Fractura

Un viaje por el Día de Acción de Gracias termina mal. En una parada del camino, la familia de Ray Monroe -Sam Worthington- sufre una desgracia. Mientras su esposa Joanne -Lily Rabe- busca un objeto olvidado, Peri -Lucy Capri-, su hija, pierde el equilibrio al borde de una construcción a medio terminar. Ray se lanza pero no puede sostenerla y ambos caen al vacío. Con urgencia concurren a un cercano centro asistencial para atender el brazo roto de Peri, sin embargo extraños sucesos suceden al interior del recinto.

El director Brad Anderson narra una historia que capta nuestra atención con el correr de los minutos. Pronto nos enteramos que en el hospital no hay registros de la hija ni de la esposa de Ray. También, usa serie de personajes nos merecen dudas y reparos; la cajera del lugar donde se detuvieron en la carretera, la recepcionista del servicio de salud, el médico que atiende a Peri y el auxiliar de enfermería que las conduce a un piso inferior a través de un privado ascensor para una tomografía..

El suspenso se mantiene con el correr del metraje. El guion nos tiene alerta pues si bien es cierto que el actuar de Ray es extraño, más intrigante es lo que sucede a su alrededor, sobre todo cuando la policía concurre a revisar el lugar y toma en sus manos la situación.

“Fractura” posee una historia que podemos conocer de antemano. La hemos visto en muchas formas y con múltiples variaciones. No obstante aquello, el ritmo de la cinta imprime urgencia y los giros resultan sorpresivos. Su mayor mérito es la confusión que nos genera y la variedad de hipótesis que nos hacemos en la medida que acompañamos al protagonista en su desesperación. Y por cierto debemos esperar hasta el final para despejar las dudas porque por supuesto, ninguna de nuestras posibles soluciones coincide exactamente con la resolución de la trama.

Ficha técnica 

Título original: Fractured
Año: 2019
Duración: 100 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Koji Productions / Crow Island Films / Macari/Edelstein / Paul Schiff Productions. Distribuida por Netflix
Género: Intriga | Secuestros / Desapariciones
Guion: Alan B. McElroy
Música: Anton Sanko
Fotografía: Björn Charpentier
Reparto: Sam Worthington, Lily Rabe, Stephen Tobolowsky, Adjoa Andoh, Stephanie Sy, Lucy Capri, Lauren Cochrane, Crystal Magian, Derek James Trapp, Dennis Scullard, Natalie Malaika, Will Woytowich, Erik Athavale, Megan Best, Chris Sigurdson, Ernesto Griffith, Dorothy Carroll, Chad Bruce, Mark Dann, Muriel Hogue, Jim Kirby, Lorrie Papadopoulos
Dirección: Brad Anderson

Amor. Boda. Azar

Disponible en Netflix.

Remake de la película francesa “Plan de Table”, del año 2012, “Amor. Boda. Azar” presenta dos versiones de una misma fiesta de matrimonio. Jack -Sam Claflin- es el hermano de Hayley -Eleanor Tomlinson-, la novia. A la boda concurren numerosos invitados aunque la acción se desarrolla entre unos pocos: la ex novia de Jack, Amanda -Freida Pinto- y su novio Chaz -Allan Mustafa-; Bryan -Joel Fry-, un aspirante a actor y “dama de honor”, Dina -Olivia Munn-, una joven que tiene enamorado a Jack desde un casual encuentro tres años atrás y Marc -Jack Farthing- un “no invitado” que guarda un secreto que puede arruinar el matrimonio.

Esta comedia dirigida por Dean Craig tiene dos partes bien diferenciadas. En la primera, los sucesos son lineales y la forma de enfrentarlos incorpora los mejores momentos de la cinta. Acá vemos el plan de Hayley para neutralizar a Marc con unas gotas para dormir, observamos a Jack en su reencuentro con Dina, las ridículas discusiones de Amanda con Chaz y tal vez lo más destacable, lo que le sucede a Bryan entregándole un protagonismo inesperado. En la segunda, la otra versión o lo que responde al “Repeat” del título, carece de la chispa inicial y poco a poco se diluye perdiendo frescura e interés.

La película provoca risas aunque las situaciones sean bastante comunes, y en algunos casos incluso de mal gusto. Las expectativas que genera se cumplen porque las confusiones y los enredos son finalmente los elementos con los que el guion logra su juego. El ritmo es dinámico, sobre todo en la primera hora de metraje, lo que ayuda a que la historia fluya y resulte entretenida. 

“Amor. Boda. Azar” es liviana y permite pasar un buen rato. Si nos soltamos y estamos dispuestos, vamos a reír. No esperemos mayor profundidad ni mucha emoción. Solo debemos dejar que la historia transcurra y ojalá nos dejemos sorprender. Más que mal, ver una comedia de este tipo, cuando en el mundo los temas son de la mayor importancia y las consecuencias de vida o muerte, relajarnos con una historia sencilla y con un adecuado nivel de producción puede ser un bálsamo agradable para un tiempo indudablemente complejo.

Ficha técnica 

Título original: Love. Wedding. Repeat
Año: 2020
Duración: 100 minutos
País: Reino Unido
Productora: Notorious Pictures / Tempo Productions Limited. Distribuida por Netflix
Género: Romance. Comedia | Comedia romántica. Bodas. Remake
Guion: Dean Craig, Francis Nief, Christelle Raynal
Fotografía: Hubert Taczanowski
Reparto: Sam Claflin, Olivia Munn, Freida Pinto, Eleanor Tomlinson, Aisling Bea, Joel Fry, Jack Farthing, Tim Key, Allan Mustafa, Alexander Forsyth, Stefano Patti
Dirección: Dean Craig

Mi niña

Disponible en VTR.

Jade -Thaïs Alessandrin- es la hija menor de Héloïse -Sandrine Kiberlain-. Con 18 años recién cumplidos se apronta a seguir sus estudios en Canadá. Mientras prepara su examen final del que depende su futuro, la cercana relación con su madre aumenta en estrés en la medida que se acerca el momento de su viaje. Ella es la menor sin embargo es la favorita de su madre. Héloïse no lo esconde ni menos pretende cambiarlo; Jade tiene privilegios y ventajas respecto a sus dos hermanos mayores.

La cineasta Lisa Azuelos construye una historia sobre madre-hija basada en su estrecho contacto. La madre sobreprotectora y la hija mimada se estereotipan al máximo en una narración lineal que con imágenes del pasado, intercala fragmentos que explican la vida de la familia desde el divorcio de sus padres. Y es que los recuerdos son trascendentes para Héloïse. Ella filma todo con su celular para poder recordarlo posteriormente.

El guion original escrito por la misma directora enfatiza los rasgos emocionales de las protagonistas. El seguimiento de sus acciones, de sus diferencias y por supuesto sus complicidades, pone en relieve los lazos profundos que las unen. No resulta fácil para la madre ver crecer a su hija, comprender sus sueños y desafíos, respetar su privacidad. Para la hija tampoco es sencillo asimilar el futuro desapego físico. Sin embargo, la aventura del porvenir es algo que le impulsa vitalmente.

“Mon bébé” denota sensibilidad. La cámara sigue -y persigue- reacciones, las provoca y se nutre de ellas para configurar la narración. La exageración de rasgos sigue la misma línea aunque por momentos se haga demasiado obvia, se abuse un poco e incluso genere distancia.

En sus 85 minutos me pregunto qué quiere decir la directora. Me hago una y otra vez la pregunta y no logro una respuesta que me deje tranquilo. También me asalta la duda sobre el conflicto principal. ¿Es la separación física que se va a concretar en poco tiempo o hay algo más de fondo? ¿Qué sucede con los otros dos hermanos? ¿Tienen algo más que decir al respecto o solo asumen que Jade es la favorita y ya?

Por supuesto las respuestas acuden siempre como hipótesis pues hay mucho fondo que se podría desprender de la forma en la que se aborda la historia. Sin embargo, y ya con un poco de distancia, me asoma una respuesta diferente y que me hace girar la perspectiva. “Mon bébé”, más que analizarla hay que sentirla. El relato cobra así un ángulo distinto para descubrir y apreciar.

Ficha técnica

Título original: Mon bébé
Año: 2019
Duración: 85 minutos
País: Francia
Productora: Love is in the Air / Pathe Films. Distribuida por Pathé
Género: Comedia. Drama | Comedia dramática. Familia
Guion: Lisa Azuelos
Fotografía: Antoine Sanier
Reparto: Arnaud Valois, Sandrine Kiberlain, Yvan Attal, Patrick Chesnais, Thaïs Alessandrin, Victor Belmondo, Arthur Benzaquen, Sarah Deffeyes, Marie Bouvet, Chloé Zahar
Dirección: Lisa Azuelos

Obsesión secreta

Disponible en Netflix.

Jennifer -Brenda Song- no recuerda nada. Despierta con severas heridas en un hospital. Junto a ella está Russell -Mike Vogel-. Le dice que es su marido, pero ella no lo reconoce. Ha sufrido un accidente que casi le cuesta la vida y la secuela más dolorosa es la pérdida de memoria. Por supuesto, las cosas no son como parecen y las inconsistencias se van sucediendo con rapidez. ¿Nada nuevo bajo el sol, en una historia que tiene múltiples versiones? Algo de aquello hay en “Secret Obsession”.

El director Peter Sullivan toma un guion escrito conjuntamente con Kraig Wenman y da forma a un thriller predecible. ¿Es un defecto que sea así? No necesariamente. Podemos estar de acuerdo en que la cinta no contiene ninguna novedad. También podemos concordar que la trama no es original. Incluso podríamos coincidir en que lo obvio hace perder el interés. Sin embargo, un punto se sobrepone a lo señalado precedentemente; es entretenida.

En ocasiones no necesitamos de un producto elaborado con una racionalidad que nos deje pensativos ni algo que nos remueva emocionalmente. A veces, una cinta bien desarrollada, bien ejecutada y que sigue los parámetros básicos de su género, sin prometer falsas ilusiones pero entregando el piso que le pedimos, satisface las expectativas.

“Secret Obsession” cumple ese mínimo e incluso tal vez un poquito más. El rol del detective Frank Page -Dennis Haysbert-, agrega cercanía, nos invita a ir con él para descubrir el misterio pues en otro relámpago del guion podemos dudar de lo que vemos, de lo que adivinamos y de lo predecible que es el argumento. Cierto, quedan cosas abiertas, personajes que no se terminan de componer ni comprender y otros detalles a la deriva. Yo, al menos, lo excuso, tal vez por un nivel de exigencia menor y porque el resultado son 97 minutos de un suspenso conocido que mantiene la intriga hasta el final.

Ficha técnica 

Título original: Secret Obsession
Año: 2019
Duración: 97 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Hybrid. Distribuida por Netflix
Género: Thriller | Thriller psicológico
Guion: Peter Sullivan, Kraig Wenman
Música: James Dooley
Fotografía: Eitan Almagor
Reparto: Brenda Song, Mike Vogel, Dennis Haysbert, Paul Sloan, Ashley Scott, Daniel Booko, Blair Hickey, Scott Peat, Jim Hanna, Michael Patrick McGill, Alan Pietruszewski, Ciarra Carter, Eric Etebari, Joyce Greenleaf, Kati Salowsky, Jennifer Peo, Bella Stine, Elayn J. Taylor
Dirección: Peter Sullivan

Wild Rose

Disponible en Amazon Prime.

En esta bella película de sueños y esperanzas, Rose-Lynn Harlan -Jessie Buckley-, es una joven inquieta, con una voz privilegiada, gran talento, carisma y un anhelo: triunfar como cantante de música country. En su ciudad, Glasgow, las limitaciones que tiene son frustrantes. Acaba de pasar un año en la cárcel y sus dos hijos pequeños la necesitan más que nunca. Marion -Julie Walters-, su madre, le ha ayudado en este tiempo, sin embargo requiere que Rose-Lynn acepte su realidad, se responsabilice de sí misma y principalmente de sus hijos.

Tom Harper filma con emoción cada escena de esta película. Su protagonista, Jessie Buckley, posee un caudal comunicativo que entrega vigor al metraje. Su personalidad es un volcán y su esencia llena la pantalla, incluso en los momentos más íntimos de la película. Su deseo es algo superior. El sueño de emigrar, de ir por más y de surgir se contrapone a sus deberes de madre. No vive una situación fácil, hay en ello una contradicción vital.

La cinta explora el lado más íntimo de la protagonista. Configura una realidad difícil de evadir. Rose-Lynn trabaja limpiando una casa para poder ganar un sustento mientras su ideal permanece intacto. Tanto es así que la dueña percibe el gran deseo de la joven y le ofrece ayuda. Surge el conflicto central, la opción, el camino a escoger: privilegia sus sueños o se hace cargo de sus hijos y de su realidad.

“Wild Rose” habla de esperanza y anhelos. También habla de familia y responsabilidad. ¿Dónde está la línea? ¿Son compatibles o son opuestos absolutos? El relato avanza mientras nosotros nos involucramos con Rose-Lynn. Vemos el viaje a Londres, a la BBC, como “la gran oportunidad”. Observamos su trayecto y sus acciones con preocupación y cautela. Incluso censuramos gran parte, pero seguimos con ella, compartimos su camino, alentamos su sueño.

La voz de Jessie Buckley es encantadora y percibimos por ello lo trascendente que es cantar para la protagonista. En este viaje también vemos el camino de maduración -duro, a golpes, a veces brutal- que Rose se resiste a enfrentar. Pero en este tránsito obligado, el tiempo y las circunstancias hacen su trabajo, permiten detenerse a observar las raíces y lo esencial de la vida. Descubrirlo no es sencillo para ella y su aprendizaje es tan desgarrador como la emoción de su canto, un canto que surge desde lo más profundo de su alma y que le une intrínsecamente a su familia, a su ciudad y a su vida.

Ficha técnica

Título original: Wild Rose
Año: 2018
Duración: 101 minutos
País: Reino Unido
Productora: BFI Film Fund / Creative Scotland / Fable Pictures / Film4 Productions. Distribuida por Neon
Género: Drama | Música
Guion: Nicole Taylor
Música: Jack C. Arnold
Fotografía: George Steel
Reparto: Jessie Buckley, Julie Walters, Sophie Okonedo, Jamie Sives, Ashley Shelton, James Harkness, Gemma McElhinney, Tracy Wiles, J. Thomas Bailey, Daniel Campbell, James McElvar, Janey Godley, Vanya Eadie, Jeffrey Wilkerson, Aly Bain, Marianne McIvor, Neil MacColl, Phil Cunningham, Stuart Nisbet
Dirección: Tom Harper

El silencio de la ciudad blanca

Disponible en Netflix.

Vitoria, Álava (España), corre el año 2016. Dos cadáveres aparecen desnudos en la cripta de la Catedral Vieja. ¿Un ritual? ¿Algo ya conocido? Hace 20 años fue encarcelado un asesino serial que procedía de la misma forma y que aun está en la cárcel. ¿Es entonces un seguidor o el asesino es otro?

El caso lo toma el inspector Unai López de Ayala -Javier Rey- quien con la ayuda de Estíbaliz -Aura Garrido- investigan las pistas que los nuevos crímenes van entregando. La situación es de máxima tensión. Él encerró al culpable hace dos décadas, sin embargo la secuencia de asesinatos ahora continua. Aumenta la incertidumbre. El cuerpo policial a cargo de Alba Díaz de Salvatierra -Belén Rueda- parece tener el rumbo extraviado.

Daniel Calparsoro filma un guion de Roger Danès y Alfred Pérez Fargas sobre la novela homónima de Eva García Sáenz de Urturi. El relato va de más a menos pues un comienzo trepidante va lentamente cediendo con ciertas licencias las que no logran crear un piso sólido. Pero, si la historia es interesante y atrapa en un comienzo, ¿qué genera que decaiga con el correr de los minutos? Acá me permito un adelanto como excepción. La incertidumbre de quién es el asesino se despeja pronto y es reemplazada por conocer el momento en que será descubierto, por lo que esa nueva tensión se mantiene hasta el final. Lo que decae es cierto interés en el relato y debemos averiguar por qué.

Cuando tenemos una historia de este tipo podemos mantener la incógnita como punto de interés máximo. Sin embargo, si no lo hacemos, corremos el riesgo de mover el punto de tensión y no recuperarlo. Algo de esto pasa en “El silencio de la ciudad blanca” y se acentúa pues la opción del guion es privilegiar la trama del misterio. Los personajes no son su foco de atención por lo que no logramos definirlos bien y tampoco logramos hacerlos nuestros. La poca profundidad en su caracterización -más enfocada en su acción que en su razón de ser, en sus características, en su humanidad- no genera cercanía e inconscientemente pasamos por alto detalles que tal vez nos pueden ayudar a conectarnos más con la historia. Ni siquiera las menciones a las redes sociales aportan sustancia, siendo que son actuales, cercanas y generan opinión.

La novela en la que se basa la historia es una trilogía y esta es la primera entrega. Tal vez por ello aun queda material para continuar no usando aun todo lo disponible. El potencial es indudable y quizá debamos esperar la secuela para un repunte en la narración. Calparsoro es hábil con la cámara y la fotografía de Josu Inchaustegui es precisa para un filme de estas características por lo que queda esperar una continuación ya que esta primera parte nos deja con gusto a poco. Más que mal, en ocasiones ir de menos a más es una buena opción que permite gradualidad e interés. Ojalá esta sea una de esas oportunidades.

Ficha técnica

Título original: El silencio de la ciudad blanca
Año: 2019
Duración: 110 minutos
País: España
Productora: Atresmedia Cine / Rodar y Rodar
Género: Thriller. Intriga | Asesinos en serie
Guion: Roger Danès, Alfred Pérez Fargas (Novela: Eva García Sáenz de Urturi)
Música: Fernando Velázquez
Fotografía: Josu Inchaustegui
Reparto: Belén Rueda, Javier Rey, Aura Garrido, Manolo Solo, Àlex Brendemühl, Sergio Donado, Ramón Barea, Itziar Ituño, Pedro Casablanc, Rubén Ochandiano, Richard Sahagún, Ramón Agirre, Josean Bengoetxea, Itziar Aizpuru, Joseba Apaolaza
Dirección: Daniel Calparsoro

Diecisiete

Disponible en Netflix.

Héctor -Biel Montoro- lleva un tiempo internado en un centro de menores. Confinado por su timidez y su poca sociabilidad es permanente blanco de burlas. Sus fallidos intentos de escape no han logrado cambiar un escenario que es cada día más insoportable. Pero llega un perro -forma parte de un programa integral de terapia- que provoca en él un cambio radical. Pasa a ser su sentido, su razón de ser, sin embargo, “Oveja” es adoptado. Entonces Héctor intenta fugarse una vez más y esta vez para ir a buscarlo.

“Diecisiete”, del director Daniel Sánchez Arévalo, narra la historia íntima de un joven a quien la vida solo le ha dado golpes. Está en régimen de menores pues su vida no tiene más horizonte que subsistir y los atracos son tal vez la única manera. Ismael -Nacho Sánchez-, su hermano, vive en una autocaravana. Héctor recurre a él cuando logra escapar quien, sin demasiada empatía, acepta ayudarle.

Gracias a un guion original del mismo director, “Diecisiete” explora desde un ángulo diferente la relación de dos hermanos. Ambos son muy distintos, sin embargo el lazo que los une, borroso en un principio, es mucho más fuerte de lo que imaginamos. Héctor tiene una especial preocupación por la “abuela” postrada en cama y con crecientes problemas para respirar a pesar del oxígeno que se le suministra. La aventura de encontrar a “Oveja” obliga a sacarla de la institución donde se encuentra y llevarla junto a ellos en el recorrido.

La cinta tiene un tono sencillo y profundo a la vez. El vigor de Héctor y la calma de Ismael se complementan. Dan cuenta de caras opuestas de una misma moneda que avanzan chocando la mayor de las veces sin un norte claro. Héctor tiene una mente brillante, una memoria privilegiada. La jueza de menores lo conminó a considerar en el código penal todos los delitos cometidos y él se lo aprendió completo. Pero su poca sociabilidad y falta de comunicación no le permite avanzar. Ismael, por su parte, tiene problemas con su novia. ¿Le ha dejado o ha huido? Nada es claro, a pesar de los intentos de su hermano por aclarar el asunto.

“Diecisiete” invita a recorrer un camino con ironía y humor. Una historia en la que podemos entrar si nos dejamos seducir por la personalidad de los hermanos y empatizamos con ellos. La cinta es una apertura a explorar los conflictos internos de sus personajes, su relación y su entorno. Un viaje que revela orfandad, precariedad y falta de oportunidad. También destaca valores, profundiza la hermandad y deja abierta la puerta a una rehabilitación que no necesariamente sigue los caminos formales.

Ficha técnica

Título original: Diecisiete
Año: 2019
Duración: 100 minutos
País: España
Productora: Atípica Films. Distribuida por Netflix
Género: Drama. Comedia | Road Movie. Familia. Adolescencia. Perros/Lobos
Guion: Daniel Sánchez Arévalo
Música: Julio de la Rosa
Fotografía: Sergi Vilanova
Reparto: Biel Montoro, Nacho Sánchez, Lola Cordón, Iñigo Aranburu, Itsaso Arana, Kandido Uranga, Carolina Clemente, Jorge Cabrera, Chani Martín, Mamen Duch
Dirección: Daniel Sánchez Arévalo

Modo Supervivencia

Disponible en Netflix.

Antoine -Guillaume Laurin- es un padre de familia preocupado de estar siempre alerta y preparado para las emergencias. Hay bastante de qué preocuparse; desastres naturales, calentamiento global, catástrofes, etc., y por ello, nunca está de más realizar una operación de evacuación familiar como la inquietante secuencia con la que se inicia esta película del director canadiense Patrice Laliberté.

“Jusqu'au déclin” posee una premisa clara. Observación, preparación y ante un desastre, ¡acción! Antoine no solo lo sabe sino que además lo pone en práctica. Un campamento de rigurosa preparación ofrecido por un conocido YouTuber local llamado Alain -Réal Bossé-, le seduce y decide inscribirse. Obviamente no está solo, tiene compañeros y compañeras que también buscan el preciado entrenamiento para enfrentar situaciones extremas.

El lugar está escondido en la montaña y la idea es que siga así. Son conducidos desde un lugar donde dejan sus autos tapados y donde también deben entregar sus celulares. No pueden ver el camino, solo pueden sentir su desplazamiento. Los días de entrenamiento son duros. No todos congenian, el carácter de cada uno provoca roces, sin embargo logran sortear algunas situaciones. Sin embargo, un incidente lo cambia todo y no hay vuelta atrás. Ahora más que nunca el lema de Alain se hace realidad; para vivir hay que sobrevivir.

Con pocos elementos y de la mano de una estupenda fotografía, el director nos conduce dentro de un relato que se enfoca en la forma en que actuamos en los momentos más críticos, aquellos en que nos jugamos la vida, en que una decisión es vital para continuar o caer. 

La película transcurre con ritmo frenético. Su breve duración aporta pues no hay tiempo que perder cuando nos vemos ante una condición de vulnerabilidad y de emergencia. Nos sentimos así, por momentos somos los protagonistas, buscamos una explicación, una salida, o al menos la luz al final del túnel.

Patrice Laliberté usa muy bien la cámara para provocar las sensaciones que percibimos. Combina detalles con planos generales que entregan perspectiva y la vez generan tensión. El resultado es un thriller donde los valores son arrasados por el instinto, donde la solidaridad puede pasar a segundo plano porque cada segundo cuenta para sobrevivir o morir.

Ficha técnica 

Título original: Jusqu'au déclin
Año: 2020
Duración: 83 minutos
País: Canadá
Productora: Couronne Nord. Distribuida por Netflix
Género: Thriller | Supervivencia. Naturaleza
Guion: Charles Dionne, Nicolas Krief, Patrice Laliberté
Música: Jason Sharp
Fotografía: Christophe Dalpé
Reparto: Guillaume Laurin, Marc Beaupré, Réal Bossé, Marilyn Castonguay, Guillaume Cyr, Isabelle Giroux, Marc-André Grondin, Marie-Evelyne Lessard, Juliette Maxyme Proulx
Dirección: Patrice Laliberté

La Lavandería

Disponible en Netflix.

Ellen Martin -Meryl Streep- queda viuda. Un accidente le arrebata a su marido en plenas vacaciones. Devastada por la pena, Ellen siente que lo ha perdido todo. Ni siquiera la posibilidad de una millonaria indemnización puede apagar su angustia. Sin embargo, no hay tal compensación porque el seguro de accidentes no responde. ¿Dónde está la responsabilidad? ¿A quién debe recurrir? En un enmarañado camino, Ellen descubre con pavor que todos los hilos conducen a un estudio de abogados de Ciudad de Panamá, “Mossack y Fonseca”, y decide emprender una búsqueda que desnudará absurdas mentiras y cuantiosos fraudes.

Basada en la investigación periodística del 2017 llamada "Panama Papers”, el director Steven Soderbergh elabora un relato de tono coloquial y con muchos elementos de comedia conducidos por la dupla de los abogados en cuestión. Gary Oldman y Antonio Banderas interpretan a Jürgen Mossack y a Ramón Fonseca, respectivamente, y ellos son los que llevan la historia a través de la narración de sus propias acciones.

La cinta resulta un poco dispersa. No solo vemos la historia de Ellen, también hay otras que muestran el turbio mundo de los negocios que crean estas “empresas de papel” en paraísos fiscales. No es fácil de entender la operación que la película nos muestra pero queda bastante claro que, si bien es un procedimiento legal que usa los resquicios de sistemas económicos que poseen regulaciones insuficientes, desde el punto de vista ético y moral, es una aberración. Y no solo porque permite enriquecimiento desproporcionado sino porque deja de cumplir con los mínimos estándares de protección y elude la responsabilidad cuando las cosas andan mal dejando a cientos de personas perjudicadas.

Soderbergh, siempre vivaz y desafiante, plantea un tema indignante. El abuso, el fraude y la astucia mal entendida generan nuestra molestia instantánea. Nos rebelamos ante eso y empatizamos con la protagonista que busca explicaciones y responsabilidades. No existen los datos concretos, hay falsas direcciones y los nombres están ocultos por una “pseudo” privacidad. Finalmente, nadie asume la responsabilidad y en la hora más triste son siempre perjudicados los mismos de siempre; los más débiles, los que están abajo, los que deben perder para que otros ganen.

“La Lavandería” acierta en la temática aunque queda un poco al debe en la forma. Las actuaciones de su trío central, Streep, Oldman y Banderas, seducen y dejan un gusto más que agradable. Otras tantas se pierden en el camino al igual que algunas historias que aportan solo pequeños detalles a una trama que por momentos se desgrana tanto que arriesga perder su norte. Por suerte, solo se extravía. Un golpe de timón la devuelve al centro de la historia, minutos antes que sea demasiado tarde.

Ficha técnica 

Título original: The Laundromat
Año: 2019
Duración: 95 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Grey Matter Productions / Anonymous Content / Netflix / Topic Studios. Distribuida por Netflix
Género: Intriga. Thriller. Comedia | Basado en hechos reales. Periodismo. Historias cruzadas
Guion: Scott Z. Burns (Libro: Jake Bernstein)
Fotografía: Steven Soderbergh
Reparto: Meryl Streep, Gary Oldman, Antonio Banderas, David Schwimmer, Alex Pettyfer, Will Forte, James Cromwell, Matthias Schoenaerts, Nonso Anozie, Melissa Rauch, Robert Patrick, Jeffrey Wright, Amy Pemberton, Chris Parnell
Dirección: Steven Soderbergh

The Banker

Inspirada en hechos reales, “The Banker” relata la historia de Bernard Garrett -Anthony Mackie- y Joe Morris -Samuel L. Jackson- quienes en los años 50 se transformaron en los primeros afroamericanos dueños de un Banco en Estados Unidos. Garret, proviene de Texas, de una familia pobre y segregada. Su talento matemático innato lo despliega desde muy joven. Calcula rápidamente, y atento a las circunstancias, siempre ve una oportunidad donde otras personas no alcanzan a percibir nada. Todos van y él viene de regreso.

Cuando Bernard, a mediados de los 50, se muda a California junto a su esposa y su pequeño hijo, conoce a Joe Morris. Al principio no coinciden en nada pues ambos son muy diferentes y la posibilidad de asociarse se diluye entre sus personalidades. Entonces Garret emprende su propio camino y con esfuerzo y trabajo duro logra sacar adelante un emprendimiento con la ayuda de otro inversor. A poco andar y luego de sufrir un duro revés -él no podía figurar en contratos ni como socio por su condición de afroamericano- visualiza una oportunidad que no se puede dejar pasar. Renace allí la posibilidad de alianza con Morris en vista de un buen negocio inmobiliario que emprenden con agudeza y la colaboración de Matt Steiner -Nicholas Hoult-, un joven blanco de personalidad confiable pero de escasos, o más bien nulos, conocimientos empresariales.

La cinta fluye con mucha dinámica en su primera mitad. Los emprendimientos avanzan y todo marcha viento en popa. ¿Y el conflicto? Está ausente hasta ese momento. Bernard es próspero, gana mucho dinero y los negocios florecen. Pero él tiene una deuda con su ciudad natal. Quiere ayudar a su gente y se le ocurre una forma de hacerlo; comprar un Banco que pueda ayudar a quienes más necesitan un impulso para salir adelante y emprender.

El desarrollo de la historia es muy entretenido. No tiene pausa, posee un guion inteligente y equilibrado, una hermosa fotografía, una recreación de época muy bien lograda y bastante diálogo entre los protagonistas. Hay situaciones muy risueñas que contrastan con la seriedad permanente de Garrett. Samuel L. Jackson destaca por su soltura -el contrapunto al personaje de Anthony Mackie- y aporta con la distensión precisa en los momentos más duros y complicados del relato.

“The Banker” presenta una historia de superación que reconforta. El racismo y discriminación que sufren tanto Bernard como Joe los lleva a buscar ideas creativas y desafiantes. La relación con Matt es muy cercana y además fructífera comercialmente, pero siempre hay algo con lo que se tropieza en el camino. La ambición y el poder juegan un papel importante pues no es sencillo tomar la necesaria distancia.

La inteligencia, el valor, el coraje y el sentido de la oportunidad son características de la resiliencia de Bernard Garrett, sin embargo hay una que resalta aun más. El honor y rectitud de su actuar es implacable y es ese su sello principal. Tal vez no es siempre reconocido o comprendido pero le entrega estatura ética. No puede oponerse a las injusticias con otra injusticia o con mentiras. Al contrario, su ejemplo es el que debe derribar muros y correr fronteras de lo que para esos años era impensado. ¡Y vaya que es importante y significativo! La cinta lo relata en forma amena además de recordarnos, y con ello revisitar, un momento de la historia que confiamos haber dejado atrás.

Disponible en Apple TV+

Ficha técnica

Título original: The Banker
Año: 2020
Duración: 120 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Romulus Entertainment / Iam21 Entertainment. Distribuida por Apple TV+
Género: Drama | Basado en hechos reales. Años 50. Bolsa & Negocios
Guion: Niceole R. Levy, George Nolfi, David Lewis Smith, Stan Younger (Historia: Brad Kane)
Música: H. Scott Salinas
Fotografía: Charlotte Bruus Christensen
Reparto: Samuel L. Jackson, Anthony Mackie, Nicholas Hoult, Jessie T. Usher, Nia Long, Colm Meaney, Paul Ben-Victor, Michael Harney, Gregory Alan Williams, Taylor Black, James DuMont, Rhoda Griffis, Chris Gann, Jordan Salloum, Jason Davis, David Maldonado, Jill Jane Clements, Bill Kelly, Craig Welzbacher, Alexa Whitaker, Garrett Kruithof, Gralen Bryant Banks, Crystal Coney, Jody Thompson, Mason Pike, Xen Sams, Adam Drescher, Sherry Richards, David Andrew Nash, David Alexander, Albert L. Taylor, Zach Hanner
Dirección: George Nolfi

Chicas Perdidas

Mari Gilbert -Amy Ryan- trabaja en dos turnos. En el día opera maquinaria pesada y por la tarde-noche atiende en un Restaurante. De sus tres hijas, las dos menores viven con ella y los ingresos son insuficientes. Shannan, la mayor, hace años dejó el hogar, sin embargo cada cierto tiempo les visita. Y una noche, a una cita en casa, Shannan no llega. Extraño pero dentro de lo normal, sin embargo el contacto se pierde. No atiende su celular y su novio, con quien vive, no sabe su paradero. Las alarmas se encienden, Mari la reporta como desaparecida y la policía poco y nada toma en cuenta la denuncia.

Basada en hechos reales del año 2010, esta cinta de Liz Garbus basada en la novela de Robert Kolker, pone énfasis en la discriminación que sufren algunas personas debido a lo que hacen o bien su condición. Shannan es una joven trabajadora sexual por lo que su ausencia no despierta suficiente atención en el cuerpo policial. Es vista con lejanía, con desidia, como uno de tantos otros casos. El esfuerzo de Mari, entonces, es luchar por sobreponerse a dicha adversidad y exigir mayor compromiso con su hija sobre todo después de conocer la llamada de auxilio que efectuó antes de desaparecer.

Los acontecimientos cambian cuando la policía encuentra restos humanos en una zona de Long Island, cerca de una comunidad privada donde Shannan fue vista por última vez. Corresponden a tres mujeres jóvenes, reportadas como desaparecidas en 2007, también trabajadoras sexuales. Ya no es coincidencia, habría un patrón común, pero la policía aun está lejos de poder enlazar los hechos.

Mari y sus hijas Sherre -Thomasin McKenzie- y Sarra -Oona Laurence- toman contacto con familiares de las jóvenes encontradas en torno a una vigilia que organizan en su recuerdo. Shannan sigue desaparecida y la investigación estancada. Algunos sospechosos -un residente de la comunidad y el “chofer” de la joven son interrogados pero la pesquisa no avanza. Frustración, rabia y desazón para Mari y sus hijas. Se consuma una injusticia evidente, una discriminación odiosa e inaceptable.

La película tiene una narración que siendo intensa carece de urgencia. Empatizamos con la madre, con su sentimiento de culpa, con su angustia y su fuerza para exigir justicia. También observamos a la policía más preocupada de los medios, de contener una crisis mayor, que dar respuesta al caso. Richard Dormer -Gabriel Byrne- el comisionado, quien ha tenido dificultades en el pasado, ahora tiene al frente a Mari. Poco a poco se ve entre la espada y la pared, presionado por sus superiores y por una madre que no está dispuesta a dejar de luchar por su hija.

Liz Garbus filma con pulso firme cada escena. El relato se configura lentamente y va tomando su fuerza con el correr de los minutos. La fotografía es elocuente y ayuda a tener un contexto claro de lo que sucede. La personalidad que Amy Ryan imprime a su personaje resulta vital, es el motor de la historia y nos compromete. Aun así, el ritmo del metraje es cadencioso y por momentos se siente la baja de intensidad. Aunque no pierde totalmente la tensión necesaria, es finalmente la emoción lo que conduce el relato hacia su punto culminante.

“Chicas perdidas” tiene su principal mérito en la discriminación que denuncia. Una llamada de una joven al 911 pidiendo auxilio desde la comunidad privada tarda cerca de una hora en tener oficiales en terreno. Una llamada, desde la misma comunidad, por invasión a la propiedad, menos de 10 minutos. Cuando se trata de vidas humanas, no hay discriminación posible. Esa es la mayor injusticia y la cinta se hace cargo de denunciarlo.

Ficha técnica

Título original: Lost Girls
Año: 2020
Duración: 95 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Archer Gray / Langley Park Pictures. Distribuida por Netflix
Género: Thriller. Intriga. Drama | Basado en hechos reales. Secuestros / Desapariciones. Prostitución. Crimen
Guion: Michael Werwie (Libro: Robert Kolker)
Música: Anne Nikitin
Fotografía: Igor Martinovic
Reparto: Amy Ryan, Thomasin McKenzie, Lola Kirke, Gabriel Byrne, Oona Laurence, Miriam Shor, Dean Winters, Kevin Corrigan, Austyn Johnson, Rosal Colon, Reed Birney, Jimi Stanton, Molly Brown, Matthew F. O'Connor, Haskiri Velazquez, Harvey B. Jackson, Jared Johnston, Karan Choudhary, Stan Carp, Grace Capeless, Brian Adam DeJesus, Aaron Morton, Jon Haslam, Sarah Wisser
Dirección: Liz Garbus

El Hoyo

Inquietante desde su premisa, da cuenta de una prisión no convencional en la que existe una cantidad indeterminada de niveles y solo dos reclusos por piso. Diariamente una plataforma llena de comida recorre el edificio y los de abajo comen las sobras que van dejando los que están arriba de ellos. Uno de los presos, Goreng -Iván Massagué- quiere cambiar la situación. ¿Lo conseguirá? Junto a su compañero de piso Trimagasi -Zorion Eguileor-, la enigmática Miharu -Alexandra Masangkay-, la recién llegada Imoguiri -Antonia San Juan- y el decidido Baharat -Emilio Buale-, pone a prueba su fortaleza y al mismo tiempo se juega la vida.

Esta cinta del director español Galder Gaztelu-Urrutia es tremendamente cruda. Parte señalando que “hay tres clases de personas; los de arriba, los de abajo y los que caen…” Esto ya nos da una luz de lo que viene. El guion de David Desola y Pedro Rivero sorprende por ser simple y directo. No se guarda nada y expone el material abiertamente, sin resguardos ni consideraciones.

“El Hoyo” es una pieza teatral que tiene un desarrollo cinematográfico arriesgado ya que su forma podría llevar a evadir el foco principal. El acento está puesto en la desigualdad que provoca el poder. El que está arriba lo ejerce contra quien está abajo, no es proporcional y habitualmente es despótico. Incluso, luego de intercambiar posiciones en el edificio, las diferencias se acentúan. El comportamiento llega a ser bestial, instintivo. La supervivencia está en juego y las reacciones dejan de ser racionales. Este hecho perfectamente lo podemos extrapolar a lo que hoy vivimos. Si existe la oportunidad de conseguir algunos bienes o productos de primera necesidad, se acaparan sin pensar en las necesidades de los demás. Reclamamos cuando no tenemos acceso y cuando lo tenemos ignoramos a los que están a lado, detrás o bajo nosotros.

El tono de esta cinta es alto. Las situaciones e imágenes que presenta son extremas y se debe tener un buen estómago para verlas. Corresponde a una distopía ubicada en el futuro, un thriller de ciencia ficción con Gore explícito que causa indudable conmoción. Cuando parece que superamos una, viene otra escena de mayor intensidad. Es necesario advertirlo sin entregar por ello ningún adelanto de su argumento.

Varios reconocimientos y premios ha tenido esta cinta, que es la ópera prima de su director. La idea sobre la que está basada es tremendamente interesante. Una película que con pocos elementos centrales, aunque muy sólidos, es capaz de mantener la tensión por una hora y media merece atención. Si bien la forma puede resultar chocante y difícil de digerir, bien vale la pena correr el riesgo y aventurarse. La provocación es parte de su esencia. Logra incomodar y por ello reflexionar, aunque en el camino, cada una de sus capas nos hagan sentir que estamos dentro de la misma prisión que estamos observando.

Ficha técnica

Título original: El hoyo
Año: 2019
Duración: 94 minutos
País: España
Productora: Basque Films / Mr Miyagi Films / TVE / ETB / Zentropa Spain / Eusko Jaurlaritza / ICAA / Consejería de Cultura del Gobierno Vasco / Instituto de Crédito Oficial
Género: Ciencia ficción. Thriller | Distopía. Supervivencia. Gore
Guion: David Desola, Pedro Rivero
Música: Aránzazu Calleja
Fotografía: Jon D. Domínguez
Reparto: Ivan Massagué, Zorion Eguileor, Antonia San Juan, Emilio Buale, Alexandra Masangkay, Eric Goode, Algis Arlauskas, Miriam Martín, Óscar Oliver
Dirección: Galder Gaztelu-Urrutia