La Corazonada

Disponible en Netflix.

Basada en el libro “La virgen en tus ojos”, de la escritora Florencia Etcheves, “La Corazonada” es el primer film original argentino de Netflix. Dirigida por Alejandro Montiel y con un guion firmado por la propia autora junto a Mili Roque Pitt y el mismo Montiel, este thriller policial -precuela de la película “Perdida”, del año 2018- narra la historia de la novata agente de policía Manuela Pelari, Pipa -Luisana Lopilato-, y el experimentado inspector Francisco Juanez -Joaquín Furriel-, quienes deben resolver el asesinato de una joven de 19 años.

La película tiene un ritmo ágil y de hecho, los sucesos transcurren rápidamente. Un inquietante inicio, el caso conocido como el de las “Vírgenes de Luján”, da paso al descubrimiento del crimen de Gloriana Márquez -Delfina Chaves- en la casa que compartía con su mejor amiga y las primeras pistas apuntan justamente a ella. No obstante la confesión de Minerva -Maite Lanata- ante el Fiscal Roger -Rafael Ferro- la policía duda que sea culpable y el caso se enreda más de lo esperado pues en paralelo un joven que un par de años atrás mató a la esposa de Juanez ha sido atropellado y el principal sospechoso es justamente el policía.

La película resulta entretenida y la narración se encarga de hacernos dudar permanentemente, sin embargo hay algo que no encaja del todo. Es cierto, una historia así no es nueva pero si está bien contada funciona. Entonces, ¿qué es lo que se siente extraño?. No es la historia ni el guion; es la puesta en escena, en específico las actuaciones de Luisana Lopilato y Joaquín Furriel. Cuando los personajes secundarios destacan sobre los protagonistas hay algo que merece atención. Acá sucede y se debe a que ni a Lopilato ni a Furriel se les ve cómodos en sus roles. Hay una cierta rigidez y formalismo que les pone una camisa de fuerza sobre todo en algunas escenas donde debiera aflorar la química entre ambos.

“La Corazonada” se deja ver en estos tiempos de encierro, lo que es ya una virtud. Si agregamos la buena fotografía de sus locaciones, una buena producción y una trama que resulta inesperada, aseguramos un tiempo de distracción que nos permite escapar a través de la pantalla. Claro que para ello nos tienen que gustar las historias de asesinatos y de policías porque de otro modo es posible que no alcancemos a apreciarla como lo que es, un producto de consumo masivo, sin demasiadas novedades, pero realizado con profesionalismo y esmero.

Ficha técnica

Título original: La corazonada
Año: 2020
Duración: 116 minutos
País: Argentina
Productora: FAM Contenidos. Distribuida por Netflix
Género: Thriller. Drama | Precuela. Policíaco
Guion: Mili Roque Pitt, Alejandro Montiel, Florencia Etcheves (Novela: Florencia Etcheves)
Música: Nico Cota
Fotografía: Guillermo Nieto
Reparto: Luisana Lopilato, Joaquín Furriel, Rafael Ferro, Maite Lanata, Juan Guilera, Abel Ayala, Sebastián Mogordoy, Delfina Chaves, Marita Ballesteros
Dirección: Alejandro Montiel

Todo el día y una noche

Disponible en Netflix.

“Todo el día y una noche” es una película que merece ser vista con atención. Corresponde a una cruda descripción de una realidad a veces pasada por alto -tal vez porque ya la hemos visto en muchas ocasiones- pero que al ser revisitada produce impacto por el realismo impreso en su ejecución. Jahkor Lincoln -Ashton Sanders- cumple cadena perpetua por un brutal crimen cometido a sangre fría. Las circunstancias y la razón del asesinato las ignoramos, solo conocemos la secuencia inicial que nos muestra los detalles del suceso, el posterior juicio, la condena y una pregunta que queda sin respuesta: ¿por qué?.

El guionista y director Joe Robert Cole desarrolla un relato que busca revelar las causas que llevan a Jahkor a llevar a cabo el crimen. Sin una línea de tiempo definida y usando numerosos flashback narrados por el propio protagonista con “voz en off”, nos sumergimos en la historia de su vida. La relación con su padre JD -Jeffrey Wright- un violento drogadicto, y con su madre Delonda -Kelly Jenrette-, totalmente superada por la situción, configuran una infancia y adolescencia tan dura como solitaria, ausente de referencias y de valores primordiales. Aun así, Jah adolescente intenta sobreponerse y ve en la música del rap un canal de expresión. Su amigo TQ -Kaleb Alexander Roberts-, cómplice en varios robos y asaltos, en la práctica es la persona más cercana que tiene y su novia Shantaye -Shakira Ja'nai Paye-, es el cable a tierra que devela lo más profundo de su intimidad al enterarse que está embarazada y espera un hijo de ambos.

La vida de Jahkor no tiene ni una gota de esperanza. Ni antes de estar en la cárcel ni menos ahora, que debe cumplir el duro castigo impuesto. No obstante el amargo y oscuro presente, el relato tiene una luz de apertura, algo que permite que la cortina no se cierre y deje abandonado al protagonista. No sabemos muy bien desde donde proviene esa luz pero intuimos que está ahí presente. El mérito que tiene el guion es que gracias a su ritmo y cadencia permite avanzar en profundidad a medida que nos internamos en los detalles y conocemos a las personas que rodean a Jahkor. Cada uno de los actores, que conforman un muy buen reparto, logran percibirse en una dimensión real. La construcción de sus personajes junto a una excelente dirección, permite que tengamos certezas sobre sus roles y que dentro de la narración podamos entender claramente la importancia e influencia en las acciones de Jahkor.

“Todo el día y una noche” está muy bien filmada. Con un par de plano secuencia que destacan y una cuidadosa edición, emerge una atmósfera inquietante y llena de angustia. Hace palpables las carencias de Jah, su falta de oportunidades, la segregación social a la que se ve sometido, la marginalidad en que vive y la lucha por ser alguien en un mundo dominado por el más fuerte, por la banda de narcotraficantes que tiene el control del lugar, principalmente por quienes detentan el poder económico o bien el armamento más completo. Es el barrio, son las pandillas, son los grupos que se enfrentan y que se pelean por el territorio. Y por supuesto, los más vulnerables son los que sufren las consecuencias, quienes no tienen otra opción que ser parte de ese sistema y para quienes no se vislumbra salida alguna. Aun así esta cinta propone una tenue luz de esperanza desde el amor y la proyección hacia el futuro. Jahkor no quiere que, para su hijo, se repita la historia y tal vez ello es lo único que aun lo mantiene de pie y con fuerzas para seguir viviendo.

Ficha técnica

Título original: All Day and a Night
Año: 2020
Duración: 121 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Color Force / Mighty Engine. Distribuida por Netflix
Género: Drama | Crimen
Guion: Joe Robert Cole
Música: Michael Abels
Fotografía: Jessica Lee Gagné
Reparto: Jeffrey Wright, Yahya Abdul-Mateen II, Ashton Sanders, Regina Taylor, Jalyn Hall, Christopher Meyer, Anthony Cistaro, Isaiah John, Kelly Jenrette, Andrea Ellsworth, David L. Schormann, William W. Barbour, Steve Warky Nunez, Jeff Lipary, Ke'Mari Moore, Sandra Dee
Dirección: Joe Robert Cole

Sergio

Disponible en Netflix.

Wagner Moura interpreta a Sergio Vieira de Mello, Alto Comisionado de Naciones Unidas para los derechos humanos, quien en mayo de 2003 viaja a Irak como representante especial de la ONU en momentos en que se debate sobre la ocupación militar norteamericana y la independencia del pueblo iraquí. La carismática personalidad de Sergio es el imán de la cinta y la presencia de Ana de Armas interpretando a Carolina, colega y novia de Sergio, conforma un romance que se configura como el hilo conductor del relato.

Greg Barker aborda esta película en base a su propio documental del año 2009 sobre la biografía escrita por la ganadora del Premio Pulitzer, Samantha Power, titulada “Sergio: la lucha de un hombre para salvar el mundo”. Con un guion de Craig Borten, el director aborda diversos aspectos de la vida del diplomático, sus misiones anteriores, su familia y su futuro proyecto de vida.

La cinta tiene un tratamiento confuso. La narración no es lineal y recorre diferentes líneas de tiempo. La principal es la misión en Irak, sin embargo cobra gran relevancia la intervención de Vieira de Mello como administrador provisional de la ONU en Timor Oriental -diciembre de 1999 a mayo de 2002- ayudando a la ex-colonia portuguesa, hasta entonces ocupada por Indonesia, en su independencia.

Otro de los aspectos indeterminados del relato es su objetivo. El más claro, un homenaje a Sergio, a su carisma y su acción política, sin embargo este se diluye al incluir, sin orden aparente, otros elementos que nos distraen de ese foco. ¿Un objetivo político, una clara referencia a la relación de independencia o dependencia de la ONU con los gobiernos de Estados Unidos? Tampoco queda demasiado claro ya que a las confrontaciones con la administración Buch sobre Irak se superpone una referencia más bien agraciada con la administración Clinton y su exitosa iniciativa en Timor Oriental.

“Sergio” es un drama biográfico que impulsa a conocer la historia de Vieira de Mello un poco más de cerca. En ello la película acierta y nos seduce gracias a la sensible actuación de sus protagonistas. La historia de amor profunda entre ambos se devela en medio de la política y la tragedia, aun no siendo retratada en todos sus detalles. Hace falta observar los créditos finales para cerrar el círculo y darle sentido a lo que se vislumbra en pantalla. Surge entonces la necesidad de investigar un hecho real reconociendo el rol y la figura esencial de su verdadero protagonista.

Ficha técnica

Título original: Sergio
Año: 2020
Duración: 118 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Black Rabbit Media / Anima Pictures / Desert Motion Pictures / Thai Occidental Productions. Distribuida por Netflix
Género: Drama | Biográfico. Basado en hechos reales
Guion: Craig Borten
Música: Fernando Velázquez
Fotografía: Adrian Teijido, Rich B. Moore Jr.
Reparto: Wagner Moura, Ana de Armas, Brian F. O'Byrne, Garret Dillahunt, Clemens Schick, Will Dalton, Jason Anthony
Dirección: Greg Barker

Cyrano mon amour

En Paris, a fines de 1897, se encuentra Edmond Rostand -Thomas Solivéres-, un joven dramaturgo de 29 años que apenas consigue aplausos pues sus obras están más cerca del fiasco que del reconocimiento. No es fácil, debe mantener su hogar, a su esposa y dos hijos, y la inspiración creativa no llega por ninguna parte. En este momento clave de su vida necesita ayuda y es la famosa actriz Sarah Bernhardt quien acude a él para presentarle al mejor actor del momento, Constant Coquelin -Olivier Gourmet-, quien le ofrece interpretar su próxima obra. Es diciembre y lo urge para tenerla en cartelera antes de fin de año. ¿Es un problema? Tal vez no, pero resulta que la obra aun no está escrita. 

El guionista y director Alexis Michalik elabora esta cinta a partir de su pieza homónima representada con éxito el año 2016 y su tratamiento refleja la puesta en escena de un proyecto teatral desde los inicios de su concepción. La narración destaca algo que para quienes escribimos es uno de los mayores temores: la hoja en blanco. Esa ausencia de ideas -o bien de una multitud que revolotean y no sabemos por dónde abordar- puede ser un momento de inflexión en el proceso creativo. Edmond -el título original de la cinta es justamente el nombre del autor- lo intuye y busca desesperadamente una salida. ¿Dónde obtener fuente de inspiración? ¿Dónde dirigir la mirada y el pensamiento para capturar aquello que es tan esquivo?

Las historias de amor de su mejor amigo Leo -Tom Leeb- auguran el camino junto a los consejos del particular dueño de un café parisino que le enseña un libro sobre el poeta, dramaturgo y pensador francés Cyrano de Bergerac (1619 - 1655) con lo que, al menos, le proporciona un título para su nueva creación. Edmond, atormentado, acomete el desafío, escribe sentidas cartas de amor, se encierra en si mismo, deja de lado a su familia, pero cumple con los textos que prácticamente se ensayan y se escriben en tiempo real.

Alexis Michalik debuta con su primer largometraje con una gran soltura. El ritmo que le imprime es acelerado y no da tiempo para quedarse tranquilo. Es como si la urgencia a la que se ve enfrentado el protagonista se traspasara al espectador. Saltamos de un lugar a otro, de un escenario a otro, de momentos inspirados a otros llenos de humor, algo muy propio de las tablas, de una representación en vivo. La cinta fluye, especialmente hacia su último tercio, gracias a que la historia se transforma en una cascada vigorosa hacia la tan anhelada primera función.

“Cyrano mon amour”, su título en español, es entretenida, sobre todo si se contempla desde la ingenuidad de su protagonista. Él es un poeta y escribe en verso, algo que está cambiando rápidamente en la escena local. Además, se vislumbra una amenaza para el teatro; la proyección de obras animadas, los primeros pasos del cine, algo que podría afectar a la representación en vivo en forma negativa. No obstante los imponderables que debe sortear, Edmond se sobrepone con audacia y principalmente gracias a su alma creadora, algo que finalmente le lleva a encontrar el lugar, el tono y el pulso para dar vida a una de las obras más exitosas de la escena mundial. ¡Atención a los créditos finales, no se los pierda!

Ficha técnica 

Título original: Edmond
Año: 2018
Duración: 112 minutos
País: Francia
Productora: Légende Films / Rosemonde Films / Umedia
Género: Drama. Comedia | Biográfico. Siglo XIX. Literatura
Música: Romain Trouillet
Fotografía: Giovanni Fiore Coltellacci
Reparto: Thomas Solivéres, Dominique Pinon, Olivier Gourmet, Guillaume Bouchède, Alexis Michalik, Simon Abkarian, Blandine Bellavoir, Mathilde Seigner, Antoine Duléry, Clémentine Célarié, Alice de Lencquesaing, Jean-Michel Martial, Dominique Besnehard, Bernard Blancan, Lionel Abelanski, Nicolas Briançon, Tom Leeb, Benjamin Bellecour, Marc Andreoni, Marc Citti, Igor Gotesman, Hélène Babu, Fayçal Safi, Michel Derville, Vincent Joncquez, Arnaud Dupont, Adrien Cauchetier, Sophie de Furst
Guion y Dirección: Alexis Michalik

Defending Jacob

Disponible en Apple TV+.

Newton, una pequeña ciudad de Massachusetts despierta sobresaltada. Un chico de 14 años es encontrado muerto en el bosque; ha sido apuñalado. Andy Barber -Chris Evans-, ayudante del fiscal del distrito, se hace cargo de una investigación cuyos primeros indicios apuntan a su hijo Jacob -Jaeden Martell-, compañero de clase de la víctima. La situación es extrema y pone a la familia Barber entre la espada y la pared. ¿Jacob es inocente o existe la posibilidad de que realmente sea culpable? El deber de hacer justicia y al mismo tiempo el amor incondicional a su hijo despierta el dilema moral profundo y emotivo que es el hilo conductor de este íntimo relato psicológico.

No es sencillo escribir sobre una serie de televisión cuando aun se encuentra en pleno desarrollo, sin embargo sentí la necesidad de hacerlo. Al momento de estas líneas, conocemos 5 episodios de los 8 proyectados y todavía no podemos aventurar el desenlace. La historia está basada en la novela del mismo nombre escrita por William Landay en 2012. El guion de Mark Bomback, con la colaboración de Landay, es inquietante desde su inicio. La estupenda producción, una preciosa fotografía provista por Jonathan Freeman y la banda sonora de Atli Örvarsson, logran que “Defendig Jacob” resulte cautivante. La intriga que propone, los valores que están en juego y la impredecible resolución, son elementos precisos que hacen que la semana sea aun más larga en espera de la siguiente entrega.

El elenco destaca por solidez y también por renombre. Chris Evans, mundialmente conocido por su papel de “Capitán América”, desarrolla una personificación que tiene altos niveles. Su caracterización de Andy dota al protagonista de un carisma que refleja lo difícil de su situación. Confía plenamente en su hijo, diríamos que “pondría las manos al fuego por él”, sin embargo trasluce incertidumbre y algún grado de inseguridad. Michelle Dockery, conocida por “Downton Abbey”, es un contrapunto emocional para Andy. Como madre de Jacob, la fidelidad a su hijo es absoluta, sin embargo el quiebre que sufre con la situación hace que la duda se apodere de ella y entre en una contradicción muy difícil de entender y de sobrellevar. Jaeden Martell, quien personificara a Bill Denbrough en “It”, imprime a su rol adolescente características ambiguas que no solo confunden a sus padres sino que nos traspasan la incertidumbre a quienes le observamos desde fuera. No puedo dejar de mencionar a Cherry Jones, en el papel de abogada de Jacob. Es un lujo su aporte, aun desde lo secundario de su papel; brilla con luces propias cada vez que entra en escena.

El desarrollar una historia en forma de miniserie permite combinar muchos elementos y además tener el tiempo para poder profundizar aspectos que en una película, en muchas ocasiones, no se pueden abordar. Acá vemos una clara diferencia de lenguaje respecto al cine. En televisión, el formato obliga a tomar opciones y caminos diferentes para potenciar aspectos distintos a los que apreciamos con mayor nitidez en la pantalla grande. Los ritmos son distintos y también los enfoques. Las decisiones al respecto son vitales, pues responden al medio al que se orientan y también al conocimiento en profundidad de las características de cada plataforma de distribución de contenido.

Mark Bomback, director y creador de la serie, filma con propiedad cada una de las escenas. Las tomas generales, los primeros planos, los seguimientos y cada fotograma están en su punto exacto. Con estos elementos construye un relato cuyo lado emocional cobra relevancia en la medida que conocemos la historia y a sus protagonistas. El énfasis en lo valórico, los diálogos sostenidos, el tono del color de las imágenes y su natural cadencia, son propiedades que contribuyen a realzar el fondo sustantivo de la trama que no son los acontecimientos, sino lo que cada uno de los personajes, vive y siente. Esta profundidad es la que logra establecer el vínculo con nosotros, los espectadores, pues rápidamente empatizamos con las personas que vemos en pantalla y nos hacemos próximos a ellas.

Esta serie producida por Paramount Television y distribuida por Apple TV+ ya cosecha grandes niveles de audiencia y seguramente se consolidará como uno de los productos más exitosos del canal de streaming de Apple junto a la aplaudida “The Morning Show”. Son temáticas distintas y actores diferentes pero tienen un denominador común: televisión de calidad, desarrollada con altos niveles de producción y, sobre todo, historias profundas sobre sentimientos, emociones y relaciones que nos llegan en forma directa, nos involucran, nos hacen pensar, sentir, debatir y reflexionar.

Ficha técnica

Título original: Defending Jacob
Año: 2020
País: Estados Unidos
Productora: Anonymous Content / Paramount Television. Distribuida por Apple TV+
Género: Serie de TV. Intriga. Thriller | Miniserie de TV
Guion: Mark Bomback, William Landay (Novela: William Landay)
Música: Atli Örvarsson
Fotografía: Jonathan Freeman
Reparto: Chris Evans, Jaeden Martell, Michelle Dockery, Betty Gabriel, Sakina Jaffrey, Cherry Jones,  Bradley Ryan Knispel, Pablo Schreiber, Jordan Alexa Davis, Daniel Henshall, Ted Arcidi, Megan Byrne, Tamara Hickey, Joseph Oliveira, Poorna Jagannathan, Adam Desautels, Patrick Fischler, Jeff Bouffard, Larry Eudene, Hale Lytle, Scott Sederquist, Rob Lévesque
Dirección: Mark Bomback (Creator), Morten Tyldum

Mentiras Peligrosas

Disponible en Netflix.

Katie Franklin -Camila Mendes- y Adam Kettner -Jessie T. Usher-, conforman una joven pareja que tiene apremiantes problemas económicos. Un incidente policial en el restaurante atendido por Katie no hace más que agravar la situación y los conflictos entre ambos. Luego de unos pocos meses, Katie ha logrado cierta estabilidad como cuidadora de Leonard, un millonario anciano que vive solo en una amplísima casa, mientras Adam aun sigue sin encontrar el rumbo de su vida. Entonces sobreviene lo inesperado, Leonard muere dejando toda su herencia a Katie. ¿Un golpe de suerte? Aparentemente no hay familia que pueda oponerse al testamento.

En esta cinta escrita por David Golden y dirigida por Michael Scott se conjugan elementos que ya hemos observado antes. Un millonario, alguien que necesita dinero urgente, poco tiempo de relación entre ambos y una muerte repentina. Las sospechas son naturales y la trama se encarga de adicionar más ingredientes. Merodea la casa un agente de bienes raíces interesado en comprar la propiedad, también la detective que debe investigar la muerte del anciano además de la abogada del difunto que ofrece toda su colaboración y ayuda a la joven pareja.

La película no aporta grandes novedades desde su premisa y argumento. Lo clásico, podríamos decir. Por supuesto, el guion nos sumerge al interior de las dudas y certeramente nos hace pensar varias teorías, elucubraciones y complicidades entre los protagonistas. Nos centramos en algunos personajes, orientados por la inducción de la la trama y dejamos de ver otras opciones, cual truco de magia que logra desviar nuestra atención.

Es cierto que “Mentiras Peligrosas” no demuestra mucha ambición. Tampoco acrecienta demasiado las expectativas que nos podamos generar. Podríamos señalar, incluso, que se trata de antemano de una propuesta poco innovadora. Sin embargo, y a su favor, posee algo que cautiva la atención y nos tiene despiertos hasta el final. Es un hilo, delgado tal vez, que nos hace imaginar lo que sucede. Tal vez sin proponérselo, nos impulsa a buscar las relaciones y a intentar resolver el misterio antes que se nos ofrezca la respuesta. Este punto, que resulta central, no se diluye sino que cobra relevancia sobre el último tercio y se transforma en el mayor valor de una cinta que nos mantiene alertas durante sus 96 minutos.

Ficha técnica

Título original: Dangerous Lies
Año: 2020
Duración: 96 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Distribuida por Netflix
Género: Thriller. Terror
Guion: David Golden
Música: James Jandrisch
Fotografía: Ronald Richard
Reparto: Camila Mendes, Jamie Chung, Sasha Alexander, Cam Gigandet, Elliott Gould, Jessie T. Usher, Garfield Wilson, Briana Skye, Trevor Lerner, Nick Purcha, Stefania Indelicato, Erika McKitrick
Dirección: Michael Scott

Velvet Buzzsaw

Disponible en Netflix.

El mundo del comercio del arte es el telón de fondo de esta cinta protagonizada por Jake Gyllenhaal, René Russo y Zawe Ashton. Josephina -Ashton- es asistente de Rhodora -Russo-, propietaria de la Galería Haze. Los tiempos son complejos por lo que el casual descubrimiento de la obra de un artista recién fallecido abre nuevas oportunidades; su nombre, Vetril Dease.

Las pinturas de Dease causan admiración. Llaman la atención del agudo crítico de arte Morf Vandewalt -Gyllenhaal- con quien Josephina ha iniciado una aventura; también seducen a Gretchen -Toni Collette-, una afamada coleccionista, y a otros varios especialistas del rubro. Las pinturas poseen un especial magnetismo y también esconden un secreto; castigan a aquellos que se beneficien con las obras ignorando el deseo expreso del autor de destruirlas tras su muerte.

Escrita y dirigida por Dan Gilroy, “Velvet Buzzsaw” -nombre de la banda de rock que integraba Rhodora- es un intrigante thriller que combina toques de comedia negra con elementos cercanos al terror. Las pinturas parecen cobrar vida y hay en ello una presencia sobrenatural. No tenemos mayores explicaciones, ni del autor ni de las obras. Solo conocemos los hechos, el artista que muere en el edificio de Josephina y la ambición que a varios se les despierta para lucrar con estas obras enigmáticas y únicas.

Los antecedentes previos de la cinta generan expectativas pues presenta un elenco de peso y un avance que nos induce al misterio. No obstante sus credenciales, la cinta se tiende a diluir en un guion aparentemente desordenado que a pesar de su desarrollo lineal, por momentos se disgrega entre varios géneros.

El histrionismo de Jake Gyllenhaal y la solidez de René Russo permiten que el metraje fluya a pesar de sus altos y bajos. La participación de John Malkovich interpretando a Piers, un artista que, aunque viene en curva descendente, aun tiene algo que decir, agrega carisma al elenco. El colorido de la fotografía de Robert Elswit destaca y también lo hace la acertada construcción del mundo de las galerías y coleccionistas, con sus extravagancias y locuras. Es así como esta sátira logra sobreponerse a sí misma y dejar un mejor sabor que el que consigue durante su exhibición.

Ficha técnica 

Título original: Velvet Buzzsaw
Año: 2019
Duración: 109 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Netflix. Distribuida por Netflix
Género: Thriller. Intriga | Pintura
Guion: Dan Gilroy
Música: Marco Beltrami
Fotografía: Robert Elswit
Reparto: Jake Gyllenhaal, René Russo, Zawe Ashton, Toni Collette, John Malkovich, Tom Sturridge, Natalia Dyer, Billy Magnussen, Daveed Diggs, Damon O'Daniel, Valentina Gordon, Peter Gadiot, Pisay Pao, Steven Williams, Kevin Carroll, James Paxton, Kassandra Voyagis, Pat Healy, John Fleck,  Mark Steger, Andrea Marcovicci, Christopher Darga, Marco Rodríguez, Kristen Rakes, Sal López, Jasmin Marsters, Time Winters, Scott Peat, Mark Leslie Ford, Rebecca Klingler, Mike Ostroski, Ian Alda
Dirección: Dan Gilroy

Misión de Rescate

Promete acción y no defrauda. Tyler Rake -Chris Hemsworth- es un duro. Acostumbrado a trabajos riesgosos no duda en aceptar un desafío que, a juzgar por los antecedentes, es de resultado incierto; debe “extraer” -de allí su título original- al hijo de un mafioso de la droga en India que ha sido secuestrado. La misión es en extremo delicada pues tras el rescate se encuentra Amir Asif -Priyanshu Painyuli-, el mayor narcotraficante de Bangladesh. En este caso no solo está en juego el dinero sino la honra y el estatus de estos dos poderosos.

Sam Hargrave debuta como director con una cinta que se basa en acrobacias, coreografías, escenas complejas y una historia que transcurre veloz como el rayo. No extraña. Hargrave, con gran oficio como coordinador de dobles de riesgo, lo maneja a la perfección. Y si sumamos a Anthony Russo y Joe Russo con toda su experiencia de “Avengers”, más la participación de Hemsworth -que interpreta a Thor en la mencionada saga- como protagonista y uno de sus productores, el cocktail tiene que funcionar.

La historia no necesita muchos datos para ser comprendida. El submundo de las drogas y de las armas es el escenario perfecto para montar un relato que contrapone dos figuras diametralmente opuestas. Un niño protegido en una burbuja que es violentado -Ovi Mahajan -Rudhraksh Jaiswal-, y un mercenario dispuesto a lo que sea por conseguir dinero. Lo que les rodea es conocido, algo que el guion no profundiza mayormente y solo se concentra en las figuras principales y uno que otro personaje que adquiere cierta relevancia. La excepción es Saju Rav -Randeep Hooda-, un ex soldado de las Fuerzas Especiales de la India y mano derecha del padre de Ovi, quien en paralelo ha iniciado su propio plan de rescate y se enfrenta a Tyler en la consecución del objetivo.

La cinta posee todos los elementos del género. Es audaz en las tomas, precisa en los efectos especiales y transmite adrenalina con persecuciones que son dignas del mejor video juego. La escena central, destacada por presentar un plano secuencia vibrante de 11 minutos, permite apreciar cabalmente el objetivo del rodaje; impresionar, gracias a un cuidado montaje digital, con secuencias que nos ponen al borde del asiento y que sostienen la tensión hacia un final que podemos sospechar pero no anticipar.

Chris Hemsworth se ve cómodo con su papel en todo momento. Incluso cuando el argumento apela a una forzada emocionalidad, parece convencido de aceptarla a pesar de lo difícil que le resulta combinarla con lo que aparentemente es su esencia, es decir, los escapes, las balas y el exterminio de todo lo que se le ponga por delante. Tiene un pasado doloroso que se vislumbra y lo aqueja, sin embargo sigue adelante. Algo de química logran rescatista y rescatado aunque no es suficiente para que sea algo más que la transición entre los pilares fundamentales del relato. Aun así, el pasado de Tyler lo hace tomar decisiones en el presente y la protección de Ovi se transforma en objetivo primordial, incluso por sobre cualquier circunstancia.

“Extraction” funciona bien si no se le exige más allá de lo que es y de lo que promete. No es la mejor película de su género y tampoco pretende serlo. En ese sentido es honesta. Tiene vértigo, mucha acción y una pequeña dosis de emoción suficiente para enganchar con ella y disfrutarla. Temas más complejos como la corrupción que presenta la policía o la operación de los carteles abusando de niños como milicias quedan como telón de fondo para una historia que nos mantiene 117 minutos en “modo gamer”.

Ficha técnica

Título original: Extraction
Año: 2020
Duración: 117 minutos
País: Estados Unidos
Guion: Joe Russo (Historia: Ande Parks, Anthony Russo, Joe Russo. Novela: Ande Parks)
Música: Henry Jackman, Alex Belcher
Fotografía: Newton Thomas Sigel
Reparto: Chris Hemsworth, Golshifteh Farahani, Rudhraksh Jaiswal, David Harbour, Chris Jai Alex, Patrick Newall, Rayna Campbell, Derek Luke, Randeep Hooda, Marc Donato, Pankaj Tripathy, Geetanjali, Hays Wellford, Shivam Vichare
Productora: Netflix / AGBO / India Take One Productions / T.G.I.M Films / Thematic Entertainment. Distribuida por Netflix. Productor: Anthony Russo, Joe Russo
Género: Acción. Thriller | Crimen. Secuestros / Desapariciones
Dirección: Sam Hargrave

La música del terremoto

Lucy Fly -Alicia Vikander- va camino a su trabajo. En el metro observa un cartel que señala a una joven desaparecida. ¿Hay alguna relación entre ellas? A los pocos minutos lo dilucidamos pues Lucy es interrogada por la desaparición de Lily Bridges -Riley Keough-. La policía sigue una pista que la señala como la última persona que estuvo con ella. Comenzamos a conocer, a través de flashbacks, la historia de Lucy y de Teiji -Naoki Kobayashi-, un atrevido y audaz fotógrafo que luego de interceptarla en la calle y retratarla, se transforma en su novio.

Basada en la novela de Susanna Jones, “Earthquake Bird” -su título original- es un thriller de suspenso sicológico que comienza intrigante y sin mucha información. Lentamente revela detalles de Lucy, de su Suecia natal y de su pasado doloroso, de su hobby musical -toca el Cello en un cuarteto de cuerdas conformado por mujeres-, y mayormente de su personalidad tímida y retraída. Cuando Lily llega a su vida se transforma en su opuesto. Desde ese encuentro casual, una recién llegada que necesita ayuda, “Fly” es prácticamente obligada a ayudar a esta extranjera que desborda personalidad, inquietud y arrojo.

La historia se sitúa en Tokio el año 1989. Los escenarios elegidos por el director Wash Westmoreland son de dimensiones opuestas, como queriendo hacer un paralelo entre las dos amigas. La ciudad gris y las noches oscuras son contrastadas con verdes paisajes y montañas de un entorno cercano que es visitado por los protagonistas. No sorprende el surgimiento de un triángulo donde Teiji figura como punto de unión y des-unión entre ambas. El relato deja entrever muchos detalles que quedan abiertos, sumando dudas, sospechas y misterio.

La traducción del título -más bien la decisión adoptada- no lo refleja la cinta. Incluso, cuesta comprender el original -“Earthquake Bird”- pues la explicación entregada por Teiji, aunque es consistente, no adquiere forma ni protagonismo en el desarrollo del metraje. Es solo un aspecto más. Tampoco la música es mayormente desarrollada a través del hobby de la protagonista. Da la impresión que son todos elementos aislados que se unen para entregar detalles a la historia pero que no llegan a ser trascendentes. Podemos desprender que la novela tal vez los contiene y los profundiza, pero el resultado en pantalla es solo una brisa que ayuda más a la confusión que a una elaboración más certera del relato.

“La música del terremoto” se diluye hacia el final. Lo que es intriga y suspenso pierde fuerza y solo se mantiene la inquietud por conocer qué sucedió con Lily. La transparente actuación de Alicia Vikander, ganadora del Óscar por Mejor actriz de reparto en “La chica danesa”, y su transmisión emocional de una intimidad dañada entregan peso a la cinta, sin embargo no resulta suficiente para que la tensión se mantenga y crezca hacia el desenlace. Algo cae allí y probablemente sea el guion el responsable al adoptar riesgos que luego no es capaz de sostener. Aun así, un hilo de inquietud se mantiene y nos mantiene hasta un final cadencioso y que lamentablemente se alarga demasiado.

Ficha

Título original: Earthquake Bird
Año: 2019
Duración: 107 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Scott Free Productions / Twenty First City. Distribuida por Netflix
Género: Thriller. Romance. Intriga | Secuestros / Desapariciones. Thriller psicológico. Años 80
Guion: Wash Westmoreland (Novela: Susanna Jones)
Música: Atticus Ross, Leopold Ross
Fotografía: Chung Chung-hoon
Reparto: Alicia Vikander, Riley Keough, Naoki Kobayashi, Jack Huston, Crystal Kay, Yoshiko Sakuma, Kiki Sukezane, Ken Yamamura, Kazuhiro Muroyama
Dirección: Wash Westmoreland