De Vuelta al Deseo

Olga -Magdalena Boczarska-, es una mujer dedicada completamente a su trabajo. Segura de sí misma, parca, e incluso un poco dura, evoca, por momentos, nebulosos recuerdos. Algo hay ahí, tal vez algo no superado que tiene relación con la distancia que la separa de Maja -Katarzyna Sawczuk-, su hija adolescente.

En otra vereda se encuentra Maks -Simone Susinna-, un apuesto italiano 15 años menor que Olga, quien se acerca a ella con claras intenciones. Después de varios encuentros en los que coinciden, se despierta entre ambos una pasión incontenible, no obstante el conflicto también salta a la vista: él es parte de un proceso que ella supervisa como jueza. ¿Es genuino lo que les sucede o solo responde al conveniente interés de Maks y a la vana ilusión de Olga?

Dirigida por Tomasz Mandes, esta película plantea como tema de fondo la relación de una mujer madura con un hombre mucho menor. Pero no se queda solo en eso, también pone sobre la mesa otro amor, el filial, entre una madre y una hija que tienen temas pendientes por resolver.

Respecto a las actuaciones, observamos principalmente a Olga y configuramos transparentemente su personaje. Exitosa en lo profesional, tiene sus vínculos afectivos destrozados, un daño que ha debido sobrellevar a través de los años. De pronto, y sin buscarlo, se encuentra de frente con una nueva oportunidad de reiniciar su vida amorosa. La magia es instantánea, se siente refrescada, y aunque naturalmente al comienzo tiene dudas, este nuevo camino la lleva a abrirse sin medir consecuencias, es decir, si aquello es una posibilidad real o solo está tomando una acotada vía de escape con clara fecha de caducidad.

El personaje de Maks, por su parte, no entrega demasiadas pistas, sin embargo vemos que juega un poco con la ilusión de Olga. Como las cosas se complican para ella, tanto en lo profesional como en lo familiar, las frustraciones que cargan su mochila más la notoria diferencia de edad -y también de proyectos de vida-, se transforma en un problema concreto para esta incipiente relación.

La construcción del guion se apoya en las actuaciones pero principalmente en los encuentros amorosos de la pareja protagónica, con escenas explícitas de sexo que, sin caer en un estilo pornográfico, exponen bastante intimidad. Si bien no es muy clara su justificación, son momentos que permiten observar cómo esta mujer se reencuentra con su sexualidad y vuelve a vivir una pasión que creía olvidada.

Así como el tema sexual es desenfrenado, lo íntimo, en contraposición, solo se esboza, y recién en el tercio final adquiere peso real. Allí observamos un proceso de reconciliación difícil y duro, pero totalmente necesario para siquiera pronunciar la palabra futuro. Si bien las piezas terminan de calzar, perfectamente podríamos acomodarlas de otra manera para construir un final distinto y que así dependa de nosotros tanto la resolución como la significación que le queramos entregar.

Ficha técnica

Título original: Heaven in Hell
Año: 2023
País: Polonia
Compañías: Ekipa, Monolith Films
Género: Drama. Romance | Drama romántico
Guion: Tomasz Mandes, Mojca Tirs
Fotografía: Bartek Cierlica
Reparto: Magdalena Boczarska, Simone Susinna, Katarzyna Sawczuk, Sebastian Fabijanski, Katarzyna Kwiatkowska, Janusz Chabior, Monika Fronczek
Dirección: Tomasz Mandes 

Desconectados

Disponible en Amazon Prime Video.

Victoria -Javiera Contador-, es una mujer especial. Terriblemente ansiosa, dispersa y olvidadiza, su vida depende cada vez más de la tecnología. Y claro, es programadora informática y estar conectada todo el tiempo es parte de su habitual rutina. Eso, al menos, respecto al trabajo, porque en lo que se refiere a lo familiar, casi no tiene vínculos, ni con su hija adolescente, Clara -María Jesus Haran-, ni con el menor de 11 años, Julián -Diego Rojas-. El problema se produce por un viaje de su ex marido, quien tiene la custodia legal; debe cuidarlos por cuatro días, y aunque cree que puede hacerse cargo de todo lo cotidiano -colegio, tareas, etc.-, la realidad es bastante diferente a lo que, en teoría, debería funcionar bien.

En eso están, tratando de hacer ajustes, de llevarse lo mejor posible, cuando sucede lo impensable. Una tormenta solar de grandes proporciones produce un apagón mundial de Internet. Es una catástrofe gigantesca, nada funciona, el mundo entero es un caos. ¿Qué se puede hacer entonces? La premisa es interesante, pero el desarrollo la desdibuja irremediablemente.

Dirigida por Diego Rougier y con guion del mismo director junto a Diego Ayala y Rodrigo Vergara Tampe, esta película se mueve en varios carriles paralelos donde cada protagonista tiene su propio recorrido. Vemos a Victoria en la postulación a un nuevo trabajo, a Julián con enormes problemas en matemáticas, a Clara con una creciente ilusión amorosa, y al vecino Rigoberto -Jaime Vadell-, como esa persona mayor que aún quiere sentirse útil en la vida.

La comedia resulta liviana, sin duda, aunque apele a la risa fácil con situaciones cotidianas sin elaborar demasiado. La gran cantidad de estereotipos y caricaturas, algunas bastante burdas, agota un poco, y no se sale de un círculo que ya conocemos bastante. Javiera Contador se ve como pez en el agua, cómoda y suelta en un papel hecho a su medida, pero quien marca real presencia es Jaime Vadell, con un oficio y prestancia que incluso aprovecha las situaciones más absurdas y las inclina a su favor para salir airoso. El desfile de secundarios, muchos sin mayor justificación, aportan poquito a una historia predecible, que se hace larga, y que estira una conclusión que cierra en poco tiempo y demasiado rápido. Tal vez mejores decisiones respecto al ritmo del metraje hubieran ayudado a una mejor conducción del relato, pero tal como está, el desequilibrio entre segmentos es manifiesto.

Es bueno ver “Desconectados” sin expectativas, como relajo para un domingo en la noche. Fluye, se ve y se olvida rápido, aunque me queda dando vueltas eso de la desconexión de Internet. ¿Será que necesitamos (necesito) que se apague el mundo, al menos unas cuantas horas, o unos cuantos días?

Ficha técnica

Título original: Desconectados
Año: 2022
Duración: 106 minutos
País: Chile
Compañías: Coproducción Chile-Estados Unidos; Picardia Films. Distribuidora: Amazon Prime Video
Género: Comedia | Familia. Internet / Informática
Guion: Diego Ayala, Diego Rougier, Rodrigo Vergara Tampe
Música: Pablo Ilabaca, Camilo Salinas
Fotografía: David Bravo
Reparto: Javiera Contador, Jaime Vadell, Dayana Amigo, María José Bello, Carmen Gloria Bresky, Kurt Carrera, Luis Dubó, Fernando Godoy, Gabriela Hernández, Luz Jiménez, Fernando Larraín
Dirección: Diego Rougier 

Punto de Encuentro

El objetivo que se plantean Alfredo García y Paulina Costa es recuperar la memoria, reconstruir en conjunto una parte de la historia que sucedió cuando ambos eran bebés recién nacidos. Sus padres se conocieron en una celda de Villa Grimaldi, detenidos y torturados después del Golpe Militar de 1973, y a partir de ese momento, la vida les cambió radicalmente: mientras el padre de Paulina, Luis, sobrevivió, Alfredo sigue desaparecido.

La intención de los cineastas es clara y los pasos que dan son precisos. Lo que no previeron, eso sí, es que el proyecto original de realizar una película de ficción sobre lo acontecido -en base a relatos íntimos de los protagonistas involucrados-, se transformaría en un documental sobre el proceso de filmación y que aquello modificaría por completo el diseño inicial.

Narrado con voces en primera persona, este rehacer lo vivido para producir un cierre, posee mucho sentido. Es distinto conversarlo que vivirlo, muy diferente teorizarlo que hacerlo carne. Un primer atisbo lo entrega la elección de los actores, un meticuloso casting para acercarse a la apariencia que en esos años tenían los protagonistas. Y aunque no podemos saberlo con certeza, quizá es justamente aquello lo que les comienza a mostrar luces que este encuentro, recuerdo y homenaje a sus padres, en especial a Alfredo, adquiere un peso dramático que no pueden detener.

Vemos tristeza en los testimonios que impulsan el relato, mucha emoción al revivir las historias familiares, un sinnúmero de frustraciones y naturalmente la imposibilidad de mostrar cualquier tipo de alegría. Los diálogos son profundamente humanos y las relaciones personales muestran una sensibilidad a flor de piel. Se nota la tensión ambiente, la amargura, y también una tenue luz de esperanza de encontrar en este incierto proceso ese tan anhelado y esquivo cierre.

Las secuencias oscilan entre las recreaciones y el registro de la ficción. Se ve un cruce de estilos, una película dentro de otra, una convergencia muy bien llevada que aprovecha las indefiniciones de género (docu-reality / documental) para revivir, revisitar y observar un pasado aún doloroso y lleno de significados. La intercalación que se produce entre las recreaciones y su visualización por parte de quienes fueron los reales partícipes, genera un efecto especial, es como si se desdoblaran en pantalla. Por momentos es un espejo, en otros se funden, y en otros se separan. Eso permite que, nosotros los espectadores, podamos ingresar a la misma dinámica que estamos presenciando.

Uno de los puntos altos de este relato es la naturalidad y espontaneidad de lo que registra. Estas características permiten darnos cuenta de una experiencia vívida que cala hondo. Es lo que le pasa a los protagonistas, quienes no pueden esconder sus emociones y que por momentos deambulan perdidos a través de un río torrentoso de sentimientos que traspasa la pantalla. Me preguntaba, mientras lo veía, si este ejercicio ayuda o confunde más, si tranquiliza o finalmente es causa de mayor inquietud. Sigo sin estar seguro de la respuesta, incluso con el tiempo que entrega la distancia.

Desde el punto de vista formal, el trabajo del director Roberto Baeza exhibe una excelente calidad de filmación. Destaca una cuidada edición, una continuidad natural, un audio muy claro en todos los registros y una música sencilla en momentos precisos. También es muy buena la fotografía de esos primeros planos que se funden en encuadres interesantes, y un apropiado ritmo en el metraje. Los premios que ha obtenido en diferentes festivales acreditan la buena factura de este filme, que en una hora y media logra enseñar un nuevo testimonio de una época amarga que quisiéramos dejar atrás, pero que parece hacerse cada vez más presente con el paso del tiempo.

Ficha técnica

Género: Documental
Duración: 89 minutos
Director: Roberto Baeza
Productor: Paulina Costa y Alfredo García
Guión: Alfredo García, Paulina Costa y Roberto Baeza
Reparto: Lucho Costa, Silvia Vera, Alfredo García, Paulina Costa, Felix Villar, Pablo Medina, Claudia Navarrete y Cecilia Muñoz
Productora: La Toma Producciones
País de origen: Chile

Premios

MEJOR DIRECCIÓN DE LA COMPETENCIA INTERNACIONAL, Festival Internacional de Cine de Santiago SANFIC, 2022.
MEJOR PELÍCULA DE LA COMPETENCIA DE LARGOMETRAJE NACIONAL, Festival Internacional de Cine AntofaCINE, 2022
PREMIO DEL PÚBLICO y MENCIÓN ESPECIAL DEL JURADO EN LA COMPETENCIA CHILENA DE LARGOMETRAJES, Festival Internacional de Cine de Viña del Mar FICVIÑA 2022.
MEJOR DOCUMENTAL NACIONAL, Festival Internacional de Cine de Rengo, 2022.
PREMIO DEL PÚBLICO, Festival de Cine Chileno FECICH, 2023. 

Soy Niño

Sinopsis: A los 12 años, Andrea decide convertirse en David y hace un pacto con su prima cineasta para hacer una película juntos. Durante seis años, Lorena sigue de cerca sus avatares íntimos, sus amistades, sus amores y sus dificultades. Un retrato sensible de un cuerpo en transición, en el seno de una familia que se abre poco a poco en una sociedad todavía conservadora.

Con guion y dirección de Lorena Zilleruelo, este documental es un trabajo transparente que no oculta la admiración que tiene la cineasta por su primo, quien, a través de un testimonio valiente y honesto, transmite una valiosa experiencia de apertura y transformación.

Al comienzo vemos a la joven Andrea en imágenes caseras captadas por su familia. Pero no está cómoda; tiene cuerpo de mujer pero en realidad se siente un hombre. No le gusta su cuerpo, no lo acepta, se encuentra como en una cápsula y además no le entienden. En muchas ocasiones y situaciones cede para no tener problemas pero ya está harto de aquello. Cuando decide anunciar el cambio, a la familia primero, y luego a su entorno más cercano, aún no dimensiona el largo camino que deberá recorrer. Si hasta aquí todo ha sido tortuoso, lo que se avecina es aún más difícil y doloroso, incluso físicamente producto de los tratamientos hormonales.

“Ser quien sientes ser” es una frase clave que David -su nuevo nombre de transición-, expresa con total convicción. Son notorios los avances cada vez que la cineasta regresa a Chile para filmarlo, una vez al año, a través de lo cotidiano, en su día a día, en encuentros y conversaciones con su familia, con sus amigos y compañeros.

David es “trans”, una palabra que es transversal respecto a la diferencia que existe entre personas transgéneros -cuya identidad no concuerda con su corporalidad- y transexuales -aquellas que mediante una operación hacen cambios en su cuerpo-. Es decidor cuando David señala que a veces se olvida que es trans y se siente como una persona normal, es decir como cualquier otra, esa tan anhelada libertad que poco a poco se va haciendo realidad.

El registro anual de las imágenes da cuenta del paso del tiempo, y también de las dificultades crecientes que debe enfrentar David, entre ellas el alto valor de una operación para reconstruir sus mamas, imposible de costear por su familia. Allí se encuentra con un nudo importante, pues debe buscar otros caminos, lo que también debe hacer respecto al marco legal que regula la identidad de género, que en ese momento aún no existe en el país. Observamos ese paso, ese proceso, ese tránsito, duro, difícil, con éxitos y frustraciones, pero siempre con perseverancia y consistencia, con el creciente apoyo de una familia que, con amor, va comprendiendo y variando sus conductas.

“Soy niño” representa una voz autorizada, gracias a la cercanía e intimidad que nos devela. El testimonio de Bastián -cuando cumple 18 años decide su nuevo nombre y puede concretar, al fin, el cambio registral-, conmueve. Ver cómo se refugia en su familia, en su pareja, y observar cómo encuentra el cariño y el amor, capta de inmediato nuestra empatía. Esto no es casualidad, es fruto de su elección, una decisión compleja e incierta al principio, pero que el tiempo se encarga de ratificar.

Es innegable el mérito de Lorena Zilleruelo para captar y luego comunicar esta historia, y sobre todo el coraje de Bastián para abrir su corazón, superar todo tipo de obstáculos sociales y también económicos, no rendirse en su búsqueda de reafirmar su identidad, y soñar con un futuro mejor, diverso, tolerante e inclusivo.

Ficha técnica

“Soy niño”
Año: 2022
Duración: 62 minutos
País: Chile
Guion: Lorena Zilleruelo
Producción: Elisa Sepúlveda Ruddoff, Quentin Laurent, Amalric de Pontcharra, Eric Dufour.
Compañías: Coproducción Chile-Francia; Capicua Films, Les Films de l'oeil sauvage
Dirección: Lorena Zilleruelo

Premios
Película Ganadora de la Competencia Internacional de Largometrajes de Espacio Queer, Argentina, 2022
Mejor Documental MOVILH, Chile, 2022
Premio del Jurado Seattle Queer Film Festival, Estados Unidos, 2022

Película Ganadora Divergenti Film Festival, Italia, 2022 

Misterio a la vista

Disponible en Netflix.

Hagamos un recuerdo, porque esta película tiene antecedentes. Desde hace cuatro años, Nick -Adam Sandler-, y Audrey Spitz -Jennifer Aniston-, han intentado consolidar su precaria agencia de detectives. Las aventuras de Montecarlo les han entregado cierto sustento, pero aún no es suficiente. Los problemas abundan y amenazan con traspasarse a la relación de la pareja, por eso, cuando su amigo Vikram les invita, con todos los gastos pagados, a su fastuosa boda en una isla privada, la ocasión se ve propicia para tomar unos días de descanso y, además, codearse con lo más granado y selecto de la alta sociedad en busca de nuevas oportunidades.

¿Y quienes están presentes en la boda? A modo de inventario, Vikram, el “Maharajah”, por cierto, junto su prometida Claudette Joubert -Mélanie Laurent-, y su mujeriego socio comercial Francisco Pérez -Enrique Arce-. También concurren la ex prometida del novio, la condesa Sekou -Jodie Turner-Smith-, y su dama de honor Imani -Zurín Villanueva-, más su reticente hermana Saira -Kuhoo Verma-, su celoso guardaespaldas Lou -Myo Leong-, y su viejo amigo, el coronel Ulenga -John Kani-, que no tiene el brazo izquierdo luego de rescatarle de un fallido intento de asesinato en Mumbai. Y digo a modo de inventario porque todos parecen relevantes, pero solo algunos tienen incidencia real en la historia.

Es durante la boda que se presentan las mayores dificultades: un cadáver, distracciones por doquier y Vik que es secuestrado. Claramente hay una conspiración detrás, pero ¿quién o quiénes la conforman? Como este caso puede ser muy complejo para Nick y Audrey, los responsables de la seguridad del “Maharajah” llaman a un grupo especial de detectives liderado por un ex negociador de rehenes del MI6 llamado Connor Miller -Mark Strong-, quien logra hacer contacto con los secuestradores que exigen 70 millones de dólares para liberar a Vik. Y esto es solo el comienzo, pues la aventura les llevará a un destino que nuestros protagonistas siempre han querido conocer: el Arco del Triunfo en París.

Bajo la dirección de Jeremy Garelick, esta película es ideal para un viaje. De hecho la vi iniciando un vuelo largo y puedo decir que cumple su objetivo de distraernos y entretenernos por un rato. La filmación es dinámica y naturalmente solo se sostiene gracias a la simpática dupla de Adam Sandler y Jennifer Aniston, más uno que otro chispazo en el elenco. En ese sentido, todo es inverosímil pero no importa, mientras resulte graciosa y no se haga pesada, todo vale.

Respecto de su precuela, se nota el aumento de presupuesto, por las locaciones, el formato de filmación, los paisajes desenfrenados de esa isla de fantasía, y aquel Paris nocturno que llama a visitarlo una y otra vez. Las secuencias en la Torre Eiffel están bien cubiertas, y tienen ese magnetismo especial que entrega un icónico escenario que se resiste a pasar de moda o ser dejado de lado.

No esperen gran cosa de “Murder Mystery 2”, aunque se defiende, es liviana y responde a lo esperado. Es más, sin mayores expectativas puede resultar mejor aún. Ver a Sandler y Aniston reconforta, incluso en estos papeles menores, porque siempre existe la posibilidad que esa chispa encienda algo más grande. No es esta la ocasión, pero vale igual el intento.

Ficha técnica

Título original: Murder Mystery 2
Año: 2023
Duración: 89 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Denver and Delilah Productions, Endgame Entertainment, Happy Madison Productions, Mythology Entertainment, Netflix, Tower Hill Entertainment, Vinson Films. Distribuidora: Netflix
Género: Comedia. Acción. Drama | Crimen. Secuela
Guion: James Vanderbilt. Personajes: James Vanderbilt
Música: Rupert Gregson-Williams
Fotografía: Bojan Bazelli
Reparto: Adam Sandler, Jennifer Aniston, Mélanie Laurent, Mark Strong, Adeel Akhtar, John Kani, Jodie Turner-Smith, Tony Goldwyn, Annie Mumolo, Enrique Arce, Kuhoo Verma
Dirección: Jeremy Garelick

Super Mario Bros: La película

Sinopsis: Mientras trabajan en una avería subterránea, los fontaneros de Brooklyn, Mario y su hermano Luigi, viajan por una misteriosa tubería hasta un nuevo mundo mágico. Pero, cuando los hermanos se separan, Mario deberá emprender una épica misión para encontrar a Luigi. Con la ayuda del champiñón local Toad y unas cuantas nociones de combate de la guerrera líder del Reino Champiñón, la princesa Peach, Mario descubre todo el poder que alberga en su interior.

Esta aventura, dirigida por Aaron Horvath y Michael Jelenic resulta muy entretenida. Tiene muchas secuencias de acción, es tremendamente colorida y sus personajes, además, generan natural simpatía. La lucha contra el mal se hace desde la amistad y el trabajo en común. La hermandad de Mario y Luigi, a pesar de ser tan distintos, es a toda prueba, y lo que la familia representa para ambos, se convierte en el sólido pilar que les sustenta en el mágico reino al que son inesperadamente transportados.

Lo mejor de la película son sus escenarios y laberintos. La recreación del tradicional juego de video es excelente, y por momentos somos parte de él gracias a secuencias que apelan a nuestra nostalgia, unos recorridos mágicos que, al verlos en pantalla grande, nos hacen volver décadas atrás cuando operábamos nosotros mismos los controles para guiar a Mario en sus diferentes travesuras. Para mí, el encuentro con DK (Donkey Kong) da justo en la tecla. Recuerdo que lo jugaba y me encantaba, tal vez más que Mario, por lo que verlos juntos en la película es genial. Lo de unir fuerzas para derrotar al malvado Koopa Bowser funciona, además, muy bien, porque agrega un nuevo interés a una historia que bien podría haberse quedado complacientemente solo en lo conocido.

Se nota la presencia de Illumination Entertainment en esta adaptación de “The Super Mario Bros. Movie”. Ese humor tan característico está presente, como también la particularidad de sus personajes (Bowser no resulta ser tan abominable por momentos, más bien en varias escenas provoca risas y da lástima) que, en conjunto, consiguen ese toque transversal que hace de la cinta una buena opción para verla en familia.

Los 92 minutos de “Súper Mario…”pasan volando, y por favor no se vayan al final, hay dos escenas post créditos que vale la pena ver.

Ficha técnica

Título original: The Super Mario Bros. Movie
Año: 2023
Duración: 92 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Coproducción Estados Unidos-Japón; Illumination Entertainment, Nintendo, Universal Pictures. Distribuidora: Universal Pictures
Género: Animación. Fantástico. Comedia. Acción. Aventuras | Cine familiar. Videojuego
Guion: Matthew Fogel. Personajes: Shigeru Miyamoto. Videojuego: Nintendo, Shigeru Miyamoto
Música: Kōji Kondō, Brian Tyler
Fotografía: Animación
Reparto: Animación, Voz: Chris Pratt, Anya Taylor-Joy, Charlie Day, Jack Black, Keegan-Michael Key, Seth Rogen, Fred Armisen, Kevin Michael Richardson, Sebastian Maniscalco, Charles Martinet
Dirección: Aaron Horvath, Michael Jelenic

Air: la historia detrás del logo

Sorpresa causa el empecinamiento de Sonny Vaccaro -Matt Damon-. Es verdad que las empresas deportivas deben cerrar convenientes contratos con deportistas destacados que hagan lucir sus marcas, pero lo que hace este ejecutivo traspasa todo límite. Cazatalentos innato, Vaccaro parece tener todo en contra: trabaja en Nike, una compañía que está tercera en participación de mercado detrás de Converse y Adidas, su área posee un presupuesto ínfimo para llevar a cabo su labor, y su equipo de trabajo, con suerte, puede ver solo una palma más allá de sus narices.

La historia que narra esta película es real, y la obsesión de Sonny Vaccaro es tan real como excesiva. Él ha visto algo que nadie más ha sido capaz de percibir. En el draft de la NBA de 1984, un novato llamado Michel Jordan es elegido por los Chicago Bulls como la tercera mejor opción. Sin lugar a dudas, un prominente jugador, pero no pasa de ser solo un buen prospecto. Además, Jordan es fan declarado de Adidas, por lo que las posibilidades de ser fichado por Nike son mínimas o más bien nulas. ¿Qué sucede entonces? Vaccaro se la juega por completo; visualiza que será un grande, sino el mejor de los tiempos, y que un contrato exclusivo con Nike aseguraría el futuro del deportista y el de la empresa. ¿Qué hace? O a decir verdad, la pregunta es qué no hace.

Primero, debe resolver el tema interno, convencer al CEO Phil Knight -Ben Affleck-, de no dividir el presupuesto de su área en tres sino poner todas las fichas en una sola canasta: Jordan. Segundo, arrastrar a Rob Strasser -Jason Bateman-, jefe de Marketing, e intentar que le apoye en el propósito. Y tercero, impulsar el desarrollo de un prototipo de zapatilla, única, hecha a medida por el diseñador estrella Peter Moore -Matthew Maher-, y que además posea un estilo propio, algo así como una marca dentro de la marca.

Por otra parte, el mundo externo que enfrenta Vaccaro es tanto o más complejo que el interno. Debe luchar contra las ofertas de la competencia, contra el agente de Jordan, David Falk -Chris Messina-, y saltarlo si es necesario. Por eso, en una jugada arriesgada, concurre a la casa familiar de los Jordan, una movida que descoloca a todos los participantes, pues siembra una semilla en Deloris -Viola Davis-, la madre y guía de Michael, con lo que consigue una preciada reunión. Se abre una pequeña opción, ínfima tal vez, pero lo que importa es tener la oportunidad. Nada es seguro, todo está en juego, las cartas están echadas.

Ben Affleck filma el excelente guion de Alex Convery, tan bien compuesto que logra relatar los hechos con natural prolijidad. Matt Damon da vida a Sonny Vaccaro con muchísima prestancia y transparencia, poniendo de relieve la personalidad de su personaje y los valores que encarna. Lo que tiene entre ceja y ceja es tan importante que constituye para él una decisión de vida. Su convicción es total, y la perseverancia que demuestra, fundamental para poder llegar a la meta. Asimismo, Sonny es honesto, sabe cuál es su lugar, e intenta todos los caminos posibles para desde allí convencer y seducir. La apuesta es arriesgada, qué duda cabe, pero está dispuesto al todo o nada, en un símil con las apuestas que hace al pasar por Las Vegas. Es mucho riesgo, sí, pero sustentado por una gran visión detrás. Son negocios, pero también principios, por lo que es necesario administrar muy bien una importante dosis de coraje.

Ben Affleck hace un gran trabajo como director de la cinta. Destaco sus decisiones de enfoque, algunos seguimientos de los protagonistas, y el ritmo que logra imprimir al relato gracias a una estupenda edición. En algunas escenas, es notable el lento movimiento de cámara que realiza para conseguir capturar ciertos detalles, como también esa propuesta de ir intercalando los principios de Nike en momentos particulares del filme. Lo que perfectamente podría sonar a mera propaganda, no lo es, gracias a la pericia narrativa y a los discursos que se intercalan, dejando siempre a la vista una historia que, aunque sabemos el final, no deja de sorprendernos en ningún momento. Y un detalle: Michael Jordan, quien dio su visto bueno a esta película, nunca aparece completamente. Siempre es escondido, o develado a través de un deslucido y lejano perfil, lo que entrega una suerte de verosimilitud a la estrella, para que quedemos así con la impresión que siempre estuvo allí la persona real.

“Air” realmente funciona muy bien y llega a ser emotiva en algunas de sus secuencias principales, gracias a que la construcción de sus personajes es fuerte y sólida. Los conocemos, estamos con ellos, e incluso profundizamos algunas de sus principales características. Cuando Vaccaro se explaya en la reunión con los Jordan es uno de los puntos más altos, como asimismo la contrapropuesta que hace Deloris en una crucial conversación telefónica, confrontaciones de gran peso emocional, reales, sensibles y humanas. Tal vez por eso salimos del Cine inspirados y motivados, porque hemos presenciado la historia de un sueño que ha sido superado con creces por una realidad que resulta, cuando menos, alucinante.

Ficha técnica

Título original: AIR
Año: 2023
Duración: 112 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Amazon Studios, Skydance Productions, Mandalay Pictures. Distribuidora: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), Warner Bros., Amazon Studios
Género: Drama | Biográfico
Guion: Alex Convery, Ben Affleck, Matt Damon
Fotografía: Robert Richardson
Reparto: Matt Damon, Ben Affleck, Viola Davis, Chris Messina, Marlon Wayans, Chris Tucker, Jason Bateman, Gustaf Skarsgård, Matthew Maher, Julius Tennon
Dirección: Ben Affleck 

Alis

El juego de tener un amigo imaginario es algo que probablemente hemos usado más de alguna vez para evadir, o bien ampliar la realidad. Cuando descubrimos que este juego es aplicado a diez jóvenes que habitan el internado “La Arcadia”, en Bogotá, Colombia, lugar que se hace cargo de personas sin familia o cuyos cercanos no pueden o no quieren asumir la responsabilidad, nuestra percepción se modifica en la medida que también varía el punto de vista de las involucradas.

La premisa señala que esta institución pública es similar a un hogar, una comunidad activa que busca dar acogida y empoderar a personas vulnerables, potenciando sus habilidades y al mismo tiempo cubrir aquellos vacíos fundamentales para que dejen de ser un obstáculo que les impida proyectarse hacia el futuro.

Los cineastas Nicolas van Hamelryck y Clare Weiskopf les proponen algo, en apariencia, sencillo a sus entrevistadas. Imaginen, les dicen, una niña de 15 años, de nombre Alis, que llega al hogar. ¿Cómo la ven, cómo la reciben, cuáles son sus primeras interacciones con ella? Poco a poco, y en la medida que cada una se va soltando, emergen otras preguntas, más difíciles, más profundas, más intensas. Allí, el ejercicio muta, y la ficción deja traslucir realidad, una confusa intimidad que se despoja de todo ropaje para dejar al descubierto una sinceridad y honestidad que toca el alma.

Desarrollada durante cinco años y filmada en dos semanas, este documental abarca una variedad de temáticas que van desde el abandono hasta el amor. En el trayecto, pasa por la soledad, la carencia de afecto, los miedos y traumas, el consumo de drogas, el abuso sexual, y la identidad de género, entre muchos otros temas. Es tan natural el tránsito de lo aparentemente superficial a lo profundo, que perfectamente podemos perdernos, sin embargo existe un imán, una especie de hechizo hipnótico que nos une a los testimonios y que logra capturar instantáneamente nuestra emoción y empatía.

Los realizadores explican con estas palabras el elemento que han elegido como base: “Encontramos el dispositivo perfecto para explorar estas reflexiones en un juego en el que les invitamos a imaginar una historia. Aunque ficticias, estas guardaban un paralelismo con sus vidas, señalando el modo en que la imaginación refleja nuestras experiencias y puede convertirse en una forma de afrontar el trauma. Descubrimos que la imaginación dice más de nosotros que nuestra biografía”. Y justamente esta es la clave, la bisagra que permite visualizar una dimensión que, de otra manera, probablemente permanecería totalmente oculta.

Con múltiples nominaciones y premios, “Alis” es un trabajo delicado, íntimo y profundo. Logra superar el pudor de sus protagonistas y también el nuestro, sobretodo cuando observamos los emotivos relatos narrados a través de esta amiga imaginaria. Alis sí existe, refrendan, en un reconocimiento que funciona además como espejo -su propio espejo-, en un camino que les permite sanar heridas y, por qué no, soñar con un futuro posible de abrazar con sus propias manos.

Nicolas Van Hemelryck y Clare Weiskopf apuntan al centro motor de su trabajo: “Imaginamos esta película como una oportunidad para que los espectadores empaticen con el valor, la sensibilidad y la fuerza de estas jóvenes, superando sus propios prejuicios para ver más allá del estigma la posibilidad de transformación y crecimiento personal. Esta película habla de la importancia de la perseverancia y la confianza en uno mismo”.

84 minutos de humanidad y de entereza, de resiliencia y esperanza, de lágrimas y sonrisas; y principalmente de solidaridad y amor. Un documental sobre un mundo que no está perdido, un mundo que se puede mejorar si ponemos en el centro a las personas, reconociendo cada una de sus identidades para relevar lo más importante de nuestra condición de seres humanos.

Ficha técnica

Duración: 84 minutos
País: Colombia
Compañías: Coproducción Colombia-Rumanía-Chile; Casatarántula, deFilm
Género: Drama. Documental | Adolescencia. Drama social
Guion: Tatiana Andrade, Anne Fabini, Gustavo Vasco, Clare Weiskopf, Nicolas van Hemelryck
Música: Miguel Miranda, José Miguel Tobar
Fotografía: Helkin Rene Diaz
Reparto: Documental, Intervenciones de: Paula Yeraldine Gutiérrez Sánchez, Linda Sofía Rodríguez Ávila, Yulieth Natalia Parra Cardoso, Derly Carolina Cristancho, Carol Daniela Maje, Magaly Amparo Fernández, Nicole Daniela Sánchez
Dirección: Nicolas van Hamelryck, Clare Weiskopf 

El exorcista del Papa

Esta película comienza con una apertura prometedora. El padre Gabriel -Russell Crowe-, es llamado para realizar un exorcismo a un adolescente. Una confrontación mental, una lucha de fuerza y poder, termina con el joven liberado. En paralelo, Julia -Alex Essoe-, viuda hace un año, llega con sus dos hijos, Amy -Laurel Marsden-, y Henry -Peter DeSouza-Feighoney-, a una vieja y derruida abadía en España, único bien de su familia y posible tabla de salvación económica una vez restaurada.

Mientras el padre Gabriel mantiene discusiones con sus superiores por la naturaleza de su oficio, la madre y sus hijos avanzan con el proceso de instalación, sin embargo sucede lo inevitable: Henry es poseído por una fuerza extraña y transformadora que señala que todos morirán; exige la presencia de un sacerdote. Hasta ese momento, no vemos relación entre el cura y la familia, pero como P. Gabriel trabaja como exorcista en el Vaticano, su propio jefe, el Papa, le envía a verificar personalmente este caso a España. ¿Por qué tanto interés y preocupación? ¿Será qué hay otros antecedentes y secretos involucrados en aquel pueblo que vienen de antiguo?

La película se basa en la figura de Gabriele Amorth, un sacerdote italiano que en 1986 asumió como exorcista en la diócesis de Roma y murió el año 2016 a los 91 años. Basada -tal vez es mucho, apenas inspirada me atrevería a decir-, este trabajo no muestra la vida de Amorth sino que se remite a un par de casos que no sabemos si son o no verídicos. El elegido para interpretar a esta personalidad es Russell Crowe, quien es acompañado por Daniel Zovatto dando vida al padre Esquibel, un inexperto joven español que socorre a las víctimas de la abadía.

Dirigida por Julius Avery, la cinta provoca temor gracias a la utilización de los clásicos efectos del género, aunque logra construir correctamente ciertos ambientes lúgubres y oscuros. La personalidad que refleja el padre Gabriel es de una tranquilidad pasmosa y de una confianza excesiva. No le entran balas, se mueve como pez en el agua a pesar de lo complicadas que pueden ser algunas de las situaciones que enfrenta. Esto es diametralmente opuesta a la actitud del cura joven, que con su impulsividad puede provocar más problemas que soluciones.

Hay más elementos ultra utilizados. ¿Se han fijado que en las escenas más escabrosas siempre llueve, es de noche y se corta la luz? Todo eso está acá, y configura un ambiente propicio para encerrarnos en el misterio y preparar la siguiente secuencia que pretende hacernos saltar. Es conocido que las amenazas exteriores son en realidad la manifestación de pasados no superados, con traumas, miedos y daños. Eso se ve también en esta película, con destellos, imágenes y presencias que se hacen reales, y que desacomodan a los protagonistas. ¿Demonios externos o demonios internos? Sin duda, mucho más de los segundos.

En lo escénico, Russell Crowe sostiene a su personaje, desde su forma de hablar hasta los toques de humor que expresa en las situaciones más inesperadas. Algunos de los efectos especiales quedan bien resueltos, y aunque hay bastante abuso, funcionan. Quien destaca, eso sí, es Peter DeSouza-Feighoney. Muy bien su caracterización, sobre todo en los enfrentamientos gestuales con el exorcista y en los cambios bruscos de personalidad, muy propios del rol que representa.

“El exorcista del Papa” es una película de nicho. Abunda en la exageración, y vende como historia real algo de lo que adolece. La secuencia final, por su excesiva exageración, llega hasta la ridiculez, evidenciando la debilidad general de su argumento y la inmensa carencia de imaginación y su poco sustento original. Demasiada parafernalia para una cinta llena de caricaturas y que seguramente algún grado de aceptación en los fieles amantes del género.

Ficha técnica

Título original: The Pope's Exorcist
Año: 2023
País: Estados Unidos
Compañías: 2.0 Entertainment, Jesus & Mary, Loyola Productions. Distribuidora: Screen Gems
Género: Terror | Biográfico. Religión. Posesiones / Exorcismos
Guion: Chester Hastings, R. Dean McCreary, Evan Spiliotopoulos
Reparto: Russell Crowe, Alex Essoe, Franco Nero, Laurel Marsden, Daniel Zovatto, Cornell John, Bianca Bardoe
Dirección: Julius Avery 

Minamata

Es difícil no conmoverse con este relato, basado en hechos reales, expuesto en esta cinta dirigida por Andrew Levitas. Se trata de una tragedia, otra más, referida a los efectos que los desechos industriales vertidos por una Corporacion sin escrúpulos ocasionan en los habitantes de su entorno. La contaminación es del tal magnitud -residuos de mercurio tirados al mar, década tras década-, que las malformaciones y muertes ocasionadas por este envenenamiento masivo, negligente, y culposo, son pruebas que se encuentran a simple vista. Aún así, a pesar de las persistentes protestas y de ser un caso evidente, la situación está contenida y controlada por los mandamases principales del consorcio. Los pescadores locales no logran hacer mella en un imperio económico que enfrenta cualquier dificultad poniendo el pie encima con al poder que les da el dinero.

La película comienza mostrando la vida en decadencia de W. Eugene Smith -Johnny Depp-, reconocido fotoperiodista de la Revista Life -famoso por su cobertura de la Segunda Guerra Mundial-, dueño de una personalidad compleja de definir. En los primeros minutos, la intención es configurar a Smith, un hombre que vive su deterioro humano y profesional ahogándose en alcohol. Con sus relaciones familiares rotas y carente de cualquier desafío, ¿qué le queda cuando mira hacia un futuro incierto y deprimente? Destellos de traumáticos recuerdos solo acentúan una crisis que no tiene ningún atisbo de solución.

Cuando Aileen Mioko -Minami-, junto a un joven fotógrafo que es admirador de Gene golpean su puerta, su resistencia es absoluta. La tragedia que se vive en Japón le resbala, elude cualquier compromiso y menos piensa en alguna acción concreta, sin embargo, en un segundo de lucidez toma la decisión de involucrarse y comprometer a la revista en un proyecto de gran envergadura: documentar, con imágenes, una historia que el mundo debe conocer en detalle.

En el primer cuarto de la cinta ya estamos con el personaje. Johnny Depp lo encarna muy bien, cámara en mano; ¡click! Vemos en esencia un profesional con un ojo clínico capaz de captar detalles ocultos a simple vista, cuadros estéticos rudos y crudos que se transforman en denuncia, gracias al instinto y talento de un verdadero artista. Si le sumamos, además, aquel mágico proceso de revelado de los negativos y posterior impresión de las fotografías al fijarlas en papel, la película adquiere un tono retro, casi romántico, como añorando una forma de develar la realidad que hoy día resulta impensable.

Surgen preguntas respecto a la motivación que tiene Smith de cubrir la, a esa altura, denominada “enfermedad de Minamata”. El sufrimiento de la población, la exposición del problema a nivel local, las arduas peleas de los habitantes del lugar contra la empresa, o el ruido provocado por esa lucha permanente contra puertas cerradas, podría perfectamente ser algo suficiente, pero esto no es demasiado claro. ¿No será que Gene quiere reconocimiento, un premio, o tal vez una última oportunidad para demostrar que no es alguien acabado en su oficio?

“Minamata” reconstruye la odisea, aquel viaje este fotógrafo que está de regreso en Japón, y lo hace con un tratamiento formal como si se tratara de una pieza documental. El conflicto que encuentra en lugar está clarísimo y su presencia no es bien recibida. Intentos de cancelación y de sobornos, acusan el objetivo que tiene la empresa, centrada en esconder una realidad que se observa en cada espacio del pueblo. Luchar por un bien mayor despierta sensibilidad y empatía, y es lo que vamos observamos en Eugene Smith, quien se va transformando al recorrer este camino. Surge complicidad con la comunidad local, muy diferente a sus hábitos y costumbres, en una humanidad que la cinta se encarga de relevar como homenaje y recuerdo a todos quienes han sido afectados, mostrando imágenes que resulta desgarradoras.

La música de la película es estupenda -compuesta por Ryuichi Sakamoto-, como asimismo la recreación de cada uno de los ambientes y un manejo cuidadoso de la luz. Naturalmente llama la atención la fotografía del filme, sobre todo por la complejidad de asimilarla a las fotografías originales de Smith -un trabajo muy bien logrado-, publicadas en 1972, en Life, provocando conmoción mundial. Las caras, los gestos, los retratos y primeros planos están muy bien capturados, y el montaje y edición fina entrega una fluida continuidad. Además de lo anterior, Depp logra puntos altos en su interpretación, especialmente cuando dejamos de verlo a él, es decir cuando nos olvidamos del actor y acompañamos al fotógrafo en su arriesgada misión. Gran trabajo escénico, una suerte de redención para el actor luego de un calvario judicial que postergó este proyecto y naturalmente también su carrera.

Resulta muy importante cómo se llega al final de la historia en esta película. La emotividad que alcanza se corona con imágenes icónicas, y también con menciones a otras tragedias ambientales, algunas aún vigentes actualmente. Tal vez no se puedan ganar las demandas en forma concluyente, pero es bueno generar espacios de felicidad aunque estén rodeados de océanos de tristeza y devastación. “Minamata” lo hace. Valga un reconocimiento para una cinta bien construida, necesaria e indispensable.

Ficha técnica

Título original: Minamata
Año: 2020
Duración: 110 minutos
País: Reino Unido
Compañías: Coproducción Reino Unido-Estados Unidos; Metalwork Pictures, Head Gear Films, Infinitum Nihil, Kreo Films FZ, Metrol Technology, Work in Progress
Género: Drama | Biográfico. Años 70. Fotografía. Periodismo. Basado en hechos reales
Guion: David Kessler, Andrew Levitas
Música: Ryuichi Sakamoto
Fotografía: Benoît Delhomme
Reparto: Johnny Depp, Bill Nighy, Hiroyuki Sanada, Tadanobu Asano, Katherine Jenkins, Jun Kunimura, Lily Robinson, Ryo Kase, Masayoshi Haneda, Yosuke Hosoi
Dirección: Andrew Levitas 

Sombras de un crimen

1939. El detective privado Philip Marlowe -Liam Neeson-, recibe una extraña y misteriosa visita en su estudio. Se trata de Clare Cavendish -Diane Kruger-, una atractiva mujer que quiere encontrar a Nico Peterson, su ex amante. Hija de la reconocida estrella de cine Dorothy Quincannon -Jessica Lange-, la joven no logra entender la súbita desaparición de Peterson, y por eso le pide al detective el particular encargo. El dinero no es problema, y aunque la química entre ambos podría llegar a ser una fuente de dificultades, las sospechas y mentiras que la investigación comienza a destapar, llevarán a Philip Marlowe al descubrimiento de oscuros secretos y reveladoras verdades que se encuentran muy lejos de los acotados propósitos iniciales.

Con guion de William Monahan, y basado en la novela de John Banville que tiene como centro el personaje creado por Raymond Chandler, esta cinta dirigida por Neil Jordan tiene muchísimos diálogos y una gran cuota de ironía. Con un sabor “a la antigua”, y un renovado estilo noir, el filme se sostiene gracias a la presencia de sus actores principales que inundan la pantalla. El carisma de Neeson se complementa muy bien con la gracilidad inicial de Kruger, y naturalmente destaca Jessica Lange en cada una de sus breves intervenciones.

Puntos altos de la película son sus escenarios y ambientes, los que logran una buena recreación de la época, creíble y realista. Por otra parte, el clasicismo de su forma, el ritmo pausado del metraje, la adecuada oscuridad y variados filtros bien utilizados, generan un efecto que ayuda muchísimo a sumergirnos en un contexto rico en detalles de estilo, aunque se muestre algo más gruesa en el desarrollo de ciertos ángulos de la personalidad del famoso detective.

Cuando Philip Marlowe entra en terreno sucio, no le tiembla la mano para golpear o eliminar a quienes le amenazan y superar los obstáculos que se interponen en su camino. Es cierto, nos recuerda al Liam Neeson de otras cintas, sin embargo el actor de da maña para imprimir un particular toque de estilo que, al menos en mi caso, logra convencer. Lo complejo o enredado de la trama pasa a segundo plano, pues las pistas equívocas tanto como las aperturas, cierres y laberintos, se van lentamente aclarando en la medida que se desenreda una madeja de elementos que, aún teniéndolos a la vista, siempre logran dar un giro, o al menos salir inesperadamente desde alguno de los recovecos de la historia.

El detective Marlowe encarna, como pocos, esa persistencia y perseverancia necesaria para poder llevar a buen puerto cada una de sus responsabilidades. Aunque tiene en alto valor la lealtad, sus obsesiones son bastante claras, y a veces carecen del sustento apropiado desde la base del relato. En ese sentido, el valor de la honestidad está siempre en tela de juicio. Negocios son negocios y el poder del dinero -o el poder que da el dinero-, sin duda logra inclinar la balanza. Es ahí donde se hace más necesario, aún, desenmascarar esas singulares apariencias de todo aquello que solo se hace por conveniencia.

Ficha técnica

Título original: Marlowe
Año: 2022
Duración: 110 minutos
País: Irlanda
Compañías: Coproducción Irlanda-España-Francia; Parallel Film Productions, Hills Productions AIE, Davis Films, H2L Media Group, Nickel City Pictures, Storyboard Media, Aperture Media Partners, Elipsis Capital
Género: Thriller. Intriga | Años 30. Neo-noir
Guion: William Monahan. Novela: John Banville. Personaje: Raymond Chandler
Música: David Holmes
Fotografía: Xavi Giménez
Reparto: Liam Neeson, Diane Kruger, Jessica Lange, Adewale Akinnuoye-Agbaje, Alan Cumming, Danny Huston, Ian Hart, Colm Meaney, Daniela Melchior, François Arnaud

Dirección: Neil Jordan 

Luther: cae la noche

Disponible en Netflix.

Sinopsis: Atormentado por un caso sin resolver, el brillante pero caído en desgracia inspector londinense John Luther se fuga de la cárcel para intentar atrapar a un sádico asesino en serie...

Es difícil explicar lo que sucede con esta cinta. Luego de cinco temporadas exitosas -20 capítulos en total, 10 premios, 41 nominaciones, y el Globo de Oro al "mejor actor de miniseries" el 2012-, esta nueva película continúa con la historia de este particular detective interpretado por Idris Elba, sin embargo, parece que tal como su título original, “The Fallen Sun”, el sol, literalmente, se cae. Con expectativas altas, y una premisa prometedora, “Luther”, la película, deja claro que es muy diferente construir una película que una serie; son lenguajes distintos, ritmos distintos, espacios distintos, e inclusive, audiencias diferentes.

Dirigida por Jamie Payne, el filme resulta fallido desde varios aspectos. Primero, la historia se compartimenta, tal vez pensando que con ciertas complejidades de estructura, en cajas separadas, podría tener más atractivo. Segundo, el ritmo es irregular, acelera de pronto, se tranca, vuelve a apurarse; va y viene carente de relación armónica, lo que provoca un cierto desconcierto. Tercero, actuaciones planas, no creíbles, sin chispa… y es un buen elenco, pero desaprovechado.

Poquito nos deja esta secuela de “Luther”, de la que solo rescato los escenarios, la música, y una producción mucho mejor que el contexto fílmico al que remite. El resto de los elementos no pasan la prueba. No se consolida ni el misterio a resolver, ni el héroe de acción, ni menos las motivaciones principales de los unos y los otros. Lo que observamos es un popurrí variopinto -ordenado eso sí, pero con un marcado desequilibro-, que se hace tedioso, y que para terminar de verlo hay que echar mano a nuestros ahorros de paciencia y agregar una cuota de generosidad.

Ficha técnica

Título original: Luther: The Fallen Sun
Año: 2023
Duración: 129 minutos
País: Reino Unido
Compañías: BBC Film, BBC Studios, Chernin Entertainment. Distribuidora: Netflix, BBC
Género: Thriller. Drama | Secuela. Policíaco. Asesinos en serie
Guion: Neil Cross
Música: Lorne Balfe
Fotografía: Larry Smith
Reparto: Idris Elba, Cynthia Erivo, Andy Serkis, Dermot Crowley, Thomas Coombes, Hattie Morahan, Lauryn Ajufo, Vincent Regan, Ross Waiton, Dan Li

Dirección: Jamie Payne