Mayday

Disponible en Apple TV.

Refrescante película, graciosa y con guiños actuales.

La trama se remonta a fines de la Guerra Fría, un par de años antes de la caída del Muro de Berlín, cuando al teniente de la Marina estadounidense Troy Kelly -Ryan Reynolds- lo envían a una misión que contempla sobrevolar territorio ruso. La operación secreta fracasa al ser descubierta por líneas enemigas; el moderno avión de combate es atacado y a Troy no le queda otra opción que eyectarse para salvar su vida. Una vez en tierra -más bien sobre capas de hielo-, lo encuentra Nikolai Ustinov -Kenneth Branagh-, un ex agente de la KGB con cara de pocos amigos. Sin embargo, lo que podría haber sido el fin para Troy, cambia sustancialmente: Nikolai no solo es una buena persona, sino que también es fanático de la cultura EE.UU. y lo único que desea es poder vivir en dicho país.

Escrita y dirigida por John Francis Daley y Jonathan M. Goldstein, esta cinta nos devuelve a los años ochenta mezclando hábilmente la comedia, el thriller y la acción. La nostalgia inunda la pantalla, sobre todo por los gustos de Nikolai, pero eso no es todo. El entorno de la Guerra Fría, las operaciones encubiertas y el ultra nacionalismo, riman bastante con lo que sucede hoy en día en muchas latitudes, con los mismos protagonistas.

Ryan Reynolds ya es un habitual en este tipo de roles. Los asume con naturalidad y prestancia, parecidos, pero con una gracia que los distingue y les permite llegar siempre a buen puerto. La sorpresa aquí es ver a Kenneth Branagh actuando un personaje que se roba la película. El director de “Belfast" logra construir un estereotipo atípico, un ruso amante de Estados Unidos que probablemente no pega ni junta con nada. No obstante y poco a poco, algo que se ve como imposible va ganando espacio, sobre todo cuando entran en escena otros dos personajes clave: Alexander Volkov -Marcin Dorociński-, el jefe de guardia encargado de encontrar a Troy, y Anna -Maria Bakalova-, la hija de Nikolai.

Con una apropiada duración -una hora y cuarenta y cinco minutos-, “Mayday” fluye sin mayores contratiempos. Con un intenso uso de drones, acción vibrante y llamativas locaciones, la película se abre paso para capturar naturalmente nuestra atención. Sabemos de qué se trata y las locuras no se sienten tan forzadas. Tampoco los efectos especiales -que habría sido mejor verlos en pantalla grande, por cierto-, porque la fotografía de Barry Peterson constituye uno de los puntos altos de la producción.

En síntesis, entretención garantizada. Con confianza; puede darle una oportunidad y no se va a arrepentir.

Ficha técnica

Título original: Mayday
Año: 2026
Duración: 110 minutos
País: Canadá
Compañías: Apple Original Films, Skydance Productions, Maximum Effort, Apple Studios. Distribuidora: Apple TV
Género: Comedia. Acción. Thriller | Comedia de acción. Guerra Fría. Espionaje. Amistad. Años 80
Guion: John Francis Daley, Jonathan M. Goldstein
Música: Colin Stetson
Fotografía: Barry Peterson
Reparto: Ryan Reynolds, Kenneth Branagh, Marcin Dorociński, Maria Bakalova, David Morse
Dirección: John Francis Daley, Jonathan M. Goldstein

El Último Gran Golpe

Tal vez lo más interesante de esta película sea su trama. Y no conviene adelantar mucho para no arruinar la sorpresa, pero es inevitable decir que aquello representa un problema. ¿Por qué? Básicamente, porque una buena trama no es suficiente para sostener una película. Vamos por partes.

Marco Kapak -Russell Crowe- es dueño de un reputado club nocturno. Le va bien; hace dinero limpio, pero también del sucio. Está cansado y su salud se está resintiendo. Un infarto lo pone contra las cuerdas. ¿Será que retirarse es lo mejor? Más que mal, la vida con su novia Sunny -Teresa Palmer- promete felicidad. Entonces, ¿dónde estaría el problema?

El asunto es que para Kapak el negocio real no es el del club, bien lo sabemos. Sus ingresos proceden del lavado de dinero de Rodríguez -Danny Zovatto-, por lo que salirse del oficio no es una opción. Pero Kapak insiste. Quiere vender el club y tiene posibilidades. Este es el verdadero punto de inflexión y hasta aquí dejo la sinopsis argumental.

Para que la ejecución de un relato sea efectiva necesita varios elementos, pero principalmente un ritmo adecuado. Derrick Borte, director y guionista, junto a Daniel Forte, adapta la novela de Thomas Perry y queda a medio camino porque no consigue dar con la tecla para plasmar la historia en una película que, al menos, consiga una dinámica adecuada. ¿A qué me refiero con esto? La irregularidad del desarrollo atenta contra la tensión, porque el ritmo sube y baja sin objetivos claros, se siente forzado y no logra conectar del todo sus diferentes aristas.

Dicho lo anterior, contar con Russell Crowe, Luke Evans, Teresa Palmer, Danny Zovatto, Josh McConville y Aaron Paul en el reparto, y no aprovecharlos al máximo, es un desperdicio. Esto sí que no tiene excusa, porque a pesar del talento del elenco y, en especial, del gran carisma de Crowe -haciendo cualquier papel-, la película tampoco encuentra sustento en un reparto del que se esperaría muchísimo más.

Es una lástima que “The Get Out” desaproveche una oportunidad. Para una trama tan enrevesada podría haber tenido más sustancia en la elaboración de sus personajes, incluso manteniendo el tono de comedia que declara permanentemente. Tal vez esa indefinición de género podría ser otro punto a considerar, porque, hablemos con claridad: lo que recordaremos -si algo queda- será la vaguedad de un Crowe simpático y poquito más.

Afortunadamente es solo una hora y media, aunque tengamos la sensación de que dura mucho más. Y no es ningún pecado esperar al streaming porque, salvo dos o tres secuencias de acción, el resto del metraje es perfecto para una pantalla de TV.

Opción para una tarde de domingo, si no tiene en mente un mejor panorama.

Ficha técnica

Título original: The Get Out
Año: 2026
Duración: 96 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Coproducción Estados Unidos-Australia; A Higher Standard, Gramercy Park Media, Head Gear Films, Latigo Films, Life & Soul Productions, Nickel City Pictures, Screen Australia, Vacancy Films.
Distribuidora: Eagle Films, Noori Pictures, Vertical Entertainment
Guion: Derrick Borte, Daniel Forte. Novela: Thomas Perry
Género: Thriller. Acción
Música: Bryan Senti
Fotografía: Brendan Galvin
Reparto: Russell Crowe, Luke Evans, Teresa Palmer, Danny Zovatto, Josh McConville, Nina Dobrev, Aaron Paul
Dirección: Derrick Borte 

Los Creyentes

Disponible en Netflix.

Ruth -Stéphanie Magnin- debe regresar a su natal España. Su madre ha muerto en extrañas circunstancias mientras su padre Martín -José Coronado- apenas logra explicar lo sucedido como un infortunado accidente doméstico en la ducha. Extrañas circunstancias para una historia que transcurre en un apacible pueblo del norte que vive días convulsionados debido a la desaparición de un menor.

Un par de elementos se suman al relato. Un inicio confuso, en el que la madre llama a Ruth insistentemente sin que ella le conteste y el errático comportamiento de Martín, siempre ofuscado, algo agresivo y obsesionado con una teoría de conspiración que involucra a una empresa farmacéutica que se ha instalado en las cercanías.

La premisa de esta cinta, dirigida por Roger Gual y escrita por Darío Madrona y Carlos Montero, resulta muy interesante. Aborda, al menos, dos aspectos muy actuales. El primero, la fe casi religiosa en teorías paranoicas que se difunden en redes y que pretenden explicar diversos fenómenos desde el engaño, la duda y el poder del dinero. El segundo, que nunca deja de ser actual, se refiere a las relaciones familiares, al cariño, a la confianza y a la pérdida progresiva de conocimiento que genera la distancia.

En este caso, por desgracia, la fuerte idea central antes descrita se diluye demasiado rápido. No estoy seguro de si es por las expectativas que provoca o por su débil ejecución. Desde un comienzo, la forma de plantear el contexto de los hechos resulta extraña. Se siente cortada y forzada, como si algunas decisiones sobre la edición hubiesen dejado fuera material importante. Además, ciertos baches en la narración -pistas demasiado evidentes y cortes abruptos- tampoco ayudan a mantener un ritmo uniforme que lleve el relato hacia estados de mayor tensión. A pesar de tener hermosas locaciones y una buena fotografía, tal vez el haber elegido el formato de película le haya jugado en contra. Quizá, si se hubiese planteado como una serie, varios de estos puntos podrían haber sido desarrollados de mejor manera sin tener que hacer una síntesis obligada.

Mostrar un comportamiento extraño para reflejar paranoia no es suficiente. José Coronado es un protagonista sólido, tenga el papel que tenga, pero en esta ocasión se lo han puesto más que difícil. El actor español realiza su mejor esfuerzo para asumir la responsabilidad de sostener la trama, pero aquí carece de un elenco que lo acompañe para lograr ese propósito. El desequilibrio es manifiesto. Stéphanie Magnin no logra configurar su personaje, tampoco se produce ninguna química padre-hija, y su caracterización se va desdibujando rápidamente a medida que avanza el metraje. Del resto de los personajes hay muy poco o casi nada que decir. Están ausentes tanto en acción como en descripción, desaprovechados y marginados, sin una razón clara de ser. Basta un ejemplo: Arón. ¿Podemos recordar algo de la caracterización de Alberto Olmo? Prácticamente nada.

Algo no cuadra en “Los Creyentes”, incluso desde la elección de su título. Ya vimos elementos de la premisa, del relato, de la construcción y de la ejecución. Por eso dejo para el final la parte subjetiva, es decir, lo que la historia provoca y aquello que queda para recordarla. En este sentido, el resultado queda aún más al debe, porque si no hubiera escrito rápido estas líneas, corría el riesgo de olvidarlas rápidamente. Y eso es una lástima, porque José Coronado merece mejores producciones, aunque siempre constituya un agrado verlo actuar.

Ficha técnica

Título original: Los creyentes
Año: 2026
Duración: 106 minutos
País: España
Compañías: El Desorden Crea, Netflix. Distribuidora: Netflix
Género: Thriller. Intriga. Drama | Thriller psicológico
Guion: Darío Madrona, Carlos Montero
Música: Nico Casal
Fotografía: Juana Jiménez
Reparto: José Coronado, Stéphanie Magnin, Fanny Gautier, Alberto Olmo
Dirección: Roger Gual

El Deshielo

Hay mucho cine en esta segunda película de Manuela Martelli: el concepto narrativo, la preocupación por la ejecución, la pureza de las imágenes, la claridad de los sonidos y la profundidad del arco dramático. Son muchos elementos, tanto individuales como combinados, los que componen el lenguaje cinematográfico, algo que el talento de la directora parece entender a cabalidad. Solo dos ejemplos. Solo dos ejemplos: un zoom persistente que luego se funde hasta ocupar la pantalla completa y un intervalo de tercera con efecto de glissando (arrastre); imagen y música, separables e indivisibles, individuales y complementarias. Arte en esencia. La esencia del Arte.

La historia parece sencilla a juzgar por una primera capa. Chile, 1992, a poco de recuperar la democracia. De fondo, un evento que recorre nuestra memoria colectiva: el país se reinsertaba en el mundo participando en la Expo Sevilla con una extraña muestra, un iceberg gigante que no pasó inadvertido. En primer plano, un hotel en lo alto de la montaña, integrado con un centro de esquí recreativo que también permite entrenar para la alta competencia. Todo se encuentra comprimido, incluso las personas. El invierno, el frío y la nieve se funden en un intenso blanco que abruma y sobrecoge.

Inés tiene solo 9 años. Su familia es la dueña del hotel y ella está al cuidado de sus abuelos pues sus padres están precisamente en la “Expo Sevilla”, en el pabellón chileno. Segunda capa: misterios de familia. La pequeña deambula. Se ve sola, necesita compañía. Por eso se acerca a Hanna, una joven esquiadora alemana que entrena para ser campeona. Otra capa: el grupo de jóvenes alemanes que están de visita en el hotel.

Ocurre un incidente. De la noche a la mañana, no se sabe nada de Hanna. Comienza su búsqueda. Otra capa: el thriller. Todo esto sucede bajo la atenta mirada de Inés, entre imágenes de TV que dan cuenta de la época (Pisagua), y un suspenso creciente que se recoge con lentos movimientos de cámara y precisos interludios musicales.

Los secretos -o más bien el secretismo- continúan. Techa, la abuela no quiere involucrarse. “Nadie sabe nada”, dice. Y aunque algo supieran, no conviene hablar. Las tensiones crecen. La búsqueda continúa, no sin reparos de los responsables. ¿Es otra capa? Se suma Lina, la madre de Hanna. Nace otra historia, mientras el tiempo avanza y la nieve poco a poco se va derritiendo.

Manuela Martelli, quien escribe y dirige esta cinta, domina la escena. Una película con tantos niveles de lectura requiere claridad total. Martelli la tiene y la expresa en cada cuadro del metraje, en cada corte, con fotografía inmersiva y primeros planos intensos. Convive la angustia con la esperanza, lo vedado con lo explícito; lo que no se dice -o más bien, solo se expresa con miradas- pesa más que aquello que salta a la vista. Es necesario dejarse llevar, sumergirse, interpretar y decidir. Implica trabajo para el espectador, un trabajo por momentos incómodo, pero gratificante.

Surgen preguntas, porque el relato está abierto. ¿Dónde están los compromisos y las responsabilidades? ¿Qué pasó en realidad? ¿Es rebeldía, accidente o algo más? La búsqueda es implacable, la esperanza no decae. ¿Entiende Inés lo que ve o aún no lo comprende? Cada personaje tiene su historia y somos nosotros quienes debemos descubrirla. Las pistas están. Todo esto, aplica a la desaparición de Hanna pero también a Chile, a su sociedad, a su historia.

“El Deshielo” posee muchos puntos fuertes. Desde luego su confección, las sólidas actuaciones -Maya O'Rourke interpretando a Inés, Maia Rae Domagala como Hanna y Saskia Rosendahl en el rol de Lina, sin dejar de lado a Paulina Urrutia y Mauricio Pesutic, los abuelos de Inés-, el trabajo de fotografía, el sonido directo, la música original de Mariá Portugal Portugal, el diseño de producción, etc.

La complejidad de las metáforas e imágenes de esta película es innegable. Algunas están muy claras, como el símil entre el derretimiento de la nieve y el transito de la dictadura a la democracia en Chile. Sin embargo, aunque sea evidente, no resulta tan sencillo. Hay capas de hielo que tardan mucho más en ceder, y algunas nunca lo hacen. Esto obliga a ir mucho más allá. Hay una gran diferencia entre lo que se quiere y lo que se puede, otro guiño a un período de la historia de Chile que resiste legítimas interpretaciones. Las grietas son visibles, pero no necesariamente permiten dejar al descubierto el interior.

Cada una de las historias que esta película narra va quedando poco a poco al descubierto, al igual que ocurre con el deshielo.

Excelente película. Para revisarla más de una vez.

Ficha técnica

Título original: El deshielo
Año: 2026
Duración: 108 minutos
País: Chile
Compañías: Coproducción Chile-Estados Unidos-México-España; Wood Producciones, Cinema Inutile, Piano Producciones, Elastica Films, Ronda Cine, Río Fundación
Género: Drama. Intriga | Secuestros / Desapariciones. Años 90. Amistad. Naturaleza. Dictadura chilena
Guion: Manuela Martelli
Música: Mariá Portugal
Fotografía: Benjamín Echazarreta
Reparto: Maya O'Rourke, Maia Rae Domagala, Saskia Rosendahl, Jakub Gierszał, Paulina Urrutia, Mauricio Pesutic
Dirección: Manuela Martelli 

Relajadas y Muy Peligrosas

Cuatro amigas de infancia se conocen como la palma de la mano, pues han pasado juntas una vida entera. Las labores profesionales y sus familias las han separado durante la adultez, pero la conexión permanece intacta y sigue presente aunque no se vean mucho. Sin embargo, cualquier excusa es útil para reunirse nuevamente. Esta vez se trata del cumpleaños de Jane -Leslie Mann-. De un encuentro casual con Coco -Michelle Buteau- y Sophie -Anna Faris- emerge una genial idea: ¿qué tal si, para celebrar a Jane y, además, relajarse, programan un fin de semana de Spa en un paradisíaco lugar?

Las tres mujeres son muy diferentes: Coco, separada con dos niñas, parece estar siempre enojada, no tolera a su ex, menos ahora que está acompañado por otra mujer. Sophie tiene un jefe insufrible que la atormenta día y noche con requerimientos que rozan en el abuso laboral. Finalmente, Jane es abogada y su agenda -y sus dos niños- no le permiten disfrutar de un solo momento para ella. La situación está muy clara: el escape es necesario y no hay nada más que decir. Pero ¿y la cuarta amiga?

Mel -Isla Fisher- es quien se sale del molde. Sus impulsos y su desenfreno habitualmente ponen en problemas al grupo, por lo que esta vez han decidido no invitarla. Pero claro, tal como era de esperarse, Mel llega al Spa para sorpresa de todas. ¿Todas? En ese momento, lo que era un fin de semana de descanso y relax se convierte en una aventura cuyas consecuencias serán devastadoras.

De la mano de Jon Lucas y Scott Moore, guionistas y directores, esta cinta no entrega nada nuevo. Al contrario, abusando de lugares comunes y con momentos vulgares y groseros, la película se limita a una secuencia de eventos que aspiran a ser graciosos y provocar, con dificultad, alguna risa. La actitud provocadora de Mel, tanto en lo que dice como en lo que hace, está tan presente que resulta insólita. Y que sus amigas nada puedan hacer para evitarlo es simplemente absurdo. Pero es una película y, a pesar de que cada una arrastra problemas importantes, estos quedan bajo la capa de un humor bastante burdo.

“Spa Weekend” es una suma de incidentes obvios y predecibles. Asumir responsabilidades, crecer, madurar, romper con relaciones tóxicas y reforzar una amistad a toda prueba, temas presentes, pero eclipsados por una permanente banalización, no alcanzan a darle un sustento mínimo a la historia. Tanto es así que los gags de los créditos finales, esas imágenes que rescatan momentos desafortunados de las grabaciones, pasan a ser parte de la película, siendo algunos de ellos bastante más graciosos que el resultado final. ¿Vale la pena verla? Saque usted su propia conclusión.

Ficha técnica

Título original: Spa Weekend
Año: 2026
Duración: 97 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Black Bear, McGregor Casting, Suzanne Todd Productions. Distribuidora: Black Bear Pictures
Género: Comedia | Amistad
Guion: Jon Lucas, Scott Moore
Música: Philip White
Fotografía: Danny Ruhlmann
Reparto: Leslie Mann, Isla Fisher, Michelle Buteau, Anna Faris, Adam Demos
Dirección: Jon Lucas, Scott Moore 

Código: Venganza

Las películas de Jason Statham ofrecen acción y entregan acción. ¿Qué mejor? Uno sabe a qué atenerse. No buscamos profundidad ni una trama novedosa, queremos adrenalina y ojalá a raudales. Statham, en esto, es especialista.

En esta ocasión, el protagonista es Cole Reed -Statham-, guardaespaldas personal de Tibu Campallo -Ramon Tikaram-, CEO de KMG, una empresa naviera internacional. La relación entre ambos es más que profesional. Hay cariño y mucho agradecimiento; Reed salvó la vida de su jefe unos años atrás y el sentimiento es mutuo.

Como los negocios son negocios, el proceso de venta de la empresa familiar, liderado por el hijo del magnate, Kameron Campallo -Chaneil Kular-, está a punto de concluir; sin embargo, las cosas se complican. Luego de una cena de celebración por el negocio, Campallo y Reed son emboscados por un grupo armado y las consecuencias resultan fatales. Reed sobrevive, pero es culpado por la muerte de Tibu. Desde ese momento, jura no detenerse hasta conocer la verdad y cobrar venganza.

La producción de esta cinta no es menor. La filmación, liderada por el director Jean-François Richet, no escatima en gastos. Tiene buenas ideas, con drones de seguimiento, una cámara en mano muy cercana que incluso participa en algunos momentos, amplios planos y escenarios complejos. Es verdad que, por momentos, abusa un poco de ciertos recursos, pero no importa. Todo sea por darle vida a las secuencias y generar la sensación de estar ahí, en primera fila.

Jason Statham se encuentra totalmente en su hábitat. Su tono reservado y parco se mantiene, pero esta vez Statham esboza más sonrisas. No es que sea demasiado, pero es distinto. Cuando se trata de estar serio, no se le mueve un músculo, y cuando se trata de liquidar a quien se cruce en su camino, la máquina destructora funciona con rendimiento perfecto.

Los guionistas J.P. Davis y Lindsay Michel, sitúan la acción principalmente en el mar, a bordo de un gran carguero lleno de contenedores. Es un verdadero edificio flotante, lleno de recovecos y espacios tan pequeños que transmiten una claustrofobia real. En esos intersticios se mueven los protagonistas, recorriendo las bodegas con los pasillos, los camarotes con la cubierta y alguna que otra sorpresa que la historia revela en el momento adecuado. En espacios cerrados y sin posibilidad de escape es donde se dan la mayoría de los combates. El reguero de muertes tarda poco en llegar. Hay menos coreografías de combate que en otras películas, pero son igualmente efectivas. La sangre está garantizada.

La película tiene varios temas de fondo, pero apenas esbozados. El tema comercial, la seguridad privada, la familia, el negocio familiar, la trata de personas, el chantaje, las mafias y la corrupción cubren un abanico amplio que refleja problemáticas actuales. Pero aquello no es lo más importante. Todos lo sabemos y lo aceptamos.

En 95 minutos, “Mutiny” -“Motín”, su título original-, no defrauda en absoluto. Es cierto que algunos puntos no cierran y otros se ven algo forzados, pero esto es así. Privilegiamos la experiencia de la acción por sobre cualquier otra cosa. La película lo consigue y de buena forma. Entretenida y efectiva; un verdadero placer culpable.

Ficha técnica

Título original: Mutiny
Año: 2026
Duración: 95 minutos
País: Reino Unido
Compañías: Coproducción Reino Unido-Estados Unidos; MadRiver Pictures, Punch Palace Productions. Distribuidora: Lionsgate
Género: Acción. Thriller | Crimen
Guion: J.P. Davis, Lindsay Michel
Música: Marcus Trumpp
Fotografía: Brendan Galvin
Reparto: Jason Statham, Annabelle Wallis, Roland Møller, Adrian Lester
Dirección: Jean-François Richet

Los Domingos

Ainara se encuentra en tiempo de definiciones. A sus 17 años, estudia en una escuela católica en Bilbao, España, y el camino parece estar diseñado para dar el siguiente paso: concluir sus estudios secundarios y acudir a la universidad. La joven es inteligente. Estudia, participa en un coro y se divierte con sus amigas. Nada fuera de lo común, salvo por una inquietud que cada vez cobra más fuerza, una atracción que lentamente supera sus actividades cotidianas y que la inunda por completo.

Ainara -Blanca Soroa- vive con su padre Iñaki -Miguel Garcés- y sus dos hermanas menores. La madre ha muerto hace un tiempo y la vida familiar no ha sido fácil. Esta orfandad la ha marcado, pero no inmovilizado. El amor que surge ahora en su interior es fuerte, intenso, como un fuego que quema y que se expande; es el amor a Dios.

Cuando Ainara le confiesa a su familia que se encuentra en un proceso de discernimiento vocacional y evalúa la posibilidad de ser monja en la Orden de las Betinas, las reacciones son dispares. Su padre observa, en silencio. Pregunta poco; básicamente le preocupan los costos. Sin embargo, su tía Maite -Patricia López Arnaiz- es quien recibe la noticia como un golpe directo a sus convicciones. Ella, acérrima no creyente, no lo acepta. Ainara debe ir a la universidad, experimentar y llevar una vida libre, sin amarras, todo lo contrario de lo que significa ingresar a un convento de monjas de clausura.

Con precisión milimétrica, la guionista y directora Alauda Ruiz de Azúa nos sumerge en una historia sensible, íntima y en extremo profunda. Cada personaje está construido con delicadeza, alejado de cualquier estereotipo o caricatura. El peso dramático de cada personaje está tan bien equilibrado que, independiente del tiempo de exposición en el metraje, cada uno se recuerda por lo que es en sí mismo y por lo que contribuye a la historia. El trabajo de composición es sutil. Agrega capas en la medida en que avanza, pero también modifica actitudes y cambia el foco cuando la narración necesita un giro o bien una ampliación.

La naturalidad de las actuaciones llama la atención. Incluso en planos extremadamente cercanos, incluso incómodos, nada parece fingido. La cámara se olvida. Estamos dentro, en cada lugar, en cada ubicación, acompañando un camino que fluye con una manifiesta tensión.

Con “Los Domingos”, Alauda Ruiz de Azúa nos regala un trabajo reflexivo y, por cierto, incómodo. La confrontación entre creer y no creer, entre la certeza de la presencia de Dios que tiene Ainara y la seguridad de su no existencia que defiende Maite, eleva el tono del conflicto en la medida que ambas discuten en los encuentros familiares. La increíble fuerza interior que emerge desde cada una, de maneras muy distintas, las convierte en antagonistas, sin embargo, es posible advertir nítidamente sus propios miedos y contradicciones. Están en veredas opuestas, pero son familia; se quieren, se adoran, se necesitan.

Estamos ante un trabajo sólido, muy bien concebido y muy bien ejecutado. Nada está de más. La película maneja los tiempos con precisión y el balance de los elementos no deja cabos sueltos. Se trata de una cinta que invita a ir más allá, a superar prejuicios y a salir de lo establecido. Logra abordar un tema difícil y delicado con soltura y gran convicción.

Ficha técnica

Título original: Los domingos
Año: 2025
Duración: 110 minutos
País: España
Compañías: Coproducción España-Francia; Buena Pinta Media, Colosé Producciones, Encanta Films, Sayaka Producciones, Movistar Plus+, Los Desencuentros Película AIE, Think Studio, ICAA, Le Pacte, Crea SGR, Comunidad de Madrid. Distribuidora: BTeam Pictures
Género: Drama | Religión. Familia. Monjas. Clero. Adolescencia
Guion: Alauda Ruiz de Azúa
Música: David Cerrejón
Fotografía: Bet Rourich
Reparto: Patricia López Arnaiz, Juan Minujín, Mabel Rivera, Nagore Aranburu, Blanca Soroa
Dirección: Alauda Ruiz de Azúa