Sonríe 2

Sinopsis: La estrella del pop Skye Riley está a punto de embarcarse en una nueva gira mundial cuando empieza a experimentar una serie de sucesos cada vez más aterradores e inexplicables. Angustiada por la espiral de horrores y la abrumadora presión de la fama, Skye tendrá que enfrentarse a su oscuro pasado para recuperar el control de su vida antes de que sea demasiado tarde.

¡Ay, con las segundas partes! ¡Qué desafío! Acá tenemos otra, precedida por el buen éxito de su primera entrega, del año 2022. ¿Funciona? ¿Vale la pena? ¿Al menos se deja ver? Mi respuesta es no. Es categórico, pero veamos por qué.

Cuando se plantea la secuela de una historia, lo que se espera es una conexión. Está bien, puede estar más o menos clara, pero debe existir aquel lazo que las una en consecuencia. En este ejemplo, es cierto que existe una “cierta” unidad, pero que no está dada ni por la historia, ni por un personaje en particular. Se trata de lo que se denomina “la entidad”, aquella esencia maligna que se va apoderando de las personas y que, por supuesto, modifica sus rutinas al punto de llegar a destruirles por completo. Es verdad, el misterio se mantiene porque no sabemos ni tenemos un ápice de información sobre este mal que pasa de un cuerpo a otro sin mediar provocación.

Luego de un comienzo brutal, con una secuencia que antes de los créditos iniciales parece sacada de otra película, “Smile 2” descansa sobre su premisa central, es decir, desde que la popular cantante, muy bien interpretada por Naomi Scott, comienza a vivir situaciones espeluznantes e inexplicables. Esto es creíble hasta que las cosas que suceden se expanden de tal manera que la caída libre es inminente y también predecible, momento en que la película adopta el formato de secuencia tras secuencia, cada una de ellas más violenta y más sanguinaria que la anterior.

Tal vez soy poco objetivo en analizar esta cinta. Definitivamente no entro en este estilo marcado por efectos y generación de horror sin necesariamente tener un argumento basal que sustente lo que observamos. Es delicado, porque la realización del director Parker Finn es correcta, tiene buena cinematografía, está bien ejecutada, y los planos de filmación son atractivos y cuidados. Pero, ¿qué pasa entonces? Lo que sucede es que no basta con desarrollar bien los elementos, no alcanza, no es suficiente. Es necesario entregar raíces firmes a los “fuegos artificiales” y a la “parafernalia” para que no se salga de control, y así, todos sus elementos estén al servicio del relato. Justamente acá sucede lo contrario. El hilo conductor de la historia está supeditado a los efectos, a las escenas más cruentas, y a los descuartizamientos más horrorosos. Creo que es el mundo al revés, como lo reflejan algunas tomas de la misma película.

Bien, descritos mis reparos, solo logro hilvanar que se trata de una película desconectada, con infinitos vacíos, que progresa por adición más que por desarrollo, con un guion que permanentemente abre y no cierra las varias exposiciones que presenta. Otro aspecto, que sí proviene de la entrega inicial, corresponde a largas escenas en las que no pasa nada. Y en verdad, esta vez sí es cierto que no pasa nada, a diferencia de la original que sí tiene evolución en su interior, y que obliga al cuestionamiento permanente: ¿pasará o no pasará?, ¿ahora, o más adelante? Esta vez nada de eso. Misterio, sí, pero no mucho más…

Reconozco que tenía expectativas con esta segunda parte y salí defraudado. Una pena, porque la primera la recordaba como una película por sobre el promedio de su género. Esta secuela se hunde en los vacíos de la imaginación y se le cuela el viento por todas partes, pues la delgada malla con la que construye la escasa trama que tiene, se deshace rápidamente y cede todo su terreno a una acción carente de unidad y sentido. Una pena, pintaba para más. En fin, honestamente espero que no continúe como saga, y, si lo hace, que al menos regrese con mejores elementos para nutrir correctamente de contenido su relato.

Ficha técnica

Título original: Smile 2
Año: 2024
Duración: 127 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Paramount Pictures, Paramount Players, Temple Hill Entertainment, Bad Feeling. Distribuidora: Paramount Pictures
Género: Terror | Secuela
Guion: Parker Finn
Música: Cristobal Tapia de Veer
Fotografía: Charlie Sarroff
Reparto: Naomi Scott, Rosemarie DeWitt, Lukas Gage, Miles Gutierrez-Riley, Peter Jacobson, Raúl Castillo, Dylan Gelula, Ray Nicholson, Kyle Gallner
Dirección: Parker Finn 

El Aprendiz

Donald Trump. Solo dos palabras que generan inmediatamente atención. ¿Qué tal una película sobre esta figura controversial? Más atención aún, incluso tensión, diría yo. ¿Y qué sucede con esta película? ¿Se retrata al Donal Trump que se encuentra en la actual carrera presidencial del 2024, o es más bien sobre cómo llegó a lo que actualmente representa? ¿O corresponde a sus primeros años, a su formación en en mundo de los negocios? ¿O se va por el lado más personal, para mostrar a un joven impulsivo que quiere diferenciarse de su padre y construir un camino propio? ¿O abarca el aspecto familiar y sus relaciones íntimas? ¿O se queda en la figuración pública de un personaje que provoca una polarización pocas veces vista?

Hay algo de todas estas interrogantes en “El Aprendiz”, dirigida por Ali Abbasi. Y digo algo, porque tenemos de biografía, un poco de historia, y también una delgada línea entre hechos reales y no reales que por momentos resulta bien difícil de descifrar. Pero a no confundirse. El tema medular de esta cinta es el poder y la ambición que gracias a un molde primeramente imitado y luego perfeccionado, se potencia al máximo en la medida que pasan los años, cuando las experiencias se acumulan y los escrúpulos desaparecen casi por completo.

El escenario es perfecto. Se trata de Nueva York en los años 70, y un joven Trump -Sebastian Stan-, solo quiere destacar en un ambiente donde la exclusividad determina el estatus de las personas. No solo es dinero; se trata de reconocimiento, de identidad, de avanzar a toda costa sin pensar en las consecuencias. En este ambiente reservado y hostil, Trump conoce a quien será su mentor, Roy Cohn -Jeremy Strong-, un destacado abogado que domina con arrogancia el submundo de las relaciones políticas con una red de contactos de gran nivel. El enganche es inmediato, se reconocen, como se dice, “al toque”; uno como inductor, el otro como inducido, el primero como maestro, el segundo como discípulo, Cohn como el original, Trump como la copia corregida y luego mejorada.

El desarrollo de la trama es apasionante. Ver de cerca el ascenso de este magnate inmobiliario, y posterior político, no deja indiferente. Aunque no estemos del todo seguros de los hechos, el interés central es el mismo, porque queremos conocer los orígenes del personaje y cuantos más antecedentes nos entreguen, mejor. ¿Queda bien parado o queda mal? No sé, porque es difícil que un hombre como Trump pueda quedar mejor o peor, ya que depende de la base de amor u odio con la que uno llegue al personaje. Me arriesgo a decir que quien vea esta película ya viene con una decisión tomada y la cinta solo acrecienta esa posición, ya sea a favor, o ya sea en contra, por lo que difícilmente este trabajo consiga cambiar alguna apreciación. Queda claro que la cinta, aunque lo pretenda, no logra mover la aguja ni un centímetro de la ubicación previa del espectador. Puedo estar equivocado, pero es mi impresión. Demasiado tibia para entrar en profundidad, o demasiado débil para intentar acercar o alejar intenciones o valoraciones desde y hacia el personaje.

Vamos a los temas cinéfilos, porque para saber más sobre Trump basta ver la televisión en estos días. Con un guion de Gabriel Sherman, Ali Abbasi se luce recreando la época, con filtros, colores y texturas que por momentos se funden en lo que parece ser un auténtico documental. Me atrevo a señalar que el mayor mérito de esta cinta es llevarnos de regreso a décadas complejas de la historia norteamericana, exponiendo exponiendo contextos sociales y políticos de los Estados Unidos. Sin este marco, sería imposible visualizar a Trump en sus primeros años, porque gran parte de su origen proviene, justamente, de las adversidades que enfrenta una sociedad que busca defender un modelo de libertad económica que constituye la base y el fundamento de su impulso vital.

Otro punto destacado de esta cinta son sus actuaciones. Sebastian Stan hace un trabajo de joyería para interpretar a Donal Trump. Y no es solo la similitud física, sino que particularmente de sus modales, muecas y arrebatos, aspectos todos que retratan al personaje tal cual es, sin eufemismos, y sin ocultar rasgos que a esta altura ya son marca registrada de su representado. Mención aparte para Jeremy Strong; ¡soberbio! Qué gran actuación, tomando lo mejor de su experiencia en “Succession”, pero transformándose, de a poco, en un Roy Cohn que transita de victimario a víctima en un trance exponencial.

Dos horas ilustrativas nos trae “The Apprentice”. Si bien tal vez no será recordada como “la” gran película sobre Donal Trump, es una cinta que vale la pena considerar por varios motivos. Uno, por el contexto actual; dos, porque un retrato sobre una figura disruptiva siempre generará interés; y tres, porque es necesario tener otra mirada sobre este hombre particularmente especial. Esto entrega la película, actualidad, interés y contexto de un ex presidente que busca ser elegido nuevamente. ¿Lo tendremos como el mandatario número 47 de los Estados Unidos o pasará a los cuarteles de invierno? No sabemos pero nos come la curiosidad. Por ahora, ver “El Aprendiz” puede ser un buen aperitivo para esperar que la cena se sirva en unas pocas semanas más.

Ficha técnica

Título original: The Apprentice
Año: 2024
Duración: 120 minutos
País: Canadá
Compañías: Coproducción Canadá-Dinamarca-Irlanda; Scythia Films, Profile Pictures, Tailored Films, Gidden Media, LB Entertainment
Género: Drama | Biográfico. Años 70. Años 80. Bolsa & Negocios. Política
Guion: Gabriel Sherman
Fotografía: Kasper Tuxen
Reparto: Sebastian Stan, Jeremy Strong, Martin Donovan, Maria Bakalova

Dirección: Ali Abbasi 

La Inmensidad

Sinopsis: Roma, años 70. Clara y Felice acaban de mudarse a un piso nuevo. Su matrimonio está acabado: ya no se aman, pero son incapaces de separarse. Lo único que los mantiene unidos son sus hijos, en los que Clara vuelca su deseo de libertad. Adriana, la mayor, acaba de cumplir 12 años y presencia muy de cerca los estados de ánimo de Clara y las tensiones cada vez mayores entre sus padres. Adriana rechaza su nombre y su identidad, quiere convencer a todo el mundo de que es un chico, y su obstinación hace que el ya frágil equilibrio familiar alcance un punto de ruptura. Mientras los niños esperan una señal que los guíe, todo cambia a su alrededor y en su interior.

Este trabajo de Emanuele Crialese resulta íntimo y evocador. Remontarse varios años atrás no solo es un viaje en el tiempo. Se transforma en el regreso a la dinámica social de una época marcada por la rebeldía y el cambio. Algo de esto está presente en esta cinta de tono tranquilo que, sin ningún apuro, nos involucra en la vida de una familia italiana que vive intensamente sus problemas, pero puertas adentro.

En la premisa están claros los conflictos, los que, además, corren en paralelo. Clara -Penélope Cruz-, vive atormentada por un matrimonio infeliz sin poder dar el paso definitivo hacia la separación. Lo quiere, lo plantea, pero es incapaz de sostenerlo frente a la respuesta perentoria de su marido: “pero entonces dónde te irás, qué vas a hacer”. Es un escenario dramático que solo se sostiene por la necesidad de cuidar a sus hijos. Por otra parte, Adriana -Luana Giuliani-, la hija mayor, vive un suplicio pues a sus 12 años ya no se reconoce mujer y su deseo es actuar como hombre ante su familia y de cara al mundo. Es otra época, apoyo no tiene. Desde su familia, lo más benevolente sería que la ignoren, pues su padre, sencillamente, no tolera ni acepta su condición.

Tan íntimo es lo que sucede con la madre y con la hija que prácticamente no parecen tener escapatoria. Ambas la buscan afanosamente; Clara con momentos de esparcimiento, y Adriana con una amiga con quien pasa tiempos de complicidad y cercanía. Aparentemente, las protagonistas no cruzan sus historias, sin embargo hay un hilo invisible que las une inseparablemente. Se trata de su sufrimiento interno, aquél que está bajo todas las capas y llaves posibles, de manera que no se deje traslucir y las torne aún más vulnerables .

El tratamiento cinematográfico de Crialese potencia la quietud y la contemplación. Es a través de estos dos elementos que logra conectar los diferentes planos de esta historia que, en un primer momento, podrían también ocultarse bajo otros ropajes. El padre ausente, el marido displicente, los hermanos menores, el grupo de amigos adolescentes, el machismo imperante, la condición de pobreza al frente de una élite, y varios otras, son temáticas que cobran relevancia en la medida que las decisiones de la dirección las van relevando lentamente.

“L’immensità”, a pesar de no tener gran vuelo, es una película que deja sensaciones, y ese, tal vez, es su principal mérito. Y presenta temas concretos, cómo no, pero al mismo tiempo los coloca en posiciones sutiles y en otras, casi imperceptibles. Al parecer, la idea es exponer realidades para que quienes las observamos vayamos construyendo nuestra propia historia, paralela incluso, pensando en qué caminos deben escoger Clara y Adri para seguir adelante con sus propósitos esenciales sin destruir su propia identidad. En esta compleja lucha de discernimiento se sitúa esta cinta italiana que nos deja meditando sobre ejemplos que cada vez observamos más de cerca. Al ofrecer una estética y narrativa de impresiones, la tarea se hace aún más difícil, porque recae en nosotros el peso de formar opinión y actuar en consecuencia.

Ficha técnica

Título original: L’immensità
Año: 2022
Duración: 98 minutos
País: Italia
Compañías: Coproducción Italia-Francia; Chapter 2, Wildside, France 3 Cinéma, Pathé, Canal+
Género: Drama | Años 70
Guion: Emanuele Crialese, Francesca Manieri, Vittorio Moroni
Música: Rauelsson
Fotografía: Gergely Pohárnok
Reparto: Penélope Cruz, Luana Giuliani, Vincenzo Amato.
Dirección: Emanuele Crialese 

Lobos

Disponible en Apple TV+.

George Clooney y Brad Pitt vuelven a trabajar juntos interpretando a dos "solucionadores" de problemas, unos tipos expertos en borrar cualquier vestigio de una escena del crimen. La película comienza cuando estos veteranos y experimentados “ejecutivos de la limpieza” se ven forzados a trabajar juntos, y por supuesto dejar de lado cualquier rivalidad, para resolver un “inconveniente” de proporciones que involucra a una funcionaria situada en las altas esferas del poder. A lo largo de una larga noche en Nueva York, que parece no terminar nunca, ambos “profesionales” deben sortear una serie de eventos que ponen a prueba tanto su paciencia como su ingenio.

Desde el primer momento, este filme nos presenta una atmósfera cargada de tensión, combinando gotas de cine negro con pinceladas de ácido humor. El guionista y director Jon Watts intenta una combinación de thriller y comedia negra que logra brillar solo cuando Pitt y Clooney intercambian mordaces diálogos. Aunque hay momentos en los que baja bastante la tensión, la química entre los actores y un par de buenas secuencias permiten que sigamos atentos frente a la pantalla. Entre tantas peripecias, ¿habrá alguna que resulte y que rompa la racha negativa en el devenir de los protagonistas?

El carisma, la prestancia y el atractivo de George Clooney y Brad Pitt es el principal gancho de esta cinta. ¿Es suficiente? Que cada quien lo juzgue, pero no hay duda que son elementos importantes para darle una oportunidad y no abortar el intento. Respondo por mí y sí, me doy por pagado. Se nota que estos dos grandes disfrutan haciendo lo que hacen y eso traspasa la pantalla. Sus gestos, muecas y miradas a veces dicen más que sus palabras. Juegan de memoria, diría un aficionado al fútbol, porque con solo cruzar sus ojos ya saben dónde ir y a qué atenerse. Sacan chispas, incluso en silencio, porque todo está puesto en el lugar que corresponde, como siguiendo una línea invisible trazada por la mano del director. Y agrego una mención especial para Austin Abrams, el tercero en discordia, que bien podría ser opacado: se las arregla para entregar una variación creíble de su personaje, incluido un monólogo estupendo que sin duda está a la altura de sus colegas.

Tres partes claras posee esta película: introducción, desarrollo y final. Un formato clásico, ultra conocido, pero que funciona como manual de estilo hasta nuestros días. Si agregamos a esto una deliberada contención de movimientos, tenemos un trabajo que, con mínima acción y escenarios reducidos, juega con el misterio y la tensión a lo largo de todo su metraje. Una escena de acción trepidante más o menos en la mitad, y que sirve como llamado de atención justo a tiempo para no pestañear y pasar a los brazos de Morfeo, destaca por su filmación gracias a un buen seguimiento de cámaras y una edición que aprovecha cada una de sus tomas para entregar una secuencia bien elaborada.

Entretenida película, más interesante que efusiva eso sí, porque parece tener como un freno de mano o algo que la retiene para no asumir más riesgos de los necesarios. Y perfectamente podría haber tomado un camino más incierto pero no lo hace, tal vez para no descarrilarse y así potenciar la entrega de pura diversión, una distracción que no obliga a pensar en nada, y que se sostiene arriba de la línea de flotación gracias al lucimiento y simpatía de sus intérpretes.

Ficha técnica

Título original: Wolfs
Año: 2024
Duración: 102 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Plan B Entertainment, Smoke House Pictures, Apple Studios, Apple Original Films. Distribuidora: Apple TV+
Género: Acción. Thriller. Comedia | Comedia negra. Crimen. Drogas
Guion: Jon Watts
Música: Theodore Shapiro
Fotografía: Larkin Seiple
Reparto: George Clooney, Brad Pitt, Amy Ryan, Austin Abrams, Poorna Jagannathan.
Dirección: Jon Watts 

El Correo

Disponible en Netflix.

Vértigo y corrupción se combinan en este trabajo del director Daniel Calparsoro. Marbella, en los años 90. En ese lugar seguimos a Iván -Arón Piper-, un joven ambicioso sin escrúpulos que se involucra cada vez más al interior de una red de narcotráfico y lavado de dinero.

Con buen ritmo y una historia con giros inesperados, la película es atractiva desde un comienzo. Calparsoro utiliza la voz en off del protagonista para contarnos sobre el ascenso y caída al interior de un mundo despiadado, donde casi no existe lealtad.

Más allá de la adrenalina que provoca la acción, con excesos de droga y de sexo por todas partes, la cinta logra evidenciar el mal extendido de la corrupción en una época que se muestra dinámica, tanto social como económicamente hablando. En ese sentido, la cinta no se queda con solo mostrar el lujo y las fiestas desenfrenadas, sino que también da cuenta de la violencia y las consecuencias nefastas de un estilo de vida que resulta inevitablemente ingobernable.

Convincentes son las actuaciones de Arón Piper y María Pedraza. Ambos transmiten ambición excesiva y desarrollan corectamente la complejidad moral de sus personajes. El resto del elenco, con figuras de lujo como Luis Tosar, José Manuel Poga y Luis Zahera en roles secundarios, aporta tanto solidez como credibilidad a la historia.

"El Correo" es una película entretenida que nos mantiene atentos durante un poco más de una hora y media. No se trata de una obra profunda, por supuesto que no, pero al menos retrata hechos reales y aporta miradas críticas al respecto. En síntesis, una cinta que permite pensar un poco más sobre valores importantes, como la honestidad y la ética, aunque al final nos quede una sensación pesimista, pues pone en evidencia las nefastas consecuencias de una ambición que se ubica fuera de todo límite imaginable.

Ficha técnica

Título original: El correo
Año: 2024
Duración: 97 minutos
País: España
Compañías: Coproducción España-Francia-Bélgica; Vaca Films, Panache Productions, La Compagnie Cinématographique, Playtime Production, Canal+, ICAA, Movistar Plus+, Netflix
Género: Thriller. Drama | Basado en hechos reales
Guion: Patxi Amezcua, Alejo Flah
Fotografía: Tommie Ferreras
Reparto: Arón Piper, María Pedraza, Luis Tosar, Laura Sépul, Nourdin Batán, José Manuel Poga y Luis Zahera.
Dirección: Daniel Calparsoro 

Guasón 2: Folie à Deux

El primer “Joker” del director Todd Phillips, estrenada en octubre de 2019, me impactó. A los pocos días vino el llamado “estallido social” en Chile, momento en el que parecía que muchas secuencias de la película se hacían realidad. Muy significativa fue esa coincidencia. El azar juntó dos hechos tan distintos pero con tantas similitudes que era difícil sustraerse a la pregunta de fondo que formulé en mi escrito en esa oportunidad: “la violencia, el fanatismo y el caos, ¿sucede solo como respuesta? ¿Es lícito responder así, con una escalada que crece y crece, y que a poco andar ya está fuera de control? ¿El fin justifica los medios? ¿Abordar una temática así, crudamente, incita a más violencia? La reflexión sigue abierta, pero luego de cinco años, indudablemente tenemos otra perspectiva.

No podía dejar de iniciar este comentario con la introducción anterior, porque al saber que venía en camino una secuela de aquella película mi pregunta era solo una: ¿qué enfoque tendrá esta vez, si parece que ya se hubiese dicho y hecho todo en la primera? Trataré de responder esta interrogante en las siguientes líneas. Veamos si lo consigo.

La trama indica que luego de los caóticos acontecimientos, Arthur Fleck -Joaquin Phoenix -, ha sido internado en Arkham a la espera de su juicio. La espera es larga, pero toca la coincidencia que conoce por casualidad a una interna llamada Harleen Quinzel -Lady Gaga-, con quien establece una conexión inmediata. El interés es mutuo, y entre ellos se da una química instantánea. Arthur ve en Lee, su complemento; Lee siente curiosidad por Arthur, y ve en él un alma gemela, desde varios puntos de vista. Lo que vendrá a continuación es el desarrollo de todos estos elementos, el juicio y posterior desenlace de la historia.

“Joker: Folie à Deux”, (“locura de dos” en francés, y que hace referencia a un trastorno psicótico compartido, también conocido como “psicosis compartida” o “trastorno delirante compartido”) es un verdadero duelo. Digo duelo como desafío, pero también lo entiendo como una pérdida. Me explico. En primera instancia está el desafío de dos personalidades especiales que, siendo tan diferentes, parecen complementarse y potenciarse de forma exponencial. De Arthur ya conocemos su historia, aquello que lo ha dañado y el por qué de muchas de sus acciones. A Harley Quinn recién la estamos conociendo, pero es como si siempre hubiese estado allí, cercana, enfocada, precisa, y dueña de sí misma. Estos dos personajes parecen batirse a duelo, sin confrontación, por ir más allá, por explorar fuera de sus fronteras y extender los límites hasta las últimas consecuencias. ¿Y las pérdidas? Primero, corresponden a las transformaciones, aquello que se deja atrás para dar paso a otras formas; y segundo, todo eso que irremediablemente se torna ausente y desaparece con el paso del tiempo.

La mano de Todd Phillips se nota en todo momento. La unidad existente con la primera entrega es notable, y no hay nada dejado al azar. La filmación es realmente estupenda -inigualable verla en la nueva sala Imax-, por lo que cinematográficamente tiene una enorme altura. Aunque sea insistente, es una experiencia que hace única la ida al Cine. La música de Hildur Guðnadóttir, partitura de excelencia, también va en línea con la cinta anterior, esta vez rescatando los motivos, especialmente esa inquietante tercera menor que pasa a ser casi un leitmotiv, la que combinada con canciones, constituye una banda sonora que no solo llama la atención sino que resulta totalmente imprescindible.

Tal vez el mayor desafío y lo mejor del filme lo constituyan las actuaciones. Joaquin Phoenix ganó el Óscar la vez anterior, por lo que evolucionar con el personaje no resulta nada fácil. Y vaya que lo logra, no mucho en lo externo sino justamente en el aspecto contrario, en la intimidad de Arthur y en dejar entrever su personalidad, sus sentimientos, sus frustraciones y sus rabias. Ayuda mucho el director de fotografía, Lawrence Sher, al encajar unos primerísimos planos impresionantes que se transforman en pequeños agujeros por los que se cuela el alma del protagonista. Lady Gaga, por su parte, de quien ya conocemos ampliamente sus dotes histriónicas, es la pareja ideal para un personaje complejo, no solo por resultar una pareja natural, sino que también por aportar otros grados de dificultad al desarrollo, sin dejar de ser ella, independiente, misteriosa, con una gran cuota de liderazgo y determinación.

Esta cinta no es formalmente un musical, sin embargo hay mucha música presente. Joaquin Phoenix y Lady Gaga cantan bastante, en varios “números”, y con gran sincronía. Y acá un punto. Ella hace lo que quiere con su voz, ¡qué manejo tiene, impresionante!, sobre todo para no opacar a quien no es cantante y se defiende dignamente gracias a su gran carisma, y a colores vocales especiales, propios de su personaje. Gran dupla, contenida y expresiva; íntima y, al mismo tiempo, extrovertida.

Disfruté de principio a fin con esta secuela largamente esperada. Es cierto que la historia no tiene un gran vuelo, que hay poca acción, que puede haber confusiones de ambientes, y tal vez algunos baches en el camino. Los perdono, y eso que soy muy duro con esto en muchas oportunidades. Por qué, dirán ustedes. Porque me centro en lo indescifrable de las capas internas de los personajes, en esa tensión sumergida, en lo subterráneo, en lo que no se ve pero se puede percibir y sentir. Eso es para mí la experiencia de entrar de lleno en una película íntima, triste, desgarradora y demoledora, una obra que no concluye con lo que muestra en la pantalla, sino que se sigue desarrollando mientras la recuerdo, mientras la analizo, y mientras la descompongo para escribir este comentario. Y sobre todo cuando provoca sensaciones, cuando influye en nuestros estados de ánimo, y cuando vemos que un mismo trabajo llega de maneras tan distintas a cada persona, dependiendo de su historia, del momento en que estamos, o producto de un sinfín de otras razones.

Estamos en presencia de arte con letras grandes, controversial, disruptivo y provocador. Y es para discutirlo, para debatir, para expresar lo que nos genera y formarnos opinión. Todd Phillips lo impulsa y Joker: Folie à Deux”, lo expone a toda pantalla. Ahora nos toca a nosotros completar el trabajo sin dejar pasar esta película. Imperdible.

Ficha técnica

Título original: Joker: Folie à Deux
Año: 2024
Duración: 138 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Warner Bros., Joint Effort, DC Studios, Bron Studios, Sikelia Productions, Village Roadshow, Bron Creative. Distribuidora: Warner Bros.
Género: Thriller. Drama. Musical | Secuela. Crimen. Cómic. DC Comics
Guion: Scott Silver, Todd Phillips. Personajes: DC Comics
Música: Hildur Guðnadóttir
Fotografía: Lawrence Sher
Reparto: Joaquin Phoenix, Lady Gaga, Brendan Gleeson, Catherine Keener, Zazie Beetz
Dirección: Todd Phillips 

Crónica Sangrienta

“Me gustaría que la presentadora Jeong Se-ra fuera quien anunciara mi muerte.” Eso le dice alguien, por teléfono, a Se-ra -Chun Woo-hee-, a cinco minutos que empiece una transmisión en vivo. La persona en la línea dice que la van a asesinar, pero Se-ra cree que solo se trata de una broma. La llamada la deja inquieta, sin embargo su madre, So-young -Lee Hye-young-, ve esto como una oportunidad de oro para que Se-ra se convierta en una reconocida figura.

Con decisión, Se-ra concurre a la casa de la informante y lo que encuentra allí la deja helada: los cuerpos de Mi-so y su hija. A partir de ese día, la imagen de Mi-so muerta la empieza a perseguir. Asimismo, en la escena del crimen, se encuentra con In-ho -Shin Ha-kyun-, quien es el psiquiatra de la víctima, por lo que no puede evitar sospechar cada vez más de él.

Premisa interesante la de esta película fechada el año 2022, escrita y dirigida por Jeong Ji-yeon. El sensacionalista título en español no la representa para nada y la saca de contexto, porque incluso podría traer consigo prejuicios negativos que impidan acceder a su contenido. Pero bueno, dejemos eso al marketing. Volviendo al trabajo fílmico, lo que primero destaca es el uso de las cámaras. Desde la secuencia inicial, observamos seguimientos lentos, tomas tanto estáticas como en movimiento, acercamientos paulatinos, y una edición comprimida que, junto con la banda sonora, logran crear sólidos ambientes de tensión. El suspenso se alarga. Con unos pocos elementos y varias incógnitas, el relato se va sumergiendo en climas atmosféricos que hacen desear más explicaciones.

Por supuesto, y porque es parte del género, hay sucesos que no se entienden, y que están entre lo paranormal y lo sicológico. No logramos saber si lo que vemos es real o producto de la imaginación de la protagonista. No sabemos pero vemos las consecuencias. Lentamente la película va tejiendo capas, separando líneas, y uniendo puntos para que podamos, poco a poco, armar el puzzle completo.

Bajo un envoltorio más bien grueso, la cinta intenta explorar de forma íntima las relaciones de la protagonista. La vemos con su mamá, la vemos en el trabajo, la vemos en la vinculación con sus pares. Las conexiones son complejas y su devenir, al menos extraño. También la vemos dudando del psiquiatra, y allí se introduce en otro ámbito que tiene que ver con la búsqueda de la propia identidad, la psiquis, el pasado, los roles y lo que significa una personalidad dañada.

La terapia parece ser una de las claves porque hay investigación detrás. No obstante, sumamos también un buen número de obsesiones y relaciones tóxicas que inundan el día a día de la joven presentadora de noticias. Es intricada la trama cuando se interna por ese camino, y se enreda más con laberintos mentales y gallitos presentes por todas partes. Surgen temas como, por ejemplo, el sacrificio personal por el cuidado de los hijos versus el desarrollo profesional. ¿Cuál es, entonces, la opción? Y esto es algo recurrente, constante, persistente.

“Aengkeo”, su título original y que se refiere a un presentador “ancla” de noticias, desarrolla bien este thriller gracias a la creación de escenarios convincentes y a las asociaciones que logra urdir en torno a ellos. Sus diferentes planos funcionan como mundos paralelos, algo así como diferentes niveles de comprensión y de acceso utilizados como recursos para poder construir el relato, y que nos permiten comprender mejor su forma. Lamentablemente el final se hace largo, tal vez se extiende mucho. Es cierto que resuelve lo que se plantea con anterioridad, pero se demora demasiado y parece pretender más de lo que finalmente llega a ser. Solo tengo ese reparo para una cinta que cumple bien con su objetivo y que deja resonando insistentemente una frase: “si no fuera por ti...”

Ficha técnica

Título original: Aengkeo
Año: 2022
Duración: 111 minutos
País: Corea del Sur
Compañías: About Film, DCG Plus. Distribuidora: Acemaker Movieworks, Insight Film
Género: Thriller. Intriga
Guion: Jeong Ji-yeon
Música: Jang Yeong-gyu
Fotografía: Kang Min-woo
Reparto: Chun Woo-hee, Shin Ha-kyun, Lee Hye-young,
Dirección: Jeong Ji-yeon 

Robot Salvaje

DreamWorks Animation lo hace de nuevo. De la mano de Chris Sanders, quien también elabora el guion, nos presenta “The Wild Robot”, película animada basada en el libro del mismo nombre escrito por Peter Brown. La historia es tierna y emotiva. Comienza con el accidente de un transporte que lleva unidades robóticas de la empresa Universal Dynamics. Solo queda entera una de ellas, la 7134, pero en un entorno totalmente diferente a cualquier patrón programado, por lo que después de vanos intentos, decide forzar su modo “aprendizaje seguro”, y con ello desarrollar herramientas para poder comunicarse con la vida silvestre local.

En eso está, ensayo tras ensayo, error tras error, cuando, por casualidad, rompe un nido de ganso pero salva un huevo de las fauces de un pequeño zorro apodado Fink. Lo que viene a continuación sigue con el nacimiento de un polluelo -Brightbill- y un proceso continuo de experiencias y aprendizajes que remarcan los vínculos que se forman entre la unidad y la criatura, junto al acompañamiento, ya no como amenaza, del amigo Fink.

“Roz” es una máquina que está diseñada para hacer tareas básicas pero hay algo que sobresale en su concepto de servicio. Quiere ayudar siempre, estar al servicio de quien lo requiera, nada ve con maldad. Al contrario, es de una ingenuidad pasmosa, literal, de manual podríamos decir, por lo que cada situación adversa se suma como modelo de enseñanza. Hay una vocación especial en Roz, su deseo de mejorar, de poder ser útil y disponer de todas sus herramientas para cumplir cada uno de sus propósitos.

Estamos ante una bella fábula animada, una aventura llena de lecciones sobre la vida, sobre la convivencia, y también sobre la tolerancia. El punto central es la adaptación, quizá lo más difícil para los seres vivos, pero al mismo tiempo impensado para un robot que solo tiene algoritmos elaborados para optimizar su labor. Observar cómo se derriban los estereotipos y se ingresa a un terreno inexplorado descoloca, pero de una forma gradual, lo que permite empatizar con las situaciones y acompañar genuinamente el proceso.

No vale la pena adelantar nada de la historia, ni sobre los escenarios en los que transcurre la acción. Es necesario descubrir cada parte y seguir sus movimientos, para poder ingresar lentamente al significado de las conexiones de la mano de una figura tecnológica que, por momentos, tiene gestos más compasivos que los propios seres humanos.

Técnicamente sólida, la animación también está al servicio de la historia en su conjunto. Las voces en inglés son un lujo, con Lupita Nyong’o, Pedro Pascal y Kit Connor en los papeles principales, un gancho comercial, sin duda, pero también un regocijo para los oídos. La recreación de ambientes logra mezclar la modernidad del mundo robótico con la belleza de un entorno selvático, que funciona incluso mejor y más ordenado que cualquier otro ecosistema proyectado con otro tipo de patrones.

Qué importante es tener una buena historia. La premisa no solo es interesante, sino que además es muy actual. Estamos en una época marcada por la irrupción de la llamada “inteligencia artificial” y el creciente temor de la desnaturalización de las cosas y la deshumanización progresiva del mundo. Tenemos acá una forma lúdica de enfrentar algunas aristas del problema para provocar una reflexión transversal al respecto, que pueda ser comprendida por niños, adolescentes y adultos.

“Robot Salvaje” hace hincapié en lo fundamental de la existencia, en los vínculos, aquellos naturales y también en los que se generan por las condiciones especiales que se dan en diferentes entornos. Estas últimas conexiones no son espontáneas o automáticas. La mayoría de las veces deben ser buscadas y trabajadas adecuadamente para concretarse. Incluso los vínculos íntimos necesitan una buena cuota de decisión más que de emoción, porque bien sabemos que tal vez el desafío más difícil de los seres humanos, y probablemente su talón de Aquiles, viene a ser, justamente, la capacidad de relacionarnos con otras personas, construir lazos profundos y vincularnos con ellos emocional y afectivamente mientras somos capaces de adaptarnos a las circunstancias, sobrellevando situaciones adversas y escenarios complicados y difíciles.

Hermosa película, toda una revelación, recomendada para todas las generaciones. ¡No dejen de verla!

Ficha técnica

Título original: The Wild Robot
Año: 2024
Duración: 101 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: DreamWorks Animation, Universal Pictures. Productor: Dean DeBlois. Distribuidora: Universal Pictures
Género: Animación. Ciencia ficción. Aventuras | Robots. Animales
Guion: Chris Sanders. Libro: Peter Brown
Música: Kris Bowers
Fotografía: Animación, Chris Stover
Dirección: Chris Sanders 

Gracias por Venir

Sinopsis: Tras la muerte de su padre y enterarse que perderá la casa en donde él y su familia han vacacionado por más de 25 años, Nancho junto a su familia buscarán la manera de sabotear la venta y lucharán por no perder el lugar el cual les pertenece, donde han formado recuerdos y momentos inolvidables. Pero el apego y la porfía de Nancho llevará a la familia a tomar decisiones drásticas.

Esta película del director Taiyo Yamazaki tiene buenas ideas. Producida por Cine UDD (Universidad del Desarrollo), la cinta quiere “retratar una dinámica familiar en verano”, en palabras del propio realizador, quien añade que ademas su trabajo posee momentos de verdad y evoca mucho a la nostalgia.

En general son cámaras fijas las que plasman cada escena. Dejar quieto un cuadro, con un enfoque fijo, permite que los personajes entren y salgan con naturalidad, creando dinámicas que parecen no ser intervenidas por ninguna producción. Asimismo, estos marcos estáticos logran crear la sensación de una ventana, a través de la que podemos observar escenas completas, casi como contemplando una obra de teatro. Como recurso, funciona muy bien, sin embargo su constante repetición y ausencia de sentido en muchas secuencias, debilitan el principal efecto que pretende conseguir.

Los problemas se presentan con mayor agudeza en el guion, debido a la presencia de lugares comunes que se suceden unos tras otros. Es cierto, se filma lo cotidiano, pero son necesarias, a mi modo de ver, razones más poderosas para filmar un asado, mirar las estrellas, observar un juego, o el sencillo traslado a la playa por la bajada de un camino rústico, para entregar valor al relato. Es un fiel reflejo de las dinámicas, sí, pero ¿qué tanto aporta ver a personas tomando alcohol en exceso, jugando en la playa, bañándose alegremente, descolgando la ropa, comiendo, o durmiendo después de una borrachera, si a aquello no se le nutre de una línea conductora que desencadene en algo más?

Un aspecto ausente en esta película es el referido a los nudos de conflicto. Digo ausente, porque no es que no existan, porque lo que representa el problema central se ve y se siente claro, sin embargo no progresa en la medida que el metraje avanza. Lo anterior provoca una cierta planicie narrativa, que se acrecienta con una débil construcción de personajes que no logran configurar personalidades que podamos recordar posteriormente. Hay excepciones, sí, como la tierna menor, pero no es suficiente. Si a lo anterior le sumamos que técnicamente el audio es deficiente al encontrarse muy desequilibrados los sonidos respecto a los diálogos, el cuadro resulta complejo para una película con una prometedora premisa inicial.

En síntesis, y para no ser demasiado duro o enfático, “Gracias por venir” se siente como un proyecto experimental, un Cine de sensaciones y momentos que intenta ser diferente con elementos que conocemos, propuesta que, lamentablemente, se queda a medio camino en su desarrollo. Como aspectos positivos, sin duda, quisiera mencionar la intención fílmica, la confección de escenas, y su “estilo retrato”, acciones que intentan no interferir las tomas con cámaras intrusivas sino, por el contrario, permitir un desarrollo amplio en todo sentido.

Taiyo Yamazaki da un primer paso con algunos tropiezos. Posiblemente con más experiencia y más recursos, el director pueda dar un salto importante, porque se percibe el concepto y el talento que hay detrás. Muchas veces, lo sabemos, no es fácil llevar aquello a la práctica por múltiples razones. Entonces, la consigna es seguir trabajando, pues sin lugar a dudas, el que la sigue, la consigue.

Ficha técnica

Título: “Gracias por venir”
Duración: 72 minutos
Género: Ficción, drama
País: Chile
Compañía productora: Cine UDD
Producción: Nicolás Heimrich Morales, Abbril Ayala
Guion: Taiyo Yamazaki, Cristóbal Acevedo
Dirección de fotografía: Piero Bravo
Dirección de arte: Pedro Roca
Montaje: Antonia Quiroz Bruce
Sonido: Cristóbal Acevedo
Elenco: Daniel Candia, Alejandra Yañez, Igor Cantillana, América Navarro, Roberto Villena, Daniela Fredes, Alejandro Trejo
Director: Taiyo Yamazaki 

Carnada

¿Cuántas películas de tiburones atacando bañistas o náufragos hemos visto? Bastantes, ciertamente. “Algo en el agua” pareciera ser una más, pero ¿hay algo que la distinga y que merezca que le demos una oportunidad? Veamos.

Cinco amigas se reúnen en una paradisíaca isla. El motivo es celebrar la boda de una de ellas, por lo que el escenario resulta perfecto para compartir y divertirse. El tema es que dos de ellas llevan un año sin verse ni hablarse. Meg -Hiftu Quasem-, y Kayla -Natalie Mitson-, eran pareja hasta que un incidente grave las separó irremediablemente. Sus amigas, muy preocupadas, piensan que lo mejor es juntarlas para que puedan conversar y superar lo acontecido. El lugar promete ser ideal, y probablemente lo sea. La situación también, porque festejar el amor siempre viene bien. Sin embargo, el punto de inflexión viene por parte del descuido y también de la falta de previsión. Hacer un mini tour en una embarcación destartalada a una pequeño lugar desolado, sin señal de celular, y también aislado del mapa de protección del sector, configura un escenario que, con el correr de los minutos, se transforma en un verdadero suplicio. ¿Podrán sobrevivir? ¿Todas? ¿Cuántas de ellas? ¿Ninguna?

Como en todas las películas de este subgénero, la trama es bastante predecible, y sabemos desde ya varias cosas, como por ejemplo que hay tiburones en el agua. Por lo tanto, y no es spoiler ni nada que se parezca, tenemos claro que los escualos atacarán a nuestras protagonistas. Entonces las preguntas cambian. ¿Cuándo aparecerá el primero? ¿A quién atacará? ¿De qué forma? No voy a responder las interrogantes para dejar algo de suspenso, porque todo ello comienza pasados los veinte minutos de metraje.

Otro aspecto sobre el que nos preguntamos es el orden de los factores, es decir, quién va quedando en el camino y quiénes para el final. En este sentido, la película es lógica y sigue la premisa con la que introduce la historia sin innovar ni modificar nada, por tanto cumple perfectamente con lo esperable. Hasta ahora, manual de estilo seguido punto a punto, letra a letra.

¿Habrá algo más? Poco, muy poco, pero tratemos de sacarle punta a tres puntos que podrían darnos una pista y hacernos tomar una decisión. El primero, y mejor, es la filmación. Buen trabajo de Niels Reedtz Johansen para todas las escenas en el mar, verosímiles, creíbles, con una cámara en mano que se sumerge con las protagonistas y que da la sensación de estar en el mismo lugar. Segundo, el no abuso de los ataques y de las heridas. Aunque algo exageradas y poco creíbles, esas escenas están bastante acotadas, lo necesario para cumplir con la cuota de sangre y también con lo que mayormente pide la audiencia en una película de este tipo.

Dejo para el final el tercer punto, que es el eje de la historia, la relación de Meg con Kayla. Sin duda, eventos traumáticos suelen alejar a las parejas, pero también pueden ser un catalizador para unirlas con más fuerza. Algo de esto intenta tejer esta cinta, con escaso éxito eso sí, pero al menos lo propone. Si al comienzo vemos la introducción descolgada, en el tercio final observamos el correlato, y aunque debamos poner bastante de nuestra parte para intentar el rescate, al menos no nos quedamos totalmente con las manos vacías. Se percibe el deseo de no ser una película más, sino la de usar una excusa para dar cuenta que, finalmente, las relaciones no deben depender de eventos externos, sino que deben valorarse en sí mismas, como un largo continuo no exento de inconvenientes ni de problemas.

Ficha técnica

Título original: Something in the Water
Año: 2024
Duración: 86 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Studiocanal, Dan Films
Género: Thriller. Terror | Tiburones. Amistad. Bodas
Guion: Cat Clarke
Música: Nainita Desai, Harry Peat
Fotografía: Niels Reedtz Johansen
Reparto: Hiftu Quasem, Lauren Lyle, Natalie Mitson, Nicole Rieko Setsuko, Gabriel Prevost-Takahashi, Ellouise Shakespeare-Hart, Laura Costa
Dirección: Hayley Easton Street 

La Gran Exclusiva

Bajo la dirección de Philip Martin, esta cinta nos involucra en un juego de poder y periodismo que podría resultar peligroso. Sam McAlister -Billie Piper-, y Emily Maitlis -Gillian Anderson-, persiguen una entrevista que podría poner al príncipe Andrew -Rufus Sewell.-, al centro de un gran escándalo. Desde los primeros instantes, la tensión se hace notar; cada negociación viene a ser un pequeño paso que parece conducir al momento que pondrá en jaque a la realeza británica. La película explora, con ritmo tenaz, cómo el peso del poder puede comenzar a quebrarse ante una pregunta bien formulada frente a una cámara de Televisión.

Algo interesante en “Scoop”, es el aspecto formal de la ya famosa entrevista, la que lejos de ser una simple conversación, se transforma en un conjunto de escenas de gran tensión en la que el príncipe, con aires de superioridad, no solo se revela a sí mismo, sino que también deja entrever fallas en un sistema que se pensaba impenetrable. Con cada pausa incómoda, con cada balbuceo, la caída asoma como algo inevitable. Los espectadores, entonces, nos vemos atrapados en una espiral de incertidumbre y nos preguntamos a cada momento si la verdad prevalecerá o si será absorbida por las oscuras sombras del poder.

Quizá lo mejor de esta película corresponde a sus actuaciones. Cuando el nudo central es si la entrevista se va a conceder o no, o si el material que se grabe podrá salir a la luz pública sin ser censurado, tal vez aquello no alcance para provocar el nervio suficiente para sostener un relato de casi dos horas, más aún tomando en cuenta que la historia la conocemos, sabemos el final, y ese es justamente el gran enganche de la cinta. Pues bien, es allí donde el peso actoral adquiere un rol fundamental. Contar con Gillian Anderson, Rufus Sewell, y Billie Piper, en los papeles principales, aporta solidez para crear la tensión que el metraje necesita para llegar firmemente a buen puerto. Son los gestos, las miradas, los tonos de voz, y las pausas -de Anderson, en particular, ¡y con qué dicción!-, las que construyen el hilo fino al interior de una composición que va creciendo casi sin que nos demos cuenta.

“La Gran Exclusiva” funciona como película de nicho, probablemente. Las intrigas de Palacio y los vericuetos de la prensa, a veces se ven distantes para la opinión pública en general. Eso, hasta que escándalos de proporciones remecen la esfera social y ponen en entredicho todo lo que pensábamos que tenía una formulación diferente. Cuando las cosas turbias se destapan, cuan olla de grillos, no queda más que afirmarse, porque, ya está dicho: ante tamaños hechos, y a confesión de partes, relevo de pruebas. Afírmense todos, pues es probable que no quede títere con cabeza.

Ficha técnica

Título original: Scoop
Año: 2024
Duración: 103 minutos
País: Reino Unido
Compañías: The Lighthouse, Voltage TV. Distribuidora: Netflix
Género: Drama | Basado en hechos reales. Periodismo. Entrevista
Guion: Peter Moffat
Música: Anne Nikitin, Hannah Peel
Fotografía: Nanu Segal
Reparto: Gillian Anderson, Keeley Hawes, Billie Piper, Rufus Sewell
Dirección: Philip Martin 

La Sustancia

La propuesta de la guionista y directora Coralie Fargeat resulta ser provocativa, visceral y hasta un poco delirante. Visualmente no es sencillo acercarse a esta pieza. Es cruda y por muchas razones.. Si hay películas donde capas entretejidas solo dejan entrever lo que existe más adentro, este filme no oculta nada desde un comienzo. Al contrario, acá lo explícito busca ser chocante, crear conmoción y finalmente movernos en los asientos. La tensión y algunas imágenes desgarradoras me tenían doblado casi sin darme cuenta, atrapado por un cuadro escénico profundamente perturbador, que no suelta por cerca de 140 minutos.

Vamos a su temática, porque la premisa es realmente interesante. Una celebridad cae en desgracia cuando es despedida de su trabajo por cumplir 50 años. Siendo instructora de fitness en televisión, Elisabeth Sparkle -Demi Moore-, ve cómo su jefe decide que es tiempo de cambiar, de desechar el modelo antiguo y buscar uno nuevo, más joven y atractivo. Esas circunstancias la llevan a probar una nueva droga promocionada en el mercado negro, una sustancia que replica las células y que crea temporalmente una versión más joven y mejor de sí misma. Lo que no se sabe, o tal vez esté en la letra chica, es que este uso -y abuso- tiene demoledores efectos secundarios.

Ganadora del Mejor Guion en el pasado Festival de Cannes, “La Sustancia” no se queda corta en las denuncias que explicita. El mensaje es claro, conciso y preciso: ante la angustia del paso del tiempo, bienvenida cualquier fórmula que prometa devolver la preciada juventud. Pero no es solo eso, hay entornos abusivos, contextos opresores, y una autoexigencia imposible de sobrellevar. “Juventud, divino tesoro” es una frase que hemos escuchado muchas veces, pero ¿y si se pudiera cumplir una promesa como la que se presenta en esta película? ¿Cuántas personas no harían lo imposible por hacerse de un producto que les devolviera los mejores años, sin pensar ni un segundo en las consecuencias?

Para un análisis más exhaustivo debemos separar lo visual de lo conceptual. La capa externa que ofrece Coralie Fargeat es compleja y seguramente a muchas personas podría impedirles entrar al meollo del asunto. Pieles sensibles se pueden ver vulneradas por imágenes fuertes y sin filtro, que arropan un hilo delgado que se despliega bajo la epidermis, un fino aliento que da vida a uno de los mayores temores del ser humano y que tiene que ver con la vida, con el paso del tiempo, la decadencia y, finalmente, la autoestima. El mayor daño de la protagonista es el golpe duro al amor propio, una inconformidad física manifiesta, cuyo punto neurálgico se traspasa a todos los ámbitos de su vida.

Demi Moore como Elisabeth configura un papel estupendo. Aparte de sus dotes físicos, porque en ella el tiempo parece haberse detenido, la profundidad que entrega a su personaje es muy potente. No solo vivimos su transformación, la sentimos, la acompañamos y también la juzgamos. Es un rol hecho para ella, con todas las líneas claras y también con sus límites, los que son traspasados, una y otra vez, en una espiral que crece sin cesar. Margaret Qualley, como Sue, su otro yo, es también deslumbrante. Tenemos que recordar que ambas mujeres son una, para no disociar lo que cada una hace durante los siete días que ambas alternan en su aparente vida normal; es decir son sus “alter ego”, de manera que las decisiones de una afectan inevitablemente a la otra. Excelentes papeles, complementarias, duales, y también antagónicos, en un ir y venir desatado que crece como bola de nieve. La contraparte masculina es una caricatura diabólica desde su primera escena. Dennis Quaid no debe esmerarse mucho para ser el convidado de piedra, una figura que solo aumenta los malos humores y degrada la condición masculina a niveles que están mucho más abajo que el subsuelo.

¿Qué es “La Sustancia”? ¿Una obra de arte, un despilfarro, o una sentida denuncia de los estereotipos vigentes en los tiempos actuales? ¿Es, acaso, un enfrentamiento con nosotros mismos? ¿Es extrapolable lo femenino que se presenta a lo masculino que existe entre líneas? Porque ojo, los otros personajes masculinos que aparecen son prototipos perfectos, delineados y esbozados con sutileza, pero también caricaturas al fin y al cabo. No se libra nadie de la pluma de la escritora, porque si se trata de declarar incomodidad, eso es lo que en verdad consigue.

Estamos ante una interesante película para debatir en profundidad. Insisto que debemos pasar varias capas para poder llegar al centro y eso es algo que a veces es difícil de conseguir. Sé de personas que no pudieron mirar mucho, y de otras que quitaron la vista en muchos momentos de la cinta. Pero no es lo visual lo trascendente, es lo que está adentro lo que finalmente más impacta. Hasta qué punto lo externo, o aquello que queremos aparentar, toma el mando. O, visto desde otra perspectiva, lo que presiona hacia lo nuevo, hacia lo fresco y jovial, aquella fuente primigenia de lo más inexplorado e inocente, lo que finalmente nos sustrae de la esencia básica del ser humano que es, primero, aceptar quienes somos, para luego conseguir nuestra mejor versión en base a la maduración y a la experiencia, algo que nada tiene que ver con atributos físicos ni prototipos de belleza.

Para terminar, porque no quiero extenderme mucho más, algunos puntos para reflexionar. “La Sustancia” es difícil de ver, incómoda y disruptiva. ¿Tiene mérito solo por eso? Claramente no, porque no se trata de elaborar algo que rompa los cánones y decir misión cumplida. Acá hay algo más, hay denuncia, y, principalmente, una alerta que no es nueva pero que vale la pena recordar una y otra vez y que tiene que ver con la propia valoración y los espejismos. Es difícil sustraerse a la opinión pública y a los modelos, pero si no luchamos, en buena lid, la existencia puede pasar a ser un suplicio de principio a fin. Llamados de atención desgarradores como este, aunque tormentosos, nos deben recordar, siempre, que debemos volver a nuestra esencia, a lo que está en nuestro interior, y de lo que debemos sentirnos siempre orgullosos. Nada externo define nuestra mejor versión, aquello está en nosotros.

Ficha técnica

Título original: The Substance
Año: 2024
Duración: 140 minutos
País: Reino Unido
Compañías: Coproducción Reino Unido-Estados Unidos-Francia; Universal Pictures, Working Title Films. Distribuidora: Universal Pictures
Género: Ciencia ficción. Terror. Drama | Body Horror
Guion: Coralie Fargeat
Música: Raffertie
Fotografía: Benjamin Kracun
Reparto: Demi Moore, Margaret Qualley, Dennis Quaid
Dirección: Coralie Fargeat