La novia del desierto

Paulina García es Teresa. Luego de toda una vida trabajando como empleada doméstica en Buenos Aires, ya no puede continuar ayudando a la familia que la ha contratado. Han debido vender la casa y es imposible seguir junto a ellos. Teresa, entonces, está obligada buscar nuevos horizontes y se traslada a San Juan por un nuevo empleo, una nueva oportunidad, algo desconocido y sin ninguna certeza. En el camino, el bus sufre un percance cerca del Santuario de la “Difunta Correa”, lo que acrecienta su angustia e incertidumbre. Y para colmo, extravía su bolso en la casa rodante de un comerciante ambulante, un “puestero” de las afueras del Santuario.

Estrenada en la sección “Una Cierta Mirada” del Festival de Cannes, esta ópera prima de las realizadoras argentinas Cecilia Atán y Valeria Pivato, ha conseguido varios reconocimientos, premios y nominaciones. En el Festival de Huelva ganó el Colón de Oro al Mejor Largometraje, y el Colón de Plata a la Mejor Actriz y al Mejor Actor, en tanto en la competencia oficial del Festival de La Habana, Cuba, fue elegida como la mejor Ópera Prima, premio que también recibió en la Competencia Oficial de Ficción del Festival de Lima. Estuvo en la sección Horizontes Latinos del Festival de San Sebastián y en la Competencia Internacional del Festival de Zurich. Además, en el año 2017 Paulina García fue nominada en los Premios Fénix por la Mejor Actuación Femenina.

La cinta entrega el peso del relato a Teresa. Paulina García configura un papel sólido, más que por lo que representa, por aquello que logra expresivamente ocultar y encapsular, de su vida, de su pasado y de su historia. Teresa busca un rumbo. Se siente perdida, ha salido de su zona cómoda y aquello la tensiona. En este camino de soledad, en este tránsito por el desierto, encuentra acogida en el “gringo”, -Claudio Rissi- un hombre que siempre se está moviendo, alegre y también algo charlatán, que comienza a intentar acercarse a ella a pesar de las innumerables trabas y barreras que la protagonista levanta para impedir cualquier tipo de acoso.

“La novia del desierto” es una pequeña oda a la tristeza. El tiempo y el espacio se agigantan y la añoranza del pasado es recurrente sin necesariamente ser urgente. La música de Leo Sujatovich es minimalista, sencilla; doliente. Paulina García logra una interpretación llena de detalles. Uno de ellos es realmente significativo. Una noche, al acostarse, llora. Sus ojos se humedecen con lágrimas que no salen con facilidad y sus ojos se mueven inquietos bajo sus párpados. Allí, como gotas cristalinas, las notas de la partitura se sincronizan con su llanto y con el movimiento. Un ejemplo sutil que encuentra en la fotografía de Sergio Armstrong un correlato con aquellos extensos y hermosos paisajes del norte argentino, cuya amplitud y belleza abren paso a la intimidad más profunda del alma de Teresa.

Ficha técnica

Título original: La novia del desierto
Año: 2017
Duración: 77 minutos
País: Argentina
Productora: Ceibita Films / El Perro en la Luna / Haddock Films
Género: Drama | Road Movie
Guion: Cecilia Atán, Valeria Pivato
Música: Leo Sujatovich
Fotografía: Sergio Armstrong
Reparto: Paulina García, Claudio Rissi
Dirección: Cecilia Atán, Valeria Pivato

Basada en hechos reales

Roman Polanski despliega su oficio para dar vida a la novela de Delphine de Vigan, “D’après une histoire vraie”. Delphine, la escritora protagonista de la historia que es interpretada por Emmanuelle Seigner, acaba de tener un éxito rotundo con su última novela. En medio de la presentación del libro en diversos eventos, ferias, firmas de autógrafos y cenas sociales, ella sabe que tiene un desafío inmediato que es su siguiente trabajo, sin embargo la presión de la “pagina en blanco” la atormenta día y noche. En medio de estas múltiples responsabilidades y una exasperante ausencia creativa conoce a Elle -Eva Green- una mujer decidida y muy segura de sí misma. Algo hace que entre ellas nazca confianza y cercanía, sin embargo esta enigmática mujer va tomando cada vez más protagonismo en la vida de Delphine, quien realmente ha perdido su rumbo y orientación pues está transitando por un momento difícil y comienza a perder su control emocional el que empieza a ser dominado por la misteriosa Elle.

Polanski sabe usar muy bien las cámaras, la línea de tiempo y los contrastes para filmar un thriller psicológico tenso que juega permanentemente con el control, la mentira-verdad y la dependencia emocional. Delphine parece haber encontrado su alter ego. Elle es una mujer sumamente interesante, que escucha, que presta atención y parece conocer cada detalle de la personalidad de la escritora. En el imaginario de Delphine está escribir su próxima obra sobre un relato de ficción, sin embargo Elle le impulsa decididamente a volver la mirada a su propia historia, es decir, basarlo sobre hechos reales, sobre otra historia de su vida.

En el relato está muy bien representada la soledad de esta escritora “best seller”. El éxito público y la aclamación, chocan irremediablemente con el desarrollo plano de su vida, con dos hijos adolescentes que ya no viven con ella y con una pareja “puertas afuera”, un cordial y comprensivo presentador cultural de televisión que se encuentra de gira por Estados Unidos. Inherentemente hay un colapso, algo muy cercano al sentimiento de fracaso personal del cual es muy complejo despegarse. De hecho, Delphine lentamente se ha ido subsumiendo en un círculo vicioso que evidentemente la conduce a una fuerte depresión.

Con este escenario complejo, la relación de ambas mujeres es la que soporta la línea principal del relato, el que por cierto se centra fundamentalmente en aquello que incuba íntimamente la protagonista. El misterio y el suspenso son el resultado de un enigma que tiene tanto de imaginario como de realidad. Aún decayendo en ritmo, profundidad y forma, la narración nos mantiene pendientes en espera de algo que intuimos pero no logramos descifrar. Y la respuesta tampoco llega clara y prístina. Es como si al director se le hubiera acabado el tiempo de filmación urgiéndolo a desarrollar un final abrupto que deja más interrogantes que certezas.

Digno de destacar es el trabajo del compositor Alexandre Desplat. Junto a una banda sonora muy adecuada, solo él puede tener detalles tan finos en los que imprime su sello. Combina una secuencia armónica con el famoso sonido de las sirenas de ambulancia y crea con los avisos auditivos de un nuevo mensaje en un iPhone, que siempre son disrruptivos y molestos, otro momento importante produciendo una atmósfera mágica y sonora. Detalles imperdibles y brillantes, que asoman con luces propias dentro de una cinta que se observa llena de oficio y experiencia pero que resulta sustancialmente opaca en su desarrollo.

Ficha técnica

Título original: D’après une histoire vraie
Año: 2017
Duración: 110 minutos
País: Francia
Productora: Coproducción Francia-Bélgica; Wy Productions / Belga Productions / Belga Films Fund
Género: Thriller. Drama | Thriller psicológico
Guion: Olivier Assayas, Roman Polanski (Novela: Delphine de Vigan)
Música: Alexandre Desplat
Fotografía: Pawel Edelman
Reparto: Emmanuelle Seigner, Eva Green, Vincent Pérez, Damien Bonnard, Camille Chamoux, Josée Dayan, Noémie Lvovsky, Dominique Pinon, Brigitte Roüan, Alexia Séféroglou
Dirección: Roman Polanski

...y de pronto el amanecer

Pancho Veloso -Julio Jung- emprende viaje a su tierra natal, Chiloé, en busca de inspiración para escribir algunas crónicas encomendadas por su editor. Lo que Pancho desconoce pero intuye, es que este regreso es mucho más trascendente. Allá están sus raíces, su origen y la mayoría de sus recuerdos. Han pasado más de cuarenta años desde que dejó la zona para establecerse en la capital en el oficio de escritor de artículos de farándula y anecdotarios. En el ser íntimo de Pancho habita un poeta, un escritor que con su vida ha ido construyendo una historia que está a punto de ver la luz, de ser narrada, contada, escrita y también revivida.

Silvio Caiozzi, un artesano del lenguaje cinematográfico, concede al guion escrito junto a Jaime Casas, un ritmo que ya es un sello del director. Lo hemos visto en “Julio comienza en Julio, observado en “La luna en el espejo” y confirmado en “Coronación”. Caiozzi necesita espacio, requiere de un entorno amplio para poder desarrollar estados de ánimo, con un seguimiento cercano y delicado de cada uno de sus protagonistas.

En este viaje al corazón de Pancho hay una belleza expresiva que entrega el maravilloso entorno natural de los parajes del sur de Chile. La fotografía de Nelson Fuentes es preciosa. La poesía fluye con naturalidad en las imágenes, sutileza no siempre presente y coincidente en los textos y narraciones “en off” del escritor.

El relato es entrañable. Esta historia de vida, incompleta hasta ahora, comienza a sumar sus últimos párrafos con una reflexión íntima inundada de profundos sentimientos. Se componen del presente de Pancho, de imágenes intercaladas de su niñez y juventud junto al seguimiento de su vitalidad juvenil llena de sueños e ideales, interrumpida de pronto por una parada brusca provocada por el golpe militar de 1973. Los detalles son incontables y las capas múltiples, en un camino intenso y largo.

La mayor sutileza son los detalles. El tiempo detenido, la pausa justa, el recuerdo añorado y un presente que amenaza con derrumbar lo vivido. La música de Valentina Caiozzi es aún más sutil y comprometida. Un acierto inseparable de la empática narración.

La extensión de la cinta llama indudablemente la atención. Son tres horas y quince minutos que no son sencillos de mantener ni tampoco de seguir, sin embargo son claramente necesarios para dotar a esta obra de una melancolía que trasciende profundamente al espectador.

Hay, en cada uno de los personajes construidos, un mundo propio y particular. En su gran amigo de infancia Miguel -Sergio Hernández-, en Luciano -Arnoldo Berríos-, y en su amada Rosita -Magdalena Müller-, entre otros, vemos figuras que constituyen la vida y personalidad de Veloso. Reviven su dolor, y también su amor y pasión juvenil. Producen quiebre y frustración, sin embargo son un punto de partida para la búsqueda y encuentro de una sanación tan profunda como necesaria.

“...Y de pronto el amanecer” encuentra a Pancho frente a un reencuentro inevitable. Es el reencuentro interior, consigo mismo, y también exterior, con su gran amigo Miguel. La búsqueda parece haber terminado. El recuerdo de su padre, que está siempre presente tratando de capturar el sol del atardecer en su mano, brilla aún más resplandeciente cuando las primeras luces del alba lentamente dejan que los profundos sentimientos y afectos se sobrepongan a cualquier hecho pasado. 

Esa luz de esperanza, ese rayo de sol, es realmente significativo. Es la vida entera, inseparable, indestructible, que cobra fuerza en un hermoso amanecer prístino y cristalino. Es Caiozzi en su máxima realización. Lenguaje, paisaje, imagen y texto. Cine hecho con paciente artesanía.

Ficha técnica  

Título original: …Y de pronto el amanecer
Año: 2017
Duración: 195 minutos
País: Chile 
Género: Drama
Guion: Jaime Casas, Silvio Caiozzi
Música: Valentina Caiozzi
Fotografía: Nelson Fuentes
Reparto: Julio Jung, Sergio Hernández, Arnaldo Berrios, Magdalena Müller, Mauricio Riveros, Pablo Schwarz, Anita Reeves, Pedro Vicuña, Nelson Brodt
Dirección: Silvio Caiozzi

El sacrificio del siervo sagrado

Esta película del director Yorgos Lanthimos es bastante fuerte. Tiene un lenguaje sorprendente, doloroso, extraño y transportador. Desde el comienzo, con el impactante “Stabat Mater” de Franz Schubert de fondo, la cinta se rodea de misterio y durante su desarrollo, la tensión no decae. Al contrario, aumenta progresivamente, provocando diversas emociones y reacciones.

Steven -Colin Farrell- es un reconocido cirujano. Anna, su mujer -Nicole Kidman-, es una eminente oftalmóloga. Junto a Kim y Bob, sus dos hijos, viven tranquilamente, sin embargo de pronto todo cambia. Martin -Barry Keoghan-, un extraño joven de dieciséis años se reúne con Steven en diferentes lugares. No sabemos que relación tienen entre ambos. Dudamos. Nos imaginamos varias posibilidades. Martin incluso es invitado frecuentemente a la casa de Anna y Steven y entabla amistad y una relación amorosa con Kim, la hija mayor. Entonces comienzan a suceder hechos que encausan la acción hacia eventos insospechados.

La cinta es perturbadora. Hay terror psicológico y una buena dosis de manipulación. Las actuaciones son convincentes. Nicole Kidman nos ofrece uno de sus mejores papeles, maduro y sofisticado. Colin Farrell, por su parte, sorprende con una notable solidez. Las múltiples capas de la película son bastante profundas. La redención, la justicia y la venganza toman un protagonismo que se incrementa gracias a una banda sonora en extremo adecuada, muy “a tono” con la excelente fotografía de Thimios Bakatatakis.

“The Killing of a Sacred Deer” no nos deja indiferentes. La vi hace bastante tiempo y me ha costado bastante escribir sobre ella. Me dan vuelta una y otra vez algunas secuencias, algunos detalles y recuerdos de fuertes emociones que sentí al presenciarla. ¡Es incómoda de ver! Esta mezcla de terror sobrenatural con una historia en apariencia sencilla no es fácil de comprender de buenas a primeras. Tampoco se puede leer de forma literal porque se pierde totalmente el sentido.

La cinta tendrá fueres detractores y también convencidos admiradores, algo tal vez natural en trabajos de este tipo. Por ello no es casualidad su premio al mejor guión en Cannes. Mi sugerencia es dejarse llevar y conducir por el relato. Cuanto más flexibles somos en este ejercicio, la cinta se percibe mejor. Es la mano de Lanthimos, una mano que nos conduce con firmeza y que, sin concesiones, nos hacer sentir lo que vemos.

Ficha técnica 

Título original: The Killing of a Sacred Deer
Año: 2017
Duración: 121 minutos
País: Reino Unido
Productora: Coproducción Reino Unido-Irlanda; Element Pictures / Film4 / New Sparta Films. Distribuida por A24
Género: Thriller. Drama | Thriller psicológico. Sobrenatural
Guion: Yorgos Lanthimos, Efthymis Filippou
Fotografía: Thimios Bakatatakis
Reparto: Colin Farrell, Nicole Kidman, Barry Keoghan, Raffey Cassidy, Sunny Suljic, Alicia Silverstone, Bill Camp
Dirección: Yorgos Lanthimos

Ready Player One

La última película del director Steven Spielberg es verdaderamente alucinante. Basada en la novela de Ernest Cline y con guion del mismo Cline junto a Zak Penn, Spielberg construye un escenario audaz y creativo, una elaborada fantasía que nos introduce en un universo lleno de imaginación, con deliciosos toques retro -como una oda a la cultura del cine pop con alusiones a recordadas cintas-, y una banda sonora que transporta a la nostalgia. Todo esto se encuentra dentro de un entorno visual de video juego interactivo, tan vertiginoso como emocionante.

Columbus, Ohio, año 2045. Wade Watts -Tye Sheridan- vive en su “pequeño rincón de la nada”. Son torres de contenedores apilados donde están hacinados miles de “olvidados” de la sociedad. Wade es huérfano, vive con su tía y no tiene a dónde ir. En realidad nadie tiene a dónde ir, salvo entrar a “OASIS”, un universo virtual creado por el multimillonario James Halliday hace ya varios años y que se ha transformado en el lugar donde la mayoría pasa el tiempo actualmente. Halliday acaba de morir y ha ofrecido una recompensa a quien encuentre un objeto oculto (un huevo de Pascua) en algún lugar de “OASIS”. Y el premio no es menor, medio billón de dólares y el control total de la plataforma. El desafío está lanzado y los jugadores listos y decididos a participar.

En este mundo destruido y distópico, “OASIS” es un escape virtual. Hay una confusión entre realidad y virtualidad que podría asustar a cualquiera. Las cintas que se adelantan al futuro que viviremos no son auspiciosas, a pesar de no ser tan lejanas, en apariencia al menos, a la enajenación que nos inunda actualmente con los dispositivos móviles, las redes sociales, la “big data” y las grandes compañías que manejan todo este enorme volumen de información.

En esta cinta, asombrosamente construida, con un nivel de producción de excelencia y con una sólida dirección de arte, hay un desafío generacional. El recorrido del relato hacia la nostalgia nos llega fuerte y claro a quienes éramos adolescentes en los años ochenta. Desconozco cómo puede ser recibido por los “millennials” o los aún más jóvenes, los actuales adolescentes. Los tópicos en todo caso se repiten. Una sociedad dividida entre buenos y malos, descarnadas luchas por el poder y el control, resistencia y rebeldía al sistema imperante y por cierto un grupo de jóvenes idealistas dispuestos a sacrificar lo que sea para evitar cualquier monopolio -personal o empresarial- que pudiera conducir a la aniquilación de la sociedad.

“OASIS” es al mismo tiempo un refugio oculto de la intimidad personal. Es un lugar donde puedes ser quien quieres ser y eso le da real significado a tu vida. Y lo que muestras a los demás es lo que quieres mostrar, es decir la máscara perfecta para ocultar todo aquello que te molesta, con lo que no estás de acuerdo o simplemente no quieres que los demás conozcan de ti. Más similitud aún con los perfiles sociales de Instagram o Facebook, pero acá lo visualizamos en una interacción real, palpable, sensitiva y emocional.

Aunque finalmente está fábula tiene una moraleja repetida y que ya conocemos de antemano, son valores principales como la amistad, el amor, la lealtad y la honestidad los que prevalecen en un mundo que es apenas inteligible. Los detalles que se entregan son infinitos, algunos más evidentes y otros por cierto más sutiles. La mano de Spielberg es perfectamente reconocible en todo aquello, pues además imprime un ritmo vital que no da tregua y que nos mantiene en alerta activa durante toda la película.

Ficha técnica

Título original: Ready Player One
Año: 2018
País: Estados Unidos
Productora: Warner Bros. / Amblin Entertainment / De Line Pictures / Village Roadshow Pictures / Reliance Entertainment
Género_ Ciencia ficción | Distopía. Internet / Informática
Guion: Ernest Cline, Zak Penn (Novela: Ernest Cline)
Música: Alan Silvestri
Fotografía: Janusz Kaminski
Reparto: Tye Sheridan, Olivia Cooke, Ben Mendelsohn, Mark Rylance, Simon Pegg, T.J. Miller, Hannah John-Kamen, Win Morisaki, Philip Zhao, Julia Nickson, Kae Alexander, Lena Waithe, Ralph Ineson, David Barrera, Michael Wildman, Lynne Wilmot, Carter Hastings, Daniel Eghan
Dirección: Steven Spielberg

Un viaje en el tiempo

Los padres de Meg Murry -Storm Reid-, ambos científicos y expertos en astrofísica, han desarrollado una teoría sobre “pliegues” en el universo que permiten recorrer distancias siderales en cosa de instantes. Luego de exponerla públicamente su padre ha desaparecido y ya han transcurrido cuatro largos años. Meg aún no se resigna a su pérdida por lo que cuando surge una posibilidad de comprobar la teoría, se embarca en ello con la ayuda de su hermano Charles Wallace Murry -Deric McCabe- y su compañero de clase, Calvin -Levi Miller-. todos guiados y animados por tres mujeres astrales, la Sra. Cuál -Oprah Winfrey-, la Sra. Qué -Reese Witherspoon- y la Sra. Quién -Mindy Kaling-.

Basada en la novela de Madeleine L'Engle, la directora Ava DuVernay ilustra en esta cinta un universo estético muy interesante. La posibilidad de viajar entre universos es fascinante, sin embargo los elementos desplegados para plasmar cinematográficamente la novela no logran cubrir la debilidad argumental del relato.

“A Wrinkle in Time” es por momentos difícil de seguir. Extremadamente fragmentada y con un extraño ritmo sinuoso, permanentemente deja entrever que el escrito original debe ser mucho más interesante que el resultado fílmico. Esta adaptación imaginaria y ambiciosa resulta tan mágica que hace perder atención y se sostiene solo por las actuaciones frescas de Meg y Charles Wallace, en contraposición a la débil construcción del personaje de Calvin y a esas tres figuras semi divinas que resultan extrañas y también lejanas.

La cinta recalca la importancia del amor y de la familia. El mensaje es central y fundamental, pero se hace pesado e insistente al repetirlo majaderamente con lo que naturalmente se diluye. A pesar de todas sus debilidades, incluida la mencionada planicie narrativa, la estética lograda produce asombro y fascinación, pero aún así queda corta y no alcanza para tomar vuelo y constituir un metraje que sea realmente cautivante. Es por eso que deja un gustito amargo pues material había para obtener un mejor resultado.

Ficha técnica

Título original: A Wrinkle in Time
Año: 2018
Duración: 109 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Walt Disney Pictures / Whitaker Entertainment
Género: Fantástico. Ciencia ficción. Aventuras | Aventura espacial
Guion: Jennifer Lee (Novela: Madeleine L'Engle)
Música: Ramin Djawadi
Fotografía: Tobias A. Schliessler
Reparto: Oprah Winfrey, Reese Witherspoon, Mindy Kaling, Storm Reid, Zach Galifianakis, Chris Pine, Gugu Mbatha-Raw, André Holland, Levi Miller, Bellamy Young, Rowan Blanchard, Will McCormack, Michael Peña, Daniel MacPherson
Dirección: Ava DuVernay

Entre viñedos

Una bella introducción nos sintoniza con lo que vendrá a continuación. Vemos la Borgoña francesa, un campo maravilloso que a la luz de una hermosa fotografía luce como un cuadro pintado con finos detalles. Es la misma imagen que cambia según la estación del año. Nace, florece, vive y muere para luego volver a nacer. Son extensos viñedos que han pasado de generación en generación. La vida es apacible y se adecua al paso del tiempo. El lugar es encantador, muy cercano a un paraíso en la tierra.

La tradición señala que Jean -Pio Marmai- debiera continuar el negocio familiar. Pero él no tiene esa perspectiva. Quiere partir, dar la vuelta al mundo, escapar de la relación con su padre que ya se ha tornado tensa y difícil. Durante su ausencia, sus hermanos Juliette -Ana Girardot- y Jérémie -François Civil- se han quedado colaborando y ahora que su padre está enfermo deben hacerse cargo de toda la responsabilidad que aquello conlleva y se lo han comunicado a Jean. Él ha vuelto, de improviso y sin avisar. De un solo golpe debe regresar al lugar del que había huido hace diez años.

“Lo que nos une”, su título original, expresa mejor el sentido de la cinta, aunque la historia se desarrolla “entre viñedos”, un apropiado título en español. La tradición del manejo de la cosecha de las uvas y posterior confección del vino resulta ser una excelente metáfora para enfocarnos en la historia familiar de tres hermanos, una familia, donde saltan a la vista dudas y dificultades. El regreso de Jean reflota varias cuentas pendientes y una extrema falta de comunicación entre ellos provoca una tensión difícil de sobrellevar.

La cinta es elegante, su ritmo es natural y describe amablemente el paso del tiempo. En ocasiones deja de lado la pasión pues la contención es muy grande, especialmente en el caso de Jérémie, quien ahogado por la familia de su esposa se posterga una y otra vez. Juliette, por su parte, crece en la medida que hace suya la responsabilidad de tomar sus propias decisiones para así elaborar el vino. Ya no debe pensar en qué haría su padre. Tampoco seguir al pie de la letra el consejo de su hermano mayor. Ahora es su tiempo, el tiempo de decidir por sí misma.

Con natural frescura, la cinta recorre este proceso de maduración de sus protagonistas en un año calendario. Y allí la analogía es precisa -y no por ello menos evidente- con la confección del vino. Dependerá de la decisión que se tome, el vino resultante. Lo mismo pasa en la vida de nuestros protagonistas. Tomar conciencia de aquello es tal vez la decisión más difícil.

“Entre viñedos” refleja lo cíclico de la naturaleza. El comienzo, la evolución, el desarrollo y el término, para luego volver a empezar. También pone de relieve la reinvención, el tomar decisiones optando por uno u otro camino lo que significa necesariamente ganancias y pérdidas. Son los detalles los que hacen interesante esta película y también lo que le permite superar las carencias de un guion que no tiene sorpresa y que es conducido hacia un desenlace bastante previsible.

Ficha técnica

Título original: Ce qui nous lie
Año: 2017
Duración: 113 minutos
País: Francia
Productora: Ce Qui Me Meut
Género: Drama. Comedia | Familia. Vida rural
Guion: Santiago Amigorena, Cédric Klapisch
Música: Loïk Dury, Christophe Minck
Fotografía: Alexis Kavyrchine
Reparto: Pio Marmai, Ana Girardot, François Civil, Jean-Marc Roulot, María Valverde, Karidja Touré, Yamée Couture, Florence Pernel, Eric Caravaca, Jean-Marie Winling, Tewfik Jallab
Dirección: Cédric Klapisch

María Magdalena

Ambiciosa película del director Garth Davis, el mismo de “Un camino a casa”. Su estilo está presente con una preciosa fotografía y un excelente diseño, en una gran superproducción que relata la historia de Jesús de Nazareth desde la perspectiva de María Magdalena.

Rooney Mara interpreta a la joven María proveniente de Magdala. Ella es una actriz carismática y capaz de soportar roles con peso dramático. Sin embargo, en esta cinta, aquello está algo ausente. Su papel se percibe debilitado por un tratamiento particular desde la dirección actoral y además producto de una serie de concesiones que el guion entrega a su personaje. Hay mucha observación y acompañamiento en esta María Magdalena. Jesús -caracterizado por Joaquin Phoenix- sitúa el énfasis en el paso de los años, retratándolo bastante mayor que de costumbre, con rasgos maduros, alejados de esa pasión con la que habitualmente se le representa.

Nace en María Magdalena una encendida admiración por la figura de Jesús. Ella, desestimada en su familia por no seguir la tradición y los rituales propios de la época y de su género, emprende un camino tras este líder carismático que atrae multitudes, hace milagros, habla del amor y el bien común y muestra una conexión directa con Dios.

El metraje es extremadamente extenso. Hay largos pasajes planos y vacíos. Es cierto, la música y la fotografía llenan la pantalla pero no son sustantivos en una construcción dramática que resulta muy poco atractiva. La cinta nos muestra el hecho histórico. Relata pasajes clásicos del Evangelio desde una óptica más distante, incluso, que el reducido círculo íntimo de los apóstoles. Surgen preguntas sobre el relato y también acerca del guion escrito por Helen Edmundson, Philippa Goslett. ¿La admiración profesada hacia Jesús, podría ser considerada algo diferente? ¿Podría ser enamoramiento? Algunos Evangelios gnósticos van incluso más allá.

Ciertamente se trata de una reivindicación explícita y vívida de la figura de María Magdalena como discípula cercana de Jesucristo. No podemos dejar de mencionar al respecto que recientemente, el 10 de junio de 2016, la Congregación para el Culto Divino y la Disciplina de los Sacramentos publicó un decreto por el cual se eleva la memoria de santa María Magdalena al grado de fiesta en el Calendario romano general, por expreso deseo del papa Francisco.

Ficha técnica

Título original: Mary Magdalene
Año: 2018
Duración: 120 minutos
País: Reino Unido
Productora: See-Saw Films / Porchlight Films / Universal Studios Home Entertainment
Género: Drama | Religión. Biblia
Guion: Helen Edmundson, Philippa Goslett
Música: Hildur Guðnadóttir, Jóhann Jóhannsson
Fotografía: Greig Fraser
Reparto: Rooney Mara, Joaquin Phoenix, Chiwetel Ejiofor, Tahar Rahim, Denis Menochet, Shira Haas, Hadas Yaron, Tawfeek Barhom, Charles Babalola, Zohar Shtrauss, Uri Gavriel, Michael Moshonov
Dirección: Garth Davis

Yo, Tonya

Esta cinta del director Craig Gillespie está narrada con un formato que simula un documental. Y es lógico, porque “Yo, Tonya” está basada en una serie de entrevistas a los personajes reales y desde allí se origina el guion de Steven Rogers que nutre el desarrollo de la historia.

Tonya Harding -interpretada brillantemente por Margot Robbie- fue una de las grandes patinadoras sobre hielo de los años noventa. Como parte del equipo olímpico de Estados Unidos, compitió a nivel mundial con amplias expectativas que finalmente no logró superar. A pesar de ello, Tonya Harding fue primera patinadora norteamericana en completar, en el año 1991, un triple salto axel en competición, lo que ya en sí mismo es digno de reconocer y de admirar.

Tonya, en esta película, vuelve atrás en su vida y se remonta a su niñez. Su madre -punto alto la gran caracterización de Allison Janney quien ganó el Óscar 2018 por este rol de soporte- es opresiva y obsesiva. Quiere crear a una campeona. Y esto es sin matices y también sin filtro. Sus acciones modelan a su hija, tanto en lo artístico como en su personalidad. Estas estupendas actuaciones femeninas carecen de contraparte masculina, sin embargo el tono sarcástico y los toques de humor negro con los que se relata esta verdadera vida desgraciada convergen en una tragicomedia que por momentos es desvergonzada.

Tonya tiene su propia verdad y quiere contarla. Pero, ¿cuál es esa verdad? Hay contornos bien logrados y algunos siluetas de personajes que contribuyen al relato de aquello. Por varios momentos el deporte pasa a segundo plano y la variedad de tópicos presentados no se logran apreciar y entender en una primera lectura. Tal vez son demasiados. No obstante estos reparos, Robbie nos regala su mejor papel hasta el momento y su madre resulta un ser detestable, lo que habla por sí mismo del estupendo logro de la actriz.

En esta crítica feroz al mundo competitivo, las relaciones disfuncionales son pan de cada día. Vemos los sueños y frustraciones, los ideales y las odiosidades. La dependencia emocional es tan fuerte como la ácida referencia a la “familia modelo” tradicional que muchos esperaban ver en la joven deportista.

Y el sueño americano -y su natural crítica destructiva- por cierto está lejos de estar ausente. “Debe haber alguien a quien amar y alguien a quien odiar”, señala explícitamente. La vergüenza y el daño también se presentan en una cinta que no arriesga demasiado en su lenguaje visual, pero si exagera en una traducción de subtítulos muy autóctona y bien “a la chilena”.

La película se sostiene en las actuaciones y en una creación adecuada de sus entornos. El relato no trasciende y no logra transmitir a mi modo de ver su objetivo final. Surgen preguntas sin respuesta y que quedarán planteadas a futuro. Y como todo caso mediático y de gran cobertura de prensa, dura hasta que otra circunstancia acapara la opinión pública quien cambia así su foco de atención y persecución.

Ficha técnica 

Título original: I, Tonya
Año: 2017
Duración: 121 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Clubhouse Pictures / LuckyChap Entertainment / Neon / 30West / Ai Film
Género: Drama. Comedia | Biográfico. Deporte. Patinaje sobre hielo. Años 90. Comedia negra
Guion: Steven Rogers
Música: Peter Nashel
Fotografía: Nicolas Karakatsanis
Reparto: Margot Robbie, Sebastian Stan, Allison Janney, Caitlin Carver, Julianne Nicholson, Bojana Novakovic, Mckenna Grace, Paul Walter Hauser, Bobby Cannavale, Renah Gallagher, Amy Fox, Ricky Russert, Jeffery Arseneau, Bobby Akers, Suehyla El-Attar, Kaleigh Brooke Clark, Catherine Dyer, Joshua Mikel, Jason Davis
Dirección: Craig Gillespie

Tomb Raider

Una nueva puesta en escena del video juego “Tomb Raider” llega a la pantalla grande. Corresponde a las aventuras de Lara Croft -interpretada esta vez por Alicia Vikander-, una joven de 21 años que vive al día, trabaja de mensajera movilizándose en su bicicleta por las calles Londres y apenas puede pagar sus gastos. Aun tiene en la retina a su padre que partió en busca de un objetivo, una isla perdida cerca de las costas de Japón, donde se presume existe un mito milenario. Han pasado varios años y él aun no regresa. En el imperio de las empresas “Croft” le insisten en que lo declare muerto y así pueda heredar su millonaria fortuna y la administración de sus múltiples bienes. Sin embargo Lara se resiste. Estando a punto de concretar dicha declaración, recibe una serie de pistas que la convencen de modificar el rumbo de su vida y salir tras la búsqueda de su padre al último lugar conocido del que tiene antecedente.

“Tomb Raider” tiene mucha acción y es entretenida. Los efectos especiales son excelentes y llama la atención la preciosa fotografía de George Richmond. No hay respiro en intensos 122 minutos que mantienen el ritmo y la tensión en forma continua.

Lara está inmersa en una búsqueda. No solo de su padre o de aquello que él buscaba. En realidad, Lara está en búsqueda de si misma. Los recuerdos de niña, el cariño de su padre, su afecto y cercanía, son imágenes recurrentes que aparecen una y otra vez. Por otra parte, Lara siente un llamado a pesar de no saber si tiene la decisión y valentía para enfrentarlo. De hecho, en más de una pelea deportiva en las que participa por afición, su voluntad ha sido doblegada y ha debido rendirse. Ello ha formado su carácter y casi sin darse cuenta, aquello surge con intensidad al verse envuelta en las innumerables dificultades que debe superar para sobrevivir.

El lado humano que la cinta propone en una capa externa, aunque sea bastante obvio, es interesante. La película no se entiende sin la motivación personal de Lara a ir más allá, de desafiarse y de no quedarse inmóvil. Los genes Croft marcan una diferencia. “Tienen trabajo que hacer”, le decía su padre, “responsabilidades que cumplir”. El llamado es a salir de la propia zona de confort.

A través de una bien lograda entretención gracias a un guion ágil y dinámico, el director Roar Uthaug juega con los efectos especiales y las cámaras para envolvernos y sumergirnos en este mundo de aventuras. El video juego está presente, lo sentimos en variadas secuencias, pero en la mayor parte del relato la cinta responde más a un estilo de acción juvenil que a un juego virtual. En ello hay un buen trabajo pues no se queda en lo típico sino que intenta algo más.

Aventuras por doquier, intensidad, vigor y ritmo, son ingredientes que no faltan en esta cinta. Por momentos es desbordante y verla en pantalla IMAX incrementa esta experiencia. Si a un excelente nivel de producción le sumamos una historia con contenido, el resultado es convincente. Y por supuesto, como en la mayoría de los relatos actuales, ya tenemos la mesa servida y la puerta abierta para secuelas que seguramente vendrán muy pronto.

Ficha técnica

Título original: Tomb Raider
Año: 2018
Duración: 122 minutos
País: Estados Unidos
Productora: GK Films / MGM / Square Enix / Warner Bros.
Género: Aventuras. Acción | Supervivencia. Videojuego
Grupos: Tomb Raider Novedad
Guión: Geneva Robertson-Dworet, Alastair Siddons (Personaje: Toby Gard)
Música: Junkie XL
Fotografía: George Richmond
Reparto: Alicia Vikander, Daniel Wu, Dominic West, Walton Goggins, Kristin Scott Thomas, Alexandre Willaume, Adrian Collins, Hannah John-Kamen, Nick Frost
Dirección: Roar Uthaug

Más fuerte que el destino

Jeff quiere recuperar a su novia Erin. Ella correrá la maratón de Boston y él le ha asegurado que la esperará en la meta con un gran cartel. Basada en hechos reales, “Stronger” narra la historia de Jeff Bauman quien sobrevivió a las explosiones de los atentados a la maratón de Boston en abril de 2013. La foto que lo muestra cuando es rescatado, sentado en una silla de ruedas y con sus piernas destrozadas, dio la vuelta al mundo. Le tuvieron que amputar ambas extremidades y Bauman se convirtió, sin quererlo, en un ícono de aquel día. Gracias a su colaboración, la policía pudo identificar a los autores de los atentados. Jeff estaba en la zona cero y vio todo lo que sucedió.

El director David Gordon Green dirige la adaptación de la novela escrita por el mismo Bauman, una cinta se sostiene casi exclusivamente en la actuación de Jake Gyllenhaal quien, con mucho realismo y crudeza, interpreta a Jeff. La vida de este joven cambia radicalmente luego de los atentados. Su trabajo rutinario y su vida junto a su madre alcohólica en su pequeño departamento, dan cuenta un entorno difícil y especial. Luego del fatídico hecho, todo se torna turbulento. Las relaciones familiares son aún más tensas y sin propósitos claros.

Jeff no sabe por qué debe luchar. Erin, interpretada por Tatiana Maslany, es, sin duda, su mayor razón y luego del atentado han vuelto a estar juntos. Él se ha transformado en alguien famoso, el “Stroger”, sin embargo aquello tampoco basta para tener el impulso necesario para salir de un pozo oscuro que amenaza con tragarse su vida completamente. Denota fuerza de voluntad pero también está condicionada. Hay impulsos internos y externos, pero al parecer son todos insuficientes.

La película recorre sin prisa ni sentido de urgencia el largo proceso de recuperación que Jeff inicia, sus dudas, su entendible depresión, el alcoholismo que lo comienza a atrapar y su refugio íntimo. Al mismo tiempo revela los anhelos más profundos de un hombre que siente que lo ha perdido todo. Emociona saber que es una historia real. También emociona ver al final de la cinta al verdadero Jeff Bauman -y allí se puede apreciar el gran trabajo de Gyllenhaal para interpretarlo- y queda una sensación de esperanza, a pesar que el relato cultiva cierta planicie narrativa sin lograr mayores puntos dramáticos.

“Stronger” es mucho mejor descriptor que “Más fuerte que el destino”, su título en español. Y esto es porque Jeff Bauman se va haciendo fuerte con el correr de los días. Naturalmente es un proceso paulatino, duro, sacrificado y lleno de muchísimo dolor y dificultades. Para luchar debe tener una razón, él lo intuye. Y aunque la película es débil en revelarla, podemos tal vez encontrarla en la evolución y desarrollo del protagonista, en su entorno y en todo lo que le toca vivir a lo largo de este arduo proceso.

La película es inspiradora. Pudo serlo más si hubiera conseguido un relato más intenso y emocionalmente más complejo, que arriesgara un poco más allá de lo que estamos acostumbrados a ver.

Ficha técnica

Título original: Stronger
Año: 2017
Duración: 116 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Bold Films / Lionsgate / Mandeville Films
Género: Drama | Basado en hechos reales
Guión: John Pollono (Novela: Jeff Bauman)
Música: Michael Brook
Fotografía: Sean Bobbitt
Reparto: Jake Gyllenhaal, Tatiana Maslany, Miranda Richardson, Frankie Shaw, Clancy Brown, Kristen Annese, Owen Burke, Jimmy LeBlanc, Josephine Cooper, Mark Burzenski, Leah Procito, Stephanie Atkinson, Michelle Romano, Bates Wilder, J.P. Valenti
Dirección: David Gordon Green

Tropa de héroes

Esta cinta narra la historia del primer contraataque militar de Estados Unidos en Afganistán tras los atentados del 11 de Septiembre del año 2001. Escrita por Peter Craig y Ted Cuenta, la película es una adaptación del libro "Horse Soldiers" de Doug Stanton, sobre las Fuerzas Especiales enviadas al campo de batalla luego del ataque al Pentágono en Washington y la caída de las Torres Gemelas en Nueva York.

El capitán Mark Nutsch -Chris Hemsworth- y el comandante asistente Bob Pennington -Michael Shannon- están a cargo de otros diez soldados altamente preparados para asaltos terrestres en terreno enemigo. Osama bin Laden, cerebro de los atentados, se refugia en alguna parte del suelo afgano que es controlado principalmente por milicias talibanes. Por ello, la principal estrategia norteamericana consiste no tanto en encontrar a Bin Laden, sino erradicar el control talibán de la zona. Hay una ciudad clave que debe ser recuperada. Se trata de Mazar-i-Sharif, fuertemente protegida y con muy pocas posibilidades de acceso.

En un comienzo vemos a los protagonistas en suelo norteamericano con sus familias, el impacto que los atentados causan en ellos y su convicción de colaborar en la lucha contra una fuerza que amenaza con repetir estos actos terroristas en muchos otros lugares de Estados Unidos. El detalle es que Nutsch nunca ha estado en el campo de batalla. Es un instructor de primer nivel que ha guiado a su grupo en entrenamientos durísimos y ha generado un vínculo y un liderazgo importante con ellos. Justo ha decidido privilegiar a su familia y pasar a labores administrativas por lo que su primera pelea es revertir esta situación.

La cinta funciona correctamente. El relato guiado por el director Nicolai Fuglsig está bien compuesto y la filmación es bastante realista. Los efectos especiales están al servicio de la historia y nos permiten sentirnos cerca de la guerra. En declaraciones recientes el verdadero comandante Pennington, señala que la cinta “muestra algo de lo que pasamos, cómo nos adaptamos a las situaciones y superamos algunos desafíos”. El capitán Michael Nutsch agrega que la película “significará mucho para el pueblo afgano porque muestra su servicio en ese conflicto”. Y este punto no es menor. La relación que debió construir con el general afgano Abdul Rashid Dostum -Navid Negahban- nunca fue fácil, sin embargo el lazo que se generó entre ellos se mantiene hasta el día de hoy.

“Tropa de héroes”, muy mal título para su original “12 Strong” -y además lejos del original del libro “Horse Soldiers”, ya en terreno estos soldados efectivamente debían usar caballos para movilizarse- tal vez es errado al magnificar el heroísmo de esta tropa de elite. Y esto no es porque aquello que protagonizaron no fuera heroico. Todo lo contrario. Era una misión secreta, no se supo hasta años más tarde, cuando se pudo desclasificar y los involucrados recibieron el reconocimiento público. El error se da posiblemente porque un título de estas características produce inmediato rechazo en muchas personas. Despierta fácilmente un sentimiento contrario al poder bélico de Estados Unidos y con ello todo otro aspecto deja de ponderarse en su dimensión adecuada. A veces esta barrera es difícil de superar, pero haciendo un ejercicio para saltarla, conocer relatos de este tipo también ayuda a comprender y ponderar parte de la historia reciente de la que hemos sido testigos durante varios años.

Ficha Técnica

Título original: 12 Strong
Año: 2018
Duración: 130 minutos
País: Estados Unidos
Guión: Peter Craig, Doug Stanton, Ted Tally (Libro: Doug Stanton)
Música: Lorne Balfe
Fotografía: Rasmus Videbæk
Elenco: Chris Hemsworth, Michael Shannon, Elsa Pataky, Michael Peña, Taylor Sheridan Trevante Rhodes, Austin Stowell, Jack Kesy, Navid Negahban, Laith Nakli, Ben O'Toole, Fahim Fazli, Kenny Sheard, Austin Hebert, Yousuf Azami y Tommy Truex
Dirección: Nicolai Fuglsig