Un pequeño favor

Disponible en Amazon Prime.

Basada en la novela escrita en 2017 por Darcey Bell, “A Simple Favor” presenta a Stephanie -Anna Kendrick-, quien ha quedado viuda muy joven junto a su pequeño hijo. Su pasatiempo es llevar un video blog con bastantes seguidores donde habla desde consejos prácticos cotidianos hasta elaboradas recetas de cocina. Su vida es tranquila y rutinaria, sin embargo todo cambia cuando aparece Emily -Blake Lively-, la madre de un compañero de escuela de su hijo, con quien entabla una cercana amistad. Dos mundos opuestos se reúnen. Stephanie es simple, Emily sofisticada. Stephanie tiene una personalidad tímida y retraída, Emily es extrovertida y segura de sí misma. Stephanie no tiene pareja y Emily tiene a su marido Sean -Henry Golding-, un escritor de pasado exitoso que actualmente se desempeña como profesor.

En poco tiempo, dos o tres semanas, ambas desarrollan un intenso acercamiento. Y va bien, mientras los niños juegan ellas se acompañan hasta que un día, Emily le pide a Stephanie un simple favor: ir a buscar a su hijo pues ella debe solucionar algo impostergable. Pasan las horas y no sabe de ella. Sean está en Londres y Stephanie se empieza a urgir. Van dos día sin saber de Emily, algo no está bien. Sean regresa y lo más sensato, deciden juntos, es llamar a la policía y reportar su desaparición. Lo que sucede a continuación será la elaboración de una historia que por supuesto tiene complejidades y giros que se enredan y desenredan en tanto avanza el metraje.

Paul Feig dirige esta cinta con habilidad. El espacio que tienen Anna Kendrick, Blake Lively y Henry Golding para desarrollar sus personajes es amplio. Los actores lo aprovechan y se aprecian cómodos, con escenas bien fraguadas y diálogos precisos. También destacan algunos secundarios, cuyas apariciones complementan el tapiz del relato. El guion del mismo Feig junto a Jessica Sharzer, tiene algo de comedia, un humor especial que queda un poco a medio camino. ¿Por qué? Probablemente debido a que la sustancia de la trama está más cerca de lo policial al componer un thriller cuya madeja tiene varias hebras a las que poner atención. Es por esto que el humor queda algo relegado pues la historia se centra en el misterio que rodea la muerte de Emily, la actitud de Sean y las sospechas que se despiertan en Stephanie.

“Un pequeño favor” se hace ligera, no por su evidente simpleza sino gracias a la prestancia de Anna Kendrick. La verdad es que la historia es bien predecible, con giros que se anticipan y reacciones esperadas. Surge acá el talento de la actriz para llenar la pantalla cuando el ritmo decae, cuando debe capturar la atención y desarrollar un personaje que va mutando desde la timidez a la osadía de investigar lo que realmente sucede. Blake Lively la acompaña muy bien, con un contrapunto ideal, lleno de desplante. La cinta tal vez no va a quedar resonando porque ese no es su objetivo. Resulta entretenida y finalmente eso es lo que cuenta. Funciona y no pierde el interés en el camino lo que ya es bastante, por lo que se transforma en una buena posibilidad para un fin de semana de relajo y distracción.

Ficha técnica 

Título original: A Simple Favor
Año: 2018
Duración: 117 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Distribuida por Lionsgate. Coproducción Estados Unidos-Canadá; Feigco Entertainment, Bron Studios
Género: Intriga. Drama. Comedia | Secuestros / Desapariciones. Crimen
Guion: Paul Feig, Jessica Sharzer (Novela: Darcey Bell)
Música: Theodore Shapiro
Fotografía: John Schwartzman
Reparto: Anna Kendrick, Blake Lively, Henry Golding, Glenda Braganza, Dyanne Ramsay, Zach Smadu, Rupert Friend, Eric Johnson, Sarah Baker, Kelly McCormack, Cyndy Day, Gia Sandhu, Kerry-Lee Finkle, Joshua Satine, Lucas Kalechstein, Patti Harrison
Dirección: Paul Feig

Los Speed Cubers

Disponible en Netflix. 

Me encanta el cubo Rubik. Desde que lo conocí me atrapó. De mi época escolar recuerdo horas y horas tratando de armar una cara o dos caras. Lento, difícil. Hasta que algunas “técnicas” me ayudaron a descubrir una forma de armarlo, aunque no siempre me resultaba, y así completar el desafío. Por eso cuando veo las competencias de los jóvenes expertos que lo arman en segundos, no solo el cubo original de 3x3, sino que también sus derivados de 4×4, 5×5, 6×6, etc…, me produce una admiración y fascinación enorme. Justamente sobre estos desafíos trata este documental dirigido por Sue Kim. 

En solo 40 minutos, “The Speed Cubers” sigue de cerca a dos “monstruos”; al australiano Feliks Zemdegs -favorito de mi hija Fernanda Paz, por cierto, y que conocimos en el Latin America Cubing Tour Santiago 2017- y al norteamericano Max Park. El testimonio comienza con Feliks, su niñez, sus juegos y la forma en que comienza su obsesión por el cubo. Le sigue la historia de Max, su condición autista, el acompañamiento de su familia y lo que significa para su vida el ejemplo de Feliks junto al anhelado sueño de poder competir con él. La historia combina momentos, imágenes y competencias a un ritmo tan acelerado como el tiempo que les toma armarlos, sin dejar de lado aspectos esenciales; colaboración, apoyo, compañerismo, simpatía y amistad. 

“Los Speed Cubers” es una mirada un poco más allá de los récords de Feliks y Max. De hecho, las competencias entre ellos son inciertas y de resultados estrechos. El registro de la historia demuestra que por cada récord de Feliks, hay un mejor tiempo obtenido por Max. Y también, ellos ya no son los únicos. Hay nuevos jugadores, nuevos vencedores y campeones con nuevas marcas, en una carrera que lejos de agotarse, se renueva permanentemente. 

Interesante trabajo de Sue Kim para dotar de aspectos desconocidos estos eventos contra reloj. Lindas imágenes de archivo, entrevistas serenas y seguimiento tras bambalinas a los dos protagonistas marcan el relato. Testimonios diferentes sobre un tema que resulta fascinante. ¿Cuál será el próximo récord? ¿Quién lo conseguirá? No tenemos respuesta aun, sin embargo ya sabemos que Feliks y Max marcaron el camino, con sus logros, su perseverancia, su obsesión y también con sus personalidades, con su humanidad y con sus historias de vida. 

Ficha técnica 

Título original: The Speed Cubers 
Año: 2020 
Duración: 40 minutos 
País: Estados Unidos 
Productora: Distribuida por Netflix. Romano Films, Wieden+Kennedy, Salt Water Productions 
Género: Documental | Documental deportivo. Mediometraje 
Música: Dan Vidmar 
Fotografía: Ben Blennerhassatt, Chris Olson 
Reparto: Documentary, Feliks Zemdegs, Max Park 
Dirección: Sue Kim

Aves Migratorias

Disponible en Ondamedia.cl

Interesante trabajo del director Mateo Chicharro. Presenta a Diego -José Tomás Guzmán-, un arquitecto de 35 años, al que observamos inquieto. Sufre de insomnio, vive en la costa y no sabemos mucho de su vida. Está solo en su casa, con un amplio espacio físico y un enorme vacío emocional. Recibe la visita de su mamá y su hermana. Tensos momentos y una conversación simple para evitar temas complejos. Se percibe incomodidad. Luego llega Felipe, su gran amigo, un incondicional. Trabaja en un hospital, tiene turnos agotadores y problemas familiares, sin embargo no duda en visitar a Diego quien está preparando un viaje del que nadie sabe nada. Es una incógnita. 

Diego trabaja remoto. Se comunica por teléfono con su oficina y entrega instrucciones a su secretaria. Va a perder la señal pronto con el inicio viaje. La madre y la hermana se van, llegan más amigos. La conversación no es fluida. Una ex de Diego llega con su pareja y la tensión crece. Hay densidad en el ambiente. Diego solo se siente relajado con Felipe, la llegada de más personas lo perturba. Toma distancia, se afecta.

El guion de Eduardo Pavez va construyendo lentamente la historia. Expone resentimientos, negación y rechazo. Se vislumbra un pasado doloroso y oculto. Lo que vemos entrega mínimas luces. No totalmente explícitas pero las comprendemos. Una máscara parece tapar todo, incluso los valores fundamentales. Pasamos de la banalidad a la profundidad y viceversa. Difícil pasado, presente incierto, ausencia de futuro. 

Esta primera película del director Mateo Chicharro tiene el énfasis en la soledad y la búsqueda interior. El viaje de Diego es el centro, un escape, una reinvención, nuevos horizontes. Su despedida es trascendente, insospechada. Diego aparenta algo pese a que se trasluce su interior destrozado. Conocemos otros aspectos que nos hacen sentido. ¿Debe soltar el pasado? ¿Qué decisiones debe tomar? 

“Aves migratorias” presenta una propuesta que refleja una realidad emocional compleja. La cámara, a veces inquieta y a veces amplia, sigue de cerca dos marcados espacios, el interior de la casa y el amplio exterior. Una metáfora interesante sobre el interior y el exterior de su protagonista. No aspira a respuestas, más bien se enfoca en preguntas. Tampoco pretende abarcar demasiado. Funciona al abrir interrogantes gracias a un metraje que va creciendo en intensidad con el correr de los minutos. Buen debut de Mateo Chicharro con su primer largometraje. 

Ficha técnica 

Título original: Aves Migratorias 
Producción: Charles Kimber, Teresa Zegers 
Guion: Eduardo Pavez 
Dirección de fotografía: María Aceves 
Montaje: Gonzalo Moreno Rovetto 
Dirección de arte: Xavier Sanhueza 
Música: Manuel De Urruticoechea 
Elenco: José Tomás Guzmán, Sebastián Plaza, Paulina García, Giselle Rubio, Constanza Mackenna, Matías Assler, Andrés Gómez, Santiago Meneghello, Alejandro León, María Jesús Gómez 
Director: Mateo Chicharro

Raíz

Disponible en Ondamedia.cl

Esta cinta del año 2013 que ganó el premio a Mejor Película en la Competencia de Cine Chileno en el Festival de Valdivia, narra la historia de Amalia -Mercedes Mujica-, una joven de 26 años, que retorna a su ciudad, Puerto Varas, en el sur de Chile. Ella vive en Santiago y decide volver pues recibe un llamado de su madre. Alguien cercano ha fallecido y Cristóbal -Cristóbal Ruiz-, un niño de nueve años, queda a la deriva. 

La madre de Amalia -Elsa Poblete- es una mujer rígida. Tosca de carácter, no es amable ni condescendiente con su hija. Al contrario, eleva las barreras y provoca distancia. Amalia, de quien poco conocemos, no sabe por cómo abordarla. La situación es tensa y se recarga con la responsabilidad que supone el cuidado del niño. La joven descubre que puede ayudarle. Una foto del padre de Cristóbal enseña una luz de esperanza. ¿Dónde vive? En el campo, dice Cristóbal. ¿Pero dónde es eso? No sabe. 

El camino que muestra Matías Rojas Valencia como guionista y director de esta cinta es de indudable búsqueda. No solo externa sino principalmente interna. Lo que desconocemos de Amalia se transforma ahora en la necesidad que siente de encontrarse a sí misma. la dura relación con su madre remarca en la urgencia de sentido, un norte hacia donde orientar sus pasos. Cristóbal, por su parte, desprotegido y solitario, puede darle a Amalia una razón de ser, requiere cariño, protección y orientación. 

La cinta recorre un viaje. Es físico, es decir, un recorrido en busca del padre de Cristóbal. Sin embargo, el relato es mucho más amplio y también mucho más íntimo. El viaje es interior. El abandono de ambos es algo en común y también el carácter moldeado por la adversidad. Las dudas son parte del paisaje, un entorno hermoso situado en el sur de Chile, que recorre las inmediaciones del Volcán Osorno y del lago Llanquihue. 

El rumbo que Matías Rojas le imprime a su “ópera prima” es claro. Búsqueda de sentido y decisión. Aun cuando la cinta se siente forzada por momentos, con diálogos duros, cortos y fragmentados, hay una concepción más global del recorrido. Se hace difícil, por momentos, porque el ritmo impuesto es lento, cadencioso e incluso tiende a diluirse. Cuando eso sucede, la actuación de Mercedes Mujica toma relieve. También la de Elsa Poblete, sin duda, menos presente. “Raíz” impulsa a explorar, a reflexionar y a contemplar. Resuena el valor del sentido y la búsqueda personal, el descubrimiento del propio interior y el proceso para encontrar el camino. Nada fácil y bastante ambicioso. “Raíz” recorre al menos los primeros pasos. 

Ficha técnica 

Título original: Raíz 
Año: 2013 
Duración: 86 minutos 
País: Chile 
Productora: Matías Rojas Valencia, Universidad Mayor 
Género: Drama 
Guion: Matías Rojas Valencia 
Música: José Pedro Dal Pozzo, Arturo Zegers 
Fotografía: Gabriela Larraín 
Reparto: Mercedes Mujica, Elsa Poblete, Cristóbal Ruiz, Celia Uribe, Eugenio Morales 
Dirección: Matías Rojas Valencia

Ofrenda a la tormenta

Disponible en Netflix.

Es la más personal de las partes de la "Trilogía del Baztán". Y si no ha visto las dos anteriores sugiero partir por ellas. Aunque no es imprescindible, permite tener una visión más amplia y enlazar hechos que en esta cinta son detalles que implican conexiones, enlaces y, en algunos casos, cierres temáticos. Veamos en qué está la historia. 

Amaia Salazar -Marta Etura- investiga la muerte súbita de una niña en su natal Elizondo. El relato nos sitúa solo un mes después de “Legado en los huesos” y ciertamente Amaia está intranquila. Su madre ha desaparecido y aunque el caso lo han cerrando y se prepara un funeral pues se presume muerta, ella sabe que Rosario está viva y escondida en algún lugar. Con el doctor Berasategui -Álvaro Cervantes- encerrado, la secta se ve debilitada, sin embargo existen nuevas pistas y posibles nuevos rumbos. Por su parte, el Padre Sarasola -Imanol Arias-, profundiza el misterio. Entonces, saber quién está detrás de las extrañas muertes de las niñas y su conexión con otros crímenes similares se torna urgente pues parece ser la clave para avanzar en el descubrimiento de la verdad.  

¿Por qué me parece que ésta es la más personal de las historias? Básicamente porque, si bien la cuota de acción se mantiene intacta, la trama propone algunos puntos de inflexión para la protagonista. La relación de Amaia con su marido James -Benn Northover- pasa por un delicado distanciamiento. Si bien nunca ha quedado demasiado clara su relación, el nacimiento de su hijo les ha alejado más que acercado. La presencia del Juez Markina -Leonardo Sbaraglia- es mayor en intensidad, traspasa el ámbito profesional y Amaia tiende a ceder a la presión. Su involucramiento con los casos, la ayuda personal del magistrado y el distanciamiento con su esposo, se transforman en factores propicios para confundir las relaciones. 

En otro ámbito, esta tercera entrega sitúa a Amaia de frente con su mayor temor que es la presencia amenazante de su madre. Sabe que corre peligro, tanto ella como su familia, por lo que el viaje de James y su hijo a Estados Unidos por una operación de urgencia de su padre, provoca un vacío y también un espacio para centrarse en el foco de sus preocupaciones. Su principal asistente y amigo, Jonan Etxaide -Carlos Librado-, adquiere más protagonismo pues documenta pistas falsas o confusas, historias que no cierran y que ocultan valiosa información. Se da acá el momento más emotivo del relato; Amaia siente que lucha sola contra el mundo, duda incluso de sus colegas y su familia no tiene la solidez para entregarle el apoyo que necesita. 

Tomando el desarrollo de su argumento, “Ofrenda a la tormenta” permite cerrar interrogantes pero al mismo tiempo abre otras nuevas. Incorpora personajes ligados con la historia principal mientras otros abandonan la escena. Sabemos que condensar el libro en un trabajo de un poco más de dos horas es un desafío para el guion y por ello comprendemos que haya temas que queden sin alguna explicación más definitiva. Así y todo, pese a sus vacíos, la historia avanza y el interés crece en la medida que el final se acerca. 

De los puntos más logrados de la cinta nuevamente es su trabajo escénico. La fotografía, los rincones escogidos y la iluminación lograda son un aporte importante en la confección de la acción, con un nivel de producción que se mantiene alto en todos los aspectos involucrados. Mucha filmación bajo lluvia y con exteriores hermosos, retratan la zona, un valle que llama la atención por su belleza natural y también por el detalle de sus construcciones. 

Llega a su fin la trilogía con un cierre bien desarrollado. Los indicios entregados en “El guardián invisible”, más las dudas planteadas en “Legado de huesos”, se retoman y profundizan en “Ofrenda a la tormenta”. Los personajes oscuros se desarrollan y tal como es esperable, nada es lo que parece ser, al menos en una primera impresión. Es bueno dejarse llevar e incluso dejarse engañar, así los giros se disfrutan más. La intensidad crece en la medida en que nos involucramos y la sentimos más cercana. Correcto final para una saga que, por cierto, deja abierta la puerta a futuro. Ya sabemos que la autora, Dolores Redondo, ha escrito una precuela. Interesante, pues el personaje de Amaia puede tener más desarrollo y con ello nuevas presencias. Ahora es solo cosa de esperar. 

Ficha técnica 

Título original: Ofrenda a la tormenta 
Año: 2020 
Duración: 138 minutos 
País: España 
Productora: Coproducción España-Alemania; Atresmedia Cine, Nadcon Film, Nostromo Pictures, ARTE, ZDF 
Género: Thriller. Intriga | Crimen. Asesinos en serie 
Guion: Luiso Berdejo (Novela: Dolores Redondo) 
Música: Fernando Velázquez 
Fotografía: Xavi Giménez 
Reparto: Marta Etura, Susi Sánchez, Elvira Mínguez, Leonardo Sbaraglia, Benn Northover, Paco Tous, Carlos Librado, Pedro Casablanc, Álvaro Cervantes, Ana Wagener, Imanol Arias, Marta Larralde, Alfredo Villa, Eduardo Rosa, Iñigo de la Iglesia 
Dirección: Fernando González Molina

Legado en los huesos

Disponible en Netflix.

Esta segunda parte de la “Trilogía del Baztán” basada en las novelas de Dolores Redondo, presenta a su protagonista, Amaia Salazar -Marta Etura-, un año después de los sucesos narrados en “El guardián invisible”. Luego de resolver los crímenes del valle, Amaia se centra en su embarazo y da a luz a su hijo. Lejos de poder dedicarse a la familia, la inspectora debe investigar unos misteriosos suicidios de presos que dejan escrita una palabra: "Tarttalo”. Se desencadena una enigmática secuencia de sucesos. Debe regresar a su pueblo natal, Elizondo, donde hay pistas relacionadas con su familia y especialmente con su madre. Aparece nuevamente una mitología que se presenta como hilo conductor de crímenes en los que la Iglesia Católica tiene una mención particular. 

Con un tono similar a lo que observamos en el primer relato, la trama posee elementos que componen un formato perfectamente distinguible. Inicio pausado, desarrollo extenso y un último tercio donde el ritmo crece buscando el desenlace. Ya no es necesario presentar a algunos de los personajes pues los conocemos, sin embargo no es del todo necesario o indispensable haber visto la primera parte. Lo nuevo tiene su explicación a lo que se suma alguna imagen de contexto para aquello que lo requiere. Lo importante es que el rumbo de los casos pasan de factores externos a estar relacionados con la vida de la protagonista. 

Es interesante que no todo lo que sucede es explícito. De hecho, la trama se va enredando cuando intenta algunas explicaciones. Si bien no hay una sobreexposición del misterio sobre “Tarttalo”, resulta suficiente para generar inquietud. Pasamos del horror por los crímenes al horror personal. Amaia poco a poco conecta con su historia, se da cuenta que lo más preciado está en peligro y surge en ella el miedo. Dos nuevas figuras aparecen en la historia: el padre Sarasola, -Imanol Arias-, psiquiatra que trata a la madre de Amaia y encargado de investigar una serie de profanaciones y el Juez Markina -Leonardo Sbaraglia-, magistrado a cargo de las investigaciones quien trata de acercarse a Amaia un poco más allá del ámbito profesional. Ambos personajes parecen ocultar algo, no muestran todas sus cartas, y el relato nos conduce bien por esas aguas poco claras. 

El director Fernando González Molina mantiene un excelente nivel de producción. La fotografía de Xavi Giménez es de alta calidad y la música de Fernando Velázquez, en mi opinión, esta vez está un punto más alto. El color del metraje adquiere tonos café y amarillos, dejando el gris oscuro anterior. Claro, difiere la historia y aunque las relaciones son innegables, dichas características ayudan a generar los matices que marcan las diferencias. 

Imágenes amplias y efectos visuales impactantes como la inundación del pueblo, entregan a la historia un componente adicional. Todo esto sumado al papel interpretado por Marta Etura, sólida y consolidada con su personaje, hacen que no perdamos conexión con la pantalla. La diversidad en la unidad que presenta el argumento mantiene la intriga y es sin duda el valor principal de las novelas de Dolores Redondo. El trabajo de adaptación reconoce esa esencia y despliega con soltura sus propios elementos para conseguir una película que nos mantiene en suspenso mientras esperamos conocer la entrega final. Y como dicen en España, ¡vamos a por ella! 

Ficha técnica 

Título original: Legado en los huesos 
Año: 2019 
Duración: 119 minutos 
País: España 
Productora: Coproducción España-Alemania; Atresmedia Cine, Nadcon Film, Nostromo Pictures, ARTE, ZDF 
Género: Thriller. Intriga | Crimen. Asesinos en serie 
Guion: Luiso Berdejo (Novela: Dolores Redondo) 
Música: Fernando Velázquez 
Fotografía: Xavi Giménez
Reparto: Marta Etura, Leonardo Sbaraglia, Elvira Mínguez, Imanol Arias, Pedro Casablanc, Carlos Librado, Itziar Aizpuru, Colin McFarlane, Susi Sánchez, Miquel Fernández, Francesc Orella, Benn Northover, Ana Wagener, Patricia López Arnaiz, Manolo Solo, Paco Tous, Arlette Torres, Eduardo Rosa, Mark Schardan, Marta Larralde, Alfredo Villa, Ricard Balada, Elisabeth Bonjour, Ohian Lopetegi, Alfonso Desentre, Miren Gaztañaga 
Dirección: Fernando González Molina

Maudie

Disponible en Netflix.

Esta coproducción cinematográfica entre Canadá e Irlanda narra la historia de Maud -Sally Hawkins-, una mujer sencilla que vive en Marshalltown, Nueva Escocia, Canadá. Maud sufre artritis y su motivación vital es pintar. Tras dificultades con su hermano Charles y su tía Ida, decide independizarse. Un aviso del pescador local Everett Lewis llama su atención, ya que el hombre busca una sirvienta para las tareas del hogar a cambio de alojamiento y comida. Everett, de carácter huraño y tosco, se ve sorprendido cuando llega Maud dispuesta a tomar de inmediato el empleo. La pequeña casa, de solo un ambiente y un dormitorio en el altillo, comienza a tomar vida con la presencia de la joven. Sus pinturas en las paredes y ventanas junto a su personalidad sencilla y humilde van conquistando al pescador. La relación no resulta fácil, sin embargo poco a poco nace una historia de amor. 

Basada en hechos reales, esta cinta dirigida por Aisling Walsh muestra diferentes aspectos de la vida de la joven artista. Observamos su vulnerabilidad física y también una personalidad inocente, fácil de engañar. Maud lo sabe y al menos externamente exhibe esa impresión, sin embargo tiene una fuerza interior que va más allá de lo que puedan decir de ella. Se siente agobiada por su familia y decide emprender un camino propio. Tal vez desconoce los riesgos, pero aun así decide hacerlo. ¡Vaya fortaleza! 

Las pinturas de Maud son tan sencillas como carácter. Colores fuertes y dibujos de flores, pájaros o gatos llaman la atención en su particular estilo. Sus inicios pintando tarjetas de Navidad dan paso a lo largo de los años a nuevas obras siempre en dimensiones reducidas, no más de 20 por 25 centímetros, tamaño limitado por la extensión que le dan su brazos. La particularidad de sus trabajos atrae curiosidad y un reportaje de televisión la hace aun más popular, al punto de recibir un encargo del entonces vicepresidente de Estados Unidos Richard Nixon.  

Llama la atención el ritmo del relato. No hay prisa, la calma inunda el metraje. Incluso se percibe la ausencia de un conflicto mayor, lo que no significa, por cierto, que no exista. Quizá ya es bastante con el tema familiar, con su hermano y su tía y lo que vive con ellos. Tal vez es suficiente para Maud tener que lidiar con la personalidad de Everett quien tiende a hacerla invisible y humillarla. Es fuerte lo que sucede, sin embargo el relato lo muestra sin estridencia, con cierta mesura, con imágenes y silencios que dicen mucho y que nos quedan resonando. 

Párrafo especial para Sally Hawkins y su caracterización de Maud. Hawkins logra encarnar los valores esenciales de la protagonista y transmitirlos con sensibilidad y cariño. Sorprende su entrega y forma de interpretarla. Realiza, sin duda, una gran actuación, pues es capaz de mostrarse débil y fuerte a la vez junto con resaltar su sinceridad y valentía. Ethan Hawke también configura muy bien a Everett, le imprime dureza y le concede, lenta y suavemente, una apertura al amor. Tenemos así dos personajes cuya tierna historia nos anima a conocer más detalles de su vida. 

Ficha técnica 

Título original: Maudie
Año: 2016 
Duración: 115 minutos 
País: Canadá 
Productora: Coproducción Canadá-Irlanda; Landscape Entertainment, Parallel Film Productions, Rink Rat Productions, Solo Productions 
Género: Drama | Pintura. Discapacidad. Biográfico. Basado en hechos reales 
Guion: Sherry White 
Música: Michael Timmins 
Fotografía: Guy Godfree 
Reparto: Ethan Hawke, Sally Hawkins, Kari Matchett, Gabrielle Rose, Zachary Bennett, Billy MacLellan, Marthe Bernard, Lawrence Barry, David Feehan, Mike Daly, Nik Sexton, Greg Malone, Brian Marler, Judy Hancock, Denise Sinnott 
Dirección: Aisling Walsh

El guardián invisible

Disponible en Netflix. 

Hace un tiempo me despertó interés el conocer la “Trilogía del Baztán”. Veía anuncios de dos películas disponibles y se anunciaba pronto una tercera. Sentí curiosidad por saber más y me decidí. Tres libros de la escritora española Dolores Redondo, componen esta trilogía iniciada el 2012 y en estas líneas abordo la adaptación al cine realizada de su primera parte, el año 2017. 

El descubrimiento del cuerpo desnudo de una adolescente en la ribera del río Baztán, al norte de la Comunidad Foral de Navarra, es lo que marca el comienzo de los hechos. Las circunstancias lo hacen similar a un asesinato ocurrido hace un mes, sin embargo no hay más antecedentes. La investigación del crimen recae en la inspectora Amaia Salazar -Marta Etura- quien, para continuar las pesquisas, debe regresar al pueblo de donde proviene, Elizondo, lo que le resulta particularmente difícil. Un pasado marcado por la relación con su madre, se ha transformado en un fantasma personal del que Amaia no ha podido desprenderse. En el pueblo aun vive su familia, la tía con la que creció y sus hermanas. Aparecen más cuerpos en condiciones similares. El asesino no da tregua, los crímenes no paran. Amaia sabe que está contra el tiempo. La prensa está encima, la presión es alta, los casos se suceden. 

La película dirigida por Fernando González Molina tiene un ritmo que permite no perder el rastro de la historia. Combina adecuadamente los temas principales que están en juego; los extraños crímenes, las relaciones familiares de la protagonista e incluye un mito-superstición de extraña procedencia. La fotografía es preciosa. Mucha lluvia, bosques y detalles del lugar configuran un entorno que entrega al relato un tono gris y oscuro, coincidente con los estados de ánimo y la preocupación del momento. Recuerdos de la niñez de Amaia son fugaces luces que aparecen y desaparecen. Tomamos nota, vamos poco a poco armando su pasado, la acompañamos. 

El guion no desarrolla demasiado a los personajes que secundan a la protagonista. Sus intervenciones son breves, suficientes para entender su papel en la historia. El centro es Amaia y no pierde interés. En la medida que avanza el metraje obtenemos más información y las piezas comienzan a calzar. Las piezas personales, porque las del asesino están cada vez más dispersas. La tensión es creciente y el desenlace está cerca. 

“El guardián invisible” crea un expectante comienzo para la trilogía. Los elementos están sobre la mesa: una protagonista atractiva y empoderada en su papel de inspectora, un pasado que marca su personalidad, un entorno que contiene mitos y misterios, y por cierto, asesinatos que requieren ser resueltos. Es una buena combinación de factores para un relato que nos mantiene alerta. Vamos entonces por la segunda y tercera parte. 

Ficha técnica 

Título original: El guardián invisible
Año: 2017 
Duración: 129 minutos 
País: España 
Productora: Coproducción España-Alemania; Nostromo Pictures, Atresmedia Cine, ZDF, ARTE 
Género: Thriller. Intriga | Crimen. Asesinos en serie 
Guion: Luiso Berdejo (Novela: Dolores Redondo) 
Música: Fernando Velázquez 
Fotografía: Flavio Martínez Labiano 
Reparto: Marta Etura, Elvira Mínguez, Francesc Orella, Itziar Aizpuru, Carlos Librado, Miquel Fernández, Pedro Casablanc, Colin McFarlane, Benn Northover, Paco Tous, Manolo Solo, Ramón Barea, Patricia López Arnaiz, Quique Gago, Mikel Losada, Susi Sánchez, Miguel Herrán, Richard Sahagún, Miren Gaztañaga, Javier Botet 
Dirección: Fernando González Molina

La familia del soldado

Disponible en Netflix.

Este documental retrata la vida de Brian Eisch, sargento del ejército de los Estados Unidos que cumple su servicio en la guerra en Afganistán. Es padre soltero y tiene dos hijos pequeños, Isacc y Joey, al cuidado de su tío mientras se encuentra en misión. Brian regresa de vacaciones por dos semanas y el reencuentro es emotivo. Al volver al frente de batalla, su equipo sufre una emboscada al tratar de rescatar a un compañero del ejército afgano. Las heridas son graves y el retorno a casa obligado. Comienza entonces un camino doloroso, tanto físico como emocional, pues la vida de Brian cambia de forma radical. 

Este trabajo de Leslye Davis y Catrin Einhorn surge a raíz de un artículo publicado en “The New York Times”, en 2010, escrito por James Dao y Einhorn. La cobertura periodístico genera la idea de seguir documentando a la familia por un lapso de tiempo mayor. La propuesta implica conocer de primera fuente los efectos que el servicio al ejército produce en los soldados y en sus seres más queridos. Las imágenes muestran la intimidad de la familia de Brian, su difícil día a día, sus temores y esperanzas, retratan de un modo particular las alegrías y sufrimientos que viven durante casi una década. 

Es significativo su título original: “Father Soldier Son”, “Padre, soldado, hijo”, tres palabras importantes, tres roles fundamentales. La motivación de Brian para el servicio es ejemplar y destaca su sentido del deber con el país. Su vigorosa disposición se contrapone al dolor físico. Sufrir heridas de guerra le afecta la vida, su autoestima, su hombría. El valor no es suficiente y la resiliencia se hace muy difícil. Vemos cómo intenta sobreponerse con su lucha cotidiana. Observamos el apoyo de sus hijos mientras crecen y el amor de María, su novia. 

Gracias al tiempo dedicado y a un delicado trabajo de edición, el documental permite acompañar a los Eisch durante varios años y también en momentos significativos de su vida; algunos crudos y muy emotivos, otros alegres y llenos de esperanza. La cámara está ahí, es parte del día a día y no se observa como algo que les incomode o que les condicione. Existe acá un mérito de las realizadoras porque no es sencillo filmar tan de cerca, tan desde adentro, de forma tan íntima pues indudablemente puede invadir y molestar. Las imágenes permiten acercarnos y ser espectadores privilegiados de lo que sucede. 

“La familia del soldado” es interesante tanto desde el punto de vista humano como también desde el ámbito político y militar que le rodea. Logra poner sobre la mesa el tema de las decisiones y las motivaciones para ingresar al ejército. También las consecuencias de las opciones militares y el costo que aquello significa. El caso de Brian podemos extrapolarlo a decenas de miles de familias y de ello podemos recoger experiencias y aprendizajes. También surge el respeto y la admiración. Hay decisiones que no comprendemos y que sin embargo reflejan el valor de la opción elegida. “¿Qué le piden a mis hijos?”, “tenía identidad, y ¿quién soy ahora?” o “no sé si sus heridas valieron la pena…”, son preguntas y frases que resuenan en un documental que contiene imágenes que impactan y emocionan junto con valiosas lecciones de vida y superación. 

Ficha técnica 

Título original: Father Soldier Son
Año: 2020
Duración: 99 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Distribuida por Netflix. Netflix 
Género: Bélico. Documental
Música: Nathan Halpern
Fotografía: Leslye Davis, Marcus Yam
Reparto: Documentary, Brian Eisch
Dirección: Leslye Davis, Catrin Einhorn

Pavarotti

La figura de Luciano Pavarotti no deja indiferente a nadie. Su voz única y el magnetismo de su personalidad resurgen cada vez que una imagen, una entrevista o un recital inundan la pantalla. El director Ron Howard elabora un trabajo documental que repasa la vida artística y personal de un icono, un hombre que entregó su vida al canto sin dejar nada de lado. 

Imposible no emocionarse cuando Pavarotti canta “Nessun dorma” de Puccini. O cuando lo vemos interpretando a Cavaradossi en “E lucevan le stelle” de Tosca, dirigida por Plácido Domingo. O cuando vemos a los tres tenores -Pavarotti, Domingo y José Carreras junto al director Zubin Mehta- en la preparación del famoso recital de las “Termas de Caracalla” en Roma, el año 1990. O cuando el tenor junto a la princesa Diana impulsan obras de caridad, o al verlo participar en otros géneros musicales con Bono o Sting. Un hombre múltiple, diverso y también controvertido. 

El trabajo del realizador dedica un espacio importante a la familia del tenor. A través de las palabras de sus hijas y de su ex esposa, conocemos facetas íntimas. En simultáneo observamos la ascendente carrera desde su debut en 1961. Managers y productores aportan su mirada global, los recitales, las ideas, los contratos. Conocemos testimonios de sus asistentes más cercanas, que más que asistentes, sus nuevos amores. Viajes, iniciativas, nuevas ideas. Entrevistas en televisión, programas de entretención, fama, reconocimiento, popularidad.  

En poco menos de dos horas vibramos cada vez que Pavarotti está en escena. Descubrimos rasgos ocultos, ponderamos referencias y admiramos una personalidad que se expande y traspasa la pantalla. Conocemos también sus temores antes de subir al escenario. Ante una pregunta si se siente seguro de alcanzar el “do agudo” respopne: “no, y eso es lo hermoso de mi profesión”, nos sorprende. Pequeños detalles, todos reunidos en un trabajo de edición que fluye y que en la medida que pasan los minutos crece en intensidad. 

“Pavarotti” permite reconocer y descubrir a Luciano Pavarotti. Nos acerca a él a través de la música, de sus interpretaciones, de sus expresiones, palabras de cercanos, de la prensa, de la televisión, de músicos colaboradores y productores. Configura un testimonio sobre el hombre y el artista, incompleto probablemente, pero con un alto valor emotivo, interesante y necesario, sobre todo para reconocer su magia y ese color de voz privilegiado que le hace único. Sentimos a Pavarotti aun más vivo con su legado escénico-musical intacto. 

Ficha técnica

Título original: Pavarotti
Año: 2019
Duración: 114 minutos
País: Reino Unido
Productora: Distribuida por CBS Films, Front Row Filmed Entertainment. Coproducción Reino Unido-Estados Unidos; Imagine Entertainment, Polygram Filmed Entertainment, Studiocanal, White Horse Pictures, Wildside, Diamond Docs, Polygram Entertainment 
Género: Documental | Biográfico. Documental sobre música 
Guion: Cassidy Hartmann, Mark Monroe 
Música: Ric Markmann, Matter Music, Dan Pinnella, Chris Wagner 
Fotografía: Michael Dwyer, Axel Baumann, Patrizio Saccò, Michael Wood 
Reparto: Documentary, Luciano Pavarotti, Andrea Griminelli, Nicoletta Mantovani, Bono, Angela Gheorghiu, Carol Vaness, Lorenza Pavarotti, Giuliana Pavarotti, Cristina Pavarotti, Anne Midgette, Terri Robson, Eugene Kohn, Joseph Volpe, Harvey Goldsmith, Michael Kuhn, Dickon Stainer 
Dirección: Ron Howard

Dark

Disponible en Netflix. 

Son necesarias algunas palabras sobre esta estupenda serie de televisión alemana. “Dark” se construye sobre el pilar del tiempo, pero no solo sobre el tiempo mismo sino sobre el concepto de tiempo y relatividad. Propone algunos opuestos como luz y sombra; principio y fin; vida y muerte; Adán y Eva. Presenta relaciones familiares, lealtades y traiciones. Contiene muchos simbolismos y referencias además de crear los propios. Ofrece temas contingentes como la energía nuclear y sus efectos devastadores en caso de accidente. Además temas sociales, humanos, profundos se mezclan con otros que superan las leyes físicas; una elaboración delicada cuyo resultado es sorprendente y extraordinario. 

Veamos de qué se trata, a grandes rasgos. En la ciudad ficticia de Winden -Alemania-, desaparece un niño. Esta situación deja al descubierto las conexiones entre cuatro familias y también sus secretos. Lentamente aparecen antecedentes que abarcan tres generaciones y el misterio principal se comienza a revelar con viajes en el tiempo. 

Cuando se estrenó en el 2017, se la comparó con “Stranger Things”, la serie norteamericana. Incluso la denominaron la “Stranger Things” alemana. Claro, existe una delgada asociación pero “Dark” se mueve hacia otro punto. Comencé a verla por recomendaciones que eran variadas y además, lo reconozco, porque “Stranger Things” me gustó mucho, sin embargo “Dark” se me hizo difícil. Vi dos o tres capítulos y la dejé. No enganché. Dejé pasar un tiempo -otra vez la palabra mágica- y no la retomé desde donde la había abandonado, sino que volví atrás y partí desde el comienzo. Y allí se produjo la fascinación, algo hizo “click”, no la solté más. 

En tres temporadas, la primera de 10 episodios y las otras dos de 8 capítulos cada una, “Dark” es una constante elaboración. Nada está expuesto de manera concluyente. No es la típica serie donde uno puede encadenar los hechos y acumular dicha experiencia para resolver lo nuevo que se presenta. “Dark” funciona diferente. Al no haber sentencias explícitas estamos sujetos a la interpretación de cada uno. En este sentido, la serie no es para desconectarse sino muy por el contrario, es para ponernos a prueba. Si no hacemos las conexiones, no enganchamos, que es lo que me me pasó al comienzo. Debemos poner atención, fijarnos en detalles, intentar armar la historia para así poder entrar en ella. No es fácil. 

Tres generaciones es bastante tiempo y el número “33” las encadena. Sin adelantar detalles, la base de esto son tres años: 2019, 1986 y 1953. La acción comienza en 2019 pero también transcurre en 1986 y también en 1953. ¿Cómo es esto? Claro, uno diría el pasado de la fecha actual. Sí y no. El tema es que transcurre en paralelo, en simultáneo. “2019” tiene sus pasados en 1986 y 1953 y “1953” tiene sus futuros en 1986 y 2019. Y “1986” tiene ambos, pasado y futuro. ¿Enredado? Sí, pero a la vez fascinante. 

Se puede escribir mucho sobre esta serie que, auguro, será un clásico. El casting es extraordinario, tiene actores diferentes para cada momento con un parecido increíble entre ellos. Posee una música inquietante y certera, un nivel de producción de excelencia y una dirección precisa. Punto aparte para el guion que, a mi modo de ver, es lo más notable de la serie. Al verla, al observar los giros, las idas y vueltas, los viajes, las relaciones, los detalles, los enlaces, etc. es imposible no sorprenderse con la construcción de una historia que propone algo diferente y que por ello nos atrapa. 

“Dark” desafía y por supuesto hay que aceptar ser desafiado. No es sencilla. Implica pensar y conectar. Es activa, nos pide un esfuerzo a cambio y la recompensa bien lo vale. Vemos acá televisión de calidad, televisión que apuesta por un paso más allá del show y apunta aun más alto. Resulta tan fascinante que también se vive fuera de la pantalla. Ya existen muchísimos videos con teorías sobre la serie, explicaciones, resúmenes en orden cronológico, curiosidades y detalles. En fin, son incontables. Ver alguno de ellos resulta muy interesante porque aunque “Dark” esté ya oficialmente concluida, se siguen aceptando interpretaciones para su final. ¡Notable! ¡Imperdible! 

Ficha técnica 

Título original: Dark 
Años: 2017 - 2019 - 2020 
Duración: 60 minutos aprox. por capítulo 
País: Alemania 
Productora: Distribuida por Netflix. Wiedemann & Berg Television 
Género: Serie de TV. Intriga. Drama. Ciencia ficción | Sobrenatural. Viajes en el tiempo. Secuestros / Desapariciones. Años 80 
Guion: Jantje Friese, Baran bo Odar, Martin Behnke, Ronny Schalk, Marc O. Seng 
Música: Ben Frost 
Fotografía: Nikolaus Summerer 
Reparto: Louis Hofmann, Anna König, Roland Wolf, Oliver Masucci, Jördis Triebel, Sebastian Rudolph, Mark Waschke, Karoline Eichhorn, Stephan Kampwirth, Anne Ratte-Polle, Helena Abay, Harald Effenberg, Sebastian Hülk, Deborah Kaufmann, Ella Lee, Andreas Pietschmann, Walter Kreye, Peter Benedict, Christian Steyer, Leopold Hornung, Tatja Seibt, Lisa Vicari, Hermann Beyer, Angela Winkler, Peter Schneider, Stephanie Amarell, Carlotta von Falkenhayn, Arnd Klawitter, Anatole Taubman, Luise Heyer, Lena Dörrie, Julika Jenkins, Michael Mendl, Gwendolyn Göbel, Lisa Kreuzer, Hannes Wegener 
Dirección: Baran bo Odar (Creador), Jantje Friese (Creador), Baran bo Odar

La memoria de mi padre

Disponible en Ondamedia.cl

Escrita y dirigida por Rodrigo Bacigalupe Lazzo, “La memoria de mi padre” es una película sensible y fina que aborda un tema delicado y profundo. Alfonso -Jaime McManus-, que trabaja como guionista de televisión, se ve enfrentado a una situación que lo desencaja. Su padre -Tomás Vidiella- está viejo, está perdiendo la memoria y es especialmente “jodido”. Insiste en que su esposa aun está viva en un hospital de El Quisco, pero Ester falleció hace dos meses. Alfonso debe cuidarlo en las noches ya que su hermana viaja fuera de Chile por trabajo y Rosa, la enfermera, solo puede ir durante el día. Además, Alfonso no soporta estar con su padre, no lo tolera. 

Rodrigo Bacigalupe elabora una historia particularmente real. Por un lado está el cuidado de los viejos, quién se hace cargo, cómo se les atiende en sus necesidades y qué hacemos por ellos en el momento de la vida en que comienzan a ser vulnerables. Por otra parte, se interna en la relación padre-hijo, en este caso una relación marcada por la fuerte personalidad de un hombre que le ha dejado huellas imborrables, incluso daños irreparables. Se aproxima con diálogos y escenas que lentamente develan detalles. Alfonso también tiene un hijo que vive con su madre en Estados Unidos. Están lejos y la comunicación entre ambos es aun más lejana. ¿Espejo de su propia relación paterna? ¿Se repite el patrón? 

“La memoria de mi padre” transcurre en los caminos internos del protagonista, sus luchas interiores y también su vida cotidiana. Tiene un nuevo jefe que le está fregando bastante y una novia de la que no sabemos mucho. Alfonso ahora se encuentra solo frente a su padre, frente a un vacío que no puede llenar y del que solo quiere escapar. Tampoco sabe cómo enfrentar la obsesión de su padre. Si lo contradice, el viejo se enoja y nada funciona, y si le sigue la corriente, transa con la verdad de lo sucedido. Disyuntiva compleja que solo se despeja cuando se inclina por iniciar una búsqueda que tal vez logre mostrarle a su padre la realidad. 

Bacigalupe refleja en su trabajo una personalidad interesante. Cuidadoso en la filmación, con primeros planos exigentes y con silencios marcados, imprime al relato un sentido permanente de nostalgia. Se suma la actuación de Tomás Vidiella que es excelente. Se siente y se ve real, nada sobreactuado ni exagerado; natural. Jaime McManus transmite a su vez la desesperanza y también la precariedad de una vida compleja y difícil marcada por su niñez. La responsabilidad de la historia recae en ellos dos y la cámara los acompaña en este camino. Los personajes que secundan el relato tienen menos peso pero indicen en la historia, están bien situados y solo en ocasiones carecen de desarrollo. Por otra parte, la música de Milton Nuñez aporta momentos especiales, apoya la imagen y busca también su camino. Se aprecia conexión con el director. 

Estrenada en 2017 en el Festival de Cine de Málaga, la cinta ya tiene algunos galardones, mejor largometraje en el Festival Internacional de Cine de Mar del Plata y Mejor Actor en el SANFIC 2017. Merecidos ambos, porque la cinta conmueve y toca fibras íntimas. Personalmente me recuerda la memoria de mi propio padre por lo que me provoca mayor conexión. Felicitaciones por este trabajo de Rodrigo Bacigalupe, realizado con sensibilidad y elaborado con cariño y con pasión. 

Ficha técnica 

Título original: La memoria de mi padre 
Año: 2017 
Duración: 87 minutos 
País: Chile 
Productora: NMD Films 
Género: Drama | Familia 
Guion: Rodrigo Bacigalupe 
Música: Milton Nuñez 
Fotografía: El Asombro 
Reparto: Jaime McManus, Tomás Vidiella, María Izquierdo, Marcial Tagle, Romina Mena, Tamara Tello, Luz Jiménez, Mireya Sotoconil 
Dirección: Rodrigo Bacigalupe

La venganza perfecta

Disponible en Netflix.

Buscando apareció esta curiosidad. Reconozco que el gancho de Margot Robbie aumentó mi interés. Se trata de una coproducción internacional entre Irlanda, Reino Unido, Hungría, Hong Kong y Estados Unidos, escrita y dirigida por Vaughn Stein. Narra la historia de dos asesinos, un profesor, un conserje de estación de trenes y una camarera del café del Terminal, todos enlazados por diferentes puntos. 

La cinta se desarrolla entre el humor negro y el absurdo. Desde las primeras escenas los diálogos son confusos y la verdad dan ganas de dejarla ahí. Mucho texto, poca acción y menos humor. Pero seguimos adelante. Recuerdos y escenas repetidas nos devuelven a la pista. Algo se aclara, aunque no lo suficiente. Ya entendemos algo más del tono del relato y es mejor dejarse llevar. ¿Pero, dónde? Ni idea. 

Recién en la medianía -y no es larga, solo son 90 minutos- una de las madejas se desenreda. La parte del profesor toma forma y podemos comprender esa rama del argumento. Luego les toca a los asesinos y cerca del final al conserje.. Con algunos giros al menos armamos la historia con sus protagonistas. 

Este particular thriller no alcanza a tomar vuelo. Se queda un poco en el intento aunque al final parece encontrar el camino. El caso es que lo hace tal vez un poco tarde porque ni el magnetismo de Margot Robbie interpretando a Annie, ni la curiosidad de Mike Myers haciendo de conserje, logran elevar el pulso.  

La serie de monitores desde donde se observan las acciones dan alguna pista sobre el misterio. Alguien está detrás de todo y las cosas no pasan por azar porque mueve los hilos y juega con sus marionetas. ¿Quién es? ¿Adivinamos? Procesar la respuesta es difícil porque la película sigue su curso con aparente desorden argumental. 

“Terminal”, su título original, se sale de lo habitual. Presenta una narrativa diferente para una historia que podría ser convencional. En este caso, el nombre en español es muy apropiado -“La venganza perfecta” funciona bien en ese sentido-, ya que elabora una trama enrevesada con un plan malévolo para conseguir una ejemplar revancha. 

Ficha técnica 

Título original: Terminal 
Año: 2018 
Duración: 90 minutos 
País: Reino Unido 
Productora: Distribuida por RLJ Entertainment. Productor: Margot Robbie. Beagle Pug Films, LuckyChap Entertainment 
Género: Thriller. Drama | Venganza 
Guion: Vaughn Stein 
Música: Rupert Gregson-Williams 
Fotografía: Christopher Ross 
Reparto: Margot Robbie, Mike Myers, Simon Pegg, Dexter Fletcher, Max Irons, Matthew Lewis, Katarina Cas, Thomas Turgoose, Nick Moran, Jourdan Dunn, Jay Simpson, Paul Reynolds, Robert Goodman, Les Loveday, Benjamin Griffin 
Dirección: Vaughn Stein

María Callas: en sus propias palabras

Este documental dirigido por Tom Volf es un trabajo indispensable para aproximarse a la figura legendaria de María Callas. Nacida en diciembre de 1923, Maria Anna Cecilia Sofia Kalogeropoúlou es de origen griego. Célebre por su amplio registro vocal y su desenvoltura escénica, Callas no dejó a nadie indiferente. En su juventud, presionada por su madre para tomar clases de música, debió incluso esconder su edad al inscribirse en el Conservatorio Nacional de Atenas pues aun no tenía los 16 años mínimos exigidos. Siempre destacada y con una personalidad construida en parte por diversas situaciones adversas, María Callas se transformó en una leyenda, un icono de la ópera, con cientos de miles de seguidores a través del mundo. 

“Maria by Callas” -me encanta el nombre original del documental- permite conocer en primera persona a “La Divina”. Dueña de una voz privilegiada y de una técnica exquisita, Callas emociona cada vez que interpreta alguno de sus papeles más reconocidos. Las imágenes y el sonido nos permiten apreciarla en roles tan diferentes como sus protagónicos en “Madama Butterfly”, de Giacomo Puccini o “Carmen” de Georges Bizet. “Norma”, “Tosca”, “Gianni Schicchi” y tantas otras emergen durante este precioso trabajo que no solo rememora a la cantante sino que principalmente pone énfasis en la persona que hay detrás. 

Por supuesto no todo fue fama y elogios. Hubo fracasos y también decisiones que la expusieron en la primera plana de la época. Su separación de Giovanni Battista Meneghini y su idilio con el magnate griego Aristóteles Onassis fueron ampliamente difundidas y llenaron muchas páginas de revistas sociales y periódicos. Asimismo, el 2 de enero de 1958 está marcado a fuego en su carrera. Producto de un fuerte resfriado, María Callas tuvo que abandonar una función especial de “Norma” de Bellini en la “Ópera de Roma”. Solo cantó el primer acto y no pudo continuar; el episodio fue un escándalo que trajo enormes repercusiones en sus posteriores coberturas periodísticas. 

El director Tom Volf construye con una fina pluma un relato imperdible. Con entrevistas, imágenes de archivo, declaraciones a la prensa, actuaciones, vida social y un gran número de recuerdos, el realizador nos permite conocer más detalles de la cantante. Nos emocionamos con la música porque su voz parece tan actual y cercana a pesar de grabaciones que no tienen mucha fidelidad. Nos dejamos sorprender con su personalidad, una fortaleza digna de halago y que sin embargo observamos frágil en los momentos más duros y complejos. El ritmo narrativo del metraje nos captura, nos conduce por su vida revelando rasgos desconocidos. Belleza, arte, humanidad. La artista, la mujer, la diva. La música florece desde su voz, la emoción nos embarga como audiencia; “Maria by Callas”, es un hermoso homenaje a su nombre, a su leyenda y a su legado; un testimonio fundamental. 

Ficha técnica 

Título original: Maria by Callas: In Her Own Words 
Año: 2017 
Duración: 113 minutos 
País: Francia 
Productora: Elephant Doc, Petit Dragon, Unbeldi Productions, France 3 Cinéma, Ciné+, France Télévisions 
Género: Documental | Música. Biográfico. Documental sobre música 
Música: Jean-Guy Veran 
Fotografía: Janice Jones 
Reparto: Documentary, Maria Callas 
Dirección: Tom Volf

Encuentro Fatal

Disponible en Netflix.

Elli -Nia Long- es abogada. Al estudio jurídico donde se desempeña llega un compañero de universidad a quien no ha visto en 20 años. David -Omar Epps- parece amable y el encuentro, fruto de la casualidad. Elli pasa por un momento de tedio en su matrimonio por lo que la insistencia de David para que se pongan al día le hace bajar sus defensas. Primero la cena, luego el baile, luego… Elli se detiene al filo. David no acepta un no y en las semanas siguientes sigue insistiendo. Es obsesivo, arrastra un quiebre doloroso y además se le ve inestable. Elli se siente acosada y lo rechaza. David, sin embargo, continúa, la acecha, la vigila, se acerca a su familia, observa a su marido, a su hija; nada parece detenerlo. Entonces se desencadena la peor pesadilla que podamos imaginar. 

Predecible hasta en los detalles, esta cinta dirigida por Peter Sullivan está construida con elementos ultra archi conocidos. Su aporte argumental es cero y los giros que presenta se adelantan desde el trailer. Aun así, es posible verla con alguna atención. En ocasiones son necesarias las películas que no requieran pensar, que solo sean una distracción para que la mente se vaya a otro lugar. 

En 89 minutos, “Fatal Affair” no es más de lo que ofrece en su publicidad. Tampoco es menos. Pasa rápido y por momentos engancha. La producción ayuda y si bien las actuaciones podrían ser mejores, al menos están dentro del margen correcto. Lo más probable es que no la recordemos y no importa. Si tiene para elegir una cinta con buenas recomendaciones y que no ha visto junto a esta nueva producción, no hay por dónde perderse, elija la primera. Pero si en una tarde fría, oscura, no tiene nada a mano, y tampoco quiere pensar mucho, apriete “play” y durante una hora y media se podrá distraer de lo que sucede a su alrededor. 

Ficha técnica 

Título original: Fatal Affair 
Año: 2020 
Duración: 89 minutos 
País: Estados Unidos 
Productora: Distribuida por Netflix. Hybrid 
Género: Thriller. Drama | Celos. Telefilm 
Guion: Peter Sullivan, Rasheeda Garner 
Música: Matthew Janszen 
Fotografía: Eitan Almagor 
Reparto: Nia Long, Omar Epps, Stephen Bishop, Aubrey Cleland, Maya Stojan, Khaneshia 'KJ' Smith, Jason-Shane Scott, Carolyn Hennesy 
Dirección: Peter Sullivan

El fotógrafo de Mauthausen

Disponible en Netflix.

Francesc Boix -Mario Casas-, un preso que trabaja en el laboratorio fotográfico del campo de concentración de Mauthausen, está decidido. Tiene acceso a material de primera fuente que acredita las brutalidades cometidas por los nazis. Cientos de negativos muestran la crueldad de los mandos alemanes en pleno desarrollo de la Segunda Guerra Mundial. Francesc es un testigo privilegiado. Sufre la prisión pero tiene un trato diferente, pues su trabajo de asistente le brinda beneficios. Es por esto que, junto a otros compatriotas españoles, urde un plan para poder rescatar los negativos y sacarlos de la prisión, sabiendo que pueden transformarse en pruebas cruciales para condenar a los altos oficiales del Tercer Reich. 

Mar Targarona dirige con aplomo una historia cruda y violenta. Las violaciones a los Derechos Humanos, indescriptibles, son mostradas sin anestesia. Abusos de toda índole, asesinatos, torturas y humillaciones, son el día a día de quienes están en Mauthausen. Algunos son llevados a otro campo de concentración; se sabe que no regresan. Los que se quedan apenas sobrellevan el día a día. El relato es amargo, oscuro, con una tonalidad gris que se impregna en la manera de filmar y que no enseña luces de esperanza. 

El sueño de Francesc es dar a conocer lo que sucede. Eso lo mantiene en pie, lo mantiene vivo. Juega doble; por un lado se gana la confianza de sus superiores, en especial del fotógrafo de la prisión, y por otro se confabula con sus compañeros. Este grupo de comunistas españoles ha vivido la Guerra Civil y régimen de Franco los ha expulsado; han pasado literalmente “de la sartén a las brasas”. 

El trabajo que la película realiza con el guion de Roger Danès y Alfred Pérez Fargas refleja muy bien el sufrimiento cotidiano de los prisioneros. También se encarga de no dejar dudas de la carencia absoluta de principios morales por parte de los oficiales alemanes. Su inhumanidad se siente, se palpa y se vive en primera persona. 

Lo que el relato no desarrolla es una profundidad mayor en sus personajes. Queda en cada espectador construirla, lo que se hace difícil al estar permanentemente visualizando el yugo de la opresión y la tortura. Nadie se salva, ni siquiera los niños. Es tremendo, intimidante, frustrante y deprimente. Además deja una interrogante… ¿quién es el verdadero fotógrafo de Mauthausen, Boix o su jefe alemán? 

“El fotógrafo de Mauthausen”, inspirado en hechos reales, resuena como un homenaje a Francesc Boix quien no solo rescata los negativos sino que además toma muchas fotografías en el lugar, antes y después de la liberación. Este testimonio gráfico y también personal, es el que permite condenar a varios oficiales nazis en el Tribunal Internacional de Núremberg, en 1946. La cinta le entrega en este metraje un merecido tributo por su valor, coraje y decisión. 

Ficha técnica 

Título original: El fotógrafo de Mauthausen 
Año: 2018 
Duración: 110 minutos 
País: España 
Productora: Televisión Española (TVE), FilmTeam, Rodar y Rodar 
Género: Thriller | Basado en hechos reales. Fotografía. Nazismo. Holocausto. Años 40 
Guion: Roger Danès, Alfred Pérez Fargas 
Música: Diego Navarro 
Fotografía: Aitor Mantxola 
Reparto: Mario Casas, Richard van Weyden, Alain Hernández, Adrià Salazar, Stefan Weinert, Macarena Gómez, Frank Feys, Rubén Yuste, Eduard Buch, Efrain Anglès, Luka Peros, Igor Szpakowski, Marc Rodríguez, Joan Negrié, Roger Vilá 
Dirección: Mar Targarona

Greyhound

Disponible en Apple TV+.

1942, Atlántico Norte, Segunda Guerra Mundial. El Comandante Ernest Krause -Tom Hanks- lidera el destructor USS Keeling cuyo nombre en código es “Greyhound”. Su misión, escoltar un convoy de 37 barcos mercantes con soldados y provisiones cuyo destino es Liverpool, Inglaterra. Cuenta con apoyo aéreo norteamericano y la ayuda de dos destructores británicos, sin embargo en la travesía hay un punto ciego. Durante cinco días no disponen de apoyo desde el aire y quedan a merced de submarinos alemanes, una verdadera manada de lobos llamados U-Boot, que intentan hundir los barcos. El destino de la operación recae en los hombros del comandante Krause; sus decisiones son vitales hasta que retomen la cobertura aérea, esta vez provista por Gran Bretaña. 

Dirigida por Aaron Schneider, la cinta está basada en la novela publicada en 1955 “The Good Shepherd” de Cecil Scott Forester. Si bien no es una historia real, sí está inspirada en hechos reales. Las travesías del atlántico para llevar combatientes y suministros fueron parte importante de la estrategia de los aliados luego de la incorporación de Estados Unidos a la Guerra producto del ataque a Pearl Harbor en diciembre de 1941. El guion escrito por Tom Hanks rescata precisamente algunos de los aspectos menos visibles y no menos importantes del desarrollo bélico que dice relación con uno de los escenarios cruciales del conflicto; el éxito o fracaso del puente entre los dos continentes. 

“Greyhound” tiene un ritmo que atrapa desde el comienzo. La película no entrega mucho contexto, de hecho la única mujer que aparece en el metraje, Evelyn -Elisabeth Shue-, pareja sentimental del protagonista, tiene una brevísima aparición al comenzar la historia. En solo 92 minutos, el relato se centra básicamente en lo que vive el Comandante Ernest Krause y su tripulación a bordo del destructor. Lo que sucede con el convoy y los otros buques de apoyo solo lo conocemos por las comunicaciones radiales. Estamos también nosotros a bordo del “Greyhound”. La cinta logra que seamos parte de los hechos y los presenciemos casi en primera persona. Su foco es Ernest Krause y Tom Hanks lo interpreta con solidez. Vemos a un hombre entrenado, un marino con convicciones y que sin embargo se ve enfrentado a su primera vez, es decir, no tiene experiencia anterior en la misión encomendada. Sin contar con esa experiencia previa, Hanks enfatiza los rasgos personales del comandante; humanidad, buen trato, preocupación. También sus errores, confunde nombres o tiene olvidos. Es tan natural que resulta precisamente humano. Sus decisiones deben ser adoptadas bajo presión. ¿Qué mayor presión que la responsabilidad sobre decentas de cientos de marinos y su propia vida? ¿Qué decir del éxito o fracaso de la misión respecto al objetivo principal de las fuerzas aliadas? 

Uno de los aspectos que más me llama la atención es la condensación del relato. En tres metros cuadrados se desarrollan gran parte de las escenas. Allí, muchas personas interactúan bajo las órdenes de su líder. Las instrucciones son constantemente repetidas, algo que puede cansar, sin embargo le dan al relato un sentido de alerta y de urgencia. Pasamos de un lado a otro, de babor a estribor, en el puente de mando mientras en el mar la amenaza aparece y desaparece. Por momentos se siente una angustia que traspasa la pantalla. Imágenes aéreas y tomas de los enfrentamientos nos entregan contexto. Luego volvemos a planos cerrados y a la profundidad del momento. 92 minutos que no se sienten y que pasan muy rápido. Hace un buen tiempo que no veo una película con esta agilidad de narración. Es cierto, la temática debe interesarnos y además tener buen ritmo. “Greyhound”, en mi opinión, lo consigue. 

La película está concebida para pantalla grande. Sus efectos especiales, su entorno y las escenas en el mar dan cuenta de ello. Verla en televisión puede significar una pérdida en ese sentido, sin embargo aun así es posible observar en detalle la realización. Está bien construida, bien elaborada y tiene un resultado final satisfactorio. ¿Algo sentimental? Puede ser, pero no le quita mérito. El aplomo y entereza del comandante, bien vale un reconocimiento, como así también su gran sentido religioso y humildad. La satisfacción del deber cumplido, aunque nunca suficiente, es lo que queda resonando. Ser capaz de tomar decisiones difíciles y complejas, asumir la responsabilidad, analizar en fracción de segundos las ventajas y desventajas de una maniobra y seguir adelante con coraje es digno de admiración. La figura se realza y con ello también se transforma en un modelo a seguir. Hanks lo sabe y lo pone en relieve. Es un homenaje y también un ejemplo de liderazgo basado en valores y principios, algo que bien vale la pena poner sobre la mesa sobre todo en los tiempos actuales. 

Ficha técnica 

Título original: Greyhound 
Año: 2020 
Duración: 92 minutos 
País: Estados Unidos 
Productora: Distribuida por Sony Pictures Entertainment (SPE). Playtone, Filmnation Entertainment, Bron Studios, Zhengfu Pictures, Creative Wealth Media Finance, Sycamore Pictures 
Género: Bélico | II Guerra Mundial. Años 40. Basado en hechos reales. Submarinos. Aventuras marinas 
Guion: Tom Hanks (Novela: C.S. Forester) 
Música: Blake Neely 
Fotografía: Shelly Johnson 
Reparto: Tom Hanks, Elisabeth Shue, Stephen Graham, Rob Morgan, Manuel García-Rulfo, Lee Norris, Karl Glusman, Tom Brittney, Alex Kramer, Jimi Stanton, Joseph Poliquin, Bill Martin Williams, Matthew Zuk, Devin Druid, Grayson Russell, Dave Randolph-Mayhem Davis, Michael Benz, David Maldonado, Adam Aalderks, Casey Bond, Jesse Gallegos, Parker Wierling, Maximilian Osinski, Craig Tate, Ian James Corlett, Stephan Goldbach, Jake Ventimiglia, John Frederick, Travis Quentin Young, Michael Carollo 
Dirección: Aaron Schneider

Medea

Disponible en Ondamedia.cl

Medea y Jasón llegan por mar al desierto de Atacama, en Chile. Tienen un hijo y pasado algunos años Jasón abandona a Medea. ¿La razón? Se ha comprometido en matrimonio con la hija de Creonte. Anticipando la reacción de la mujer despechada, éste la expulsa de la región minera y le da un día de plazo, tiempo propicio para que ella construya su venganza. 

“Medea”, trabajo del dramaturgo chileno Alejandro Moreno, se basa en la clásica Tragedia de Eurípides. Moreno ya había presentado su propia versión como obra teatral el año 1999 en la Sala Víctor Jara. “Medea se quedó ahí dando vueltas, sobre todo me venían constantemente los textos de ellas, las cosas que ella decía, que yo no me sentía tan autor, sino que era como un habla independiente de una mujer que había sido humillada y quería vengarse”, señala el director. “Esta voz, se volvía más presente en el desierto. Medea contra el espacio vacío de un desierto de Atacama que florece todos los años y pensé, que si no floreciera la culpa sería de Medea. Y ahí empecé a pensar la película”, señala el director.

La cinta cuenta con un elenco encabezado por Millaray Lobos, quien interpreta a Medea, Michael Silva a Jasón, Paulina García a la nodriza y Alfredo Castro al camionero, entre otros. La filmación en el desierto incluye los cuatro elementos fundamentales de la naturaleza: Fuego, Tierra, Aire y Agua. El mar, el cielo, los parajes desérticos y las llamas evocan la esencia principal de la historia y también lo atemporal del relato. 

Esta declamación poética está llena de metáforas y simbolismos. Existe un camino, un deambular. El abandono y soledad de Medea implica un profundo desprecio y desarraigo. El conflicto provocado por el matrimonio de Jasón provoca su destierro. Surge de su búsqueda interior la necesidad de venganza junto con la confección y ejecución de un plan. 

A través de tomas amplias y primeros planos muy cercanos, el director se interna en la profundidad de sus personajes. Monólogos, diálogos internos y algunos cruces sin aparente relación, entregan al texto una prosa que se entrelaza con sonidos y la música inquietante de Diego Noguera. 

La referencia geográfica y también explícita a las mujeres mineras, acentúa la vertiente feminista que el guion posee. “Debemos asustar a los hombres, ¡vamos a dejar de parir!” puntualiza Medea. “¡Cobarde y hombre!” o derechamente “¡no más hombres!”, son frases duras, llenas de resentimiento. 

“Mi intención era la superposición de paisajes, es decir, paisajes espaciales con los otros pasajes más bien síquicos que abren los textos, como una palabra hablada que suena y abre un paisaje sónico por donde los personajes se desplazan… Poner voces en el espacio desierto, y mostrar el desierto no en la típica postal sino un lugar vacío pero lleno de sonidos, imágenes, signos de vida… donde las voces producen un eco” resume Moreno respecto a su obra. 

En esta realización experimental, destaca el trabajo de su elenco. Alfredo Castro hace un estupendo trabajo cada vez que está en pantalla, tanto en imagen como con su voz. Llena el espacio, logra traspasar la frontera y señala rumbos. Millaray Lobos dota a Medea de un carácter frágil y fuerte a la vez, sin exagerar, conteniendo lo íntimo y explorando también la esencia de la anhelada venganza. Paulina García comienza lentamente a desarrollar un rol que no es protagónico y que con el correr del metraje logra ajustarse a lo requerido por el guion. Michael Silva se encuentra, quizá, un escalón más abajo; su Jasón carece de vigor y de fuerza, se observa extraviado, sin lograr mostrar intimidad. 

“Medea” se escapa de lo habitual. Es una obra que desafía por su concepción y que invita a conocer su texto inspirador. También permite observar la forma en que pueden conversar el teatro con la cinematografía, en una poesía que a menudo resulta fluida y que, sin embargo, se encuentra con dificultades inherentes a lenguajes narrativos distintos. Cabe destacar la idea de Alejandro Moreno, alabar la fotografía de José Luis Canales y animar trabajos de este tipo, audaces, libres y soñadores. 

Ficha técnica 

Título original: Medea 
Año: 2019 
Duración: 75 minutos 
País: Chile 
Productora: Azabache, Fabula 
Género: Drama 
Guion: Alejandro Moreno 
Música: Diego Noguera 
Fotografía: José Luis Canales 
Reparto: Félix Alcayaga, Alfredo Castro, José Manuel Cáceres, Guillermo Díaz, Paulina García, Pablo Alonso González, Paola Lattus, Millaray Lobos García, Cristián Portilla, Salvador Rojas, Guilherme Sepúlveda, Michael Silva, Rodrigo Velásquez 
Dirección: Alejandro Moreno

Secretos de estado

Disponible en Amazon Prime.

Inicios del año 2003 y la invasión a Irak es inminente. Las maniobras políticas de Estados Unidos y Gran Bretaña se suceden y cobra relevancia una nueva votación del Consejo de Seguridad de las Naciones Unidas. Es con este trasfondo que el papel de Katharine Gun -Keira Knightley- surge como fundamental. Katharine trabaja como traductora en el GCHQ -Cuartel General de Comunicaciones-, uno de los tres servicios de inteligencia del gobierno británico. Su tarea es recopilar información clasificada por lo que la recepción de un e-mail que solicita un trabajo de espionaje no le es ajeno. Sin embargo, a quiénes se debe espiar es lo realmente preocupante; urge encontrar información específica que permita presionar a los miembros del Consejo de Seguridad para forzar la resolución y hacer viable la guerra. 

Katharine, que sigue con atención el desarrollo de los hechos a través de la prensa, tiene muy claro que ir a la guerra no es una buena idea. Duda de la información oficial y descree que las razones que se enseñan públicamente sean verídicas. La instrucción recibida no hace más que ratificar su pensamiento y decide filtrar la comunicación. Es un acto arriesgado pero su conciencia no le permite una opción distinta. Acusada de traición por violar el Acta de Secretos Oficiales y arriesgando pena de cárcel, Katharine debe emprender una lucha por sus principios y por la defensa de lo que considera una situación injusta e inaceptable. 

La cinta, inspirada en hechos reales, está basada en el libro “The Spy Who Tried to Stop a War” de Marcia y Thomas Mitchell. Dirigida por Gavin Hood, “Official Secrets” plantea temas muy interesantes de analizar. En primer lugar, la decisión de la protagonista de filtrar información secreta. Este acto implica un dilema valórico y moral. Katharine está sujeta a normas y ha comprometido lealtad con una agencia de inteligencia, sin embargo la instrucción que recibe le genera una contradicción vital. ¿Se puede justificar una guerra en base a mentiras y presiones? El viejo dilema de si “el fin justifica los medios” se presenta una vez más y con letras mayúsculas. 

Un segundo elemento de la reflexión se dirige hacia la prensa. La filtración de la información clasificada tiene como destino que ésta sea publicada. Para cumplir este objetivo, la cadena de transmisión no es sencilla pues se trata de una materia secreta donde los involucrados en la operación arriesgan sanciones no menores. La cinta retrata este pedregoso camino a través de Martin Bright -Matt Smith-, reportero de “The Observer”, y abarca desde la recepción del documento, su compleja validación y posterior publicación, poniendo mucho énfasis en las discusiones respecto a las diversas opiniones que genera, las definiciones editoriales y la materia de interés público que representa la información descubierta. 

Luego de la filtración y una vez que Katharine asume su responsabilidad, se desencadena un tercer elemento que resulta inquietante. Las presiones que comienza a recibir, sin ser acusada formalmente, la persecución a su marido -extranjero, con una situación migratoria en suspenso y al borde de la deportación-, la casi nula posibilidad de defenderse y la discriminación que sufre, ahogan y ponen en jaque sus ideales. Las dudas de Katharine se hacen mayores y la incertidumbre se incrementa. ¿Vale la pena arriesgar tanto por defender principios? 

Un cuarto aspecto que la cinta aborda es la defensa jurídica de Katharine. Por ser parte de un régimen especial producto de su trabajo en inteligencia gubernamental, su posibilidad de ejercer acciones legales es muy limitada. No obstante, una agencia de Derechos Humanos le brinda ayuda logrando construir una estrategia que adquiere importantes características. El abogado a cargo, Ben Emmerson -Ralph Fiennes-, presenta una tesis de argumentación que se basa en la ilegalidad de ir a la guerra y el interés nacional -necesidad- de evitar dicha acción. Es muy interesante este elemento pues, a la luz de lo sucedido, resulta fundamental para las decisiones finales. 

“Secretos de estado” es un thriller que funciona perfectamente en sus 112 minutos de duración. Logra combinar intriga, hechos públicos, política, situaciones personales, trabajo periodístico, investigación y elementos legales, entregando con ello una amplia variedad temática. En lo principal, se centra en valores y principios que se cuestionan desde la privacidad, el secretismo y lo público, dejando preguntas abiertas para posteriores reflexiones. La honestidad, el coraje y la valentía de la protagonista son valores puestos a prueba. La lealtad, la prudencia y el respeto a la norma, por otra parte, son otros valores cuestionados en aras de un bien mayor. Un dilema ético-moral tremendamente interesante y debatidle que no tiene en esta cinta un punto final. 

Ficha técnica 

Título original: Official Secrets 
Año: 2019 
Duración: 112 minutos 
País: Reino Unido 
Productora: Distribuida por Entertainment One. Coproducción Reino Unido-Estados Unidos; Clear Pictures Entertainment, Raindog Films, Screen Yorkshire 
Género: Thriller. Drama | Basado en hechos reales. Espionaje. Política. Guerra de Iraq 
Guion: Gregory Bernstein, Sara Bernstein, Gavin Hood (Libro: Marcia Mitchell, Thomas Mitchell) 
Música: Paul Hepker, Mark Kilian 
Fotografía: Florian Hoffmeister 
Reparto: Keira Knightley, Matt Smith, Ralph Fiennes, Matthew Goode, Indira Varma, Tamsin Greig, Conleth Hill, Kenneth Cranham, Lee Byford, Dave Simon, Jeremy Northam, Rhys Ifans, Adam Bakri, MyAnna Buring, Hattie Morahan, John Heffernan, Monica Dolan, Jack Farthing, Peter Guinness, Angus Wright 
Dirección: Gavin Hood

La vieja guardia

Disponible en Netflix.

Un grupo de mercenarios lleva a cabo una nueva misión. Esta vez se trata del recate de unos niños secuestrados en Sudán del Sur pero en realidad les han plantado una emboscada. A los 15 minutos descubrimos la causa; tienen un poder especial que los transforma en inmortales pues son capaces de curar sus heridas. Andrómaca de Escitia -Charlize Theron- es quien lidera el grupo. “Andy” es secundada por Booker -Matthias Schoenaerts-, Joe -Marwan Kenzari- y Nicky -Luca Marinelli-, y por siglos han luchado para proteger al mundo. Ahora, un ex agente de la CIA, James Copley -Chiwetel Ejiofor-, les ha engañado con el objetivo de sacar a la luz sus habilidades únicas. 

Estos milenarios guerreros están cansados, quieren poner fin a sus misiones, pero no se encuentran solos. En Afganistán, la soldado Nile Freeman -KiKi Layne- sufre un brutal corte en la garganta y muere. Ante la sorpresa de todos, despierta sin un solo rasguño y sin saber ni comprender lo que le ha sucedido. Un sueño de Nile con el grupo los conecta y hace que Andy la vaya a buscar pues una amenaza se les viene encima. Un ambicioso ejecutivo farmacéutico, Steven Merrick -Harry Melling -, quiere capturarles para experimentar con ellos, descifrar los secretos de su poder regenerativo y por supuesto, enriquecerse. Andy le dice a Nile que ellos son “bastante difíciles de matar” y es momento de confirmarlo. 

Esta cinta dirigida por Gina Prince-Bythewood se basa en la novela gráfica del año 2017 escrita por Greg Rucka e ilustrada por Leandro Fernandez. El guion, del mismo Rucka, en general es bastante ágil. Las preguntas son más que las respuestas. La progresión es constante y no hay tiempo para pensar. La trama, algo confusa al comienzo, se va develando con el correr de los minutos y en realidad es sustancialmente más sencilla de lo que puede parecer.  

“La vieja guardia” tiene sus puntos más altos en las logradas coreografías de acción y en la actuación de Charlize Theron. La actriz sudafricana y nacionalizada estadounidense está espléndida en su caracterización. Da vida a su personaje con soltura y ritmo, siempre a cargo de la situación pero al mismo tiempo dejando traslucir sus vulnerabilidades. Las coreografías son efectivas, tanto en las escenas más violentas como en aquellas donde la lucha cuerpo a cuerpo se toma la pantalla. La elección de Charlize Theron para el rol principal es quizá el mayor acierto de la película. 

Dejo para el final algo que tal vez es una diferencia con algunos otros relatos de superhéroes. Conocemos que la mayoría de los poderes que poseen estos personajes son características especiales; resistencia extrema, fortaleza sobre humana, capacidad de volar, etc. Sin embargo, esta vez el gran poder es la inmortalidad gracias a la increíble capacidad de auto curación que tienen sus protagonistas. Sin embargo, esta habilidad tiene un cara y sello. Si bien esto podría ser un anhelo profundo, la cinta también presenta la otra mirada, aquella que habla de la carga o de lo difícil que puede ser vivir tanto tiempo, cuando la muerte podría verse como una aspiración intensa o como un esperado descanso. Interesante, porque sin duda vendrán secuelas gracias a un final que justamente deja abierta la posibilidad de explorar el tema. Veremos, entonces, cómo continúan las acciones de este grupo y cómo enfrentan esta singular característica en sus futuros relatos. 

Ficha técnica 

Título original: The Old Guard 
Año: 2020 
Duración: 125 minutos 
País: Estados Unidos 
Productora: Distribuida por Netflix. Netflix, Denver and Delilah Productions, Skydance Productions, Dune Films 
Género: Fantástico. Acción | Cómic 
Guion: Greg Rucka (Novela gráfica: Greg Rucka, Leandro Fernandez) 
Música: Volker Bertelmann, Dustin O'Halloran 
Fotografía: Barry Ackroyd 
Reparto: Charlize Theron, Chiwetel Ejiofor, KiKi Layne, Chico Kenzari, Matthias Schoenaerts, Luca Marinelli, Harry Melling, Veronica Ngo, Anamaria Marinca, Joey Ansah, Adam Collins, Jill Buchanan, Peter Brooke, Tuncay Gunes, Oliver Simms, Steve Healey, Natacha Karam, Russell Balogh, Adam Basil, Obie Matthew 
Dirección: Gina Prince-Bythewood

The Report

Disponible en Amazon Prime.

Escrita y dirigida por Scott Z. Burns, “The Report” centra la mirada en Daniel Jones -excelente personificación de Adam Driver-, un joven miembro del personal del Senado de Estados Unidos, quien recibe la misión de liderar una investigación sobre las acciones realizadas en el Programa de Detención e Interrogación de la CIA post 11-S. Todo comienza cuando la agencia norteamericana destruye, el año 2005, cientos de cintas con los interrogatorios. Por esta razón, el Comité de Inteligencia de la Cámara Alta liderado por la senadora Dianne Feinstein -Annette Bening-, designa el año 2009 un grupo de 6 personas con dedicación exclusiva a la investigación detallada de los hechos. 

Basada en eventos reales y en el artículo "Rorschach and Awe" de Katherine Eban, la cinta se propone mostrar cómo se llega a configurar el informe de 6.700 páginas que da cuenta del fallido programa de “técnicas de interrogación mejoradas”. Revisando miles de páginas con evidencias, los investigadores descubren la brutalidad de las torturas ejecutadas durante los interrogatorios de la CIA tras el 11-S. Jones se obsesiona con la investigación. Mientras más profundiza, es testigo principal de las trabas que la agencia y el poder político le ponen a su trabajo con el fin de ocultad la verdad de lo acontecido. 

El guion es muy nutrido, tienen muchos antecedentes y la cantidad de texto por momentos abruma. Sin perder agilidad vamos pasando por diferentes escenarios, confrontando a los protagonistas y a través de flashback, conociendo lo que sucede realmente con esas “nuevas técnicas”. La inclusión de ahogamientos con agua, encierros en cubículos minúsculos, impedimento del sueño con música a todo volumen y tantas otras, las justifican por el miedo producido por los atentando de Septiembre de 2001. La investigación de Jones derriba mitos entorno a la efectividad de los interrogatorios. Esas torturas no solo fueron inhumanas y una inaceptable violación sistemática a los Derechos Humanos de los prisioneros; claramente no cumplieron su objetivo, no aportaron ninguna información trascendente o que permitiera salvar vidas. 

“The Report” es profunda. No solo se trata de una investigación para dar a luz una verdad, se trata de la necesidad de corregir errores, de aceptarlos y enmendarlos. El énfasis, a veces enfocado en una sola persona como es el caso de Jones, desvía un poco la atención, sin embargo la altura política de la senadora Feinstein va al fondo del cuestionamiento. No podemos perder de vista que se trata de acciones políticas. Lo fue la tortura implementada en esos años, lo fue la supresión de aquello al asumir el presidente Obama en 2009 y también lo es la investigación que revela la cinta. La lucha de poder entre la Casa Blanca, el Senado y la CIA no es trivial. Se trata de fuerzas poderosas, que responden a intereses diversos y que son juzgados permanentemente por todos los actores. 

Scott Z. Burns y las excelentes actuaciones de Adam Driver y Annette Bening, dan el tono perfecto a una temática polémica y que genera por cierto mucho debate. Pone el centro en un concepto que es vital al hablar de política; “accountability”, difícil de traducir y que implica hacerse cargo, asumir la responsabilidad de las acciones y dar cuenta de ello. Este es el punto central, es lo que la confección del informe se propone al investigar los hechos. Saber qué sucedió, entender los contextos, analizarlos, describirlos y luego de evaluarlos entregar una opinión. Con estos elementos nos acercamos a la “accountability”” no para juzgar el pasado sino con el fin de enmendar lo necesario y aprender de los errores para no cometerlos en el futuro. 

“The Report” es intensa y también agobia. Al mismo tiempo, proporciona una luz de esperanza. Las cosas pueden hacerse bien, por las vías oficiales y llegar a buen puerto. La persistencia de Daniel Jones habla de aquello. También la conducción política acertada, honesta y valiente de la senadora Dianne Feinstein. Varios elementos se juntan para poder sobrellevar los obstáculos. Después de muchos años, trabajo arduo, discusiones infinitas y diálogos interminables, el informe vio la luz como un resumen de 500 páginas, suficiente para acreditar los hechos y conocer la verdad de lo sucedido. Un paso adelante y una tarea cumplida. Enaltece que personas dediquen sus esfuerzos por el bien común a pesar de las amenazas, incluso arriesgando su integridad. Todo esfuerzo por la transparencia y la verdad bien vale su reconocimiento y esta cinta así lo pone de relieve. 

Ficha técnica  

Título original: The Report 
Año: 2019 
Duración: 118 minutos 
País: Estados Unidos 
Productora: Distribuida por Amazon Studios. Productor: Steven Soderbergh. Vice, Topic Studios, Margin of Error, Unbranded Pictures 
Género: Drama. Thriller | Política. Basado en hechos reales 
Guion: Scott Z. Burns 
Música: David Wingo 
Fotografía: Eigil Bryld 
Reparto: Adam Driver, Annette Bening, Jon Hamm, Ted Levine, Maura Tierney, Michael C. Hall, Tim Blake Nelson, Jennifer Morrison, Matthew Rhys, Ben McKenzie, Sarah Goldberg, Noah Bean, Carlos Gómez, Daniel London, Linda Powell, Victor Slezak, Joseph Siravo, Hope Blackstock, Jane May Graves, Evander Duck Jr., Julia Murney, Pun Bandhu, T. Ryder Smith, Jake Silbermann, Frances Eve, CJ Parson, Gregory Jones, Ratnesh Dubey, Corey Stoll, John Rothman, Alexander Chaplin, Guy Boyd, Dominic Fumusa, Ian Blackman, Fajer Al-Kaisi, Douglas Hodge, Scott Shepherd, Kate Beahan 
Dirección: Scott Z. Burns