Cha Cha Real Smooth

Disponible en Apple TV+.

Andrew -Cooper Raiff-, regresa a su casa luego de haber terminado la Universidad. A sus 22 años aun no tiene claro qué hacer en su vida. Mientras su novia Maya está en Barcelona, él solo consigue animar las fiestas del Bar Mitzvah, invitado por su hermano menor David. Su objetivo, por el momento, es reunir dinero y viajar a verla, sin embargo esos planes se trastocan cuando conoce a Domino -Dakota Johnson-, y a su hija Lola -Vanessa Burghardt-, quien sufre un pequeño trastorno autista. 

Si algo caracteriza a Andrew, y desde pequeño, es su honesta tenacidad. Atraído por Domino, no tarda en declarársele. Sin embargo, ella está comprometida con Joseph -Raúl Castillo-, quien, por razones de trabajo, pasa mucho tiempo en Chicago. Una serie de eventos significativos van modelando el futuro de los protagonistas. ¿Qué irá pasando con cada uno de ellos? 

Escrita, dirigida y actuada por Cooper Raiff, “Cha Cha Real Smooth” habla sobre idealismo y madurez. También aborda los diferentes caminos en búsqueda del sentido de la vida, algo ante lo que Andrew tiende a perderse inexorablemente debido, tal vez, a su personalidad, o a su forma de ver el mundo, o a un optimismo intrínseco que nace genuino desde su intimidad más profunda. 

Las definiciones fundamentales, la familia, los valores trascendentes, el cuidado, la empatía y los lazos afectivos, inundan un metraje que se siente sencillo y esperanzador. Raiff aporta simpatía al acompañarlo en este camino. La atracción que siente por Domino es tan natural que empatizamos con él y queremos que le vaya bien, pero también lo vemos dar pasos en falso, plagados de permanentes dudas. Por otra parte, Dakota Johnson resulta muy creíble en su papel. Logra dar cuenta de un pasado tormentoso, de su confusión presente y de la necesidad extrema de obtener seguridad para su vida. 

Aparentemente, sin mayores aspiraciones, “Cha Cha Real Smooth” funciona como lo que es, una comedia ligera -aunque más profunda de lo que parece-, que nos permite sumergirnos en la problemática de una edad en la que se necesita forzosamente encontrar caminos, al tiempo de mostrar diversas realidades que pueden desorientar, confundir e incluso liquidar los propios sueños y aspiraciones. 

Ficha técnica 

Título original: Cha Cha Real Smooth 
Año: 2022 
Duración: 107 minutos 
País: Estados Unidos 
Productora: TeaTime Pictures, Picturestart, Endeavor Content 
Género: Drama. Comedia | Comedia dramática. Autismo / Asperger 
Guion: Cooper Raiff 
Música: Este Haim, Christopher Stracey 
Fotografía: Cristina Dunlap 
Reparto: Dakota Johnson, Leslie Mann, Odeya Rush, Brad Garrett, Raúl Castillo, Cooper Raiff, Phil Nardozzi, Colton Osorio, Corrie Danieley, Kelly O'Sullivan, Brenna Sherman, Vanessa Burghardt, Tiffany Sander McKenzie, Amara Pedroso 
Dirección: Cooper Raiff

El trabajo de mis sueños

Disponible en Netflix.

Basada en la novela autobiográfica de Joanna Rakoff, esta cinta tiene más sombras que luces. Narra la historia de la propia autora -interpretada por Margaret Qualley-, quien se muda de Berkeley, California, a New York, en busca de nuevas oportunidades. Al conseguir un puesto en una agencia literaria dirigida por Margaret -Sigourney Weaver-, parte de su trabajo consiste en responder las cartas que llegan de los numerosos fans para el introvertido y solitario escritor JD Salinger. 

La rutina diaria no provoca que Joanna se desmotive. Ella quiere ser escritora; escribe poesía, y está buscando un impulso que la saque de un letargo que le resulta difícil evadir. La figura de Salinger es mítica. El autor no se deja ver, no sale de su casa, vive en ostracismo. Solo llama a la agencia cada cierto tiempo y es Joanna quien atiende sus recados. Tal vez gracias a esta mínima conexión, la joven se atreve a no usar la respuesta tipo que le han pedido aplicar a cada carta recibida, y personaliza algunas, firmando como ella misma pero claramente violando el protocolo establecido. 

La película avanza poco en el tiempo y muestra cómo Joanna se va empoderando, muy lentamente, y adquiriendo más responsabilidades en la agencia. En este tránsito, encuentra espacios y genera confianza tanto con Margaret como con sus compañeros, en un desarrollo que no sufre mayores alteraciones. 

Esta cinta dirigida por Philippe Falardeau resulta algo lenta y quizás un poco plana. La ausencia de nudos de conflicto, un ritmo cansino y el no tener la necesidad de resolver las cuestiones propuestas, son elementos que juegan en contra de un guion y una filmación que desaprovecha un elenco más que interesante. 

La historia que hay detrás del texto resulta ser, así, más interesante. Observamos la pasión que tiene Joanna, que naturalmente es mucho más interna que externa. Ante ello, ¿qué es lo que la mueve? ¿Qué quiere, qué necesita para desarrollarse? Aparentemente se trataría de una particular búsqueda de motivación, algo que provoque que su alma artística logre emerger dando cuenta de su profundo mundo interior.  

Si bien la película se deja ver, dan más ganas de conocer la novela original para apreciar el lenguaje de esta escritora que gracias a su “Año con Salinger” -el título original de la cinta-, pareciera haber encontrado el rumbo de su vida. 

Ficha técnica  

Título original: My Salinger Year 
Año: 2020 
Duración: 101 minutos 
País: Canadá 
Productora: Coproducción Canadá-Irlanda; micro_scope, Parallel Films 
Género: Drama | Biográfico. Literatura. Años 90 
Guion: Philippe Falardeau. Novela: Joanna Rakoff 
Música: Martin Léon 
Fotografía: Sara Mishara 
Reparto: Sigourney Weaver, Margaret Qualley, Douglas Booth, Colm Feore, Matt Holland, Théodore Pellerin, Seána Kerslake, Jonathan Dubsky, Xiao Sun, Yanic Truesdale, Leni Parker, Romane Denis, Gavin Drea 
Dirección: Philippe Falardeau

Thor: Amor y Trueno

En esta nueva historia, el vikingo espacial Thor Odinson -Chris Hemsworth-, se enfrenta a una amenaza de incontenible poder. Se trata de Gorr -Christian Bale-, un aterrador asesino galáctico que se ha propuesto matar a todos los dioses en venganza por no escuchar sus súplicas y dejar morir a su hija Love. 

Thor parece haber dejado atrás sus días más difíciles, se ha puesto nuevamente en forma y luego de un electrizante combate junto a los Guardianes de la Galaxia recibe una preocupante señal de alerta. New Asgard es el próximo objetivo de este malvado “carnicero de dioses”, por lo que debe acudir al rescate de este pequeño pueblo de pescadores que acoge sobrevivientes de su planeta y que se encuentra a cargo de Valkyrie -Tessa Thompson-. 

¡Y vaya sorpresa! A New Asgard ha llegado también la Dra. Jane Foster -Natalie Portman-, su exnovia, a quien no ve hace aproximadamente ocho años, siete meses y seis días… Y eso no es todo, Jane trae consigo el martillo roto Mjolnir el que, gracias a un hechizo protector creado por el mismo Thor, se ha forjado y unido a ella. Así y todo, ambos no pueden evitar que Gorr se escape y secuestre a varios niños asgardianos y los oculte en el Reino de las Sombras mientras realiza los preparativos para completar su perverso plan. 

Jane, Thor, Valkyrie y Korg -un gladiador de Kronan, viejo amigo del vengador-, viajan a Omnipotence City, un reino que reúne a muchos dioses. Quieren advertirles de la inminente amenaza y pedirles ayuda, sin embargo no son acogidos como quisieran. El líder de los dioses, Zeus -Russell Crowe-, considera que están bien, ocultos en su ciudad y a salvo, gracias a su secreta y protegida ubicación. Sin embargo, Thor no está dispuesto a aceptar tanta displicencia y lidera la rebelión del grupo para ir al rescate de los niños y de paso eliminar a Gorr. 

Taika Waititi dirige y también escribe el guion de esta cinta junto a Jennifer Kaytin Robinson. Y el sello del director de “Thor: Ragnarok” se manifiesta debido a que su texto es totalmente funcional, en un filme cuyo énfasis está entregado a su forma. Estamos en presencia de una comedia liviana donde la acción y el humor se toman la pantalla, dejando de lado cualquier viso de seriedad, relevando todo aquello que es caricatura con toques de ridiculez. 

Esta entrega, la número 29 del MCU, se hace un poco cansadora. Es cierto, responde al estilo, a la manera que tiene Taika Waititi (“Jojo Rabbit”) de narrar sus historias pero esta vez con un factor amplificado, digamos a lo Marvel Studios. Son tantos los diálogos -algunos sin sentido-, hechos solo para divertir, que definitivamente nos damos cuenta de que corresponde a un argumento que no se toma las cosas en serio. El problema es que cuando intenta imprimir algo diferente, nosotros tampoco le tomamos en serio, porque ya estamos inmersos en una dinámica que nos hace descreer de todo y dudar de la autenticidad de cualquier tema que sea o parezca algo poco más profundo. 

A Chris Hemsworth se le ve, una vez más, con mucha simpatía y frescura, manteniendo e incluso aumentando la natural química adquirida con Natalie Portman. Christian Bale sobresale como el villano de turno, y Russell Crowe despliega luces con sus breves intervenciones representando al dios Zeus. Un detalle respecto a los efectos especiales. Al parecer la maquinaria de producción está complicada, debido a la manufactura de tantas películas y series al año. Y tal vez esto no es tan detalle, porque el problema es que varios trucos se notan, y si aquello pasa a ser tema, es que algo no está funcionando de forma óptima. 

“Thor: Love and Thunder” tiene oscuridad, acción, drama y emoción, y en ese mismo orden de proporciones. Todo se encuentra unido por este cada vez más omnipresente “humor funcional”, que entretiene pero hace que extrañemos la frescura de entregas anteriores, de otras historias y otros personajes. La película se enfoca más en la construcción del relato más que en el fondo del mismo, algo que logra imponerse a juzgar por el gran éxito de taquilla que ha logrado. ¿Será que es mejor ver algo sin que estemos llamados a profundizar sobre su temática? Si así fuera, lo superfluo, ¿podría ser algo a priori negativo? Pareciera que vivir inmersos en tantos problemas cotidianos nos hace buscar una válvula de escape que sea sencilla, sin complicaciones, y que nos deje satisfechos con su capa exterior. 

Como ya es habitual, hay escenas post créditos y son dos. Es cierto, no aportan demasiado pero es importante quedarse a verlas, porque además podremos apreciar, durante los numerosos créditos, el contingente humano y técnico que ha sido capaz de realizar esta nueva pieza del incombustible Multiverso Marvel. 

Ficha técnica 

Título original: Thor: Love and Thunder 
Año: 2022 
Duración: 125 minutos 
País: Estados Unidos 
Productora: Marvel Studios, Walt Disney Pictures, Fox Studios Australia 
Género: Fantástico. Acción. Aventuras. Comedia | Superhéroes. Cómic. Marvel Comics. MCU. Secuela 
Guion: Taika Waititi, Jennifer Kaytin Robinson. Historia: Taika Waititi. Cómic: Stan Lee, Jason Aaron 
Música: Michael Giacchino 
Fotografía: Barry Idoine 
Reparto: Chris Hemsworth, Natalie Portman, Christian Bale, Tessa Thompson, Chris Pratt, Jaimie Alexander, Karen Gillan, Dave Bautista, Pom Klementieff, Russell Crowe, Sean Gunn, Akosia Sabet, Simon Russell Beale
Dirección: Taika Waititi

Minions 2: Nace un Villano

Corre el año 1976. Gru, de 11 años, sueña con ser parte de los “Vicios 6”, una organización criminal fundada por el supervillano Willie Cobra. Al generarse un cupo porque acaban de despedir a su líder, Gru postula a ese puesto y asiste a una entrevista en la que todos se burlan de él por su corta edad. Sin embargo, Gru no se queda de manos cruzadas, se arriesga y les roba la preciada “Gema del Zodíaco”, un artefacto ancestral capaz de convertir a cualquier ser en uno de los animales del zodíaco en el Año Nuevo chino. 

Luego de un espectacular escape junto a los leales Kevin, Stuart y Bob, Gru se da cuenta que Otto, un Minion que usa frenillos, ha intercambiado la Gema -que le pasó para que la custodiara., por una simple piedra mascota. La decepción es mayúscula. Gru se enoja, despide a todos sus colaboradores y parte solo a recuperar el tesoro sin siquiera sospechar que Willie Cobra, está vivo, y como ha sido expulsado de los Vicios 6 quiere venganza, en especial ajustar cuentas con su nueva líder, Belle Bottom. Como Willie sabe que Gru tiene la Gema, lo secuestra, lo lleva a San Francisco, y les da un plazo de 48 horas a los Minions para devolverle la piedra si quieren evitar la muerte de su “jefecin”. 

Hasta acá esta breve introducción de la historia, porque realmente la trama no es lo más relevante en esta nueva película de Illumination Entertainment. Entretenida y simpática, esta secuela de “Minions” del 2015 y precuela de la original “Mi villano favorito” del 2010, posee travesuras y gags que sacan carcajadas. Es cierto, la mayoría de las aventuras resultan torpes y ridículas, pero uno se ríe igual. Al menos yo, la disfruté como un niño. 

Volviendo a la trama, acá solo vemos personajes malos. ¿Dónde están los valores entonces? Vamos por parte. Willie Cobra es el villano favorito de Gru pero ha sido traicionado por su grupo. Lo sacan por viejo, un golpe de gracia que es letal para cualquiera. Pero Gru igual aspira a ser parte de ese grupo y está dispuesto a hacer lo que sea por su sueño, aunque hayan botado de la peor forma a su estrella. 

Como Gru es un niño, aunque con la clara personalidad que ya le conocemos de mayor, entonces nos preguntamos desde dónde nace tanto atractivo por hacer cosas malas. ¿Son solo travesuras? ¿Le satisface pasar a llevar a los demás? ¿O es la necesidad de reconocimiento y aquello se logra más fácilmente en lo negativo? 

Podemos no darle mayor vuelta y no pasa nada, pero creo que es existe material para analizar el fenómeno y compararlo con lo que observamos en la actual realidad. Y si buscamos, de seguro encontramos: inseguridad personal, ausencia de cariño, búsqueda de acogida y una gran necesidad de encontrar sentido de pertenencia. 

Ante este escenario, los Minions son especiales. Acá sí vemos un contrapunto respecto a los Vicios 6. Aunque ellos están destinados a ayudar a los villanos, tienen lealtad absoluta hacia su jefe. Lo cuidan, lo regalonean, hay cariño, incluso, pero naturalmente tienen sus “yayas”. Obviamente no son “tan buenos” pero son ultra simpáticos. ¿Será por eso que empatizamos? 

La película también podemos leerla como un retrato en caricatura de nuestra sociedad. Con acierto genera una configuración de múltiples personalidades en las que son fácilmente reconocibles muchos estereotipos. Todas estas características hacen de esta versión de los Minions una película muy actual. Es animación infantil, sin embargo también es transversal para todas las edades si logramos mirar un poco más allá de su encantadora capa externa. 

“Minions: The Rise of Gru” es una película para conversarla con los más pequeños. Los adultos entendemos que es solo entretención -guiños más, guiños menos, por supuesto- pero, y los más chicos, ¿con qué se quedan? Es importante recabar sus opiniones y dialogar. Y obviamente, pasarlo muy bien, con una película extrovertidamente divertida. 

Ficha técnica  

Título original: Minions: The Rise of Gru 
Año: 2022 
Duración: 90 minutos 
País: Estados Unidos  
Productora: Illumination Entertainment, Universal Pictures 
Género: Animación. Comedia. Aventuras | Secuela. Cine familiar. 3-D 
Guion: Matthew Fogel. Historia: Matthew Fogel, Brian Lynch. Personaje: Cinco Paul 
Música: Heitor Pereira 
Fotografía: Animación 
Reparto: Animación 
Dirección: Kyle Balda, Brad Ableson, Jonathan del Val

Anna: El peligro tiene nombre

Disponible en Netflix.

Escrita y dirigida por Luc Besson, esta película cuenta la historia de una agente de la KGB entrenada para asesinar. Anna -Sasha Luss-, logra dejar atrás los abusos de los que ha sido víctima al enrolarse en la famosa agencia Rusa tras un ofrecimiento de Aleksander "Alex" Tchenkov -Luke Evans-, quien le promete que, luego de un año de entrenamiento y cinco de servicio, será una mujer libre. 

A cargo de la bella y novel agente se encuentra Olga -Helen Mirren-, y comienzan, entonces, las misiones de campo. Aquello involucra que la joven deba infiltrase como modelo en Paris para tener una cortina creíble y así completar varios “encargos”. El asunto es que Anna ha sido descubierta por la CIA y los planes giran radicalmente. ¿A quién será leal? ¿Quién tendrá la mejor oferta en cuanto a su futuro? ¿Correrá peligro su vida? 

Besson filma una cinta compartimentada, que no fluye, y que se hace larga. Desafortunadamente no logra agarrar vuelo a pesar de las persecuciones que imprimen un ritmo vertiginoso y las escenas coreográficas de acción bien logradas. 

Los gritos argumentales del guion se sustentan bien cuando no dan pistas. Y claro, esto funciona la primera vez, pero luego, la segunda y la tercera, ya no son sorpresa puesto que son fácilmente predecibles. 

“Anna” resulta ser una curiosa realización tomando en cuenta la huella que tiene el director de “El Quinto Elemento”. Está su mano, naturalmente, pero esperaba algo más, a decir verdad. Raya para la suma, la película entretiene, a medias y lamentablemente deja ese saborcito a frustración, algo así como, “qué lástima, podría haber sido mucho mejor”. 

Ficha técnica 

Título original: Anna 
Año: 2019 
Duración: 119 minutos 
País: Francia 
Productora: Coproducción Francia-Estados Unidos; Europa Corp. Distribuidora: Summit Entertainment 
Género: Acción. Thriller | Espionaje. Años 90 
Guion: Luc Besson 
Música: Eric Serra 
Fotografía: Thierry Arbogast 
Reparto: Sasha Luss, Helen Mirren, Luke Evans, Cillian Murphy, Eric Godon, Eric Lampaert, Pauline Hoarau, Avant Strangel, Jan Oliver Schroeder, Rupert Wynne-James, Réginal Kudiwu, Adrian Can, William Sciortino 
Dirección: Luc Besson

C’mon C'mon

Disponible en Amazon Prime.

Escrita y dirigida por Mike Mills, esta cinta se basa en los vínculos afectivos y las emociones. A través de un cruce generacional, somos espectadores privilegiados de aquellos descubrimientos y enseñanzas que entrega una conexión maravillosa que emerge de forma natural y transparente. 

Johnny -Joaquin Phoenix-, viaja por Estados Unidos entrevistando a menores sobre sus vidas y sus ideas sobre el futuro. Su oficio de periodista le permite obtener respuestas espontáneas, algo muy valorado por el proyecto en el que participa. Estando en Detroit, recibe el llamado de su hermana Viv -Gaby Hoffmann-, con quien no habla desde la muerte de su madre. El mensaje de ella es claro, es un S.O.S. Necesita que Johnny viaje a Los Ángeles para hacerse cargo temporalmente de su hijo Jesse -Woody Norman-, pues tiene que viajar a Oakland para cuidar a su ex esposo Paul. 

El tiempo previsto resulta ser mayor. Viv necesita alargar su estadía, pero Johnny debe volver a trabajar en su proyecto. La opción que surge como solución es que Jesse acompañe a su tío a su siguiente destino, la ciudad de Nueva York. El desafío no resulta sencillo para ninguno de los dos. Juntos deberán aprender a tolerarse, es decir, convivir, manteniendo una relación que no estará exenta de dificultades y que debido a su fragilidad podría quebrarse en cualquier momento. 

La película explora nítidamente el núcleo familiar y sus lazos más cercanos. A pesar de cualquier consideración, Viv recurre a su hermano, tal vez con aprehensiones, pero sin tener duda alguna. La preocupación y el cuidado que Jesse requiere solo puede ser entregado por un familiar, alguien que, con suma responsabilidad, esté dispuesto a prestar soporte y apoyo de forma incondicional. 

Durante 108 minutos seremos testigos de un recorrido físico y emocional, un camino de transformación y crecimiento en el que cada protagonista va aprendiendo de lo que observa en el otro. Pareciera, por momentos, que la diferencia de edad no es un problema. A través de flashbacks recogemos antecedentes del pasado de Johnny y también de Viv, sobre la relación de Jesse con su padre ausente, de la dinámica familiar, antecedentes sobre la enfermedad de Paul y también del por qué Viv acude en su ayuda. 

Íntima y auténtica, “C’mon C'mon” -filmada en un precioso blanco y negro-, tiene algunos visos de documental, o al menos pudiera parecerlo. Es que la actuación de Woody Norman es excelente, tan espontánea como vital, logrando gran química con Joaquin Phoenix conformando un dúo que merece consideración y atención. Desde su encuentro en una de las escenas iniciales cuyo pilar sonoro es el “Réquiem” de Mozart, y hasta su desenlace, la relación de este adulto con este niño de 9 años llama la atención por lo profundo de sus diálogos, por el cómo se complementan, por sus miradas y por las sensaciones que provocan. De verdad parece muy real, casi al nivel de aquello que sí es verdadero en la cinta: las preguntas y respuestas de los menores entrevistados, un material riquísimo y que no resulta para nada secundario para un relato que resulta tan interesante como cautivador. 

Ficha técnica 

Título original: C’mon C'mon 
Año: 2021 
Duración: 108 minutos 
País: Estados Unidos 
Productora: A24, Bron Creative. Distribuidora: A24 
Género: Drama 
Guion: Mike Mills 
Música: Aaron Dessner, Bryce Dessner 
Fotografía: Robbie Ryan 
Reparto: Joaquin Phoenix, Woody Norman, Gaby Hoffmann, Brandon Rush, Mary Passeri, Khadija Emma Neumann, Cooper Jack Rubin, Elaine Kagan, Kate Adams, Mya Gonzales, Artrial Clark, Beth Bartley, Jaboukie Young-White, Molly Webster, Callan Farris 
Dirección: Mike Mills

La ira de Dios

Disponible en Netflix.

A los tres personajes principales los conocemos al inicio de la película. Se trata de Kloster -Diego Peretti-, un exitoso autor que está presentando su último libro; Esteban -Juan Minujín-, un periodista que acude al evento; y Luciana -Macarena Achaga-, ex secretaria de ambos que se encuentra en los balcones en espera de reunirse con el afamado escritor. El escenario es un Teatro, la reconocida librería “El Ateneo”, y del encuentro en los pisos superiores sobreviene una tragedia de la que desconocemos el desenlace. 

12 años antes, es la referencia temporal que se nos señala a continuación de esta sorprendente apertura. Y nos sirve para ir armando un puzzle con información entregada a través de flashbacks, y así unir sus piezas, conocer a los protagonistas, configurar sus roles, y recabar al interior de sus historias. 

La vida de Luciana está rodeada de dolor. Las misteriosas muertes de sus familiares tienen, en Kloster, un punto en común. ¿Es culpable este indescifrable escritor? ¿Qué pudo haber sucedido realmente? Mientras Luciana intenta proteger a su hermana menor, Valentina, Esteban quiere descubrir la verdad, inmerso en un ambiente lleno de desconfianza, con algo de horror, un pasado en el que todos tienen cuentas pendientes y un presente ensombrecido por los múltiples incendios que conmocionan la ciudad. 

Basado en la novela de Guillermo Martínez, Sebastián Schindel compone un thriller con una historia enrevesada donde abundan los cabos sueltos. Si bien la presentación de la narración es lineal, los doce años de separación temporal hacen que ambos relatos corran por canales separados. Pasado y presente avanzan, sin cruzarse, y nos entregan un guion que nos va revelando diferentes pistas. 

El marco narrativo que propone el texto de Pablo Del Teso y el propio Schindel, genera confusión. Es, de por sí, misterioso, obliga a las dudas permanentes y condimenta de esa forma el inquietante suspenso que consigue sembrar. 

Hay algunos principios que rodean la trama. ¿Casualidad o causalidad? ¿Existe algo sobrenatural en las tragedias? ¿Hay algún poder oscuro detrás de todo eso? ¿Son solo coincidencias o solo una “mala racha”? 

Los daños emocionales que se aprecian son enormes, tanto en Kloster como en Luciana. Hay culpabilidad en ambos, comparten pérdidas, comparten desgracias, pero ¿es uno el causante del sufrimiento del otro, o viceversa? 

“La ira de Dios” tiene algo de venganza, o tal vez de una forma de hacer justicia. Sale al ruedo la Ley del Talión, y también lo que denominan “Justicia Divina”. ¿Castigo? ¿Venganza perfecta? O, tal vez es lo que escribe Kloster en su último libro, “Odile & Odette”: “la venganza no es a escala humana, es a escala divina. Los textos bíblicos se refieren a la ira de Dios como la manifestación de la justicia divina”. 

Los valores están en entredicho y bastante cuestionados. La lealtad y la búsqueda de la verdad chocan de frente con la inmersión del mal. La razón desenmascara la invención y deja al descubierto la obsesión. 

Vemos sólido Diego Peretti y sin mucho peso a Macarena Achaga, en un contrapunto en el que media correctamente el tercero en discordia, Juan Minujín. Los 98 minutos de “La ira De Dios” pasan rápido, no podemos estar seguros de nada y su final es tan impredecible como su alambicada construcción. 

Ficha técnica

Título original: La ira de Dios 
Año: 2022 
Duración: 98 minutos 
País: Argentina  
Productora: Buffalo Films. Distribuidora: Netflix 

Género: Thriller 
Guion: Sebastián Schindel, Pablo Del Teso. Novela: Guillermo Martínez 
Música: Iván Wyszogrod 
Fotografía: Fernando Lockett 
Reparto: Juan Minujín, Macarena Achaga, Diego Peretti, Monica Antonopulos, Guillermo Arengo, Romina Pinto, Ornella D'Elía, Germán de Silva 
Dirección: Sebastián Schindel

Asesino sin memoria

La novela “De Zaak Alzheimer”, de Jef Geeraerts, tuvo su primera adaptación cinematográfica el año 2003, en Bélgica. “Memory”, título original de la cinta en comento, corresponde a una nueva adaptación, pero esta vez no del texto original sino de la película. 

Dirigida por Martin Campbell y con guion de Dario Scardapane, Carl Joos, y Erik Van Looy -director de la cinta del 2003-, la cinta presenta esta vez a Alex Lewis -Liam Neeson-, un asesino a sueldo que sufre de Alzheimer, y que es contratado por Davana Sealman -Monica Bellucci-, para matar a un hombre en El Paso, Texas. 

En paralelo, el agente de la Fuerza de Tareas contra la Explotación Infantil del FBI, Vincent Serra -Guy Pearce-, desarrolla un operativo para detener a un traficante sexual responsable de explotar a su hija de 13 años llamada Beatriz. 

Estas dos historias se cruzan cuando Alex recibe la orden de liquidar a Beatriz, pues existen imágenes que muestran que el hijo de Davana, Randy -Josh Taylor-, la ha agredido sexualmente. Alex se niega a matar a la joven por lo que pasa de perseguidor a perseguido: por el FBI, por otro asesino a sueldo, y también por lo poco que le queda de moral. 

Los primeros 15 minutos de esta cinta resultan bastante inquietantes porque vemos escenarios diferentes sin mayor relación entre ellos. No entendemos hacia dónde va cada uno, y si bien podemos deducir que se irán uniendo, el tema es cómo esto se producirá. 

La temática central es incómoda y cruda. Se trata del tráfico sexual de menores y está presente por una red mafiosa que abarca muchos niveles. También, la corrupción se encuentra a la orden del día, herramienta predilecta de poderes fácticos que operan sin contrapeso y que arreglan los problemas contratando sicarios no para solucionarlos sino para eliminarlos. 

Hay dos preguntas que surgen espontáneamente de la trama: ¿Pueden existir valores en medio del mundo del crimen? ¿Habrá, realmente, una línea roja que no se puede o no se debe cruzar? Las acciones de Alex Lewis tienen una clara motivación económica, una importante recompensa, pero cuando le encargan asesinar a una menor, ¿qué es lo que le sucede? ¿Por qué se pone en peligro incluso a sí mismo? ¿Actúa por venganza, por justicia, por amor propio o efectivamente por convicción moral? 

En este remake, Liam Neeson no decepciona. Sigue ágil, y esta vez desde la otra vereda -la de los malos-, entrega un papel sólido y convincente. El guion ayuda a la confusión del protagonista, todo se va complicando, luego el texto se reduce paulatinamente hasta dejar todos los nudos a la vista para enfocarse firmemente hacia el desenlace. Me gusta más el título “Memory”, que la traducción al español de “Asesino sin memoria”, y básicamente por dos razones: en este último se anticipa mucho de la trama, y es recomendable no conocer mayores detalles; y segundo, porque el nombre original, además de relevar el tema del Alzheimer -con guiños a “Memento”- nos da, incluso, para hacer una dualidad con la palabra: “pérdida de la memoria” y/o “en memoria”. 

Con giros finales que tratan de sorprender, “Memory” es una película destinada a mostrar a Liam Neeson en otra faceta. Bien acompañado por Guy Pearce y un poco más atrás por Monica Bellucci, Neeson nos ofrece, en síntesis, una cinta que, sin mayores aspiraciones, logra su cometido de entretener a lo largo de sus casi dos horas de duración, y que, por lo demás, pasan volando. 

Ficha técnica 

Título original: Memory 
Año: 2022 
Duración: 114 minutos 
País: Estados Unidos 
Productora: Black Bear Pictures, Welle Entertainment, Arthur Sarkissian Productions, Camera Hogs, Signature Pictures. Distribuidora: STX International 
Género: Thriller | Remake 
Guion: Dario Scardapane, Carl Joos, Erik Van Looy. Libro: Jef Geeraerts 
Música: Rupert Parkes 
Fotografía: David Tattersall 
Reparto: Liam Neeson, Guy Pearce, Monica Bellucci, Taj Atwal, Harold Torres, Ray Fearon, Ray Stevenson, Louis Mandylor, Stella Stocker, Lee Boardman, Antonio Jaramillo, Rebecca Calder, Kate Nichols
Dirección: Martin Campbell

Lightyear

Entrañable película para quienes queremos al personaje. Creo que está hecha para fans, porque resulta un poco larga debido a un guion que decae cuando extiende el segundo tercio de la cinta. Aun así, y aunque tal vez no sea tan recomendable para muy pequeños, esta animación marca el regreso de Pixar Animation Studios a la pantalla grande, y, ciertamente, verla en cines resulta imprescindible. 

Buzz Lightyear, un joven astronauta, junto a su mejor amiga -y oficial al mando-, Alisha Hawthorne, exploran el planeta T'Kani Prime, encontrando formas de vida hostiles. Deben huir rápidamente, sin embargo, un error de cálculo de Buzz en la maniobra de escape, provoca daños en la nave y quedan varados en el lugar. Obligados a descender para hacer las reparaciones correspondientes, la tripulación construye en un año una floreciente colonia gracias a una sofisticada infraestructura. 

Para poder continuar el viaje, la clave está en el combustible hiperespacial, una sustancia que es altamente voluble y que requiere realizar riesgosas pruebas hasta conseguir estabilizarlo. Lightyear, cómo no, se ofrece de voluntario para realizar un primer viaje de solo 4 minutos, pero el resultado no es satisfactorio. Apenas logra salvar la nave y más encima, al regresar se da cuenta que han pasado 4 años. ¿La explicación? Dilatación del tiempo producto de las hiper velocidades alcanzadas. 

Los ensayos siguen y siguen. Mientras todos envejecen, Buzz no está solo en la aventura. Su principal compañía es Sox, un felino robótico que es mucho más que una simple mascota. Juntos deben encontrar una solución para hacer estable el combustible y con ello lograr el anhelado regreso a casa. 

“Lightyear”, ya lo mencionaba al inicio, es para quienes somos fans del personaje. Dirigida por Angus MacLane, la película resulta correcta, “políticamente correcta” me arriesgaría a decir, bastante predecible y sin muchas sorpresas, pero para los seguidores de Buzz, esto eso solo “un pelo de la cola”. 

Ya en los créditos iniciales encontramos su razón de ser: la conexión con “Toy Story”. El juguete originalmente regalado a Andy, “Buzz Lightyear”, proviene de una película, y, precisamente, “esta es esa película”. 

Por cierto, “Lightyear” aborda muchos temas. Habla del no rendirse, de adaptarse a las circunstancias sin renunciar a los ideales. Muestra el infatigable camino que se debe recorrer para encontrar soluciones, y también emerge la culpa junto a la consiguiente búsqueda de reparación y redención.  

Por otra parte, esta cinta animada explora sobre el liderazgo y el trabajo en equipo, el importante apoyo del grupo, los aprendizajes, los ejemplos tomados como enseñanzas, la motivación, la valoración de las diferencias y la camaradería, entre muchos otros tópicos. 

No tenía muchas expectativas sobre “Lightyear” por todo lo que ya se ha escrito sobre esta cinta, sin embargo, debo reconocer que me gustó, la disfruté. Es posible que tal vez no esté a la altura de otras películas de Pixar, y quizá un poco más lejos de su mentora, sin embargo, ver a “Buzz Lightyear” me encanta, y escuchar la música de Michael Giacchino es presenciar un verdadero concierto. ¿Puedo pedir más? Por supuesto, siempre. Y por eso decimos juntos, a coro: ¡al infinito … y más allá! 

Ficha técnica 

Título original: Lightyear 
Año: 2022 
Duración: 100 minutos 
País: Estados Unidos 
Productora: Pixar Animation Studios, Walt Disney Pictures. Distribuidora: Walt Disney Pictures 
Género: Animación. Aventuras. Comedia. Fantástico | Cine familiar. Aventura espacial. Pixar. Spin-off 
Guion: Jason Headley, Angus MacLane, Matthew Aldrich. Personaje: John Lasseter, Pete Docter, Andrew Stanton, Joe Ranft 
Música: Michael Giacchino 
Fotografía: Animación, Jeremy Lasky, Ian Megibben 
Reparto: Animación 
Dirección: Angus MacLane

Todo en todas partes al mismo tiempo

Difícil resulta describir esta película, una propuesta hilarante, disruptiva, trepidante, osada y provocativa. 

Evelyn Quan Wang -Michelle Yeoh-, una abrumada inmigrante china en Estados Unidos y dueña de una lavandería, no para de tener problemas. Además de ser auditada por el IRS, pasa por malos momentos con su esposo Waymond -Ke Huy Quan- quien está a punto de entregarle los papeles de divorcio. Para colmo, su anciano padre acaba de llegar de China y su hija Joy -Stephanie Hsu-, se encuentra distante porque no acepta a su novia Becky. 

Con la descripción anterior observamos el complejo tejido que envuelve a la protagonista, sin embargo, como cada día puede ser peor, al ser entrevistada por la inspectora del IRS Deirdre Beaubeirdre -Jamie Lee Curtis-, Evelyn se ve sorprendida por “Alpha Waymond”, una versión de su esposo pero de un universo que llaman "Alphaverse", quien intenta explicarle que existen muchísimos de estos universos paralelos debido a que cada camino que se elige en la vida genera uno nuevo. Como el multiverso global está siendo amenazado por Jobu Tupaki, parece ser que solo Evelyn tiene la clave para detener el caos gracias a una tecnología que le permite "saltar de verso" y acceder a las habilidades, los recuerdos y el cuerpo de sus contrapartes paralelas, y así evitar que un gran agujero negro destruya todo el mundo. 

En simple, y también en forma literal, es Evelyn contra el multiverso. 

Esta película de Daniels -Dan Kwan, Daniel Scheinert-, sorprende bajo todo punto de vista. La imaginación es desbordante, los detalles son impresionantes y la cantidad de situaciones y exposiciones que se suceden no dan ninguna tregua en sus 139 minutos. El desarrollo técnico es alucinante, marcado por una edición que le entrega un ritmo tan trepidante que en algunos momentos podríamos exclamar “paren todo que me quiero bajar”. 

Pero bajo las capas externas, el fondo de la película posee aspectos diametralmente opuestos al expresionismo visual y conceptual de su realización. Estamos en presencia de un drama que ocurre en una familia y también ante una difícil relación de pareja que se suaviza con ribetes de comedia. Observamos las crecientes dificultades de los inmigrantes, y principalmente mis involucramos en la densidad enorme de esta relación madre-hija, que constituye el eje central del relato y entrega firmeza emocional a una historia que parece descabellada pero que es mucho más profunda de lo que pudiera parecer a simple vista. 

“Everything Everywhere All at Once” habla del sentido de la vida, del cariño, de la comprensión y del amor. Es cierto que estos temas fundamentales se adornan con una parafernalia impresionante, pero a pesar de ello no deja de presentarlos con humanidad y detalle, logrando, por momentos, una conexión de empatía con nosotros, los espectadores, quienes debemos, eso sí, resistir en cada momento la tentación de distraernos con las luces y los fuegos artificiales que se disparan por doquier. 

Esta original propuesta tal vez no sea para todo público. Es densa y atribulada pero a la vez sencilla y profunda. Es un arte componer un relato y mostrarlo con el grado de inventiva que los directores le imprimen. Es, posiblemente, una de las propuestas más innovadoras del último tiempo -no tanto por el concepto de los multiversos sino por la forma de abordarlos-, y que merece reconocimiento, tanto por los riesgos que asume como por su resultado final. 

Artes marciales, coreografías impactantes, violencia, espacios de diálogos, cambios de escenarios y un sin fin de cambios temporales, resultan ser un verdadero desafío para nuestra mente. De esta batidora de ideas, multiversos como fibras entrelazadas e interdependientes, obtenemos una película abstracta en todas sus dimensiones. Y no quedamos impávidos, nos obliga a pronunciarnos y a reflexionar tanto en su forma como en su fondo con igual profundidad. ¿Conclusión? El debate queda abierto ante un desafío ampuloso con ribetes de espectacularidad, en el amplio sentido de cada palabra. 

Ficha técnica 

Título original: Everything Everywhere All at Once 
Año: 2022 
Duración: 139 minutos 
País: Estados Unidos 
Productora: AGBO, Hotdog Hands, Ley Line Entertainment, Year of The Rat, IAC Films. Distribuidora: A24 
Género: Comedia. Acción. Ciencia ficción. Aventuras. Fantástico | Viajes en el tiempo. Artes marciales. Familia 
Guion: Dan Kwan, Daniel Scheinert 
Música: Son Lux 
Fotografía: Larkin Seiple 
Reparto: Michelle Yeoh, Jamie Lee Curtis, Jonathan Ke Quan, James Hong, Anthony Molinari, Audrey Wasilewski, Stephanie Hsu, Peter Banifaz, Brian Le, Andy Le, Tallie Medel, Jenny Slate, Harry Shum Jr., 
Dirección: Dan Kwan, Daniel Scheinert

El buen patrón

Esta película de Fernando León de Aranoa habla de apariencias y de cinismo. Crea una paradoja entre equilibrio, balance y justicia. Aborda la lealtad y la traición, la amistad, la benevolencia, la protección y también las falsas promesas y la inhumanidad. Marcando diferencias entre la forma y el fondo, entre lo que se predica y lo que se practica, León de Aranoa pone, literalmente, en la balanza la imagen y la declaración de intenciones versus la realidad de lo que en verdad se hace. 

La historia es sencilla. Julio Blanco -Javier Bardem-, es el único dueño de una prestigiosa empresa que fabrica balanzas industriales. Ad portas de la definición de un importante premio para su compañía, Blanco intenta alinear a sus trabajadores tras el común objetivo, pero encuentra en el camino una seguidilla de dificultades que, en una semana, trastocan por completo al empresario desnudando su verdadero ser. 

En un brillante desarrollo de personalidades, el guionista y director logra configurar excelentes personajes, con características específicas, con mucha profundidad, en una dimensión que, a pesar de resultar estereotipada, funciona de manera convincente. 

Javier Bardem está realmente muy bien en su rol, se le ve a sus anchas. Creíble, sólido, suelto y seguro, despliega, con gestos y miradas, la esencia de su personaje. Blanco es un tipo frío e inescrutable. No sabemos lo que vemos, si bajo su aparente buenismo exterior hay comprensión, acogida, o tal vez todo lo contrario. Tampoco percibimos con claridad si sus acciones responden a una motivación intrínseca, son producto de especiales circunstancias, o bien son acomodaticias según la dirección del viento que sopla. Solo por momentos, nos asomamos con unos pequeños vistazos a su interior, una intimidad que resulta ser aún más indescifrable. 

Los personajes secundarios son excelentes, todos ellos. En particular, me quedo con Fortuna. ¡Qué personaje! Casi no habla y en sus pocos minutos en pantalla logra retratar una historia amplia y una procesión que le carcome por dentro. Él vive un contrapunto extremo respecto al dueño, algo que visibiliza aún más el contraste que la obra quiere representar. También es notable la construcción de quien representa la mano derecha del empresario. Se trata de Miralles, el amigo y compañero leal que cae en doble desgracia por sus problemas familiares y laborales, lo que desata un temporal que lo tiene patas para arriba. Excelentes están además, José -Óscar de la Fuente-, el trabajador despedido que protesta afuera de la empresa y Liliana -Almudena Amor-, la joven practicante que se convierte en el nuevo objetivo amoroso del patrón. 

Esta cinta es una tragicomedia con bastante humor negro. Expone heridas y vulnerabilidades sin anestesia. Representa un modo de vida, algo que podemos reconocer en muchos ámbitos y diversos sectores. Bajo una amable capa protectora -que son varias, naturalmente-, el relato presenta crudamente el reflejo de una realidad que resulta atemporal, es decir, que puede referirse tanto al pasado como al presente.  

Aguda, inteligente y reflexiva, “El buen patrón”, cinta española ganadora de seis premios Goya, permite no solo pasar un buen momento sino que, además, deja una buena tarea para la casa. 

Ficha técnica 

Título original: El buen patrón 
Año: 2021 
Duración: 120 minutos 
País: España 
Productora: Reposado Producciones, Mediapro, RTVE, TV3, MK2 Films 
Género: Comedia. Drama | Trabajo/empleo 
Guion: Fernando León de Aranoa 
Música: Zeltia Montes 
Fotografía: Pau Esteve Birba 
Reparto: Javier Bardem, Manolo Solo, Almudena Amor, Óscar de la Fuente, Sonia Almarcha, Fernando Albizu, Tarik Rmili, Rafa Castejón, Celso Bugallo, Yaël Belicha, Martín Páez, Daniel Chamorro, María de Nati, Mara Guil, Pilar Matas 
Dirección: Fernando León de Aranoa

Agentes 355

Disponible en Amazon Prime Video.

Podemos comenzar a ver esta película para saber qué hace Jessica Chastain aquí, y es probable que terminemos preguntándonos ¡qué hace Jessica Chastain aquí! En estas breves líneas intentaré explicarlo. 

La trama se centra en un dispositivo electrónico capaz de intervenir cualquier sistema digital. Esta avanzada tecnología es comercializado por un narcotraficante en Sudamérica, específicamente en Colombia, pero el intercambio sale mal y un agente del DNI local, Luis Rojas -Édgar Ramírez-, se queda con el preciado aparato. Como el peligro es inminente, la CIA envía en una misión a Mason "Mace" Brown -Jessica Chastain-, junto a Nick Fowler -Sebastian Stan -, para recuperar el disco, algo que también hace el BND alemán destinando a la agente Marie Schmidt -Diane Kruger-, quien se logra interponer en la concertada operación.  

Aparecen también en escena otras dos especialistas: la ex MI6 y experta informática Khadijah Adiyeme -Lupita Nyong'o-, y la psicóloga colombiana Graciela Rivera -Penélope Cruz-. Sin relación entre las mujeres, pronto se dan cuenta que la única forma de detener la amenaza es trabajar juntas, en una arriesgada aventura que implicará recuperar el arma que está en poder de un poderoso criminal llamado Elijah Clarke -Jason Flemyng-, con la vital ayuda de la agente del MSS Fan Bingbing -Lin Mi Sheng-.

La premisa de esta película dirigida por Simon Kinberg es buena, sin embargo esta idea original de Jessica Chastain queda corta en su ejecución. Tal vez producto del guion y debido a notarios problemas de edición, de continuidad y de configuración de personajes, observamos inconvenientes serios en el ensamblaje de la historia. Se ve desconectada e irregular, naturalmente inverosímil e improbable; incluso algo desprolija.  

Al final solo queda una especie de maqueta o caricatura de estas atractivas agentes que deben luchar contra el crimen organizado desobedeciendo las instrucciones de sus respectivas agencias, lo que no resulta suficiente para dar forma a una película desafortunada que solo entretiene por momentos. Y en honor a la verdad, muy pocos momentos. 

Ficha técnica  

Título original: The 355 
Año: 2022 
Duración: 124 minutos 
País: Estados Unidos 
Productora: Freckle Films, Genre Films, Universal Pictures, CAA Media Finance, Filmnation Entertainment, Huayi Brothers, Perfect World Pictures. Distribuidora: Universal Pictures 
Género: Thriller. Intriga. Acción | Espionaje. Crimen 
Guion: Theresa Rebeck, Simon Kinberg. Idea: Jessica Chastain 
Música: Junkie XL 
Fotografía: Tim Maurice-Jones 
Reparto: Jessica Chastain, Penélope Cruz, Diane Kruger, Lupita Nyong'o, Fan Bingbing, Sebastian Stan, Edgar Ramirez, Jason Wong, Waleed Elgadi, Leo Staar, Lea Mancarella, Raphael Acloque, Oleg Kricunoff 
Dirección: Simon Kinberg