Metegol

Juan José Campanella, el premiado director Argentino y ganador del Oscar por “El secreto de sus ojos” incursiona en un género diferente con “Metegol”, una cinta animada basada en el cuento “Memorias de un wing derecho”, del escritor argentino Roberto Fontanarrosa. La historia que cuenta la película es la de Amadeo, un joven solitario y tímido, cuya pasión es pasar horas y horas jugando al metegol, popular juego que en Chile llamamos “Taca-Taca”. Enamorado de Laura, aunque ella no lo sabe, Amadeo vive en un pueblo pequeño y anónimo, trabaja en un bar y su sencilla rutina le permite ser por lejos el mejor jugador del popular juego. La vida de Amadeo y de su pueblo se ven seriamente amenazadas cuando Mato Grosso, un joven del pueblo convertido en el mejor jugador de fútbol del mundo, regresa para cobrar revancha de la única derrota sufrida en su vida. En ese momento, Amadeo, con la ayuda de los jugadores del metegol que cobran mágica vida, se embarca en una gran aventura para rescatar a Laura y salvar a su pueblo de las manos del egocéntrico futbolista.

Campanella, si bien enfoca la cinta hacia un público infantil, usa un lenguaje que abarca a todo tipo de público. El relato está lleno de caracterizaciones que dan un gran valor a cada personaje. Y en los jugadores del metegol los tenemos todos: el canchero, el poeta, el “capo”, el soñador, los extranjeros y muchísimos más. Los valores auténticos representados por Amadeo y Laura se contraponen a los antivalores de Mato Grosso, quien sin ser un real villano, ha perdido cualquier rasgo de humildad gracias al éxito desenfrenado, una gran fortuna y un ambiente adulador e interesado solo en su brillante carrera.

La animación lograda por esta coproducción argentino-española es de gran calidad técnica, donde hay un lugar para cada detalle y una cuidada puesta en escena. Cuando la animación pasa a ser solo la forma de contar una buena historia, creo que el objetivo está logrado. Y Campanella, una vez más, nos ofrece cine de calidad, donde lo que más llama la atención es la humanidad de sus personajes y donde es capaz de retratar con muy pocos elementos, la vida sencilla, aquella vida que surge no de los grandes éxitos sino aquella vida que se forma desde las mayores crisis, donde cada uno forma parte de una comunidad y está dispuesto a jugarse por ella, donde todos y cada uno de sus integrantes, asumiendo sus limitaciones y aprovechando sus talentos logran formar un verdadero equipo para conseguir un objetivo común. En ese sentido, “Metegol” es audaz no solo por ser la primera película argentina de animación en 3D, sino por transformarse en una linda fábula animada para ser disfrutada por grandes y chicos, ofreciéndonos amor, amistad y pasión con el fútbol como telón de fondo.

Ficha técnica

Titulo Original: Metegol

Distribuidor: ANDES

Calificación: TE

Duración: 106 minutos

Género: Animación

Año: 2013

País: Argentina - España

Elenco: David Masajnik, Pablo Rago, Horacio Fontova, Diego Ramos y Miguel Ángel Rodríguez.

Director: Juan José Campanella

Blue Jasmine

Woody Allen no da tregua a sus 78 años. Con un ritmo vertiginoso y una película filmada cada año, realmente el oficio y maestría para lograrlo es admirable. Su última entrega, "Blue Jasmine", es nuevamente un drama recubierto de esa comedia que sólo Allen puede proponer. Jasmine -Cate Blanchett en un papel construido de forma extraordinaria- es una mujer acostumbrada a los lujos, a los viajes, y a las grandes cenas de la alta sociedad de New York. Su marido Hal -Alec Baldwin- la ha consentido toda su vida, sin condiciones, al menos aparentemente. No obstante, su vida cambia radicalmente pues luego de un giro radical, endeudada y destruida, debe migrar a San Francisco, y llegar a la modesta casa de su hermana Ginger -Sally Hawkins-, mujer trabajadora, separada, madre de dos hijos y con una vida dedicada al trabajo.

"Blue Jasmine" no es sólo la historia de Jasmine y Ginger, ambas hermanas adoptadas por sus padres. Es una historia de vida, de búsqueda de sentido que dos mujeres intentan desde veredas opuestas. Y acá, Allen -el maestro-, sabe perfectamente dar el tono justo al relato, con una mezcla de temporalidad que nunca pierde el horizonte y con un guión excelente, de ritmo creciente y permanente tensión. Cate Blanchett deslumbra con su personaje. Ella es Jasmine, no hay duda. Siempre lo fue y lo será. Conseguirlo así es gracias a su extraordinario talento, el que, unido a la batuta del director, realmente enciende la pantalla y la llena de emoción. Tantos gestos, actitudes, situaciones diferentes, bipolares estados de ánimo, y todo lo que podamos imaginar, pasan por el rostro de una mujer que ha sufrido y mucho. Bajo esa gran capa de apariencias -una coraza casi infranqueable- vive una mujer sensible, que ha querido sobreponerse a la vida y que se ha postergado pensando que ese era su camino. En la otra esquina está su humilde hermana Ginger, una mujer sencilla, trabajadora, sin grandes ambiciones, lo que le permite sobrevivir día a día y leer claramente la realidad que le toca enfrentar. Jasmine es el Cisne; Ginger, el patito feo, pero sólo en apariencia.

Woody Allen tiene un sexto sentido para retratar a las mujeres. Sus personajes femeninos están llenos de una carga emocional tremendamente fuerte. En cambio los hombres o son sustanciosos proveedores o bien elementos decorativos que sólo cumplen provocando conflicto. Las mujeres son, en general, quienes sostienen los relatos, quienes llevan la responsabilidad sobre sus hombros y en quienes se puede profundizar hasta las raíces mismas del alma. 

"Blue Jasmine" es una excelente película. Es bueno no saber más de la historia porque podrían perderse algunos detalles y adivinarse parte de la historia. Sin embargo, acá la historia no es lo fundamental. La composición, la forma de desarrollar la trama y la humanidad de sus protagonistas es el verdadero centro. Es lo que nos hace despegar de la butaca y pasar a ser parte del relato, sufrir y gozar con sus personajes; aquello que siempre esperamos del cine y que es cada vez más escaso. En esto, Allen, con puntos más altos y puntos más bajos, en general no decepciona com su filmografía. Su sello personal, su lectura de la realidad y su traspaso a la pantalla grande son notables, con una fuente inagotable de creatividad y originalidad. Ojalá nos siga entregando mucho más en los próximos años, porque su lenguaje cinematográfico, visual y emotivo, tendrá siempre ansiosos espectadores esperando disfrutar y admirar su trabajo.

Ficha técnica

Titulo Original: Blue Jazmine

Distribuidor: BFD

Calificación: 14 años

Duración: 98 minutos

Género: Comedia - Drama

Año: 2013

País: Estados Unidos

Elenco: Cate Blanchett, Alec Baldwin, Peter Sarsgaard

Director: Woody Allen

La sospecha

El secuestro de niños es un tema tremendo y además complejo de enfrentar. El director canadiense Denis Villeneuve aborda el relato desde diferentes perspectivas con el fin de situarnos y de estar permanentemente enfrentados al discernimiento que propone la acción de todos los involucrados. Durante la celebración del Día de Acción de Gracias de dos familias amigas, las hijas menores de ambos matrimonios -Hugh Jackman y Maria Bello, por un lado; y Terrence Howard y Viola Davis, por el otro- desaparecen de manera totalmente inesperada. Keller Dover -Jackman- encabeza una desesperada búsqueda que parece no conducir a nada. Solo la pista de una casa rodante y la aparición de un sospechoso abre una ventana de luz a un relato que conmueve por lo cruel y real que resulta ser.

"Prisioners" -su título original- presenta varias dualidades. Una de ellas es la forma de reaccionar ante una situación crítica y dramática por parte de las familias. La desesperación lleva a tomar decisiones no siempre afortunadas y de las que posteriormente pueden arrepentirse. Por otra parte está la justicia, esta vez encarnada por el detective Loki -Jake Gyllenhaal, en un papel que cobra protagonismo con el correr de los minutos- que en ocasiones parece atada de manos para investigar a fondo un hecho extremo. Estamos en una permanente disputa entre los sentimientos y la razón, entre lo correcto y lo incorrecto, entre lo que se debe hacer y lo que dicta el corazón. ¿Esperar la acción de la justicia o tomar justicia por las propias manos? Este es tal vez el dilema más importante de la película y es justamente Jackman, con su gran actuación, quien nos hace dudar permanentemente durante el relato. ¿Qué opción tomaríamos nosotros ante un hecho de esta naturaleza? ¿Acaso no haríamos todo lo que en nuestras manos estuviera para resolverlo? Los valores principales, ¿son transables cuando un ser amado está en peligro y estamos seguros que sabemos quién es el responsable?

“La sospecha” sostiene una tensión permanente durante sus 153 minutos. Y logra que no decaiga la atención del espectador gracias a un guión firme, una edición fluida y un relato visual que es capaz de transmitir la emoción de sus protagonistas. Denis Villeneuve encabeza un equipo de lujo y sabe sacarle partido con diálogos profundos, primeros planos que conmueven y una fotografía realista y cruda. Si a esto agregamos un tratamiento apropiado de temas moralmente complejos -sentimientos paternos, acción policial, justicia y cruda violencia-, tenemos un filme que nos mantiene en suspenso, que provoca, cuestiona y de alguna forma nos obliga a tomar posiciones durante el relato. Una historia que perfectamente podría ser real y que puede estar más cerca de lo que siquiera imaginamos.

Ficha técnica

Título: La sospecha (Prisoners, Estados Unidos/2013)

Dirección: Denis Villeneuve

Guión: Aaron Guzikowski

Fotografía: Roger Deakins

Música: Jóhann Jóhannsson

Edición: Joel Cox y Gary Roach

Diseño de producción: Patrice Vermette

Elenco: Hugh Jackman, Jake Gyllenhaal, Viola Davis, Maria Bello, Terrence Howard, Melissa Leo y Paul Dano

Distribuidora: Alfa Films

Duración: 153 minutos

Calificación: apta para mayores de 16 años con reservas

Concierto Orquesta Filarmónica de Santiago - Rimsky-Korsakov, Khachaturian, Tchaikovski

El martes 17 de diciembre de 2013, la Orquesta Filarmónica de Santiago, en el Teatro Caupolicán, cerró su Temporada de conciertos con un programa atractivo a cargo de su director residente, Jose Luis Domínguez y del virtuoso violinista Ray Chen.

El concierto comenzó con una correcta versión de la Obertura de La Novia del Zar de Nikolai Rimsky-Korsakov. Si bien la orquesta muestra en cada concierto una mayor amalgama sonora, la pobre acústica del recinto no permite jugar demasiado con los balances y colores, por lo que en grandes pasajes son los bronces los que destacan por sobre maderas y cuerdas. Pasó rápido, como calentando motores para lo que vendría y no pudimos descubrir la paleta orquestal de Rimsky-Korsakov, a pesar que tampoco es de sus obras cumbres en ese sentido. La dirección fue precisa, aunque un poco fría, tanto en entrega como en expresividad.

De inmediato nos introducimos al mundo de Aram Khachaturian y su Concierto para violín en re menor, Op. 46. De notable dificultad técnica para el solista, esta obra combina una marcada rítmica con una expresividad llena de romanticismo lo que la convierte en una pieza magistral. El joven solista, Ray Chen, demostró por qué es uno de los más talentosos violinistas de la actualidad, y tiene sin duda una prometedora carrera. Su “Stradivarious” -un lujo poder escucharlo en vivo- respondió a cabalidad las demandas de su intérprete, desde los mecánicos pasajes técnicos hasta los más bellos detalles de la exigente obra, con un sonido hermoso, equilibrado y que en ningún momento fue pasado a llevar por el gran volumen orquestal, gracias principalmente a su característico timbre. Por cierto, el lucimiento del solista fue recompensado con ovaciones al final del concierto que le obligaron a tocar dos piezas más, un lúcido y sutil Capricho 21 de Pagannini y un movimiento de la Partita 3 para violín solo de Bach, obras que coronaron una presentación brillante, llena de musicalidad y expresividad. La orquesta conducida por Domínguez acompañó muy bien el desafío, con desajustes menores en lo sonoro y en lo rítmico, los que no interfirieron en el resultado de una interpretación de gran calidad.

En la segunda parte del concierto, tuvimos la oportunidad de escuchar la Sinfonía nº 5 en mi menor, Op. 64, de Piotr I. Tchaikovski. Obra majestuosa en su concepción, esta sinfonía permite redescubrirla en cada audición. El oscuro comienzo a cargo del clarinete, da paso a sonoridades brillantes y expresivas; el solo de corno en el segundo movimiento, probablemente una de las melodías más líricas jamás escritas, es de una notable paz interior que solo es quebrada por el hilo conductor de la sinfonía; el juguetón vals de tercero, junto al brillante y virtuoso final, componen una obra preciosa, que se nutre de si misma, en un continuo mar sonoro en el que solo Tchaikovski nos puede sumergir. La versión de José Luis Domínguez y la Filarmónica fue bastante sólida y logró notables momentos emotivos. Sin dejar pasar algunos desajustes rítmicos en ataques de maderas y bronces, una afinación por momentos deficiente en las maderas y una pobre sonoridad de la cuerda baja (posiblemente aumentada por la acústica ya descrita), disfrutamos de una “Quinta” interpretada con fuerza y expresividad, donde se logró percibir el gran nivel alcanzado por la Orquesta Filarmónica de Santiago, sus solistas y filas instrumentales, junto al seguro oficio de su director residente.

Los juegos del hambre: en llamas

Esta segunda parte de la exitosa trilogía de Suzanne Collins, muy esperada por todos sus fieles seguidores, comienza a introducirnos en la vida de Katniss Everdeen -Jennifer Lawrence- y Peeta Mellark -Josh Hutcherson- luego de ganar la edición número 74 de los “Juegos del hambre” para el distrito 12. El Capitolio -poder central a cargo del Presidente Snow -Donald Sutherland-, no está tranquilo. Ve signos de rebelión en los distritos y quiere a toda costa aplacarlos. El “Tour de la victoria”, un recorrido de los ganadores por todos los distritos, podría ser una buena herramienta, sobre todo si se logra consolidar el romance entre Katniss y Peeta, que sin convencer a la mayoría, entrega una dosis de sentimiento al sufrido pueblo de Panem. No obstante, las dudas persisten y al aproximarse la versión número 75, “el Vasallaje”, Snow junto a Plutarch Heavensbee -Philip Seymour Hoffman-, el nuevo vigilante de los juegos, deciden que los “tributos” serán elegidos de anteriores vencedores, por lo que Katniss deberá nuevamente representar a su distrito.

Esta secuela tiene cambios sustantivos respecto a la primera en varios aspectos. El primero y que surge a simple vista es el cambio de director. Luego que Gary Ross no aceptara continuar, la responsabilidad quedó en manos de Francis Lawrence quien imprime a la saga un ritmo menor y un relato mucho más pausado que el de la primera versión. Con una fotografía mucho más oscura y un metraje más denso, esta segunda parte se inclina más por la historia y los diálogos que por la acción. El guión da por supuestos muchos elementos que, si no estamos atentos o carecemos de ayuda, podrían complicar el cabal entendimiento de la trama que soporta la película. No basta conocer a los principales personajes, pues la cinta agrega elementos que no necesariamente estaban descritos en la primera sino que otros simplemente se dan por sabidos y carecen totalmente de un desarrollo apropiado. Pasa por ejemplo con el personaje de Gale -Liam Hemsworth-, cuya importancia en el relato solo se vislumbra al comienzo para luego pasar directamente al congelador.

“En llamas” profundiza la temática del Imperio sobrepoderoso contra un pueblo totalmente oprimido. La fuerza y acción militar no tiene contrapeso. El Capitolio puede detener, decidir, apresar y matar a cualquiera sin dar ninguna explicación. Y esta forma bárbara de actuar, similar a cualquier dictadura, no puede tener sino una sola forma de oposición: la rebelión de las masas, con sus símbolos y sus líderes. La cinta vuelve a poner en relieve este “Circo Romano” que son los “Juegos del hambre”. No solo es una competencia despiadada y sin sentido. Es el mayor show televisivo de Panem, donde se concentran las miradas de todo el mundo y donde cobra vida la manida frase de los gobiernos autoritarios: “circo para el pueblo”.

Tal vez podríamos escribir mucho más sobre esta cinta y su temática, sin embargo gran parte de ello está en el análisis de la primera entrega. Sorprende encontrarnos con un guión más débil, menos desarrollado, con un tratamiento del relato fraccionado y que se cae en varios momentos. En general no logra sostener un ritmo creciente y ello hace que los 146 minutos de duración se hagan extensos, perdiendo la oportunidad de seguir un hilo conductor más concreto y preciso, basado en los valores y antivalores presentes por doquier. Desde el punto de vista de la producción, mantiene un notable nivel, no obstante hubiéramos esperado una mejor escenografía y una fotografía mucho más cuidada. La cinta seguramente dejará contentos a sus seguidores, sin embargo queda al debe desde el punto de las expectativas generadas dado el éxito de su primera entrega. Y esto es algo no menor, tomando en cuenta que la tercera parte -Sinsajo- ya se anuncia dividida en dos películas, porque si quiere mantener el éxito de la saga será muy necesario dotarla de más relato, de más historia, es decir, en síntesis, de más cine.

Ficha técnica

Titulo Original: Hunger Games: Cathing Fire

Distribuidor: BFD

Calificación: 14

Duración: 146 minutos

Género: Acción, Aventura y Ciencia Ficción

Año: 2013

País: EEUU

Elenco: Jennifer Lawrence, Josh Hutcherson, Liam Hemsworth, Elizabeth banks y Sam Claflin.

Director: Francis Lawrence

El Ciudadano Kramer

Stefan Kramer posee un talento increíble no cabe duda. A sus naturales dotes de imitador, suma una creatividad y eficacia que hacen admirable su trabajo. Y cuánto trabajo hay al realizar una película prácticamente actuada sólo por él mismo, interpretando a un sinnúmero de figuras públicas, políticas y de la farándula, y sosteniendo 100 minutos de metraje. ¡Mucho, sin duda! Kramer es un observador agudo de la realidad. Acentúa y en muchos casos exagera cada gesto, cada palabra y tono de voz de sus personajes, al punto de recrearlos con una singularidad que ya le es propia. Y esta vez, en su segunda cinta, Kramer sigue absolutamente fiel a su estilo.

Stefan Kramer -él mismo, la persona real, el ya famoso imitador- ha cumplido un ciclo con su espectáculo y siente que deber renovarse, encontrar un nuevo show para reencantarse y reencantar a su público. Busca ideas sin dar con un camino claro, hasta que una conmovedora visita de Iván Fuentes -una de las caracterizaciones de las más logradas- le hace ver que la política podría ser la fórmula a explorar. Junto a sus fieles colaboradores -Arturo y el "negro"- Kramer emprende el desarrollo de un nuevo montaje ("Gobernar es un show), donde aprovecha la campaña presidencial para promoverlo, llegando a confundir a tal grado los papeles que termina convirtiéndose en un candidato ciudadano, aclamado por las multitudes y odiado por toda la clase política del país.

La cinta transcurre lentamente entre la suma de imitaciones y las apariciones de personajes reales que participan como ellos mismos en la historia. Kramer se apoya en su familia y en su esposa -Paloma Soto en la cinta y en la vida real- para dar vida a un guión, que aunque más elaborado que el de su predecesora, naufraga dada su evidente debilidad, una fragilidad que, al no tener un hilo conductor claro, carece de los elementos básicos que permiten contar una buena historia. Nuevamente nos vemos en presencia de una suma de muy buenos momentos de humor -algunos realmente jocosos-, cuadros y escenas que se juntan para armar un show televisivo más que una película propiamente tal.

No obstante lo descrito, "El Ciudadano Kramer”, a diferencia de “Kramer vs Kramer”, intenta entregar un mensaje un poco más elaborado. O varios mensajes, tal vez, que podríamos clasificar de varias maneras según las propias lecturas. No estoy seguro si se trata de farandulizar la política, politizar la farándula o solo reírse de la contingencia, pero se acerca de alguna manera a esos conceptos y nos muestra algunos caminos carentes de sentido, donde la imagen y el éxito es lo importante y las verdaderas causas quedan abandonadas en el camino a la espera de tener una real oportunidad de expresión. Es sabido que gracias al humor podemos tomar el pulso de la realidad, y si hacemos esa lectura, me arriesgo a pensar que tenemos que tomar urgente conciencia de lo que estamos enfrentando como sociedad chilena en estos momentos, ad portas de un nuevo ciclo político, cultural y social.

Ficha técnica

Titulo Original: El Ciudadano Kramer

Distribuidor: FOX

Calificación: TE

Duración: 100

Género: Comedia - Humor

Año: 2013

País: CHILE

Elenco: Stefan Kramer, Paloma Soto, Carolina Paulsen

Director: Stefan Kramer/Javier Estévez

Jobs

Esta cinta dirigida por Joshua Michael Stern, cuenta una parte de la vida de Steve Jobs, fundador de Apple Computers, un visionario emprendedor que redefinió y cambió el mundo de la tecnología y de la computación personal, junto con modificar nuestra forma de relacionarnos con los dispositivos digitales. Es difícil separar la película de la historia, sobre todo para quien escribe estas líneas, pues soy usuario Apple desde 1987, es decir desde hace 26 años. Aprendí computación gracias a un Macintosh Classic y los "Mac" me han acompañado fielmente desde entonces, razón por la cual pudiera no ser muy objetivo en ciertos aspectos. Expuesto lo anterior, intentaré comentar esta cinta tanto desde la perspectiva cinematográfica como también desde el personaje al que esta historia le da vida.

Jobs -Ashton Kutcher en una personificación bien lograda y que por momentos parece revivir- fue un hombre controvertido desde el comienzo. Rebelde de las formas y a la vez amante de ritos, descubrió muy temprano que su futuro no eran los estudios sino los negocios. Su inigualable pasión por la perfección y la funcionalidad, junto a su búsqueda permanente de la belleza, configuraron una personalidad obsesiva y egocéntrica que en más de una ocasión le generó incontables problemas. En ese sentido, esta película retrata mucho más al Jobs del día a día, aquel capaz de despedir a alguien espontáneamente o gritonear a medio mundo, que el genio al que muchos tal vez idealizaron y vieron en él sin conocer la historia más a fondo. El guión permite aquello, justamente al elegir un periodo de tiempo que va desde sus abandonados estudios universitarios hasta el lanzamiento de una de las mayores revoluciones nacidas en Apple y que cambió la industria musical: el primer iPod presentado en el año 2001.

Sin duda estos años no fueron sencillos para Steve Jobs. Funda Apple, crece con la compañía y crece su fortuna, es relegado primero y luego despedido por su propio directorio debiendo emprender nuevos rumbos y vuelve finalmente para recomponer su empresa con una visión y una pasión pocas veces vista. El metraje por momentos se oscurece y los diálogos no son del todo fluidos. Es que hay mucho que contar, mucho contenido importante y la decisión de qué se debe mostrar se hace ciertamente difícil. Hay temas técnicos, económicos, ideas, desarrollos, relaciones, etc. A la vez, hay otras escenas que son realmente luminosas y épicas, como los lanzamientos de productos innovadores y cautivantes, reuniones de equipos creativos y todo ese ambiente que de alguna manera rodea de misterio y admiración el trabajo de Apple.

Los momentos emotivos también son importantes y destacados en la cinta y están referidos al "otro" Steve -Wozniak, “Woz”, co-fundador de Apple-, en una entrañable caracterización de Josh Gad, a los primeros colaboradores de la compañía y por cierto a Lisa, hija de su primera relación amorosa, a quien Jobs también abandona, siguiendo inconscientemente a sus propios padres que le habían dejado en adopción recién nacido.

Podría escribir mucho más de esta cinta y sería más bien escribir sobre la historia de Steve Jobs. La biografía de Walter Issacson es por lejos la mejor referencia al respecto y les animo a leerla. Por ello, y haciendo un esfuerzo para centrarme en la realización cinematográfica, veo que estamos ante un buen trabajo tomando en cuenta el poco tiempo invertido, bien filmado, con actuaciones capaces de convencer -en especial la caracterización de Kutcher- y que logra, al menos en mi opinión, retratar al quien logró conectarnos con la tecnología, haciéndonos "pensar diferente".

Ficha técnica

Titulo Original: JOBS

Distribuidor: BFD

Calificación: TE

Duración: 129 minutos

Género: Acción - Drama

Año: 2013

País: EEUU

Elenco: Ashton Kutcher, Josh Gad, James Woods, Dermot Mulroney y J.K. Simmons

Director: Joshua Michael Stern

Concierto Orquesta Filarmónica de Santiago - Debussy, Prokoffiev y Stravinsky

El martes 3 de diciembre de 2013, la Orquesta Filarmónica de Santiago se trasladó al Teatro Caupolicán para su Concierto de Temporada producto del incendio ocurrido semanas antes en el principal recinto de calle San Antonio. El programa en esta ocasión contaba con el debut del joven director chileno Paolo Bortolameolli y la participación de la pianista lituana Muza Rubackyté.

El concierto comenzó con el “Preludio a la siesta de un fauno” de Claude Debussy, una obra llena de colores e imágenes, con impresiones descritas como pinceladas en una fina tela sonora. Desde el solo inicial de la flauta -excelente sonido y expresión de Eduardo Pereda-, la paleta orquestal diseñada por Debussy solo se vislumbra debido a una acústica indudablemente poco adecuada para apreciar los sutiles cambios dinámicos y los enlaces tímbricos de los solistas. Tampoco colabora al vuelo de la obra una versión en exceso cadenciosa, en la que cada compás pareciera esperar su propia definición en el siguiente, fragmentando la pieza y cortando la fluidez del discurso.

La segunda obra presentada fue el tercer concierto para piano de Sergei Prokoffiev. La solista, de forma sencilla, lució un virtuosismo no exento de dificultades y una musicalidad grácil. No obstante dificultades de balance -el piano era por largos pasajes superado por el volumen orquestal- y algunos desajustes rítmicos principalmente en los ataques y comienzos de frases, orquesta y solista sacaron a relucir el genio del compositor en una versión más motora que expresiva.

Finalizó el programa con una nueva versión de la ya centenaria “Consagración de la Primavera” de Igor Stravinsky. A pesar de la gran cantidad de interpretaciones, esta obra magistral se abre paso cada vez para mostrarse nueva, inquieta y juvenil, considerando la gran dificultad técnica que entrega como desafío a cada familia instrumental y por cierto a quien la dirige. Bortolameolli condujo a la Filarmónica sin partitura -lo que es un desafío mayor aunque sin duda constituye una ventajosa conexión con los músicos- logrando por momentos notables efectos en especial con bronces y percusión. 

Lamentablemente la acústica no contribuyó para apreciar dinámicas -aquellas más sutiles- y colores de instrumentos que no siempre tienen una participación destacada en los grandes tuttis orquestales como la flauta en sol y el contrafagot. En un evidente desequilibrio, la cuerda no pudo nunca contrarrestar la fuerza de los metales y las maderas -literalmente al medio de ambos grupos- tampoco pudo brillar como corresponde. La versión que escuchamos, rítmicamente correcta, se inclinó más por la certeza de la unidad que por la expresión de una fuerza interior que busca permanentemente desalojar una tensión contenida desde el agudo solo de fagot del comienzo. Algo angulada y con muchos cortes abruptos, la gestualidad de Bortolameolli imprimió potencia y audacia a una obra que también necesita de una pausa reflexiva, como contraste al motor rítmico que la constituye, momentos en que la dirección pareció más liviana y carente de la profundidad expresiva requerida. En síntesis, una joven versión -no brillante-, con una Orquesta cada vez más afiatada y compenetrada, que marca el debut Filarmónico de un talentoso director que sin duda tendrá muchos desafíos por delante con una exitosa carrera.

Séptimo

Esta cinta del director Patxi Amezcua desarrolla un thriller de suspenso ambientado en la ciudad de Buenos Aires. Sebastián -un requerido abogado interpretado por el siempre sólido Ricardo Darín- recoge a sus hijos, Luna y Luca, en el departamento de su ex mujer Delia -Belén Rueda- para llevarlos a la escuela. Y como es habitual, repite el juego de todos los días donde ellos bajan por las escaleras y él por el ascensor. Sin embargo, esta vez Sebastian llega primero y los niños no aparecen. Algo sucede, han desaparecido sin rastro, a pesar de buscar intensamente en el edificio. Puede ser un secuestro, la policía se pone en marcha y la agenda en tribunales del abogado sencillamente queda postergada.

Darín le da a la cinta un importante peso dramático. Su interpretación entrega múltiples gestos y transmite emociones con cada plano y en cada escena. De alguna forma la cinta se sostiene en él, y todo lo demás gira en torno a ello. Belén Rueda, en mi opinión, entrega un papel más débil, con poca conexión con Darín y tal vez con un compromiso emocional menor al esperado por sus trabajos anteriores como por ejemplo en "Los ojos de Julia". El modo de filmar sin duda ayuda a generar un contexto de inseguridad y vulnerabilidad que la cinta aprovecha en su desarrollo. Cámaras cercanas, primeros planos bien logrados, giros y quiebres inesperados, dan movilidad a la acción. No obstante, el metraje avanza por diferentes caminos y por momentos da la impresión que se inmoviliza. La duda se siembra y cala profundo. El conserje, el policía que habita en el edificio, los litigantes del juicio, etc. Todos pueden ser culpables y la desesperación de los padres aumenta en la medida que las incógnitas son mayores que sus respuestas.

"Séptimo" es una buena película, cumple con lo que propone, poniendo sobre la mesa un tema no menor que es el secuestro y las acciones que un padre es capaz de hacer por sus hijos, su tesoro más preciado, tal vez transando para ello sus valores fundamentales. Las sospechas y la falta de confianza dan al relato una tensión permanente, un suspenso que tal vez aún atrapando al espectador, alarga demasiado su punto de clímax y se desdibuja hacia el desenlace.

Ficha técnica

Titulo Original: Séptimo

Distribuidor: FOX

Calificación: TE+7

Duración: 90 min.

Género: Thriller

Año: 2013

País: Argentina y España

Elenco: Ricardo Darín, Belén Rueda, Luis Ziembrowski, Osvaldo Santoro y Manuel Callau.

Director: Patxi Amezcua

La noche de la expiación

Este thriller parte de una premisa futurista. Corre el año 2022 y Estados Unidos presenta unas cifras que asoman impresionantes. El desempleo es cercano al 1%, la delincuencia está en su nivel más bajo y la economía crece año tras año. ¿Qué han hecho para conseguirlo? Los nuevos "padres" de la patria, los re-fundadores de la nación, los llamados "Nueva Fundación de los padres de América", han implementado doce horas al año donde los crímenes son legales, incluso los asesinatos. A esta noche le llaman "The Purge" (la purga) y consiste en plena libertad para que la población libere el odio acumulado en 12 meses y se exprese en una catarsis colectiva de magnitudes no dimensionables, donde no funcionan los servicios de urgencia ni la policía. Según se entiende, es justamente esta "limpieza" anual la que ha logrado combatir con éxito la pobreza, la marginación y la desigualdad y ha dotado a esta renacida nación con posibilidades de desarrollo impensadas.

Una familia acomodada, los Sandin, que vive en un exclusivo condominio y cuyo padre James -Ethan Hawke- es un exitoso encargado de la venta de sofisticados sistemas de seguridad, se transforma en una víctima de las mismas reglas del juego cuando son amenazados por un grupo que busca su objetivo de expiación en un vagabundo que se ha encerrado en la casa gracias a que Charlie -Max Burkholder-, el hijo menor del matrimonio, compasivamente le ha abierto la puerta de su fortaleza.

Desde el punto de vista sociológico y valórico, esta película tiene varios temas que analizar. Uno de ellos es la reflexión sobre cuán dañada puede estar una sociedad para instaurar una "auto limpieza" legal que por una parte extermine aquello que no queremos ver de nuestra sociedad y a la vez sea cauce de una premisa también asumida por el filme: la violencia intrínseca de los seres humanos. Otro aspecto es el trastoque absoluto de los valores. Una medida de este tipo discrimina aún más la sociedad. Siempre serán los más ricos quienes puedan defenderse y también atacar a los más desposeídos, quienes desde su posición sólo aspirarán a conservar su vida en un desigual campo de batalla. Sumamos a estos aspectos fundamentales la presencia de valores universales que son mostrados en contraposición. Vemos la inocencia de Charlie, quien no comprende aún el por qué de esta purga y se conmueve ante el clamor de un pedido desesperado de ayuda; las dudas de sus padres al respecto, especialmente de la madre, Mary -Lena Headey -, su instinto de protección y supervivencia; la indiferente posición de su hermana adolescente Zoey -Adelaide Kane-, que se margina hasta vivir en carne propia las consecuencias de una sociedad que claramente ha virado su rumbo; junto con el valor de la familia y su unidad, que a mi modo de ver es finalmente el centro, lo más importante y sagrado de defender, incluso posiblemente a costa de concesiones y sacrificios.

La película es interesantísima. Propone una temática que no nos deja indiferentes y entrega un punto de vista claro y directo. DeMonaco filma fuerte, las escenas son en extremo violentas y entregan un marco de mucho realismo a los 82 minutos de metraje. Los actores son convincentes en sus papeles y los efectos especiales están todos al servicio de un guión muy bien armado que va de menos a más en dramatismo y tensión. En suma, una película que sobresale del resto en su género y que además nos aporta claves de discusión sobre la sociedad “moderna” que estamos construyendo. Es de esperar que no sea ya muy tarde para poder enmendar el camino.

Ficha técnica

Titulo Original: The Purge

Distribuidor: ANDES FILMS

Calificación: 18

Duración: 82 minutos

Género: Thriller

Año: 2013

País: Estados Unidos

Elenco: Ethan Hawke, Lena Headey, Max Burkholder, Adelaide Kane, Rhys Wakefield,Edwin Hodge, Tony Oller, Tom Yi, Tyler Jaye, Alicia Vela-Bailey y John Weselcouch.

Director: James DeMonaco

El abogado del crimen

Ridley Scott vuelve a escena con este drama sobre el narcotráfico y el lado más oscuro y brutal de los carteles involucrados en el negocio de la droga. Con un reparto estelar (Michael Fassbender, Brad Pitt, Penélope Cruz, Javier Bardem y Cameron Diaz), Scott lleva a la pantalla un guión original de Cormac McCarthy -"Sin lugar para los débiles", "La Carretera"- quien imprime a la cinta una gran profundidad literaria.

El abogado -Fassbender- es el protagonista de la historia. No conocemos su nombre, sólo su profesión y que da origen al título original del relato. Su pareja es Laura -Cruz-, una atractiva mujer de la que está profundamente enamorado. Su socio es Reiner -Bardem-, magnate de la droga y que lleva una vida de lujos y excesos junto a su pareja Malkina -Diaz-. Un quinto actor es el vaquero Westray -Pitt-, tan enigmático como práctico, quien parece mover los hilos de todo lo referente al negocio.

El guión es interesante. La historia se va presentando fragmentada y desde muchos ámbitos, como quien va armando un puzzle pieza por pieza, agregando elementos, recuerdos, personajes, acción e intriga. Sin embargo, su extensión y exceso descriptivo en largos pasajes, hacen que el relato caiga en ciertas lagunas difíciles de sobrellevar a pesar del oficio de Scott y el natural talento de sus actores. La filmación es cruda, impacta en algunas escenas con su realismo y las cámaras están siempre ubicadas en muy buena posición para hacernos parte de la acción. No obstante este notable cuidado, es en los relatos, las conversaciones y en la filosofía poética donde la cinta puede tener su mayor valor y también su mayor debilidad. Es como mezclar dos mundos, dos lenguajes diferentes y hacerlos convivir forzadamente. Uno prima sobre el otro, y en este caso el que pierde es el lenguaje del cine y su desarrollo, pues el relato resulta tan fragmentado que dificulta el ritmo y la fluidez de la historia.

"The counselor" tal vez puede decepcionar un poco a primera vista tomando en cuenta el reparto estelar y su director, sin embargo no es, por lejos, una mala película. Irregular, podríamos decir, porque genera mayores expectativas de las que finalmente cumple, y es, de todas maneras, una muestra oscura, cruda y realista del narcotráfico. Un trabajo delicado, bien filmado, pero que no entusiasma mucho sobre todo viniendo de un director que se ha caracterizado por épicas cintas logradas con el excelente manejo de la tensión creciente. Podríamos decir que es mucho más literatura visual que un drama cinematográfico, lo que no es poco, aunque de todas formas finalmente quede un poco "al debe".

Ficha técnica

Titulo Original: The Counselor

Distribuidor: FOX

Calificación: 14

Duración: 124 min.

Género: Comedia - Drama

Año: 2013

País: Estados Unidos

Elenco: Michael Fassbender, Brad Pitt, Penélope Cruz, Javier Bardem y Cameron Diaz.

Director: Ridley Scott

Cacería macabra

“You're Next”, (tu eres quien sigue), no es solo una clásica película de terror a la que meridianamente estamos acostumbrados dentro del género. Cumple con todas sus características principales -aunque en un comienzo podemos pensar que abusará de los efectos y sustos a la audiencia- y lo hace bien. Sin embargo, no es ello lo que más destaca en esta cinta del director Adam Wingard, sino lo que sorprende realmente es una variante de lo típico que es una dosis de humor negro que está presente a lo largo de sus 95 minutos.

Los Davidson, una adinerada familia, decide celebrar su aniversario de matrimonio en la casa de campo invitando a sus cuatro hijos junto a sus parejas. Por cierto, el comienzo es confuso y tal vez bastante lento ya que la película se da tiempo de mostrar a sus personajes, aunque sin explicar mucho los detalles. Los hermanos no se llevan bien, lo que es un dato de la causa, y en medio de una discutida velada, la familia es atacada ferozmente por enmascarados desconocidos quienes desatan un caos total y una violencia tremendamente brutal.

Hasta allí, una trama clásica de terror. Sin embargo, junto con comenzar la acción destinada a todos los fanáticos del género -porque baños de sangre, mutilaciones, y muertes hay para todos los gustos- la película incorpora pasajes de ironía e ingenio que permiten desalojar la tensión que provocan sus fuertes escenas. Y allí, es justamente Erin -Sharni Vinson-, la novia de Crispian, uno de los hermanos, quien se roba la película actuando como la heroína del relato y asumiendo un papel protagónico, rara vez entregado a una mujer en este tipo de cintas.

“Cacería macabra”, su traducción al español es interesante, tiene giros notables en la historia -algunos predecibles y otros que realmente esperamos pero no sabemos cómo van a llegar- y es finalmente entretenida a pesar de su exagerado dramatismo. Y gracias a su negrísimo humor, sostenido hasta el último segundo, destaca un nivel por sobre el promedio y la hace recomendable para los fans del cine de terror -claramente mayores de 18 años-, y para quienes no les molesta la violencia gráfica y explícita en el cine

Ficha técnica

Titulo Original: You're Next

Distribuidor: Diamond Films

Calificación: 18

Duración: 95 minutos

Género: Terror

Año: 2011

País: EEUU

Elenco: Sharni Vinson, Rob Moran, Ti West, Barbara Crampton y Wendy Glenn.

Director: Adam Wingard

Capitán Phillips

“Capitán Phillips”, basada en el libro “A captain's duty”, escrito por Richard Phillips, es una historia real. Al mando del buque de carga MV Maersk Alabama, el capitán Richard Phillips -Tom Hanks, en un gran papel- y su tripulación se ven enfrentados al ataque de piratas somalíes mientras transportan su carga por el océano Índico en el año 2009. La banda de piratas liderada por Abduwali Muse -Barkhad Abdi- logra abordar el barco, sin embargo no se les hace nada fácil tomar el control de la situación gracias a las estrategias de defensa del capitán y al trabajo en equipo de su tripulación.

La cinta de Paul Greengrass está cargada de gran tensión dramática gracias a un guión muy bien concebido y al gran manejo que el director tiene de los detalles. El relato va de menos a más, crece en intensidad a medida que pasan los minutos, y no pierde su sorpresa. A pesar que la historia es lineal y de alguna manera previsible, el director se encarga de transmitirnos permanentemente la incertidumbre con un sólido manejo de cámaras, una excelente iluminación, una música apropiada y la colaboración de todos los actores liderados por Hanks y Abdi.

Son muy interesantes las diversas temáticas destacadas en esta cinta. El tema de la creciente piratería y su origen, quiénes la llevan a cabo -que también son mostrados como víctimas de un sistema de abusos y pobreza-, la inseguridad que los ataques provocan en la tripulación de los barcos y la templanza de un líder que no tranza sus valores y principios, y que está dispuesto a defender, hasta con su propia vida, a los suyos. La política y las operaciones militares a gran escala para evitar problemas internacionales, también están presentes en la cinta de un modo claro y también violento. Hay diferentes posiciones y diversos cristales para medir el impacto de acciones de este tipo, desde un sencillo ataque pirata hasta la poderosa defensa militar que aquello origina.

Tom Hanks es probable que esté ya en carpeta para ganar premios por su gran actuación en esta cinta. Y probablemente también su director, Paul Greengrass, quien hace un excelente trabajo de filmación al recrear esta historia. Sin embargo, a modo de ver, el mayor valor de esta película es poner de manifiesto un problema que no necesariamente está a la vista de todo el mundo y que tiene relación con el transporte marítimo, su seguridad y todo aquellos elementos que rodean una actividad comercial que es clave para todo el mundo.

Ficha técnica

Titulo Original: Captain Phillips

Distribuidor: ANDES

Calificación: TE+7

Duración: 134 minutos

Género: Drama

Año: 2013

País: Estados Unidos

Elenco: Tom Hanks, Catherine Keener, Max Martini, Michael Chernus y Chris Mulkey.

Director: Paul Greengrass

Chicas armadas y peligrosas

Esta cinta del director Paul Feig junta a la agente especial del FBI Sarah Ashburn -Sandra Bullock- con una policía de Boston llamada Shannon Mullins -Melissa McCarthy-, en una poco usual combinación cuya misión es desbaratar una banda narcotraficante.

La trama es bastante simple y esta comedia de acción no tiene mayor cuerpo a su haber Es divertida, es cierto. Hay situaciones jocosas pero nada que destaque demasiado a lo largo de sus 119 minutos. A pesar de un guión predecible y que es más una suma de situaciones, la cinta puede tener un pequeño pie en las personalidades de ambas protagonistas. Por un lado Ashburn tiene una personalidad obsesiva y rigurosa lo que emocionalmente no le permite establecer lazos afectivos con sus colegas. Por el otro, Mullins es especialmente malhumorada y de temperamento cambiante lo que tampoco ayuda a mantener sus amistades. Sus historias son muy diferentes, y cuando comenzamos a entreverlas, la película sigue su curso sin mayor atención.

Esta pareja dispareja, equipo forzado y claramente incompatible, funciona solo gracias a la química entre Bullock y McCarthy. La primera aporta ese carácter que ya le conocemos y la segunda una simpatía y espontaneidad que es capaz de distender ambientes y mantener el tono de comedia de la cinta.

Ficha técnica

Titulo Original: The Heat

Distribuidor: FOX

Calificación: 14

Duración: 119 min.

Género: Acción y Comedia

Año: 2013

País: Estados Unidos

Elenco: Sandra Bullock, Melissa McCarthy, Kaitlin Olson, Taran Killam y Thomas F. Wilson.

Director: Paul Feig

Gravedad

"Gravedad" es una gran película. La cinta del director mexicano Alfonso Cuarón tiene todos los elementos necesarios para hacernos parte de ella, no sólo como espectadores sino por momentos como co protagonistas. ¿Cómo lo logra? En primer lugar, con una buena historia, sencilla y cautivante, que va adquiriendo riqueza en la medida que avanza su rodaje, llevada de la mano de un guión que no tiene baches y ni pausas. Después, con notables actuaciones que transmiten tan nítidamente emociones que en varios momentos verdaderamente nos conmueven. A continuación, con un escenario que es sencillamente impactante y espectacular, los protagonistas flotando en el espacio con la majestuosidad de nuestro planeta como telón de fondo. Si sumamos a lo anterior una delicadísima y precisa edición, una excelente música y efectos especiales que pasan inadvertidos, logramos darnos cuenta que estamos en presencia de una película de excepción.

La Dra. Ryan Stone -Sandra Bullock en un papel que bien puede merecer un premio mayor- es una ingeniera que está en su primera misión en el espacio junto al astronauta Matt Kowalsky -siempre sólido George Clooney- que está ya cerca de su retiro. Es una misión de rutina para reparar el telescopio Hubble, pero de pronto se ve interrumpida por un desastre de proporciones: un accidente mayor ha provocado una lluvia de desechos espaciales que destruye su nave, pone en peligro sus vidas y los deja flotando a la deriva a 600 kilómetros de la tierra, sin comunicaciones con su base en Huston, donde no hay oxígeno, donde no hay gravedad, donde el silencio llega a ser realmente estremecedor, donde están realmente solos.

Tomando en cuenta que la película es de ciencia ficción, Alfonso Cuarón logra filmar un drama esencialmente humano, que se interna en grandes profundidades existenciales, en extremo contraste con el impresionante vacío del espacio exterior, llevándonos inevitablemente a una reflexión mayor. Con una narrativa sencilla, el objetivo declarado del director es "que los espectadores nos sintamos realmente como astronautas perdidos en el espacio". ¡Y vaya si lo consigue! Además, sostener un metraje de 91 minutos con sólo dos actores visibles en pantalla más algunas -y no por ello poco importantes- voces, es sin duda un desafío mayor para el director y sus actores. Y acá todos obtienen máximas calificaciones. Sandra Bullock realmente se luce. Imprime a su personaje un realismo que sorprende y emociona. Clooney la acompaña a la altura -literalmente-, aportando un ritmo y una cadencia a los diálogos, fruto de años de experiencia y de actuación. Y por cierto Alfonso Cuarón lidera este proyecto con mano sólida, con un nivel de detalles excepcional y con un manejo del tiempo-espacio soberbio.

"Gravity", que daba que hablar ya antes de su estreno, será tema obligado de comentarios y críticas. Seguramente ganará muchos premios y tal vez tenga un lugar especial dentro de las mejores películas filmadas sobre el espacio. Pero no sólo eso. "Gravedad" también nos hará tomar el peso de nuestra existencia y de cómo reaccionamos al vernos ante situaciones límite al encontrarnos con nosotros mismos. Alfonso Cuarón señaló, al presentar su película en el Festival de Cine de San Sebastián, que su cinta es "una metáfora, no tienes que ser astronauta, ni tienes que ser un hombre o una mujer para que funcione. Es una historia de adversidad y todo el mundo tiene adversidades en la vida." Y en eso el director es asertivo, el resultado está a la vista y es indudablemente de excelencia.

Ficha técnica

Titulo Original: Gravity

Distribuidor: WARNER

Calificación: TE+7

Duración: 91 minutos

Género: Acción - Ciencia Ficción

Año: 2013

País: Estados Unidos

Elenco: George Clooney, Sandra Bullock, Ed Harris, Basher Savage y Amy Warren.

Director: Alfonso Cuarón

Elysium

El director Neill Blomkamp, que ya nos había sorprendido con su filme "Sector 9", nos entrega una nueva película de ciencia ficción que sin embargo tiene muchos más elementos actuales que futuristas. Corre el año 2154 y los habitantes de la tierra están divididos (si, aún más que ahora, pero en dos mundos muy marcados). Como el planeta está en ruinas, algo ya común en el ideario del futuro, las personas que aún lo habitan luchan por sobrevivir en un mundo hostil, manejado prácticamente por drones y en el que la mayoría de los seres humanos son obreros explotados en empresas de producción. Max -Matt Damon- es uno de ellos. Posee un pasado delictual y trata de salir adelante en la medida de sus escasas posibilidades. En el otro extremo están los multimillonarios. Ellos han creado "Elysium", una enorme estación espacial que orbita la Tierra, una verdadera fortaleza flotante, donde no hay pobreza, no hay guerra y no hay enfermedades. Y por supuesto, solo tienen acceso los privilegiados humanos que viven en este nivel superior.

En este escenario es que la cinta cobra su mayor esplendor y riqueza. Con un lenguaje visual en extremo duro al punto de provocar clara incomodidad, la película no esconde nada respecto a la feroz discriminación existente y a las diversas formas de vida que se presentan en forma muy ruda. En la Tierra debes ser astuto para vivir. Es la ley de la selva y gana siempre el más fuerte. Sin embargo, a pesar de la gran división que existe, hay un deseo profundo de poder acceder a "Elysium" y este deseo es impulsado básicamente por la tecnología que poseen para curar todo tipo de enfermedades. Esa es la aspiración máxima, conseguir el acceso a la salud que otorgan unas cápsulas especiales que hacen todo el proceso -diagnóstico y curación- como quien pasa por un simple scanner.

Neill Blomkamp ya se caracteriza por ser un director que filma de cerca las temáticas sociales, los ejemplos de marginación y abuso, las muestras de rebeldía y redención. En esta entrega las profundiza y pone de relieve una gran profundidad valórica en cuyo centro está el fondo del relato. La injusticia, los privilegios, la brutal desigualdad, la ambición y la concentración del poder, se enfrentan a las esperanzas, los sueños y los deseos de un mundo mejor distribuido para todos. Y la lucha es dura. Matt, el protagonista, ha sufrido un accidente letal y quiere ir a "Elysium" para poder curarse él, no para salvar al mundo. Sin embargo en todo este proceso, Matt sufre una gran transformación y es finalmente el amor de su infancia y el instinto de protegerla a ella y a su hija, enferma terminal de leucemia, aquello que le alienta a sobrevivir y a dar una pelea que puede cambiar la historia para todos los seres humanos.

"Elysium" es una excelente película, muy bien filmada, con mucha acción y también en extremo violenta. Si este es el futuro que estamos construyendo, ojalá nos podamos dar cuenta a tiempo y tomemos la opción de revertirlo. Ya son muchísimas las películas que nos hablan de un futuro oscuro, de división, marginación, ruina y desesperanza. Ello, sin duda, es reflejo del mundo actual que es en parte así, competitivo, sin tregua, donde abunda la desigualdad, la guerra es una constante amenaza y donde prima el individualismo por sobre el bien común. Cintas como esta permiten hacer una reflexión al respecto, sobre todo si abordan estas temáticas sin filtro, como una bofetada directa, en un explícito llamado a tomar urgente conciencia de nuestra responsabilidad en la construcción del futuro de la convivencia humana y de la supervivencia de nuestro planeta.

Ficha técnica

Titulo Original: Elysium

Distribuidor: ANDES

Calificación: 14

Duración: 109 minutos

Género: Ciencia Ficción

Año: 2013

País: Estados Unidos

Elenco: Matt Damon, Jodie Foster, Sharlto Copley, William Fichtner y Diego Luna.

Director: Neill Blomkamp

La cacería

Lucas -un sólido y convincente Mads Mikkelsen, ganador del premio al mejor actor en el Festival de Cannes 2012 por este filme- es un profesor que trabaja de asistente en un jardín infantil de un pequeño pueblo en Dinamarca. Lucas es muy querido por los niños y por todos sus colegas, viene saliendo de un duro divorcio, está empeñado en estar más tiempo con su hijo adolescente y casi sin quererlo también está comenzando un nuevo noviazgo. La vida parece ir bien para Lucas, las piezas comienzan a cuadrar lentamente, sin embargo una pequeña niña de su sala, la hija pequeña de su mejor amigo, señala que él se ha propasado con ella en el plano sexual. Allí, todo comienza a derrumbarse como piezas de un gran dominó y se desata un verdadero infierno para el protagonista.

Analizar la cinta sin entregar detalles importantes que develen parte de la trama es muy difícil. Nos encontramos con un guión tremendamente actual que gira en torno a esta denuncia de pedofilia. Al comienzo es solo un rumor que corre rapidísimo que luego se transforma en una denuncia formal a la policía. El cambio de actitud del entorno de Lucas es sobrecogedor. Obviamente se da por supuesto que los niños no mienten; ¿quién puede entonces tener un asomo de duda sobre lo sucedido? Lucas, convencido de su inocencia, se desespera cada vez más y no sabe qué hacer para demostrar que no ha tenido ninguna conducta impropia, porque además no tiene todos los antecedentes de la denuncia, solo los rumores y lo que dice la gente.

La película del director Thomas Vinterberg es excelente, no solo por el magistral tratamiento del relato y la sólida construcción de la tensión a lo largo del metraje, sino que además por el gran aporte que hacen las sólidas actuaciones, la filmación de cada plano, de cada gesto, su perfecta edición, junto a todo lo que contribuye a otorgar una tensión dramática que agobia al punto de incomodar al espectador. Porque finalmente es imposible no empalizar con el protagonista, sin embargo junto con ello se siembra un siniestro manto de duda sobre la verdad que está en juego: ¿Y si fuera cierto el abuso, y si Klara no está mintiendo?

La gran cantidad de valores en juego como la credibilidad, la amistad, el cariño, la honestidad y las naturales reacciones ante una acusación de esta gravedad, hace que "Jagten" sea una historia que atrapa de comienzo a fin. Su traducción al español como "La Cacería" es también representativa, pues una de las aficiones de Lucas es justamente cazar animales y en esta oportunidad es él quien está al otro lado del camino. Sin duda estamos frente a una película para reflexionar, comentar y analizar en profundidad, que no dejará a nadie indiferente y gracias al sello particular del director danés se inscribe dentro de los mejores relatos sobre el complejo y difícil tema del abuso de menores.

Ficha técnica

Titulo Original: Jagten

Distribuidor: IMPACTO

Calificación: 14 años

Duración: 115 minutos

Género: Drama

Año: 201

País: Dinamarca

Elenco: Mads Mikkelsen, Thomas Bo Larsen, Susse Wold, Anne Louise Hassing y Lars Ranthe.

Director: Thomas Vinterberg

Red 2

RED 2, o "retirados extremadamente peligrosos" en esta, su segunda versión, nos presenta la secuela de la cinta del año 2010. Esta vez Frank Moses -Bruce Willis- que aspira a tener una vida totalmente normal, retirado totalmente de cualquier actividad violenta, es reclutado por su especial compañero Marvin -John Malkovich-, pues ha salido a la luz un secreto plan que años atrás amenazaba con destruir Rusia con una potente arma nuclear, operación liderada por el Dr. Edward Bailey -Anthony Hopkins- quien ha permanecido 32 años oculto en prisión.

La cinta es entretenida, tiene hilarantes escenas y un excelente reparto actoral al que se suman las figuras de Catherine Zeta-Jones y Helen Mirren. Sin duda la naturalidad y expresionismo de Malkovich y la brillante actuación de Hopkins, dotan a RED 2 de una especial frescura. Ver a actores mayores en escenas de acción muy bien construidas, con importantes cuotas de humor y simpatía, hacen que la trama -compleja en esta oportunidad- pase a un relegado segundo plano. Lo importante es entonces el acompañamiento y desarrollo de los personajes, su complicidad, la química que entre ellos se construye y la forma de llevar adelante un guión que se presenta fluido y que sirve solo de excusa para las acciones de nuestros protagonistas.

El director Dean Parisot es capaz de mostrar las mejores facetas de cada uno de sus actores y combinarles de modo que no compitan sino que se complementen de la mejor manera. La acción es continua -no sabemos cuando planifican cada operación que realizan, pues sólo vemos acción tras acción- y no descansa a lo largo de los 116 minutos de metraje. Tranquilidad es lo menos que tiene esta cinta y paradójicamente es lo que más busca y ansía Frank. Y es esa tranquilidad la que parece que no va a llegar pronto para Bruce Willis y compañía pues ya en mayo de 2013 se ha encargado una tercera versión que quizá veremos en unos años más, protagonizada por nuestros retirados agentes cada vez más viejos, sabios y peligrosos.

Ficha técnica

Titulo Original: RED 2

Distribuidor: BDF

Calificación: 14

Duración: 116 minutos

Género: Acción, Comedia, Thriller.

Año: 2013

País: Estados Unidos

Elenco: Bruce Willis, Helen Mirren, Anthony Hopkins, John Malkovich y Mary-Louise Parker.

Director: Dean Parisot

Lluvia de hamburguesas 2

Cumpliendo perfectamente con la premisa de las secuelas, "Lluvia de hamburguesas 2" no logra despegar ni estar siquiera a la altura de la primera de sus aventuras. Flint Lockwood y Sam Sparks descubren que "FLDSMDFR" no fue destruida del todo. Luego de ingresar al mundo de Chester para ser parte de "The Live Corp Company", donde brillantes inventores del mundo crean tecnologías para mejorar a la especie humana, se dan cuenta que una vez más está en sus manos salvar al mundo del siniestro Chester en una nueva aventura que les llevará por un mundo de hambrientos tacodrilos, camarones-chimpancés, serpientes de manzana, arañas de queso con doble tocino, y otras creaturas de comida.

En una versión bastante más básica, esta segunda parte parece estar destinada a un público todavía más infantil. Aún siendo claros los valores y anti valores que se presentan, la cinta tiene demasiada simplicidad y no ofrece mayor atención ni en el desarrollo del guión ni en la composición de las secuencias de aventuras. Del mismo modo, la novedad de la primera -esta ansia creativa e inventiva de Flint, sus fracasos y su excepcional resultado final- se ve totalmente opacada por una historia plana, fácilmente predecible.

"Cludy 2", dirigida por Cody Cameron y Kris Pearn, promete más que lo que cumple y pone una vez más de manifiesto lo difícil que es hacer segundas partes de algunas historias cuando sólo se toma en cuenta el tema comercial y no se profundiza en entregar un valor agregado, una novedad o un verdadero giro en lo que resulta ser siempre lo más importante del cine que es contar una historia de la mejor forma posible.

Ficha técnica

Titulo Original: Cloudy 2: Revenge of the Leftovers

Distribuidor: ANDES

Calificación: TE

Duración: 95 minutos

Género: Animacion

Año: 2013

País: Estados Unidos

Elenco: Anna Faris, Neil Patrick Harris, Terry Crews, James Caan y Andy Samberg

Director: Cody Cameron - Kris Pearn

Apuesta máxima

El gran negocio de las apuestas online es la trama detrás de este thriller de acción del director Brad Furman. Richie Furst -Justin Timberlake-, estudiante de la Universidad de Princeton, logra pagar sus estudios gracias a las "recomendaciones de juego" a sus compañeros. En un momento difícil y de gran presión decide apostar todos sus ahorros en un juego de póquer online, los pierde pero descubre que le han jugado sucio. Decide viajar y encarar a los responsables que están en una isla de Costa Rica. Richie no solo logra captar la atención del dueño del negocio, Ivan Block -Ben Affleck- sino que gracias a su inteligencia y ambición se hace parte del equipo y se transforma en pieza clave de la organización.

Hay varias temáticas que abordar en la reflexión de esta película. Desde el punto de vista del cine y la acción tal vez no refleja gran aporte, sin embargo desde el punto de vista de los valores en juego si hay bastante para analizar y comentar. Lo primero que llama la atención es que la cinta pone de manifiesto un tema muy real y actual que es el de los juegos de azar, esta vez en internet. Su "legalidad" o "permisividad" al radicar en países cuya legislación podría ser pasada a llevar fácilmente con contactos y sobornos es presentada como algo perfectamente normal. Por otro lado, la ambición y esa oferta de un mundo de fantasía que rodea a quienes lucran -también algunos jugadores- a costa de la debilidad de los adictos al juego se transforma en un motor que alimenta el vicio y estimula el entrar en mundos cada vez más oscuros y peligrosos. Independiente de estas dos temáticas de fondo, la cinta se centra en la relación de los dos protagonistas en un vertiginoso juego de ajedrez donde los protagonistas van moviendo sus piezas para intentar inmovilizarse mutuamente y así resultar finalmente victoriosos.

"Runner, Runner", su título original, tal vez refleja mejor el sentido de fondo de la película: si no estás en permanente movimiento es posible que quedes preso. Y eso es justamente el juego mayor entre Ivan y Richie, juego que tiene otros jugadores -el padre de Richie o Rebecca (Gemma Arterton), la bella e intrigante pareja de Ivan- que pueden inclinar la balanza hacia uno u otro personaje. En sus 92 minutos, "Apuesta máxima" se deja ver, y si bien no defrauda, tampoco será recordada como la película del año. Las actuaciones y la producción -figura allí Leonardo Di Caprio- son más que correctas en un filme entretenido y dinámico.

Ficha técnica

Titulo Original: Runner, Runner

Distribuidor: FOX

Calificación: TE+7

Duración: 92 minutos

Género: Acción, Thriller

Año: 2013

País: Estados Unidos

Elenco: Ben Affleck, Justin Timberlake, Gemma Arterton, Anthony Mackie y Sam Palladio.

Director: Brad Furman

Bienvenido a los 40

Esta comedia del director Judd Apatow pretende representar algo así como la "crisis de los 40 años", una temática que no es nueva y que sin embargo siempre es una buena excusa para hablar del matrimonio, la familia, los hijos; el pasado y el futuro. Pete -Paul Rudd- vive rodeado de mujeres: su esposa Debbie -Leslie Mann- y sus dos hijas, Charlotte -Iris Apatow- de ocho años y Sadie -Maude Apatow- de trece. Pete tiene un sello disquero que no camina todo lo bien que quisiera y está teniendo claros problemas económicos. Debbie es la dueña de una tienda de ropa y sospecha que le está faltando dinero. A estos problemas en sus respectivos negocios debemos sumarle las dificultades al interior de la familia que van desde la desconfianza, el ocultamente de algunos temas -principalmente económicos- y la difícil relación de ambos con sus hijas -en plena etapa de crecimioento- y con sus respectivos padres.

"This Is 40" se presenta como la continuación de "Ligeramente embarazada", una anterior comedia de Apatow. Sin haber visto la primera cinta, podemos perfectamente encajar las piezas sin problema, pues estamos en presencia de un relato sin muchas pretensiones y que en palabras del mismo director es “emocionalmente autobiográfica” y su intención es echar un vistazo honesto a la vida en pareja. No obstante esta "declaración de principios", la película tiene un desarrollo bastante plano y un guión que no es bien conducido, lo que necesariamente se traduce en un relato en el que no vemos puntos de inflexión ni apreciamos el camino que quiere recorrer.

"Bienvenido a los 40", su nombre en español, ofrece más expectativas que las que realmente logra cumplir. Una serie de secuencias graciosas no necesariamente arman una película y en esa línea, tenemos variados ejemplos. Y aún cuando hay temáticas que son realmente importantes, principalmente las que tienen que ver con las relaciones familiares, las crisis de diverso tipo y el perdón, esta cinta no las aborda completamente a pesar de tener en el género comedia la mejor oportunidad de hacerlo. Cuando el relato y su sustento es tan delgado que parece una permanente improvisación, suele perderse lo fundamental del cine que es el contar bien una historia. Y acá, pese a entretener por algunos momentos, finalmente no tenemos clara la historia y su correspondiente narrativa. Esto es lo que justamente termina debilitando la película y diluyendo su desarrollo sin que logre despegar en ningún momento de sus largos 134 minutos.

Ficha técnica

Titulo Original: This Is 40

Distribuidor: BDF

Calificación: 14 años

Duración: 134 minutos

Género: Comedia

Año: 2012

País: Estados Unidos

Elenco: Jason Segel, Lena Dunham, Megan Fox, Paul Rudd y Leslie Mann.

Director: Judd Apatow