El niño del Plomo

Esta cinta dirigida por Daniel Dávila tiene como telón de fondo un descubrimiento que hicieron dos pirquineros en el cerro El Plomo, a 5400 metros de altura, en Febrero de 1954: en la cumbre encontraron el cuerpo de un niño Inca congelado por más de 500 años. Como decidieron trasladarlo a Santiago, retiraron así esta ofrenda entregada en su momento a la montaña.

En el Santiago actual, Mateo y su niñera Scarlett emprenden el ascenso a El Plomo sin una motivación clara. Mateo parece recibir un llamado enigmático, una voz proveniente del cerro, que le reclama acerca de lo sucedido y que necesita, o más bien le exige, visitar el lugar de los hechos.

Luego de un inicio con imágenes rápidas producidas con una compleja edición, sentimos agobio. La música colabora a dicha sensación por sus secuencias de medios tonos, unos clústers tonales que, junto con la superposición de imágenes, aumentan progresivamente la tensión. Luego viene la calma, el sonido del viento y el silencio; por fin la anhelada paz.

Entonces, la bella fotografía surge en esplendor: una imagen preciosa acompañada de un imponente silencio. Es la blanca montaña, es la naturaleza, es todo un renacer. Algunos carteles con texto manuscrito nos dan algunas explicaciones. Observamos un diario, un relato, una historia.

“El Niño del Plomo” es una película conceptual, abstracta, con analogías y alegorías de una ruta, de un camino, de un tránsito tan confuso como difuso. Cuando hay diálogos, se pierde bastante de la magia que entregan las imágenes y los sonidos, se siente sobreactuada, no resulta natural si lo comparamos con la majestuosidad del retrato anterior.

El ascenso es difícil, dificultoso, hay cansancio, es un desafío mayor. Persisten, en varios pasajes, los sonidos tensos y los cortes abruptos que entregan el silencio como oposición.

El trabajo de Daniel Dávila es onírico. Su trabajo de las luces, los colores y los sonidos entregan una sensación mágica inmersiva, con conexiones de todo tipo mayormente entregadas a lo que el espectador pueda configurar y concebir.

Los cuatro elementos esenciales están presentes; tierra, aire, fuego y agua. La película pasa de estática a difusa, también se llena de fusiones (o confusiones) a lo largo y ancho de su metraje.

“El Niño del Plomo” es un cúmulo de experiencias sensoriales, un trabajo atemporal y también experimental cuyo objetivo se difumina aún más al llegar a su propia cumbre. Si se completa o no, si es inicio o fin, queda entregado a quienes acompañemos este recorrido; desde nuestra propia visión, y desde nuestra propia experiencia.

Ficha técnica

País: Chile
Año: 2021
Duración: 77 minutos
Casa productora: Kiné-Imágenes Producciones
Producción: Teresita Ugarte
Guion: Daniel Dávila, Elisa Eliash
Dirección de fotografía: Enrique Stindt
Montaje: Daniel Dávila
Dirección de arte: Víctor Nuñez
Sonido: Charly Rojas, Roberto Zuñiga
Elenco: Daniela del Pino, Mateo del Sante
Dirigida por: Daniel Dávila 

Amsterdam

Disponible en Cines.

Un médico, una enfermera y un abogado. Burt, Valerie, Harold. Tres amigos que comparten una historia.

En 1933, en Estados Unidos, las secuelas de la guerra aún persisten. Burt -Christian Bale-, atiende en su consultorio a los veteranos; Harold -John David Washington-, se ha convertido en abogado; y Valerie -Margot Robbie-, ha quedado atrás, en aquel recuerdo de Amsterdam donde, 15 años atrás, los tres se conocieron y trabaron amistad.

El reconocido Senador Meekins ha muerto. Harold, contratado por la hija del también ex general, le pide a Burt hacer la autopsia. Hay algo extraño en la causa del deceso; se sospecha que fue asesinado. Los dos amigos deciden investigar y encuentran un hilo que los lleva hasta Tom Voze -Rami Malek-, un rico empresario textil, que resulta ser nada menos que el hermano de Valerie. Reunidos nuevamente, los tres deberán desentrañar oscuros misterios a través de laberintos de poder y corrupción.

Escrita y dirigida por David O. Russell, esta singular comedia negra se inspira en hechos reales. Su fuente está en “The Business Plot”, una supuesta conspiración política conformada por empresarios adinerados que, en 1933, se habría propuesto derrocar al presidente Franklin D. Roosevelt para instalar, en su reemplazo, a un dictador. Enrevesada en su tratamiento, y con un complejo guion no lineal, la cinta avanza irregularmente hacia un declive intermedio del que ni su nutrido -y reconocido- elenco se logra sustraer.

No obstante el sinuoso ritmo de la película, los actores destacan por dos aspectos. Primero, por sus tres carismáticos y sólidos protagonistas: Christian Bale, Margot Robbie y John David Washington. Y segundo, por carencias notorias en los personajes secundarios, entre los que observamos a Rami Malek, Anya Taylor-Joy, Robert De Niro y Chris Rock -¡qué hace aquí!-, con caricaturas de personajes que no se logran configurar bien. Aunque la sola presencia de De Niro, cuando se toma la pantalla, sube los bonos al tercio final del metraje, aquello no resulta suficiente para ofrecer contrapeso al trío protagónico.

“Amsterdam”, a pesar de generar un piso de misterio y una cierta atención, no logra imponerse como una historia que sea fácilmente recordable. Es más, a medida que pasan los días, la temática se vuelve aún más nebulosa, lo que hace que olvidemos rápido incluso los detalles más interesantes de una cinta que tiene en la parafernalia su mayor mérito y valor.

Ficha técnica

Título original: Amsterdam
Año: 2022
Duración: 134 minutos
País: Estados Unidos
Productora: 20th Century Studios, Regency Television, Forest Hill Entertainment, Canterbury Classic. Distribuidora: Walt Disney Pictures
Género: Drama. Romance. Comedia. Intriga | Basado en hechos reales. Comedia negra. Años 30. Años 1910-1919. Amistad. Política
Guion: David O. Russell
Música: Daniel Pemberton
Fotografía: Emmanuel Lubezki
Reparto: Christian Bale, Margot Robbie, John David Washington, Alessandro Nivola, Anya Taylor-Joy, Andrea Riseborough, Chris Rock, Matthias Schoenaerts, Michael Shannon, Mike Myers, Robert De Niro, Taylor Swift, Rami Malek
Dirección: David O. Russell 

El Castigo

Disponible en Cines.

Un niño de siete años se ha extraviado. En la orilla de una carretera del sur de Chile lo buscan sus padres, Ana -Antonia Zegers-, y Mateo -Néstor Cantillana-. Se internan en el frondoso bosque. ¡Lucas!… ¡Lucas!… gritan a viva voz, pero los esfuerzos son infructuosos. Lucas no aparece. Cae la tarde, baja la temperatura, lo hermoso se torna amenazante. Es mejor llamar a Carabineros para que colaboren con la búsqueda. Crece la tensión, y de Lucas, nada. 

El director chileno Matias Bize ejecuta el espléndido texto escrito por Coral Cruz con precisión, agudeza y maestría. “El Castigo” es una cinta que imprime sentido de urgencia, preocupación, desesperación y angustia ante una situación límite que parece escaparse de las manos de esta madura pareja. 

Con aparente sencillez en su premisa, esta película tiene compartimentos que se van develando con el correr de los minutos. Varias crisis están presentes: familiar, matrimonial, de maternidad, de paternidad; también de las acciones y sus consecuencias. Está en juego el sentido de la vida, y abarca la intimidad más profunda de dos padres carcomidos por las circunstancias. 

El guion está muy bien compuesto. Con textos claros y concisos, Cruz hace un trabajo notable al determinar también los adecuados movimientos escénicos para dar cuenta de la evolución de los personajes, y así percibir esos cambios que se producen según pasa el tiempo, aquello que deja al descubierto las emociones que emergen de esos mínimos gestos y palabras que afectan significativamente, pues no tienen filtro y son directas; casi sin elaboración brotan del corazón. 

Las actuaciones de Antonia Zegers y Néstor Cantillana resultan de una gran solidez. No solo tienen enorme realismo sino que además se sienten espontáneas y honestas, dotadas de un peso expresivo que logra traspasar la pantalla y conmover. Catalina Saavedra, que interpreta a la Sargento, si bien logra un compromiso importante con los roles protagónicos, no consigue separarse de los personajes que ya le conocemos. Es cierto, hay matices y diferencias, pero en sí, es su misma personalidad la que observamos una y otra vez, lo que indudablemente da cuenta de una enorme fuerza interior que quizá necesita reinventarse. 

Bize aborda este proyecto con una filmación en tiempo real, sin cortes, un solo plano secuencia -técnicamente dificilísimo-, gracias al cual la película se siente aun más real. En ese sentido, la fotografía de Arnaldo Rodríguez es impecable: seguimiento permanente, tensión creciente, movimientos calculados; es como estar allí siguiendo a los protagonistas. A veces más cerca, a veces más lejos, la cámara representa nuestros ojos leyendo muy bien lo que tal vez haríamos en caso de estar físicamente en el lugar.

Las capas del relato van mostrando y componiendo al mismo tiempo la historia. Es una construcción de liberación lenta, vamos conociendo detalles con el paso de los minutos. El escenario mismo es simbólico. Estamos en un bosque que resulta tan precioso como preocupante. Observamos el cambio paulatino de la luz en un atardecer, el que a su vez se transforma en una metáfora. La oscuridad (en todo sentido) y el frío (esa necesidad de abrigo y cobertura física, pero también emocional), además podrían ser leídos como signos que están en lo más profundo de los sentimientos de ambos protagonistas. La música es el sonido del bosque, un silencio tenso, una ausencia-presencia de sonidos naturales que resulta ser todo un acierto, en forma y fondo. 

Interpelaciones, demandas, contradicciones, impulsos, debilidades, miedos y confesiones. Estamos ante un cúmulo de sensaciones afectivas que nos llegan de manera directa. En “El Castigo” las reflexiones quedan y las preguntas perduran. Es de esas películas que pasan a habitar en nosotros, para continuarlas, para sentirlas, para vivirlas. 

Felicitaciones a Matías Bize y a todo el equipo de producción por entregarnos una película vital, indispensable, e imperdible. 

Ficha técnica 

Título original: El castigo 
Año: 2022 
Duración: 85 minutos 
País: Chile 
Productora: Coproducción Chile-Argentina; Ceneca Producciones, Sudestada Cine S.R.L 
Género: Drama 
Guion: Coral Cruz 
Música: Diego Fontecilla 
Fotografía: Arnaldo Rodríguez 
Reparto: Antonia Zegers, Néstor Cantillana, Catalina Saavedra, Yair Juri, Santiago Urbina 
Dirección: Matías Bize

Vista por última vez

Luego de una breve secuencia inicial, en muy pocos minutos tenemos el escenario configurado. El matrimonio de Will Spann -Gerard Butler-, y su esposa Lisa -Jaimie Alexander-a, pasa por un mal momento. No sabemos si se van a separar, pero lo concreto es que ella le ha pedido un tiempo sin verse, el que pasará en casa de sus padres.

Se percibe la tensión en un viaje que Will nunca hubiera querido hacer. Es una despedida, transitoria o definitiva, una pesadilla que nubla su vista y trastorna su vida. Faltando muy poco para llegar a destino, es necesario echar bencina. Tal vez una pausa abra alguna esperanza, nunca se sabe en este tipo de situaciones. Mientras Lisa va al baño y compra una botella de agua, Will termina de llenar el estanque y espera que ella regrese, pero pasan los minutos y no vuelve. La busca en los baños, en la parte de atrás, le deja mensajes de voz, la llama a viva voz. Nada.

De la angustia, Will pasa a la desesperación. Llama al 911, parecen no tomarlo en cuenta; un caso cotidiano, ya aparecerá. La tensión crece, los minutos pasan y claramente algo malo ha sucedido. Llega el oficial de policía: las preguntas de rigor, posibles sospechosos, noticia en desarrollo…

La trama parece conocida, por eso lo señalado no constituye un adelanto, porque la hemos visto muchas veces, de diversas maneras, con colores y sabores diferentes, pero compartiendo una misma esencia. Una mujer desaparece de la nada, como si se la hubieran tragado, las pistas son mínimas, solo hay pequeños detalles y un camino pedregoso por delante.

Dirigida por Brian Goodman, “Last Seen Alive” logra imprimir tensión durante sus 95 minutos a pesar de múltiples acciones que resultan bastante inverosímiles. Claro, Gerard Butler interpreta bien al hombre desesperado que busca a su mujer perdida, es todo un héroe en progreso dadas las circunstancias que le toca enfrentar.

No obstante la nerviosa espera de la resolución final, sabemos que hay un punto en el que nos cruzaremos con el comienzo de la cinta. Pero antes, a los dos tercios, el relato se tuerce hacia un ramal extraño donde aumentan las coincidencias.

Butler en lo suyo y Jaimie Alexander un poco apagada, conociendo otros roles interpretados, dan forma a un thriller que resulta entretenido pero que se olvida rápido. Una hora y media de tensión, duración apropiada para poner la mente en otros asuntos, liberar adrenalina y botar una que otra carga acumulada. Si no la ven en Cines, perfectamente se puede esperar el streaming, no es ningún pecado.

Ficha técnica

Título original: Last Seen Alive
Año: 2022
Duración: 95 minutos
País: Estados Unidos
Productora: G-BASE, Marc Frydman Productions. Distribuidora: Voltage Pictures
Género: Thriller. Intriga | Secuestros / Desapariciones
Guion: Marc Frydman
Música: Sam Ewing
Fotografía: Peter Holland
Reparto: Gerard Butler, Jaimie Alexander, Dani Deetté, Robert Walker Branchaud, David Kallaway, Matthew R. Staley, Emily Brinks, Jordan Salloum, Chip Lane, Aleks Alifirenko Jr., Alphonso A'Qen-Aten Jackson, Billy Burns
Dirección: Brian Goodman

Rubia

Disponible en Netflix.

“Rubia”, escrita y dirigida por Andrew Dominik, obtiene su base del bestseller del mismo nombre de Joyce Carol Oates. Es una película que reinventa la vida y carrera de la icónica Marilyn Monroe, tal vez el símbolo sexual más famoso del mundo. La cinta abarca a la modelo, actriz y cantante norteamericana durante la década de 1950 y los primeros años de los sesenta, mostrando sus fracasos matrimoniales, su frustrada maternidad, y los sinsabores de una vida de aclamación pública y oscuridad personal.

Bajo mi punto de vista, estamos ante una película innecesaria, injustificada y excesiva. ¿Por qué? Porque resulta demasiado larga, explicita y ambigua, además de muchas secuencias que no tienen una justificada razón de ser.

Desde la perspectiva femenina, es posible observar a Marilyn Monroe como víctima al ser una mujer objeto, una mujer usada y abusada,. Se evidencia todo lo mal que lo pasa en una vida sin escapatoria, sometida a presiones de todo tipo, violentada, traumada y vulnerada hasta lo más profundo de su intimidad.

Desde el punto de vista cinematográfico, la película resulta al menos confusa. Con juegos difusos entre blanco y negro y color, más otras capas nubosas en la fotografía qué tal vez intentan imprimir cierta vaguedad, la narración no es agradable de seguir, al menos para mí. No solo no fluye, se siente interrumpida, seccionada y compartimentada. Recién cuando entra en escena Adrien Brody, interpretando a Arthur Miller -aunque no se le nombra explícitamente, tal como a muchos de los otros personajes-, la cinta adquiere otro cariz, incluso un peso distinto. El licuado guion de Dominik no genera demasiado interés, se nota aguado, diluido, un trago sin sabor que lo único que deseamos es que se acabe pronto.

Lo mejor de “Rubia” es Ana de Armas. La actriz cubana-española vive, siente y expresa en su rol un mundo de sensaciones y emociones que retratan con bastante fidelidad a Marilyn Monroe. La producción, que también es resulta ser un esfuerzo importante, pone énfasis en los vestidos, los peinados y las locaciones, dando cuerpo a un desafío que, al fin de cuentas, parece no llegar a buen puerto.

Es necesario preguntarse, entonces, ¿y todo esto para qué? ¿Qué se desea conseguir? ¿Qué quiere entregar esta película?

Tal vez un ensayo de respuesta se podría resumir en una sola frase: estamos ante una realización pretensiosa que no logra conseguir el tono adecuado, ni en su ejecución, ni en el mensaje que nos desea transmitir.

Ficha técnica

Título original: Blonde
Año: 2022
Duración: 166 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Plan B Entertainment. Distribuidora: Netflix
Género: Drama | Drama psicológico. Biográfico. Años 50. Años 60. Cine dentro del cine
Guion: Andrew Dominik. Novela: Joyce Carol Oates
Música: Nick Cave, Warren Ellis
Fotografía: Chayse Irvin
Reparto: Ana de Armas, Bobby Cannavale, Adrien Brody, Julianne Nicholson, Evan Williams, Xavier Samuel, Caspar Phillipson, Toby Huss, Sara Paxton, Chris Lemmon, Dan Butler, Garret Dillahunt, Lucy DeVito
Dirección: Andrew Dominik 

La Mujer Rey

“La Mujer Rey”, dirigida por Gina Prince-Bythewood, posee coreografías espléndidas, una agradable banda sonora y una bella fotografía. Nos muestra batallas cruentas, repletas de realismo bélico, en una producción que no deja nada al azar.

1823. En África occidental, en el reino de Dahomey, la general Nanisca -Viola Davis-, líder del batallón de guerreras denominadas “Agojie”, consigue liberar a mujeres que fueron secuestradas por esclavistas del Imperio Oyo. Esta chispa enciende una guerra total entre los ejércitos, por lo que las “Agojie” necesitan urgentemente entrenar nuevas generaciones para proteger su reino. Una de estas nóveles aprendices es Nawi -Thuso Mbedu-, una joven que es entregada al rey pues se ha negado al matrimonio concertado por sus padres. Nawi sabe que es adoptada -tiene una marca en su hombro izquierdo-, posee un temple fuerte y una convicción precisa: su deseo de llegar a ser una “Agojie” es el desafío de su vida.

Los enfrentamientos se suceden, unos tras otros, en una película que destaca, entre otras cosas, por sus sólidas actuaciones. Viola Davis es el corazón de la cinta, sin embargo los papeles secundarios también resultan convincentes. Lashana Lynch como Izogie, o Sheila Atim como Amenza, convencen con sus representaciones, al punto de dejar a John Boyega -que interpreta al rey Ghezo-, algo desconectado. La construcción que hace Davis para su personaje es relevante. Expone a una mujer firme, estoica, una líder fuerte y decidida, vital y enérgica, cuyo lema es jamás rendirse en la lucha por la libertad de su pueblo. Configura, junto a Mbedu, una química sencilla, honesta y real, y si bien tiene algunos visos de vulnerabilidad -más emocionales que físicas-, aquello no es obstáculo para llevar adelante su misión.

Esta historia inspirada en hechos reales está bien narrada. Aunque se expone desde un punto de vista lineal y tal vez clásico (maestro-aprendiz), funciona bien porque se sumerge en un mundo de descubrimientos, relaciones y sentimientos. No obstante el relato impacta por su crudeza, bajo esas capas de cemento resistente encontramos un fondo sensible que se explota en su justa medida gracias a las escenas intermedias que entregan respiro a las épicas batallas.

“The Woman King” toma vuelo en la medida que el metraje avanza. Despierta genuino interés e impulsa a conocer un poco más sobre la historia de este reino africano que existió desde cerca del año 1600 hasta 1904. Interesante y entretenida, es una película para ir a ver en pantalla grande, donde su realización y textura adquieren un merecido protagonismo.

Ficha técnica

Título original: The Woman King
Año: 2022
Duración: 135 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Jack Blue Productions, JuVee Productions, TriStar Productions, Welle Entertainment, Entertainment One. Distribuidora: TriStar Pictures
Género: Acción. Drama | Histórico. Siglo XVIII. Siglo XIX
Guion: Dana Stevens. Historia: Maria Bello, Dana Stevens
Música: Terence Blanchard, Lebo M.
Fotografía: Polly Morgan
Reparto: Viola Davis, John Boyega, Lashana Lynch, Hero Fiennes-Tiffin, Thuso Mbedu, Jayme Lawson, Adrienne Warren, Sheila Atim, Masali Baduza, Jordan Bolger, Angélique Kidjo, Thando Dlomo, Jimmy Odukoya, Shaina West, Chioma Antoinette Umeala
Dirección: Gina Prince-Bythewood 

La Huérfana: el origen

Se dice que segundas partes no son buenas. En rigor, esta cinta no es una continuación, sino que remite a los hechos anteriores a la historia que conocimos el año 2009 sobre una niña huérfana, sin embargo, y una vez hecha la precisión, ¿aplica ahora el conocido dicho?

Luego de un indefinido y violento comienzo filmado con textura nebulosa, en 25 minutos tenemos configurados los principales escenarios. Volvemos al año 2007, en Estonia, Leena Klammer -Isabelle Fuhrman-, una paciente psicópata con enanismo, prepara su fuga del psiquiátrico donde es atendida. Con una sucesión de engaños, logra hacerse pasar por Esther Albright, una niña norteamericana desaparecida en 2003, y consigue viajar a Estados Unidos simulando regresar a su hogar.

Desde las primeras secuencias y progresiones, destaca la forma cómo Fuhrman logra verse frágil y siniestra al mismo tiempo. Muy bien su protagónico, el que ya admiramos en la primera entrega; gran talento para encarnar a una niña inocente y, a la vez, a una mujer trastornada que vemos encerrada en un cuerpo infantil.

Las dudas sobre su identidad emergen en su familia lentamente pero con consistencia. Podría ser o no ser, podría estar actuando… sin embargo todo se despeja bastante rápido. Los padres salen a una fiesta y Esther se queda en un “carrete” con su hermano Gunnar. Un policía, a cargo en su momento de la desaparición de la pequeña, siembra la incógnita; sobreviene el suspenso y los más usuales elementos del género son puestos en práctica en una de las mejores escenas de la película en la que también destaca, por cierto, una buena banda sonora.

Entonces, ¿qué sucede? Sobreviene un giro del que no podemos adelantar nada.

En términos de actuación, observamos un enfrentamiento de mujeres fuertes, Isabelle Fuhrman versus Julia Stiles -quien interpreta a su madre, Tricia Albright-, lo que también se visualiza en el relato debido a los secretos y engaños, aquellos cruces relacionales que existen en una familia que alberga una caja de Pandora en su interior.

¿Hacia dónde va y cómo se resuelve una cinta de esta naturaleza? En algún momento, Esther tiende a perder el control, y por eso podría ser tan significativa la escena donde suena de fondo “Maniac”, famosa canción ochentera que resulta ser todo un acierto en fondo y forma.

Pero volviendo historia y a la pregunta inicial, “Orphan: First Kill” funciona a medias y se sitúa un poquito por sobre el promedio de un género que necesita reinventarse. Tiene una ventaja y desventaja a la vez, porque sabemos lo que sucede con Esther Albright más adelante, algo que naturalmente es una merma que, sin embargo, no anula el suspenso que sí logra imprimir. Lo mejor de todo es que es corta, algo que se agradece, y deja abierta la puerta a nuevas entregas que necesitarán bastantes dosis de novedad para no matar a la gallinita de los huevos de oro. Veremos si se lo toman en serio y avanzan en esa dirección; solo el tiempo lo dirá.

Ficha técnica

Título original: Orphan: First Kill
Año: 2022
Duración: 99 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Dark Castle Entertainment, Entertainment One, Eagle Vision
Género: Thriller. Intriga. Terror | Crimen. Precuela
Guion: David Coggeshall. Historia original: David Johnson, Alex Mace. Personajes: Alex Mace
Música: Brett Detar
Fotografía: Karim Hussain
Reparto: Isabelle Fuhrman, Julia Stiles, Rossif Sutherland, Hiro Kanagawa, Stephanie Sy, Jade Michael, Andrea del Campo, Lauren Cochrane, Erik Athavale, Matthew Finlan, Morgan Easton-Fitzgerald, Sarah Luby, Kennedy Irwin
Dirección: William Brent Bell 

El Chef

Debo decir que me encantan las escenas que consisten en una sola toma, lo que se denomina “plano-secuencia”. Y es que hay que tener oficio y aceptar una buena cuota de riesgo para hacerlo, pues implica un desafío técnico mayor, tanto para los actores como para la producción de escenarios y la dirección de escena, incluyendo fotografía y un sinnúmero de otros detalles asociados. Dicho lo anterior, esta película no contiene escenas de una sola toma sino que sus 92 minutos son un extenso plano-secuencia, lo que en sí mismo ya es un tremendo mérito. Y por si fuera poco, la película va aún más allá.

Andy Jones -Stephen Graham-, es el chef de “Jones & Sons”, un lujoso restaurante de Londres. La fama acarrea costos, algo que le pone en la mira de todo el mundo, provocando una gran concurrencia de público y también odiosas inspecciones sanitarias. En una noche que se vislumbra complicada, la degradación de cinco a tres estrellas parece ser solo el comienzo de una caída exponencial; un turno con exceso de reservas, varias celebraciones -propuesta de matrimonio incluida-, además de la presencia de influencers y afamados críticos gastronómicos, configuran un cóctel difícil de digerir, aún más complejo de gestionar y casi imposible de sobrellevar.

“Boiling Point”, su excelente título original, es un drama coral en todo el sentido de la palabra. Si bien su protagonista, Stephen Graham, captura gran parte de la atención, es imposible dejar de lado a todos quienes participan en una coreografía que resulta siempre interesante, sobre todo cuando los puntos de atención varían, los seguimientos se ubican en diferentes ángulos y vertientes, y los personajes son retratados en forma tan honesta que con muy pocos elementos somos capaces de comprender bastante de su personalidad e historia personal.

Es difícil dar más antecedentes para un relato que prácticamente representa una obra de teatro filmada, y que, no obstante aquello, usa perfectamente todos los elementos cinematográficos para servir a un guion claro y preciso. El metraje resulta tan natural que el hecho de ser una sola toma otorga una densidad y tensión difícil de describir. El hilo conductor está siempre a la vista, los problemas laborales y personales se entremezclan y confunden en un verdadero huracán que amenaza con destrozar todo a su paso; impredecible, imparable, incontestable.

Escrita y dirigida por Philip Barantini, “El Chef” no permite pausa, y tampoco suelta nuestra atención. En su variopinto mundo de personajes las vidas se traslucen, se ven vulnerables, sensibles y provocan empatía. Desde la persona más humilde que se encuentra al servicio hasta el cliente más arrogante, muchos niveles están representados en un abanico amplio que resulta acuciante. Muy recomendable, una grata sorpresa, una pequeña joya de nuestra cartelera actual.

Ficha técnica

Título original: Boiling Point
Año: 2021
Duración: 92 minutos
País: Reino Unido
Productora: Ascendant Films, Burton Fox Films, White Hot Productions, Three Little Birds Pictures, Alpine Films, Bromantics, Insight Media Fund, Matriarch Productions, Urban Way Productions. Distribuidora: Cinobo, Filmware International, Saban Films
Género: Drama. Thriller | Cocina
Guion: Philip Barantini, James Cummings
Música: Aaron May, David Ridley
Fotografía: Matthew Lewis
Reparto: Stephen Graham, Jason Flemyng, Ray Panthaki, Hannah Walters, Izuka Hoyle, Vinette Robinson, Áine Rose Daly, Lourdes Faberes, Malachi Kirby, Gary Lamont, Stephen McMillan, Thomas Coombes, Alice May Feetham
Dirección: Philip Barantini 

Súper... ¿quién?

Qué triste vida la de Cedric -Philippe Lacheau-; su novia lo ha dejado, no encuentra trabajo como actor y sus problemas personales aumentan con el paso de los días. Sin embargo, una luz de esperanza emerge cuando, luego de un especial proceso de casting, consigue el papel principal para protagonizar una película de súper héroes llamada “Badman”, y caracterizar a un justiciero sin poderes particulares que no solo debe luchar contra los villanos sino también contra el escuálido presupuesto de una producción bastante mediocre. 

Si bien el rodaje avanza según lo previsto, un día Cedric abandona urgentemente el set de grabación y sufre un accidente automovilístico que lo deja con amnesia. No recuerda nada pero lleva puesto el traje y algunas pertenencias del super héroe, por lo que, uniendo los cabos sueltos, se convence que es quien cree ser y según eso define un nuevo horizonte: perseguir a los bandidos y acabar con el mal. 

El trailer es el mejor resumen de esta película pues contiene una síntesis de las escenas más graciosas de una filmación de una hora y veinte minutos que, a pesar de su extensión limitada, se hace tediosa por ser reiterativa al abundar en situaciones ridículas, infelices coincidencias, y gran cantidad de sinsentidos. 

Una consideración especial para el protagonista y director, Philippe Lacheau. No debe ser nada de fácil hacer de mal actor y elaborar con ello un personaje que resulte bien configurado. Observamos a una persona sin suerte alguna, un “fatalito” que se encuentra a la deriva y es realmente un desgraciado (es decir, sin ninguna gracia). En el fondo, este personaje es alguien que busca desesperadamente la aceptación, como actor, como hijo, como pareja, e incluso como amigo. Es por ello que el accidente le abre un camino, un nuevo despertar, una posibilidad de encontrar algún rumbo, especialmente por no recordar nada y también por no tener sobre los hombros la historia de su vida. 

La suma de gags a menudo no alcanzan para componer un relato consistente Y en este caso resulta aún más notorio que esta unión de piezas individuales, a las que se les fuerza un hilo común, no consigue el objetivo que se propone. “Super-héros malgré lui” configura, así, una sátira muy poco sutil, a ratos subida de tono, con pizcas de humor francés y buenas coreografías -tal vez lo más rescatable-, la que, sin grandes pretensiones y abusando de un relato desbocado, logra sacar una que otra sonrisa. 

Ficha técnica  

Título original: Super-héros malgré lui 
Año: 2021 
Duración: 82 minutos 
País: Francia 
Productora: Cinéfrance Studios, Baf Prod, Studiocanal, TF1 Films Production, Panache Productions, La Compagnie Cinématographique, Proximus, VOO, BeTV, Ciné+ 
Género: Comedia. Acción | Cine dentro del cine. Superhéroes. Parodia 
Guion: Julien Arruti, Pierre Dudan, Philippe Lacheau, Pierre Lacheau 
Música: Maxime Desprez, Michaël Tordjman 
Fotografía: Vincent Richard 
Reparto: Philippe Lacheau, Élodie Fontan, Jean-Hugues Anglade, Julien Arruti, Rayane Bensetti, Tarek Boudali, Georges Corraface, Michel Crémadès, Alice Dufour, Amin Harfouch, Philippe Katerine 
Dirección:Philippe Lacheau

Pasaje al paraíso

Película simpática que irradia frescura y que se presenta liviana en todo sentido. ¿Qué nos traen esta vez George Clooney y Julia Roberts, en esta nueva comedia romántica? 

David -Clooney-, y Georgia -Roberts-, estuvieron sólo cinco años juntos antes de divorciarse. Esto hace ya un buen lote de años, los mismos que tiene su hija Lily -Kaitlyn Dever-, quien acaba de graduarse de la Universidad. Como festejo por haber obtenido su grado de abogada, Lily inicia unas vacaciones soñadas junto a su mejor amiga, y nada menos que en Bali. Tras un poco más de un mes, todo resulta tan espectacular que su vida gira en 180 grados: ya no desea regresar a la ciudad y ejercer su profesión, se ha enamorado de un apuesto joven y ambos han tomado la decisión de casarse en la isla. 

Si ya fue odioso reencontrase para la graduación de su hija, la noticia de la boda es un balde de agua fría para estos padres que están convencidos de que Lily está tomando una decisión equivocada. Como quieren lo mejor para ella, están incluso dispuestos a sobrellevar sus profundas discrepancias para elaborar juntos un plan que desactive el compromiso, algo así como una suerte de intervención extrema para que no se concrete la unión de estos jóvenes novios. 

Georgia y David vuelan a Bali y allí comienzan a desarrollar una serie de aventuras y desventuras con el fin de concretar su propósito, acciones que conllevan una seguidilla de situaciones de todo tipo, y de todos los colores, insertas en un relato que resulta tan predecible como ameno. 

Con locaciones maravillosas, paisajes preciosos y un entorno paradisiaco, la cinta fluye gracias al carisma de sus actores principales. La dupla tiene una muy buena complicidad y una innegable química, que explota aún más cuando pelean, lo que deja reducido al mínimo a todos los demás personajes secundarios como, por ejemplo, al joven novio de Georgia -Lucas Bravo-, quien prácticamente está demás; plano y francamente irreconocible. 

Esta “boba”película agarra vuelo en el camino aunque denote algunos baches narrativos cuando intenta, en algunos momentos, imprimir mayor sensibilidad. Ciertamente funciona mejor cuando se centra en la comedia romántica que sin duda es, porque tiene muchas escenas que arrancan sonrisas y tal vez algunas carcajadas. Se nota que lo pasaron bien haciéndola, y por lo mismo resultan imperdibles los créditos finales con chascarros de la filmación, algunos que son aún mejores que las escenas originales. 

Destinada para pasar un rato agradable, ¿tiene algún mensaje esta película? Puede ser, aunque no es el fin que se propone. Además, la temática ya la hemos visto en muchas otras ocasiones; los caminos propios de los hijos y la poco afortunada interferencia de los padres para “corregir” ese rumbo, algo que, a todas luces y la mayoría de las veces, nunca sale como se prevé. En síntesis, una propuesta ágil y liviana, recomendada para desconectarse totalmente del mundo por casi dos horas. 

Ficha técnica 

Título original: Ticket to Paradise 
Año: 2022 
Duración: 104 minutos 
País: Estados Unidos 
Productora: Universal Pictures, Red Om Films, Working Title Films, Smoke House Pictures. Distribuidora: Universal Pictures 
Género: Romance. Comedia | Comedia romántica 
Guion: Daniel Pipski, Ol Parker 
Música: Lorne Balfe 
Fotografía: Ole Bratt Birkeland 
Reparto: George Clooney, Julia Roberts, Kaitlyn Dever, Billie Lourd, Lucas Bravo, Senayt Mebrahtu, Talha Şentürk, Maxime Bouttier, Leo Castro, Murran Kain, Sean Lynch, Isaac Priest, Romy Poulier 
Dirección: Ol Parker

No te preocupes cariño

Década de 1950, Victoria, California. Alice -Florence Pugh-, y Jack -Harry Styles-, conforman una joven pareja que habita una comunidad idílica en un barrio experimental, creado y gestionado por una misteriosa empresa fundada y dirigida por el carismático Frank -Chris Pine-. Este “proyecto” naturalmente tiene tintes especiales; los hombres van a trabajar durante el día en algo ultra secreto mientras sus esposas se quedan en casa encargadas de los quehaceres del hogar. Al caer la tarde, a su regreso, todo está limpio y ordenado, la cena está lista, y las mujeres les reciben con especial cariño, haciendo efectiva la promesa de una vida placentera y soñada. 

Todo parece tan perfecto que aparentemente no se observan grietas. Sin embargo, y producto de lo cotidiano, Alice comienza a tener ciertas dudas. Su círculo cercano no entrega pistas, pero hay algunos quiebres, algunas luces que dejan entrever que tal vez no todo es lo que parece. Un hecho inusual, un avión que cae detrás de una montaña, provoca que los cuestionamientos se acrecienten cuando Alice comience a investigar lo sucedido y se acerque a una zona límite, en una incursión que resultará ser el comienzo de una serie de sorpresas y giros que el relato traerá aparejados.

El guion escrito por Katie Silberman, Carey Van Dyke y Shane Van Dyke resulta interesante por las ideas que expone, mas no por su desarrollo y ejecución. En este caso, vemos que la historia es bastante más interesante que su puesta en escena, y probablemente por varias razones. Por ejemplo, demora en exponer el nudo principal del conflicto, es decir, este existe desde un comienzo -las sospechas de que algo está mal, este curioso mundo de vida tan perfecta, etc-, pero el real conflicto tarda mucho en aparecer, y cuando emerge ya es tarde, todo se desencadena muy rápido y sin mayor consistencia.

Bajo una óptica podríamos mencionar que es una cinta que denota abuso y opresión sobre la mujer. Hay una utilización, un rol fijado, un estereotipo. Si sumamos el ambiente de los 50, lo anterior podría ser respondido desde una fuerza feminista, de reacción, de empoderamiento, sin embargo la cinta es ambigua en su definición producto de los hechos que lentamente va develando.

De lo más destacable de este filme son sus actuaciones. Florence Pugh configura un personaje que encarna muy bien su rol y que, al mismo tiempo, es capaz de dejar entrar la luz de la desconfianza. Ese juego bivalente, o al menos plagado de incertidumbres, lo personifica correctamente, tal vez incluso postergando a un segundo plano al buen Harry Styles en su papel de esposo tremendamente cariñoso pero insanamente adicto al trabajo. Por su parte, el ininteligible Frank, resulta ser predecible, aunque su figura debiera haber cumplido con otra condición dado que corresponde la parte misteriosa del relato.

“Don't Worry Darling” -bien traducida al español-, resulta lenta a pesar de tener buenos ambientes y buena fotografía. Sumado a lo anterior, estas recreaciones de un mundo ideal, a lo “Truman Show”, no alcanzan para darle vuelo a una película fallida que deja sabor a poco aunque finalmente se deje ver.

Ficha técnica

Título original: Don't Worry Darling
Año: 2022
Duración: 122 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Vertigo Entertainment, New Line Cinema. Distribuidora: Warner Bros.
Género: Thriller. Intriga | Thriller psicológico. Años 50
Guion: Katie Silberman, Carey Van Dyke, Shane Van Dyke
Música: John Powell
Fotografía: Matthew Libatique
Reparto: Florence Pugh, Harry Styles, Olivia Wilde, Gemma Chan, Chris Pine, KiKi Layne, Nick Kroll, Douglas Smith, Kate Berlant, Asif Ali, Dita Von Teese, Timothy Simons, Sydney Chandler
Dirección: Olivia Wilde 

Emergencia en el Aire

Se dice que es mala idea ver una película de desastres aéreos justo antes de emprender un viaje y justo me tocó la experiencia. A los pocos días estaba volando y los recuerdos de la película aún rondaban mi pensamiento. Pero, ¿es tan catastrófica y atemorizante esta cinta? ¿De qué se trata en realidad? Veamos. 

En el Aeropuerto Internacional de Incheon (Corea del Sur), Jae-hyuk -Lee Byung-un-, se embarca junto a su hija enferma en el vuelo KI501 con destino Hawai. Jae-hyuk tiene miedo a volar, alguna experiencia traumática lleva consigo, y hace lo imposible por mitigar sus temores en beneficio de la salud de su pequeña. 

Tanto en el Aeropuerto como a bordo, un extraño pasajero, Ryu Jin-seok -Si-wan-, se comporta erráticamente. Sabemos que es la clave del problema pero desconocemos lo que vendrá a continuación. 

Paralelamente, pero esta vez en tierra, el detective In-ho -Song Kang-ho-, investiga una extraña muerte ocurrida en circunstancias indeterminadas y altamente tóxicas, posiblemente debido a patógenos en extremo contagiosos que generan efectos devastadores. Además, comienza a circular la noticia de una amenaza terrorista ligada al vuelo KI501 y le afecta directamente pues su esposa se encuentra en dicho avión. In-ho inmediatamente comienza a atar los cabos los que, por supuesto, se relacionan con su objeto de investigación. 

Volvamos a bordo. Un pasajero muere casi en forma instantánea y fulminante desatando el caos. Las circunstancias tienen tal envergadura -redes sociales, mensajes y todo tipo de comunicaciones dan cuenta de todo lo que está sucediendo en tiempo real-, que el piloto Hyun-soo -Kim Nam-gil-, decide declarase en emergencia, es decir, solicita aterrizar de manera urgente en el Aeropuerto más cercano, petición que le es denegada. La incertidumbre aumenta, la amenaza se ha difundido por todo el mundo y el avión parece no tener otro destino que quedarse sin combustible y caer. ¿Qué pasará finalmente?  

Esta película, escrita y dirigida por Han Jae-rim, tiene dos escenarios delimitados: aire y tierra, y los combina adecuadamente para mantener la tensión durante sus 147 minutos de duración. El guion también maneja tópicos paralelos; una amenaza terrorista en el aire, las movilizaciones, el manejo técnico y político de la emergencia en tierra, y las reacciones y actitudes humanas que son aspectos transversales en ambos escenarios. 

El paralelo mayor se produce entre el padre y su hija en el aire, con su influyente pasado y presente, y lo que sucede con el detective en tierra, con su familia, sus motivaciones y su capacidad de acción. Cuando se declara la emergencia, tanto a bordo como en los controles terrestres, surge la inseguridad, el espanto y el descontrol. Nadie sabe qué hacer, qué decidir, cómo actuar, qué decisiones tomar. ¿Cómo se puede -o se debe- actuar ante una amenaza así? Cuando se prevén efectos devastadores, ¿se les debe permitir aterrizar, o no? ¿Quién toma una decisión así? ¿Alguien puede determinar el destino de aquellas vidas? 

Surgen espontáneamente todo tipo de instintos ante la desesperación y el miedo que cunde y se expande por doquier. Las negaciones afloran, el sentido de protección también aparece, surge la posibilidad de una renuncia y algunos destellos de comprensión. Ojalá que no nos veamos expuestos a situaciones como las que describe esta película, porque sin duda que la realidad superaría la ficción. Baste ver los atentados aéreos que conocemos y tantas otras amenazas, algunas sofocadas y otras devenidas en tragedias de proporciones. 

“Declaración de Emergencia”, traducida en Chile como “Emergencia en el aire” funciona, no solo por lo tenso de su argumento sino porque también se arriesga a explorar comportamientos humanos bajo diversas dimensiones. El componente socio cultural también juega un papel fundamental, las reacciones emocionales otro tanto, y sobre todo la incertidumbre que sugiere una amenaza desconocida, sin muchos antecedentes, donde las personas se dividen, los instintos priman por sobre la racionalidad, y la frialdad de pensamiento brilla por su ausencia. 

Interesante, y con incógnitas hasta el último minuto, esta no es la típica película de desastres aéreos; quiere ir un poco más allá y a mi juicio lo consigue. Con roles protagónicos a cargo de dos reconocidos actores -de “Parásitos” y “El Juego del Calamar”-, no dudo que tendrá una buena taquilla, y no necesariamente por ese marketing sino porque explora algunos tópicos con bastante honestidad. 

Ficha técnica 

Título original: 비상선언 
Año: 2021 
Duración: 147 minutos 
País: Corea del Sur  
Productora: C-JeS Entertainment. Distribuidora: Showbox/Mediaplex 
Género: Thriller. Drama. Acción | Crimen. Aviones 

Guion: Han Jae-rim 
Fotografía: Lee Mo-gae, Park Jong-chul 
Reparto: Song Kang-ho, Lee Byung-hun, Jeon Do-yeon, Kim Nam-gil, Park Hae-jun, Im Si-wan, Kim So-Jin 
Dirección: Han Jae-rim