Capitán Avispa

Sinopsis: La historia se desarrolla en Avispatrópolis y el Reino de la Miel los cuales viven en armonía en el panal protegidos por el Héroe de ambos, el Capitán Avispa, pero su archi-enemigo Avispón Jaques Poison y sus secuaces planean acabar con esa paz y apoderarse de ambas colonias. Está en las manos de este insecto defender a los suyos a toda costa, como siempre, con nobleza, justicia e inocencia.

"Qué bueno es, a veces, lo esencial", es lo que uno piensa al sumergirse en "Avispatrópolis: El Capitán Avispa y el Reino de la Miel", una película que, sin grandes pretensiones, se despliega ante a nuestros ojos como un animado cuento de abejas con corazón. Con un estilo que nos envuelve en la nostalgia de aquellas historias que nos contaban nuestros padres, esta pieza nos recuerda la importancia de los valores más simples: la nobleza, la justicia, y esa ternura infantil que tanto nos hace falta hoy día. El Capitán Avispa, un héroe que parece sacado de un libro mágico olvidado, lleva sobre sus pequeñas alas la responsabilidad de proteger a su gente, y lo hace con una inocencia difícil de encontrar. Es una película para todos, una propuesta cinematográfica que nos recuerda que papás, hijos, y hasta abuelos, pueden disfrutar juntos, transversalmente y sin complicaciones.

Los villanos, encabezados por el carismático Avispón Jaques Poison, añaden el contraste necesario para que la historia agarre vuelo. La trama, muy sencilla, nos introduce en el plan concebido por este malulo y que desestabiliza la paz del Reino de la Miel. Las persecuciones y las escaramuzas que se suceden son lo suficientemente entretenidas para mantenernos alertas, especialmente cuando la batalla se libra no solo por el control del panal, sino por el futuro de todos los habitantes del lugar. Aunque el conflicto es importante, la película no pierde esa ligereza que la hace agradable, tal como si se tratara de un vuelo suave en un tranquilo día de verano.

Ahora, hablemos de la música, porque aquí la cosa se pone interesante. Las canciones de fondo -todas de Juan Luis Guerra, quien también es productor-, en las escenas de acción son, por decir lo menos, una apuesta bastante arriesgada y no siempre encajan. Es como si se contrapusieran con el vértigo de la propia historia; raro, no cuadran. Sin embargo, cuando esos pegajosos ritmos y acordes suenan en los bailes y en los momentos de celebración, ahí sí que funcionan. ¡Bien por la bachata! El ambiente se siente muy cómodo, como en casa, y todo cobra sentido.

En la batalla final, muy clásica en su forma, vemos al Capitán Avispa enfrentarse no solo a sus enemigos, sino también a sus propias dudas. Aquí es donde la película culmina en alza al valorar la transmisión de un legado, poniendo en relieve siempre la verdad y la bondad. “Capitán Avispa”, se transforma en una película que, con su simpleza, le habla al niño que llevamos dentro, nos deja con una sonrisa, y con la certeza que, a veces, lo más valioso es también lo más sencillo.

Ficha técnica

Título original: Capitán Avispa
Año: 2024
Duración: 90 minutos
País: República Dominicana
Compañías: Guerra Films, Guerra Toons. Productor: Juan Luis Guerra. Distribuidora: Caribbean Films Distribution, Spanglish Movies
Género: Animación. Aventuras. Acción | Superhéroes. Insectos
Guion: Gustavo Lopez, Miguel Yarull. Idea: Juan Luis Guerra
Música: Juan Luis Guerra
Fotografía: Animación
Reparto: Voces de Luis Fonsi, Joy Huerta, Juanes, Juan Luis Guerra
Dirección: Jean Gabriel Guerra, Jonnathan Melendez 

El ladrón de perros

Sinopsis: Martín, un joven lustrabotas de 14 años que trabaja en las calles de La Paz, decide robar el perro de su mejor cliente, Novoa, un solitario sastre a quien Martín a comenzado a imaginar como su padre.

Gracias a la hermosa fotografía a cargo de Sergio Armstrong, esta pieza escrita y dirigida por Vinko Tomičić toma fuerza en la medida que avanza en metraje. Encuadres especiales y un sonido de excelente calidad, suman bonos a un tratamiento cinematográfico que da cuenta de un transito, un seguimiento ágil y profundo a un adolescente que comienza a descubrir el mundo con sus propios ojos.

Martin -Franklin Aro-, tiene la autoestima en el suelo. Menospreciado y víctima de buylling en el colegio, su escapatoria es trabajar limpiando zapatos en el centro de la ciudad. Se tapa la cara con un pasamontañas, no por frío ni por otras razones, solo se quiere ocultar del mundo que lo acosa.

Su deseo de surgir y salir adelante encuentra una veta con un instrumento musical, la trompeta, y con la posibilidad de integrar la banda del colegio. Martin tiene voluntad, pero no tiene herramientas para desarrollarla. Eso lo lleva a deambular, a buscar y recorrer, a tratar de encontrar una oportunidad a la que poder aferrarse.

La ciudad y su entorno nocturno es otro personaje que se encuentra al acecho. Ruidos de fondo se logran percibir como amenaza. ¿Un evento social en ciernes? ¿La ciudad provoca temor, o Martin le tiene temor a la ciudad? El contraste es desgarrador, preciosas vistas versus otras en las que aflora la pobreza extrema de cada rincón visitado por la cámara. Conviven estados y estratos muy diversos, un mapa amplio, cultural y político de La Paz actual, con altos y modernos edificios y un sinnúmero de construcciones precarias entre sus cerros.

La relación con Novoa -Alfredo Castro-, se va construyendo gradualmente. De solo lustrar sus zapatos, avanza al punto de ir a su casa por un plato de comida y algo más, pero allí surge la idea de aprovecharse también, porque el precioso perro del sastre puede otorgar una oportunidad de ganar dinero al robarlo, secuestrarlo y esperar una recompensa por encontrarlo. No suena mal, se debe implementar el plan y ejecutarlo a la perfección, sin descuidos, con atención al más mínimo detalle. Y se lleva a cabo, y resulta, al menos la primera etapa del robo.

En medio de la desolación del patrón, Martin resulta ser una compañía impensada. Es más, pide ayudarle, y pronto surge el interés por aprender el oficio. Avanza más la relación, hay más que compañía, existe complicidad e incluso un poco de cariño. Martín quiere la vida de Novoa, la imita tal vez, la anhela, aprende de sus gustos, parece genuino aunque algo forzado por una sospecha que cada vez se torna más posible. ¿Y si Novoa es su padre, el hombre que abandonó a su madre a la suerte de la calle cuando ella se embarazó inesperadamente?

Interesante propuesta de Vinko Tomičić para mostrar una realidad diferente, con pocos elementos pero muy bien detallados y rodados. “El ladrón de perros” es una película de grandes contrastes, como por ejemplo intercalar Rachmaninoff en medio de una secuencia importante de transferencia cultural y social entre los protagonistas. También toca temas de fondo como el cuidado de los menores, la adopción, el trabajo infantil y los abusos, en el descubrimiento de una personalidad que va de la sorpresa a la emoción, del agradecimiento al aprovechamiento, y de la dualidad extrema que producen, por igual, la culpa y el amor.

Ficha técnica

Título original: El ladrón de perros
Año: 2024
Duración: 90 minutos
País: Bolivia
Compañías: Coproducción Bolivia-Chile-Francia-México-Ecuador-Italia; Calamar Cine, Color Monster, Easy Riders Films, Jirafa, Machete Producciones, Zafiro Cinema
Género: Drama | Perros/Lobos. Robos & Atracos
Guion: Vinko Tomičić
Música: Wissam Hojeij
Fotografía: Sergio Armstrong
Reparto: Franklin Aro, Alfredo Castro, Teresa Ruiz, María Luque, Julio César Altamirano, Ninón Dávalos
Dirección: Vinko Tomičić 

No son 30 pesos

Documental argentino dirigido por Fernando Krichmar que explora la historia del Frente Patriótico Manuel Rodríguez (FPMR), una organización de resistencia armada que nació en los años 80 durante la dictadura de Augusto Pinochet en Chile. A través de una mezcla de elementos documentales y de recreaciones, la película busca conectar los eventos del pasado con las protestas sociales surgidas en Chile hace casi cinco años. El título hace referencia a la consigna popular "No son 30 pesos, son 30 años", que engloba la demanda del denominado “estallido social” del 18 de octubre del 2019.

El documental utiliza una combinación de testimonios con ficción desarrollada por actores jóvenes, lo que posibilita un diálogo intergeneracional que intenta poner en perspectiva la persistencia de las luchas sociales a lo largo del tiempo. En este sentido, este trabajo no solo revisita al grupo armado que luchó contra la dictadura chilena, sino que también reflexiona sobre la relevancia histórica del FPMR en el contexto político actual, alzando como hipótesis la continuidad de las demandas sociales en el momento presente.

La dirección de Fernando Krichmar combina elementos en una estructura que, aunque ambiciosa, presenta un ritmo desigual y una división arbitraria entre sus distintos enfoques. Las partes documentales, basadas en testimonios y material de archivo, logran captar la crudeza de los eventos históricos, mientras que las secuencias ficcionales intentan agregar un valor más emocional y simbólico a los mismos hechos. Sin embargo, aquellas transiciones a menudo van en sentido contrario, creando una experiencia visual que oscila entre momentos de intensidad y otros que provocan desconexión.

El guion de Ximena González y del propio director, logra conectar pasado y presente a través de un desarrollo temático que resulta, a veces, irregular, donde las actuaciones resultan convincentes pero los testimonios reales son los que aportan la necesaria autenticidad. La relevancia social es clara, refleja las luchas ejercidas en Chile y también, en voz de sus protagonistas, el legado, aun presente, de la dictadura.

"No son 30 pesos" es mucho más que un documental; es una declaración de principios con todas las letras, un tributo a la lucha contra Pinochet y las batallas sociales que, según sus autores, aún siguen vigentes en Chile. Krichmar, literalmente, no le quita el cuerpo a las balas. La película se planta firme en lo ideológico, inclinándose sin tapujos hacia el panfleto. Este enfoque deja claro que no se trata solo de narrar los hechos, sino de influir en la percepción del espectador sobre lo que es justo y lo que no. Así, lo que empieza como un conjunto de testimonios se transforma en un llamado colectivo, una invitación a la reflexión y, por qué no, también a la acción.

Ficha técnica

Título original: No son 30 pesos
Año: 2023
Duración: 147 minutos
País: Argentina
Guion: Fernando Krichmar, Ximena González
Música: Karen Higgs, Federico Pritsch
Fotografía: Álvaro de la Barra
Género: Documental | Dictadura chilena
Reparto: Documental
Dirección: Fernando Krichmar 

El Cuervo

Estamos ante una película que perfectamente podría provocar reacciones divididas. La fotografía, oscura y cargada de símbolos, se entrelaza con el guion para mantener la esencia del original al tiempo que se atreve a explorar nuevos caminos. No obstante lo anterior, este filme tambalea un poco al intentar mantener un equilibrio, transformando la experiencia en algo que puede ser tanto cautivador como desorientador.

La dirección de la película está a cargo de Rupert Sanders, un director que ha demostrado su capacidad para crear ambientes densos y envolventes en películas como "Snow White and the Huntsman” y “Ghost in the Shell”. En "El Cuervo", Sanders se ve dentro de su zona de confort, abordando una temática familiar: la lucha entre la luz y la oscuridad, tanto en sentido literal como metafórico. A pesar de su talento para el manejo de los ritmos, en esta ocasión, su estilo parece verse limitado por las expectativas que rodean esta nueva versión. Rupert Sanders intenta, tal vez, homenajear al original con elementos contemporáneos, pero en ocasiones, estos esfuerzos generan una desconexión entre lo que se presenta en pantalla y lo que el público espera captar emocionalmente.

La trama de "El Cuervo" sigue la historia de Eric Draven, un músico que regresa de la muerte para vengar su asesinato y el de su novia. La base original de la historia -de la que esta es una segunda adaptación, según los autores-, proviene de la novela gráfica homónima de James O'Barr, un relato que combina elementos de tragedia, amor y violencia en un mundo gótico. Esta vez, la historia se expande, incluye nuevos personajes con subtramas que intentan profundizar en la psicología de Draven y en los antagonistas que enfrenta.

Las actuaciones tienen de todo un poco. El protagonista, interpretado por Bill Skarsgård, un actor joven con gran talento emergente, logra capturar la esencia atormentada de Eric Draven, aunque su interpretación se sienta un poco más contenida que la de Brandon Lee en la versión de los 90. FKA Twigs, por su parte, se va al extremo opuesto, hacia un desarrollo más íntimo y sobrio que provoca un natural contraste con su contraparte. La química entre ambos es muy buena, por cierto, sin embargo, es superada por Danny Huston, el principal villano, quien destaca por un carisma que lo lleva, tal vez, a ser uno de los puntos fuertes de la película.

La comparación con la versión anterior de "El Cuervo" es inevitable. Aquella película, dirigida por Alex Proyas y protagonizada por el ya mencionado Lee, se ha convertido, a esta altura, en un clásico de culto, en gran parte debido a la trágica muerte del actor durante el rodaje. Esta versión de 2024 si bien mantiene elementos estéticos y temáticos de la original, se distancia al introducir opciones más modernas y un actualizado enfoque visual.

"El Cuervo”, del año 2024, es una película que, a pesar de sus debilidades argumentales y narrativas, merece una oportunidad por tener ambición visual y por ser audaz en su desarrollo. No es una experiencia cinematográfica para quedar indiferente debido, principalmente, a la densa atmósfera que propone junto a la oscuridad emocional de sus protagonistas.

En frente tenemos un filme en extremo violento, con mucha sangre por milímetro cuadrado, explícitamente crudo y muy visceral. Si tiene reparos en alguno de estos aspectos, es mejor contenerse, porque podría ser una barrera insalvable para ingresar a esta inmersión cinematográfica. Si, por el contrario, ya vio la primera y siente curiosidad por esta nueva adaptación, esta película es para usted. Vaya, siéntese, disfrute, y trate que nada de lo que sucede en pantalla le salpique.

Ficha técnica

Título original: The Crow
Año: 2024
Duración: 111 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Coproducción Estados Unidos-Reino Unido-Francia; The Electric Shadow Company, Edward R. Pressman Film, Davis Films, Hassell Free Productions, Edward R. Pressman Film
Género: Thriller. Fantástico | Venganza. Cómic
Guion: Zach Baylin, William Schneider. Cómic: James O'Barr
Música: Volker Bertelmann
Fotografía: Steve Annis
Reparto: Bill Skarsgård, FKA Twigs, Danny Huston
Dirección: Rupert Sanders 

El Reino de Kensuke

Esta cinta es una bella animación que adapta la novela infantil de Michael Morpurgo. La historia sigue a Michael, un niño que, durante un viaje en velero con su familia, es arrastrado por una tormenta y acaba naufragando en una isla desierta en el Pacífico. Allí, Michael descubre que no está solo. Kensuke, un veterano japonés de la Segunda Guerra Mundial, ha vivido en la isla durante años. A medida que Michael y Kensuke se van conociendo, va surgiendo entre ellos una relación llena de desafíos y descubrimientos, donde ambos aprenden a superar sus diferencias y a apoyarse mutuamente para sobrevivir.

Lo que hace especial a esta película no es solo su historia, sino cómo cada elemento se combina para llevarnos por un viaje profundamente emocional. Desde el principio, la música nos envuelve, marcando el tono de la soledad que rodea a Michael en su aventura. Aunque la trama avanza lentamente al inicio, esos primeros veinte minutos son cruciales para prepararnos, sumergiéndonos en la sensación de abandono y aislamiento que Michael siente al quedar varado en la isla. Aquí, la soledad que experimenta no es solo física, sino también emocional, y la música se convierte en el latido que mantiene viva la tensión, recordándonos lo frágil de su situación.

Cuando Michael se da cuenta de que no está completamente solo, cuando le llega comida como “por arte de magia”, se abre la puerta a un encuentro inesperado. Kensuke, un hombre que ha vivido en soledad por años, se atreve a establecer un contacto silencioso y cauteloso con él. Este encuentro se convierte en un desafío lleno de miedo y curiosidad, pues los límites que Kensuke establece son constantemente desafiados por la naturaleza rebelde e infantil de Michael. Pero este proceso no es en vano; es parte del crecimiento de Michael, donde su inmadurez va dando paso a una comprensión más profunda de respeto y cooperación. La soledad se convierte así en una lección, y Kensuke en el maestro que enseña el valor de la paciencia y la sabiduría.

La relación que se forja entre Michael y Kensuke es un bello testimonio de cómo dos mundos opuestos pueden encontrarse en un punto común. A pesar de las grandes diferencias culturales y generacionales, ambos personajes descubren que comparten mucho más de lo que imaginaban. Sin embargo, como toda buena historia, la paz que encuentran es breve. La llegada de unos cazadores amenaza con destruir todo lo que han construido juntos. Es en estos momentos de peligro cuando la verdadera naturaleza de la amistad se revela, mostrando que los lazos creados en la adversidad son los más fuertes.

"El Reino de Kensuke" es más que una historia de supervivencia; es un viaje hacia la madurez, tanto para Michael como para nosotros como espectadores. Michael aprende a valorar la vida, las conexiones humanas y los sacrificios que hacemos por quienes amamos. A través de su relación con Kensuke, este joven descubre el verdadero significado de la amistad, el cariño y la familia. Aunque las pérdidas sean inevitables, la película nos deja con un mensaje de esperanza: incluso en los momentos más oscuros, la bondad, el amor y los valores compartidos pueden ayudarnos a encontrar la luz al final del tunel.

Ficha técnica

Título original: Kensuke's Kingdom
Año: 2023
Duración: 74 minutos
País: Reino Unido
Compañías: Coproducción Reino Unido-Luxemburgo-Francia; Bankside Films, Align, British Film Institute, Bumpybox, Ffilm Cymru Wales. Distribuidora: Front Row Filmed Entertainment
Género: Animación. Aventuras | Supervivencia
Guion: Frank Cottrell Boyce. Novela: Michael Morpurgo
Música: Stuart Hancock
Fotografía: Animación
Dirección: Neil Boyle, Kirk Hendry 

Longlegs: coleccionista de almas

Más que interesante resulta esta película escrita y dirigida por Oz Perkins. Desde la introducción, un viaje lento con un efecto visual de cambio de colores que concluye una secuencia con un “cluster”, y que entrega misterio y suspenso a una composición audiovisual que promete sorpresas. Dividido en tres partes, este filme denota un excelente nivel de producción, gracias a una nitidez de sonido que resulta envolvente, y una calidad de filmación que destaca por sobre otras películas de su género.

¿Qué dice la sinopsis de esta historia? A Lee Harker, una nueva y talentosa agente del FBI, le han asignado un caso sin resolver de un asesino en serie. A medida que la investigación se complica y se descubren pruebas ocultas, Harker se da cuenta que existe un vínculo personal con el despiadado asesino y debe actuar con rapidez para evitar otro asesinato.

¿Cuáles son los puntos que se anota “Longlegs”? Varios, por cierto. Primero, el desarrollo del suspenso. Simple, directo, sin apuro, muy lento. No es fácil sostener la tensión cuando la historia avanzan cansinamente, pero acá el director lo consigue ampliamente. Segundo, la sencillez de la trama denota que hay mucho trabajo detrás, para que sea coherente y no se produzcan vacíos narrativos. Acá, si bien es poco lo que sucede en la mayoría de las secuencias, la ambientación lo es todo. Y con todo, me refiero a los escenarios, pero principalmente a las capas de sonido que entrega la partitura de Zilgi, seudónimo de Elvis Perkins, hermano del director de la película.

Siguiendo con el análisis de los aspectos centrales, la obra se va armando como un pequeño rompecabezas, donde las pistas son las piezas que se deben unir con trabajo y una buena cuota de talento e intuición. Cuando vamos conociendo la personalidad de Lee Harker -muy bien interpretada por Maika Monroe-, comprendemos que hay traumas producto de una historia pasada, y vienen los contrastes entregados por la soledad, la casa, el silencio y en ocasiones el viento, todas metáforas de una construcción quebrada en el tiempo y con una necesidad imperiosa de ser reparada.

Cuando la cinta ingresa a su sección central, más pistas entregan patrones. Sospechamos de cultos que tal ves están cubiertos por símbolos u otros elementos que nos hacen dudar desde dónde viene y hacia dónde va la historia. Imágenes van y vienen, flash backs recurrentes, extrañas relaciones, obligaciones incomprensibles y un caso particular que parece robarse el relato.

Párrafo aparte para Nicolas Cage interpretando a Longles, el histriónico y esquivo asesino en serie cuyo nombre real es Dale Cobble. Notable el actor para dar vida a un personaje complejo, que fácilmente puede caer en la caricatura pero que debe jugar al límite para ser creíble y respetado como tal.

El epílogo no es más que una confirmación de un estado de las cosas donde no veremos muchos avances, sino más bien descubriremos finalmente las relaciones que existen entre cada una de las variantes que el guion puso delante de nuestros ojos. Por eso, “Longlegs” es más una película de sensaciones que de acción, de revelaciones más que de efectos especiales, y mucho más de personalidades que de un convencional thriller de suspenso. En ese sentido, es el aspecto psicológico el que juega el papel fundamental, porque ya han jugado con nosotros, nos han hecho dudar y mostrar nuestras cartas, nos han hecho tomar partido y tener una opinión sobre la conclusión de la historia. ¿Qué tan cerca estuvimos o estaremos? Pregunta planteada para que usted, querida lectora, querido lector, pueda emitir su respuesta.

Ficha técnica

Título original: Longlegs
Año: 2024
Duración: 101 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: C2 Motion Picture Group, Saturn Films, Neon, Range Media Partners
Género: Thriller. Terror | Thriller psicológico. Asesinos en serie. Policíaco
Guion: Oz Perkins
Fotografía: Andrés Arochi
Reparto: Maika Monroe, Nicolas Cage, Blair Underwood, Alicia Witt, Michelle Choi-Lee, Dakota Daulby, Kiernan Shipka
Dirección: Oz Perkins 

Parpadea dos veces

En su primera incursión al frente de un filme, la directora Zoë Kravitz nos regala un thriller psicológico que se aventura a caminar por la delgada cornisa que separa el suspenso clásico de la comedia negra. La trama nos lleva a conocer a Frida, una camarera que, al aceptar una invitación del magnate tecnológico Slater King para pasar unos días de vacaciones en una isla privada, se sumerge en una cadena de eventos que convierten lo que prometía ser un paraíso en una auténtica pesadilla. Kravitz intenta desmenuzar las dinámicas de poder junto a las complejidades de las relaciones contemporáneas, sin embargo la película, por momentos, presenta ciertas indefiniciones que repercuten en su coherencia y ponen en riesgo el resultado final.

Las actuaciones resultan fundamentales en esta propuesta. Naomi Ackie, con su rol de Frida, logra plasmar la evolución emocional del personaje al reflejar tanto su fragilidad como su temple en un entorno que se hace cada vez más intimidante. Channing Tatum, por otra parte, asume un papel mucho más parco y sombrío de lo que nos tiene acostumbrados, para encarnar a un magnate con muchas aristas, interpretación que cumple su objetivo pese a la ausencia de elementos necesarias para mostrar la complejidad moral de su personaje. Con un elenco muy atractivo, donde además destacan nombres como Christian Slater y Geena Davis, la película exhibe gran talento aún cuando varios de sus personajes secundarios no alcanzan el desarrollo necesario para dejar un recuerdo importante.

El trabajo de Kravitz, visualmente atractivo, deja entrever los desafíos propios de quien debuta en la silla de director. Kravitz maneja con destreza las escenas de tensión, en especial la construcción del largo preámbulo inicial, secuencias en las que tenemos permanentemente la sensación de que algo va a ocurrir en algún momento y lo esperamos con verdaderas ansias. Las decisiones estilísticas para lograr la atmósfera apropiada del lugar son muy acertadas, sin embargo, la narrativa se percibe un poco saturada con temas que no llegan a profundizarse completamente, dejándonos con la impresión que el filme tal vez ha querido abarcar demasiado. Declarados chispazos de humor negro, en su mayoría ingeniosos, por momentos interrumpen la buena generación del suspenso, añadiendo a la película una capa ambigua respecto a su real motivación.

"Parpadea dos veces" deja claro que Zoë Kravitz tiene una visión clara y definida y también el potencial para ser una gran directora. Posicionamiento de cámaras, filtros y una edición más que interesante, tienen un correlato en la mezcla de géneros y estilos -uno de los méritos destacados de esta producción-, aunque no siempre consiga llevar a cabo todas las ideas, lo que se hace visible sobre todo al final, cuando comprime una conclusión que debió tener más espacio de desarrollo para evidenciar consecuencias de manera más fluida y coherente.

En síntesis, para quienes disfrutan de un cine que se atreve a jugar más con expectativas que con situaciones concretas, "Blink Twice" puede ser una experiencia que valga la pena explorar.

Ficha técnica

Título original: Blink Twice
Año: 2024
Duración: 102 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Free Association, Bruce Cohen Productions, Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), Redrum. Distribuidora: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM)
Género: Intriga. Thriller | Thriller psicológico
Guion: E.T. Feigenbaum, Zöe Kravitz
Música: Chanda Dancy, Gabriel Garzón-Montano
Reparto: Naomi Ackie, Channing Tatum, Christian Slater, Simon Rex, Adria Arjona, Haley Joel Osment, Kyle MacLachlan, Geena Davis, and Alia Shawkat
Dirección: Zöe Kravitz 

Lo mejor está por venir

Desde la escena introductoria, que incluye los créditos iniciales, se observa que estamos ante una película diferente. Giovanni -Nanni Moretti-, un director altamente comprometido con la realización de su nuevo trabajo, enfrenta problemas en varios frentes. En su casa, su hija no le hace caso; en el set, las dificultades arrecian ya que su esposa Paola -Margherita Buy-, no oficia como su productora; y en la vida, su crisis es tan grande como lo que busca representar en la filmación. Raya para la suma: frustración y desesperanza extrema.

Una vez más tenemos cine dentro del cine, una fórmula recurrente que se encarga de aportar una cuota interesante respecto a la mirada que los cineastas tienen sobre la industria y sobre sí mismos. En este caso, Moretti no abusa. Por el contrario, es cauto a la hora de tejer e hilvanar los conflictos que traslada a la pantalla grande como si se tratara de un espejo de su vida real y concreta.

Si muchas veces hablamos de las capas presentes en los relatos, en esta oportunidad todas son claras y muy visibles. Por un lado tenemos la más personal, que se refiere a la vida familiar del protagonista. Pequeña familia, grandes problemas: su hija tratando de ser independiente, su mujer explorando salir de su campo de acción como productora de otra película, y un problema mayor, quizá imperceptible para él, una viga que está a punto de caer sobre su vida: el quiebre matrimonial.

En el set está la segunda capa, la que a su vez tiene otras aristas particulares, pues la historia es política y da cuenta de la reacción de una sección local del Partido Comunista Italiano respecto a la revolución húngara de 1956. La intervención armada soviética, de hecho, ha puesto al PCI en una posición incómoda, lo que en esta ficción es representada por Ennio -Ennio Mastrogiovanni-, secretario de un círculo romano del PCI y editor de “l'Unità”, y por su esposa comunista, interpretada por Vera -Barbora Bobuľová-, quien solidariza inmediatamente con la causa húngara mientras su marido espera que el partido tome una posición oficial.

Pero los problemas abundan, y ante la falta de dinero por la insolvencia de Pierre -Mathieu Amalric-, el productor asociado, es urgente buscar nuevas fuentes de financiamiento. Aparece allí una nueva dimensión, mucho más actual, representada por una hilarante reunión con un grupo ejecutivo de Netflix, en la que las partes parecen bandos separados por abismos insondables. La solución final al problema económico proviene de la asociación con un grupo de productores coreanos que, aunque tampoco se entienden mucho, al menos le permiten a Moretti concluir su trabajo relativamente en paz.

Ya les he contado mucho del argumento, y me disculpo por ello, sin embargo abordar esta película sin mencionar sus pilares centrales resulta difícil, más aún tomando en cuenta que se trata de la autofilmación de un director que tiene bastante historia en el cine italiano. “Sogni d'oro”, “Bianca”, y “Palombella rossa”, emergen con sus citas, todas películas de los años 80, y también el cine del maestro Fellini, con una secuencia de “La dolce vita”, y algo de “8 y 1/2”. Y la verdad es que son más que citas, homenajes tal vez, de un cineasta que quiere volver a ser considerado luego de un tiempo en el que no ha podido enhebrar certeramente la aguja.

El giro final presente en “Il sol dell'avvenire” no solo confirma una necesidad, sino que hace patente algo que resulta obvio a todas luces. Hay cierta complacencia, cómo no, pero tratada con una mirada sutilmente irónica. Nanni Moretti no se lamenta. Al contrario, se ríe de sí mismo y transforma esa benevolencia personal en un desafío particular. Hay que leer entre líneas para poder ver el drama en una comedia cuyo ropaje fácilmente nos puede distraer. La abundancia de elementos y la constante dispersión, son trampas para ocultar lo que verdaderamente trasunta esta película: arte en estado completo, producto de los sueños y anhelos, pero también de la miseria y la frustración personal, un retrato vívido de los esfuerzos de un creador por permanecer vigente, apelando al pasado, sobreviviendo al presente, y con sus ojos siempre puestos en la ilusión de un futuro mejor.

Ficha técnica

Título original: Il sol dell'avvenire
Año: 2023
Duración: 91 minutos
País: Italia
Compañías: Sacher Film Rome, Fandango Produzione, RAI Cinema
Género: Comedia. Drama | Circo. Años 50. Años 60. Años 70. Cine dentro del cine
Guion: Francesca Marciano, Nanni Moretti, Federica Pontremoli, Valia Santella
Música: Franco Piersanti
Fotografía: Michele D'Attanasio
Reparto: Nanni Moretti, Margherita Buy, Silvio Orlando, Ennio Mastrogiovanni, Barbora Bobuľová, Mathieu Amalric, Jerzy Stuhr, Teco Celio, Valentina Romani
Dirección: Nanni Moretti 

Nada que perder

Dirigida por Delphine Deloget, esta cinta muestra la vida de Sylvie, una madre soltera que vive en Brest, Francia, con sus dos hijos, Sofiane y Jean-Jacques. Una noche, mientras ella trabaja, Sofiane sufre quemaduras graves estando solo en el departamento. Debido al incidente, el pequeño es internado en un hogar de acogida, lo que desencadena una batalla legal y administrativa de Sylvie para recuperarlo y mantener a su familia unida al tiempo que intenta demostrar que es capaz de cuidar a sus hijos.

¡Qué trascendente nudo de conflicto presenta esta película! El tema es sensible y delicado, pues apunta a lo más profundo que una madre puede sentir respecto a un hijo, y que tiene que ver, esencialmente, con su bienestar, es decir, su cuidado tanto físico como sicológico y emocional. Sylvie debe trabajar para sostener a su familia, y su trabajo nocturno no le permite estar siempre presente. Jean-Jacques, el hijo mayor, es quien debe asumir el cuidado de su inquieto hermano menor, algo que no le corresponde, por cierto, pero no hay otra solución. Un descuido, un accidente grave, la angustia consiguiente, configuran un escenario que se agudiza aun más cuando el servicio social debe tomar cartas en el asunto con el fin de salvaguardar y proteger al menor de edad

Sylvie es cuidadosa, mantiene a raya sus relaciones en el trabajo, e intenta llevar una vida normal, pero se encuentra siempre bajo una gran presión. Presión económica, presión como madre, presión como mujer, presión social, y tal vez la más agobiante, una autoexigencia que está a punto de inmovilizarle. Las dudas son pan de cada día, y el qué hacer no tiene respuesta. Luego del accidente lo intenta todo, incluso un cambio de trabajo, pero nada resulta, todo parece estar en contra, la condiciones no mejoran, muy por el contrario, empeoran. ¿Hay salida?

Delphine Deloget, también autor del guion, explora las reacciones. Este es el fuerte de la cinta gracias a una sólida actuación de Virginie Efira quien se lleva el peso de estar casi siempre en escena. Sus gestos y silencios, junto a sus airadas respuestas, demuestran desesperación e impotencia, una rabia incontenible producto de una tristeza inimaginable. ¿Quién puede soportar una carga así? Que le separen de lo más preciado, su hijo menor, al que solo ella entiende y contiene. ¿Un infortunio puede determinar el resto del futuro? La película plantea una disyuntiva feroz entre la maternidad y un sistema legal que, aún reconociendo sus buenas intenciones, se muestra rígido, inhumano, y carente de cualquier tipo de empatía.

“Rien à Perdre” es un drama que logra conmover. Está en juego la vida de un menor, pero ¿quién puede determinar lo que es mejor para él? ¿Un sistema de protección de menores o su propia madre? El dilema es fundamental y tal vez no tiene una respuesta unívoca. La película se encarga de hacer aún más difusa la línea al destacar la fortaleza y determinación de una madre en circunstancias difíciles, pero también considerar la protección de menores cuando sus condiciones de vida ponen en peligro su integridad. No obstante, y y tomando una posición, este trabajo se inclina claramente hacia el amor maternal, la lucha contra el sistema y la resiliencia extrema. El centro del relato es Sofiane, o Sylvie, dependiendo la lectura que podamos hacer, aunque también resulta claro que el valor primordial que se destaca es la lucha y la perseverancia de una madre por recuperar a su hijo, contra viento y marea, contra todo obstáculo y adversidad.

Ficha técnica

Título original: Rien à Perdre
Año: 2023
Duración: 112 minutos
País: Francia
Compañías: Curiosa Films, Unité de production
Género: Drama
Guion: Pierre Chosson, Delphine Deloget, Julia Kowalski
Fotografía: Guillaume Schiffman
Reparto: Virginie Efira, Félix Lefebvre, Arieh Worthalter, Mathieu Demy, India Hair
Dirección: Delphine Deloget 

Los Inseparables

Concebida por los mismos creativos detrás de la exitosa "Toy Story" -Joel Cohen y Alec Sokolow -, esta película aborda variados temas como la amistad, la perseverancia y el coraje de una manera sencilla y que también resulta tierna y conmovedora.

Cuando se apagan las luces en un antiguo teatro al interior del Central Park, las marionetas cobran vida. Dos amigos, poco comunes y bastante improbables, Don, un bufón inspirado en Don Quijote, y DJ Doggie Dog, un peluche de perro abandonado que sueña con convertirse en una estrella de rap, se reúnen en una épica aventura a través de la ciudad de Nueva York para convertir sus sueños en realidad, incursionando en un mundo nuevo donde buscan un hogar y también un lugar al que pertenecer. A lo largo de esta entretenida aventura, deberán enfrentar desafíos que pondrán a prueba su lealtad y la fuerza de su vínculo, al tiempo que descubrirán la importancia de las segundas oportunidades, y el valor de mantenerse unidos a pesar de las adversidades.

La trama, aunque predecible en algunos puntos, logra que conectemos gracias a personajes entrañables y una historia que celebra tanto la diversidad como la importancia de soñar. La dirección, a cargo de Jérémie Degruson, muestra un manejo sólido de la animación, con secuencias visualmente preciosas y un diseño de personajes que resulta encantador, aunque, en ocasiones, se perciba cierta falta de originalidad en el relato al apoyarse en fórmulas ya establecidas en el género. Los diálogos son sencillos y directos, adecuados para el público al que va dirigido, y la banda sonora, a cargo de Puggy, aporta una energía vibrante y emotiva que acompaña muy bien las aventuras de los protagonistas.

"Los inseparables”, que comienza con una frase de John Lennon, “un sueño que sueñas solo es sólo un
sueño. Un sueño que sueñas junto a otros es realidad”, es entretenida y tiene un mensaje que puede conquistar no solo a los más pequeños. “Al principio, Don utiliza su imaginación para escapar de su realidad, para reinventarse. No obstante, poco a poco, también aprende a utilizar su imaginación para ayudar a los demás”, señala el director Jeremy Degruson. “Es una historia de aventuras y amistad, una oda a la imaginación que nos invita a salir de nuestra zona de confort en busca de la magia”. 

Si bien no inventa la rueda en términos de animación o narrativa, este filme animado cumple perfectamente el objetivo de ofrecer una experiencia cinematográfica cercana, llena de valores positivos, e ideal para disfrutar ampliamente en un ambiente familiar.

Ficha técnica

Título original: Les Inséparables
Año: 2023
Duración: 85 minutos
País: Francia
Compañías: Coproducción Francia-España-Bélgica; nWave Pictures, A Contracorriente Films, Octopolis
Género: Animación. Comedia. Aventuras
Guion: Bob Barlen, Cal Brunker. Historia: Joel Cohen, Alec Sokolow
Reparto: Animación
Música: Puggy
Fotografía: Animación
Dirección: Jérémie Degruson 

Borderlands

“Borderlands” es una nueva apuesta para llevar un videojuego popular a la pantalla grande, y vaya que es difícil este desafío. La historia nos traslada a Pandora, un planeta donde todo se trata de la supervivencia, y los cazadores de la Cámara, un grupo de inadaptados con habilidades únicas, buscan una bóveda legendaria supuestamente repleta de riquezas y secretos. Lilith -Cate Blanchett-, una mujer con extraordinarios poderes, lidera un extravagante equipo que en el camino suma a Roland -Kevin Hart-, un ex soldado con un inquebrantable sentido del deber, y a Claptrap, un robot sarcástico, hilarante, chispeante e ingenioso, pero poco útil.

La película sigue de cerca la trama del videojuego, manteniendo la búsqueda de la misteriosa Cámara como eje central, pero agrega algunos giros que intentan profundizar en los orígenes de los personajes. Aunque la esencia del juego -con humor desenfrenado y caos constante-, está presente, según los entendidos, la película se toma algunas licencias, también según los que saben, lo que podría no ser del gusto de todos los gamers. Sin embargo, y también por lo que he leído en otras reseñas y comentarios, al parecer se las arregla bastante bien para capturar la particular energía que hace de Pandora un lugar intrigante.

En cuanto al elenco, Cate Blanchett brilla por sobre todos, sin lugar a dudas. Luego de ser la magistral “Tar”, el giro que realiza para interpretar a Lilith es notable. Al combinar dureza con momentos de vulnerabilidad, hace que el personaje sea mucho más que solo una heroína de acción. ¡Bravo por Cate! Por su parte, Kevin Hart, reconocido por sus dotes de comediante, sorprende con un Roland algo serio, mostrando que también puede manejar correctamente los papeles dramáticos. Jack Black, poniendo la voz a Claptrap, es otro acierto, pues logra que el personaje mantenga un tono sarcástico y divertido, aunque por momentos agote o se siente un poco “fuera de tiesto”. Jamie Lee Curtis está muy bien como la excéntrica doctora Tannis, un secundario a su altura, tanto en su forma, como en todo el espectro del personaje.

El director Eli Roth, conocido por su trabajo en el género de terror con películas como “Hostel”, imprime un estilo característico a “Borderlands”. Aunque, por sus trabajos previos podría parecer extraño, Roth logra conjugar en la narrativa la acción intensa y el humor oscuro de la historia. Su enfoque en la violencia y el caos funciona la mayoría de las veces, aunque en algunos puntos es demasiado intenso, lo que podría no encajar con todos los públicos. Es un riesgo, por cierto, pero su experiencia en crear atmósferas tensas añade toques distintivos a la película.

Donde esta ficción realmente sobresale es en su diseño de producción y en los efectos especiales. Pandora se ve increíblemente detallada, con paisajes que parecen sacados directamente de las pantallas del juego, lo que se hace evidente, aún sin conocer el mundo original. Las escenas de acción son acrobáticas y espectaculares, aunque con una edición que puede ser un poco abrumadora, confusa y cansadora, con varias secuencias difíciles de seguir. El ritmo es muy rápido, demasiado tal vez, por lo que algunas transiciones entre escenas pueden sentirse bruscas, y sus diálogos, en su mayoría entretenidos, muy pasados por encima y bastante manidos.

“Borderlands”, aunque no logre convencer a todos, indudablemente tiene varios puntos a favor. Las críticas han sido mixtas, y hay quienes han dicho que la película no captura del todo el espíritu del juego. Bueno, sin conocerlo es difícil opinar en forma más profunda, sin embargo lo que no podemos negar es que visualmente estamos ante una danza espectacular. La fotografía y los efectos especiales son de lo mejor en este filme, un lujo para ver en pantalla grande, aunque el guion flaquee por doquier. Tal vez puede que a uno le guste más o menos, que se entretenga más o menos, y también puede ser que no estemos ante un desarrollo brillante, pero aun así, tomando todo en cuenta, y raya para la suma, aunque solo sea por Cate Blanchett, “Borderlands” claramente tiene lo suyo.

Ficha técnica

Título original: Borderlands
Año: 2024
Duración: 102 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Arad Productions, Picturestart, Gearbox Studios, Lions Gate Films, Media Capital Technologies. Distribuidora: Lions Gate Films
Género: Ciencia ficción. Acción. Comedia | Comedia negra. Futuro postapocalíptico. Videojuego
Guion: Eli Roth, Joe Crombie. Historia: Eli Roth
Música: Steve Jablonsky
Fotografía: Rogier Stoffers
Reparto: Cate Blanchett, Kevin Hart, Jack Black, Edgar Ramírez, Ariana Greenblatt, Florian Munteanu, Gina Gershon, Jamie Lee Curtis
Dirección: Eli Roth

Romper el Círculo

Sinopsis: Lily Bloom -Blake Lively-, es una mujer que se sobrepone a una infancia traumática para embarcarse en una nueva vida en Boston y perseguir el sueño de abrir su propio negocio. Un encuentro casual con el encantador neurocirujano Ryle Kincaid -Justin Baldoni-, desata una intensa conexión entre ellos, pero al tiempo que ambos se enamoran profundamente, Lily comienza a ver en Ryle aspectos que le recuerdan la relación que tenían sus padres. Cuando el primer amor de Lily, Atlas Corrigan -Brandon Sklenar-, repentinamente reaparece en su vida, su relación con Ryle da un vuelco, y Lily se da cuenta de que debe aprender a confiar en su propia fuerza para tomar una difícil elección para su futuro.

Basada en la novela del mismo nombre, escrita por Colleen Hoover el año 2016, esta película, actuada y dirigida por Justin Baldoni, deja varios temas resonando. El primero es, sin duda, el tema de la violencia física al interior de una relación de pareja. La vemos, como flash back, en los padres de Lily, y por cierto se hace evidente por las reacciones de Ryle. El segundo es la “normalización” de estas conductas, ya sea por costumbre, por comodidad, por cariño, o bien porque el costo de cortar de raíz es más alto que soportar una rutina que, aunque cueste creerlo, se transforma en una zona de confort.

La película se mueve entre estos dos puntos, los desarrolla, les da contexto, y sitúa muy bien los escenarios para transmitirnos claramente un mensaje que, advertimos, debe ser demoledor al leer el libro original. No se esconden ni suavizan las cosas. En ese sentido, las actuaciones de Blake Lively y Justin Baldoni resultan sólidas, espontáneas y creíbles, aspectos fundamentales para sintonizar con el tema e intentar profundizar en su comprensión.

Apelando al formato clásico de una típico película romántica, de esas “chica conoce chico”, la cinta demora un poco en revelar todas sus cartas. Va de a poco, lentamente, incluso podríamos hablar que tiene dos partes: una primera expositiva, y una segunda que aumenta en tensión y fuerza la necesaria conclusión. Aunque sin perder interés, sus 130 minutos se hacen un poco extensos, y no porque se vaya por las ramas, sino más bien porque hay material que perfectamente podría haber sido más breve y más concreto, dejando algunos pilares con más minutos para confrontar aún más la intimidad de los protagonistas.

Otros temas presentes, tal vez en menor medida pero no por ello menos importantes, dicen relación con la pérdida, con la ausencia de guía, con la falta de sentido de la vida, y las consecuencias que todo aquello podría provocar. Asimismo, y en la vereda contraria, se nos muestra el éxito, real o aparente, que todo lo disfraza, que todo lo oculta, que no permite dimensionar en su justa medida las intenciones y reacciones de quien se encuentra en una cúspide difícil de asumir y también de gestionar, tanto física como emocionalmente. De este último factor se desprende otro, que es la fascinación, elemento que obnubila y que muchas veces no permite tomar decisiones correctas y acertadas respecto al futuro.

“It Ends with Us” resulta interesante. La temática es muy importante, vital, por lo que desarrollarla en una película como esta constituye un muy buen aporte. Minutos más o minutos menos, lo trascendente acá es el semáforo que emerge desde el fondo de la trama. Hay luces verdes, amarillas y rojas, y todas son bastante claras. No tomarlas en cuenta, igualarlas, o bajarles el perfil, en nada ayuda al desarrollo de una sana relación. Al contrario, ignorarlas es lo peor que se puede hacer, porque tarde o temprano golpean fuerte y puede que sea tarde para reaccionar. 

Importante fondo, con un buen mensaje y una cuidada realización..

Ficha técnica

Título original: It Ends with Us
Año: 2024
Duración: 130 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Page Fifty-Four Pictures, Sony Pictures Television, Wayfarer Studios. Distribuidora: Sony Pictures Releasing
Género: Romance. Drama | Drama romántico
Guion: Christy Hall. Novela: Colleen Hoover
Música: Duncan Blickenstaff, Rob Simonsen
Fotografía: Barry Peterson
Reparto: Blake Lively, Justin Baldoni, Brandon Sklenar, Jenny Slate, and Hasan Minhaj.
Dirección: Justin Baldoni 

Un asunto familiar

Disponible en Netflix.

Sinopsis: Una escritora viuda comienza un romance con una joven estrella de cine que es, ademas, el jefe de su hija.

Estas dos líneas de reseña sobre la historia que ofrece esta película no dicen mucho, sin embargo, y sobre todo después de verla, pueden ser mucho más profundas que el desarrollo completo de la cinta. Y no es broma; bueno, un poco, sí, porque pocas veces un trabajo resulta más delgado que su propia síntesis.

Me explico.

La historia: la hemos visto no pocas veces, por lo que es fundamental que suponga un eje diferenciador, un granito que aporte algo nuevo, un hecho destacado, un giro revuelto, un detalle sorpresivo…. Pero nada de ello aparece, por más que las puertas y ventanas estén siempre abiertas para que ocurra algo.

Los protagonistas: Joey King, bien en lo suyo, soportando estoicamente un peso que no ha buscado; Zac Efron irreconocible, apagado, tenso, perdido; Nicole Kidman estupenda, como siempre, tratando de sostener a sus colegas desplegando sus mejores dotes para la comedia; y Kathy Bates, un peldaño más arriba con un secundario que bien podría haber tenido incluso una mayor presencia. Raya para la suma, casi nada de química en la pareja de Efron - Kidman, y un coro desconectado, carente de unidad, con claros signos de desequilibrio interpretativo.

La producción: lindos lugares -¡paradisíacas las casas a la orilla del mar, y las increíbles vistas de atardeceres!-, que contrastan con precariedades urbanas y sets de filmación que resultan extemporáneos. También sin mucha comunión, como si cada escena fuera una pieza grabada aparte y pegada a la fuerza en la edición final.

“A Family Affair”, no le alcanza el combustible para despegar. Ni siquiera la publicidad o la fama de sus protagonistas suma bonos para levantar una película que, careciendo absolutamente de sorpresas, se hunde plácidamente en las aguas del pacifico sin dejar, siquiera, una estelita que permita recordarla.

Ficha técnica

Título original: A Family Affair
Año: 2024
Duración: 111 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Roth/Kirschenbaum Films. Distribuidora: Netflix
Género: Romance. Comedia | Comedia romántica
Guion: Carrie Solomon
Música: Siddhartha Khosla
Fotografía: Don Burgess
Reparto: Nicole Kidman, Zac Efron, Joey King, Liza Koshy, and Kathy Bates
Dirección: Richard LaGravenese 

Instinto Materno

Esta historia nos sumerge en la vida de Alice -Jessica Chastain-, una madre que se desvive por proteger a su hijo Theo -Eamon O'Connell-. La cinta toma vuelo al mezclar buenas dosis de tensión y ternura que nos mantienen alerta mientras se develan algunos secretos, junto a las difíciles decisiones que ella debe tomar. La trama, aunque sencilla en su argumentación, se carga de emociones y giros que la hacen bastante atractiva.

Los temas y el tono de la película giran en torno al amor incondicional, el sacrificio y, también, la resiliencia. Desde el principio, se establece un tono sombrío, pero al mismo tiempo esperanzador, que refleja ciertas luchas internas de los personajes. La película aborda cuestiones morales complejas, e invita al espectador a reflexionar sobre hasta dónde estaría dispuesto a llegar por sus seres queridos. Este enfoque, combinado con una importante carga emocional, crea una experiencia que perdura tras sus créditos finales.

La interpretación de Jessica Chastain como Alice es notable. Su capacidad para transmitir una amplia gama de emociones, desde la desesperación hasta la determinación, es impresionante y añade autenticidad al relato. Anne Hathaway, en el papel de Céline, también ofrece una actuación sólida, complementando perfectamente a Chastain. Los personajes secundarios, como Simon -Anders Danielsen Lie-, y Damian -Josh Charles-, también están bien desarrollados, aportando más profundidad y complejidad a la historia. La química entre todos los actores es palpable, lo que hace que las relaciones en pantalla sean creíbles y, a la vez, emotivas.

El director Benoît Delhomme, logra equilibrar momentos de alta tensión con escenas íntimas y reflexivas, creando un ritmo que genera compromiso en todo momento. La fotografía, también obra de Delhomme, es visualmente atractiva, con colores que reflejan la época, y, además, el estado emocional de los protagonistas. La partitura de Anne Nikitin, se suma a las imágenes, intensificando el suspenso y las emociones, mientras la edición de Juliette Welfling, ofrece fluidez narrativa de principio a fin.

"Instinto materno”, nueva versión de la película del 2018 de Olivier Masset-Depasse, a su vez adaptación de la novela de 2012, “Derière la haine” de Barbara Abel, no solo entretiene, sino que también invita a profundizar sobre los valores del amor y el sacrificio. Aunque tiene momentos predecibles, la fuerza de las actuaciones y su hábil dirección, la convierten en una película interesante que nos recuerda la importancia de la familia y el poder que tiene el instinto maternal, parafraseando el título original.

Ficha técnica

Título original: Mothers' Instinct
Año: 2024
Duración: 93 minutos
País: Estados Unidos 
Compañías: Coproducción Estados Unidos-Reino Unido; Freckle Films, ACE, Mosaic Media Group, Versus Production. Distribuidora: Neon
Género: Intriga. Drama | Años 60. Amistad. Remake
Guion: Sarah Conradt-Kroehler. Novela: Barbara Abel
Música: Anne Nikitin
Fotografía: Benoît Delhomme
Reparto: por Jessica Chastain, Anne Hathaway, Anders Danielsen Lie, Josh Charles
Dirección: Benoît Delhomme