Kid -Dev Patel-, que acaba de salir de prisión y vive en la India, intenta adaptarse a un mundo marcado por la avaricia y carencia de valores espirituales. En este oscuro escenario debe luchar por buscar venganza por la muerte de su madre y defender a las clases más desfavorecidas. Ópera prima de Patel como director, estamos ante una película que se sumerge en el género de acción-thriller y que busca resonar a través de temas que incluyen la justicia social junto con una ambiciosa mezcla de influencias culturales y cinematográficas.
La trama de "Monkey Man" se desenvuelve con urgencia aunque la narrativa se hace, por momentos, bastante lenta. Kid configura un antihéroe moderno que solo busca visceralmente la venganza, y aunque pretende ser un símbolo de la lucha contra la opresión, esa dualidad contrapuesta no termina de comprenderse ni de desarrollarse.
Patel lleva la cinta sobre sus hombros y ejecuta una buena actuación. Acá no solo hay músculos y cicatrices, también existe un alma atormentada que busca redimirse, aunque no consiga del todo transmitir esa faceta de su personaje, salvo por aquellos grandes silencios y secuencias en los que parece que no ocurre nada externo sino todo lo contrario, momentos que quieren expresar la intimidad más profunda del protagonista.
El actor principal, en su debut tras las cámaras, imprime buenas dosis de audacia. Las secuencias de acción son coreografías de caos bien coordinadas. La cámara se introduce en callejones oscuros en medio de grandes rascacielos, capturando esencialmente una oscura jungla urbana donde la ciudad misma se transforma en un personaje que respira su historia.
La película tambalea como si fuera un luchador fatigado. Algunos de los personajes carecen de profundidad, con poco sustento para una cinta que tiene como leimotiv un llamado a la acción. La partitura, como si fuera un mantra, logra envolver, pero no resulta suficiente, aunque con ello intente reflejar ese pulso constante que recuerda que estamos en un mundo donde los límites se desdibujan permanentemente.
"Monkey Man" es un filme que parece más largo de lo que es. Son 121 minutos que se hacen extensos porque solo un tema está presente en forma reiterada y permanente: a toda costa y contra cualquier obstáculo, necesidad y sed de venganza.
Ficha técnica
Título original: Monkey Man
Año: 2024
Duración: 121 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Thunder Road Pictures, Bron Studios, Creative Wealth Media Finance. Productor: Jordan Peele
Género: Acción. Thriller. Drama | Venganza. Crimen
Guion: Dev Patel, Paul Angunawela, John Collee
Música: Volker Bertelmann
Fotografía: Sharone Meir
Reparto: Dev Patel, Sharlto Copley, Pitobash Tripathy, Vipin Sharma, Sikandar Kher, Adithi Kalkunte, Sobhita Dhulipala, Ashwini Kalsekar, Makarand Deshpande, Jatin Malik, and Zakir Hussain.
Dirección: Dev Patel
¿Quieres saber qué hay detrás de una película? Soy Carlos Correa Acuña, crítico de cine, y desde 2007 comparto comentarios, reseñas y análisis de películas y estrenos de todos los géneros. Una mirada personal, independiente y fundamentada sobre el cine, para descubrir nuevas películas, conocer sus claves y contrastar tu propia experiencia.
viernes, 17 de mayo de 2024
miércoles, 15 de mayo de 2024
Garfield fuera de casa
Siempre es entretenido conocer alguna nueva historia y travesura de nuestro carismático Garfield. Parece que ya sabemos todo de él y solo nos deleitamos con mirarlo comer, descansar, flojear y aprovecharse del bueno de Jon. Pero siempre hay un secreto, un relato no contada, un evento mayor que provoca cambios en el curso de los hechos y justamente es este el caso de esta nueva entrega.
Nos remontamos a Garfield casi bebé, cuando es abandonado por su padre y por casualidad conoce a su entrañable amigo. Todo ternura y con una buena dosis de manipulación, logra el cariño inmediato de quien será su esmerado cuidador. Pero los años no pasan en vano y en medio de una rutina que para nuestro protagonista resulta toda una fascinación, llega lo inesperado: se produce un fortuito encuentro con su padre -el gato Vic-, momento en el que Garfield y su compañero Odie se ven forzados a dejar su vida perfecta para unirse a él y perpetrar un robo arriesgado con el objetivo de salvar sus vidas.
Uno de los mensajes que trae esta graciosa aventura del famoso felino se refiere a la necesidad de salir de la zona de confort. Es cierto, en este caso es obligado, pero debe hacerlo igual. Esta es una enseñanza vital, porque a todo nos cuesta dar ese paso y la mayoría de las veces necesitamos un empujón, más o menos fuerte, para tirarnos a la piscina.
Otro mensaje inserto en esta animada historia es respecto a la pérdida, y lo que ello significa. Primero, para Garfield, perder a su padre y no saber de él por años, y segundo, con la historia del inesperado amigo que encuentran en la granja que deben asaltar. Ahí hay temas importantes que la película esboza livianamente pero que se vislumbran como importantes, especialmente en el proceso de apertura y contención que significa el poder externalizar los sentimientos.
Cuando conocemos la historia verdadera -y para no hacer spoilers-, aparece otro tema que tiene que ver con la renuncia, un gesto genuino para que se produzca algo mejor. Cuando aquello se comprende, es posible reparar lazos y crear nuevos vínculos, algo que parecía perdido pero que tiene, con esto, una segunda oportunidad.
Otra de las enseñanzas que trae esta cinta infantil se refiere a la necesidad del trabajo en equipo. Nadie puede solo, ni con sus problemas ni con sus desafíos, por lo que tratar este tema en forma de fábula, y bien resuelto, es una forma para que el mensaje pueda ser comprendido por todos, desde los más pequeños hasta los “niños grandes”, dentro de los que, por supuesto, siempre me incluyo.
Para concluir, algunas menciones para elementos que me gustaron mucho: primero, las referencias musicales usadas en una partitura que por momentos es un verdadero mini concierto, son geniales. Linda banda sonora compuesta por John Debney, ágil y muy apropiada para cada momento de la acción. Segundo, el llamado que hace Jon a un call center es hilarante, fiel reflejo de lo que muchas veces nos ha tocado o nos toca vivir a todos. Tercero, y como extra, pongan ojo a la plataforma de streaming que mira Garfieldf. Cualquier similitud con la realidad es solo eso, mera similitud.
Ficha técnica
Título original: The Garfield Movie
Año: 2024
Duración: 101 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Alcon Entertainment, Double Negative, Sony Pictures Animation, Paws, Prime Focus. Distribuidora: Sony Pictures
Género: Animación. Comedia | Gatos. Robos & Atracos. Cómic
Guion: Paul A. Kaplan, David Reynolds, Mark Torgove. Cómic: Jim Davis
Música: John Debney
Fotografía: Animación
Dirección: Mark Dindal
Nos remontamos a Garfield casi bebé, cuando es abandonado por su padre y por casualidad conoce a su entrañable amigo. Todo ternura y con una buena dosis de manipulación, logra el cariño inmediato de quien será su esmerado cuidador. Pero los años no pasan en vano y en medio de una rutina que para nuestro protagonista resulta toda una fascinación, llega lo inesperado: se produce un fortuito encuentro con su padre -el gato Vic-, momento en el que Garfield y su compañero Odie se ven forzados a dejar su vida perfecta para unirse a él y perpetrar un robo arriesgado con el objetivo de salvar sus vidas.
Uno de los mensajes que trae esta graciosa aventura del famoso felino se refiere a la necesidad de salir de la zona de confort. Es cierto, en este caso es obligado, pero debe hacerlo igual. Esta es una enseñanza vital, porque a todo nos cuesta dar ese paso y la mayoría de las veces necesitamos un empujón, más o menos fuerte, para tirarnos a la piscina.
Otro mensaje inserto en esta animada historia es respecto a la pérdida, y lo que ello significa. Primero, para Garfield, perder a su padre y no saber de él por años, y segundo, con la historia del inesperado amigo que encuentran en la granja que deben asaltar. Ahí hay temas importantes que la película esboza livianamente pero que se vislumbran como importantes, especialmente en el proceso de apertura y contención que significa el poder externalizar los sentimientos.
Cuando conocemos la historia verdadera -y para no hacer spoilers-, aparece otro tema que tiene que ver con la renuncia, un gesto genuino para que se produzca algo mejor. Cuando aquello se comprende, es posible reparar lazos y crear nuevos vínculos, algo que parecía perdido pero que tiene, con esto, una segunda oportunidad.
Otra de las enseñanzas que trae esta cinta infantil se refiere a la necesidad del trabajo en equipo. Nadie puede solo, ni con sus problemas ni con sus desafíos, por lo que tratar este tema en forma de fábula, y bien resuelto, es una forma para que el mensaje pueda ser comprendido por todos, desde los más pequeños hasta los “niños grandes”, dentro de los que, por supuesto, siempre me incluyo.
Para concluir, algunas menciones para elementos que me gustaron mucho: primero, las referencias musicales usadas en una partitura que por momentos es un verdadero mini concierto, son geniales. Linda banda sonora compuesta por John Debney, ágil y muy apropiada para cada momento de la acción. Segundo, el llamado que hace Jon a un call center es hilarante, fiel reflejo de lo que muchas veces nos ha tocado o nos toca vivir a todos. Tercero, y como extra, pongan ojo a la plataforma de streaming que mira Garfieldf. Cualquier similitud con la realidad es solo eso, mera similitud.
Ficha técnica
Título original: The Garfield Movie
Año: 2024
Duración: 101 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Alcon Entertainment, Double Negative, Sony Pictures Animation, Paws, Prime Focus. Distribuidora: Sony Pictures
Género: Animación. Comedia | Gatos. Robos & Atracos. Cómic
Guion: Paul A. Kaplan, David Reynolds, Mark Torgove. Cómic: Jim Davis
Música: John Debney
Fotografía: Animación
Dirección: Mark Dindal
martes, 14 de mayo de 2024
Vidas de Papel
Disponible en Netflix.
Escrita por Ercan Mehmet Erdem y dirigida por Can Ulkay, esta película turca nos adentra en la cruda realidad de los barrios marginales de Estambul a través de la historia de Mehmet -Çağatay Ulusoy-, un hombre con un pasado que lo atormenta y que, de un día para otro, debe hacerse cargo de un niño abandonado de solo 8 años.
Mehmet es un recolector de basura nocturno. Al sufrir una crisis, su mejor amigo lo lleva al hospital y allí es discriminado por ser, al menos en apariencia, una persona en situación de calle. La atención médica demora, pero el diagnóstico es claro: su problema es renal y necesita urgentemente un transplante.
A poco andar, y superada en parte la emergencia, el escenario cambia. Al concluir la jornada de trabajo, Mehmet, quien es jefe de los recolectores de cartón y otras especies que recorren las calles de Estambul escarbando las bolsas de residuos y otros desperdicios, descubre al pequeño Ali -Emir Ali ğrul-, escondido al interior de un contenedor lleno con la carga de todo un día de trabajo. Este encuentro, sorpresivo para ambos, será el generador de un vínculo transformador que lentamente cambiará sus vidas.
Los valores que cruzan la película están presentes desde el inicio. Mehmet, a pesar de su tragedia personal, se muestra comprensivo con la situación del pequeño Ali. A través de su relación, ambos personajes logran avanzar y salir adelante; Mehmet comienza a dejar atrás su pasado, y Ali encuentra un hogar y una familia.
Esta cinta, más allá de ser un drama eminentemente social, se transforma en una muestra de compasión y resiliencia que logra poner de relieve la capacidad del ser humano para encontrar una luz en la oscuridad. No es una película fácil de ver. Las escenas de pobreza y violencia son bastante realistas, sin embargo, también está llena de momentos de esperanza y belleza.
Las hermosas imágenes nocturnas y diurnas de una capital que no duerme, no logran esconder algunos problemas de edición presentes en la cinta. Por ejemplo, ante un comienzo lleno de expectativa, sobre todo con el tema de la urgencia del hospital, rápidamente cambia de secuencia; simplemente se pasa de un contexto a otro sin mediar un tránsito o una resolución. Estas situaciones la tornan una película irregular, con escasos nudos de conflicto y un poco plana, especialmente al enunciar historias interesantes que no alcanzan a ser desarrolladas.
La química de Mehmet con Ali es innegable, y tal vez lo mejor del filme. A través de los juegos se acercan y desarrollan gran cariño, aflorando el sentido paterno ante la marcada ausencia materna en ambos protagonistas. La preocupación genuina y el hacerse cargo de un otro resulta vital, aunque no se perciba claramente cuándo se producen estos cambios.
“Vidas de Papel” cuenta una linda historia aunque no esté bien resuelta en términos narrativos. Aportando, sí, un final inesperado, esta película invita a reflexionar sobre la importancia de la resiliencia individual y comunitaria, en un trabajo que entrega la certeza que, incluso en los momentos más difíciles, siempre se puede encontrar una salida al final del túnel.
Ficha técnica
Título original: Kagittan Hayatlar
Año: 2021
Duración: 96 minutos
País: Turquía
Compañías: OG Medya, OGM Pictures. Distribuidora: Netflix
Género: Drama
Guion: Ercan Mehmet Erdem
Música: Jingle Jungle, Ömer Özgür, Doga Ebrisim
Fotografía: Serkan Güler
Reparto: Çağatay Ulusoy, Emir Ali Doğrul, Ersin Arıcı, Turgay Tanülkü, Selen Öztürk
Dirección: Can Ulkay
Mehmet es un recolector de basura nocturno. Al sufrir una crisis, su mejor amigo lo lleva al hospital y allí es discriminado por ser, al menos en apariencia, una persona en situación de calle. La atención médica demora, pero el diagnóstico es claro: su problema es renal y necesita urgentemente un transplante.
A poco andar, y superada en parte la emergencia, el escenario cambia. Al concluir la jornada de trabajo, Mehmet, quien es jefe de los recolectores de cartón y otras especies que recorren las calles de Estambul escarbando las bolsas de residuos y otros desperdicios, descubre al pequeño Ali -Emir Ali ğrul-, escondido al interior de un contenedor lleno con la carga de todo un día de trabajo. Este encuentro, sorpresivo para ambos, será el generador de un vínculo transformador que lentamente cambiará sus vidas.
Los valores que cruzan la película están presentes desde el inicio. Mehmet, a pesar de su tragedia personal, se muestra comprensivo con la situación del pequeño Ali. A través de su relación, ambos personajes logran avanzar y salir adelante; Mehmet comienza a dejar atrás su pasado, y Ali encuentra un hogar y una familia.
Esta cinta, más allá de ser un drama eminentemente social, se transforma en una muestra de compasión y resiliencia que logra poner de relieve la capacidad del ser humano para encontrar una luz en la oscuridad. No es una película fácil de ver. Las escenas de pobreza y violencia son bastante realistas, sin embargo, también está llena de momentos de esperanza y belleza.
Las hermosas imágenes nocturnas y diurnas de una capital que no duerme, no logran esconder algunos problemas de edición presentes en la cinta. Por ejemplo, ante un comienzo lleno de expectativa, sobre todo con el tema de la urgencia del hospital, rápidamente cambia de secuencia; simplemente se pasa de un contexto a otro sin mediar un tránsito o una resolución. Estas situaciones la tornan una película irregular, con escasos nudos de conflicto y un poco plana, especialmente al enunciar historias interesantes que no alcanzan a ser desarrolladas.
La química de Mehmet con Ali es innegable, y tal vez lo mejor del filme. A través de los juegos se acercan y desarrollan gran cariño, aflorando el sentido paterno ante la marcada ausencia materna en ambos protagonistas. La preocupación genuina y el hacerse cargo de un otro resulta vital, aunque no se perciba claramente cuándo se producen estos cambios.
“Vidas de Papel” cuenta una linda historia aunque no esté bien resuelta en términos narrativos. Aportando, sí, un final inesperado, esta película invita a reflexionar sobre la importancia de la resiliencia individual y comunitaria, en un trabajo que entrega la certeza que, incluso en los momentos más difíciles, siempre se puede encontrar una salida al final del túnel.
Ficha técnica
Título original: Kagittan Hayatlar
Año: 2021
Duración: 96 minutos
País: Turquía
Compañías: OG Medya, OGM Pictures. Distribuidora: Netflix
Género: Drama
Guion: Ercan Mehmet Erdem
Música: Jingle Jungle, Ömer Özgür, Doga Ebrisim
Fotografía: Serkan Güler
Reparto: Çağatay Ulusoy, Emir Ali Doğrul, Ersin Arıcı, Turgay Tanülkü, Selen Öztürk
Dirección: Can Ulkay
lunes, 13 de mayo de 2024
Caminemos Valentina
Una imagen difusa, como si fuera una aparición velada e inesperada, da comienzo a esta cinta del director argentino Alberto Lecchi. Se trata de una mujer que enseña que lo que veremos a continuación está basado en hecho reales; y es de aquellos hechos de los que nunca quisiéramos saber.
Basada en el libro autobiográfico de Sandra Migliore, “Raza de víboras, memorias de una novicia”, que narra en primera persona los abusos que ella y otras compañeras sufrieron durante años a manos de una monja experimentada en el seno de la Congregación Educacionistas Franciscanas de Cristo Rey, esta cinta se introduce de lleno en una temática dura, apretada, contingente y por momentos francamente desquiciada.
Los abusos en contextos eclesiales han marcado los últimos años, y conocer otros casos resulta ser todavía más dramático. Los abusos sexuales se originan a partir de abusos de poder -en este caso en nombre de Dios-, que llevan directo hacia la violencia y la pedofilia, con marcada hipocresía y altos niveles de encubrimiento.
El guion escrito por el propio Lecchi junto a Daniel Romañach, constituye una denuncia ilustrativa, sin sutilezas, enfocado en su punto central, y sin distracciones. Dos líneas de tiempo separan el relato, una en color y otra en blanco y negro. En el presente, Sandra -Gabriela Robledo Azócar-, ha dejado el noviciado pero aún sigue trabajando en la congregación como contadora, y Valentina -Paula Sartor-, ha llegado recién a supervisar los libros contables de Sandra. Una serie de correos electrónicos anónimos detallando las denuncias contra la Maestra de Novicias, la hermana Bibiana -Roxana Naranjo Robles-, y que la sindican como responsable de una gran cantidad de abusos contra jóvenes que estudiaban para tomar los hábitos, hace que ambas mujeres recuerden su propia historia, los propios abusos sufridos en el pasado, y el camino por el que ambas han optado para intentar escapar del gran dolor que se les ha infringido. Las imágenes son dolorosas y explícitas, no dejan lugar a dudas: aberraciones que no solo son intolerables, sino que, en la mayoría de los casos, corresponden a delitos que deben ser denunciados, perseguidos y castigados.
“Caminemos Valentina” se atreve a incomodar gracias al caso que presenta. La cinematografía funciona pero no deslumbra, pese a la prolija edición de Silvio Caiozzi, cuya mano se aprecia en el ritmo que imprime para destacar la fotografía de Sebastián Gallo. No obstante despertar mucho interés, la película se tiende a diluir al no tener un nudo de conflicto más rudo que obligue un desenlace urgente, una tensión que vaya más allá de lo explícito y que nos provoque aún más sensaciones.
Así y todo, Alberto Lecchi consigue rescatar -en sus mismas palabras-, que la historia de amor se posicione por sobre los abusos. Para ello, resulta fundamental la parte final, inserta junto a los créditos, con las protagonistas reales narrando, en voz primera, algunos de los hechos descritos en la cinta, momento en que la emoción se desborda y surgen espontáneos aplausos.
Ficha técnica
Título original: Caminemos Valentina
Año: 2023
Duración: 104 minutos
País: Argentina
Compañías: Coproducción Argentina-Chile; Zarlek Producciones, Andrea Films
Género: Drama | Abusos sexuales
Guion: Alberto Lecchi, Daniel Romañach. Libro: Sandra Migliore
Música: Valentina Caiozzi
Fotografía: Sebastián Gallo
Reparto: Paula Sartor, Roxana Naranjo Robles, Jacinta Torres Molina, Sara Margot, Gabriela Robledo Azócar, Ana Celentano, Lidia Catalano
Dirección: Alberto Lecchi
Basada en el libro autobiográfico de Sandra Migliore, “Raza de víboras, memorias de una novicia”, que narra en primera persona los abusos que ella y otras compañeras sufrieron durante años a manos de una monja experimentada en el seno de la Congregación Educacionistas Franciscanas de Cristo Rey, esta cinta se introduce de lleno en una temática dura, apretada, contingente y por momentos francamente desquiciada.
Los abusos en contextos eclesiales han marcado los últimos años, y conocer otros casos resulta ser todavía más dramático. Los abusos sexuales se originan a partir de abusos de poder -en este caso en nombre de Dios-, que llevan directo hacia la violencia y la pedofilia, con marcada hipocresía y altos niveles de encubrimiento.
El guion escrito por el propio Lecchi junto a Daniel Romañach, constituye una denuncia ilustrativa, sin sutilezas, enfocado en su punto central, y sin distracciones. Dos líneas de tiempo separan el relato, una en color y otra en blanco y negro. En el presente, Sandra -Gabriela Robledo Azócar-, ha dejado el noviciado pero aún sigue trabajando en la congregación como contadora, y Valentina -Paula Sartor-, ha llegado recién a supervisar los libros contables de Sandra. Una serie de correos electrónicos anónimos detallando las denuncias contra la Maestra de Novicias, la hermana Bibiana -Roxana Naranjo Robles-, y que la sindican como responsable de una gran cantidad de abusos contra jóvenes que estudiaban para tomar los hábitos, hace que ambas mujeres recuerden su propia historia, los propios abusos sufridos en el pasado, y el camino por el que ambas han optado para intentar escapar del gran dolor que se les ha infringido. Las imágenes son dolorosas y explícitas, no dejan lugar a dudas: aberraciones que no solo son intolerables, sino que, en la mayoría de los casos, corresponden a delitos que deben ser denunciados, perseguidos y castigados.
Paula Sartor, quien da vida a Valentina Rojas, y Gabriela Robledo Azócar en el rol de Sandra, cumplen bien sus papeles, aunque hay algo que se siente forzado en sus actuaciones -y que resulta difícil de explicar-, tal vez producto de la presión por mostrar conmoción, o tal vez debido a lo complejo que resulta escenificar lo íntimo de una relación que surge al alero de una brutal vulneración en su juventud, transformando, posteriormente, ese profundo sufrimiento en amor.
“Caminemos Valentina” se atreve a incomodar gracias al caso que presenta. La cinematografía funciona pero no deslumbra, pese a la prolija edición de Silvio Caiozzi, cuya mano se aprecia en el ritmo que imprime para destacar la fotografía de Sebastián Gallo. No obstante despertar mucho interés, la película se tiende a diluir al no tener un nudo de conflicto más rudo que obligue un desenlace urgente, una tensión que vaya más allá de lo explícito y que nos provoque aún más sensaciones.
Así y todo, Alberto Lecchi consigue rescatar -en sus mismas palabras-, que la historia de amor se posicione por sobre los abusos. Para ello, resulta fundamental la parte final, inserta junto a los créditos, con las protagonistas reales narrando, en voz primera, algunos de los hechos descritos en la cinta, momento en que la emoción se desborda y surgen espontáneos aplausos.
Ficha técnica
Título original: Caminemos Valentina
Año: 2023
Duración: 104 minutos
País: Argentina
Compañías: Coproducción Argentina-Chile; Zarlek Producciones, Andrea Films
Género: Drama | Abusos sexuales
Guion: Alberto Lecchi, Daniel Romañach. Libro: Sandra Migliore
Música: Valentina Caiozzi
Fotografía: Sebastián Gallo
Reparto: Paula Sartor, Roxana Naranjo Robles, Jacinta Torres Molina, Sara Margot, Gabriela Robledo Azócar, Ana Celentano, Lidia Catalano
Dirección: Alberto Lecchi
viernes, 10 de mayo de 2024
El Planeta de los simios
Sinopsis: Muchas generaciones después de los acontecimientos de la Guerra por el Planeta de los Simios, las civilizaciones de los simios han surgido del oasis al que César llevó a sus compañeros, mientras que los humanos han retrocedido a un estado salvaje y primitivo. Cuando el rey simio Proximus César -Kevin Durand-, armado con armas forjadas a partir de tecnologías humanas perdidas, pervierte las enseñanzas de César para esclavizar a otros clanes, el cazador de chimpancés Noa -Owen Teague-, se embarca en un desgarrador viaje junto a una mujer humana llamada Mae -Freya Allan-, para determinar el futuro de los simios y los humanos por igual.
¿Es del todo inimaginable, un mundo en el que los simios sean la especie dominante? Tal vez no, y justamente esta es la premisa de esta película que invita a reflexionar sobre la naturaleza humana y su lugar en el universo. Con estética deslumbrante y una realización muy real, la cinta apela a la técnica que despliega a lo largo de sus 145 minutos para capturar la atención del espectador. Los escenarios selváticos son amplios y majestuosos, y las recreaciones de los simios tienen impecable factura, a lo que esta saga nos tiene ya acostumbrados.
Acompañados de la interesante partitura escrita por John Paesano, lo que vemos en el fondo, son las mismas temáticas humanas que nos preocupan y nos consumen actualmente. Es vital el tema de la convivencia, por supuesto entre humanos y simios, pero también entre los propios humanos y entre los propios simios. La lucha de poder se apodera de uno de los ejes centrales de la trama, juntando el abuso y la destrucción para dominar a los subordinados, partiendo por el viejo principio de dividir para gobernar. La defensa de la familia emerge como contrapeso al poder, pero allí también se cuela la venganza, sin que necesariamente sea en beneficio de un bien mayor y comunitario.
Particularmente, las películas de esta franquicia -que con esta son ya diez-, no me producen demasiada fascinación. Y me refiero básicamente a los simios, las imitaciones de sus movimientos y sus marcados comportamientos humanos. Es ciencia ficción, claro, y en este género podemos ver muchas otras criaturas desarrollando lo mismo, pero definitivamente no es lo que más me llama la atención. Sin embargo, desde el punto de vista cinematográfico, una película así es realmente una hazaña, pues debe desarrollar tantos elementos para ser creíble y tener un sustento visual importante, que si no se hace bien, la verdad es que se va directo al precipicio. Esta secuela aprueba, y con creces, pues resulta admirable desde su realización, hasta su puesta en escena y lograda construcción.
Dejo para el análisis final tres puntos. El papel de Raka -Peter Macon-, un orangután sabio y virtuoso que representa la maestría y la compasión. A lo largo de la película se convierte en el guía de Noa, revelando esa necesidad que tenemos de hallar un punto de referencia que nos permita validar la experiencia que sirve de faro cuando nos desenfocamos o perdemos el rumbo. En el extremo opuesto se encuentra Trevathan -William H. Macy-, el clásico ejemplo de oportunismo y cercanía por conveniencia -de esos personajes que van solo donde el sol calienta y sin principios que conduzcan su actuar-, que sirve de contrapunto respecto a la altura valórica que es representada por Raka. El tercer punto a destacar es la presencia humana que entrega Mae. Retraída y desconfiada en el inicio -un estado salvaje según sabemos-, es portadora de un mensaje importante cuando se enfrenta al poderoso Proximus César: “no puede tener acceso a eso”, dice, en una clara alusión a que el tirano no puede hacerse con una tecnología que le permitiría aumentar exponencialmente su poder.
“Kingdom of the Planet of the Apes” no es solo una película de ciencia ficción, sino también puede ser vista como una parábola sobre la naturaleza humana, los peligros del poder y la ambición. La cinta nos recuerda que debemos ser cuidadosos con nuestras acciones y que la búsqueda de poder a cualquier costo puede traer consecuencias desastrosas. Además, es para verla en pantalla gigante. Disfrutar los efectos especiales y sus particulares recreaciones es de las mejores experiencias que se pueden vivir en el Cine, y esta película, aunque posea temáticas conocidas, nos transporta a hermosos parajes que vale la pena ver, escuchar y contemplar en óptimas condiciones.
Ficha técnica
Título original: Kingdom of the Planet of the Apes
Año: 2024
Duración: 145 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: 20th Century Studios, Fox Studios Australia, Oddball Entertainment, Jason T. Reed Productions
Género: Ciencia ficción. Aventuras | Simios. Futuro postapocalíptico
Guion: Josh Friedman, Rick Jaffa, Amanda Silver, Patrick Aison
Música: John Paesano
Fotografía: Gyula Pados
Reparto: Owen Teague, Freya Allan, Kevin Durand, Peter Macon, and William H. Macy
Dirección: Wes Ball
¿Es del todo inimaginable, un mundo en el que los simios sean la especie dominante? Tal vez no, y justamente esta es la premisa de esta película que invita a reflexionar sobre la naturaleza humana y su lugar en el universo. Con estética deslumbrante y una realización muy real, la cinta apela a la técnica que despliega a lo largo de sus 145 minutos para capturar la atención del espectador. Los escenarios selváticos son amplios y majestuosos, y las recreaciones de los simios tienen impecable factura, a lo que esta saga nos tiene ya acostumbrados.
Acompañados de la interesante partitura escrita por John Paesano, lo que vemos en el fondo, son las mismas temáticas humanas que nos preocupan y nos consumen actualmente. Es vital el tema de la convivencia, por supuesto entre humanos y simios, pero también entre los propios humanos y entre los propios simios. La lucha de poder se apodera de uno de los ejes centrales de la trama, juntando el abuso y la destrucción para dominar a los subordinados, partiendo por el viejo principio de dividir para gobernar. La defensa de la familia emerge como contrapeso al poder, pero allí también se cuela la venganza, sin que necesariamente sea en beneficio de un bien mayor y comunitario.
Particularmente, las películas de esta franquicia -que con esta son ya diez-, no me producen demasiada fascinación. Y me refiero básicamente a los simios, las imitaciones de sus movimientos y sus marcados comportamientos humanos. Es ciencia ficción, claro, y en este género podemos ver muchas otras criaturas desarrollando lo mismo, pero definitivamente no es lo que más me llama la atención. Sin embargo, desde el punto de vista cinematográfico, una película así es realmente una hazaña, pues debe desarrollar tantos elementos para ser creíble y tener un sustento visual importante, que si no se hace bien, la verdad es que se va directo al precipicio. Esta secuela aprueba, y con creces, pues resulta admirable desde su realización, hasta su puesta en escena y lograda construcción.
Dejo para el análisis final tres puntos. El papel de Raka -Peter Macon-, un orangután sabio y virtuoso que representa la maestría y la compasión. A lo largo de la película se convierte en el guía de Noa, revelando esa necesidad que tenemos de hallar un punto de referencia que nos permita validar la experiencia que sirve de faro cuando nos desenfocamos o perdemos el rumbo. En el extremo opuesto se encuentra Trevathan -William H. Macy-, el clásico ejemplo de oportunismo y cercanía por conveniencia -de esos personajes que van solo donde el sol calienta y sin principios que conduzcan su actuar-, que sirve de contrapunto respecto a la altura valórica que es representada por Raka. El tercer punto a destacar es la presencia humana que entrega Mae. Retraída y desconfiada en el inicio -un estado salvaje según sabemos-, es portadora de un mensaje importante cuando se enfrenta al poderoso Proximus César: “no puede tener acceso a eso”, dice, en una clara alusión a que el tirano no puede hacerse con una tecnología que le permitiría aumentar exponencialmente su poder.
“Kingdom of the Planet of the Apes” no es solo una película de ciencia ficción, sino también puede ser vista como una parábola sobre la naturaleza humana, los peligros del poder y la ambición. La cinta nos recuerda que debemos ser cuidadosos con nuestras acciones y que la búsqueda de poder a cualquier costo puede traer consecuencias desastrosas. Además, es para verla en pantalla gigante. Disfrutar los efectos especiales y sus particulares recreaciones es de las mejores experiencias que se pueden vivir en el Cine, y esta película, aunque posea temáticas conocidas, nos transporta a hermosos parajes que vale la pena ver, escuchar y contemplar en óptimas condiciones.
Ficha técnica
Título original: Kingdom of the Planet of the Apes
Año: 2024
Duración: 145 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: 20th Century Studios, Fox Studios Australia, Oddball Entertainment, Jason T. Reed Productions
Género: Ciencia ficción. Aventuras | Simios. Futuro postapocalíptico
Guion: Josh Friedman, Rick Jaffa, Amanda Silver, Patrick Aison
Música: John Paesano
Fotografía: Gyula Pados
Reparto: Owen Teague, Freya Allan, Kevin Durand, Peter Macon, and William H. Macy
Dirección: Wes Ball
miércoles, 8 de mayo de 2024
Hachiko 2: Siempre a tu lado - Por Carlos Correa Acuña
Tercera película sobre este icónico perro japonés de raza akita. Nacido en Ōdate el 10 de noviembre de 1923 y fallecido en Shibuya, el 8 de marzo de 1935, Hachikō es recordado por haber esperado a su amigo, el profesor Hidesaburō Ueno, en la estación de Shibuya, por cerca de 10 años luego de su muerte.
La película inicial, de 1987, llamada “Hachikō Monogatari”, y dirigida por Seijiro Koyama, cuenta la historia de su vida desde que era un cachorro hasta su muerte, y se imaginó como un reencuentro espiritual con su amo. En agosto de 2009 se estrenó una adaptación estadounidense de este filme, titulada “Hachi: A Dog's Tale”, protagonizada por el actor Richard Gere, y que asume la historia de Hachikō y su relación con el profesor, en una época más moderna y en Estados Unidos como locación.
En esta tercera entrega, del año 2023 y que no es una secuela, el profesor es encarnado por el reconocido actor y director Feng Xiaogang, y su relación con el perro surge a raíz de una casualidad. Pese a las reticencias iniciales de la mujer del profesor -Joan Chen-, el cachorro acaba convirtiéndose en un miembro más de la familia. La amistad y lealtad que une al perro con el profesor se hace aún más presente cuando este último fallece.
La ciudad donde se desarrolla la historia ahora es Chongqing, un escenario que el director aprovecha para dar cuenta del paso de los años junto con la creciente y rápida construcción en China. Se puede observar un antes y un después en la ciudad, donde los teleféricos que cruzan el río quedan de a poco relegados a los turistas pues la construcción de nuevos puentes ya no los hacen del todo necesarios.
“Batong”, -nombre que recibe el perro en esta adaptación-, es encantador. Desde pequeño, juguetón y travieso, hasta que crece y logra interactuar más y más, este pastor chino crea un vínculo sólido con su amo, al punto de acompañarle en casi todas sus tareas cotidianas. Pareciera que entre ellos existe un entendimiento que va más allá del lenguaje, una forma de comunicación única que está presente en cada uno de sus diferentes movimientos y acciones. Por ello no sorprende que Batong lo vaya a dejar a la estación por las mañanas y lo vaya a recibir por las tardes, algo central en la historia original y también eje principal en esta nueva y emotiva cinta.
Con paciencia oriental, la cinta nos va llevando lentamente a involucrarnos con los protagonistas. Si bien, la trama es en esencia similar a sus predecesoras, los detalles hacen la diferencia, como las referencias modernas y actuales en un mundo que cambia constantemente, y que necesita de relieves como este para poder detenerse y admirar una humanidad que se ve amenazada.
“Hachiko” es un oasis en medio del tráfago, y aunque conozcamos la historia y por ello sea predecible, es imposible no emocionarse con su final bien logrado, y que apela a lo más fundamental que tenemos los seres humanos: nuestros sentimientos más íntimos y profundos. No se pierdan los créditos finales, con imágenes tras bambalinas de la filmación y también con algunas sorpresas.
Ficha técnica
Título original: Hachiko
Año: 2023
Duración: 120 minutos
País: China
Compañías: iQIYI Pictures
Género: Drama | Cine familiar. Perros/Lobos
Guion: Liangwen Li, Lin Li, Xu Ang, Hansi Zhang
Fotografía: He Shan
Reparto: Feng Xiaogang, Joan Chen, Bai Ju-Gang, Eponine Huang, Bo Qian
La película inicial, de 1987, llamada “Hachikō Monogatari”, y dirigida por Seijiro Koyama, cuenta la historia de su vida desde que era un cachorro hasta su muerte, y se imaginó como un reencuentro espiritual con su amo. En agosto de 2009 se estrenó una adaptación estadounidense de este filme, titulada “Hachi: A Dog's Tale”, protagonizada por el actor Richard Gere, y que asume la historia de Hachikō y su relación con el profesor, en una época más moderna y en Estados Unidos como locación.
En esta tercera entrega, del año 2023 y que no es una secuela, el profesor es encarnado por el reconocido actor y director Feng Xiaogang, y su relación con el perro surge a raíz de una casualidad. Pese a las reticencias iniciales de la mujer del profesor -Joan Chen-, el cachorro acaba convirtiéndose en un miembro más de la familia. La amistad y lealtad que une al perro con el profesor se hace aún más presente cuando este último fallece.
La ciudad donde se desarrolla la historia ahora es Chongqing, un escenario que el director aprovecha para dar cuenta del paso de los años junto con la creciente y rápida construcción en China. Se puede observar un antes y un después en la ciudad, donde los teleféricos que cruzan el río quedan de a poco relegados a los turistas pues la construcción de nuevos puentes ya no los hacen del todo necesarios.
“Batong”, -nombre que recibe el perro en esta adaptación-, es encantador. Desde pequeño, juguetón y travieso, hasta que crece y logra interactuar más y más, este pastor chino crea un vínculo sólido con su amo, al punto de acompañarle en casi todas sus tareas cotidianas. Pareciera que entre ellos existe un entendimiento que va más allá del lenguaje, una forma de comunicación única que está presente en cada uno de sus diferentes movimientos y acciones. Por ello no sorprende que Batong lo vaya a dejar a la estación por las mañanas y lo vaya a recibir por las tardes, algo central en la historia original y también eje principal en esta nueva y emotiva cinta.
Con paciencia oriental, la cinta nos va llevando lentamente a involucrarnos con los protagonistas. Si bien, la trama es en esencia similar a sus predecesoras, los detalles hacen la diferencia, como las referencias modernas y actuales en un mundo que cambia constantemente, y que necesita de relieves como este para poder detenerse y admirar una humanidad que se ve amenazada.
“Hachiko” es un oasis en medio del tráfago, y aunque conozcamos la historia y por ello sea predecible, es imposible no emocionarse con su final bien logrado, y que apela a lo más fundamental que tenemos los seres humanos: nuestros sentimientos más íntimos y profundos. No se pierdan los créditos finales, con imágenes tras bambalinas de la filmación y también con algunas sorpresas.
Ficha técnica
Título original: Hachiko
Año: 2023
Duración: 120 minutos
País: China
Compañías: iQIYI Pictures
Género: Drama | Cine familiar. Perros/Lobos
Guion: Liangwen Li, Lin Li, Xu Ang, Hansi Zhang
Fotografía: He Shan
Reparto: Feng Xiaogang, Joan Chen, Bai Ju-Gang, Eponine Huang, Bo Qian
Dirección: Xu Ang
lunes, 6 de mayo de 2024
20 Días en Mariúpol
"Es el primer Oscar de la historia de Ucrania. Estoy honrado, pero probablemente seré el primer director en este escenario que diga que ojalá nunca hubiera hecho esta película. Ojalá fuera capaz de cambiar esto porque Rusia nunca hubiera atacado y ocupado Ucrania", señaló el director de este filme, Mstyslav Chernov, al recibir el premio de la Academia al mejor documental en Marzo pasado.
Mujeres embarazadas a punto de perder la vida en un hospital de maternidad, adolescentes heridos de muerte tras un partido de fútbol, edificios reducidos a escombros, ciudadanos desesperados intentando refugiarse de los bombardeos, y soldados haciendo frente a los ataques, son parte de un testimonio desgarrador que conmueve hasta las vísceras a lo largo de sus 95 minutos de duración.
El fotógrafo y periodista ucraniano Mstyslav Chernov, narra la atroz guerra en Ucrania -específicamente lo sucedido en la ciudad portuaria de Mariúpol entre febrero y marzo del 2022, cuando fue atacada e invadida por tropas rusas-, con una templanza y entereza asombrosa. Las imágenes son crudas, crudísimas; es imposible permanecer inmóvil. La tensión se siente de tal forma que se sale de la pantalla con cada imagen, con cada secuencia. De pronto me vi recogido en el asiento, nervioso, apretado, asumiendo como propio un dolor inimaginable.
Cuando observamos trabajos de este tipo, documentos audiovisuales que muestran de cerca la muerte y de una manera que resulta indescriptible, surgen los cuestionamientos respecto al papel de la prensa ante hechos de esta naturaleza. Es más, el propio Chernov lo ratifica al comienzo de su filme cuando se pregunta si no será mejor tranquilizar a una mujer desesperada en vez de solo filmarla. No quiero ser repetitivo, pero sin duda me costaría mucho hacer un video de una situación donde quizá yo mismo puedo ayudar a salvar a alguien, o en otros casos, si aquello vulnera la intimidad de una persona herida o recién fallecida. De verdad es difícil, muy difícil, sin embargo, entiendo -solo racionalmente- lo que sucede. En este caso, lo vemos refrendado por las solicitudes de quienes son los propios protagonistas de las imágenes: necesitamos que ustedes filmen para que el mundo sepa lo que nos están haciendo. Ante eso, el deber es claro, y la responsabilidad, todavía mayor.
“20 Days in Mariupol” es una película intensa, dolorosa de ver, pero que debe ser vista. Parafraseando al director, ojalá nunca tengamos que presenciar películas de este tipo, pero mientras la humanidad no aprenda de sus propios errores y horrores, documentales como este son un cable a tierra para comunicar una realidad desoladora e incomprensible que, en este caso, esperamos termine cuanto antes y nunca más se repita.
Ficha técnica
Título original: 20 Days in Mariupol
Año: 2023
Duración: 95 minutos
País: Ucrania
Compañías: Associated Press, Frontline PBS
Género: Documental | Conflicto Rusia-Ucrania. Periodismo
Guion: Mstyslav Chernov
Música: Jordan Dykstra
Fotografía: Mstyslav Chernov
Reparto: Documental
Dirección: Mstyslav Chernov
Mujeres embarazadas a punto de perder la vida en un hospital de maternidad, adolescentes heridos de muerte tras un partido de fútbol, edificios reducidos a escombros, ciudadanos desesperados intentando refugiarse de los bombardeos, y soldados haciendo frente a los ataques, son parte de un testimonio desgarrador que conmueve hasta las vísceras a lo largo de sus 95 minutos de duración.
El fotógrafo y periodista ucraniano Mstyslav Chernov, narra la atroz guerra en Ucrania -específicamente lo sucedido en la ciudad portuaria de Mariúpol entre febrero y marzo del 2022, cuando fue atacada e invadida por tropas rusas-, con una templanza y entereza asombrosa. Las imágenes son crudas, crudísimas; es imposible permanecer inmóvil. La tensión se siente de tal forma que se sale de la pantalla con cada imagen, con cada secuencia. De pronto me vi recogido en el asiento, nervioso, apretado, asumiendo como propio un dolor inimaginable.
Cuando observamos trabajos de este tipo, documentos audiovisuales que muestran de cerca la muerte y de una manera que resulta indescriptible, surgen los cuestionamientos respecto al papel de la prensa ante hechos de esta naturaleza. Es más, el propio Chernov lo ratifica al comienzo de su filme cuando se pregunta si no será mejor tranquilizar a una mujer desesperada en vez de solo filmarla. No quiero ser repetitivo, pero sin duda me costaría mucho hacer un video de una situación donde quizá yo mismo puedo ayudar a salvar a alguien, o en otros casos, si aquello vulnera la intimidad de una persona herida o recién fallecida. De verdad es difícil, muy difícil, sin embargo, entiendo -solo racionalmente- lo que sucede. En este caso, lo vemos refrendado por las solicitudes de quienes son los propios protagonistas de las imágenes: necesitamos que ustedes filmen para que el mundo sepa lo que nos están haciendo. Ante eso, el deber es claro, y la responsabilidad, todavía mayor.
“20 Days in Mariupol” es una película intensa, dolorosa de ver, pero que debe ser vista. Parafraseando al director, ojalá nunca tengamos que presenciar películas de este tipo, pero mientras la humanidad no aprenda de sus propios errores y horrores, documentales como este son un cable a tierra para comunicar una realidad desoladora e incomprensible que, en este caso, esperamos termine cuanto antes y nunca más se repita.
Ficha técnica
Título original: 20 Days in Mariupol
Año: 2023
Duración: 95 minutos
País: Ucrania
Compañías: Associated Press, Frontline PBS
Género: Documental | Conflicto Rusia-Ucrania. Periodismo
Guion: Mstyslav Chernov
Música: Jordan Dykstra
Fotografía: Mstyslav Chernov
Reparto: Documental
Dirección: Mstyslav Chernov
viernes, 3 de mayo de 2024
Amor, Mentiras y Sangre
Dirigida por Rose Glass, “Love Lies Bleeding”, es un excelente thriller no solo por sus logradas actuaciones, sino, particularmente, porque no resulta para nada predecible. Como si de una madeja se tratara, desde cada hilo se desprenden historias que vamos descubriendo con el correr de los minutos, al tiempo que nos damos cuenta de cómo las protagonistas se van enredando en ellas producto de sus propias decisiones y de las circunstancias que les rodean.
La trama sigue a Jackie Cleaver -Katy O'Brian-, una mujer físicoculturista que se dirige a Las Vegas para participar en una famosa competición. Corre el año 1989, y en su camino decide parar en un pequeño pueblo en Nuevo México donde conoce a Louise Langston -Kristen Stewart-, la solitaria encargada del gimnasio local. Lou es de pocas palabras, y también un tanto malas pulgas, pero de inmediato se siente atraída por Jackie, no solo físicamente, también producto de su personalidad desbordante, contraria a su forma de ser, algo retraída y apagada. Lou no quiere saber nada de su padre -Ed Harris-, un traficante de armas local que maneja un verdadero sindicato del crimen, en cuyas dependencias de práctica de tiro -que funciona como una fachada perfecta-, Jackie consigue trabajo como cantinera. En breve tiempo las dos mujeres se enamoran, sin embargo a poco andar asoma la violencia cuando ambas se ven inmersas en las turbias relaciones familiares de Lou.
La fotografía de Ben Fordesman, oscura y rasposa, es una referencia respecto a los temas ocultos en familias completamente disfuncionales. Beth -Jena Malone-, la hermana de Lou, es abusada físicamente por su marido, J.J. -Dave Franco, y nada puede hacer para defenderse o contrarrestar ataques que cada vez son más violentos. Asimismo, poco y nada conocemos del viejo Lou, estupendamente interpretado por Harris, quien solo esconde secretos y una mujer que se ha marchado para dejarlo totalmente solo.
Hay pocas pistas en este drama que importa bastantes elementos del cine negro, porque justamente son los temas escondidos los que siembran un manto de duda sobre todas las acciones que observamos en pantalla. Nada se destaca por ser sincero, son relaciones por conveniencia o bien abusivas, enredadas y torcidas, que contrastan con ese cielo estrellado y limpio que vemos en las amplias tomas nocturnas de aquel descampado desierto.
En la medida que el metraje avanza, Glass complejiza un guion que es también de su autoría. La delgada línea entre el amor y el odio, o más bien la locura que se puede desprender desde ambos sentimientos, encausan el relato hacia particulares eventos que toman diferentes cursos de acción. ¿Cómo se logra salir de situaciones de violencia de esa magnitud? Cuando se enloquece producto de la injusticia, ¿cuál es el límite aceptable y el que no se puede traspasar de ninguna manera?
El amor lleva a cometer actos irracionales, cuyas consecuencias van más allá de toda consideración. Algo de esto sucede en esta película, donde por amor se actúa y por amor se protege. También por amor se miente y por amor se demarra sangre, justamente las palabras que componen el título de este original relato cuya capa violenta -no recomendable para personas muy sensibles-, no logra desviarse de aquella humanidad íntima y sagrada que contiene su argumento central.
Ficha técnica
Título original: Love Lies Bleeding
Año: 2024
Duración: 104 minutos
País: Reino Unido
Compañías: Coproducción Reino Unido-Estados Unidos; Film4 Productions, A24, Escape Plan Productions, Lobo Films. Distribuidora: A24
Género: Thriller. Drama | Drama romántico. Homosexualidad. Culturismo & Fitness. Años 80
Guion: Rose Glass, Weronika Tofilska
Música: Clint Mansell
Fotografía: Ben Fordesman
Reparto: Kristen Stewart, Katy O'Brian, Jena Malone, Anna Baryshnikov, Dave Franco, Ed Harris.
La trama sigue a Jackie Cleaver -Katy O'Brian-, una mujer físicoculturista que se dirige a Las Vegas para participar en una famosa competición. Corre el año 1989, y en su camino decide parar en un pequeño pueblo en Nuevo México donde conoce a Louise Langston -Kristen Stewart-, la solitaria encargada del gimnasio local. Lou es de pocas palabras, y también un tanto malas pulgas, pero de inmediato se siente atraída por Jackie, no solo físicamente, también producto de su personalidad desbordante, contraria a su forma de ser, algo retraída y apagada. Lou no quiere saber nada de su padre -Ed Harris-, un traficante de armas local que maneja un verdadero sindicato del crimen, en cuyas dependencias de práctica de tiro -que funciona como una fachada perfecta-, Jackie consigue trabajo como cantinera. En breve tiempo las dos mujeres se enamoran, sin embargo a poco andar asoma la violencia cuando ambas se ven inmersas en las turbias relaciones familiares de Lou.
La fotografía de Ben Fordesman, oscura y rasposa, es una referencia respecto a los temas ocultos en familias completamente disfuncionales. Beth -Jena Malone-, la hermana de Lou, es abusada físicamente por su marido, J.J. -Dave Franco, y nada puede hacer para defenderse o contrarrestar ataques que cada vez son más violentos. Asimismo, poco y nada conocemos del viejo Lou, estupendamente interpretado por Harris, quien solo esconde secretos y una mujer que se ha marchado para dejarlo totalmente solo.
Hay pocas pistas en este drama que importa bastantes elementos del cine negro, porque justamente son los temas escondidos los que siembran un manto de duda sobre todas las acciones que observamos en pantalla. Nada se destaca por ser sincero, son relaciones por conveniencia o bien abusivas, enredadas y torcidas, que contrastan con ese cielo estrellado y limpio que vemos en las amplias tomas nocturnas de aquel descampado desierto.
En la medida que el metraje avanza, Glass complejiza un guion que es también de su autoría. La delgada línea entre el amor y el odio, o más bien la locura que se puede desprender desde ambos sentimientos, encausan el relato hacia particulares eventos que toman diferentes cursos de acción. ¿Cómo se logra salir de situaciones de violencia de esa magnitud? Cuando se enloquece producto de la injusticia, ¿cuál es el límite aceptable y el que no se puede traspasar de ninguna manera?
El amor lleva a cometer actos irracionales, cuyas consecuencias van más allá de toda consideración. Algo de esto sucede en esta película, donde por amor se actúa y por amor se protege. También por amor se miente y por amor se demarra sangre, justamente las palabras que componen el título de este original relato cuya capa violenta -no recomendable para personas muy sensibles-, no logra desviarse de aquella humanidad íntima y sagrada que contiene su argumento central.
Ficha técnica
Título original: Love Lies Bleeding
Año: 2024
Duración: 104 minutos
País: Reino Unido
Compañías: Coproducción Reino Unido-Estados Unidos; Film4 Productions, A24, Escape Plan Productions, Lobo Films. Distribuidora: A24
Género: Thriller. Drama | Drama romántico. Homosexualidad. Culturismo & Fitness. Años 80
Guion: Rose Glass, Weronika Tofilska
Música: Clint Mansell
Fotografía: Ben Fordesman
Reparto: Kristen Stewart, Katy O'Brian, Jena Malone, Anna Baryshnikov, Dave Franco, Ed Harris.
Dirección: Rose Glass
jueves, 2 de mayo de 2024
Horrorland
Sinopsis: A Fiona, la encargada de un parque, le toca ocuparse de unos antiguos amigos de la escuela secundaria que han ganado una visita previa exclusiva de Halloween a un parque de atracciones, una noche entera, para ellos solos. Algodón de azúcar, palomitas de maíz y juegos se suceden unos detrás de otros, pero la diversión se convierte rápidamente en una auténtica pesadilla cuando se dan cuenta de que no están solos en el parque. Todos los pecados del pasado vuelven cuando se dan cuenta de que solo haciéndoles frente podrán sobrevivir.
Desmenucemos un poco el inicio de la película, porque más que mal, es lo que resulta ser su parte más interesante. En el último tiempo, sobre todo en las películas de terror, esto ha sido una constante. Se trata de la premisa, es decir, la base sobre la que se construye la historia, el contexto en el que se mueven los personajes, los ejes fundantes del relato. En este caso, se trata de la mezcla de varios elementos que configuran un inicio que no deja de ser prometedor. Vemos imágenes de una fiesta, existe una cierta confusión, estamos ad portas de Halloween, con supuestos monstruos, muchas máscaras, persecuciones, y un hecho que marcará un antes y un después.
La historia cambia totalmente y se va a la visita privada -nocturna- de cinco amigos a un parque temático donde son recibidos por una anfitriona que ellos conocen, y por supuesto, se topan con parte de un pasado no resuelto, con temas ocultos que solo está debajo de la alfombra, o sea, puede aflorar en cualquier momento, o más bien, en el momento menos pensado.
Como esto es terror -y del subgénero slasher-, adivinen… ¡obvio! … algo desencadena la masacre: se corta la luz. Si estamos acostumbrados a la famosa frase “luz, cámara, acción”, acá es “oscuridad, cámara… sangre”. Y claro, estamos en un parque de diversiones pero con los papeles invertidos, pues la diversión, ahora, son justamente ellos, los desprevenidos visitantes. ¿Quién está detrás de todo esto? Aunque ingresa un nuevo personaje la maldad sigue oculta tras una máscara y no sabemos por qué hace lo que hace, menos su posible identidad.
“Karusell”, en cuanto a su temática, no aporta nada nuevo, nada que no hayamos visto anteriormente. Respecto al desarrollo, tampoco despega, se estanca luego del ya mencionado inicio prometedor. Y en ejecución, es apenas suficiente, porque la irregularidad es la constante en un metraje que va y viene sin acentuar los nudos, y que se queda solo en un crudo reguero de muertes, desmembraciones y decapitaciones.
Es un poco plana esta película sueca dirigida por Simon Sandquist. Truculenta y con algunos excesos, estamos frente a un slasher complaciente que le cuesta provocar, y aunque cierra la historia uniendo sus puntos y entregando respuestas, lo más terrorífico es que amenaza con una secuela. ¡Valor!
Ficha técnica
Título original: Karusell
Año: 2023
Duración: 93 minutos
País: Suecia
Compañías: Scandinavian Content Group
Género: Terror | Halloween. Slasher
Guion: Marten Gisby, Filip Hammarström, Henry Stenberg
Música: Christian Sandquist
Fotografía: Andres Rignell
Reparto: Wilma Lidén, Omar Rudberg, Amanda Lindh, Embla Ingelman-Sundberg, Emil Algpeus, Ludvig Deltin
Desmenucemos un poco el inicio de la película, porque más que mal, es lo que resulta ser su parte más interesante. En el último tiempo, sobre todo en las películas de terror, esto ha sido una constante. Se trata de la premisa, es decir, la base sobre la que se construye la historia, el contexto en el que se mueven los personajes, los ejes fundantes del relato. En este caso, se trata de la mezcla de varios elementos que configuran un inicio que no deja de ser prometedor. Vemos imágenes de una fiesta, existe una cierta confusión, estamos ad portas de Halloween, con supuestos monstruos, muchas máscaras, persecuciones, y un hecho que marcará un antes y un después.
La historia cambia totalmente y se va a la visita privada -nocturna- de cinco amigos a un parque temático donde son recibidos por una anfitriona que ellos conocen, y por supuesto, se topan con parte de un pasado no resuelto, con temas ocultos que solo está debajo de la alfombra, o sea, puede aflorar en cualquier momento, o más bien, en el momento menos pensado.
Como esto es terror -y del subgénero slasher-, adivinen… ¡obvio! … algo desencadena la masacre: se corta la luz. Si estamos acostumbrados a la famosa frase “luz, cámara, acción”, acá es “oscuridad, cámara… sangre”. Y claro, estamos en un parque de diversiones pero con los papeles invertidos, pues la diversión, ahora, son justamente ellos, los desprevenidos visitantes. ¿Quién está detrás de todo esto? Aunque ingresa un nuevo personaje la maldad sigue oculta tras una máscara y no sabemos por qué hace lo que hace, menos su posible identidad.
“Karusell”, en cuanto a su temática, no aporta nada nuevo, nada que no hayamos visto anteriormente. Respecto al desarrollo, tampoco despega, se estanca luego del ya mencionado inicio prometedor. Y en ejecución, es apenas suficiente, porque la irregularidad es la constante en un metraje que va y viene sin acentuar los nudos, y que se queda solo en un crudo reguero de muertes, desmembraciones y decapitaciones.
Es un poco plana esta película sueca dirigida por Simon Sandquist. Truculenta y con algunos excesos, estamos frente a un slasher complaciente que le cuesta provocar, y aunque cierra la historia uniendo sus puntos y entregando respuestas, lo más terrorífico es que amenaza con una secuela. ¡Valor!
Ficha técnica
Título original: Karusell
Año: 2023
Duración: 93 minutos
País: Suecia
Compañías: Scandinavian Content Group
Género: Terror | Halloween. Slasher
Guion: Marten Gisby, Filip Hammarström, Henry Stenberg
Música: Christian Sandquist
Fotografía: Andres Rignell
Reparto: Wilma Lidén, Omar Rudberg, Amanda Lindh, Embla Ingelman-Sundberg, Emil Algpeus, Ludvig Deltin
Dirección: Simon Sandquist
martes, 30 de abril de 2024
Un gato con suerte
Me encantan las películas animadas. Trato de ver todos los estrenos en el cine, sin embargo a veces la vorágine no lo permite, o bien, no coinciden necesariamente los horarios. Esto me pasó con esta propuesta, me demoré en verla, pero no hay plazo que no se cumpla ni deuda que no se pague. Además, los buenos comentarios recibidos por esta animación se justifican plenamente, ya que se trata de una sencilla fábula animada con un protagonista encantador, un personaje que, además, está a medio camino entre varios de sus congéneres archiconocidos.
Vamos por parte. La historia corresponde a Beckett, un gato mimado y un poquitín egoísta que se siente pleno por la buena suerte que ha tenido en la vida. La película se centra en su transformación, pues tras perder su novena vida, se embarca en una serie de reencarnaciones que le enseñan lecciones importantes sobre el amor, la vida y el apoyo mutuo.
Lo que primero observamos es la forma cómo Rose lo rescata de morir atropellado. De ahí en más, viene la vida cotidiana, ese lazo y vínculo que se forma entre ambos, en especial al comienzo, cuando Beckett es aún un pequeño gatito, una ternurita que dan ganas de no soltar jamás. Pero bueno, crece, y bastante, y en eso llega un tercero, el ex novio de Rose, y la cosa se complica porque obviamente se siente desplazado, tiene celos, y todo termina mal. Se acaban, entonces, sus nueve vidas.
Beckett llega al cielo y suplica por clemencia. Un “Guardián” le permite regresar a la Tierra con otras nueve vidas. Pero esto no es una repetición de lo anterior, pues, con esta nueva oportunidad, nuestro gatito experimenta diversas formas de existencia a través de las que debe aprender, a la fuerza, sobre la importancia de las relaciones y sobre el amor desinteresado.
En paralelo se encuentra el tema de las abejas con las que Rose trabaja en diversos experimentos cuyo fin es salvarlas del exterminio, con un jefe preocupado y sistemático pero que oculta un gran secreto. No adelantaré nada de esta trama para que la puedan descubrir, porque es otra de las lindas enseñanzas que destaca en esta simpática película.
Volviendo a Beckett, la experiencia de ser pájaro, perro, pez y caballo, entre otros, no le sienta muy bien, está perdido, y lo único que quiere es poder volver a estar con Rose, tal como era antes.
En el interin, la maldad a su alrededor va en aumento, y cuando nuestro protagonista se da cuenta, no duda un segundo en sacrificarse para proteger a su querida Rose. Por eso, cuando ya el segundo racimo de vidas está por terminar, comprende, tal vez, la mayor lección de todas, esa que reza que “cuando amas con todo tu corazón, solo una vida es lo que necesitas”.
Dirigida por Mark Koetsier y Christopher Jenkins, “10 Lives”, su título original, seduce por la simpatía y simpleza que tiene al momento de entregar su mensaje. Beckett no solo aprende sobre el amor al prójimo y el valor de la vida, sino que también se enfrenta a una profunda transformación que lo lleva a encontrar la mejor versión de sí mismo, un tema valórico primordial traducido a un lenguaje sencillo que, además, permite que grandes y chicos lo disfruten al máximo. Y me incluyo, naturalmente, entre los “chicos” grandes.
Ficha técnica
Título original: 10 Lives
Año: 2024
Duración: 78 minutos
País: Reino Unido
Compañías: GFM Animation, Original Force, 10 Lives Productions, Align, Caramel Film, Netflix Animation
Género: Animación. Comedia | Gatos. Cine familiar
Guion: Ken Cinnamon, Karen Wengrod
Música: Geoff Zanelli
Fotografía: Animación
Reparto: Animación
Dirección: Mark Koetsier, Christopher Jenkins
Vamos por parte. La historia corresponde a Beckett, un gato mimado y un poquitín egoísta que se siente pleno por la buena suerte que ha tenido en la vida. La película se centra en su transformación, pues tras perder su novena vida, se embarca en una serie de reencarnaciones que le enseñan lecciones importantes sobre el amor, la vida y el apoyo mutuo.
Lo que primero observamos es la forma cómo Rose lo rescata de morir atropellado. De ahí en más, viene la vida cotidiana, ese lazo y vínculo que se forma entre ambos, en especial al comienzo, cuando Beckett es aún un pequeño gatito, una ternurita que dan ganas de no soltar jamás. Pero bueno, crece, y bastante, y en eso llega un tercero, el ex novio de Rose, y la cosa se complica porque obviamente se siente desplazado, tiene celos, y todo termina mal. Se acaban, entonces, sus nueve vidas.
Beckett llega al cielo y suplica por clemencia. Un “Guardián” le permite regresar a la Tierra con otras nueve vidas. Pero esto no es una repetición de lo anterior, pues, con esta nueva oportunidad, nuestro gatito experimenta diversas formas de existencia a través de las que debe aprender, a la fuerza, sobre la importancia de las relaciones y sobre el amor desinteresado.
En paralelo se encuentra el tema de las abejas con las que Rose trabaja en diversos experimentos cuyo fin es salvarlas del exterminio, con un jefe preocupado y sistemático pero que oculta un gran secreto. No adelantaré nada de esta trama para que la puedan descubrir, porque es otra de las lindas enseñanzas que destaca en esta simpática película.
Volviendo a Beckett, la experiencia de ser pájaro, perro, pez y caballo, entre otros, no le sienta muy bien, está perdido, y lo único que quiere es poder volver a estar con Rose, tal como era antes.
En el interin, la maldad a su alrededor va en aumento, y cuando nuestro protagonista se da cuenta, no duda un segundo en sacrificarse para proteger a su querida Rose. Por eso, cuando ya el segundo racimo de vidas está por terminar, comprende, tal vez, la mayor lección de todas, esa que reza que “cuando amas con todo tu corazón, solo una vida es lo que necesitas”.
Dirigida por Mark Koetsier y Christopher Jenkins, “10 Lives”, su título original, seduce por la simpatía y simpleza que tiene al momento de entregar su mensaje. Beckett no solo aprende sobre el amor al prójimo y el valor de la vida, sino que también se enfrenta a una profunda transformación que lo lleva a encontrar la mejor versión de sí mismo, un tema valórico primordial traducido a un lenguaje sencillo que, además, permite que grandes y chicos lo disfruten al máximo. Y me incluyo, naturalmente, entre los “chicos” grandes.
Ficha técnica
Título original: 10 Lives
Año: 2024
Duración: 78 minutos
País: Reino Unido
Compañías: GFM Animation, Original Force, 10 Lives Productions, Align, Caramel Film, Netflix Animation
Género: Animación. Comedia | Gatos. Cine familiar
Guion: Ken Cinnamon, Karen Wengrod
Música: Geoff Zanelli
Fotografía: Animación
Reparto: Animación
Dirección: Mark Koetsier, Christopher Jenkins
viernes, 26 de abril de 2024
Desafiantes
Dirigida por Luca Guadagnino (“Llámame por tu nombre”), “Challengers” es una película bien construida, porque lo que escenifica sobre el mundo del tenis logra tener credibilidad en variados aspectos y tal vez el más evidente es respecto la recreación de los partidos. A través de interesantes tomas y ángulos interesantes, realmente se mete dentro de la cancha, un efecto que se ve enriquecido por un sonido de gran calidad. Los golpes de las raquetas los sentimos tan cercanos que es como si estuviéramos realmente en el lugar. Un segundo tópico es todo lo que rodea a los campeonatos, y que está representado como el espectáculo que es, pero también al mostrar como contraste una parte de la vida íntima de los participantes del tour, algo que generalmente desconocemos. Un tercer tema, y quizá el más importante, es el que se refiere a las relaciones personales, el descubrimiento de las nuevas promesas, su crecimiento y desarrollo para llegar a ser profesionales, y su posterior vinculación con un medio en el que sobreviven solo algunos, los más fuertes, tanto física como mentalmente.
“Desafiantes” -una traducción literal que no le hace justicia-, es una película que propone una buena inmersión en el competitivo mundo del tenis, y que entrelaza la pasión por el deporte con las complejas relaciones humanas. La historia sigue a Tashi Duncan, interpretada por Zendaya, una talentosa y ex estrella juvenil que ha reorientado su carrera deportiva para convertirse en entrenadora. Con férrea determinación y una estrategia implacable, Tashi se enfrenta al desafío de revivir la competividad de su esposo, Art Donaldson -Mike Faist- un gran campeón que está transitando por una época de declive, con malos resultados y una muy mala racha. Sin embargo, el plan gira inesperadamente cuando Donaldson debe competir en un torneo de menor nivel conocido como “Challenger” -de allí el título original y lo que da el sentido global a la cinta-, contra Patrick Zweig -Josh O'Connor-, el ex mejor amigo y antiguo amor de Tashi.
El momento presente de Art es complicado. Ha perdido sus últimas presentaciones y la falta de confianza producto de aquello lo ha llevado a estar prácticamente en blanco; no sabe qué hacer. Patrick, por su parte, no lo pasa mejor, vive al tres y al cuatro, con deudas y sin dinero, ni siquiera tiene crédito para pagarse un alojamiento decente mientras intenta desesperadamente competir. Son dos vidas diferentes, escenarios distintos, uno al lado del otro, como los dos lados de una cancha de tenis que están separados por una ligera red que por momentos parece invisible.
La película regresa al pasado para ilustrarnos la historia completa, 13 años atrás, cuando estos dos jóvenes talentosos eran dos amigos irreductiblemente inseparables, una amistad a toda prueba que tiene un punto de quiebre cuando ambos se enamoran de Tashi, la estrella femenina del momento. Surge allí una competencia que trasciende el campo de juego y lo deportivo, donde las reglas ya no son las mismas, y comienza a imponerse el deseo y el amor.
A medida que los personajes navegan por sus conflictos pasados y presentes, la tensión se intensifica, llevando a Tashi a cuestionarse el verdadero precio de la victoria. La exploración intensa de la competitividad extrema, tanto dentro como fuera de la cancha, y del triángulo amoroso entre Tashi, su esposo y Patrick, se transforma en el eje central de un metraje que tiene un punto de inflexión cuando conocemos que una lesión ha truncado la carrera de la joven promesa.
Con actuaciones estupendas de Zendaya con su desbordante magnetismo, de Josh O'Connor en altísimo nivel, y de Mike Faist mostrando una íntima contención, “Challengers” abarca muchas temáticas, como por ejemplo el valor de la autoestima, las decisiones vitales y los caminos a seguir en la vida, el capricho diferenciado del amor, el despecho, la competencia, las motivaciones, las cuentas pendientes, la vida familiar, los fantasmas de un pasado no superado, y el desafío que implica poder optar y elegir libremente.
Un partido decisivo -la final de este Challenger previo al US Open-, es el ícono transversal que guía el relato. La tensión se palpa en cada punto, en cada juego y en cada set, momentos que son recorridos a lo largo de toda la cinta y que se van enlazando con diferentes facetas y múltiples recuerdos de los protagonistas, en una interesante construcción no lineal que nos mantiene en vilo, casi siempre, al borde de la cancha.
Si bien la secuencia del incierto final resulta un poquito extensa, alargada con cámaras lentas que pierden efectividad producto del exceso de repetición, la película logra mostrar estas relaciones amor-odio ejemplificadas como imágenes y metáforas de la vida, insertas en una cancha de tenis. Esa delgada línea que divide esos sentimientos opuestos -que tienen en común el desenfreno y la pasión-, perfectamente podría verse representada tanto por la malla divisoria central, como por las líneas que separan el campo en sus seis cuadros.
“Challengers” se constituye como una muy buena propuesta. Gracias a su interesante narrativa, logra unir el mundo del deporte con los sentimientos profundos de sus protagonistas, aspectos que muchas veces no logran ir de la mano.
Ficha técnica
Título original: Challengers
Año: 2024
Duración: 131 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), Pascal Pictures. Distribuidora: United Artists Releasing
Género: Drama. Romance | Drama romántico. Tenis
Guion: Justin Kuritzkes
Música: Trent Reznor, Atticus Ross
Fotografía: Sayombhu Mukdeeprom
Reparto: Zendaya, Josh O'Connor, Mike Faist
Dirección: Luca Guadagnino
“Desafiantes” -una traducción literal que no le hace justicia-, es una película que propone una buena inmersión en el competitivo mundo del tenis, y que entrelaza la pasión por el deporte con las complejas relaciones humanas. La historia sigue a Tashi Duncan, interpretada por Zendaya, una talentosa y ex estrella juvenil que ha reorientado su carrera deportiva para convertirse en entrenadora. Con férrea determinación y una estrategia implacable, Tashi se enfrenta al desafío de revivir la competividad de su esposo, Art Donaldson -Mike Faist- un gran campeón que está transitando por una época de declive, con malos resultados y una muy mala racha. Sin embargo, el plan gira inesperadamente cuando Donaldson debe competir en un torneo de menor nivel conocido como “Challenger” -de allí el título original y lo que da el sentido global a la cinta-, contra Patrick Zweig -Josh O'Connor-, el ex mejor amigo y antiguo amor de Tashi.
El momento presente de Art es complicado. Ha perdido sus últimas presentaciones y la falta de confianza producto de aquello lo ha llevado a estar prácticamente en blanco; no sabe qué hacer. Patrick, por su parte, no lo pasa mejor, vive al tres y al cuatro, con deudas y sin dinero, ni siquiera tiene crédito para pagarse un alojamiento decente mientras intenta desesperadamente competir. Son dos vidas diferentes, escenarios distintos, uno al lado del otro, como los dos lados de una cancha de tenis que están separados por una ligera red que por momentos parece invisible.
La película regresa al pasado para ilustrarnos la historia completa, 13 años atrás, cuando estos dos jóvenes talentosos eran dos amigos irreductiblemente inseparables, una amistad a toda prueba que tiene un punto de quiebre cuando ambos se enamoran de Tashi, la estrella femenina del momento. Surge allí una competencia que trasciende el campo de juego y lo deportivo, donde las reglas ya no son las mismas, y comienza a imponerse el deseo y el amor.
A medida que los personajes navegan por sus conflictos pasados y presentes, la tensión se intensifica, llevando a Tashi a cuestionarse el verdadero precio de la victoria. La exploración intensa de la competitividad extrema, tanto dentro como fuera de la cancha, y del triángulo amoroso entre Tashi, su esposo y Patrick, se transforma en el eje central de un metraje que tiene un punto de inflexión cuando conocemos que una lesión ha truncado la carrera de la joven promesa.
Con actuaciones estupendas de Zendaya con su desbordante magnetismo, de Josh O'Connor en altísimo nivel, y de Mike Faist mostrando una íntima contención, “Challengers” abarca muchas temáticas, como por ejemplo el valor de la autoestima, las decisiones vitales y los caminos a seguir en la vida, el capricho diferenciado del amor, el despecho, la competencia, las motivaciones, las cuentas pendientes, la vida familiar, los fantasmas de un pasado no superado, y el desafío que implica poder optar y elegir libremente.
Un partido decisivo -la final de este Challenger previo al US Open-, es el ícono transversal que guía el relato. La tensión se palpa en cada punto, en cada juego y en cada set, momentos que son recorridos a lo largo de toda la cinta y que se van enlazando con diferentes facetas y múltiples recuerdos de los protagonistas, en una interesante construcción no lineal que nos mantiene en vilo, casi siempre, al borde de la cancha.
Si bien la secuencia del incierto final resulta un poquito extensa, alargada con cámaras lentas que pierden efectividad producto del exceso de repetición, la película logra mostrar estas relaciones amor-odio ejemplificadas como imágenes y metáforas de la vida, insertas en una cancha de tenis. Esa delgada línea que divide esos sentimientos opuestos -que tienen en común el desenfreno y la pasión-, perfectamente podría verse representada tanto por la malla divisoria central, como por las líneas que separan el campo en sus seis cuadros.
“Challengers” se constituye como una muy buena propuesta. Gracias a su interesante narrativa, logra unir el mundo del deporte con los sentimientos profundos de sus protagonistas, aspectos que muchas veces no logran ir de la mano.
Ficha técnica
Título original: Challengers
Año: 2024
Duración: 131 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), Pascal Pictures. Distribuidora: United Artists Releasing
Género: Drama. Romance | Drama romántico. Tenis
Guion: Justin Kuritzkes
Música: Trent Reznor, Atticus Ross
Fotografía: Sayombhu Mukdeeprom
Reparto: Zendaya, Josh O'Connor, Mike Faist
Dirección: Luca Guadagnino
miércoles, 24 de abril de 2024
Profesión Peligro
“The Fall Guy”, adaptación de la serie de televisión de los años 80 del mismo nombre dirigida por David Leitch, presenta a Colt Seavers -Ryan Gosling-, un doble de acción que enfrenta desafíos tanto en el set como fuera de él. Después de un accidente que casi termina con su carrera, Colt debe encontrar a una estrella de cine desaparecida, resolver una conspiración, y reconquistar al amor de su vida, todo esto mientras continúa realizando espectaculares acrobacias.
Desde un inicio, y con un interesante plano secuencia, se vaticina lo que viene: una película bien narrada y bien filmada que resulta cercana y, de verdad, muy simpática. David Leitch filma con agilidad una historia entretenida que se introduce al interior de las escenas, con buenas ubicaciones de cámaras, movimientos en 360 grados, y tomas largas que hacen referencia a muchos elementos del cine que ponen en relieve el papel de los arriesgados dobles de acción.
Ryan Gosling y Emily Blunt se ven radiantes. ¡Qué manera de brillar, y cómo sacan chispas cada vez que sus ojos se encuentran o la cámara se les acerca con primeros planos certeros! El carisma de ambos no lo vamos a descubrir ahora, sin embargo la naturalidad de estas actuaciones entregan valor agregado a una película que fluye de comienzo a fin, y que pareciera no tener puntos bajos. Y ojo con Hannah Waddingham (“Ted Lasso”), realmente hilarante en su rol, con una prestancia única, un papel que muta varias veces durante la escena y que se transforma en el un eje fundamental del relato.
Si bien las temáticas presentes representan una mirada ombliguista de la industria, el fondo retratado no deja de ser interesante. El componente humano destaca por sobre todas las cosas -aún ante el riesgo de ser relegado por el brillo de los fuegos artificiales, en este caso las escenas de acción-, gracias a la importancia que adquieren las decisiones que el protagonista toma luego del accidente que casi le cuesta la vida. Aparece allí el miedo y la depresión, las causas mayores de los problemas que debe enfrentar, y para los que debe buscar algún tipo de escape o solución en la medida que la historia avanza.
Muchas otras aristas asoman en este relato de un poco más de dos horas de duración. A los temas internos de la industria se suma el rol de los productores, y el lugar que, en general, tienen quienes participan en el rodaje de cada cinta. Vemos mucho de lo que ocurre tras las bambalinas, lúdicamente, como un juego, en una “película dentro de la película” que se siente liviana, renovada y muy fresca.
“The Fall Guy” funciona y muy bien. Hace tiempo que no me divertía con una comedia/drama que no solo intenta entretener sino que también quiere plantar temas para conversaciones posteriores. Y esto es un gran mérito, sobre todo hoy en día, donde lo que manda es el corte de boleto y las visualizaciones, dejando a un lado, muchas veces, uno de los aspectos más importantes que tiene asistir a una sala de cine: vivir, presencialmente, una experiencia, única, irrepetible, e irremplazable.
Ficha técnica
Título original: The Fall Guy
Año: 2024
Duración: 125 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: 87North, Management 360, Hyde Park Entertainment, Parkes+MacDonald Image Nation, WWE Studios, Arcana. Distribuidora: Universal Pictures
Género: Acción. Comedia. Drama | Cine dentro del cine
Guion: Drew Pearce
Fotografía: Jonathan Sela
Reparto: Ryan Gosling, Emily Blunt, Winston Duke, Aaron Taylor-Johnson, Hannah Waddingham, Stephanie Hsu
Dirección: David Leitch
Desde un inicio, y con un interesante plano secuencia, se vaticina lo que viene: una película bien narrada y bien filmada que resulta cercana y, de verdad, muy simpática. David Leitch filma con agilidad una historia entretenida que se introduce al interior de las escenas, con buenas ubicaciones de cámaras, movimientos en 360 grados, y tomas largas que hacen referencia a muchos elementos del cine que ponen en relieve el papel de los arriesgados dobles de acción.
Ryan Gosling y Emily Blunt se ven radiantes. ¡Qué manera de brillar, y cómo sacan chispas cada vez que sus ojos se encuentran o la cámara se les acerca con primeros planos certeros! El carisma de ambos no lo vamos a descubrir ahora, sin embargo la naturalidad de estas actuaciones entregan valor agregado a una película que fluye de comienzo a fin, y que pareciera no tener puntos bajos. Y ojo con Hannah Waddingham (“Ted Lasso”), realmente hilarante en su rol, con una prestancia única, un papel que muta varias veces durante la escena y que se transforma en el un eje fundamental del relato.
Si bien las temáticas presentes representan una mirada ombliguista de la industria, el fondo retratado no deja de ser interesante. El componente humano destaca por sobre todas las cosas -aún ante el riesgo de ser relegado por el brillo de los fuegos artificiales, en este caso las escenas de acción-, gracias a la importancia que adquieren las decisiones que el protagonista toma luego del accidente que casi le cuesta la vida. Aparece allí el miedo y la depresión, las causas mayores de los problemas que debe enfrentar, y para los que debe buscar algún tipo de escape o solución en la medida que la historia avanza.
Muchas otras aristas asoman en este relato de un poco más de dos horas de duración. A los temas internos de la industria se suma el rol de los productores, y el lugar que, en general, tienen quienes participan en el rodaje de cada cinta. Vemos mucho de lo que ocurre tras las bambalinas, lúdicamente, como un juego, en una “película dentro de la película” que se siente liviana, renovada y muy fresca.
“The Fall Guy” funciona y muy bien. Hace tiempo que no me divertía con una comedia/drama que no solo intenta entretener sino que también quiere plantar temas para conversaciones posteriores. Y esto es un gran mérito, sobre todo hoy en día, donde lo que manda es el corte de boleto y las visualizaciones, dejando a un lado, muchas veces, uno de los aspectos más importantes que tiene asistir a una sala de cine: vivir, presencialmente, una experiencia, única, irrepetible, e irremplazable.
Ficha técnica
Título original: The Fall Guy
Año: 2024
Duración: 125 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: 87North, Management 360, Hyde Park Entertainment, Parkes+MacDonald Image Nation, WWE Studios, Arcana. Distribuidora: Universal Pictures
Género: Acción. Comedia. Drama | Cine dentro del cine
Guion: Drew Pearce
Fotografía: Jonathan Sela
Reparto: Ryan Gosling, Emily Blunt, Winston Duke, Aaron Taylor-Johnson, Hannah Waddingham, Stephanie Hsu
Dirección: David Leitch
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