Exorcismo. El Ritual

Exorcismo. ¿Cuánto de mito, cuánto de realidad? La historia se divide en numerosos casos, algunos oficialmente reconocidos, otros inventados y otros, tal vez los más, presentados en múltiples películas. Es que el tema llama la atención y a esta altura es un género en sí mismo. Esta nueva película, ¿cumple lo que promete? En una palabra, no, sin embargo, debemos develar el porqué.

La cinta comienza con énfasis señalando en sus créditos, que esta es una historia real. Es más, añade que se trata del caso más documentado de la historia en Estados Unidos. Corre el año 1928 y la acción se desarrolla en la tranquila ciudad agrícola de Earling, Iowa.

Las primeras imágenes, como no, son tensas y demoledoras. Luego, retrocedemos un mes. El padre Joseph Steiger -Dan Stevens-, responsable de la parroquia local, recibe la visita de su obispo quien le encarga ser parte y testigo de un procedimiento de exorcismo. Steiger, reticente, cree que debe realizarlo él, no obstante, inmediatamente es informado que el tratamiento a la joven con problemas lo realizará un sacerdote capuchino especializado que llegará en pocos días. No valen las excusas de ningún tipo. El padre Joseph debe documentar todo lo que vea. La decisión está tomada: comienzan los preparativos.

El padre Theophilus Riesinger -Al Pacino-, no tarda en aparecer. Curtido por los años y con una serenidad asombrosa, parece idóneo para asumir el desafío monumental que implica iniciar los ritos y enfrentar problemas no menores. La joven Emma -Abigail Cowen-, sin duda está trastornada. Los médicos no saben qué tiene, si son problemas psiquiátricos o de otra índole, pero los síntomas son evidentes: actúa fuera de sí misma, como si estuviera controlada por demonios que no solo hablan por ella sino que tienen el control de su mente y de su cuerpo.

Las dificultades llegan rápido. Primero las sufre la hermana Rose -Ashley Greene-, y pronto todo el entorno del convento que también es parte de la comunidad parroquial. Prosiguen los rituales y los problemas se acrecientan. La posesión parece ser muy dominante y resistente. ¿Lograrán el objetivo de liberar y proteger a Emma?

David Midell filma un guion de su autoría junto a Enrico Natale, cuyo foco no está solo en los eventos sino que quiere profundizar un poco más en las personalidades de sus protagonistas. Siendo muy distintas, todas corresponden a personas vulnerables. En ellas hay pérdidas significativas, historias de frustración y dramas familiares de cada uno de los personajes que vemos en pantalla.

El director usa -más bien, abusa-, de movimientos de cámara bruscos, que son intensos. Como efecto, bien, pero se pierde un poco de originalidad al repetirse tanto durante el metraje. Funcionan, sí, pero cansan, sobre todo cuando la película comienza a desplegar la batería de efectos especiales para dar cuenta de aquellos extraños eventos que son más cercanos a lo paranormal.

Respondiendo el por qué no cumple lo prometido, “The Ritual” no se logra consolidar. Es una película menor -taquillera, eso sí-, que se basa en horribles ritos que pueden tener más de una lectura. Es la lucha contra el demonio que posee a Emma, pero también es una tortura indescriptible a una joven que puede tener problemas mentales que tal vez requieren otro tipo de tratamientos. Además, los “jump scares” son tan evidentes como básicos, ejecutando un suspenso que solo con efectos y no con una narración que nos lleve al cuestionamiento.

Dividida claramente en tres tercios, esta película se cae cuando trata de explicar los escenarios y unir las historias. Es ahí cuando recurre a su sostén más evidente, los ya mencionados efectos y las típicas situaciones que involucran vientos inesperados, mesas que se mueven solas y cortes intermitentes de luz. Ni siquiera la interesante banda sonora y la presencia de un Al Pacino que con su sola presencia llena la pantalla, no elevan a esta cinta por sobre la medianía de la tabla. Y ojo, no está mal filmada y tampoco mal actuada, pero aún así, no resulta suficiente.

Recomendada solo para amantes del género, aunque es posible que tenga bastante éxito en boleterías.

Ficha técnica

Título original: The Ritual
Año: 2025
Duración: 98 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Cinemachineshop, Redbird Entertainment, Andrew Stevens Entertainment. Distribuidora: XYZ Films
Género: Terror | Basado en hechos reales. Posesiones / Exorcismos
Guion: David Midell, Enrico Natale
Música: Jason Lazarus, Joseph Trapanese
Fotografía: Adam Biddle
Reparto: Al Pacino, Dan Stevens, Ashley Greene, Abigail Cowen, María Camila Giraldo, Meadow Williams, Patrick Fabian, Patricia Heaton, Courtney Rae Allen
Dirección: David Midell 

Los 4 Fantásticos: Primeros Pasos

Otro reinicio, ahora de la mano de Marvel Studios. Se trata de los primeros pasos de Reed Richards, Sue Storm, Ben Grimm y Johnny Storm, quienes ganaron superpoderes luego de estar expuestos a rayos cósmicos.

Han pasado cuatro años desde dicho evento y su posterior regreso a la Tierra-828, tiempo en el que cada uno ha desarrollado su propio ámbito, muy en consonancia con el poder recibido. Reed -Pedro Pascal-, un científico brillante y líder del grupo, puede estirar cualquier parte de su cuerpo hasta alcanzar grandes longitudes; Sue -Vanessa Kirby-, esposa de Reed, puede generar grandes campos de fuerza y hacerse invisible; Ben -Ebon Moss-Bachrach-, ha mutado su piel en una capa de roca naranja, lo que le otorga fuerza y durabilidad sobrehumanas; y Johnny -Joseph Quinn-, hermano de Sue, puede controlar el fuego y además volar.

La película comienza mostrando la rutina habitual de los cuatro protagonistas. Todos combinan la fama, el servicio público que realizan y las cavilaciones propias de un superhéroe. Sin embargo, un hecho trascendente marca este inicio: el embarazo de Sue del primer hijo de la pareja plantea un escenario que amenaza modificarlo todo. Pero en realidad es la llegada de Silver Surfer -Julia Garner-, lo que cambia el curso de los hechos. Al ser portadora del mensaje de un dios espacial llamado Galactus, la extraña visitante anuncia el fin de la Tierra de forma inminente, tal como han sido destruidos otros mundos a manos del voraz villano.

Los Cuatro Fantásticos no pueden quedarse inactivos ante tal amenaza. Viajan al espacio exterior para enfrentar a Galactus, y si bien no hay sorpresas, podría existir una salida, una eventual negociación. Sin embargo, el precio a pagar es muy alto. ¿Podrán nuestros héroes defender nuestro planeta y no ceder al requerimiento de un desquiciado y desequilibrado gigante cósmico?

La trama de estos primeros pasos es bastante sencilla y, además, se encuentra adornada con pequeños guiños que recrean el incidente generador de los poderes. A nuestros protagonistas se les ve cómodos, en general, tratando de llevar una vida lo más normal posible dentro de las posibilidades que poseen las estrellas públicas y reconocidas. A poco andar, vemos también lo veleidosa que resulta ser la audiencia cuando observan que ciertos espacios privados pueden chocar contra el bien común, exigiendo inmediatos sacrificios que pueden ir más allá de lo que un ser humano está dispuesto a aceptar, y sin considerar otros caminos o alternativas posibles.

Dirigida por Matt Shakman, la cinta presenta una estética que sobresale como uno de los aspectos más destacados de esta película, la número 37 del Universo Cinematográfico Marvel (MCU). Tomando una especial combinación retro - futurista, las acciones transcurren con varios elementos de los años 60 a los que se suma tecnología en algunas áreas, y naturalmente una gran dosis de fantasía a la que ya estamos acostumbrados. Pero son los diseños los que más llaman la atención, en lo formal, y también en cuanto a la manera en que los personajes se mueven socialmente.

Los efectos visuales, fundamentales en todo trabajo de Marvel Studios, están bien. Son pocos los que se ven fuera de lugar o mínimamente al descubierto, abarcando un sinnúmero de secuencias y escenas que, en general, están bien resueltas de principio a fin. Respecto a la música escrita por Michael Giacchino, en lo personal esperaba más, sobre todo conociendo sus trabajos anteriores. Pero ojo, no está mal, para nada, pero hubiese querido una partitura un tanto más épica y que en algunas secciones no se sintiera tan paralela a la escena sino más integrada, dado que en numerosas secuencias la responsabilidad motora es entregada, precisamente, al sonido.

En cuanto a los protagonistas, de dulce y no tan dulce. Sin duda, Pedro Pascal pasa por un período de gracia en la industria del cine, y no es para menos. Desde que saltó a la fama, ha sido cada vez más solicitado para distintos roles, al punto de tener que priorizar las elecciones según sus objetivos y la construcción de su carrera. Reconozco que su elección para el personaje de Reed me sorprendió en su momento, sin embargo no tuve dudas que lo podría encarar de muy buena forma. ¿El resultado? Muy bien desde el aspecto dramático, aunque menos convincente en lo científico y en las secuencias de saltos y elasticidad, pues probablemente aún se encuentra en la transición y en el desarrollo de esas nuevas habilidades histriónicas.

Vanessa Kirby está estupenda en su construcción de Sue. Con convicción plena, no solo dota a su personaje con el súper poder, sino que además refleja muy bien esa transición hacia ser madre y cómo cambia la esencia y las prioridades cuando se ha dado a luz un hijo. Ebon Moss-Bachrach, tan sólido como la roca que representa, logra soltar algunas escenas al permitir que lo lúdico traspase al personaje en más de alguna secuencia. Joseph Quinn, por su parte, viene a ser el pivote del grupo, repartido entre la liviandad de un personaje que parece no tomarse nada en serio y la búsqueda de un norte necesario para dar sentido a una vida de la que no parece estar muy convencido.

Párrafo aparte para Julia Garner en un papel diferente a lo visto anteriormente y, a la vez, muy complejo de realizar, pues es poco lo que habla pero mucho lo que debe expresar solo con su presencia en pantalla. Garner encarna a una villana que tiene el corazón escondido debajo de gruesas capas de acero, producto de un pasado que quiere dejar atrás pero que la atormenta en todo momento. Ese desarrollo y transición, más interno que externo, la actriz lo vive y lo transmite con prestancia, por lo que no es descartable que la tengamos en futuras entregas con desafíos aún mayores.

Como resultado global, “The Fantastic Four: First Steps” funciona muy bien. Tiene la duración justa, entretiene y logra sacarnos más de una sonrisa durante la exhibición. No se vayan antes que los créditos terminen pues hay dos escenas que, aunque no sean una gran sorpresa, ya son un sello característico de estas películas. Y, por favor, véanla si pueden en pantalla extra grande, Imax, porque la experiencia es, sin duda, muy diferente, no solo respecto a la imagen sino también a la amplitud del espacio y del sonido.

¡Larga vida a los superhéroes! Vamos por más.

Ficha técnica

Título original: The Fantastic Four: First Steps
Año: 2025
Duración: 114 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Marvel Studios, 20th Century Studios, The Walt Disney Company. Distribuidora: Walt Disney Pictures
Género: Acción. Fantástico. Ciencia ficción | MCU. Cómic. Superhéroes. Marvel Comics
Guion: Jeff Kaplan, Ian Springer, Josh Friedman, Peter Cameron, Eric Pearson. Libro: Jack Kirby. Cómic: Stan Lee
Música: Michael Giacchino
Fotografía: Jess Hall
Reparto: Pedro Pascal, Vanessa Kirby, Ebon Moss-Bachrach, Joseph Quinn, Julia Garner, Natasha Lyonne, Paul Walter Hauser, Ralph Ineson
Dirección: Matt Shakman 

Mountainhead

Disponible en HBO Max.

Cuatro magnates tecnológicos se reúnen en la alta montaña para pasar un fin de semana desconectados del mundo. Venis “Ven” Parish -Cory Michael Smith-, máximo responsable de la plataforma “Traam”, acaba de lanzar a circulación nuevas funciones en su red social que pueden crear noticias falsas, desatando eventos de desinformación masiva y un caos global. Jeff Abredazi -Ramy Youssef-, con su compañía Bilter, posee una tecnología IA de chequeo de información que puede amenazar los beneficios de Ven. Randall Garrett -Steve Carell-, el mayor de todos y una especie de mentor del grupo, sufre una enfermedad terminal, por lo que sus esperanzas están cifradas en la tecnología como salvación. Hugo “Souper” Van Yalk -Jason Schwartzman-, el menos rico del grupo, aspira a ganar rápido sus primeros mil millones, por lo que necesita inversionistas para hacer crecer su aplicación de bienestar.

Se trata de un fin de semana sin hablar de negocios, pero aquello va contra la esencia de los cuatro involucrados. Tarde o temprano, todos lo saben, las diferencias emergerán y los álgidos conflictos supondrán enfrentamientos no solo verbales, sino también físicos, en contraposición con el mundo digital que todos dicen dominar.

Escrita y dirigida por Jesse Armstrong, creador de la premiada serie de televisión Succession, es una sátira político-tecnológica que no se queda solo en la denuncia. Con astucia, Armstrong se las ingenia para poner sobre la mesa consideraciones éticas, conspiraciones globales y la lucha por el poder, sin dejar de lado las influencias tecnológicas que logran modificar radicalmente la percepción de la realidad y facilitan el surgimiento de teorías transhumanistas como una vía para trascender la muerte.

Para quienes disfrutamos de Succession, esta cinta es un paso natural. El sello de Jesse Armstrong está presente en todo el metraje, desde ese tono cuasi documental, pasando por esos “zoom” y barridos especiales, hasta los agudos diálogos de los protagonistas. La desconexión de la realidad es también una característica de los protagonistas, porque no puede resultar indiferente que, mientras el mundo vive una crisis de proporciones producto de “deepfakes”, estos cuatro personajes solo persigan su beneficio personal a costa del sufrimiento de miles y millones de personas, involucrando y manipulando diferentes gobiernos como si fueran solo títeres de sus propios países.

Mountainhead es una construcción en tono de drama-comedia que debería estar muy alejada de la realidad; sin embargo, tanto en su forma como en su fondo, resulta preocupante y tremendamente real. Es inevitable pensar que estos cuatro multimillonarios podrían perfectamente representar a los actuales responsables máximos de compañías gigantes como Meta, X, OpenAI, Amazon, Google, Microsoft o Apple, líderes de una industria que en estos momentos está cambiando el mundo y con ello la forma como nos relacionamos con algoritmos que rigen máquinas que, según algunos, ya se aproximan a la capacidad del cerebro humano.

En casi dos horas, Mountainhead no resulta una cinta fácil de digerir. Si bien la carencia de información sobre las actuales tendencias no es un factor desequilibrante, la gran cantidad de diálogos y la variedad de los temas abordados pueden erigirse como una barrera de entrada para algunas personas. No podemos perder de vista que esta producción se desarrolla básicamente entre cuatro paredes, con los protagonistas encerrados en una lujosa casa en la cumbre de unos espectaculares nevados. La tensión se debe marcar allí, en las relaciones entre ellos y con mínimo contacto con el mundo exterior. De hecho, en la única salida al exterior, los protagonistas van solos a esquiar, como una demostración empírica de que sienten tener el mundo a sus pies.

Para reflexionar profundamente sobre la actual era digital, sus progresos, avances, así como la humanización de las máquinas y la deshumanización del ser humano. En tiempos de la manida inteligencia artificial se hace cada vez más necesario profundizar en conceptos que no pueden dejarse de lado: educación, dignidad personal, ética y desarrollo humano.

Ficha técnica

Título original: Mountainhead
Año: 2025
Duración: 109 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: HBO. Distribuidora: HBO Max
Género: Drama. Comedia | Sátira. Amistad. Bolsa & Negocios. Internet / Informática
Guion: Jesse Armstrong
Música: Nicholas Britell
Fotografía: Marcel Zyskind
Reparto: Steve Carell, Jason Schwartzman, Cory Michael Smith, Ramy Youssef
Dirección: Jesse Armstrong 

Blitz

Disponible en Apple TV+.

El horror de la Segunda Guerra Mundial se siente cercano en esta película donde el fuego y la destrucción no dan tregua a Londres. “Blitz”, su título, corresponde al nombre entregado al bombardeo de la Alemania nazi contra el Reino Unido que duró ocho meses, desde el 7 de septiembre de 1940 hasta el 11 de mayo de 1941. La palabra es una abreviación de “Blitzkrieg”, un concepto utilizado por la prensa para describir los ataques sorpresa realizados por la aviación germana durante la guerra.

La historia sigue a George Hanway -Elliott Heffernan-, un niño de nueve años que pasa el día entre los juegos con su madre y los acordes del piano que toca su abuelo. Mientras los bombardeos se intensifican, Rita -Saoirse Ronan-, es conminada a evacuar a su hijo al campo para evitar consecuencias fatales. Es una separación obligada, necesaria tal vez, pero intempestiva. George no lo acepta aunque no le queda otra. La decisión ya está tomada.

Difícil panorama, pese a que George se ha formado de cara a la adversidad. Su origen mestizo -Marcus, su padre, un hombre de color deportado a Granada-, le ha valido racismo y discriminación desde pequeño. Sin duda, su personalidad se ha forjado al alero de aquello, pero ha encontrado siempre en su núcleo familiar la protección requerida, rodeado de cariño y, por cierto, de música.

Esta película, escrita y dirigida por Steve McQueen, se desarrolla en tres escenarios: la historia de la madre que ha debido dejar a su hijo en manos de un destino incierto; la del niño, que resiente el dejar a su madre y decide buscar el camino de regreso; y los recuerdos que afloran durante el metraje, que permiten armar el cuadro y entender la trama en su globalidad.

Lo que vive George es un calvario, una verdadera odisea. El tránsito que debe recorrer para sobrevivir e intentar volver a casa es indescriptible. Desde la reunión con otros niños desertores, vagar por las calles, buscar refugio y lograr una auténtica ayuda, los pasos de este niño parecen una escala ascendente de dificultades que parece no tener fin. Las divisiones sociales son marcadas, por mucho que haya personas de buena voluntad, como el oficial Ife, que llamen a la unión por sobre cualquier tipo de segregación. Caer en manos equivocadas, donde la maldad se disfraza de bondad, podría ser algo cotidiano. En ese sentido, la ingenuidad de George le pasa la cuenta cuando se debe enfrentar cara a cara con el aprovechamiento y la crueldad, dos caras de una misma moneda que lo obligan a desarrollar anticuerpos aún más fuertes.

Entre los escombros y la muerte es difícil encontrar vida. George logra sortear con dificultad cada prueba, sin embargo siempre está lejos de acercarse al objetivo de volver a casa. La médula de la cinta se basa en una pregunta básica: ¿lo logrará o no lo logrará? Es cierto, puede ser predecible, pero no podemos controlar todas las variables de aquellas predicciones. Lo que sí aparece es el renacer de la esperanza ante la desgracia y el surgimiento de la resiliencia ante un panorama capaz de derrumbar al más fuerte.

“Blitz” está hecha con mucho cuidado, con una excelente producción que se ve realzada por bellas tomas captadas de muy distintas formas. La música de Hans Zimmer sorprende por su elocuencia descriptiva, una partitura que va de lo concreto a lo aleatorio y que refleja muy bien una gran variedad de símbolos, especialmente aquellos asociados a los sorpresivos ataques aéreos y al deambular, a veces sin rumbo, del joven protagonista.

Con una recreación espléndida y una edición fina, esta película se abre camino dentro de las muchas de su género. Es triste, muy triste, pero a la vez entrega una luz de esperanza, una luz que parece imposible pero que nos recuerda que historias como esta -de las que seguramente hay muchísimas-, debemos conocerlas y recordarlas para que el verdadero “nunca más” de la guerra -de cualquier guerra-, se escuche con fuerza desde nuestros corazones.

Ficha técnica

Título original: Blitz
Año: 2024
Duración: 120 minutos
País: Reino Unido
Compañías: Coproducción Reino Unido-Estados Unidos; Apple Original Films, Working Title Films, Lammas Park, Regency Enterprises, Apple Studios, Regency Television. Distribuidora: Apple TV+
Género: Drama. Bélico | II Guerra Mundial. Años 40
Guion: Steve McQueen
Música: Hans Zimmer
Fotografía: Yorick Le Saux
Reparto: Saoirse Ronan, Elliott Heffernan, Harris Dickinson, Benjamin Clementine, Kathy Burke, Paul Weller, Stephen Graham
Dirección: Steve McQueen 

Jefes de Estado

Disponible en Prime Video.

La premisa es sencilla. Will Derringer -John Cena-, recién elegido presidente de Estados Unidos realiza una visita de Estado a Reino Unido para reunirse con el Primer Ministro Sam Clarke -Idris Elba-. El choque es instantáneo. Derringer, ex actor de películas de acción devenido en político, tiene carisma y parece jugar todo el tiempo. Por el contrario, Clarke es un parlamentario de tomo y lomo, y le carga la liviandad de su nuevo colega.

Con personalidades totalmente opuestas, ojalá no tuvieran que verse nunca más, pero un forzoso viaje juntos a la cumbre de la OTAN, en Trieste a bordo del Air Force One, los convierte en el blanco de un ataque sofisticado y de alcance global. Este es solo el comienzo de una aventura en la que deberán dejar de lado sus diferencias, poner a prueba sus convicciones, potenciar sus fortalezas y salvar al mundo.

Dirigida por Ilya Naishuller, esta es una película que no exige mucho al espectador. Las caricaturas están presentes por doquier y, además, abusa de una química que resulta algo forzada entre sus dos protagonistas. Si bien esta es una comedia, la acción predomina durante gran parte del metraje. El inicio es trepidante, con una operación encubierta en España que saca chispas, pasando pronto al incidente aéreo del avión que se considera el más seguro del mundo.

La política internacional también está presente y, a mi modo de ver, es lo más logrado de la película. La representación de esta “relación especial” Estados Unidos - Reino Unido, es un poco ridícula; sin embargo, no deja de tener algunos visos de realidad dado el celo británico y el desparpajo del país norteamericano. Por otra parte, situar como objetivo desarticular la OTAN, no resulta para nada ajeno a la realidad, sobre todo si consideramos que el mayor villano que vemos en pantalla es un traficante de armas ruso, Viktor Gradov -Paddy Considine-, que está dispuesto a todo para hacerse con el control del orden mundial.

El toque femenino está también presente en el guion escrito por Josh Appelbaum, André Nemec y Harrison Query. Noelle Bisset -Priyanka Chopra-, adquiere un papel relevante en el desarrollo de la historia, tanto por sus dotes para el combate como por su relación con uno de los personajes principales.

“Heads of State”, en casi dos horas, no va más allá de lo que promete. Es una película sin grandes aspiraciones. No se viste de lo que no es y resulta entretenida, cumpliendo perfectamente con las expectativas. Acción trepidante, comedia absurda, estereotipos manidos y un poco de geopolítica componen un edulcorado cóctel que igual funciona para descansar la cabeza una fría tarde de domingo.

Ficha técnica

Título original: Heads of State
Año: 2025
Duración: 113 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: The Safran Company. Distribuidora: Amazon MGM Studios
Género: Thriller. Acción. Comedia | Política
Guion: Josh Appelbaum, André Nemec, Harrison Query
Reparto: Idris Elba John Cena, Priyanka Chopra, Carla Gugino, Jack Quaid, Stephen Root, Paddy Considine
Dirección: Ilya Naishuller 

Jurassic World: Renace

Un detalle puede cambiar el giro de los acontecimientos. Y eso es justamente lo que sucedió hace 17 años en un laboratorio ultrasecreto ubicado en una remota isla, un centro de investigación de Parque Jurásico encargado de hacer estudios de ADN y mutaciones de diferentes especies de dinosaurios. Nos dicen que los dinosaurios han vuelto a vivir entre nosotros hace 32 años, en un entorno que no ha sido el más tranquilo ni el más feliz, por lo que en el presente se encuentran mayoritariamente radicados en aislados ambientes de las regiones ecuatoriales, donde el clima recuerda al que conocieron en su época.

En esta oportunidad, la clave para arriesgar una visita a una zona declarada como prohibida, dados los riesgos y peligros que encierra, es un descubrimiento médico importante. Tres de las criaturas más grandes que habitan esa biosfera tropical poseen en su ADN una sustancia vital para fabricar un medicamento que aportará grandes beneficios para el tratamiento de las cardiopatías. Obviamente, los grandes laboratorios están tras el proyecto y es fundamental adelantarse y conseguir las muestras cuanto antes.

La expedición, con un costo millonario y tecnología de última generación, es liderada por Zora Bennett -Scarlett Johansson-, experta en operaciones de este tipo, quien debe guiar al equipo de especialistas reclutados para la misión. Sin embargo, lo que no está en los planes de Zora, y de ninguno de sus compañeros, es la necesidad de rescatar a una familia cuyo barco vuelca por culpa de dinosaurios acuáticos, provocando que los dos grupos terminen en la isla abandonada y deban luchar por salvar sus vidas.

Gareth Edwards filma un guion clásico escrito por David Koepp. Digo clásico no porque sea un texto antiguo o consolidado. Lo menciono porque no tiene absolutamente ninguna sorpresa y en general resulta ser bastante plano. La pregunta a esta altura, luego de innumerables intentos por recuperar la esencia de la película original de 1993 y con ello honrar al prolífico Michael Crichton, creador de la historia, es si se justifican tantas vueltas de tuerca para volver a mostrar en pantalla a estas extraordinarias criaturas extintas que han vuelto a renacer gracias a la tecnología molecular. Y la respuesta tiene, al menos, dos vertientes. La primera, se justificaría en la medida que nuevos efectos especiales permitan recrear diversas especies, haciéndolas más realistas y mucho más temibles. Sin embargo, la segunda veta podría no justificarlo, porque la temática la hemos visto tantas veces, que cualquier intento de renovación suena repetido y no aporta sustancia a algo que, poco a poco, ha ido perdiendo interés.

Así las cosas, y sin optar por ninguna de las dos tesis, sigo ahora escribiendo como fan de Jurassic Park -la original-, tratando de rescatar las razones por las que no me pierdo ninguno de los intentos por revivir a estos imponentes saurios.

Esta versión tiene varios elementos que nos recuerdan la cinta original y más de una de sus derivadas. Hay dinero, mucho dinero, una negociación, una expedición, una travesía y, por supuesto, un accidente. Siempre es una sorpresa la primera aparición de un dinosaurio, y aquí no es la excepción. Se produce en el agua, justamente para causar el hundimiento del barco de la familia que posteriormente debe ser rescatada por la expedición. Buenos efectos allí, convincentes.

El otro punto por el que esta nueva versión no se puede dejar de ver es la música, encargada al compositor Alexandre Desplat. Como podrán suponer, es un concierto de principio a fin. Desde los sones que acompañan la llegada de un helicóptero a la isla -literal reminiscencia de la cinta original-, hasta la derivación de cada una de sus partes, Desplat compone un verdadero “tema con variaciones” basado en las células, motivos y armonías de la música compuesta por John Williams el año 1993. Es precioso cómo cada secuencia es intervenida por el compositor para no perder su esencia y, a la vez, entregar una partitura nueva, fresca y complementaria con las imágenes que vemos en pantalla.

Otro aspecto a destacar de este trabajo son los parajes idílicos en los que transcurre. Los protagonistas, en especial Scarlett Johansson, Mahershala Ali, Jonathan Bailey y Rupert Friend, se desenvuelven con soltura en esos ambientes hostiles y traspasan su química a la pantalla, logrando credibilidad en sus papeles, dentro de lo que se puede pedir, por supuesto.

Otro guiño a la obra original radica en aspectos referidos a las decisiones, convicciones y prioridades. Por ejemplo, seguir adelante con la misión o acudir al rescate de náufragos indefensos. También, y en un tono más profundo, se encuentra aquello que tiene que ver con las dudas éticas. ¿Es válido el esfuerzo y entregar los resultados de la expedición a laboratorios que van a lucrar millones haciendo una medicina cara e inalcanzable para muchos? O por el contrario, ¿se debe preferir entregar las claves en forma abierta para beneficio de una mayor cantidad de población? El debate es tan interesante y, por cierto, tan actual -en sus diferentes aspectos-, que seguirá abierto muchos años más.

Es destacable que el mismo libreto, a esta altura casi un manual de estilo, nos sorprenda una y otra vez. Y claro, al ver a Steven Spielberg como productor ejecutivo, no podía ser de otra manera. En un poco más de dos horas, “Jurassic World Rebirth” tiene todos los elementos que se necesitan para configurar la historia: recuerdos, nostalgia, cruces, aventuras paralelas, secuencias que asustan (y mucho), como la del río, buenas dosis de lucha, sacrificio, bondad y también castigos.

Tratando de responder, entonces, la tesis planteada aunque no sea un erudito sino solo un fan de “Jurassic Park” y de los dinosaurios recreados, espero que la imaginación de futuros creadores nos entreguen más historias para disfrutar en pantalla grande. Eso sí, solo pido una cosa: ya que los efectos son cada vez mejores, ojalá podamos profundizar en las narrativas y en la forma de componer los relatos. Si eso se logra, larga vida tendrán las próximas secuelas, precuelas y derivadas, para la taquilla en general y para regocijo de nosotros, sus fans, en particular.

Ficha técnica

Título original: Jurassic World Rebirth
Año: 2025
Duración: 134 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Amblin Entertainment, Universal Pictures, The Kennedy/Marshall Company, Latina Pictures. Distribuidora: Universal Pictures
Género: Ciencia ficción. Acción. Fantástico. Aventuras | Secuela. Dinosaurios
Guion: David Koepp
Música: Alexandre Desplat
Fotografía: John Mathieson
Reparto: Scarlett Johansson, Mahershala Ali, Jonathan Bailey, Rupert Friend, Manuel Garcia-Rulfo, Ed Skrein
Dirección: Gareth Edwards 

Superman

Esperada como muchas, convincente como pocas. Así es este nuevo “Superman” escrito y dirigido por James Gunn, co-presidente y co-CEO de “DC Studios”. Como primera película del nuevo Universo DC (DCU), no solo marca un buen comienzo sino que, además, agrega un sello que dará que hablar. Revisemos.

¡Cuántas versiones hemos visto de Superman en pantalla grande en el último tiempo! Muchas. Desde las cuatro primeras, protagonizadas por Christopher Reeve, hasta la saga del universo extendido de DC, ha pasado mucha agua bajo el puente mientras el hombre de acero parecía haber perdido el rumbo. Pero no. Con James Gunn al rescate y las icónicas tres notas musicales que evocan el tema principal, este nuevo renacer del personaje en pantalla grande promete y, sin duda, llega para quedarse.

Vamos un poco a la trama. Clark Kent/Superman -David Corenswet-, trabaja como periodista del Daily Planet, en Metrópolis, y tiene mucho éxito. Su inconfesable amor por su colega Lois Lane -Rachel Brosnahan-, es motivo de discordia, ya que sus exclusivas entrevistas al carismático superhéroe lo han llevado, incluso, a ser portada del periódico. El tema es que Superman pasa por un momento delicado. Por primera vez ha perdido una batalla y sus colegas de la “Banda de la Justicia”, ahora con más argumentos, lo cargan por ser ingenuo.

Por otra parte, LuthorCorp, una enorme empresa de tecnología liderada por Lex Luthor -Nicholas Hoult-, el archienemigo de Superman, participa favoreciendo la intervención militar en un conflicto armado entre dos países. Luthor tiene ambiciones exponenciales: quiere dominarlo todo y su piedra de tope es justamente este “metahumano” que figura como defensor de los más vulnerables.

Así las cosas, no es difícil imaginar el desarrollo de la película, sin embargo, la mirada se aleja un poco de los clásicos conflictos y da paso a otras aristas que, con el correr del metraje, van tomando forma y se desarrollan de forma vertiginosa. No es bueno adelantar más, a mi modo de ver, para que ustedes mismos descubran por qué esta nueva versión puede realmente significar un antes y un después.

En poco más de dos horas, James Gunn se da maña para tirar toda la carne a la parrilla. Acá se trata de recuperar un icono del que conocemos piezas clave de su historia. Por ello, está presente el inmenso cariño de sus padres adoptivos en la Tierra, el recordado video mensaje entrecortado de sus progenitores kriptonianos, su gran amor por Lois, la lealtad con sus amigos y los deseos infinitos de hacer el bien e impartir justicia. Por supuesto, las cosas se tuercen en el camino, pero la columna vertebral se sostiene gracias a vigorosos enfrentamientos y nuevos personajes -como un can que seguramente será furor-, que mantienen la historia siempre a buen recaudo.

Excelentes efectos especiales y una partitura de remembranza contribuyen a dar forma a una película que se siente como un nuevo punto de partida. Las actuaciones de David Corenswet, Rachel Brosnahan y Nicholas Hoult son muy sólidas. La elección de Corenswet para el papel principal, sorpresiva en su momento, no deja lugar a dudas que es acertadísima. No solo consigue una química natural con Rachel Brosnahan, sino que, también, funciona perfecto al confrontar a su antagonista, un inspirado Nicholas Hoult, quien aporta todo lo necesario para transformarse en un personaje odiososamente malo. El resto del coro complementa bien, con detalles que seguramente darán material para secuelas o posibles “spin offs”, algo que ya se vislumbra en el horizonte cercano.

“Superman” y sus 129 minutos es disfrutable de comienzo a fin. Vibrante, emotiva y entretenida, recupera un nicho por años olvidado. Ahora es un Superman con tecnología, muy acorde a los tiempos, con villanos de carne y hueso y también con máquinas robóticas, combinando mundos como para volver a tener fe en el emblemático personaje.

Es tiempo de ir al cine, a la pantalla más grande posible y a la sala más cómoda, para reencontrarse con una magia que ofrece experiencias, no solo películas. Conviene aclararlo. Esto es cine de entretención y no cine arte. Tampoco podemos esperar profundidad narrativa ni nuevos desarrollos formales. No. Estamos en presencia de una película que tiene muy claras sus intenciones: ser un éxito de taquilla y ganar dinero. Pero ojo. El mérito es que no se queda solo en eso, porque también recalca algo que en estos tiempos también se encuentra extraviado. Me refiero al valor de la bondad y lo que significan las decisiones que tomamos respecto a nuestros propios actos. Eso sí tiene valor universal y debemos ser capaces de recuperarlo cuanto antes.

Ficha técnica

Título original: Superman
Año: 2025
Duración: 129 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: DC Comics, DC Entertainment, Warner Bros., DC Studios, The Safran Company, Troll Court Entertainment. Distribuidora: Warner Bros.
Género: Ciencia ficción. Acción | Superhéroes. Cómic. DC Comics
Guion: James Gunn. Personajes: DC Comics. Personaje: Joe Shuster, Jerry Siegel
Música: John Murphy, Dave Fleming
Fotografía: Henry Braham
Reparto: David Corenswet, Rachel Brosnahan, Nicholas Hoult, Edi Gathegi, Anthony Carrigan, Nathan Fillion, Isabela Merced
Dirección: James Gunn

La Vieja Guardia 2

Disponible en Netflix.

Se veía venir, ¡cómo no! Luego del éxito del 2020, la historia quedó abierta y una probable continuación era un hecho cierto. Pues bien, acá está la segunda parte de “La Vieja Guardia”, ahora con un nuevo desafío, un tanto más complejo que el anterior.

Seis meses después de los eventos de la primera película, Quỳnh -Veronica Ngô-, antigua compañera del equipo, es rescatada de su prisión acorazada en el fondo del mar, por la primera de las inmortales, una mujer llamada Discord -Uma Thurman-. Sus intenciones son claras desde un comienzo: aprovechar el resentimiento acumulado por Quỳnh para llevar a cabo un plan destinado a recuperar el poder perdido.

Los personajes son los mismos de la anterior entrega. Andy -Charlize Theron-, Joe -Marwan Kenzari-, Nicky -Luca Marinelli-, Nile -KiKi Layne-, Copley -Chiwetel Ejiofor-, y Booker -Matthias Schoenaerts-, a los que se suma Henry Golding para dar vida a Tuah, un sabio-inmortal residente en Seúl. Este grupo ampliado deberá recorrer varias ciudades hasta llegar a Indonesia con el fin de desactivar una amenaza inminente: la toma de una central nuclear.

La verdad es que la historia no es lo más importante en esta cinta. Claro, conecta con la parte uno, pero no es necesario conocer mayores detalles para entenderla, porque esta vez se trata de quienes obtienen el poder de la inmortalidad y quienes lo han perdido.

El elenco se ve afiatado y ofrece buena química entre sus integrantes. Como en muchas de estas producciones, los mejores momentos de la cinta son los de acción. Sin embargo, lamentablemente se ven interrumpidos por secciones bastante lentas, algunas carentes de ritmo e incluso de sentido, cuyo objetivo es entregarnos pistas de la trama y también enlazar más en profundidad a los personajes. Y acá una observación, porque si bien las secuencias de persecuciones y peleas destacan, lo hacen dentro de un global que queda bastante, bastante al debe.

El cambio en la dirección resiente el resultado final. Esta vez, los efectos especiales se notan más y las coreografías resultan un poco forzadas. ¿Será que estamos mal acostumbrados o nos hemos puesto más exigentes? No lo sé, pero en películas de este tipo ya tenemos un mínimo y debemos esperar que se construya desde allí.

Bien Charlize Theron con la evolución de su personaje, nada que decir, y también con el acompañamiento de un elenco sólido y con buenos nombres. Uma Thurman brilla de villana pero aparece muy poco, tal vez guardándose para una indispensable tercera parte que esperamos sea la final, salvo que la premisa y los buenos elementos se logren consolidar, superando ripios que, a esta altura, no debemos dejar pasar.

Pero no todo es negativo en las casi dos horas que dura “The Old Guard 2”. Al elegirla, sabemos a lo que vamos y eso se agradece. ¿Tiene acción? Bastante. ¿Buenos actores? Por supuesto. ¿Secuencias trepidantes? Unas cuantas. ¿Giros y sorpresas? Algo de eso hay. Y lo más importante, ¿entretiene? Sí, aunque nos deje de nuevo un final abierto, sin resolver.

Ficha técnica

Título original: The Old Guard 2
Año: 2025
Duración: 105 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Denver and Delilah Productions, Image Comics, Marc Evans Productions, Skydance Productions, Panorama Films, Pinella Productions S.r.l. Distribuidora: Netflix
Género: Fantástico. Acción. Aventuras | Secuela. Cómic
Guion: Greg Rucka, Sarah Walker. Novela gráfica: Greg Rucka, Leandro Fernandez. Cómic: Top Cow Productions
Música: Ruth Barrett, Steffen Thum
Fotografía: Barry Ackroyd
Reparto: Charlize Theron, KiKi Layne, Matthias Schoenaerts, Marwan Kenzari, Luca Marinelli, Veronica Ngô, Henry Golding, Uma Thurman, Chiwetel Ejiofor
Dirección: Victoria Mahoney 

El Tema del Verano

No soy muy fan de las películas de zombis, por lo que reconozco, tuve que mentalizarme para darle una oportunidad a este nuevo filme del director uruguayo Pablo Stoll.

“El tema del verano” comienza de forma concreta, en una playa, donde de improviso emergen zombis de la arena y hacen que el grito de una mujer congele todo. A partir de ese hecho, viajamos tres meses atrás para conocer la historia.

Ana, Malú y Martina recorren la costa perpetrando certeros golpes. Como chicas atractivas, hábiles e implacables, poco les cuesta seducir a sus víctimas, para luego drogarlos y robarles todo. Estamos en un contexto pospandemia, por lo que llama la atención el cuidado por los controles y las mascarillas, sin embargo, las tres protagonistas se los saltan olímpicamente, mostrando que nada puede impedir sus oscuras intenciones.

Al preparar el asalto mayor, aquel que afectará al excéntrico millonario Ramiro Tübingen, quien además es un generoso mecenas de artistas, el derrotero las conduce a una impresionante mansión costera, lejos de la civilización, ubicada en un lugar idílico. Allí se encuentran con tres residentes muy diferentes pero fácilmente conquistables. El plan sigue su curso, urdido bastante bien, pero sucede algo que cambia por completo el escenario: por error, matan a sus víctimas, pero estas no mueren y reviven para hacerles “la vida” imposible.

Interesante es el escenario que plantea Stoll. Una casa lujosa, amplia, llena de comodidades, pero con la sensación de que algo no cuadra, que algo se ha torcido en el camino. Esta residencia es un paraíso de lugar, pero el anfitrión no está. Las chicas no son muy bien recibidas por una mujer que se muestra altanera y distante, aunque sí lo son por otros dos varones; uno de ellos, curiosamente, resulta ser chileno.

A muy poco andar, el metraje deriva en escenas sin sentido, débiles y sin forma. La tensión está en las relaciones entre los protagonistas, una tensión ambiental que no logra adquirir profundidad ni desarrollar otras aristas que pudieran despertar más interés.

Los secretos que oculta la casa parecen muchos, pero son las invitadas las que toman el control hasta que descubren lo que allí se lleva a cabo. ¿Giro? Tampoco. No alcanza. “El tema del verano” es una canción que se está creando por encargo, pero también pasa lo mismo. Es solo una anécdota que pasa sin pena ni gloria.

La idea que presenta el guion de Pablo Stoll y Adrián Biniez es interesante, pero no se condice con su posterior ejecución. Lo fílmico también destaca, pero no resulta suficiente. Lo que sí funciona es la música incidental y la banda sonora, recursos muy bien conseguidos que se posicionan en el lugar más alto de la producción.

“El tema del verano” es una seudocomedia, una seudopelícula de zombis y un seudodrama, una extraña mezcla que, no estoy seguro, logre entusiasmar o realmente funcione. La trama avanza poco, un mes, dos meses, y transcurren frente a nosotros gran parte de los minutos del rodaje sin que suceda nada muy sustancial.

Bien las temáticas: la pandemia, el capitalismo y su fin, el ideal del hombre nuevo y todas las referencias humanas y políticas, un paralelo con la realidad actual, más una discusión sobre las vacunas como mecanismo de control. Acá está de manifiesto la supervivencia, el igualitarismo, los instintos y las distintas representaciones de los ideales sociales y políticos.

Aunque sin profundizar, lo que podría quedarnos es el desarrollo de una nueva sociedad, una de zombis, marcada por la ley de la selva y algo, tal vez, no muy apartado de lo que vivimos actualmente. ¿Es eso lo que el director nos quiere transmitir como un mensaje premonitorio?

Nuestro trabajo será descubrirlo e interpretarlo.

Ficha técnica

Título original: El tema del verano
Año: 2024
Duración: 91 minutos
País: Uruguay
Compañías: Coproducción Uruguay-Argentina-Chile; Temperamento Films, La Unión de los Ríos, Nadador Cine
Género: Thriller. Comedia. Terror | Zombis. Pandemias. Robos & Atracos. Comedia de terror
Guion: Pablo Stoll, Adrián Biniez
Fotografía: Manuel Rebella
Reparto: Débora Nishimoto, Azul Fernándes, Daniel Hendler, Malena Vila, Agustín Silva, Sebastián Irrutia
Dirección: Pablo Stoll 

Harta

Disponible en Netflix.

No sabemos qué es peor, si el calor o el molesto ruido, pero para Janiyah y su hija Aria, vivir allí es un suplicio. Las dificultades son evidentes. Condiciones precarias, una orden de desalojo en curso, el aseo deficiente y un ambiente externo hostil, no hacen más que agravar la crisis. Aun así, Janiyah se impulsa, se levanta, baña a su hija y ambas salen rumbo al colegio. Es día de pago, por lo tanto podrá abonar el arriendo del lugar y entregar 40 dólares para que su pequeña asegure el almuerzo en su escuela.

Sin embargo, las cosas solo empeoran para la protagonista. En el trabajo, el ambiente es aún peor. Su jefe la maltrata verbalmente y los clientes abusan de ella, incluso poniendo en peligro su integridad. Una llamada del colegio la pone en alerta. Debe ir de inmediato porque existe un problema grave con su hija. Ausentarse de sus labores no está permitido, menos ese día que está repleto de gente. Sin embargo, obtiene 30 minutos de margen. El día oscuro sigue su curso, porque un incidente camino a la escuela la cruza con un hombre enfurecido que resulta ser un policía fuera de servicio que llega, incluso, a amenazarla de muerte. Sin sus papeles al día, le cursan una infracción y le requisan su auto. Aún hay más, pero no se los voy a adelantar, porque lo que viene a continuación va de mal en peor.

Tyler Perry escribe y dirige este drama de proporciones con oficio y seguridad. La connotación social impacta de entrada. Sabemos lo cruda que puede llegar a ser la pobreza, pero un retrato vívido como el que expone esta película nos lo deja aún más claro. Al comienzo, una secuencia de más de 20 minutos muestra una literal caída al vacío.

Objetivamente no hay salida posible. La suma de hechos es angustiante y no podemos despegarnos de la pantalla ni un segundo. La empatía con la protagonista es instantánea, por su condición, por su hija, por sus dificultades como madre, como trabajadora, y además por la discriminación que sufre por el color de su piel. Quisiéramos ayudarla, pero no podemos. Solo observamos la dirección que toman los hechos y, violentamente, nos sorprendemos.

Después de ese inicio cuasi transgresor, la película ingresa a un valle del que le cuesta escapar. Es en el sector medio, de casi una hora, donde el metraje se divide en dos: lo que pasa dentro del banco y lo que sucede afuera, con la policía y el FBI sin saber bien qué hacer. En ese momento emerge la figura de la detective Kay Raymond -Teyana Taylor-, quien comienza a tomar las riendas de un evento que aventura un desenlace inesperado.

Los últimos minutos, algo así como el cuarto final de la cinta, es agudo gracias a un giro que no vemos venir. Como construcción, llega algo tarde, tal vez sin el apropiado contrapeso previo, pero funciona para crear una historia que penetra más por la complejidad de su fondo social que por la elaboración fílmica de la que da cuenta.

“Straw”, en sus casi dos horas, nos mantiene atentos y pone en relieve que los seres humanos respondemos de acuerdo a las circunstancias. Un mal día lo tiene cualquiera, pero una vida en condiciones infrahumanas es otra cosa. El mérito innegable de esta producción es el tratamiento de temas que a veces se relegan y se esconden debajo de la alfombra. La maternidad bajo presión, la enfermedad, la falta de oportunidades, la falta de dinero, la ausencia de redes de protección, la soledad, la marginación y la humillación, se levantan como banderas de lucha que se movilizan y presionan para conseguir un futuro mejor. Tal vez para Janiyah pudo haber sido tarde, pero su ejemplo podría servir a otras personas que están en condiciones similares y aún pueden salir del pozo.

Tyler Perry deja tarea para la casa.

Ficha técnica

Título original: Straw
Año: 2025
Duración: 105 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Netflix, The Tyler Perry Company. Distribuidora: Netflix
Género: Drama | Maternidad
Guion: Tyler Perry
Música: Dara Taylor
Fotografía: Justyn Moro
Reparto: Taraji P. Henson, Sherri Shepherd, Teyana Taylor
Simbad, Rockmond Dunbar, Ashley Versher, Mike Merrill, Glynn Turman
Dirección: Tyler Perry 

Echo Valley

Disponible en Apple TV+.

Esta es una de esas películas que necesitan tiempo y, tal vez, una oportunidad. La demora en plantear el verdadero nudo de conflicto toma nada menos que 40 minutos, es decir, un tercio del metraje. Antes, y también algo después, es lenta, confusa, e incluso un poco exagerada, para exprimir una problemática íntima sobre la difícil relación de una hija con su madre recientemente viuda, quien apenas puede sobrellevar la pérdida y se enfrenta a una soledad que la carcome por dentro y por fuera.

Kate -Julianne Moore-, tiene problemas en casi todos sus flancos. Acaba de perder a su esposa Patty, la granja que administra tiene serias dificultades financieras y su hija Claire-Sydney Sweeney-, no logra superar una situación inestable producida por el consumo de drogas y la relación tóxica con un novio involucrado en el comercio de estupefacientes.

Una madre está dispuesta a todo por sus hijos y esta no es la excepción. Kate no duda un instante en prestar ayuda a su hija a pesar del sinnúmero de actitudes equívocas y la imposibilidad de hacerse cargo de su propia vida.

Cuando hay dinero de por medio, es decir, cuantiosas deudas relacionadas con drogas, la situación se hace prácticamente inmanejable. Sin embargo, ahí está Kate, al pie del cañón, siempre dispuesta, pero con la conciencia de que en algún momento eso debe parar.

El tema explota una noche en que la joven vuelve a la granja con su camisa ensangrentada. No es de ella. Ha tenido una discusión con su novio con consecuencias fatales. Este, sin duda, es un problema mayor. ¿Qué puede hacer, sino recurrir a su madre? Ese es el meollo: la manipulación constante por parte de Claire, quien sabe que su madre no le negará nada y que estará dispuesta a cruzar cualquier límite por salvarla.

Dirigida por Michael Pearce y con buenas actuaciones de Julianne Moore y Sydney Sweeney, esta película parece no despegar nunca. Es posible que el exceso de tiempo empleado en los dos tercios iniciales le juegue un poco en contra. Hay mucho contexto, muchos paisajes -bellos, por cierto-, descripciones introspectivas del duelo de la protagonista con largos planos en silencio, algunas discusiones acaloradas y poco, muy poco más. A esa altura, es difícil aventurar qué rumbo tomará la historia y cuáles de las aristas de la trama serán finalmente abordadas.

Y sucede lo impensado. Un giro radical se toma el relato. Aunque perfectamente coincidente con lo anterior, desde ese momento comienza otra película, el verdadero thriller que afortunadamente recordaremos, ya que logra tensión creciente y, gracias a ello, los puntos más altos.

“Echo Valley” no destaca ni brilla, pero al menos presenta un trabajo que va de menos a más, con una partida floja y un desenlace bastante más que aceptable. Guardemos las proporciones, eso sí. Se trata de una película menor, como muchas de las posibilidades que entrega el streaming actual. Sin embargo, el atractivo de sus protagonistas y un buen nivel de producción, son ganchos suficientemente potentes para darle una oportunidad. Con paciencia y sin expectativas, es una buena opción para una tranquila tarde de domingo.

Ficha técnica

Título original: Echo Valley
Año: 2025
Duración: 83 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Apple Original Films, Scott Free Productions, The Walsh Company, Apple Studios, Black Bicycle Entertainment. Distribuidora: Apple TV+
Género: Thriller. Drama | Maternidad
Guion: Brad Ingelsby, Michael A. Pruss
Música: Jed Kurzel
Fotografía: Benjamin Kracun
Reparto: Julianne Moore, Sydney Sweeney, Domhnall Gleeson, Kyle MacLachlan, Fiona Shaw
Dirección: Michael Pearce 

F1

Con la velocidad de un rayo llega “F1“, y es la película que tenemos que ver. Veamos por qué.

La premisa es sencilla y nos presenta a Sonny Hayes -Brad Pitt-, un expiloto de F1 que es contactado por su antiguo compañero de equipo, Rubén Cervantes -Javier Bardem-. Ambos corrieron juntos en los años 90 y ahora sus vidas han tomado rumbos muy distintos. Sonny es un piloto busca vidas, a contrata, que va de competencia en competencia sin tener un norte claro. Rubén, en cambio, es el dueño de un equipo de Fórmula Uno pero no ha tenido el éxito esperado. Sin resultados y tremendamente endeudado, si no consigue dar un golpe de timón para modificar su suerte, se verá obligado a vender la escudería a pesar de contar en sus filas con la gran estrella del momento, el novato Joshua Pearce -Damson Idris-. Sonny es la última carta de Rubén, un movimiento arriesgado y al borde del descalabro. ¿Funcionará su estrategia o está todo sentenciado?

Si bien hay varios personajes, Brad Pitt carga con el peso del relato, muy bien secundado por Idris, Condon y Bardem. La historia construida por el mismo director, Joseph Kosinski, con guion de Ehren Kruger, es fácil de seguir, e incluso hasta un poco previsible, pero eso no importa, porque funciona y bastante bien. Los diálogos son directos, tal vez sin demasiada elaboración, pero con lo justo para aportar los antecedentes necesarios que permitan ir descubriendo a cada uno de los protagonistas. Las químicas en pantalla también entregan valor, porque al imán de Brad Pitt se le suma la genuina amistad que representa Bardem, la antipatía visceral encarnada por Idris y el interés amoroso en la presencia de Kate McKenna -Kerry Condon-, directora técnica del equipo APXGP.

“F1”, desde el punto de vista de la producción, es sensacional.

Primero, recrear las carreras y todo el entorno del llamado “circo de la Fórmula 1” es un desafío monumental, y esta cinta lo supera con creces. No en vano, filmaron dentro de las carreras reales de las temporadas 2023 y 2024, crearon paddocks especiales y recibieron todo el apoyo del Formula One Group, responsable de la promoción de la categoría de elite de la FIA.

Segundo, adaptar los autos para hacerlos competir con los verdaderos bólidos de Red Bull, McLaren y Ferrari, entre otros, y hacer esto creíble, es otra hazaña técnica, en la que el apoyo del siete veces campeón del mundo, Lewis Hamilton, quien también es productor del filme, sin duda se nota, a la par del gran trabajo de Mercedes F1, responsable del diseño de los coches de APXGP.

Tercero, filmar dentro de la pista y desde el interior de los autos, requiere medidas especiales. Si bien aquello se ve en las actuales carreras del campeonato, la imagen no tiene una definición adecuada para el cine, por lo que Apple -distribuidora de la película-, modificó módulos específicos de los autos para incrustar, con las mismas dimensiones y pesos, cámaras adaptadas de iPhone controladas a distancia por iPads, constituyendo una proeza técnica. Todo esto, además, a más de 200 km por hora.

Otro tópico que se agrega a la excelencia de esta realización es la precisa fotografía de Claudio Miranda, la que entrega tomas originales captando escenas desde ángulos que pocas veces hemos observado en otras películas de este género.

¡Y qué decir de la banda sonora! Hans Zimmer, responsable de la música incidental, suma emoción y épica a la historia, mientras la música recorre famosas canciones junto a otras especialmente compuestas para esta ocasión.

Los decorados, los ambientes, la trastienda y todo el glamour de la Fórmula Uno se ve realzado con un trabajo al detalle para cada uno de los elementos. Por eso, ver esta película es sumergirse realmente en ese mundo, una experiencia diferente y muy gratificante. Además, es casi mágico ver en pantalla una extraña combinación ficción-realidad, porque junto a los actores también vemos a los pilotos actuales -Verstappen, Leclerc, Alonso, Sainz, Russell y Hamilton, entre otros-, y directores de equipo, como Zak Brown, CEO de McLaren Racing, Christian Horner, director y CEO de Red Bull Racing, Frédéric Vasseur, director de Scuderia Ferrari, y algunas sorpresas más.

“F1: The Movie” es vibrante y sus dos horas y media pasan en un suspiro. A pesar de ser un producto comercial destinado a recaudar una abultada taquilla -como se les llama a los denominados “blockbuster”-, se las ingenia para contener de todo un poco. Por ejemplo, desde la acción y el romance, pasa a los valores, como el trabajo en equipo en la alta competencia, la resiliencia para sobreponerse a situaciones adversas y el espíritu de superación que debe estar siempre presente para liderar cualquier disciplina deportiva. Los antivalores también están en el juego, bien representados por los antagonistas de la historia que, además, varían durante el metraje.

En definitiva, vértigo, emoción y entretención garantizada. No deje de verla. ¡Es de las imperdibles del año!

Ficha técnica

Título original: F1: The Movie
Año: 2025
Duración: 155 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Apple Original Films, Monolith Pictures, Jerry Bruckheimer Films, Plan B Entertainment, Dawn apollo.
Productor: Brad Pitt, Lewis Hamilton. Distribuidora: Warner Bros., Apple TV+
Género: Acción. Drama | Coches/Automovilismo. F1
Guion: Ehren Kruger. Historia: Joseph Kosinski
Música: Hans Zimmer
Fotografía: Claudio Miranda
Reparto: Brad Pitt, Damson Idris, Kerry Condon, Tobias Menzies, Javier Bardem
Dirección: Joseph Kosinski