hoy de la Inteligencia Artificial, el uso de modelos grandes de lenguaje (LLM), inteligencia artificial generativa, etc., y claro, una película que aborda este tema, llama desde ya la atención. Pero, ¿qué sucede? ¿Es más de lo mismo que ya hemos visto en tantísimas películas anteriores o hay algún punto nuevo, un aporte mayor, o tal vez todavía más actual?

Sin entrar en detalles o hacer spoilers (ni para bien, ni para mal), la idea es buena, sin embargo se va diluyendo en la medida que avanzan sus extensos 118 minutos. Sacando la cáscara de la temática -porque su argumento es tan sencillo y delgado que no se logra sostener por sí mismo-, solo sobreviven las escenas de acción, las interacciones con los robots, y uno que otro espacio específico de reflexión fácilmente olvidables.

No obstante lo antes dicho, este nuevo trabajo de la incombustible Jennifer Lopez, resulta entretenido por momentos, y tiene en el fondo -bien en el fondo, eso sí-, un par de conceptos a los que podríamos sacar un poco más de punta si realmente queremos intentar extraer algo más profundo de un producto que está hecho y destinado solo para ser una diversión pasajera. Uno de ellos es el vínculo, en toda la expresión de la palabra, desde su construcción, pasando por su corte y reconstrucción. En este caso, esta unión es de humanos con máquinas, o máquinas con humanos, algo bastante difícil de entender pero que cada vez se observa como algo más cercano. De su existencia o no existencia -de este vínculo- dependen muchas cosas: una sincronía estrecha podría augurar éxito; una a medio camino, un desarrollo irregular; y una solo por encima, tal vez el peor de los fracasos.

Lo que desarrolla esta película no es contenido grueso ni de fondo. Aquello solo lo esboza, pero aún así no deja de ser interesante, porque otros conceptos presentes se refieren a la relación con los demás, con un otro (humano o máquina), a las decisiones que afectan por parejo a uno y otro, y la incansable capacidad humana de autodestruirse y cómo aquello puede ser leído por las máquinas que ven allí una amenaza para su propia supervivencia. Algo así como destruir para no ser destruido, cuando la debida protección a los humanos podría constituir el comienzo de su propio fin.

Interesante debate podríamos abrir, pero no para esta película, en la que ni siquiera su protagonista luce en todo su esplendor, salvo en algunas escenas en las que primeros planos muy cercanos muestran facciones de su rostro tiritando, detalles mínimos que intentan transmitir angustia y miedo por encontrarse al borde de la muerte, sin salida ni escapatoria posible.

“Atlas” se deja ver, y por favor no le pida más. Funciona un sábado en la noche para poner la mente en blanco, para desconectarse de la semana, para no pensar en nada, y solo dejarse llevar por parafernalia y fuegos artificiales que ya hemos visto, pero esta vez basados en un tema de creciente actualidad y que definitivamente no podemos ni evitar ni eludir.

Ficha técnica

Título original: Atlas
Año: 2024
Duración: 118 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: ASAP Entertainment, Berlanti Productions, Nuyorican Productions, Moving Picture Company, Netflix. Distribuidora: Netflix
Género: Acción. Ciencia ficción | Aventura espacial. Robots. Inteligencia artificial
Guion: Aron Eli Coleite, Leo Sardarian
Música: Andrew Lockington
Fotografía: John Schwartzman
Reparto: Jennifer Lopez, Simu Liu, Sterling K. Brown, and Mark Strong
Dirección: Brad Peyton

La idea de Ti

Dirigida por Michael Showalter y basada en la novela homónima de Robinne Lee, esta cinta presenta la historia de Solène -Anne Hathaway-, una madre soltera de 40 años que debe acompañar a su hija adolescente al festival de Coachella. Allí, por casualidad, se encuentra con Hayes Campbell -Nicholas Galitzine-, el vocalista principal de August Moon, la boy band más famosa del momento. Entre la química instantánea y las circunstancias que les rodean, surge inesperadamente un romance que desafía toda clase de formalismos y supera ampliamente cualquier expectativa.

Aunque la trama es predecible, logra mantener el interés en la audiencia pese a la lentitud de su ritmo. La película utiliza las fórmulas conocidas de la comedia romántica: el encuentro inesperado, las diferencias de edad y de estatus social, y los obstáculos externos que ponen en riesgo la relación. No obstante la gran abundancia de clichés, el director logra inyectarle frescura al relato con diálogos livianos y algunos momentos de genuino humor.

Las actuaciones, aunque no demasiado destacadas, se convierten en la base de la película. Anne Hathaway, en un protagónico que se ve que le acomoda y que oscila entre el drama y la comedia, captura la complejidad de una mujer madura que se debe enfrentar sus inseguridades y deseos. Por su parte, Nicholas Galitzine ofrece una interpretación suelta y convincente de este bonachón vocalista, mostrando carisma, encanto, y, también, vulnerabilidad. La sintonía entre ambos funciona muy bien y resulta fundamental para sostener un metraje que alcanza casi las dos horas de duración.

Michael Showalter conduce con soltura las escenas cómicas y románticas, sin embargo aquello no suma una visión distinta o innovadora al género. La cinematografía cumple su papel, destacando la energía vibrante del festival de Coachella junto con el glamour y los momentos tras bambalinas del mundo de las celebridades. La música, en otra vertiente, desempeña un papel importante en la película, porque las canciones de August Moon sirven como telón de fondo para la historia de amor, y además permiten conectar con una audiencia más joven.

"La Idea de Ti" resulta entretenida y ligera al ofrecer una adecuada dosis de diversión. Si bien personalmente tenía más expectativas, me doy por pagado con las actuaciones de Anne Hathaway, y especialmente de Nicholas Galitzine, en un filme ideal para desconectarse un sábado en la noche y pasar un rato agradable, distendido y sin preocupaciones.

Ficha técnica

Título original: The Idea of You
Año: 2024
Duración: 115 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Amazon Studios, I'll Have Another, Somewhere Pictures, Welle Entertainment. Distribuidora: Amazon Prime Video
Género: Romance | Drama romántico. Comedia romántica. Música
Guion: Jennifer Westfeldt, Michael Showalter. Novela: Robinne Lee
Música: Siddhartha Khosla
Fotografía: Jim Frohna
Reparto: Anne Hathaway, Nicholas Galitzine, Ella Rubin, Reid Scott, Jordan Aaron Hall, Jaiden Anthony, Raymond Cham, Viktor White, Dakota Adan, Annie Mumolo, Perry Mattfeld
Dirección: Michael Showalter

Malqueridas

Sinopsis: Son mujeres, son madres y están privadas de libertad en Chile. Sus hijos crecen lejos de ellas, pero permanecen en sus corazones. En la prisión, encuentran afectos en otras compañeras que comparten su misma situación. El apoyo mutuo entre estas mujeres se convierte en una poderosa forma de resistencia.

“Malqueridas está hecha con imágenes registradas por mujeres que estuvieron en la cárcel con sus celulares clandestinos. Las imágenes que muestra la película estaban destinadas a ser perdidas, eliminadas, o confiscadas. Nosotras las guardamos por siete años, porque sabíamos que lo que contenían era importante y único. Para poder darles un lugar físico, un cuerpo a estas fotografías y videos digitales, decidimos imprimirlos todos, cuadro por cuadro”, señala la directora Tana Gilbert, sobre el largo proceso de realización de este documental.

En poco más de una hora, las imágenes se suceden y los testimonios que escuchamos golpean. El relato, en primera persona, es cercano y triste. No tenemos detalles, pero sentimos que la angustia se apodera de toda comunicación. La voz tranquila y las fotos fijas en la pantalla no logran esconder el miedo y la enorme frustración de estas mujeres que se encuentran privadas de libertad. Los momentos alegres son mínimos, pequeños, un destello dentro de la oscuridad permanente de una vida sin vida, de un presente obligado, de un futuro sin rumbo ni esperanza.

Desde su estreno mundial en la Semana Internacional de la Crítica de Venecia, donde obtuvo varios reconocimientos, este documental ha acumulado una serie de premios en festivales como Mar del Plata, Sâo Paulo, Valladolid, Valdivia y FIDOCS, entre otros. La crítica internacional ha sido abundante en elogios para un trabajo que tiene su génesis en imágenes que quizá nunca hubiesen llegado a ser conocidas si no fuera por la inquebrantable decisión de quienes las capturaron, a riesgo de sufrir severos castigos. Conocer, de primera fuente, una realidad de la que solo tenemos nociones, resulta impactante. Es verdad, no es una película ni una ficción; es la cruda realidad.

“Malqueridas” escoge el camino difícil, aquel que se torna ingrato de tomar y complejo de digerir. No conocemos las causas del por qué estas mujeres están presas, no sabemos sus casos, lo que hicieron para llegar allí, o sus sentencias. Solo vemos el sufrimiento que albergan por no estar con sus hijos, la angustia por no poder hacer nada, y la desesperanza porque, ni aún dejando el penal, hallarán alguna seguridad en el exterior, en la calle, un entorno que podría resultar aún más cruel e infernal que lo que ya experimentan diariamente.

Crudo y necesario. Se trata de un documental que no podemos dejar de ver, de analizar y reflexionar. Nos habla de una realidad que está al lado de nosotros y sobre la que no podemos hacer vista gorda o mirar de reojo; debemos enfrentarnos a ella y darnos cuenta que existe. La privación de libertad es una cosa, pero transgredir los derechos humanos de las reclusas, es otra muy diferente. Hacia allá debemos apuntar si de verdad queremos asumir como propios aquellos testimonios como los que acá hemos tenido la ocasión de presenciar.

Ficha técnica

Título original: Malqueridas
74 minutos - Documental
Narrada por Karina Sánchez y Natalia Abarca
Dirección: Tana Gilbert
Producción: Paola Castillo Villagrán (Chile), Dirk Manthey (Alemania)
Guion: Tana Gilbert - Paola Castillo Villagrán - Javiera Velozo - Karina Sánchez
Investigación: Loreto Contreras - Alejandra Díaz Scharager - Tana Gilbert
Productora de archivos: Alejandra Díaz Scharager - Ana Cabrera Olave
Montaje: Javiera Velozo - Tana Gilbert
Tratamiento visual: Fanny Leiva Torres
Composición visual: José Miguel Barriga
Diseño sonoro: Carlo Sánchez (Chile) - Janis Grossmann-Alhambra (Alemania)
Postproducción de imagen: Daniel Dávila
Distribuye: Miradoc 

Monkey Man

Kid -Dev Patel-, que acaba de salir de prisión y vive en la India, intenta adaptarse a un mundo marcado por la avaricia y carencia de valores espirituales. En este oscuro escenario debe luchar por buscar venganza por la muerte de su madre y defender a las clases más desfavorecidas. Ópera prima de Patel como director, estamos ante una película que se sumerge en el género de acción-thriller y que busca resonar a través de temas que incluyen la justicia social junto con una ambiciosa mezcla de influencias culturales y cinematográficas.

La trama de "Monkey Man" se desenvuelve con urgencia aunque la narrativa se hace, por momentos, bastante lenta. Kid configura un antihéroe moderno que solo busca visceralmente la venganza, y aunque pretende ser un símbolo de la lucha contra la opresión, esa dualidad contrapuesta no termina de comprenderse ni de desarrollarse.

Patel lleva la cinta sobre sus hombros y ejecuta una buena actuación. Acá no solo hay músculos y cicatrices, también existe un alma atormentada que busca redimirse, aunque no consiga del todo transmitir esa faceta de su personaje, salvo por aquellos grandes silencios y secuencias en los que parece que no ocurre nada externo sino todo lo contrario, momentos que quieren expresar la intimidad más profunda del protagonista.

El actor principal, en su debut tras las cámaras, imprime buenas dosis de audacia. Las secuencias de acción son coreografías de caos bien coordinadas. La cámara se introduce en callejones oscuros en medio de grandes rascacielos, capturando esencialmente una oscura jungla urbana donde la ciudad misma se transforma en un personaje que respira su historia.

La película tambalea como si fuera un luchador fatigado. Algunos de los personajes carecen de profundidad, con poco sustento para una cinta que tiene como leimotiv un llamado a la acción. La partitura, como si fuera un mantra, logra envolver, pero no resulta suficiente, aunque con ello intente reflejar ese pulso constante que recuerda que estamos en un mundo donde los límites se desdibujan permanentemente.

"Monkey Man" es un filme que parece más largo de lo que es. Son 121 minutos que se hacen extensos porque solo un tema está presente en forma reiterada y permanente: a toda costa y contra cualquier obstáculo, necesidad y sed de venganza.

Ficha técnica

Título original: Monkey Man
Año: 2024
Duración: 121 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Thunder Road Pictures, Bron Studios, Creative Wealth Media Finance. Productor: Jordan Peele
Género: Acción. Thriller. Drama | Venganza. Crimen
Guion: Dev Patel, Paul Angunawela, John Collee
Música: Volker Bertelmann
Fotografía: Sharone Meir
Reparto: Dev Patel, Sharlto Copley, Pitobash Tripathy, Vipin Sharma, Sikandar Kher, Adithi Kalkunte, Sobhita Dhulipala, Ashwini Kalsekar, Makarand Deshpande, Jatin Malik, and Zakir Hussain.
Dirección: Dev Patel 

Garfield fuera de casa

Siempre es entretenido conocer alguna nueva historia y travesura de nuestro carismático Garfield. Parece que ya sabemos todo de él y solo nos deleitamos con mirarlo comer, descansar, flojear y aprovecharse del bueno de Jon. Pero siempre hay un secreto, un relato no contada, un evento mayor que provoca cambios en el curso de los hechos y justamente es este el caso de esta nueva entrega.

Nos remontamos a Garfield casi bebé, cuando es abandonado por su padre y por casualidad conoce a su entrañable amigo. Todo ternura y con una buena dosis de manipulación, logra el cariño inmediato de quien será su esmerado cuidador. Pero los años no pasan en vano y en medio de una rutina que para nuestro protagonista resulta toda una fascinación, llega lo inesperado: se produce un fortuito encuentro con su padre -el gato Vic-, momento en el que Garfield y su compañero Odie se ven forzados a dejar su vida perfecta para unirse a él y perpetrar un robo arriesgado con el objetivo de salvar sus vidas.

Uno de los mensajes que trae esta graciosa aventura del famoso felino se refiere a la necesidad de salir de la zona de confort. Es cierto, en este caso es obligado, pero debe hacerlo igual. Esta es una enseñanza vital, porque a todo nos cuesta dar ese paso y la mayoría de las veces necesitamos un empujón, más o menos fuerte, para tirarnos a la piscina.

Otro mensaje inserto en esta animada historia es respecto a la pérdida, y lo que ello significa. Primero, para Garfield, perder a su padre y no saber de él por años, y segundo, con la historia del inesperado amigo que encuentran en la granja que deben asaltar. Ahí hay temas importantes que la película esboza livianamente pero que se vislumbran como importantes, especialmente en el proceso de apertura y contención que significa el poder externalizar los sentimientos.

Cuando conocemos la historia verdadera -y para no hacer spoilers-, aparece otro tema que tiene que ver con la renuncia, un gesto genuino para que se produzca algo mejor. Cuando aquello se comprende, es posible reparar lazos y crear nuevos vínculos, algo que parecía perdido pero que tiene, con esto, una segunda oportunidad.

Otra de las enseñanzas que trae esta cinta infantil se refiere a la necesidad del trabajo en equipo. Nadie puede solo, ni con sus problemas ni con sus desafíos, por lo que tratar este tema en forma de fábula, y bien resuelto, es una forma para que el mensaje pueda ser comprendido por todos, desde los más pequeños hasta los “niños grandes”, dentro de los que, por supuesto, siempre me incluyo.

Para concluir, algunas menciones para elementos que me gustaron mucho: primero, las referencias musicales usadas en una partitura que por momentos es un verdadero mini concierto, son geniales. Linda banda sonora compuesta por John Debney, ágil y muy apropiada para cada momento de la acción. Segundo, el llamado que hace Jon a un call center es hilarante, fiel reflejo de lo que muchas veces nos ha tocado o nos toca vivir a todos. Tercero, y como extra, pongan ojo a la plataforma de streaming que mira Garfieldf. Cualquier similitud con la realidad es solo eso, mera similitud.

Ficha técnica

Título original: The Garfield Movie
Año: 2024
Duración: 101 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Alcon Entertainment, Double Negative, Sony Pictures Animation, Paws, Prime Focus. Distribuidora: Sony Pictures
Género: Animación. Comedia | Gatos. Robos & Atracos. Cómic
Guion: Paul A. Kaplan, David Reynolds, Mark Torgove. Cómic: Jim Davis
Música: John Debney
Fotografía: Animación
Dirección: Mark Dindal 

Vidas de Papel

Disponible en Netflix.

Escrita por Ercan Mehmet Erdem y dirigida por Can Ulkay, esta película turca nos adentra en la cruda realidad de los barrios marginales de Estambul a través de la historia de Mehmet -Çağatay Ulusoy-, un hombre con un pasado que lo atormenta y que, de un día para otro, debe hacerse cargo de un niño abandonado de solo 8 años.

Mehmet es un recolector de basura nocturno. Al sufrir una crisis, su mejor amigo lo lleva al hospital y allí es discriminado por ser, al menos en apariencia, una persona en situación de calle. La atención médica demora, pero el diagnóstico es claro: su problema es renal y necesita urgentemente un transplante.

A poco andar, y superada en parte la emergencia, el escenario cambia. Al concluir la jornada de trabajo, Mehmet, quien es jefe de los recolectores de cartón y otras especies que recorren las calles de Estambul escarbando las bolsas de residuos y otros desperdicios, descubre al pequeño Ali -Emir Ali ğrul-, escondido al interior de un contenedor lleno con la carga de todo un día de trabajo. Este encuentro, sorpresivo para ambos, será el generador de un vínculo transformador que lentamente cambiará sus vidas.

Los valores que cruzan la película están presentes desde el inicio. Mehmet, a pesar de su tragedia personal, se muestra comprensivo con la situación del pequeño Ali. A través de su relación, ambos personajes logran avanzar y salir adelante; Mehmet comienza a dejar atrás su pasado, y Ali encuentra un hogar y una familia.

Esta cinta, más allá de ser un drama eminentemente social, se transforma en una muestra de compasión y resiliencia que logra poner de relieve la capacidad del ser humano para encontrar una luz en la oscuridad. No es una película fácil de ver. Las escenas de pobreza y violencia son bastante realistas, sin embargo, también está llena de momentos de esperanza y belleza.

Las hermosas imágenes nocturnas y diurnas de una capital que no duerme, no logran esconder algunos problemas de edición presentes en la cinta. Por ejemplo, ante un comienzo lleno de expectativa, sobre todo con el tema de la urgencia del hospital, rápidamente cambia de secuencia; simplemente se pasa de un contexto a otro sin mediar un tránsito o una resolución. Estas situaciones la tornan una película irregular, con escasos nudos de conflicto y un poco plana, especialmente al enunciar historias interesantes que no alcanzan a ser desarrolladas.

La química de Mehmet con Ali es innegable, y tal vez lo mejor del filme. A través de los juegos se acercan y desarrollan gran cariño, aflorando el sentido paterno ante la marcada ausencia materna en ambos protagonistas. La preocupación genuina y el hacerse cargo de un otro resulta vital, aunque no se perciba claramente cuándo se producen estos cambios.

“Vidas de Papel” cuenta una linda historia aunque no esté bien resuelta en términos narrativos. Aportando, sí, un final inesperado, esta película invita a reflexionar sobre la importancia de la resiliencia individual y comunitaria, en un trabajo que entrega la certeza que, incluso en los momentos más difíciles, siempre se puede encontrar una salida al final del túnel.

Ficha técnica

Título original: Kagittan Hayatlar
Año: 2021
Duración: 96 minutos
País: Turquía
Compañías: OG Medya, OGM Pictures. Distribuidora: Netflix
Género: Drama
Guion: Ercan Mehmet Erdem
Música: Jingle Jungle, Ömer Özgür, Doga Ebrisim
Fotografía: Serkan Güler
Reparto: Çağatay Ulusoy, Emir Ali Doğrul, Ersin Arıcı, Turgay Tanülkü, Selen Öztürk
Dirección: Can Ulkay 

Caminemos Valentina

Una imagen difusa, como si fuera una aparición velada e inesperada, da comienzo a esta cinta del director argentino Alberto Lecchi. Se trata de una mujer que enseña que lo que veremos a continuación está basado en hecho reales; y es de aquellos hechos de los que nunca quisiéramos saber.

Basada en el libro autobiográfico de Sandra Migliore, “Raza de víboras, memorias de una novicia”, que narra en primera persona los abusos que ella y otras compañeras sufrieron durante años a manos de una monja experimentada en el seno de la Congregación Educacionistas Franciscanas de Cristo Rey, esta cinta se introduce de lleno en una temática dura, apretada, contingente y por momentos francamente desquiciada.

Los abusos en contextos eclesiales han marcado los últimos años, y conocer otros casos resulta ser todavía más dramático. Los abusos sexuales se originan a partir de abusos de poder -en este caso en nombre de Dios-, que llevan directo hacia la violencia y la pedofilia, con marcada hipocresía y altos niveles de encubrimiento.

El guion escrito por el propio Lecchi junto a Daniel Romañach, constituye una denuncia ilustrativa, sin sutilezas, enfocado en su punto central, y sin distracciones. Dos líneas de tiempo separan el relato, una en color y otra en blanco y negro. En el presente, Sandra -Gabriela Robledo Azócar-, ha dejado el noviciado pero aún sigue trabajando en la congregación como contadora, y Valentina -Paula Sartor-, ha llegado recién a supervisar los libros contables de Sandra. Una serie de correos electrónicos anónimos detallando las denuncias contra la Maestra de Novicias, la hermana Bibiana -Roxana Naranjo Robles-, y que la sindican como responsable de una gran cantidad de abusos contra jóvenes que estudiaban para tomar los hábitos, hace que ambas mujeres recuerden su propia historia, los propios abusos sufridos en el pasado, y el camino por el que ambas han optado para intentar escapar del gran dolor que se les ha infringido. Las imágenes son dolorosas y explícitas, no dejan lugar a dudas: aberraciones que no solo son intolerables, sino que, en la mayoría de los casos, corresponden a delitos que deben ser denunciados, perseguidos y castigados.

Paula Sartor, quien da vida a Valentina Rojas, y Gabriela Robledo Azócar en el rol de Sandra, cumplen bien sus papeles, aunque hay algo que se siente forzado en sus actuaciones -y que resulta difícil de explicar-, tal vez producto de la presión por mostrar conmoción, o tal vez debido a lo complejo que resulta escenificar lo íntimo de una relación que surge al alero de una brutal vulneración en su juventud, transformando, posteriormente, ese profundo sufrimiento en amor.

“Caminemos Valentina” se atreve a incomodar gracias al caso que presenta. La cinematografía funciona pero no deslumbra, pese a la prolija edición de Silvio Caiozzi, cuya mano se aprecia en el ritmo que imprime para destacar la fotografía de Sebastián Gallo. No obstante despertar mucho interés, la película se tiende a diluir al no tener un nudo de conflicto más rudo que obligue un desenlace urgente, una tensión que vaya más allá de lo explícito y que nos provoque aún más sensaciones.

Así y todo, Alberto Lecchi consigue rescatar -en sus mismas palabras-, que la historia de amor se posicione por sobre los abusos. Para ello, resulta fundamental la parte final, inserta junto a los créditos, con las protagonistas reales narrando, en voz primera, algunos de los hechos descritos en la cinta, momento en que la emoción se desborda y surgen espontáneos aplausos.

Ficha técnica

Título original: Caminemos Valentina
Año: 2023
Duración: 104 minutos
País: Argentina
Compañías: Coproducción Argentina-Chile; Zarlek Producciones, Andrea Films
Género: Drama | Abusos sexuales
Guion: Alberto Lecchi, Daniel Romañach. Libro: Sandra Migliore
Música: Valentina Caiozzi
Fotografía: Sebastián Gallo
Reparto: Paula Sartor, Roxana Naranjo Robles, Jacinta Torres Molina, Sara Margot, Gabriela Robledo Azócar, Ana Celentano, Lidia Catalano
Dirección: Alberto Lecchi 

El Planeta de los simios

Sinopsis: Muchas generaciones después de los acontecimientos de la Guerra por el Planeta de los Simios, las civilizaciones de los simios han surgido del oasis al que César llevó a sus compañeros, mientras que los humanos han retrocedido a un estado salvaje y primitivo. Cuando el rey simio Proximus César -Kevin Durand-, armado con armas forjadas a partir de tecnologías humanas perdidas, pervierte las enseñanzas de César para esclavizar a otros clanes, el cazador de chimpancés Noa -Owen Teague-, se embarca en un desgarrador viaje junto a una mujer humana llamada Mae -Freya Allan-, para determinar el futuro de los simios y los humanos por igual.

¿Es del todo inimaginable, un mundo en el que los simios sean la especie dominante? Tal vez no, y justamente esta es la premisa de esta película que invita a reflexionar sobre la naturaleza humana y su lugar en el universo. Con estética deslumbrante y una realización muy real, la cinta apela a la técnica que despliega a lo largo de sus 145 minutos para capturar la atención del espectador. Los escenarios selváticos son amplios y majestuosos, y las recreaciones de los simios tienen impecable factura, a lo que esta saga nos tiene ya acostumbrados.

Acompañados de la interesante partitura escrita por John Paesano, lo que vemos en el fondo, son las mismas temáticas humanas que nos preocupan y nos consumen actualmente. Es vital el tema de la convivencia, por supuesto entre humanos y simios, pero también entre los propios humanos y entre los propios simios. La lucha de poder se apodera de uno de los ejes centrales de la trama, juntando el abuso y la destrucción para dominar a los subordinados, partiendo por el viejo principio de dividir para gobernar. La defensa de la familia emerge como contrapeso al poder, pero allí también se cuela la venganza, sin que necesariamente sea en beneficio de un bien mayor y comunitario.

Particularmente, las películas de esta franquicia -que con esta son ya diez-, no me producen demasiada fascinación. Y me refiero básicamente a los simios, las imitaciones de sus movimientos y sus marcados comportamientos humanos. Es ciencia ficción, claro, y en este género podemos ver muchas otras criaturas desarrollando lo mismo, pero definitivamente no es lo que más me llama la atención. Sin embargo, desde el punto de vista cinematográfico, una película así es realmente una hazaña, pues debe desarrollar tantos elementos para ser creíble y tener un sustento visual importante, que si no se hace bien, la verdad es que se va directo al precipicio. Esta secuela aprueba, y con creces, pues resulta admirable desde su realización, hasta su puesta en escena y lograda construcción.

Dejo para el análisis final tres puntos. El papel de Raka -Peter Macon-, un orangután sabio y virtuoso que representa la maestría y la compasión. A lo largo de la película se convierte en el guía de Noa, revelando esa necesidad que tenemos de hallar un punto de referencia que nos permita validar la experiencia que sirve de faro cuando nos desenfocamos o perdemos el rumbo. En el extremo opuesto se encuentra Trevathan -William H. Macy-, el clásico ejemplo de oportunismo y cercanía por conveniencia -de esos personajes que van solo donde el sol calienta y sin principios que conduzcan su actuar-, que sirve de contrapunto respecto a la altura valórica que es representada por Raka. El tercer punto a destacar es la presencia humana que entrega Mae. Retraída y desconfiada en el inicio -un estado salvaje según sabemos-, es portadora de un mensaje importante cuando se enfrenta al poderoso Proximus César: “no puede tener acceso a eso”, dice, en una clara alusión a que el tirano no puede hacerse con una tecnología que le permitiría aumentar exponencialmente su poder.

“Kingdom of the Planet of the Apes” no es solo una película de ciencia ficción, sino también puede ser vista como una parábola sobre la naturaleza humana, los peligros del poder y la ambición. La cinta nos recuerda que debemos ser cuidadosos con nuestras acciones y que la búsqueda de poder a cualquier costo puede traer consecuencias desastrosas. Además, es para verla en pantalla gigante. Disfrutar los efectos especiales y sus particulares recreaciones es de las mejores experiencias que se pueden vivir en el Cine, y esta película, aunque posea temáticas conocidas, nos transporta a hermosos parajes que vale la pena ver, escuchar y contemplar en óptimas condiciones.

Ficha técnica

Título original: Kingdom of the Planet of the Apes
Año: 2024
Duración: 145 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: 20th Century Studios, Fox Studios Australia, Oddball Entertainment, Jason T. Reed Productions
Género: Ciencia ficción. Aventuras | Simios. Futuro postapocalíptico
Guion: Josh Friedman, Rick Jaffa, Amanda Silver, Patrick Aison
Música: John Paesano
Fotografía: Gyula Pados
Reparto: Owen Teague, Freya Allan, Kevin Durand, Peter Macon, and William H. Macy
Dirección: Wes Ball 

Hachiko 2: Siempre a tu lado - Por Carlos Correa Acuña

Tercera película sobre este icónico perro japonés de raza akita. Nacido en Ōdate el 10 de noviembre de 1923 y fallecido en Shibuya, el 8 de marzo de 1935, Hachikō es recordado por haber esperado a su amigo, el profesor Hidesaburō Ueno, en la estación de Shibuya, por cerca de 10 años luego de su muerte.

La película inicial, de 1987, llamada “Hachikō Monogatari”, y dirigida por Seijiro Koyama, cuenta la historia de su vida desde que era un cachorro hasta su muerte, y se imaginó como un reencuentro espiritual con su amo. En agosto de 2009 se estrenó una adaptación estadounidense de este filme, titulada “Hachi: A Dog's Tale”, protagonizada por el actor Richard Gere, y que asume la historia de Hachikō y su relación con el profesor, en una época más moderna y en Estados Unidos como locación.

En esta tercera entrega, del año 2023 y que no es una secuela, el profesor es encarnado por el reconocido actor y director Feng Xiaogang, y su relación con el perro surge a raíz de una casualidad. Pese a las reticencias iniciales de la mujer del profesor -Joan Chen-, el cachorro acaba convirtiéndose en un miembro más de la familia. La amistad y lealtad que une al perro con el profesor se hace aún más presente cuando este último fallece.

La ciudad donde se desarrolla la historia ahora es Chongqing, un escenario que el director aprovecha para dar cuenta del paso de los años junto con la creciente y rápida construcción en China. Se puede observar un antes y un después en la ciudad, donde los teleféricos que cruzan el río quedan de a poco relegados a los turistas pues la construcción de nuevos puentes ya no los hacen del todo necesarios.

“Batong”, -nombre que recibe el perro en esta adaptación-, es encantador. Desde pequeño, juguetón y travieso, hasta que crece y logra interactuar más y más, este pastor chino crea un vínculo sólido con su amo, al punto de acompañarle en casi todas sus tareas cotidianas. Pareciera que entre ellos existe un entendimiento que va más allá del lenguaje, una forma de comunicación única que está presente en cada uno de sus diferentes movimientos y acciones. Por ello no sorprende que Batong lo vaya a dejar a la estación por las mañanas y lo vaya a recibir por las tardes, algo central en la historia original y también eje principal en esta nueva y emotiva cinta.

Con paciencia oriental, la cinta nos va llevando lentamente a involucrarnos con los protagonistas. Si bien, la trama es en esencia similar a sus predecesoras, los detalles hacen la diferencia, como las referencias modernas y actuales en un mundo que cambia constantemente, y que necesita de relieves como este para poder detenerse y admirar una humanidad que se ve amenazada.

“Hachiko” es un oasis en medio del tráfago, y aunque conozcamos la historia y por ello sea predecible, es imposible no emocionarse con su final bien logrado, y que apela a lo más fundamental que tenemos los seres humanos: nuestros sentimientos más íntimos y profundos. No se pierdan los créditos finales, con imágenes tras bambalinas de la filmación y también con algunas sorpresas.

Ficha técnica

Título original: Hachiko
Año: 2023
Duración: 120 minutos
País: China
Compañías: iQIYI Pictures
Género: Drama | Cine familiar. Perros/Lobos
Guion: Liangwen Li, Lin Li, Xu Ang, Hansi Zhang
Fotografía: He Shan
Reparto: Feng Xiaogang, Joan Chen, Bai Ju-Gang, Eponine Huang, Bo Qian

Dirección: Xu Ang 

20 Días en Mariúpol

"Es el primer Oscar de la historia de Ucrania. Estoy honrado, pero probablemente seré el primer director en este escenario que diga que ojalá nunca hubiera hecho esta película. Ojalá fuera capaz de cambiar esto porque Rusia nunca hubiera atacado y ocupado Ucrania", señaló el director de este filme, Mstyslav Chernov, al recibir el premio de la Academia al mejor documental en Marzo pasado.

Mujeres embarazadas a punto de perder la vida en un hospital de maternidad, adolescentes heridos de muerte tras un partido de fútbol, edificios reducidos a escombros, ciudadanos desesperados intentando refugiarse de los bombardeos, y soldados haciendo frente a los ataques, son parte de un testimonio desgarrador que conmueve hasta las vísceras a lo largo de sus 95 minutos de duración.

El fotógrafo y periodista ucraniano Mstyslav Chernov, narra la atroz guerra en Ucrania -específicamente lo sucedido en la ciudad portuaria de Mariúpol entre febrero y marzo del 2022, cuando fue atacada e invadida por tropas rusas-, con una templanza y entereza asombrosa. Las imágenes son crudas, crudísimas; es imposible permanecer inmóvil. La tensión se siente de tal forma que se sale de la pantalla con cada imagen, con cada secuencia. De pronto me vi recogido en el asiento, nervioso, apretado, asumiendo como propio un dolor inimaginable.

Cuando observamos trabajos de este tipo, documentos audiovisuales que muestran de cerca la muerte y de una manera que resulta indescriptible, surgen los cuestionamientos respecto al papel de la prensa ante hechos de esta naturaleza. Es más, el propio Chernov lo ratifica al comienzo de su filme cuando se pregunta si no será mejor tranquilizar a una mujer desesperada en vez de solo filmarla. No quiero ser repetitivo, pero sin duda me costaría mucho hacer un video de una situación donde quizá yo mismo puedo ayudar a salvar a alguien, o en otros casos, si aquello vulnera la intimidad de una persona herida o recién fallecida. De verdad es difícil, muy difícil, sin embargo, entiendo -solo racionalmente- lo que sucede. En este caso, lo vemos refrendado por las solicitudes de quienes son los propios protagonistas de las imágenes: necesitamos que ustedes filmen para que el mundo sepa lo que nos están haciendo. Ante eso, el deber es claro, y la responsabilidad, todavía mayor.

“20 Days in Mariupol” es una película intensa, dolorosa de ver, pero que debe ser vista. Parafraseando al director, ojalá nunca tengamos que presenciar películas de este tipo, pero mientras la humanidad no aprenda de sus propios errores y horrores, documentales como este son un cable a tierra para comunicar una realidad desoladora e incomprensible que, en este caso, esperamos termine cuanto antes y nunca más se repita.

Ficha técnica

Título original: 20 Days in Mariupol
Año: 2023
Duración: 95 minutos
País: Ucrania
Compañías: Associated Press, Frontline PBS
Género: Documental | Conflicto Rusia-Ucrania. Periodismo
Guion: Mstyslav Chernov
Música: Jordan Dykstra
Fotografía: Mstyslav Chernov
Reparto: Documental
Dirección: Mstyslav Chernov 

Amor, Mentiras y Sangre

Dirigida por Rose Glass, “Love Lies Bleeding”, es un excelente thriller no solo por sus logradas actuaciones, sino, particularmente, porque no resulta para nada predecible. Como si de una madeja se tratara, desde cada hilo se desprenden historias que vamos descubriendo con el correr de los minutos, al tiempo que nos damos cuenta de cómo las protagonistas se van enredando en ellas producto de sus propias decisiones y de las circunstancias que les rodean.

La trama sigue a Jackie Cleaver -Katy O'Brian-, una mujer físicoculturista que se dirige a Las Vegas para participar en una famosa competición. Corre el año 1989, y en su camino decide parar en un pequeño pueblo en Nuevo México donde conoce a Louise Langston -Kristen Stewart-, la solitaria encargada del gimnasio local. Lou es de pocas palabras, y también un tanto malas pulgas, pero de inmediato se siente atraída por Jackie, no solo físicamente, también producto de su personalidad desbordante, contraria a su forma de ser, algo retraída y apagada. Lou no quiere saber nada de su padre -Ed Harris-, un traficante de armas local que maneja un verdadero sindicato del crimen, en cuyas dependencias de práctica de tiro -que funciona como una fachada perfecta-, Jackie consigue trabajo como cantinera. En breve tiempo las dos mujeres se enamoran, sin embargo a poco andar asoma la violencia cuando ambas se ven inmersas en las turbias relaciones familiares de Lou.

La fotografía de Ben Fordesman, oscura y rasposa, es una referencia respecto a los temas ocultos en familias completamente disfuncionales. Beth -Jena Malone-, la hermana de Lou, es abusada físicamente por su marido, J.J. -Dave Franco, y nada puede hacer para defenderse o contrarrestar ataques que cada vez son más violentos. Asimismo, poco y nada conocemos del viejo Lou, estupendamente interpretado por Harris, quien solo esconde secretos y una mujer que se ha marchado para dejarlo totalmente solo.

Hay pocas pistas en este drama que importa bastantes elementos del cine negro, porque justamente son los temas escondidos los que siembran un manto de duda sobre todas las acciones que observamos en pantalla. Nada se destaca por ser sincero, son relaciones por conveniencia o bien abusivas, enredadas y torcidas, que contrastan con ese cielo estrellado y limpio que vemos en las amplias tomas nocturnas de aquel descampado desierto.

En la medida que el metraje avanza, Glass complejiza un guion que es también de su autoría. La delgada línea entre el amor y el odio, o más bien la locura que se puede desprender desde ambos sentimientos, encausan el relato hacia particulares eventos que toman diferentes cursos de acción. ¿Cómo se logra salir de situaciones de violencia de esa magnitud? Cuando se enloquece producto de la injusticia, ¿cuál es el límite aceptable y el que no se puede traspasar de ninguna manera?

El amor lleva a cometer actos irracionales, cuyas consecuencias van más allá de toda consideración. Algo de esto sucede en esta película, donde por amor se actúa y por amor se protege. También por amor se miente y por amor se demarra sangre, justamente las palabras que componen el título de este original relato cuya capa violenta -no recomendable para personas muy sensibles-, no logra desviarse de aquella humanidad íntima y sagrada que contiene su argumento central.

Ficha técnica

Título original: Love Lies Bleeding
Año: 2024
Duración: 104 minutos
País: Reino Unido
Compañías: Coproducción Reino Unido-Estados Unidos; Film4 Productions, A24, Escape Plan Productions, Lobo Films. Distribuidora: A24
Género: Thriller. Drama | Drama romántico. Homosexualidad. Culturismo & Fitness. Años 80
Guion: Rose Glass, Weronika Tofilska
Música: Clint Mansell
Fotografía: Ben Fordesman
Reparto: Kristen Stewart, Katy O'Brian, Jena Malone, Anna Baryshnikov, Dave Franco, Ed Harris.

Dirección: Rose Glass 

Horrorland

Sinopsis: A Fiona, la encargada de un parque, le toca ocuparse de unos antiguos amigos de la escuela secundaria que han ganado una visita previa exclusiva de Halloween a un parque de atracciones, una noche entera, para ellos solos. Algodón de azúcar, palomitas de maíz y juegos se suceden unos detrás de otros, pero la diversión se convierte rápidamente en una auténtica pesadilla cuando se dan cuenta de que no están solos en el parque. Todos los pecados del pasado vuelven cuando se dan cuenta de que solo haciéndoles frente podrán sobrevivir.

Desmenucemos un poco el inicio de la película, porque más que mal, es lo que resulta ser su parte más interesante. En el último tiempo, sobre todo en las películas de terror, esto ha sido una constante. Se trata de la premisa, es decir, la base sobre la que se construye la historia, el contexto en el que se mueven los personajes, los ejes fundantes del relato. En este caso, se trata de la mezcla de varios elementos que configuran un inicio que no deja de ser prometedor. Vemos imágenes de una fiesta, existe una cierta confusión, estamos ad portas de Halloween, con supuestos monstruos, muchas máscaras, persecuciones, y un hecho que marcará un antes y un después.

La historia cambia totalmente y se va a la visita privada -nocturna- de cinco amigos a un parque temático donde son recibidos por una anfitriona que ellos conocen, y por supuesto, se topan con parte de un pasado no resuelto, con temas ocultos que solo está debajo de la alfombra, o sea, puede aflorar en cualquier momento, o más bien, en el momento menos pensado.

Como esto es terror -y del subgénero slasher-, adivinen… ¡obvio! … algo desencadena la masacre: se corta la luz. Si estamos acostumbrados a la famosa frase “luz, cámara, acción”, acá es “oscuridad, cámara… sangre”. Y claro, estamos en un parque de diversiones pero con los papeles invertidos, pues la diversión, ahora, son justamente ellos, los desprevenidos visitantes. ¿Quién está detrás de todo esto? Aunque ingresa un nuevo personaje la maldad sigue oculta tras una máscara y no sabemos por qué hace lo que hace, menos su posible identidad.

“Karusell”, en cuanto a su temática, no aporta nada nuevo, nada que no hayamos visto anteriormente. Respecto al desarrollo, tampoco despega, se estanca luego del ya mencionado inicio prometedor. Y en ejecución, es apenas suficiente, porque la irregularidad es la constante en un metraje que va y viene sin acentuar los nudos, y que se queda solo en un crudo reguero de muertes, desmembraciones y decapitaciones.

Es un poco plana esta película sueca dirigida por Simon Sandquist. Truculenta y con algunos excesos, estamos frente a un slasher complaciente que le cuesta provocar, y aunque cierra la historia uniendo sus puntos y entregando respuestas, lo más terrorífico es que amenaza con una secuela. ¡Valor!

Ficha técnica

Título original: Karusell
Año: 2023
Duración: 93 minutos
País: Suecia
Compañías: Scandinavian Content Group
Género: Terror | Halloween. Slasher
Guion: Marten Gisby, Filip Hammarström, Henry Stenberg
Música: Christian Sandquist
Fotografía: Andres Rignell
Reparto: Wilma Lidén, Omar Rudberg, Amanda Lindh, Embla Ingelman-Sundberg, Emil Algpeus, Ludvig Deltin

Dirección: Simon Sandquist