Fall (Vértigo)

Lo primero es que lo pasé mal porque la película me hizo sentir el vértigo que tengo. Realmente incomoda, se siente la altura; es tanto que me sudaron las manos, tuve que desviar la mirada muchas veces, y no encontraba nada de donde agarrarme en el asiento. Fue una experiencia muy real.

Lo segundo se refiere a la trama y su realización audiovisual. Becky -Grace Caroline-, y Hunter -Virginia Gardner-, dos ultra amigas adictas a la adrenalina que produce escalar alturas siempre al límite, se reúnen luego de un año del accidente que modificó sus vidas. Hunter insiste en que la mejor manera de superar la tragedia es cumplir un nuevo desafío, y esta vez se trata de trepar la abandonada torre radial B67, en el desierto de Arizona, una antena de 2.000 piés, es decir, un poco más de 600 metros de altura.

La renuencia inicial de Becky, y su natural miedo, no resulta ser obstáculo. Ambas amigas se embarcan en la misión de llegar a la cima en una escalada que, dada su experiencia, debiera ser cubierta dentro del mismo día. Además, tienen una misión clara que cumplir, por lo que el reto no solo significa superar la altura sino que, al mismo tiempo, desean encontrar un camino de sanación que repare, o al menos mitigue en parte, lo acontecido.

El mayor problema es que ninguna de las dos pudo prever las condiciones materiales de la estructura ni los otros factores externos que podrían afectar el de por sí peligroso ascenso. En breve, y como vemos en todos los adelantos y trailers, quedan atrapadas en una pequeña plataforma situada a metros de la punta de la antena, sin comunicación, casi sin ninguna herramienta, prácticamente a la deriva; en síntesis, más cerca de una nueva tragedia que de salvar sus vidas.

La fotografía de Miguel De Olaso es muy buena. Tanto las tomas como los efectos están muy bien logrados; parece que ellas están allí, y aquello traspasa la pantalla porque, al menos en mi caso, lo sentí, de verdad, muy real.

En el guion escrito por Jonathan Frank, y el mismo director, Scott Mann, logra que la tensión se mantenga siempre al límite. A mi juicio podrían faltar algunas pausas -pero puede ser muy personal esta apreciación, porque las hay aunque son breves-, porque la historia vuelve rauda a la incomodidad permanente que viene a ser una marca registrada.

Uno de los aspectos interesantes es la forma de mantener un metraje con tan pocos elementos. Claro, hay situaciones predecibles pero funcionan. ¿Podría ser más breve? Sí, pero no se sienten los minutos. Pasa rápido, y para quienes tememos las alturas resulta totalmente creíble, amenazante y verosímil.

Siendo entretención pura, esta cinta también contiene algunos mensajes en su interior: avisar y tomar precauciones; tomar riesgos, bien, pero algunos pueden ser innecesarios. ¿Son trascendentes todos los desafíos? Tal vez sí, pero es bueno preguntarse para qué, para demostrar qué, a qué costo, dónde está el límite entre la prudencia y la imprudencia, etc.

Finalmente, y como corolario, la película enseña un buen giro del guion que, si bien podría haberse supuesto, es capaz de cubrirlo muy bien, tapando pistas y desviando la atención hacia otros detalles que podremos unir adecuadamente al concluir el relato. Aunque no me gusta su traducción al español, porque “Vértigo” hay una sola, “Fall” es una buena película: permanentemente al límite, muy estresante y al mismo tiempo emocionante.

Ficha técnica

Título original: Fall
Año: 2022
Duración: 107 minutos
País: Estados Unidos
Dirección: Scott Mann
Guion: Jonathan Frank, Scott Mann
Música: Tim Despic
Fotografía: Miguel De Olaso
Reparto/ Grace Fulton, Virginia Gardner, Jeffrey Dean Morgan, Mason Gooding, Julia Pace Mitchell, Jasper Cole, Darrell Dennis
Productora: Capstone Studios, Tea Shop & Film Company. Distribuidora: Lionsgate Género: Thriller. Drama | Alpinismo / Escalada

Gaucho Americano

Este trabajo me confundió. Sin mayores antecedentes, pensé que era una ficción, sin embargo mi sorpresa fue mayor cuando supe que lo relatado era un documental, y que los personajes eran reales. Tal vez lo que menciono carece de importancia, pero en el análisis creo que podría dar alguna luz. 

El relato sigue a Joaquín y Victor, quienes se desempeñan como arrieros en un rancho de Estados Unidos. Ambos son “gauchos”, provienen de la Patagonia Chilena, y están solos en un territorio que les resulta bastante ajeno. Las dificultades que enfrentan están a la vista: idioma, ambiente, cultura, y relaciones. No obstante aquello, las artes de su oficio debieran permitirles realizar correctamente el trabajo encomendado. ¿Qué sucede con los dos protagonistas de esta película? 

Lo primero que salta a la vista es la ausencia de un nudo de conflicto sustantivo. Es cierto, lo cotidiano podría serlo, pero en mi opinión no resulta suficiente. Lo segundo, y aquí vuelvo al primer párrafo, es que por el formato de la filmación no se distingue si es real o no, tal vez porque se ven conductas que no resultan naturales junto a otras que se aprecian forzadas. 

Con una bella fotografía, que es tal vez lo mejor del metraje, “Gaucho americano” es indescifrable en cuanto a su mensaje. Yo, al menos, no sé qué quiere transmitir o poner en relieve. Me parece, en todo caso, que se trata más de una historia de desarraigo, de identidad, y de choque cultural, que de búsqueda de nuevos desafíos y horizontes. Me atrevo incluso a señalar que su director, Nicolás Molina, nos deja las opciones abiertas, para formarnos nuestra propia visión y opinión. 

“Gaucho americano” no atrapa ni seduce, pero no deja de ser interesante, al menos por el tratamiento estético de sus imágenes. Buscar algo más profundo es, entonces, un desafío mayor, que se sitúa tal vez al mismo nivel del que enfrentan sus dos apacibles protagonistas. 

Ficha técnica 

Título original: Gaucho americano 
Año: 2021 
Duración: 75 minutos 
País: Chile 
Productora: Pequén Producciones 
Género: Documental | Vida rural (Norteamérica) 
Guion: Valentina Arango, Paula López, Nicolás Molina 
Música: Angel Parra 
Fotografía: Nicolás Molina 
Reparto: Documental, intervenciones de Joaquín Agüil, Victor Jara 
Dirección: Nicolás Molina 

¡Nop!

Jordan Peele nos presenta ¡Nop!, su tercera película, una intrigante, audaz y original propuesta que se mueve permanentemente sobre un manto atmosférico de suspenso y tensión. El director posee el control de todos los elementos del relato y los usa para componer un cine fantástico, resultado del cruce de varios géneros, donde la esencia principal es la construcción del relato. 

¡Nop! es la historia de los Haywood, unos rancheros del interior de California que se dedican al entrenamiento y cuidado de caballos. Al morir su padre en extrañas circunstancias, OJ -Daniel Kaluuya-, y su hermana Em -Keke Palmer-, intentan mantenerse participando con los ejemplares en producciones cinematográficas, sin embargo aquello no es suficiente. Es por eso que han debido vender animales a Ricky "Jupe" Park-Steven Yeun-, un ex niño actor y ahora dueño del parque temático "Jupiter's Claim". 

Mientras Jupe quiere comprar el rancho, los fenómenos sin explicación aumentan y los hermanos Haywood deciden documentar lo que sucede. Acuden, entonces, a Fry’s Electronics, y con la ayuda del vendedor Ángel Torres -Brandon Perea-, instalan un sistema automático de cámaras para tener registro de toda la actividad del entrono, particularmente de aquella amenaza que se esconde en el cielo. 

¡Nop! es de esas películas en las que parece que no sucede nada o bien sucede todo. Algo va a pasar… algo va a pasar… algo va a pasar… Sugiero no conocer muchos detalles, porque cualquier prejuicio que se tenga podría jugar en contra, ya que la idea es justamente dejarse atrapar y llevar por una apuesta que, sin dudarlo, asume bastantes riesgos. Las conexiones de la trama, algunos lazos y otras apariencias, son elementos que tienen peso en la historia, aunque no necesariamente conformen el núcleo central de la cinta. 

El guion, escrito también por Jordan Peele, es muy interesante. Si bien tiene marcadas fuentes de inspiración, resulta original más que por su historia, por el desarrollo de lo que consigue proponer. Los toques de humor presentes en el texto alivian momentos claves sin desviar la atención, y ayudan con ello a mantener el foco en la columna vertebral del relato. 

¡Nop! constituye una experiencia, posee muy buena fotografía, una apropiada banda sonora, actuaciones convincentes y una sólida producción. Si bien no resulta ser una sorpresa absoluta, el sello Peele acá se profundiza, ampliando el marco narrativo. Dentro de este género, donde generalmente se falla al final, el realizador demuestra nitidez de conceptos y un logrado oficio para cerrar la historia sin argumentos demasiado rebuscados. 

Y lo importante de ¡Nop!, a mi modo de ver, no es el desenlace, aunque lo busquemos durante todo el metraje. El mérito de esta propuesta está en el camino que recorre, en el cómo se desarrolla esta invitación a un viaje que mira más allá de nuestras fronteras. 

Ficha técnica 

Título original: Nope 
Año: 2022 
Duración: 130 minutos 
País: Estados Unidos 
Productora: Coproducción Estados Unidos-Japón; Universal Pictures, Monkeypaw Productions. Distribuidora: Universal Pictures 
Género: Intriga. Fantástico. Terror | Extraterrestres. Caballos. Animales. Vida rural (Norteamérica) 
Guion: Jordan Peele 
Música: Michael Abels 
Fotografía: Hoyte van Hoytema 
Reparto: Daniel Kaluuya, Keke Palmer, Brandon Perea, Steven Yeun, Terry Notary, Donna Mills, Michael Wincott, Barbie Ferreira, Jennifer Lafleur, Ryan W. Garcia, Sophia Coto, Andrew Patrick Ralston, Conor Kowalski
Dirección: Jordan Peele

Clean

Disponible en Netflix.

La premisa es sencilla, presenta la historia de un basurero apodado “Clean” -Adrien Brody-, quien desempeña un trabajo rutinario en zonas peligrosas de Utica, Nueva York. Entre bandas criminales y delincuencia callejera, Dianda, una adolescente que vive sola con su abuela -interpretada por Chandler DuPont-, viene a ser la protegida del protagonista. Él está siempre pendiente e intenta ayudarla de diferentes maneras. 

El barrio es complejo. El negocio de las drogas está desatado, y el jefe del sector, Michael -Glenn Fleshler-, lo lidera con especial rudeza. Es quizá por eso que la debilidad de su hijo Mikey lo saca de quicio y es algo que simplemente no acepta. En las calles se hace carne la ley del más fuerte, del que grita más alto y también la del que golpea o dispara primero, en una suerte de selva sobre cemento, donde la violencia se combate con más violencia, y solo sobrevive quien está dispuesto a arriesgarse y sortear con éxito las condiciones del entorno. 

El nudo del conflicto tarda bastante en aparecer, y es predecible. Obviamente, Clean y Michael se van a cruzar, pero tal vez de un modo diferente, porque avanzando el metraje conocemos chispazos de la vida anterior de Clean, quien, sin duda, no ha estado exento de eventos de extrema violencia. Es cosa de tiempo para que los fantasmas del pasado que aun le atormentan, emerjan por defender a su protegida, dejando al descubierto cicatrices y heridas que no han sanado, y que están lejos de ser superadas. 

Dirigida con mucha parsimonia por Paul Solet, este filme es de esas películas cortas que desafortunadamente se hacen largas. Le juega en contra que le entregue demasiado peso a la actuación de Brody -actor, coguionista, productor ejecutivo-, y que tome demasiado tiempo en configurar su escenario. Es más, cuando se decide a actuar, es decir, pasar concretamente a la acción, ya es tarde. Tanto se venía anticipando lo que ocurriría que ya no sorprende y tampoco logra conquistar nuestra atención. 

Hay un trasfondo importante en la historia, pero aquello no se transmite. El pasado se deja entrever, es difuso y tormentoso, implica mucho sufrimiento y pérdidas irreparables para el personaje de Brody quien lo actúa muy bien porque dice mucho con su mirada y con sus ojos, pero aún así eso no se logra traspasar al relato. Me parece que, además, contiene baches narrativos importantes y un ritmo irregular que no le permite equilibrar correctamente el desarrollo del metraje. 

“Clean” tiene como portaviones a Adrien Brody, pero no alcanza a levantar el vuelo. Es una película que queda al debe, que podría haber quedado mejor resuelta y que, también, podría haber resultado un tanto más atractiva. Cine para una tarde sin ninguna otra opción a la vista, con Adrien Brody como su mayor activo y al que, pese a no despuntar, siempre resulta interesante de observar. 

Ficha técnica 

Título original: Clean 
Año: 2021 
Duración: 94 minutos 
País: Estados Unidos 
Productora: Adrien Brody, Daniel Sollinger 
Género: Drama. Thriller | Crimen 
Guion: Paul Solet, Adrien Brody 
Música: Nick Fevola, Steve Juliani, Steve Kempster, Austin Wintory 
Fotografía: Zoran Popovic 
Reparto: Adrien Brody, Glenn Fleshler, Richie Merritt, Chandler DuPont, Michelle Wilson, John Bianco, Dinora Walcott, Pat Buck, Aaron Callahan, Michael Callahan, Sonia Conlin, Gerard Cordero, Alex Corrado, ver 16 más 
Dirección: Paul Solet

Crimes of the Future

Disponible en Mubi.

No se guarda nada David Cronenberg en su nueva cinta. Estamos ante una película comprometida y visceral que resulta tan incómoda como provocativa. Es ciencia ficción pura, pero muy conectada con la biotecnología, con la interacción máquinas-humanos, dando cuenta de una evolución biológica impensada. En un mundo del futuro que Cronenberg tiñe con una capa de denuncia, observamos una cinta de horror y terror cuyo centro está configurado por diversas “performances artísticas” que demuestran claramente un gran cúmulo de obsesiones. 

La pareja central está compuesta por Saul Tenser -Viggo Mortensen-, y su compañera Caprice -Léa Seydoux-. Ambos montan cuidados espectáculos que revelan la metamorfosis producida en algunos órganos de Saul. Crecimientos anormales y mutaciones sustantivas, se transforman en una particular forma de vanguardia cuando las extracciones se realizan “en vivo” y en un ambiente calculado que está en la mira de las autoridades gubernamentales. 

Cuando Timlin -Kristen Stewart-, una investigadora a cargo de seguir de cerca sus pasos, toma contacto con Tenser, logramos darle sentido al crudo inicio del relato: hay un grupo de personas, evolucionistas radicales, cuyo fin es revelar lo que viene, la próxima etapa de la especie humana; han modificado su aparato digestivo para nutrirse de plásticos y residuos. Por eso es que Timlin busca a Saul, para que se involucre, se infiltre, sin siquiera sospechar que esta comunidad, a través de su líder Lang -Scott Speedman -, también quiere utilizar al artista para dar a conocer su trabajo. 

El metraje es cine de autor, ciertamente, y tiene el sello Cronenberg estampado en sus 107 minutos de duración. Mediante una anticipación de un futuro sin fecha, el realizador expone una nueva cultura que puede ser tanto adaptativa como regenerativa. Desde allí emerge su denuncia sobre este mundo que estamos, al mismo tiempo, transformando y destruyendo; Cronenberg propone el cómo responde la evolución natural ante aquello, y también la forma cómo operan las pulsiones más oscuras del ser humano ante circunstancias que comienzan, poco a poco, a escapar de su control. 

Con un equipo actoral vigoroso más una notable banda sonora, una brillante composición, y un montaje con efectos especiales vibrantes, visualizamos una película que, considero, no es apta para todo público. Naturalmente se sale de cualquier espacio de confort y por momentos se hace difícil de ver, tal vez provocando distancia o incluso repulsión. Sin embargo, es justamente allí donde radica su mayor valor artístico, porque plantea una tesis transgresora que es, al mismo tiempo, desafiante y atractiva. “Crimes of the Future” recomiendo verla, discernirla y comentarla con tiempo, y reposadamente. 

Ficha técnica  

Título original: Crimes of the Future 
Año: 2022 
Duración: 107 minutos 
País: Canadá 
Productora: Coproducción Canadá-Grecia-Reino Unido-Francia; Serendipity Point Films, Argonauts Productions S.A, Ingenious Media, Téléfilm Canada, Bell Media, Canadian Broadcasting Corporation (CBC), Ekome, The Harold Greenberg Fund 
Género: Ciencia ficción. Fantástico. Terror 
Guion: David Cronenberg 
Música: Howard Shore 
Fotografía: Douglas Koch 
Reparto: Viggo Mortensen, Léa Seydoux, Kristen Stewart, Scott Speedman, Welket Bungué, Don McKellar, Lihi Kornowski, Tanaya Beatty, Nadia Litz, Yorgos Karamihos, Yorgos Pirpassopoulos, Denise Capezza, Ephie Kantza, Jason Bitter 
Dirección: David Cronenberg

Bestia

Basada en una historia de Jaime Primak Sullivan y con guion de Ryan Engle, estamos ante una película bien hecha que denota el oficio de su director, Baltasar Kormákur. Tiene tomas largas, en plano secuencia, que resultan admirables, y además de su excelente fotografía y edición, logra el cometido de mantener la tensión en forma constante. 

La trama presenta al Dr. Nate Samuels -Idris Elba-, quien regresa a Sudáfrica luego de enviudar recientemente. Vuelve al sitio donde conoció a su esposa, y en este viaje pretende recorrer el lugar con sus dos pequeñas hijas, Meredith y Norah, tomando como base de operaciones una reserva de caza liderada por un viejo amigo que oficia allí como biólogo de vida silvestre. 

El comienzo de la cinta es crudo. Dan ganas de escapar, y es porque presenta la brutalidad de los cazadores clandestinos que matan animales para venderlos en el mercado negro. Sin embargo este comienzo le entrega contexto al relato, porque es justamente la creciente amenaza de un león salvaje la que pone en jaque a la familia Samuels de una manera totalmente inesperada. 

Estamos ante una trama lineal y clásica. La historia es simple, presenta sus personajes y rápidamente llega a establecer los conflictos que se encuentran presentes tanto en el propio lugar como en las relaciones de este padre con sus hijas. El desarrollo del metraje es lento pero intenso, con capas que por momentos resultan muy violentas y que, no obstante aquello, conducen adecuadamente al clímax de la cinta y a su posterior resolución. 

Las actuaciones son sólidas. Destaca, por supuesto, Idris Elba y las dos niñas realmente se desempeñan muy bien. Los efectos especiales se notan, es cierto, pero así y todo logran el objetivo que no nos despeguemos de la pantalla. 

“Bestia” es de esas películas cuyo suspenso atrapa. No necesitamos pensar mucho, solo sufrir con lo que sienten los protagonistas. Eso es suficiente para que su hora y media de duración sea efectiva y pase muy rápido, tal vez tanto como el temor que hace sentir el Rey de la Selva cuando ve amenazada su manada y su territorio. 

Ficha técnica 

Título original: Beast 
Año: 2022 
Duración: 93 minutos
País: Estados Unidos 
Género: Thriller. Drama. Terror | Supervivencia. África. Animales. Familia 
Productora: RVK Studios, Universal Pictures, Will Packer Productions. Distribuidora: Universal Pictures 
Guion: Ryan Engle. Historia: Jaime Primak Sullivan 
Música: Steven Price 
Fotografía: Philippe Rousselot 
Reparto: Idris Elba, Sharlto Copley, Iyana Halley, Leah Jeffries, Mel Jarnson, Anzor Alem, Billy Gallagher, Dorian Hedgewood, Kate Grisley, Travis Lemrick, Robby MacIsaac, Damon Burtley, Hudson Anne-Black 
Dirección: Baltasar Kormákur

Tren Bala

El escenario de esta película es un Tren ultrarrápido que viaja de Tokyo a Kyoto. “Ladybug” -Brad Pitt-, un ex asesino profesional, ha recibido la misión abordarlo y robar un preciado maletín, un encargo que, luego de la mala suerte que le persigue desatando múltiples tragedias cada vez que interviene, pareciera ser un trabajo bastante más sencillo. Lo que “Ladybug” desconoce es que en el Tren viajan otros asesinos que también tienen alguna relación con dichoso maletín, y claramente no tienen buenas intenciones. 

Mientras recibe permanentes instrucciones telefónicas de parte de su supervisora, Maria Beetle, el protagonista rápidamente pone manos a la obra y logra ubicar el objeto buscado y que es transportado por los llamados gemelos “Tangerine” y “Lemon”, dos sicarios tan especiales como diferentes. Pero eso no es todo, en Primera Clase viaja “El Príncipe” -Joey King-, quien a su vez es perseguida por “El Padre” -Andrew Koji-, por haber dejado a su hijo en coma. También irrumpen en la acción “El Lobo”, un asesino mexicano que busca venganza, y “The Hornet” -Zazie Beetz-, una asesina estadounidense especialista en venenos, quienes completan una pléyade de maleantes que indudablemente se enfrentarán a bordo mientras “White Death” -Michael Shannon-, el líder de la mayor organización criminal del mundo, les espera en la estación terminal de Kyoto. 

Esta entretenida película de dos horas de duración es vibrante y por momentos en extremo frenética. Dirigida por David Leitch, destaca un gran esfuerzo de producción y avanza gracias una edición tan vertiginosa como su propia acción. Al ser una adaptación de la novela japonesa “Maria Beetle” -publicada en inglés como Bullet Train-, de Kōtarō Isaka, el guion escrito por Zak Olkewicz resulta enrevesado y complejo, lo que requiere atención para comprender y no perderse los detalles presentes en flashbaks que interrumpen cada cierto tiempo un metraje que irradia energía y vigor. 

Filmada durante la pandemia sobre tres vagones fijos con pantallas de movimiento es sus ventanas para sumergir a sus actores en esta recreación, la cinta posee algo más que ciertos guiños a Tarantino. Podríamos decir, incluso, que podría estar inspirada en el estilo del director, pero de manera alocada, casi desbocada, con enormes dosis de violencia, sangre a borbotones, aunque cuidando algunos excesos y dando rienda suelta a otras pulsiones que ciertamente transgreden algunos márgenes un poco más allá de lo acostumbrado. 

Fiel a un formato de comedia negra, mantenido a lo largo de todo el metraje, la película tiene cameos de varios famosos, quienes aparecen en los momentos menos pensados y entregan un toque especial al humor presente en el filme desde el primer minuto. En esta especie de “broma fílmica” hilarante y desopilante, solo encontramos algo de distensión luego de la máxima tensión que impone y que nunca deja de complicar las cosas, intenta explicar cada uno de los detalles que abren en el relato. 

“Bullet Train” constituye una apuesta diferente; no es la típica película que pensaríamos encontrar. Ni siquiera el trailer logra transmitir con certeza lo que veremos en pantalla, más bien solo algunos esbozos y una que otra secuencia que deja ver muy poco de lo que contiene su desarrollo. Dicho lo anterior, me parece que está cinta no es para todo tipo de público pues podría herir sensibilidades. Además, cualquier prejuicio es mejor dejarlo fuera de la sala de cine, o del mismo tren, porque mientras más abiertos y receptivos estemos ante esta propuesta, mejor será nuestra experiencia. 

Ficha técnica 

Título original: Bullet Train 
Año: 2022 
Duración: 126 minutos 
País: Estados Unidos 
Productora: 87North, CTB Inc, Fuqua Films, Sony Pictures Entertainment (SPE). Distribuidora: Sony Pictures Entertainment (SPE) 
Género: Acción. Thriller. Comedia | Comedia negra. Trenes / Metros 
Guion: Zak Olkewicz. Novela: Kotaro Isaka 
Música: Dominic Lewis 
Fotografía: Jonathan Sela 
Reparto: Brad Pitt, Joey King, Aaron Taylor-Johnson, Brian Tyree Henry, Andrew Koji, Hiroyuki Sanada, Michael Shannon, Sandra Bullock, Zazie Beetz, Logan Lerman, Masi Oka, Miraj Grbic, Bad Bunny, Johanna Watts, Pasha D. Lychnikoff 
Dirección: David Leitch

Buena suerte Leo Grande

Escrita por Katy Brand y dirigida por Sophie Hyde, “Good Luck to You, Leo Grande” sorprende gratamente por el buen desarrollo y tratamiento de un tema aún considerado tabú. Una película de este tipo, franca, abierta y sin prejuicios, sitúa sobre la mesa un sinnúmero de aspectos que habitualmente se ocultan, se abordan a medias, o simplemente se pasan por alto, especialmente por tratarse de temas que dicen relación con el placer sexual femenino y su anhelada satisfacción.

Nancy Stokes -Emma Thompson-, ya está jubilada. Hace un tiempo falleció prematuramente su marido Robert, con quien compartió 31 años conformando un hogar con dos hijos. No obstante el indudable cariño, Nancy nunca estuvo satisfecha con sus relaciones íntimas. Para ella, el sexo era una obligación, algo que se debía hacer, tal vez sin cuestionamiento alguno, lo que ni siquiera le daba oportunidad de rebelarse ni menos solicitar alguna consideración especial. 

En una decisión alejada de su formal estilo, Nancy concibe una fantasía, una aventura para descubrir aquello que por años le fue negado. Entonces, toma un riesgo y contrata un trabajador sexual para llevar a cabo una acotada y clara una lista de pendientes, algo así como lo que siempre soñó, y que ahora podrá finalmente hacerse realidad. 

En una habitación de hotel, Nancy recibe a Leo -Daryl McCormack-, un apuesto joven que resulta ser aun mejor de lo que ofrecen sus fotos. El nerviosismo de Nancy se agiganta, sus contradicciones se hacen aun más fuertes, emergen sus miedos y la posibilidad de arrepentirse se ve cercana. ¿Qué es lo que sucede? ¿Qué hace variar el escenario? Es la actitud de Leo, experimentado en estas situaciones, la que produce efecto. Su escucha atenta y empática, la calidez de la conversación que proporciona, y su clara concepción de lo que significa para Nancy el paso que está dando, son factores que provocan que, lentamente, ella baje la guardia y pueda iniciar una aventura tan desconocida como gratificante.  

Esta película, y en un particular estilo, se desarrolla como si de una obra de teatro se tratara: dos protagonistas en un espacio cerrado, mínimos elementos y una sustancia basada en un texto que no deja ningún detalle al azar. El excelente guion aborda los miedos y traumas del pasado de Nancy y los enfrenta con las nuevas expectativas y la realidad con la que ella de pronto se encuentra.

Este camino de transformación que vive la protagonista a lo largo de cuatro sesiones, se convierte en un viaje íntimo y profundo, donde los diálogos dan cuenta de la contención, el entendimiento y el acompañamiento que Leo le proporciona a lo largo de sus programados encuentros. La película se sustenta principalmente en las relaciones humanas de sus protagonistas y por largos momentos es muchísimo más una terapia que encuentros sexuales pactados.

A lo largo del metraje conocemos algo más de Nancy, su verdadero nombre, su profesión -ex profesora de Religión-, anécdotas de su marido y también la decepción que siente por sus hijos. Y también conocemos más a Leo. Aunque en un tono más bajo, pero no menos importante, sabemos de su madre y de su hermano, y sobre la manera de ocultarles su accionar haciéndose pasar como trabajador de una plataforma petrolera, no por vergüenza de lo que realiza, sino por diferentes consideraciones que comprenderemos hacia el final de la película. 

“Buena suerte Leo Grande” es una película de sanación y aceptación, y que en ningún caso resulta obscena. Con diálogos chispeantes, precisos y contundentes, reafirma la credibilidad de sus vibrantes actuaciones. Emma Thompson luce espléndida, tímida y recatada, empoderada y complaciente, mientras Daryl McCormack la acompaña con un carisma que brota espontáneamente. Ambos actores construyen, con esmero, una cinta reflexiva que, gracias a su transparente naturalidad, permanecerá por un buen tiempo en nuestra memoria. 

Ficha técnica 

Título original: Good Luck to You, Leo Grande 
Año: 2022 
Duración: 97 minutos 
País: Reino Unido 
Productora: Genesius Pictures, Cornerstone Films 
Género: Comedia. Drama | Prostitución. Sexualidad y pornografía 
Guion: Katy Brand 
Música: Stephen Rennicks 
Fotografía: Bryan Mason 
Reparto: Emma Thompson, Daryl McCormack, Isabella Laughland, Charlotte Ware, Carina Lopes 
Dirección: Sophie Hyde

Escalera al Infierno

La historia que observamos presenta a la familia de Keira Woods -Elisha Cuthbert-, su esposo Brian -Eoin Macken-, y sus hijos Ellie y Steven, llegando a su nueva casa. Y no es cualquier casa, pues naturalmente se nos muestra misteriosa, lúgubre y sombría. Eso por eso que, cuando Elli desaparece de improviso, lo que presumíamos se hace realidad: algo poderoso y muy antiguo parece tener el control del lugar. Está relacionado al Leviatán y a Baphomet, una deidad pagana asociada con lo oculto. 

Escrita y dirigida por Brendan Muldowney, esta cinta no se apura en la dinámica de sus hechos. Debe transcurrir una hora para ver una escena que, al menos a mí, recién logró ponerme los pelos de punta. Este terror meridiano, mezcla de suspenso y de misterio, se alarga demasiado, se estira como cicle, y más o menos funciona en la consecución de su objetivo.  

Es cierto que no abusa de clichés -lo que es bueno y se agradece-, sin embargo, aquello no le permite provocar muchas sorpresas. También, como muchas otras cintas de este tipo, se cae en la explicación final de la sustancia que la trama nos presenta. Las actuaciones tampoco ayudan demasiado, son planas y poco creíbles. La teoría detrás del misterio, o más bien, la búsqueda por desentrañarlo, resulta más interesante, no obstante su debilidad al ejecutarla y transmitirla. 

Con una buena ambientación, una música adecuada y una apropiada banda sonora, “The Cellar” no es ningún descubrimiento mágico y tampoco algo, a priori, descartable. Su punto más débil es la carencia de tensión que posee su primera mitad, una lentitud que podría hacernos abandonar la aventura. Pero si decide quedarse, lo mejor es que esta película es corta, solo 94 minutos para llegar al final de un camino que no avanza demasiado pero que tiene elementos que podrían lograr capturar en algo nuestra atención. 

Ficha tecnica 

Título original: The Cellar 
Año: 2022 
Duración: 94 minutos 
País: Irlanda 
Productora: Epic Pictures, TYM Productions, SP Films, Wrong Men North. Distribuidora: Wildcard Distribution, Front Row Filmed Entertainment, Shudder 
Género: Terror | Casas encantadas 
Guion: Brendan Muldowney 
Música: Stephen McKeon 
Fotografía: Tom Comerford 
Reparto: Elisha Cuthbert, Eoin Macken, Dylan Fitzmaurice Brady, Abby Fitz, Aaron Monaghan, Andrew Bennett, Tara Lee, Michael-David McKernan, Marie Mullen, Amy Conroy 
Dirección: Brendan Muldowney

El espía inglés

Disponible en Amazon Prime.

El marco escénico de esta película es la Guerra Fría, específicamente, la crisis de los misiles cubanos. Ante la inminente amenaza nuclear y su efecto devastador, el MI6 y la CIA deciden utilizar a un ciudadano común, un hombre de negocios llamado Greville Wynne -Benedict Cumberbatch-, para que, so pretexto de la búsqueda de nuevas oportunidades comerciales, viaje en forma seguida a Moscú para tomar contacto con Oleg Penkovsky -Merab Ninidze-, un funcionario soviético de alto rango con acceso a información reservada. 

El objetivo de los contactos es permitir que Penkovsky siga entregando a occidente numerosos informes clasificados sobre los planes nucleares rusos, y con ello poder anticipar decisiones vitales en una carrera peligrosa y de incierto desenlace. 

“The Courier”, su título original, está inspirada en hechos reales. Aporta una mirada diferente del conflicto y refleja fielmente lo que significa la lealtad y la traición, sobre todo en momentos en que la amenaza de una guerra nuclear desestabiliza el bien común y La Paz mundial. 

Dirigida por Dominic Cooke, la cinta también se sumerge en las familias de los protagonistas, la vulnerabilidad que acarrea cualquier decisión y, por supuesto, los secretos que se deben mantener para poder llevar a cabo la misión. 

El hecho de usar a una persona común como mensajero podría ser novedoso, sin embargo es una estrategia bastante habitual. En este caso, lo que representa Greville Wynne resulta perfecto para los fines, es decir, una persona formal, totalmente en su hábitat natural -negocios-, con excelente disposición, alguien que incluso le agrega imposiciones al deber asumido. Wynne va al sacrificio, conoce los riesgos, sabe que puede sobrevenir el sufrimiento pero estoicamente lo acepta. Por otro lado Penkovsky es consciente que su vida depende de no ser descubierto. El fin último que tienen ambos, ¿vale el sacrificio, vale la pena, vale la vida? 

“El espía inglés” podría definirse como una película correcta. La historia es más que su realización aunque aporte conocimientos sobre un hecho relevante, lo que indudablemente no es un mérito menor. Las actuaciones son sólidas y creíbles. Los diálogos también son valiosos. En mi opinión particular, eso sí, se siente algo encapsulada, abusa un poco de los estereotipos y caricaturas de los rusos, y demora en encontrar el punto central de tensión. Aun así, resulta interesante y merece apreciar sus casi dos horas de duración no solo por la capacidad actoral de Benedict Cumberbatch para sostener el relato, sino que, además, para asimilar un guion firmado por Tom O'Connor que nos instruye sobre una vertiente menos conocida del conflicto diplomático entre Estados Unidos, la Unión Soviética y Cuba en octubre de 1962. 

Ficha técnica 

Título original: The Courier 
Año: 2020 
Duración: 111 minutos 
País: Reino Unido 
Productora: 42, SunnyMarch, Filmnation Entertainment 
Género: Intriga. Drama | Guerra Fría. Espionaje. Basado en hechos reales 
Guion: Tom O'Connor 
Música: Abel Korzeniowski 
Fotografía: Sean Bobbitt 
Reparto: Benedict Cumberbatch, Rachel Brosnahan, Jessie Buckley, Merab Ninidze, Angus Wright, Kirill Pirogov, Elina Alminas, Joseph Balderrama, Russell Balogh, Deano Mitchison, Laurel Lefkow, Arthur Wilde, Andrey Kurganov 
Dirección: Dominic Cooke

El Hombre Gris

Disponible en Netflix.

Esta es la historia de “Six”. En realidad, de “Sierra Six”, nombre en clave para el agente de la CIA Court Gentry -Ryan Gosling-, quien lleva 18 años ejecutando peligrosas misiones encubiertas desde que fuera reclutado desde la cárcel por el creador del “Proyecto Sierra”, Donald Fitzroy -Billy Bob Thornton-. Estamos en el año 2021, y nuestro protagonista recibe el encargo de ejecutar a un peligroso criminal que se encuentra en la mira por traficar secretos que ponen en riesgo la seguridad nacional. 

En Bangkok, y con la ayuda de la agente Dani Miranda -Ana de Armas-, la operación no sale según lo que estaba planeado. Liquidar al objetivo implicaba daños colaterales, por lo que “Six” decide enfrentarlo directamente. Para sorpresa de todos, el sospechoso se identifica como “Sierra Four”, y antes de morir entrega a “Six” un disco encriptado con información confidencial que dejaría al descubierto la red de corrupción de Denny Carmichael -Regé-Jean Page-, el alto oficial de la CIA que se encuentra a cargo de las operaciones. 

El asunto se sale de control. “Six” ya no confía en su agencia y pide ayuda al ya retirado Fitzroy. Por su parte, Carmichael contrata los servicios privados de Lloyd Hansen -Chris Evans-, ex agente de la CIA, expulsado por caprichoso e irreverente, que se ha transformado en un sádico mercenario. Como nada resulta, se suma al cuadro Suzanne Brewer -Jessica Henwick-, quien debe controlar a Hansen, intentar mantenerlo a raya, y recuperar la preciada memoria digital. 

Dirigida por Anthony Russo y Joe Russo, “El hombre gris” se basa en la novela de Mark Greaney y posee todos los atributos que nos indican que esta entrega es el inicio de una saga. El guion, firmado por Joe Russo, Christopher Markus y Stephen McFeely, no da tregua, y abarca 122 minutos que conjugan diversas locaciones, infartantes persecuciones, impactantes tiroteos, coreográficas peleas cuerpo a cuerpo, y un sin fin de condimentos que no puede escasear en películas de este género. 

Las secuencias de acción que tiene la cinta son, tal vez, sus puntos más altos. Y destacan al menos, dos de ellas. La mejor es la que observamos en Praga, dura unos veinte minutos, y realmente resulta sorprendente por su nivel de continuidad y edición. La otra es una serie de tomas en el aire, con interiores y exteriores, donde la caída del avión es lo de menos si pensamos en la suerte de cada uno de los tripulantes, los vigilantes, y por cierto, lo que hace “Sierra Six”, al mejor estilo “James Bond”, y en sintonía con dificultades tipo “Misión Imposible”. 

Es cierto, esta nueva cinta no propone nada demasiado nuevo en cuanto a su historia y su correspondiente desarrollo. ¿Es predecible? Por supuesto que lo es. ¿Lo hemos visto? Muchas veces. Entonces, ¿esta nueva apuesta resulta o es una película más, de las que ya vamos acumulando por docenas? La respuesta es más sencilla de lo que parece; es una película trepidante, que funciona porque está bien desarrollada y muy bien ejecutada. ¿Es olvidable? Ciertamente, pero lo que no se olvidará tan fácil es su grado extremo de pirotecnia, los recursos invertidos para darle vida, y lo entretenida que resulta. 

Parte importante de esta cinta es la incorporación de atractivos protagonistas. A Ryan Gosling, que ha confesado su sueño por hace una película de este tipo, se le ve comodísimo en su rol. No se arruga, y sortea el desafío como alguien que siempre estuvo en plena forma para un papel así. Chris Evans, ahora en un rol malévolo, suma sarcasmo e ironía a un personaje detestable, algo que funciona como bisagra para suavizar un poco la ferocidad de su actuar. Ana de Armas aporta un toque diferente, es la tercera en discordia, a veces más empoderada, a veces más vulnerable, tan creíble como fundamental para las vías de escape que entrega a “Six”. A este trío, marcado por su potencia actoral, debemos sumar varios secundarios que se muestran sólidos y convincentes; Billy Bob Thornton, Regé-Jean Page y Jessica Henwick, apoyan de buena forma la complejidad de la trama y muestran lo suyo en las escenas a su cargo. 

En síntesis, “El Hombre Gris” es un acierto de Netflix, y resulta una sorpresa su estreno en streaming y no en pantalla grande. Como una de sus producciones más costosas, el dinero parece bien invertido. Seguro estará entre lo más visto y si los números acompañan, veremos más historias “Sierra” en el futuro. No en vano, son dos horas que pasan volando y que no solo distraen. Puedo decir que cumple lo que promete; definitivamente es diversión garantizada. 

Ficha técnica 

Título original: The Gray Man 
Año: 2022 
Duración: 122 minutos 
País: Estados Unidos 
Productora: AGBO, Netflix, Roth Films, Roth/Kirschenbaum Films, Stillking Films. 

Distribuidora: Netflix 
Género: Thriller. Acción | Espionaje 
Guion: Joe Russo, Christopher Markus, Stephen McFeely. Novela: Mark Greaney 
Música: Henry Jackman 
Fotografía: Stephen F. Windon 
Reparto: Ryan Gosling, Chris Evans, Ana de Armas, Billy Bob Thornton, Regé-Jean Page, Alfre Woodard, Jessica Henwick, Wagner Moura, Julia Butters, Scott Haze, Callan Mulvey, Robert Kazinsky, Deobia Oparei, Dhanush, Jimmy Jean-Louis, Dana Aliya Levinson 
Dirección: Anthony Russo, Joe Russo

Elvis

El director Baz Luhrmann -“Romeo+Julieta”, “Moulin Rouge”, “El gran Gatsby”- entrega en esta cinta una visión particular del Rey del Rock and Roll. Esta película semi biográfica del icónico Elvis Presley, narrada desde la particularidad del coronel Tom Parker -Tom Hanks-, su controvertido manager, fluye con deslumbrante energía gracias a un llamativo despliegue escénico junto a una forma vertiginosa y vibrante que, en no pocos momentos, resulta abrumadora. 

El eje central del relato es la relación entre la figura de Presley -Austin Butler-, y quien impulsa su carrera, un compromiso de más de 20 años que se refleja en una montaña rusa de ascensos, descensos, aciertos, fracasos, ganancias económicas y pérdidas monetarias, en una simbiosis que logra unir dos personalidades opuestas que, sin embargo, generan puntos de encuentro en inesperados vértices. Al medio de estos dos hombres se cuela la figura de Priscilla Presley -Olivia DeJonge-, tal vez un cable a tierra. pero también un punto de inflexión, tanto por su grado de influencia en el cantante como por su marcado temple para tomar decisiones y ejecutar acciones. 

Desde el punto de vista técnico, la película sorprende. Observamos muchas escenas filmadas desde los más diversos ángulos, unidas gracias a una perfecta edición. También visualizamos resúmenes rapidísimos, eventos que entregan muchísima información en muy poco tiempo, y que dan cuenta de una continuidad certera, con precisas secuencias dotadas de un notable ritmo narrativo. 

Uno de los aspectos novedosos de esta entrega es que mira la historia desde el punto de vista del coronel Parker, quien vendría a ser como el villano de turno. A simple vista, puede fundirse lo que es ficción y realidad, obligándonos, tal vez, a buscar fuentes de información para corroborar algunas aristas que se expresan nítidamente en el filme. Pero el punto no es, necesariamente, ser fiel a la realidad. Baz Luhrmann dirige su versión hacia otro objetivo, uno quizá aun más ambicioso. Su mirada está puesta en la imagen, en las capas externas de un fenómeno que tal vez es único, y cuya generación responde a múltiples factores, una curiosa alineación de astros que puede ser tan osada como irrepetible. ¿Es resultado de la suerte o responde a la creación de un ícono? Porque generación espontánea no es, claramente.  

De los puntos altos de este atractivo filme son sus excelentes actuaciones, llenas de alma y espíritu. Austin Butler se posesiona de su rol, se ve imbuido, compenetrado y transformado. Qué bien descrita está la fascinación irresistible que provoca, esa locura desenfrenada que despierta su performance en un público que no comprende lo que sucede frente a sus sentidos. Asimismo, Butler refleja muy bien lo que permanente busca Elvis, ese refugio que le entrega el canto y el show, algo que configura un ambiente protegido, su hábitat, su espacio de confort, su verdadera casa. Por su parte, Hanks da vida a un personaje qué camina siempre sobre la cornisa, en una dualidad permanente que se inclina hacia el abuso y un aprovechamiento indiscutido. ¿Es una oportunidad para ambos, es así su destino? ¿Son inseparables, consecuencia, el uno del otro? 

Elvis transita a través de un mar de dudas, de inseguridades y de temores, que solo son posibles de contener gracias a las múltiples expresiones artísticas que logra realizar. Ante ello, llama la atención la ausencia de marcas físicas, no así íntimas, que exhibe Butler en su interpretación. Tal vez no las necesita, no requiere de ese aspecto de chico rudo y curtido que ha ayudado a construir la personalidad exterior de una figura hecha a pulso, y cuya mayor preocupación, finalmente, es sobre su trascendencia y su legado. No en vano, Parker desnuda este aspecto esencial con una frase que podría resumir en una línea el mensaje final de esta película: “Ambos somos iguales, dos niños extraños y solitarios buscando ser eternos”. 

Ficha técnica 

Título original: Elvis 
Año: 2022 
Duración: 159 minutos 
País: Australia 
Productora: Coproducción Australia-Estados Unidos; Bazmark Films, Roadshow Entertainment, Warner Bros., Whalerock Industries, The Jackal Group. Distribuidora: Warner Bros. 
Género: Drama | Biográfico. Música. Años 50. Años 60. Años 70 
Guion: Jeremy Doner, Sam Bromell, Baz Luhrmann, Craig Pearce. Historia: Jeremy Doner, Baz Luhrmann 
Música: Elliott Wheeler 
Fotografía: Mandy Walker 
Reparto: Austin Butler, Tom Hanks, Olivia DeJonge, Richard Roxburgh, Helen Thomson, David Wenham, Kelvin Harrison Jr., Kodi Smit-McPhee, Dacre Montgomery, Luke Bracey, Xavier Samuel, Kate Mulvany, Natasha Bassett 
Dirección: Baz Luhrmann