Los Hijos (Ŋa hinarere)

Dirigido por Leonardo Pakarati, este trabajo documental ofrece una mirada diferente sobre la Isla de Pascua. Su centro es la historia de Lázaro Hotu y su comunidad, quienes, pese a las restricciones impuestas, fueron capaces de levantar la cabeza de sus antepasados restaurando una memoria silenciada, mientras la expedición del año 1955, liderada por Thor Heyerdahl, puso a Rapa Nui en el foco mundial debido a sus moáis derribados.

El punto de vista expuesto por Pakarati es íntimo: un relato que cobra vida a través de las voces de los descendientes de quienes protagonizaron los hechos. Si bien a la película le cuesta comenzar, con testimonios parciales y un tanto desconectados, poco a poco va profundizando y poniendo el foco en la individualización de cada testimonio y su incidencia en la historia.

Lo cotidiano, las dinámicas y la forma de vida al interior de la comunidad, marcan los recuerdos, anécdotas y sentimientos arraigados de quienes sostienen un metraje que no teme sumergirse en la memoria, la dignidad y la transmisión entre generaciones orgullosas de su origen y de su pueblo.

Pakarati también aborda un aspecto poco conocido. La soledad de algunos habitantes que, ante la opresión y las crecientes dificultades, buscan abandonar la isla en busca de nuevos horizontes. Sin embargo, el vínculo con la isla se vuelve prioritario; terminan volviendo para trabajar por un bien mayor y universal.

“Me interesaba mostrar cómo, en una comunidad pequeña como Rapa Nui, las historias siempre se entrelazan. Personas de distintos lugares y orígenes terminan formando parte de una misma memoria. Esta película habla de ese cruce de vidas y de cómo todos quienes habitan un territorio, de una u otra forma, pasan a ser parte de su historia”, reflexiona el director Leonardo Pakarati.

Hay un incidente que marca un punto de inflexión. Se trata de un accidente que marca un antes y un después en el relato. En ese momento de clímax emocional, comprendemos que las historias individuales no solo están relacionadas, sino que constituyen algo mucho más importante: son el motor vital de un grupo de personas estrechamente vinculadas, dispuestas a realizar los mayores sacrificios en beneficio de su comunidad.

“La película muestra un momento en que el pueblo rapa nui comenzaba a recuperar su voz y su relación con el territorio. Mirar ese pasado permite entender mejor muchas discusiones actuales sobre identidad, autonomía y la forma en que una comunidad decide contar su propia historia”, destaca Pakarati.

Un particular orgullo recorre de forma constante el metraje. De manera muy clara, releva la importancia de los ancestros a través de su legado. El director no elude aspectos conflictivos, como el control político por parte de la Armada chilena, la opresión y también la explotación y sometimiento que sufrió la isla. Además, pone sobre la mesa la llegada del turismo, y con ello el dinero, con los pros y contras de un desarrollo que amenaza las tradiciones al prometer mejores condiciones de vida para los habitantes de Rapa Nui.

“Los hijos” es un homenaje abierto que enseña y realza la cultura de un pueblo ejemplar. Emocionan sus experiencias, porque casi sin querer las hacemos propias. En el formidable ejemplo de levantar un moái a punta de piedras y palos, con un ingenio a prueba del mejor diseño de ingeniería, la metáfora resulta perfecta. Es, en rigor, el pueblo rapa nui el que se levanta a sí mismo y se pone de pie, rescatando lo mejor de su historia para mirar hacia adelante con pie firme y raíces sólidas que parten reconociendo a sus antepasados para, desde allí, forjar su futuro.

Ficha técnica

País: Chile
Producción: Paula Rossetti y Claudia Barril
Casa Productora: Mahatua Producciones
Año: 2025
Duración: 72 minutos
Guion: Leonardo Pakarati Quiroz
Montaje: Diego Macho
Dirección de fotografía: Guillermo Bravo Silva
Reparto: Brigid Mulloy, Thor Heyerdahl Jr, Enrique Baeza, Marta Hotu, Enerike Carrasco, Leonardo Pakarati
Director: Leonardo Pakarati

Outcome

Disponible en Apple TV.

Expectación. Keanu Reeves y Cameron Diaz protagonizan una nueva comedia. ¿Qué tal la experiencia? Lamento decir que la palabra es inequívoca: decepcionante. Veamos por qué.

Reef Hawk -Reeves- lleva sobrio cinco años. El actor se ha tomado un descanso para construir un nuevo hogar y su vida comienza poco a poco a mejorar. Sin embargo, cuando recibe una llamada de su abogado Ira Slitz -Jonah Hill-, quien le revela que lo están chantajeando con un vídeo comprometedor, todo se pone patas arriba. A regañadientes, Reef se ve obligado a planear cómo hacer las paces con aquellos a los que ha ofendido o hecho daño en el pasado, mientras intenta descubrir quién lo está extorsionando.

A partir de un guion de su autoría, el actor y director Jonah Hill elabora una historia que nunca decide qué rumbo tomar. Aunque la premisa resulta interesante -una introspección de vida, los daños ocasionados en el camino, la culpa y el perdón-, la ejecución queda en deuda porque pierde completa coherencia. Keanu Reeves luce incómodo, forzado, como si llevara una camisa apretada que nunca se logra sacar. Cameron Diaz y Matt Bomer, quienes interpretan a los mejores amigos de Reef, deambulan por la intrascendencia, meras figuras decorativas cuyo aporte es mínimo y ni siquiera califican como personajes secundarios.

Quien sí destaca, como florero y centro de mesa, es el propio director, Jonah Hill. Parece que la película es sobre él, ese personaje omnipresente, abogado de crisis y quién sabe de cuántas cosas más, un asesor de celebridades que salta de una situación a otra como pez en el agua, aunque por momentos el agua solo sea una ilusión.

¿Algo rescatable en una cinta sin objetivos? Afortunadamente un par de cosas. La primera, su duración: solo 83 minutos. Realmente se agradece, porque no estoy seguro de haber podido terminar un metraje más extenso. Y lo segundo, un inesperado alivio: Martín Scorsese interpretando a un ex agente del protagonista. No sé cómo aceptó ni por qué se sumó a este proyecto, pero lo que sí está claro es que sus instantes con Reeves son los mejores, aunque aún así no logre salvar la estantería.

En síntesis, “Outcome” es totalmente prescindible. Ahora bien, si igual le inquieta un poco, basta y sobra con ver el tráiler.

Ficha técnica

Título original: Outcome
Año: 2026
Duración: 83 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Apple Original Films, Apple Studios, Strong Baby. Distribuidora: Apple TV
Género: Comedia. Drama
Guion: Jonah Hill, Ezra Woods
Fotografía: Benoît Debie
Reparto: Keanu Reeves, Jonah Hill, Matt Bomer, Cameron Diaz
Dirección: Jonah Hill

Sueños de Trenes

Basada en la novela de Denis Johnson, “Train Dreams”, es una película íntima que narra la vida de Robert Grainier -Joel Edgerton- en los alrededores de Bonners Ferry, Idaho. La historia se remonta a su llegada al lugar. Huérfano y, después de una adolescencia desorientada, conoce a Gladys Olding -Felicity Jones-, con quien se casa y juntos construye una austera cabaña cercana al río Moyie para criar a la hija de ambos, Kate.

Robert trabaja como leñador. Su oficio le obliga a pasar largas temporadas fuera de su hogar para conseguir el sustento. La tala de árboles, necesaria para construir las líneas del ferrocarril, pasa a ser su principal tarea. Estos trabajos, siempre en diferentes lugares, hacen que Robert mantenga distancia en el trato con los demás. Algo tímido y de muy pocas palabras, Robert trata de no entrar en conflicto, sin embargo, a lo largo de los años le toca presenciar hechos y tragedias que van forjando su carácter.

Luego de un largo periodo, al regresar a casa con planes de dejar esa rutina y crear su propio aserradero, se enfrenta a un incidente que cambia su vida para siempre. Desde ese momento, Robert ya no podrá ser el mismo; su futuro se transformará en una suma de añoranzas y sueños que volverán, una y otra vez, sobre lo que ha sido la mayor ilusión de su existencia.

Clint Bentley, quien, junto a Greg Kwedar, adapta la novela original de Denis Johnson, ofrece un trabajo que se centra en crear atmósferas. Los delicados paisajes, con una fotografía que deslumbra por sus colores y profundidad, configuran un escenario perfecto para provocar un contraste con la intimidad de su protagonista. El metraje transcurre con mucha calma, con largos espacios de reflexión y con foco en lo que Robert siente en lo más profundo de su corazón.

A medida que pasan los años, la vida del protagonista se vuelve cada vez más difícil. A contracorriente y en solitario, aunque aún conserva la esperanza, trata de adaptarse al paso del tiempo y seguir avanzando a pesar de estar emocionalmente al límite de sus capacidades. Joel Edgerton transmite muy bien la tristeza de Robert, en una actuación que, más que palabras, contiene movimientos y miradas profundamente sinceras.

“Sueños de Trenes” emociona, trae calma y plantea, quizá, una de las preguntas más difíciles de responder. ¿Se puede continuar luego de una tragedia que arrebata lo más preciado en la vida de una persona? ¿Es posible seguir adelante y sobreponerse a la adversidad? La cinta no entrega las respuestas, solo deja la semilla plantada, una semilla que germinará si somos capaces de ponernos en el lugar de Robert y analizar todo desde nuestro propio recorrido. Seguramente encontraremos más de un punto en común con esta película que, sin grandes conflictos externos y sin demasiadas pretensiones, traspasa la pantalla para impregnarse en el alma.

Ficha técnica

Título original: Train Dreams
Año: 2025
Duración: 102 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Black Bear, Kamala Films. Distribuidora: Netflix
Género: Drama. Romance | Años 1900 (circa). Vida rural (Norteamérica). Naturaleza
Guion: Clint Bentley, Greg Kwedar. Novela: Denis Johnson
Música: Bryce Dessner
Fotografía: Adolpho Veloso
Reparto: Joel Edgerton, Felicity Jones, Nathaniel Arcand, Clifton Collins Jr., Juan Diehl, Paul Schneider, Kerry Condon, William H. Macy
Dirección: Clint Bentley 

El Drama

Escrita y dirigida por Kristoffer Borgli, esta película muestra cómo la relación de Emma y Charlie pasa del mágico encantamiento inicial a un deterioro profundo en cuestión de días. Poco antes de su boda, la pareja comienza entra en una espiral de tensiones emocionales que los lleva a cuestionar la esencia de su compromiso tras revelarse algunos secretos del pasado.

¿Hay cosas que no se deben decir? Esta pregunta subyace en el relato, porque la respuesta parece inclinarse con claridad. Emma -Zendaya- y Charlie -Robert Pattinson- conforman una pareja feliz, sin duda, pero un juego que cruza ciertos límites los deja expuestos. Junto a dos amigos se preguntan cosas íntimas, guardadas bajo siete llaves, y la respuesta de Emma los desconcierta a todos. Son pensamientos que alguna vez tuvo, que no fueron acciones pero que respondían a una lógica y a un plan que pudo haberse concretado de no mediar determinadas circunstancias.

La cinta construye su tensión en función de un tema extremadamente difícil y sobre el cual existen diferentes visiones. Conviene no adelantar nada porque es mejor no conocer la temática y enfrentarse a ella con pocos antecedentes. El asunto es que se trata de pensamientos, planes, ideas que nunca se concretaron pero que salen a la luz justo antes de un momento trascendente. ¿Son cuestionables? ¿Dicen algo? ¿Han quedado atrás o son una amenaza? ¿Es necesario ser absolutamente transparente o bien se debe aplicar ciertos filtros, incluso en las relaciones más cercanas?

Sin duda, estamos ante una realidad compleja. En este caso, algo que era idílico se transforma en aterrador. Ambos se llenan de cuestionamientos y dudas. ¿Se conocen realmente o son personas distintas? Las respuestas pueden ser diversas, pues todos cambiamos a lo largo del tiempo. ¿Cuál Emma es la que se va a casar con Charlie? ¿La adolescente irreverente o la actual adulta con varios años más de experiencia y vida? ¿Qué es lo que se juzga, si es que existe derecho a juzgar?

Algunos aspectos en este relato llaman la atención. Primero, la construcción se realiza con pensamientos imaginados, en una descripción gráfica que por momentos se transforma en visiones oníricas. Segundo, el género de la cinta se mueve entre el romance, el drama y la comedia, con momentos clave que provocan puntos de inflexión, sin que ninguno se imponga ante los demás. En tercer término, al usar imágenes en paralelo se produce un juego de temporalidad. En ocasiones debemos calzar las piezas para poder ordenar los hechos, y en otros, simplemente dejarnos llevar. Guardo para el final un aspecto técnico referido a la partitura compuesta por Daniel Pemberton. Un solo de flauta, que enfatiza un intervalo (distancia) llamado “tritono” (tres tonos), suma muchísima tensión. Es, en la armonía clásico-romántica, el intervalo tal vez más disonante y se encuentra siempre asociado al quiebre tonal. En el transcurso de la acción, su utilización como preparación, seguimiento y resultado, resulta coherente, un recurso muy bien empleado que no solo refleja, sino que refuerza el nerviosismo y la incertidumbre.

En las actuaciones, Zendaya y Robert Pattinson están a la altura de sus créditos. La emocionalidad de ella y la contención de él se complementan perfectamente. La montaña rusa de sentimientos se observa desde enfoques muy diferentes, desde la exuberancia y desde la intimidad, creando atmósferas envolventes que se entrelazan con las acciones, los sueños y los pensamientos de cada uno.

“The Drama”, en un poco menos de dos horas, aborda una temática compleja y discutible. Está en juego la honestidad, el amor y el compromiso, como también la intimidad y las certezas, cada vez más escasas en la vida actual. Kristoffer Borgli no teme poner sobre la mesa los temores y dificultades que plantea la sobreexposición actual, y tampoco escatima recursos en poner presión a ese difuso límite que resguarda aquello que debemos conservar en lo más profundo de nuestros pensamientos.

¡Interesante!

Ficha técnica

Título original: The Drama
Año: 2026
Duración: 106 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: A24, Square Peg, Live Free or Die Films
Género: Drama. Romance
Música: Daniel Pemberton 
Guion: Kristoffer Borgli
Fotografía: Arseni Khachaturan
Reparto: Zendaya, Robert Pattinson, Mamoudou Athie, Alana Haim, Hailey Gates, Zoë Winters
Dirección: Kristoffer Borgli 

Las Catadoras

Otoño de 1943. Un inicio nervioso, filmado con cámara en mano, intensifica la acción. Una mujer llega a una modesta casa, casi al límite de sus fuerzas. ¿La razón? Ha logrado huir del Berlín destruido por los bombardeos para para refugiarse con sus suegros en Gross-Partsch, un pueblo del noreste de Polonia, mientras su joven marido combate en el frente de batalla.

La joven es Rosa Sauer -Elisa Schlott-, y lleva poco tiempo casada. La guerra ha separado a la pareja pero su ilusión sigue intacta. A través de cartas, una luz de esperanza se mantiene encendida, sin embargo, repentinamente, las fuerzas nazis obligan a Rosa a participar en una operación secreta. Se trata de un grupo de mujeres seleccionadas que son llevadas diariamente a la famosa “Guarida del Lobo”, el cuartel general del Führer, para que prueben la comida antes de ser servida al propio Adolf Hitler.

Basada en “Le assaggiatrici”, novela publicada en 2018 por la autora italiana Rosella Postorino, la cinta desarrolla una historia inspirada en Margot Wölk, una secretaria alemana que afirmó haber estado entre las quince jóvenes elegidas para probar los alimentos del líder alemán.

El director Silvio Soldini encabeza una producción cuya mayor fortaleza está en las relaciones personales de sus protagonistas y en una cuidada recreación de los ambientes de la época. A través del paso de las estaciones, observamos el curso del tiempo, mientras la guerra continúa y el temor -tanto interno como externo- aumenta.

El metraje es claro en representar el uso de la fuerza. La figura de la autoridad no se puede discutir bajo ningún punto de vista. La angustia de cada una de estas mujeres, forzadas a realizar una tarea que no han elegido, se acrecienta cada día. El temor es evidente. ¿Y si la comida está envenenada? Por algo son “conejillas de indias”. El encierro y la vigilancia hacen mella; el maltrato es cotidiano; y la consecuencia es un abuso horroroso. Simplemente, son usadas como piezas destinadas a filtrar y contener una posible amenaza.

Soldini decide elaborar un relato fragmentado, episódico, donde los cortes marcan capítulos que avanzan linealmente en el tiempo. Desde un comienzo se aprecia que la relación entre las mujeres no es sencilla. Cada una tiene su propia historia, con diferentes temores, sueños y esperanzas, pero solo se conoce una parte de aquello. Surgen sentimientos de amistad, de protección, de colaboración; incluso el guion explora una vertiente clandestina, un fugaz amorío que amenaza con robarse parte del protagonismo, mientras la guerra avanza hacia un inminente final.

“Las Catadoras” es una película sobre pérdidas y encuentros, sobre la búsqueda de sentido cuando situaciones límite podrían destruir a cualquiera. La resiliencia de Rosa emerge como la principal virtud. Teniendo todo en contra, insiste en mantenerse en pie, en buscar una salida y encontrar la fuerza necesaria para seguir viviendo y avanzar. Es la Segunda Guerra Mundial vista desde otro ángulo, desde una historia particular que refleja la época y describe de manera íntima los efectos de un conflicto que aniquiló a millones de seres humanos.

Ficha técnica

Título original: Le assaggiatrici (The Tasters)
Año: 2025
Duración: 123 minutos
País: Italia
Compañías: Coproducción Italia-Bélgica-Suiza; Vision Distribution, Lumière & Co., Tarantula Suisse SA, Tellfilm. Distribuidora: Vision Distribution
Género: Drama | Basado en hechos reales. II Guerra Mundial. Nazismo. Años 40
Guion: Doriana Leondeff, Silvio Soldini, Cristina Comencini, Giulia Calenda, Ilaria Macchia, Lucio Ricca. Novela: Rosella Postorino
Fotografía: Renato Berta
Música: Mauro Pagani
Reparto: Elisa Schlott
Max Riemelt
Dirección: Silvio Soldini