Tuesday: el último abrazo

Una madre -Julia Louis-Dreyfus-, y su hija adolescente -Lola Petticrew-, deben enfrentarse a la Muerte cuando se presenta en forma de un asombroso pájaro parlante. De la cineasta debutante, Daina O. Pusić, la premisa de “Tuesday” la ubica como un desgarrador cuento de hadas sobre los ecos de la pérdida y la búsqueda de resiliencia en lo inesperado.

Es otra perspectiva sobre una enfermedad terminal y su esperado desenlace lo que ofrece esta película. Priman, acá, las conexiones transformadas en realismos mágicos, en una construcción imaginaria y relacional que da cuenta de los naturales temores ante la incertidumbre, además de los propios miedos ante un final irremediable y brutalmente doloroso.

Pusić sitúa su guion sobre una estética particular, donde el principal efecto es el desarrollo del ave y su confrontación con las protagonistas. Esta mezcla real-animada subraya las actuaciones, sobre todo cuando transita hacia un mundo concreto que por momentos olvida cualquier atisbo de magia para centrarse en la profunda relación madre-hija, verdadero motor del relato.

La simbología de “Tuesday” puede perdernos por momentos. No podemos eliminar la muerte, ni comerla, ni destruirla. Tal vez podemos huir, o intentar evadirla, pero no es posible dejarla atrás. El miedo abunda, cunde la desesperación; es una lucha desigual, sin cuartel, que camina hacia un destino que ya está trazado, y que tarde o temprano se cumplirá.

Cuando las piezas comienzan a decantar, emerge la reflexión. Se debe enfrentar, decidir, actuar, y nunca quedar inmóviles ante una condición evidentemente forzada pero que captura todos los sentidos y la emoción. ¿Qué buscamos entonces? ¿Acompañamiento, compasión, o esperanza? ¿Qué es lo mejor para sobrellevar un futuro cada vez más cercano? ¿Qué es, en este caso, lo mejor para Tuesday?

Cuando la vida nos enfrenta a situaciones límite, puede salir lo mejor y lo peor del ser humano. La inminente pérdida descoloca a cualquiera, sin embargo es allí cuando emerge la resiliencia como pilar sustantivo, un valor a perseguir y desarrollar en forma permanente. El trance se podrá convertir, así, en una oportunidad única para parar, pensar y sentir. El camino es preparación, el tránsito, transformación, y el final no significa la conclusión de la ruta sino el paso a un estado diferente de conciencia.

“Tuesday”, en sus casi dos horas de duración, despierta inquietudes mayores en la medida que nos alejamos de su visualización. No se trata de un efecto nuevo, suele pasar con algunos tipos de filmes. En este caso, y en el mío particular que no logro enganchar demasiado con las imágenes mágicas, esa capa puede dificultar el nivel de comprensión inicial, sin embargo al explorar más profundamente, la película destapa su potencial, abordando temas fundamentales con miradas propositivas y desafiantes. Ese es, tal vez, el mayor mérito de la directora y guionista Daina Oniunas-Pusić: sacarnos de nuestro espacio de confort al llevarnos al interior de sus protagonistas, para generar, finalmente, nuestra empatía y comprensión.

Ficha técnica

Título original: Tuesday
Año: 2023
Duración: 111 minutos
País: Reino Unido
Compañías: Coproducción Reino Unido-Estados Unidos; A24, BBC Film, Cinereach, Wild Swim Films, British Film Institute. Distribuidora: A24
Género: Fantástico | Maternidad
Guion: Daina Oniunas-Pusic
Música: Anna Meredith
Fotografía: Alexis Zabé
Reparto: Julia Louis-Dreyfus, Lola Petticrew, Leah Harvey, Arinzé Kene
Dirección: Daina Oniunas-Pusic 

Deadpool & Wolverine

Irreverente. Es la palabra que mejor describe a este personaje que hizo su primera película en solitario el año2016, siguió con “Deadpool 2”, y ahora se integra a la fase cinco del MCU en su película número 34.

Irreverente y pasado de revoluciones, podríamos añadir, porque el sello de este superhéroe, personificado por un vibrante Ryan Reynolds, quien también participa en la escritura del guion, es justamente plasmar una especie de oda al antihéroe, aquel que desea integrar a toda costa el equipo de élite de los “Avengers”, pero que no es considerado ni siquiera en una generosa lista de espera.

En esta tercera entrega, que sucede seis años después de la anterior -mismo tiempo cronológico real-, se ve que han pasado bastantes cosas en el ínterin. Nuestro protagonista es buscado por la TVA -Autoridad de Variación del Tiempo-, lo que genera un intercambio de escenarios, de dimensiones y de mundos, ya que el principal objetivo del agente Paradox -Matthew Macfadyen-, es intervenir, eliminar algunas líneas de tiempo específicas y llegar a encabezar la unidad.

Aprovechando la notoria vulnerabilidad de Deadpool, la misión que se le encomienda es encontrar a Volverine en alguno de los universos. Sabemos que está muerto, sin embargo en las dimensiones de Marvel todo es relativo, y por cierto conocemos, por el título de esta película, que ambos héroes se encontrarán y trabajarán juntos. ¿Dónde y cómo se cruzarán, cuáles serán los desafíos, por qué clase de situaciones transitarán, y quiénes serán sus adversarios, constituye la esencia de la trama, y no vale la pena anticipar nada, para que cada quien pueda descubrirla en tiempo y forma.

“Deadpool & Wolverine” brilla en su cinematografía. Gran mérito de su director Shawn Levy, integrante también del equipo de guionistas. La frescura con la que aborda cada secuencia, la unidad de la acción y la composición audiovisual es realmente una delicia. Son puntos tan fuertes que logran velar una debilidad estructural que se encuentra en la base: la delgada historia que mueve esta secuela, y que la deja prácticamente en el mismo lugar, sin avanzar ni retroceder, preparada para una próxima aventura, o bien morir en el intento.

Sin duda las fortalezas de este filme saltan a la vista y son muchas. Ryan Reynolds exuda flexibilidad, carisma y humor, sobrecargando por momentos un personaje que no es sencillo de interpretar dado su contenido “R”, esos reparos por la extrema violencia y las referencias para adultos por primera vez presentes en una cinta del MCU. Hugh Jackman, por su parte, brilla al interpretar nuevamente a Volverine, con una prestancia incombustible y también con una importante cuota de liviandad que hasta ahora desconocíamos. Emma Corrin, implacable con su rol, y Matthew Macfadyen, ubicado en esa cornisa entre seriedad y caricatura, completan un cuarteto eficaz que no solo supera el desafío sino que, además, se acerca a los protagonistas más emblemáticos de Marvel Studios.

¡Qué decir de los efectos visuales y las coreografías! Notables, una muestra de gran pericia técnica, creatividad y herramientas puestas al servicio de una parafernalia que, por conocida, podría agotar, y que, sin embargo, se renueva y se siente ágil en cada uno de sus rincones. Las referencias, internas y externas son abundantes, los personajes citados y las sorpresas no son pocas, lo que constituye un verdadero regocijo para fans que se ríen y aplauden cuando alguien aparece en escena, una manera inteligente de fidelizar una audiencia de por sí cautiva, y de enganchar a nuevos públicos ávidos de conocer más y de incursionar en la fuente primaria de lo que estamos visualizando: los cómics originales.

“Deadpool & Wolverine” es un espectáculo, y de esos con mayúscula. Verlo y disfrutarlo en pantalla grande es, realmente, una verdadera experiencia. No saldremos conversando necesariamente de la trama, o de la historia, o de la evolución de los personajes, o con una profunda temática para reflexionar. No, por supuesto que no, aunque siempre habrá excepciones. Lo que sí será materia de análisis probablemente se enfoque en la realización extremadamente cuidadosa de una película de superhéroes que no se toma en serio ni a sí misma, una obra hecha “seriamente” en “chunga”, una chacota bien ejecutada, que pone de manifiesto cuán importante es reírse de sí mismo, y cuyo pilar fundamental es su objetivo de ser distracción y entretención, aunque en esta versión no necesariamente sea “sana”.

Ficha técnica

Título original: Deadpool & Wolverine
Año: 2024
Duración: 127 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Marvel Studios, 20th Century Studios, 21 Laps Entertainment, Donners' Company, Maximum Effort. Distribuidora: Walt Disney Pictures
Género: Acción. Fantástico. Comedia | Superhéroes. Marvel Comics. Cómic. MCU. Secuela
Guion: Shawn Levy, Rhett Reese, Ryan Reynolds, Zeb Wells, Paul Wernick. Personaje: Rob Liefeld, Fabian Nicieza
Música: Rob Simonsen
Fotografía: George Richmond
Reparto: Ryan Reynolds, Hugh Jackman, Emma Corrin, Matthew Macfadyen
Dirección: Shawn Levy 

Una buena persona

Disponible en Amazon Prime.

Estamos ante una película que ofrece una historia profundamente humana. Seguimos a Allison -Florence Pugh-, una joven cuya vida gira radicalmente después de un trágico accidente. La cinta explora temas como la pérdida, la redención, y la búsqueda de sentido en medio del dolor. Su tono es, a la vez, melancólico y esperanzador, lo que se plasma en un equilibrio que logra involucrar emocionalmente, aunque por momentos tienda a caer en el melodrama.

El corazón de esta película son sus actuaciones. Florence Pugh ofrece una interpretación madura y auténtica, capturando la complejidad de una persona que vive un estado de duelo. Morgan Freeman, por su parte, aparece como un mentor inesperado y añade profundidad y sabiduría al relato, algo que complementa perfectamente la energía de la joven. Los personajes secundarios también se desarrollan adecuadamente, cada cual sumando una pieza particular al rompecabezas de la trama.

La dirección de Zach Braff, cuidadosa y acotada, permite que la narrativa se desarrolle de manera orgánica, con calma y sin apuro alguno. Alex Weston, con su partitura, subraya sutilmente momentos clave, al tiempo que la cinematografía a cargo de Mauro Fiore, resulta atractiva visualmente al utilizar una paleta de colores que da cuenta del estado anímico de los personajes.

"A Good Person" resuena porque no solo narra una historia, sino que, además, invita a reflexionar sobre la resiliencia humana y la capacidad de encontrar luz en los momentos más oscuros de la vida. Aunque por algunos momentos el ritmo puede ser bastante lento, cada secuencia tiene un significado que contribuye al desarrollo de personajes que tocan el corazón y logran dejar una duradera impresión.

Ficha técnica

Título original: A Good Person
Año: 2023
Duración: 129 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Killer Films, Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), Elevation Films, Elevation Pictures. Distribuidora: United Artists Releasing
Género: Drama | Amistad
Guion: Zach Braff
Música: Bryce Dessner
Fotografía: Mauro Fiore
Reparto: Florence Pugh, Morgan Freeman, Celeste O'Connor, Molly Shannon, Chinaza Uche
Dirección: Zach Braff

La Otra Cara de la Luna

¿Llegó el Apolo 11 a la Luna en 1969? La historia dice que sí, sin embargo durante años hemos tenido versiones que apuntan a un truco publicitario de Estados Unidos para ganar la carrera espacial a la URSS. El manto de duda persiste, hasta el día de hoy, y esta película promete otra vertiente, esta vez jocosa y divertida, del hasta ahora, evento más trascendente en el ámbito de la exploración humana fuera de nuestro entorno natural.

Volvamos a la película del director Greg Berlanti, quien con un guion de Rose Gilroy, basado en la historia de Keenan Flynn y Bill Kirstein, nos sitúa en los preparativos del lanzamiento de la versión 11 del proyecto Apolo. Cole Davis -Channing Tatum-, es director de vuelo, y sobre él recae el peso de conducir al enorme equipo humano que tendrá por objeto abordar con éxito la misión. A la par, a las instalaciones de la NASA, en Florida, llega intempestivamente Kelly Jones -Scarlett Johansson-, experta en comunicación y marketing, contratada para subsanar los crecientes problemas de imagen y financiamiento que por años ha presentado la Agencia Aeroespacial. El choque entre ambos es instantáneo, noche y día, agua y aceite.

Moe Berkus -Woody Harrelson-, juega de pivote. En línea directa con la presidencia, y supervisor máximo en terreno, es quien mueve los hilos de todo el aparataje, tanto político, como financiero y también técnico. De él depende, en última instancia, la responsabilidad del programa, y como buen estratega, no está dispuesto a correr riesgos innecesarios. Entonces, en una carrera a tres vías, la oportunidad de mostrar al mundo tamaño suceso no puede tener margen de error y la transmisión oficial es vital para esos efectos. ¿Será realmente un evento llevado a la pantalla de televisión “en vivo y en directo”, vale decir captado por la cámara abordo del módulo de alunizaje, o bien, la mejor opción, y la más segura, será poner los mayores esfuerzos en un ultrasecreto montaje paralelo, donde todo estaría bajo control, con un porcentaje de falla cercano a cero? Hagan sus apuestas, la mesa está servida.

Siempre me ha gustado el tema de la Misión Apolo y todas sus etapas. Y soy de los que no dudan de la veracidad de la historia, y que, en efecto, Neil Armstrong pisó de verdad la Luna cuando lanzó su famosa frase “un pequeño paso para el hombre, un gran paso para la humanidad”. Pero bueno, eran otros tiempos y el debate persiste, y no quiero desviarme, aunque esta sea la arista más interesante de una película que trae a Scarlett Johansson de regreso a la comedia en un formato clásico, sin mucho aspaviento, y también sin mayores complicaciones. En esta ocasión la acompaña el versátil Channing Tatum, quien, a esta altura, ya no tiene que demostrar nada, porque los roles de este tipo le quedan bien y fluyen naturalmente.

El director Greg Berlanti, en lo único que tal vez pueda ofrecer algún pequeño reparo, intenta mezclar varios géneros al interior de una película eminentemente liviana y cuyo principal objeto es la entretención. No obstante aquello, y a mi modo de ver, sale airoso del desafío, porque logra revestir una clásica comedia romántica, con algunas capas sensibles, tanto técnicas como políticas, de una época marcada por la lucha encarnizada entre los Estados Unidos y la Unión Soviética por el control del orden mundial y también espacial.

Química hay entre los dos actores protagónicos, por cierto, y se transforma en un atractivo de entrada. Tatum se ve comodísimo frente a una carismática Johansson que hace gala de sus destrezas para configurar un personaje en apariencias trivial, pero que esconde una historia pasada que quisiera enterrar. La comunicación es muy buena entre ambos, y va “in crescendo”, pero no lograría el resultado final sin el trabajo de Harrelson y sin la cuota de exageración de Jim Rash -como el excéntrico director de TV Lance Vespertine-, quien, caricaturas más, caricaturas menos, aporta frescura a una trama que sabemos hacia dónde va, pero no sabemos cómo lo logrará.

“Fly Me to the Moon”, su título original -además es un gusto escuchar la canción de Bart Howard, popularizada en 1964 por Frank Sinatra, e interpretada acá por RAYA-, funciona muy bien a pesar de sus más de dos horas duración. Se siente fresca y liviana, una “versión” diferente del Apolo 11 como telón de fondo para una historia que hemos visto bastantes veces pero que entretiene como si fuera la primera vez, todo gracias al carisma y prestancia de dos figuras consagradas que continúan en ascenso, tal vez hacia lugares desconocidos, como si se tratara también de una carrera por conquistar el espacio.

Ficha técnica

Título original: Fly Me to the Moon
Año: 2024
Duración: 132 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Berlanti Productions, Apple Studios, Apple Original Films, These Pictures, Scott Free Productions. Distribuidora: Sony Pictures, Apple TV+
Género: Comedia. Drama. Romance | Comedia romántica. Años 60
Guion: Rose Gilroy. Historia: Keenan Flynn, Bill Kirstein
Música: Daniel Pemberton
Fotografía: Dariusz Wolski
Reparto: Scarlett Johansson, Channing Tatum, Jim Rash, Anna Garcia, Donald Elise Watkins, Noah Robbins, Colin Woodell, Christian Zuber, Nick Dillenburg, Ray Romano, Woody Harrelson
Dirección: Greg Berlanti 

De noche con el Diablo

Sinopsis: En la noche de Halloween de 1977, el caos se desata cuando el presentador Jack Delroy entrevista a una parapsicóloga y a una joven adolescente que es la única superviviente de una matanza masiva en una iglesia satánica.

Una detallada introducción hace un muy buen resumen de la época. Corren los años 70, y la televisión se transforma en una ventana al mundo, acompañando también a las familias en sus casas. El cuadro es tan ágil como completo. La perspectiva de lo que nos ofrecen es que seremos testigos de algo único, sin igual, un material que nunca ha visto la luz, exclusivo, guardado bajo siete llaves por décadas. Se trata, nada más y nada menos, de lo que verdaderamente ocurrió aquella fatídica noche.

El formato corresponde a un programa de TV, en específico, un capítulo, y uno bastante especial. Claro, es una recreación, pero parece real, parece efectivamente tomado del baúl de los recuerdos, o de una caja de cintas antiguas, a medio funcionar, desgastadas, y también con problemas técnicos.

Todo sucede dentro del estudio de televisión. El eje, cómo no, es Jack Delroy -David Dastmalchian-, pues todo gira en torno a él, potenciado con la lealtad de Gus McConnell -Rhys Auteri-, su compañero de pantalla. Entre cuatro paredes se palpa la tensión. El público presente al interior del set está feliz, aguarda entretención, la fiesta está por comenzar, todo es jolgorio. La competencia de audiencias es cada vez más brutal, el “rating” domina todo y lo es todo, por ello el principal esfuerzo es presentar casos especiales, que generen expectación y alarma, ad hoc a un programa de este tipo ubicado en la franja del trasnoche.

Dado lo anterior, no sorprende que se extremen posiciones debido a los ejemplos “en vivo” presentes en el programa. Deben impactar, no dejar indiferente. Da lo mismo si son ciertos o no, lo importante es que sean creíbles, o al menos tengan un alto porcentaje de verosimilitud. Además, hay dos instancias paralelas, una que refleja lo que sale al aire, y otra, lo que pasa tras bambalinas. Esas dos realidades van alternando y confrontándose al punto de ocasionar cruces inesperados e impensados.

Con una estética particular reflejada por sus colores, y con una textura de filmación que refleja la época, “Late Night with the Devil” posee un trasfondo interesante en varias de sus varias líneas y capas. Sin perder un estilo lúdico, como buen show televisivo que es y pretende ser, la cinta siembra dudas a pesar de no cerrar en forma consistente. ¿Qué es lo que vimos? ¿A qué responde? ¿Qué es qué? Como resumen ejecutivo, tenemos más suspenso que terror y más inquietud que miedo, y ambos aspectos en buenas dosis, lo que hace que todo funcione y funcione bien. Entretenida, una experiencia diferente, un pequeño baño de frescura para un género que parece agotarse rápidamente con cada nueva entrega.

Ficha técnica

Título original: Late Night with the Devil
Año: 2023
Duración: 93 minutos
País: Australia
Compañías: Future Pictures, Image Nation, Spooky Pictures. Productor: Joel Anderson
Género: Terror | Años 70. Posesiones / Exorcismos. Televisión. Metraje encontrado
Guion: Cameron Cairnes, Colin Cairnes
Música: Glenn Richards
Fotografía: Matthew Temple
Reparto: David Dastmalchian, Laura Gordon, Ian Bliss, Fayssal Bazzi, Ingrid Torelli, Rhys Auteri, Georgina Haig, Josh Quong Tart
Dirección: Cameron Cairnes, Colin Cairnes 

Tornados

Han transcurrido casi dos décadas desde la exitosa película del año 1996. Se siente el paso del tiempo, pero como en todo orden de cosas, surge una nueva generación de cazadores de tormentas que deben enfrentar una ola de tornados de una ferocidad inimaginable. Kate Cooper -Daisy Edgar-Jones-, ha heredado de sus padres la pasión por la ciencia y la adrenalina, pero también se ha propuesto no volver a perseguir estos fenómenos tras sufrir una traumática experiencia.

No obstante sus temores iniciales, Kate vuelve al terreno de acción cuando Javi -Anthony Ramos-, la invita a participar en un proyecto que promete obtener mejores datos gracias a sofisticados instrumentos físicos y nuevos modelos computacionales. Sin embargo, cuando aparece en escena un grupo intrépidos jóvenes cazadores de tormentas liderados por el carismático influencer Tyler Owens -Glen Powell-, Kate se ve obligada a cambiar sus acciones. Juntos, deberán unir fuerzas para desarrollar una tecnología innovadora capaz de predecir y estudiar el comportamiento de estos colosales tornados, antes de que arrasen comunidades enteras.

Entretenida y vibrante, esta película con raíces visibles -aunque no es remake ni secuela de la original-, logra transportarnos al interior de uno de los fenómenos más complejos y destructivos de la naturaleza. Me resulta difícil imaginar este oficio de caza tormentas. ¿Trabajo? ¿Hobby? ¿Visibilidad y publicidad? ¿Investigación científica? ¿Aprovechamiento? Son varias aristas las que se pueden visualizar en esta cinta. El guion de Mark L. Smith no las rehuye, pero tampoco las profundiza.

Bajo la dirección de Lee Isaac Chung, Daisy Edgar-Jones y Glen Powell brillan en sus papeles con marcados contrastes pero, también, con especial sintonía. No es tanta su química, sin embargo ambos se las arreglan para conducir el relato hacia lo que todos finalmente esperamos. En ese sentido, no presenta sorpresas, aunque logra dilatar lo más posible un posible encuentro sentimental. Anthony Ramos se convierte en un buen pivote, tercer punto de un triángulo que, cuando se logra afirmar, sostiene los áridos minutos de construcción que se observan entre cada secuencia de acción.

En una carrera contra el tiempo que desafía los límites de lo posible, “Twisters” se transforma en una aventura que posee suspenso y también emoción. Dando cuenta de espectaculares efectos especiales que nos sumergen en el centro mismo del caos, la impresión con la que finalmente quedamos es la de estar ahí, sin tener salida ni escapatoria, al interior de una experiencia cinematográfica que hay que ver, sufrir y disfrutar, en pantalla grande.

Ficha técnica

Título original: Twisters
Año: 2024
Duración: 122 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Amblin Entertainment, The Kennedy/Marshall Company, Universal Pictures, Warner Bros., Lightnin' Production Rentals. Distribuidora: Warner Bros., Universal Pictures
Género: Aventuras. Thriller. Drama | Catástrofes
Guion: Mark L. Smith. Guion original: Michael Crichton
Fotografía: Daniel Mindel
Reparto: Daisy Edgar-Jones, Glen Powell, Anthony Ramos, Brandon Perea, Maura Tierney, Sasha Lane
Dirección: Lee Isaac Chung

MaXXXine

Tercera entrega de la trilogía de Ti West, que sigue a Maxine Minx -Mia Goth-, en su incansable búsqueda del estrellato en el Hollywood de los 80. La trama se desarrolla algunos años después de los acontecimientos de "X", y muestra a la protagonista intentando abandonar su pasado en la industria del entretenimiento para adultos para convertirse en una estrella de cine. Sin embargo, el pasado la persigue, y un asesino en serie conocido como "The Night Stalker" amenaza con hacer trizas su propósito.

Se aprecia el presupuesto mayor de la película, lo que posibilita una mejor producción y momentos de terror algo más impactantes. West, en su crecimiento como director, utiliza interesantes transiciones mientras la dirección de arte captura aquella atmósfera sórdida y a la vez glamorosa de la época. No obstante lo anterior, el guion presenta ciertas inconsistencias, es decir, acciones de los personajes que, en ocasiones, carecen de una justificación clara.

Mia Goth destaca con su papel de Maxine Minx, tanto por lo convincente como por lo multifacética de su actuación, mostrando por una parte vulnerabilidad, y por otra, determinación en su personaje. Goth logra plasmar el miedo y la desesperación de manera concreta, lo que se transforma en un plus para una cinta que descansa en ella como eje conductor del relato.

La película utiliza una paleta de colores que transmite decadencia. El uso del neón y algunos contrastes oscuros nos devuelven a un pasado, en apariencias, glorioso, pero que por dentro se cae a pedazos. Las escenas nocturnas sobresalen por su atmósfera envolvente -no es sencillo dar coloratura y filmar en esas condiciones-, logrando inquietar y crear permanentes efectos de inestabilidad.

"Maxxxine" cierra la trilogía, y a la vez deja abierta la puerta para nuevas entregas, individuales o bien enfocadas en nuevas agrupaciones temáticas. Si bien la película es vibrante desde muchos puntos, en lo particular me cuesta encontrarle un sentido. Es más, la siento desconectada desde su inicio, tal vez demasiado compartimentada, con la preocupación de resolver cada situación y cada escena, dejando un poco de lado una unidad general que marque un norte argumental. Aún así, estimo que esta hora tres cuartos de metraje será muy bien recibida por los fieles seguidores de la historia, y tal vez se transforme en una posible entrada para conocer más profundamente el trabajo de un director que no se queda quieto y que busca expresarse con voz propia dentro un mundo que tiende a estandarizarlo todo. Enorme desafío para una apuesta que resulta más que interesante.

Ficha técnica

Título original: MaXXXine
Año: 2024
Duración: 103 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Coproducción Estados Unidos-Nueva Zelanda-Canadá; A24, Bron Creative, Film New Zealand
Género: Terror | Secuela. Cine dentro del cine. Asesinos en serie. Años 80. Crimen
Guion: Ti West
Música: Tyler Bates
Fotografía: Eliot Rockett
Reparto: Mia Goth, Elizabeth Debicki, Moses Sumney, Michelle Monaghan, Bobby Cannavale, Halsey, Lily Collins, Giancarlo Esposito, Kevin Bacon
Dirección: Ti West 

Soy Céline Dion

¿Cuántas veces nos hemos emocionado escuchando una de las voces más potentes y únicas de los últimos años? Innumerables, probablemente. No solo su icónica interpretación de la canción principal de “Titanic”, pues muchas otras aparecen, vienen y van, como un torbellino abrasador, lleno de talento, sentimiento y emoción.

Aquejada hace varios años de una extraña enfermedad que afecta a una persona por millón, el SPR -síndrome de persona rígida-, Céline Dion no ha dejado de luchar por lo que más ha deseado siempre en la vida: el contacto con el público a través de su maravilloso instrumento vocal.

Este documental no muestra a la diva de la canción. Presenta a Céline como mujer, como madre, como viuda y principalmente como paciente. O mejor dicho, impaciente, porque combatir contra una condición tan extraña e invalidante, le provoca una frustración enorme que es palpable desde apenas iniciado el metraje. Céline es fuerte, qué duda cabe, pero se necesita mucha valentía para dejar entrar a su vida privada aquellas cámaras que finalmente se transformarán en imágenes que darán a conocer su estado actual y verdadero.

En muchos sentidos, este es un trabajo que genera un cierto pudor. Combinando videos de archivo de multitudinarios shows, “performances” llenas de ritmo y energía, el coro de la actual canción es Dion intentando sobreponerse a una enfermedad que no solo hace mella en su estado físico, sino que le afecta en toda su humanidad. Y por esfuerzos no se queda. Terapias, kinesiología, medicamentos, apoyo emocional, y un auto impuesto desafío profesional, surcan las casi dos horas de duración de un trabajo que nos acerca, con respeto y admiración, a los aspectos más privados e íntimos de una persona con vocación, entrega y compromiso.

La decisión de abrir las puertas de su vida, de conceder la posibilidad de filmar alguna de sus crisis, habla del temple de una cantante que nunca dosificó esfuerzo alguno sobre el escenario. La extrema sensibilidad de Céline Dion es el corazón de las imágenes y el sonido de esta película, y aunque pueda resultar un tanto melodramático, estamos ante la cruda realidad, una realidad de la que ella no puede escapar por sí misma, y que tal vez por ello quiere mostrarla al mundo, como una forma desesperada de salir de un encierro claustrofóbico aterrador.

“I Am: Celine Dion” resulta emocionante. Su voz, sus canciones, su despliegue escénico, chocan brutalmente con su actual estado. El golpe es muy fuerte y se siente, porque estamos con ella al interior de su casa, en su pieza, acompañándola en sus ejercicios, y también presenciando esfuerzos increíbles para volver a grabar en estudio, siempre con la mirada puesta en su confesado mayor anhelo: volver pronto a los escenarios para compartir su talento con un público que desde siempre la ha admirado, y que, probablemente desde ahora, la sienta aún más cercana.

Ficha técnica

Título original: I Am: Celine Dion
Año: 2024
Duración: 102 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Sony Music, Vermilion Films. Distribuidora: Amazon MGM Studios
Género: Documental | Documental sobre música. Biográfico
Guion: Biografía sobre: Céline Dion
Reparto: Celine Dion, René-Charles Angélil Jr., Nelson Angélil, Eddy Angélil
Dirección: Irene Taylor Brodsky 

Mi Villano Favorito 4

Por cuarta vez nos sumergimos en las aventuras de Gru y sus inseparables Minions. En esta ocasión, nuestro carismático personaje, ahora agente de la Liga Anti Villanos, se ve enfrentado a su antiguo compañero de escuela, Maxime Le Mal, quien ha escapado de prisión y tiene un ambicioso plan de venganza. La trama adquiere otros bríos con la presentación en sociedad de Gru Junior, el hijo pequeño de nuestro protagonista, cuyas travesuras añaden un toque de caos a la historia. La película transcurre en un vecindario lujoso donde la familia debe adaptarse a una nueva vida al tiempo de mantener sus identidades en secreto.

Respecto a las películas anteriores, esta entrega no innova significativamente pero mantiene la sustancia que ha caracterizado la saga: humor, personajes entrañables y una vibrante animación. La evolución de Gru como personaje principal y la introducción de nuevas dinámicas familiares resultan frescas, aunque la fórmula general siga siendo la misma, lo que no es necesariamente malo, ya que los fanáticos de esta franquicia -y me incluyo, por cierto-, encontrarán familiaridad y nostalgia, pero aquellos que tal vez busquen algo nuevo podrían sentirse decepcionados.

Uno de los aspectos más destacados de esta nueva versión es, cómo no, la calidad de la animación. Illumination Entertainment ha logrado crear una experiencia audiovisual con detalles impresionantes en cada escena. La música, compuesta por Pharrell Williams, también es un punto fuerte, pues complementa perfectamente el tono alegre, jocoso, y dinámico de la película. Sin embargo, y en contraposición, la inclusión de varias subtramas y personajes secundarios, es algo que tiende a diluir el relato, restando profundidad emocional al global de la historia.

"Mi Villano Favorito 4" funciona, y muy bien, al ofrecer su característica mezcla de diversión y nostalgia, ideal para ser disfrutada por una amplia audiencia familiar. Aunque no aporte muchos cambios, no importa, pues a lo largo de los años ha sido capaz de mantener la esencia que ha encantado a sus seguidores desde la primera película. Las enseñanzas sobre la importancia de la familia -y ojo con la relación madre-hijo / padre-hijo-, junto a la necesidad de adaptación a nuevos entornos, son mensajes valiosos que se abren paso a lo largo del filme, en un espectáculo atractivo que cumple, con creces, su objetivo de entretener y hacer reír.

Ficha técnica

Título original: Despicable Me 4
Año: 2024
Duración: 95 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Universal Pictures, Illumination Entertainment. Distribuidora: Universal Pictures
Género: Animación. Comedia. Fantástico | Secuela
Guion: Mike White, Ken Daurio
Música: Heitor Pereira
Fotografía: Animación
Dirección: Patrick Delage, Chris Renaud 

Un lugar en silencio: día uno

Samira -Lupita Nyong’o-, una paciente que sufre un cáncer terminal, vive en un hospicio en las afueras de la ciudad de Nueva York junto a su gato Frodo. Un día, Reuben -Alex Wolff-, su enfermero y cuidador, la convence para que se una a una salida grupal. ¿Objetivo? Presenciar un espectáculo de marionetas en el centro de Manhattan. Durante el viaje, el grupo se da cuenta que objetos parecidos a unos meteoritos se estrellan contra la ciudad. Poco después, criaturas extraterrestres hostiles comienzan a atacar a la gente. En el caos que sigue, Sam queda inconsciente. Al despertar debe correr y luchar por su vida.

Precuela de las películas del 2018 y del 2020, esta cinta, dirigida por Michael Sarnoski, ofrece varios puntos para analizar. El primero, cómo no, es el ya manido escenario post apocalíptico, lo que no es novedad pues, además de estar presente en la saga, lo hemos visto infinidad de veces. ¿Algo distinto? Tal vez, porque acá vemos cómo comienza todo, el caos generalizado, y la principal característica de los invasores: un oído ultra sensible y preciso. El segundo aspecto deriva de esto último, ya que la sobrevivencia depende de estar y permanecer silencio, algo difícil de entender y casi imposible de aplicar. Y tercero, al menos desde una mirada más amplia, se refiere a la forma de construir una película con mínimos diálogos y que aún así resulte tensa y provoque expectación. Me enfocaré, en adelante, en el último punto, a mi modo de ver, lo más destacado de la cinta.

Un comienzo contextual que da paso a un ataque brutal, nos pone de inmediato en alerta sobre el devenir de la trama. Se desencadena un verdadero infierno y, a poco andar, tenemos un dantesco escenario configurado. Pero, de ahí en más, poco y nada cambia con el transcurso de las horas. ¿Qué sostiene el relato, entonces? Lupita Nyong’o. El peso completo, total, exclusivo, lo lleva ella, con una permanencia en pantalla cercana al cien por ciento. Y en esto recuerda otras tantas producciones que podrían compartir troncos, pero tienen diferentes ramas que ofrecen diferentes caminos. Bien la protagonista, imbuida de su papel, a nivel consciente e inconsciente, con un manejo notable del lenguaje no verbal, y siguiendo al pie de la letra un guion prácticamente sacado de un manual de estilo.

Pero la historia necesita de giros y detalles, y para eso están Froddo y Eric, los coprotagonistas, cada uno en lo suyo, en sus propios mundos, siempre funcionando como enlaces o puentes que colaboran en la fluidez de la trama, pero sin perder individualidad. Una extraña química se percibe entre Sam y Eric, como dos imanes que intentan conectar pero los separa una fuerza que va más allá de la voluntad, interesante construcción para una atípica dupla que va generando un vínculo lento y sólido con el correr de los minutos. ¡Y Froddo, qué decir! Encantador, mágico, un tercero que enternece los momentos más álgidos con dulzura, y por qué no decirlo, con la necesaria cuota de esperanza.

Dejo para el final otro aspecto destacado. La película funciona muchísimo mejor cuando no hay diálogos. De hecho, la sección intermedia, aquella que contiene intercambios verbales, tiende a decaer. Lo mismo sucede cuando es solo Eric quien completa la pantalla. ¿Dependencia protagónica? Puede ser, pero se nota un cierto desequilibrio en ese sentido, que no enturbia, pero se siente. Es por eso que cuando estamos “en silencio”, la película se hace nervio, vemos a través de los ojos de sus protagonistas, y caminamos con ellos. Esperamos juntos el peligro en cada esquina, en cada rincón, saltamos con las incursiones inesperadas, y nos asustamos con una amenaza implacable que tiene vocación de exterminio.

“A Quiet Place: Day One”, no desperdicia ninguno de sus cien minutos de duración. No permite respiro, y aunque podamos anticipar su argumento -por conocer detalles de la saga y también por su anunciado desarrollo-, se mueve permanentemente en tono inquieto, expectante y ansioso. Contar con Lupita Nyong’o, y en un escalón un poco más bajo con Joseph Quinn, ayuda muchísimo a una cinta que supera las expectativas generadas, y que usa como excusa una invasión alienígena para sumergirnos en una historia humana respecto a la relación de una persona con su inminente muerte, la nostalgia familiar de un pasado anhelado, los miedos y horrores ante amenazas desconocidas, y la trascendencia del genuino acompañamiento en situaciones que escapan absolutamente a nuestro control.

Ficha técnica

Título original: A Quiet Place: Day One
Año: 2024
Duración: 100 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Paramount Pictures, Platinum Dunes, Sunday Night. Distribuidora: Paramount Pictures
Género: Terror. Thriller. Drama. Intriga. Fantástico | Precuela. Futuro postapocalíptico. Monstruos. Supervivencia
Guion: Michael Sarnoski. Historia: John Krasinski, Michael Sarnoski. Personajes: Scott Beck, Bryan Woods
Música: Alexis Grapsas
Fotografía: Patrick Scola
Reparto: Lupita Nyong’o, Joseph Quinn, Alex Wolff, Djimon Hounsou,
Dirección: Michael Sarnoski 

¿Cuánto vale la vida?

Disponible en Netflix.

La directora Sara Colangelo ofrece un drama legal inspirado en hechos reales que explora las consecuencias humanas del atentado del 11 de septiembre de 2001. La película se centra en la figura de Kenneth Feinberg -Michael Keaton-, un abogado designado por el gobierno estadounidense para determinar las compensaciones económicas que deben recibir las víctimas y sus familias.

Feinberg, un hombre serio, pragmático y bastante carente de empatía, enfrenta un reto sin precedentes: asignar diferentes valores monetarios a las vidas humanas. A medida que acomete su trabajo, se ve confrontado con historias desgarradoras de las familias afectadas, asunto que le obliga a dar una vuelta de tuerca a sus propios principios y a luchar contra la burocracia y la insensibilidad del sistema.

Como contraparte se encuentra Charles Wolf -Stanley Tucci-, abogado de las víctimas, un hombre idealista y compasivo que tiene una perspectiva diferente respecto al proceso, lo que genera tensiones importantes con Feinberg, pero también un creciente respeto y una genuina amistad.

La cinta, basada en el libro "What Is Life Worth?”, de Kenneth Feinberg, se toma algunas libertades respecto a la historia real. Colangelo conduce la historia con sensibilidad, sin caer en el melodrama, logrando capturar la esencia del drama humano vivido tras el 11-S.

Las actuaciones de Keaton y Tucci aportan un buen piso al relato. Keaton transmite el cambio interno de Feinberg de manera creíble, mientras que Tucci entrega humanidad y calidez a su personaje. El resto del elenco, que incluye a Amy Ryan, Tate Donovan, Talia Balsam y Laura Benanti, acompaña muy bien el tratamiento de cada uno de los temas en los que se involucra.

“Worth” resulta una película emotiva y reflexiva, bien desarrollada, con una fotografía que da cuenta de la dificultad y solemnidad del tema con el apoyo de una banda sonora que refuerza la narrativa pero no la domina. Al abordar con dignidad y seriedad un asunto complejo, desde muchos puntos de vista, esta cinta se transforma en una pieza que no solo conmemora a las víctimas del 11-S, sino que, a la vez, invita a una reflexión profunda sobre el valor de la vida humana, la justicia y la compasión en tiempos de crisis.

Ficha técnica

Título original: Worth
Año: 2020
Duración:118 minutos
País:Estados Unidos
Compañías: MadRiver Pictures, Riverstone Pictures, Royal Viking Entertainment. Productor: Max Borenstein
Género: Drama | Política. Biográfico. Drama judicial / Abogados/as. 11-S
Guion: Max Borenstein
Música: Nico Muhly
Fotografía: Pepe Avila del Pino
Reparto: Michael Keaton, Stanley Tucci, Amy Ryan, Tate Donovan, Talia Balsam, Laura Benanti
Dirección: Sara Colangelo