Competencia Oficial

Disponible en Star +.

Un trío de actores de lujo para una cinta que no logra levantar el vuelo. ¿Experiencia fallida, exceso de realismo, carencia de lirismo? ¿Ambiciones desmedidas para una película que se transforma en una parodia de sí misma? Un poco de todo, tal vez. Vamos por parte. 

El corazón del relato aborda a un multimillonario octogenario que siente no haber dejado nada trascendente en su vida. Como ve que el destino es inexorable y se aproxima la muerte, piensa en dos obras muy distintas: un puente que lleve su nombre o financiar la realización de una película que sea recordada por siempre. Abocado a la segunda tarea, compra los derechos de una exitosa novela y encarga a la reconocidísima cineasta Lola Cuevas -Penélope Cruz-, el guion y la producción del naciente proyecto cinematográfico. 

La historia que se va a filmar requiere de peso actoral, por lo que contratan a los dos mejores actores del momento: el famoso actor de Hollywood Félix Rivero -Antonio Banderas- y el maestro y actor de teatro Iván Torres -Oscar Martínez. Ambos son dos extremos, bajo el punto que se les mire, y, bajo la conducción de Lola, deben desplegar sus mejores dotes artísticas e intentar mantener a raya sus impulsos radicales. 

“Competencia oficial” configura, entonces, una película dentro de una película, porque lo que comenzamos a observar es el proceso de lectura y ensayos que anteceden un rodaje que se avizora arduo y tenso. Es tanto la exigencia de la directora como las almas de estos dos actores, aquello que va dibujando los conflictos y las pasiones presentes -en medio de los egos de cada uno y bajo una persistente presión- y que configuran, gracias al gran talento de los protagonistas, una caricatura que apuesta por exponer, al fin y al cabo, intimidad y humanidad. 

Dirigida por Gastón Duprat y Mariano Cohn, esta coproducción Española-Argentina se queda a medio camino en un viaje que, por momentos, tiende a perder el rumbo. Ni siquiera las histriónicas y sólidas actuaciones del trío principal, donde sobresale Penélope Cruz, logran que el relato fluya y no sea solo una secuencia de sketches. Tanto estereotipo cansa, y también, por momentos, nubla el tema más interesante del guion que es la personalidad de cada uno de los actores, sus conflictos internos y externos, junto a los vértices que quieren representar en ellos. 

Si bien resulta entretenida, es difícil entrar en profundidad. Es una comedia, cierto, pero contiene crítica y análisis, con ejemplos vivos de personalidades extremas aunque extrapolables a la vida real. El asunto es que la exageración -propia del género-, puede no permitir conectar con el fondo. Entonces el esfuerzo que se requiere es mayor y no siempre estamos tan dispuestos a realizarlo. 

“Competencia oficial” se deja ver, sí, pero promete más de lo que finalmente entrega. Siempre será agradable ver a actores de esta categoría en pantalla y, por supuesto, nos sacan más de una sonrisa. Sin embargo, se advierte que el fondo no es solo eso y allí se produce la desconexión de la obra y tal vez su mayor tropiezo: una serie de situaciones tragicómicas unidas en un metraje unitario no necesariamente configura una película, pues a veces aquello se queda en solo en el intento. 

Ficha técnica 

Título original: Competencia oficial 
Año: 2021 
Duración: 114 minutos 
País: España 
Productora: Coproducción España-Argentina; Mediapro 
Género: Comedia | Cine dentro del cine 
Guion: Gastón Duprat, Mariano Cohn, Andrés Duprat 
Fotografía: Arnau Valls Colomer 
Reparto: Antonio Banderas, Penélope Cruz, Oscar Martínez, Irene Escolar, José Luis Gómez, Manolo Solo, Nagore Aranburu, Pilar Castro, Juan Grandinetti, Koldo Olabarri, Melina Matthews, Ken Appledorn, Karina Kolokolchykova, Daniel Chamorro, Stephanie Figueira, Xana del Mar 
Dirección: Gastón Duprat, Mariano Cohn

Top Gun: Maverick

Estamos ante una película bien compuesta, casi de manual, con una historia simple y predecible pero bien narrada -que por lo demás es precisamente lo que esperamos-, y que logra que no nos cansemos del formato. Podríamos decir, incluso, que está hecha un poco a la antigua y que posee un toque entre retro y moderno. ¿De qué va “Top Gun: Maverick”? 

El Capitán Pete "Maverick" Mitchell sigue volando como piloto de pruebas de la Marina de los Estados Unidos a más de 30 años de los eventos de la primera película sin ascender de grado. Al cometer una imprudencia provoca que el contralmirante Chester "Hammer" Cain -Ed Harris-, lo destine como instructor de TOPGUN en North Island, un salvavidas que es solicitado por su gran amigo, el almirante Tom "Iceman" Kazansky -Val Kilmer-, comandante de la Flota del Pacífico. 

Maverick debe entrenar a un grupo de pilotos de élite comandados por el vicealmirante Beau "Cyclone" Simpson -Jon Hamm-, y el contralmirante Solomon "Warlock" Bates -Charles Parnell- para efectuar una operación urgente: destruir una planta no autorizada de uranio enriquecido de un país extranjero. La planta se ubica en un lugar de muy difícil acceso, está protegida por misiles tierra-aire, y es custodiada por aviones de última generación que están alertas, y a corta distancia, en una base aérea fortificada. 

El Capitán Mitchell debe planear un operativo arriesgado que se debe llevar a cabo en un tiempo mínimo. Significa llevar dos pares de Super Hornets para que, en perfecta sincronía milimétrica, ataquen y destruyan la planta. La misión parece imposible. Los pilotos rechazan a su instructor y Maverick debe lidiar con una oposición férrea del teniente Jake "Hangman" Seresin -Glen Powell-, de ilimitada confianza en sí mismo, y principalmente la desconfianza del también teniente Bradley "Rooster" Bradshaw -Miles Teller-, hijo de del gran amigo de Pete, Nick "Ganso" Bradshaw, fallecido en la primera película. 

Dirigida por Joseph Kosinski, esta película se asienta sobre valores fundamentales. El apoyo, la fuerza, la confianza y la unidad son vitales a la hora de conformar un grupo que pueda llevar a cabo una delicada operación militar. Es cierto que la cinta apela al sentimentalismo también, pero lo hace con cierta base, porque plantea reencuentros al interior de la historia y también un reencuentro para nosotros, los espectadores, con la película de 1986. 

Es verdad que existe mucho individualismo en este grupo de élite. Cada uno parece ser autosuficiente y no necesitar a los demás. Son sarcásticos y desestiman a su carismático instructor. Se creen mucho más de lo que son, probablemente, y claro, la competencia es extrema, casi aplicando la ley del más fuerte. Sin embargo, surge un contrapunto al surgir la necesidad de formar equipo, de formar una comunidad; esa es, tal vez, la única manera de realmente sobrepasar los límites. ¿Lo entienden? Parece que no, porque aflora la envidia y la desconfianza, pero el impulso para superarse a sí mismos emerge al reconocer el trabajo de los demás. Eso les genera convicción, algo que se debe demostrar en la práctica, no solo con discursos o palabras. 

Tom Cruise realmente está muy bien en su rol, sólido y compenetrado, jovial, activo, presente y vibrante a sus 59 años. Parece que el tiempo no pasa por él; es algo notable. El elenco coral acompañante rinde muy bien, y los pilotos -fruto de un excelente casting, en especial el de Rooster-, le entregan a Cruise un equipo con buenas bases para trabajar las secuencias aéreas para las que todos debieron tomar clases de vuelo. Sí, porque las escenas en el aire no son efectos digitales, son reales y eso es algo que se agradece de sobremanera porque es irremplazable la sensación que aquello produce. 

En otros aspectos, la participación de Val Kilmer resulta tremendamente emotiva. Es un punto alto de la película, un homenaje y también una conexión enorme con la primera cinta y con la actual realidad del propio actor. Ed Harris y Jon Hamm en lo suyo, firmes rocas inquebrantables, y tal vez lo único con algún reparo es la historia romántica donde Penelope "Penny" Benjamin -Jennifer Connelly-, es un buen complemento para Maverick pero el reencuentro se ve un poco forzado y lamentablemente no convence del todo. 

Con un nivel de producción notable y escenas aéreas impactantes, “Top Gun: Maverick” es para disfrutar de comienzo a fin en la pantalla más grande que dispongamos, ojalá la gran Sala Max. La música de Harold Faltermeyer, Hans Zimmer y Lorne Balfe es tan épica como la cinta, y es una muestra más de la envergadura que alcanza una película que bien podría llegar a convertirse, con el correr del tiempo, en otro clásico de acción. 

Ficha técnica 

Título original: Top Gun: Maverick 
Año: 2022 
Duración: 131 minutos 
País: Estados Unidos 
Productora: Paramount Pictures, Jerry Bruckheimer Films, Skydance Productions. Distribuidora: Paramount Pictures 
Género: Acción. Drama | Ejército. Aviones. Secuela 
Guion: Ehren Kruger, Eric Singer, Christopher McQuarrie. Personajes: Jim Cash, Jack Epps Jr.. Historia: Peter Craig, Justin Marks 
Música: Harold Faltermeyer, Hans Zimmer, Lorne Balfe 
Fotografía: Claudio Miranda 
Reparto: Tom Cruise, Miles Teller, Jennifer Connelly, Jon Hamm, Glen Powell, Ed Harris, Val Kilmer, Lewis Pullman, Charles Parnell, Bashir Salahuddin, Monica Barbaro, Jay Ellis, Danny Ramirez
Dirección: Joseph Kosinski

Jurassic World: Dominion

Discúlpenme si no soy muy objetivo al escribir sobre esta película. Es que, como he mencionado en anteriores reseñas, la primera, la “original” de Steven Spielberg, la estrenada el año 1993, hace 29 años, me cautivó absolutamente. Tal vez es por aquella razón que puedo pasar por alto algunas cosas o ser permisivo con otras, porque es tan fascinante la historia de “Jurassic Park” -desde hace pocos años “Jurassic World”-, que podría escribir mucho al respecto, una tentación enorme que intentaré resistir. 

Para los que conocen la trama, esta película es la tercera entrega de la segunda trilogía que comenzó el año 2015. Sucede cuatro años después de “El reino caído”, que significó la destrucción de Isla Nublar. En el presente, los dinosaurios comparten con los humanos en todas partes del mundo, un precario equilibrio que en cualquier momento se rompe y desata el caos. 

En “Dominion”, curiosamente lo más amenazante no son los dinosaurios sino una empresa biotecnológica llamada BioSyn, que es liderada por su director ejecutivo, el Dr. Lewis Dodgson -Campbell Scott-. Emplazada en una lejana isla europea, su principal proyecto es modificar el ADN de una especia de langostas para que arrasen con cultivos de semillas que no provengan de la misma empresa. ¿El fin? Avances científicos para enriquecerse exponencialmente. 

Por otra parte, Owen Grady -Chris Pratt-, vive con Claire Dearing -Bryce Dallas Howard-, en unas montañas apartadas, y ambos cuidan a Maisie Lockwood -Isabella Sermon-, una joven que posee un ADN especial y codiciado, por lo que debe permanecer lo más oculta posible. Ellos son los personajes de las dos entregas anteriores, pero ¿cómo llegan los protagonistas originales a sumarse a la saga? El eje lo constituye el Dr. Ian Malcolm -Jeff Goldblum-. Trabaja para BioSyn y conoce de primera fuente la mutación del ADN de las langostas y las dificultades extremas que sobrevendrán. Más que mal, esa es su especialidad: la “teoría del caos”. Por ese motivo pide ayuda a su amiga, la Dra. Ellie Sattler -Laura Dern-, quien concurre a la isla luego de convencer al Dr. Alan Grant -Sam Neill-, para que la acompañe en esta arriesgada aventura. 

¿Y los dinosaurios? Bueno, BioSyn, secretamente, tiene muchísimos en la isla, ha creado nuevas especies y también ha logrado hacer mutaciones de ADN con ellos. 

¿Y cómo arriban Owen y Claire? Maisie está en peligro porque es la clave genética de las mutaciones; ha sido raptada y llevada a BioSyn para su estudio en profundidad y ambos “padres” acuden inmediatamente en su auxilio. Variados caminos, diferentes vertientes y todos juntos, nuevamente, en otra isla repleta de dinosaurios. 

Dirigida por Colin Trevorrow, “Jurassic World: Dominion” es para fanáticos y no tan fanáticos. Para los primeros, dentro de los que por cierto me cuento, nos permite enlazar con las anteriores narraciones, está llena de guiños y detalles, y nos hace disfrutar al máximo cada una de las secuencias que ofrece un guion que es casi siempre resulta inquieto. Para los menos fanáticos y para quienes se acercan un poco más desde lejos a la historia, la película ofrece una lectura fácil de comprender -no se necesita conocer las anteriores, ni siquiera el original, aunque sería deseable-, efectos especiales sorprendentes y una calidad técnica sobresaliente. 

Como siempre una mención a la música. Michael Giacchino compone una banda sonora que resulta magistral, una vez más basada en temas y motivos de la primera partitura de John Williams del año 93. El trabajo de composición es notable, y el uso de los recursos temáticos está en perfecta sintonía con los puntos de inflexión del relato. El momento en que cada tema original se presenta, la forma de mostrarlo -un par de notas, un intervalo, un acorde-, tanto en extensión como en textura, resulta emocionante. La música de la película original es un clásico, y esta banda sonora le reconoce su sitial, la homenajea, y además explora nuevas posibilidades sin dejar de lado sus sólidas bases. 

“Jurassic World: Dominion” constituye una experiencia cinematográfica, tal como sus predecesoras. Es para verla en pantalla grande, con sonido envolvente y todo aquello que permita realzar las características más arrebatadas que le exigimos a este tipo de “blockbuster”. Visualmente exuberante, entretenida, y nostálgica, diría yo, instala la duda si continuará o no la saga. Es que parece que no nos cansamos de los dinosaurios y tampoco de las aventuras entre los humanos y estas criaturas que se extinguieron hace 65 millones de años que hoy reviven gracias a la futurista biotecnología y a la magia del cine. Veremos cómo sigue, porque mientras exista imaginación, sin duda seguiremos disfrutando de esta creación del visionario Michael Crichton, a quien le debemos una historia tan creíble como improbable, pero que cada vez percibimos más cercana. 

Ficha técnica 

Título original: Jurassic World: Dominion
Año: 2022 
Duración: 146 minutos 
País: Estados Unidos 
Productora: Amblin Entertainment, Universal Pictures, Perfect World Pictures. Distribuidora: Universal Pictures 
Género: Ciencia ficción. Acción. Fantástico. Aventuras | Dinosaurios. Secuela 
Guion: Emily Carmichael, Colin Trevorrow. Historia: Derek Connolly, Colin Trevorrow. Personajes: Michael Crichton 
Música: Michael Giacchino 
Fotografía: John Schwartzman 
Reparto: Chris Pratt, Bryce Dallas Howard, Laura Dern, Jeff Goldblum, Sam Neill, Isabella Sermon, DeWanda Wise, Mamoudou Athie, Omar Sy, Campbell Scott, BD Wong, Justice Smith, Daniella Pineda
Dirección: Colin Trevorrow

Riesgo bajo cero

Disponible en Netflix. 

De las últimas películas de Liam Neeson esta es, quizá, la más flojita, aunque se salga un poco del molde típico al abordar una temática distinta a sus antecesoras. Esta vez, Neeson se transforma en Mike McCann, un rudo camionero que trabaja junto a su hermano Gurty -Marcus Thomas-, mecánico y veterano de la guerra de Irak que sufre de trastorno de estrés postraumático y afasia.  

Al ser despedidos de su trabajo, responden una solicitud que busca choferes expertos en carreteras sobre hielo. El desafío no es menor, pues debido a una explosión en una mina subterránea en Manitoba, 26 mineros han quedado atrapados y la misión consiste en transportar equipamiento pesado para poder rescatarlos. 

El líder de esta operación traslado es Jim Goldenrod -Laurence Fishburne-, un veterano conocedor de las pistas heladas que los contrata sumando a la joven Tantoo -Amber Midthunder-, para así conformar un equipo de tres camiones con similares características, cada uno independiente, para, de esa forma, prever y garantizar el éxito de la expedición. Las horas cuentan, la ventana de aire para la subsistencia de los mineros disminuye rápidamente y todo depende de la celeridad con que puedan llegar al destino. 

Escrita y dirigida por Jonathan Hensleigh, “Ice Road” expone en sus 103 minutos una carrera contra el tiempo. Asimismo, la naturaleza no es el único obstáculo que estos arriesgados transportistas deberán encontrar en el camino. Es Abril, las carreteras heladas ya están cerradas porque se están descongelando y este permiso para usarlas es extraordinario en vista de la emergencia. Sin embargo, la verdad sea dicha, podríamos decir que lo anterior es solo el marco general de las dificultades, porque los mayores problemas provienen de una vertiente que no esperamos. 

La película posee una tensión creciente. Los protagonistas salen de un problema para meterse en otro. Lo que parecía superado no es tal. Aquello que resulta fácilmente predecible se torna cierto, y solo gracias a giros argumentales casi sacados del fondo del sombrero, la película logra literalmente, mantenerse a flote y no sumergirse en un mar extenso y desaparecer completamente. 

El atractivo de esta película es ver, una vez más, a Liam Neeson en un papel menor, y cómo se encarga de demostrarnos que, a pesar de todo, sigue vigente y puede sostener en sus hombros un relato que logra, al menos, mantener el interés. Y es que Neeson es magnético, irradia impronta, incluso cuando menos gestos realiza y cuando más le reducen su abanico actoral. Se transforma en el personaje, cualquiera que sea, e imprime su sello para mantenernos pendientes. 

“Riesgo bajo cero” no resiste mucho más análisis. Es simple, casi básica me atrevería decir, pero funciona. Amplios entornos contrastan con la pequeñez expuesta en la arista más complicada del relato, que bien podría ser interesante de analizar pero sería un spoiler que, además, tampoco permitiría profundizar demasiado pues claramente no es la prioridad de esta cinta. Dejando pasar lo obvio, la película se deja ver y cumple con su función de entibiar una fría noche de streaming. 

Ficha técnica  

Título original: Ice Road 
Año: 2021 
Duración: 103 minutos 
País: Estados Unidos 
Productora: Code Entertainment, Aperture Media Partners, Envision Media Arts, ShivHans Pictures, Solution Entertainment Group. Distribuidora: Netflix 
Género: Acción. Thriller | Catástrofes. Supervivencia. Zonas frías/polares 
Guion: Jonathan Hensleigh 
Música: Max Aruj 
Fotografía: Marcus James, Tom Stern 
Reparto: Liam Neeson, Laurence Fishburne, Amber Midthunder, Holt McCallany, Matt McCoy, Martin Sensmeier, Matt Salinger, Paul Essiembre, Marcus Thomas, Lauren Cochrane, Gabriel Daniels, Bj Verot, Chad Bruce 
Dirección: Jonathan Hensleigh

Mensajes Privados

Algunas palabras del director Matías Bize entregan luces sobre esta película: “Yo no quería hablar de la pandemia propiamente tal, eso fue algo que sabía desde el inicio, pero ese miedo y esa urgencia con que todos estábamos viviendo en ese tiempo, de alguna manera sabía que se iban a traspasar a la película. Quería hablar de temas profundos, de cosas importantes, dejar algo, algún mensaje, eso pasa cuando sentimos que nuestras vidas están amenazadas y eso se traspasó a la película. Esa verdad, esa profundidad, esa realidad, que aunque no quisiéramos hablar de la pandemia, igual de alguna manera iba a estar en la pantalla”. 

Y Bize consigue lo expuesto a través de ocho testimonios, ocho relatos unipersonales, ocho actores frente a una cámara en su espacio de encierro producto del COVID-19. Bize señala que gran parte de la decisión de planos la tomaron los mismos actores. De hecho, los menciona como responsables de fotografía. También hay colaboración en la elaboración del guion en una obra que se propone abordar temas importantes, profundos, trascendentes. 

En cuanto a la realización, resulta importante la elección de las ubicaciones, porque tenemos que tomar en cuenta que es solo una cámara y un actor, un mismo plano, sin movimiento, donde el encuadre es vital y la luz fundamental. Los detalles en este espacio mínimo de movimiento, junto a las distancias y los sonidos, juegan un papel trascendente, no solo en el decorado, sino que fundamentalmente en el aporte a la narrativa propiamente tal. 

Esta cinta desafía la imaginación. Una vez más vemos el arte que significa contar una historia -en este caso varias historias-, para que podamos nosotros, espectadores, componer lo que nos están describiendo con palabras y gestos. Observamos diversos grados de profundidad en cada relato, grados importantes de dolor, de conmoción, de afectación. Y las emociones logran traspasar muchas barreras, algo que no es fácil cuando se hace través de reflexiones, y con mínimas herramientas y muy pocos detalles. 

Indudablemente vemos diferentes niveles de logro en los relatos, diferentes niveles de empatía respecto a cada una de las temáticas expuestas, sin embargo existe una unidad, un hilo delgado, casi invisible, que une todo y que entrega cuerpo a un metraje que perfectamente podría resultar inconexo. La edición y el montaje juegan un rol central: cómo se decide intercalar las historias, el tiempo que se dedica a cada segmento, el orden de presentación; son tantas las variables que costaría bastante enumerarlas. 

Al principio no sabemos dónde va esta película, y tampoco sabemos cómo llega. Casi mágicamente, con el correr de los minutos, se va armando, se va construyendo, va tomando forma, sin que nos demos cuenta. Porque ya estamos sumergidos en cada historia, ya conectamos, logramos sintonía, auscultamos, apreciamos, juzgamos, somos duros y complacientes, tomamos partido y nos afectamos. En síntesis, reflexionamos, sentimos, vivimos. 

“Mensajes Privados” tiene el sello de Matías Bize. Me gusta su cine, me gusta que nos desafíe y nos cuestione, que sea incluso incómodo, como una provocación quizá, que confeccione un trabajo que no nos deje por ningún motivo indiferentes. La cinta consigue su objetivo, aunque debo reconocer que deben pasar algunas horas y tal vez días para ir fijando conceptos y analizando profundamente la experiencia. También pienso que podría ser un experimento, algo que nace de la necesidad de expresión y que se transforma con el tiempo en vigor artístico. Tal vez un hay un poco de todo esto o tal vez nada. Más que mal, esta es solo la reflexión de un espectador acerca de la propuesta de un artista. ¡Y vaya que es un artista Matías Bize! 

Ficha técnica 

Título original: Mensajes privados 
Año: 2022 
Duración: 77 minutos 
País: Chile 
Productora: Ceneca Producciones 
Género: Drama | Coronavirus (COVID-19) 
Guion: Matías Bize, Nicolás Poblete, Néstor Cantillana, Vicenta Ndongo, Verónica Intile, (Me llamo) Sebastián 
Fotografía: Blanca Lewin, Nicolás Poblete, Antonia Zegers, Néstor Cantillana 
Reparto: Blanca Lewin, Nicolás Poblete, Antonia Zegers, Néstor Cantillana, Vicenta Ndongo, Àlex Brendemühl, Verónica Intile, (Me llamo) Sebastián 
Dirección: Matías Bize

El Peso del Talento

Esta película resulta ser una divertida parodia no solo de Nicolas Cage, sino también de la industria del cine. Autoreferente, irreverente y mordaz, esta sátira se mueve entre la autocomplacencia y la crítica, y despliega, con clásicas herramientas de comedia, una mezcla explosiva de aparente realidad y vanidad. 

La historia es tan simple como su enunciado. Nicolas Cage, quien se interpreta a sí mismo como un actor que tiene una carrera en franca decadencia, recibe una curiosa oferta de Javi Gutiérrez -Pedro Pascal-, un multimillonario fan que le ofrece un millón de dólares por ser el principal invitado a su cumpleaños. Como no tiene dinero, las deudas lo agobian, y no hay nuevos proyectos, la única opción que se ve posible es aceptar. 

Por supuesto, las aventuras comienzan desde el día uno, con chascarros, equivocaciones, y una serie de situaciones ridículas y graciosas. El director Tom Gormican maneja bien la escena y saca partido a sus dos estrellas protagonistas, quienes muestran gran complemento y química al desarrollar sus roles. La mayoría de los gags ya los vimos en el trailer por lo que no representan mucha novedad y en realidad los esperamos. Su aporte radica, más que nada, en el contexto bajo el cual se produce cada uno de ellos. 

La cinta es, en cierto grado, predecible, y la verdad, eso no importa mucho. Sabemos que Cage será reclutado por la CIA, que hay un secuestro de por medio, que se sospecha que la fortuna de Javi es producto del tráfico de armas y varios más etcéteras. Sin embargo, lo que emerge como más interesante es lo referente a la película dentro de la película. Eso le da otro vigor al filme, no lo deja encerrado entre cuatro paredes y le permite explorar nuevas ventanas agregando múltiples menciones cinéfilas, en especial las referencias a las películas de Cage y unas cuantas más. 

Siempre en estilo sencillo, fresco, y sin perder interés, “The Unbearable Weight of Massive Talent” fluye sin tropiezos, no se hace larga pese a sus 105 minutos y deja una agradable sensación. Es pura entretención, es cierto, pero si nos ponemos un poquito más finos, esconde varias cosas ácidas debajo esas aparentemente frágiles capas de comedia con las que glamorosamente se cubre de comienzo a fin. 

Ficha técnica 

Título original: The Unbearable Weight of Massive Talent
Año: 2022 
Duración: 105 minutos 
País: Estados Unidos Estados UnidosProductora: Lionsgate, Saturn Films. Distribuidora: Lionsgate 
Género: Acción. Comedia | Comedia negra 
Guion: Kevin Etten, Tom Gormican 
Música: Mark Isham 
Fotografía: Nigel Bluck 
Reparto: Nicolas Cage, Pedro Pascal, Tiffany Haddish, Neil Patrick Harris, Demi Moore, Sharon Horgan, Jacob Scipio, Alessandra Mastronardi, Paco León, Nick Wittman, Caroline Boulton, Christine Grace Szarko, Ricard Balada 
Dirección: Tom Gormican

El Pa(de)ciente

Sergio Graf -Héctor Noguera-, reconocido oftalmólogo y experto en bioética, lleva una vida bastante normal a sus 74 años. Hace clases, atiende su consulta y también es requerido por programas de televisión para dar su opinión respecto a temas como la eutanasia. Una vida activa que se ve interrumpida de golpe por signos poco auspiciosos: una caída doméstica y el uso en exceso de medicamentos para disminuir el dolor, requiere hospitalización urgente y aquello deja al descubierto una inquietante y creciente debilidad muscular. 

El calvario se agudiza con el diagnóstico. Padece el síndrome de Guillain-Barré, un grave problema de salud que ocurre cuando el sistema de defensa del cuerpo ataca -por error- parte del sistema nervioso periférico. La inflamación de los nervios puede, incluso, provocar una parálisis progresiva, es decir, un deterioro físico que podría tornarse irreversible. Al interior del centro hospitalario, el doctor Graf comienza un tratamiento experimental -carísimo-, tiempo en el que vive en carne propia la otra cara de la moneda: pasa de doctor a paciente, un cambio sustantivo que no solo modifica el eje de su vida sino que le obliga a reflexionar profundamente sobre su condición actual, la atención médica que recibe, su vida personal y profesional, y principalmente acerca de sus vínculos afectivos y su familia. 

Esta película, escrita y dirigida por Constanza Fernández Bertrand y basada en el libro del mismo nombre escrito por el Doctor Miguel Kottow donde relata su propia experiencia, resulta cruda, incómoda y tal vez por ello muy realista. “El Pa(de)ciente” pareciera ser muy fiel al texto original por lo que conocemos a través de notas de prensa y entrevistas realizadas al propio autor. Es una lograda ventana al inframundo hospitalario, en este caso el de una clínica privada, que permite observar situaciones que tal vez hemos experimentado, en mayor o menor medida, o que hemos conocido por relatos de parientes o amigos, o bien a través de los medios de comunicación. 

Héctor Noguera está espléndido en su papel. Transmite la angustia, el dolor, la frustración, la impotencia, la pérdida de dignidad y la falta de autonomía que le provoca la enfermedad, es decir, la pérdida de su vida tal como la conocía hasta ese momento. También configura magistralmente la personalidad del médico quien, a pesar de todo lo que sufre, poco varía en sus actitudes y convicciones. Al ser un experto reconocido, se sitúa a sí mismo casi como un semidiós, distante de sus pacientes y al menos un peldaño arriba de todas las demás personas. “La empatía es enemiga de la eficiencia, al menos en Medicina”, dice Graf a un paciente al iniciar la cinta, frase que queda resonando cuando, en el transcurso del metraje, aparecen otros textos que dejan entrever una transición, o bien un cambio obligado. “Mi cuerpo y yo nunca fuimos buenos compañeros” o “tengo miedo de no poder vivir la vida de antes”, denotan una visión diferente aunque la esencia se mantenga inexpugnable. 

La película suma gran cantidad de personajes secundarios con diferentes niveles de logro. Está su esposa, sus hijos, sus nietos, y varias historias se desprenden de ellos. Corresponden a variadas vertientes que se vislumbran pero no se profundizan, donde quizá la que se observa más relevante es la que representa Amparo Noguera como Milena, la hija que asume las responsabilidades más visibles en el cuidado de su padre. 

El relato resulta interesante. Como sabemos el final, es relevante contar bien la historia y Fernández lo consigue con un guion ágil, de buen ritmo y que, además, entretiene. Las cadencias del metraje están bien compuestas y agrega bastante humor negro para hacernos reír pese a la desgracia que observamos. La cámara, por momentos es intrusa, con efectos para dar cuenta de la visión desde la perspectiva del protagonista, con desenfoques y nebulosas, junto a varios pasajes con tomas nerviosas. A lo anterior se suma una banda sonora muy interesante compuesta por la cellista Ángela Acuña, que contribuye a generar ambientes y retrata diversos estados de ánimo de los protagonistas. 

Sergio Graf parece no tener pudor. Es transparente, literalmente un libro abierto al narrar sus penurias. No obstante, el conflicto mayor está en sus emociones, en esas barreras relacionales que no se encuentran superadas. Hay mucho camino recorrido y ciertamente mucho por recorrer. La experiencia le resulta vital, la reflexión fundamental y las decisiones imperiosas. Su necesidad de conexión con su entrono cercano aumenta luego de conocer esta otra realidad, esa cara diferente, muchas veces ignorada o dejada en un segundo plano de importancia. Después de ver la película dan ganas de escudriñar en el libro, y por supuesto conocer un poco más a este padeciente. Más que mal, si esto le sucede a un médico, ¿qué nos espera a nosotros? 

Ficha técnica 

Título original: El pa(de)ciente 
Año: 2021 
Duración: 108 minutos 
País: Chile 
Productora: Celosa Productions, Niña Niño Films 
Género: Drama 
Guion: Constanza Fernández 
Música: Ángela Acuña 
Fotografía: Cristián Petit-Laurent 
Reparto: Héctor Noguera, Amparo Noguera, Naldy Hernandez, Daniel Muñoz, Paola Giannini, Gabriela Aguilera, Romano Kottow 
Dirección: Constanza Fernández Bertrand

Doctor Strange en el Multiverso de la Locura

El vertiginoso comienzo de esta película, la número 28 del MCU, sirve de prefacio para lo que vendrá a continuación: acción desbordada, imaginación infinita y una inmersión en tantas realidades como escenarios podamos visualizar y comprender. Vamos entonces por parte. 

Stephen Strange -Benedict Cumberbatch-, despierta descolocado. En un día especial, pareciera que todo cobra sentido cuando debe rescatar a una joven, América Chávez -Xochitl Gomez-, de los tentáculos de un pulpo demoníaco que la persigue incansablemente. No es adelanto ni spoiler señalar que estamos ante la incursión más osada del concepto del multiverso, esos múltiples escenarios que se cruzan, entrelazan y conectan a través de portales que las artes místicas permiten abrir con gran sentido de oportunidad y enteramente a discreción. 

La constatación que hace Stephen es científica. Esto no solo es una alerta, sino que, además, es algo que entrega numerosas pistas que le permitirían unir cabos sueltos que necesitan imperiosamente explicación. Strange recurre a Wanda Maximoff -Elizabeth Olsen-, en busca de ayuda, sin embargo lo que descubre le deja aun más intrigado. Algo está sucediendo en los universos paralelos. Wanda ha cambiado luego de los eventos de Westview. Ahora, la antigua vengadora tiene como principal motivación reunirse con sus niños Billy y Tommy. 

Así las cosas, los escenarios se multiplican. Estamos en la Tierra-616 y también en la Tierra-838. El paso entre ambas lo permite accidentalmente América. Un viejo amigo es ahora un poderoso enemigo. También encontramos en esta otra realidad a la ex pareja de Strange, Christine Palmer, una científica que trabaja para un especial grupo de líderes. Las opciones parecen infinitas y el camino de salida es tan delgado como peligroso. Definitivamente, Doctor Strange se ve enfrentado a su mayor desafío, tanto físico como intelectual, un multiverso que, literalmente, volvería loco a cualquiera. 

El personaje de Stephen Strange comienza, paso a paso, a ganar en importancia. Esta vez, su segunda película nos sumerge -y nos marea también- en una nutrida multidimensionalidad. Y la locura que genera no es solo visual, sino también conceptual, al sumar muchísimos -tal vez demasiados- elementos; agrega vértigo, idas y vueltas, giros y cambios que confunden y nos descolocan. Abstracta en su concepción de la realidad, la película es lineal en la narración de la historia. La complejidad que contienen las distintas realidades presentadas opera como contrapunto a la claridad de una construcción limpia y sencilla. 

Todo aquello que es característico de Marvel es espléndido en este trabajo dirigido por Sam Raimi: efectos especiales, edición, coreografías, escenarios, fotografía, banda sonora, locaciones, etc. La composición global configura un gran espectáculo audiovisual que realmente se goza en la pantalla grande. Benedict Cumberbatch se nota cada vez más empodeado en su rol, se le ve cómodo, convencido y realmente a sus anchas. Dr. Strange es como su traje a la medida, o también podríamos decir que es un actor a la medida de su personaje. Asimismo, el rol antagónico de la Bruja Escarlata resulta interesante, con Elizabeth Olsen expresando tanto sus conflictos internos como sus exuberantes dimensiones externas. Y realmente es curioso el cómo ambos llegan a juntarse en este filme, por sus historias, personalidades, y sobre todo tomando en cuenta las motivaciones que cada uno tiene. Asiste tambiñen a la cita el Hechicero Supremo Wong -Benedict Wong-, y Karl Mordo -Chiwetel Ejiofor-, un aliado y un enemigo de Strange, respectivamente. 

El concepto de Universos paralelos no es nuevo, pero la idea de los sueños agrega agrega algo diferente. América salta entre universos, pero ¿qué busca?, ¿por qué no lo puede controlar? ¿Qué tiene que ver Strange en esto? ¿Cuál es el papel de Wanda en la ecuación? Son preguntas que se desarrollan a través de múltiples versiones en un relato que lleva los portales a su máxima expresión. 

El guion escrito por Michael Waldron, basado en el Cómic creado por Steve Ditko y Stan Lee es entretenido y se pasa volando. Funciona bien, aunque la entrega previa y la ultima aventura de Spider-Man generaron expectativas que tal vez no hayan llegado a cumplirse del todo. Por supuesto, no se vayan antes de que termine la función porque hay dos escenas post créditos. La primera, como ya es costumbre, es un anuncio de lo que viene agregando algo importante respecto al protagonista. La segunda, aunque de tono menor, es un caramelito para salir de la sala con un saborcito dulce. Y por supuesto, Dr. Strange regresará… 

Ficha técnica 

Título original: Doctor Strange in the Multiverse of Madness 
Año: 2022 
Duración: 126 minutos 
País: Estados Unidos 
Productora: Marvel Studios. Distribuidora: Walt Disney Pictures 
Género: Fantástico. Acción. Terror | Cómic. MCU. Brujería. Superhéroes. Marvel Comics. Secuela 
Guion: Michael Waldron. Cómic: Steve Ditko, Stan Lee 
Música: Danny Elfman 
Fotografía: John Mathieson 
Reparto: Benedict Cumberbatch, Elizabeth Olsen, Xochitl Gomez, Chiwetel Ejiofor, Rachel McAdams, Benedict Wong, Michael Stuhlbarg, Sheila Atim, Adam Hugill, Ako Mitchell, Momo Yeung, Daniel Swain, Topo Wresniwiro 
Dirección: Sam Raimi

La Ciudad Perdida

Loretta Sage -Sandra Bullock-, quien ha escrito numerosas novelas románticas y de aventuras con un gran éxito de ventas, pasa por un momento de depresión y falta de creatividad. Está comprometida con un nuevo volumen pero simplemente no puede comenzar, sin embargo se sobrepone y las arregla para dar vida a una nueva historia, siempre basada en Dash McMahon, un héroe ficticio que siempre colabora socorriendo a la protagonista de la saga, la Dra. Angela Lovemore. 

Terminado el libro viene la promoción, que es ya es algo clásico. La portada de sus obras las ilustra un conocido modelo llamado Alan Caprison -Channing Tatum-, con quien Loretta inicia una gira de difusión sin siquiera imagina lo que vendrá a continuación. Abigail Fairfax -Daniel Radcliffe-, un multimillonario trastornado, está convencido de que Loretta ha tenido en cuenta investigaciones históricas reales para escribir sus libros y que en este último, incluso, ha logrado descubrir la ubicación de una ciudad perdida en el medio del Atlántico donde se encontraría la "Corona de Fuego", un tesoro mágico de un valor incalculable. 

Fairfax intenta convencer a Loretta para que le ayude en la búsqueda del hallazgo, sin embargo ella se niega. Entonces no ve nada mejor que secuestrarla y llevarla por la fuerza a la Isla. Alan se da cuenta que la desaparición repentina de Loretta no pinta bien y sale tras ella, no sin antes pedir la colaboración del experto Jack Trainer -Brad Pitt, un hombre de acción, curtido y con múltiples batallas a cuestas. ¿Qué deberán hacer y cuáles peripecias deberán sortear para rescatar a la protagonista y neutralizar a Fairfax? 

Esta película dirigida por Aaron Nee y Adam Nee, tiene todos los componentes que uno espera de una cinta de esta naturaleza: es liviana, simpática, entretenida y en ese sentido no decepciona para nada. Es cierto que se tiende a alargar un poco en su sección intermedia y que no genera demasiado impacto, pero funciona. Con trazos gruesos de comedia romántica y sin ser demasiado original, esta apuesta consigue ser una amable reposición del género que representa. 

Sandra Bullock luce oficio y carisma, su presencia en pantalla es siempre atractiva y se siente cómoda en un rol que le queda muy bien. Channing Tatum, por su parte, complementa la acción perfectamente, con buena química y una actuación que aporta con las distensiones al relato. Quien sobresale, pese a sus pocos minutos de aparición, es Brad Pitt; realmente se luce y saca a relucir todo su talento en un pequeño rol que, por momentos, amenaza con robarse la historia. Daniel Radcliffe, a su vez, se sale del molde típico en la personificación del exhorbitante millonario. Es cierto que no le entrega un gran peso, pero al menos posee lo suficiente para satirizar al personaje y darle aire de continuidad. 

“The Lost City” pasa rápido. No pretende ser más de lo que es y cumple su objetivo. Repone en la pantalla grande un género que parecía relegado solo al streaming, y aporta con buenas tomas aéreas, paisajes y naturaleza exuberante a una historia sencilla, de grácil consumo y que nos saca por dos horas de nuestra propia realidad. 

Ficha técnica 

Título original: The Lost City 
Año: 2022 
Duración: 120 minutos 
País: Estados Unidos 
Productora: 3dot productions, Exhibit A, Fortis Films Production. Distribuidora: Paramount Pictures 
Género: Aventuras. Comedia. Acción | Comedia romántica 
Guion: Dana Fox, Oren Uziel, Adam Nee, Aaron Nee. Historia: Seth Gordon 
Música: Pinar Toprak 
Fotografía: Jonathan Sela 
Reparto: Sandra Bullock, Channing Tatum, Daniel Radcliffe, Brad Pitt, Oscar Nuñez, Da'Vine Joy Randolph, Patti Harrison, Raymond Lee, Bowen Yang, Joan Pringle, Héctor Aníbal, Sli Lewis, Adam Nee, Omar Patin, Marcy Jarreau 
Dirección: Aaron Nee, Adam Nee

Muerte en el Nilo

Disponible en Star +.

Con caracterizaciones estereotipadas y una lograda ambientación de época, “Muerte en el Nilo” nos presenta una historia donde todos sus personajes pueden ser tanto víctimas como victimarios. El punto de inflexión de la cinta tarda en llegar. El terreno se prepara a fuego lento para saber primero quién va a morir y luego para investigar quién es culpable. Aunque el desenlace puede resultar abrupto, la película logra atar sus cabos y concluye con una suerte de alivio. ¡Ah… obvio, por supuesto! 

Basada en la novela de 1937 del mismo nombre de Agatha Christie, dirigida y protagonizada por Kenneth Branagh, esta cinta se toma su tiempo para elaborar su desarrollo. Es más importante contener el misterio central que su conclusión. En ese sentido, se siente algo rápida la transición final en comparación con el tratamiento parsimonioso de su primera hora, donde quizás abusa un poco del preámbulo que da cuenta del contexto de la acción. 

La trama es sencilla aunque parezca a primera vista algo enredada o complicada. Hercule Poirot -Kenneth Branagh-, famoso detective del que ya conocemos su habilidad investigativa, se encuentra pasando unos días en Egipto. Su gran amigo y compañero Bouc -Tom Bateman-, le invita a la celebración de la boda de una pareja que los tiene a todos encandilados. Se trata de Linnet -Gal Gadot- y Simon -Armie Hammer-, dos jóvenes que luego de su matrimonio se embarcan en su luna de miel por el Nilo invitando a varias personas. Vemos entre ellas a Poirot, por supuesto, también a un ex novio de Linnet, y a "Jackie" de Bellefort -Emma Mackey-, una ex amiga de Linnet quien además semanas antes de la boda ha sido despechada por Simon. Con este escenario, ya observamos entre varios de los invitados al tour algunos puntos de conflicto, viejas rencillas, y rencores; todos tienen motivos suficientes para ser sindicados como autores del crimen. 

Con mucha cámara aérea y también rotativas en círculos, las vueltas y vueltas de la acción retratada termina cansando. Además, una difusa investigación y una tenue configuraciones de algunos de los personajes, hace que la tensión se apacigüe en vez de aumentar con el correr de los minutos. 

“Muerte en el Nilo” entretiene, sí, pero carece de ese toque particular de las intrigantes novelas de Agatha Christie. Puede ser producto del lenguaje, o bien de la construcción del relato, porque naturalmente estamos ante una versión adaptada del libro, un desafío mayor para representarlo en pantalla. 

Gran elenco y un muy buen director para una cinta que lamentablemente no logra despegar todo lo que quisiéramos aunque tiene material para hacerlo. Como se anuncia una nueva entrega, es de esperar que se agudice la precisión y así se afirmen las aventuras en pantalla grande del carismático investigador Hercule Poirot. 

Ficha técnica 

Título original: Death on the Nile 
Año: 2022 
Duración: 127 minutos 
País: Estados Unidos 
Productora: The Estate of Agatha Christie, 20th Century Studios. Distribuidora: 20th Century Studios 
Género: Intriga. Thriller | Crimen. Años 30 
Guion: Michael Green. Novela: Agatha Christie 
Música: Patrick Doyle 
Fotografía: Haris Zambarloukos 
Reparto: Kenneth Branagh, Gal Gadot, Letitia Wright, Armie Hammer, Annette Bening, Ali Fazal, Sophie Okonedo, Tom Bateman, Emma Mackey, Dawn French, Rose Leslie, Jennifer Saunders, Russell Brand, Nikkita Chadha 
Dirección: Kenneth Branagh

130 Hermanos

Melba (65) y Víctor (70) viven en Costa Rica, son un matrimonio que se ha dedicado a acoger niñas y niños vulnerables. La historia de esta especial familia constituye un ejemplo de generosidad y amor para quienes ellos denominan “hijos del corazón”. Este impulso vital les ha llevado a integrar a su hogar a más de 130 pequeños a lo largo de varias generaciones, toda una proeza, sin duda, y que por supuesto no ha estado exenta de dificultades. 

Dirigido por Ainara Aparici, este trabajo documental de una hora y veinte minutos de duración, aborda varios frentes de una realidad que resulta dolorosa y desoladora. Se trata de las indescriptibles dificultades que enfrentan niños desprotegidos, sin hogar, que no han sido adoptados porque o ya son muy grandes o poseen demasiadas carencias, viven en condiciones extremas y necesitan tanto de los bienes materiales como del indispensable cariño de una figura materna y paterna. Esto último es un rol que quizás ninguna institución puede dar, ni un hogar de acogida, ni menos una repartición estatal. 

La centralidad de la acción de Melba y Víctor es el amor; ¡es la caridad hecha carne! Son una pareja que se moviliza a través de un servicio y entrega incondicional. Cuesta mucho ponerse en sus zapatos. En el “cómo” de la sustentabilidad económica de lo que hacen o en la manera de guiar un hogar tan grande, con tantos niños y niñas diferentes, estos “hijos del corazón”, que bien podríamos llamar también “hermanos del corazón”. 

La idea de la realización corresponde a la directora Ainara Aparici, quien con Susana Qui, confecciona el guion de esta cinta luego de un extenso viaje por Latinoamérica buscando historias para retratar, y cuyo resultado, en palabras de la propia realizadora, corresponde a una “feel good movie, es decir, una película inspiradora y luminosa, que nos muestra que podemos hacer grandes cosas desde nuestro metro cuadrado”. 

Si bien el relato se hace por momentos confuso, la cámara se interna en lo cotidiano, con testimonios, acciones y el relato de un día a día repleto de desafíos, vivencias, problemas y una dinámica muy propia que indudablemente llama poderosamente la atención. 

Resulta muy difícil dar cuenta de todos los detalles de esta historia en tan corto tiempo y es por ello que las decisiones editoriales tal vez no contribuyan a responder todas las preguntas que surgen de su observación. Me refiero a decisiones respecto a la construcción de la pieza, el orden de los segmentos, la duración de las entrevistas; es decir, a la manera de componer el trabajo para una mejor lectura y comprensión. 

Obviando estos reparos, es una historia que merece ser contada, no solo para conocer su origen y visualizar su desarrollo en el tiempo, sino que, además, para promover y sensibilizar que podemos -y debemos- hacer mucho más al respecto. Esperar que otros lo hagan es muy cómodo, y esperar que sea el Estado el que entregue las soluciones, tal vez iluso. Ejemplos de este tipo son los que nos sacan del letargo y nos obligan a tomar conciencia sobre temáticas que muchas veces solo observamos a lo lejos. 

“130 Hermanos” consigue visibilizar el tema, y si logra entusiasmar y movilizar, constituye un aporte mayor para tomar conciencia de una realidad de naturaleza urgente. No solo se trata de difusión. Se trata, también, de comprensión y generosidad, de que debemos colaborar y aportar desde diferentes ámbitos y áreas pues todos somos responsables de la vida en sociedad. Iniciativas como esta ayudan, y mucho, principalmente para dar cuenta que “obras son amores, y no buenas razones”. 

Ficha técnica 

Productoras: Mimbre Films, Fundación Kumelén, Atómica 
País de producción: Chile 
Dirección: Ainara Aparici 
Producción: Daniela Camino, Ainara Aparici 
Guión: Ainara Aparici, Susana Qui

Aguas Profundas

Disponible en Amazon Prime Video.

Vic -Ben Affleck-, y Melinda -Ana de Armas-, viven en el pequeño pueblo de Little Wesley, Louisiana, con su pequeña hija Trixie. La pareja tiene un matrimonio atípico que se financia gracias a la fortuna generada por Vic -ingeniero de robótica retirado-, como inventor de chips que guían drones de combate. Melinda, muy libremente, se permite tener amantes esporádicos con el compromiso de no abandonar a su familia, un tema medianamente regulado por un acuerdo extramarital que tiene como objetivo principal evitar el divorcio de la pareja. 

La aparente tranquilidad de esta familia se ve interrumpida por la inexplicable desaparición de uno de los amantes de Melinda, situación que está en boca de todo el pueblo y que sindica a Vic como principal sospechoso. ¿Cuál será el devenir de esta pareja? ¿Es Vic el responsable o solo son rumores mal intencionados? 

Esta cinta, dirigida por Adrian Lyne y basada en la novela de Patricia Highsmith, es poco comprensible en sus inicios. Pasan 30 minutos y estamos prácticamente donde mismo, sin avances ni retrocesos, un poco perdidos incluso, observando una larga exposición con la dinámica de los Van Allen. 

La situación cambia en el desarrollo central. Acá observamos lo que realmente sucede en la práctica, y lo que es evidente se torna cierto, es decir, se entregan certezas al espectador mientras los protagonistas siguen deambulando sin rumbo preciso. 

Las caracterizaciones no dejan de ser complicadas y quizás es ese el mayor mérito de la película. Ben Affleck se muestra particularmente serio, contenido, pero logra demostrar algunos arranques viscerales. Ana de Armas, por su parte, da vida a una mujer arrebatada, mimada y liberal. Ambos son extremos, chocan constantemente, incluso se rechazan, pero hay un lazo invisible que los mantiene unidos a pesar de las muchas diferencias y adversidades.  

La trama se urde desde la inconsistencia. Al parecer hay acuerdos tácitos, más implícitos que explícitos; el tema de fondo es si estos se respetan o se incumplen. Por eso se genera la tensión y la intriga logra crecer; porque finalmente estamos ante una historia oscura de celos que se aproxima rápidamente a un punto de llegada que es desconocido y que marcará una resolución no definitiva. 

“Deep Water” promete más de lo que es. Funciona, eso sí, porque descoloca al salir de los moldes típicos pese a tener un guion tan lineal como predecible. Dan ganas de conocer la novela, ciertamente. porque a la luz de los hechos presentados en la cinta debe resultar incluso más interesante, probablemente con descripciones más amplias y una configuración de personalidades que bien se dejan entrever en la película. No se trata de una gran película sin embargo no está nada mal para una tarde de domingo sin apuros. 

Ficha técnica 

Título original: Deep Water 
Año: 2022 
Duración: 115 minutos 
País: Estados Unidos 
Género: Thriller. Intriga. Drama | Celos 
Grupos: Adaptaciones de Patricia Highsmith 
Guion: Zach Helm, Sam Levinson. Novela: Patricia Highsmith 
Música: Marco Beltrami 
Fotografía: Eigil Bryld 
Reparto: Ben Affleck, Ana de Armas, Kristen Connolly, Tracy Letts, Jacob Elordi, Rachel Blanchard, Dash Mihok, Lil Rel Howery, Finn Wittrock, Jade Fernandez, Michael Scialabba, Devyn A. Tyler, Brendan Miller
Productora: 20th Century Fox, Regency Enterprises, Film 360, Film Rites, Amazon Studios, Entertainment One. Distribuidora: Hulu, Amazon Prime Video 
Dirección: Adrian Lyne