Lady Bird

“Lady Bird” es una película realizada con delicadeza y mucha sustancia. Tiene múltiples capas que es necesario ir descubriendo a través de sus 94 minutos, en un proceso que resulta tan interesante como cautivador.

Christine “Lady Bird” McPherson -Saoirse Ronan- es una joven de 17 años que vive con sus padres en una pequeña casa en Sacramento, California. Su grupo familiar incluye también a su hermano mayor y su novia. Christine es fuerte y tiene un carácter que choca a menudo con el de su madre -Laurie Metcalf- una enfermera obstinada e incansable que trabaja duro para mantener unida y a flote a su familia, especialmente después que el padre de Christine pierde su trabajo.

La guionista Greta Gerwig hace su debut como directora con esta cinta sobre lo difícil que es el crecimiento y adaptación adolescente, la búsqueda de espacios propios, la definición de la identidad y la siempre compleja relación con los padres. En otra capa tenemos el contexto. Transita entre el año 2002 y comienzos del 2003, con el trasfondo de la guerra en Irak y un escenario económico pre crisis subprime.

“Lady Bird”, el nombre que ella misma se ha dado, denota su alma libre en busca de nuevas emociones. Ella dice “vivir en el lado contrario de las vías” y es literal. Su personalidad la lleva a ir contra todo, en un permanente camino de exploración y descubrimiento. Los sueños e ilusiones de “Lady Bird” la llevan naturalmente a tener desengaños y frustraciones. No quiere permanecer en Sacramento -en verdad odia Sacramento-, porque ello responde al plan conservador de su madre. Aspira a la costa este, donde según ella está la cultura. Su norte ideal es la gran manzana, Nueva York.

En el contexto escolar la protagonista tiene a su mejor amiga. La relación con sus pares no es sencilla lo que se agudiza cuando se trata de entablar algo con los chicos que le gustan. Este camino se le hace especialmente difícil, con aciertos y desaciertos que incluso la llevan a buscar la amistad de una “compañera popular”, dejando un poco de lado a su gran amiga, tal vez buscando ser centro de atención o simplemente dando cuenta de un momento sin un rumbo preciso o determinado.

Christine tiene en su familia un ejemplo encomiable de esfuerzo y apoyo permanente. El amor incondicional de sus padres -que en el caso de su madre se extrema al punto de querer inconscientemente dirigir su vida- se palpa en todo momento. Su padre, quien cumple un importante rol de contención, trata de mediar siempre en esta relación turbulenta madre-hija. No siempre lo logra, sin embargo, el soporte emocional y también práctico que le entrega es importantísimo para la joven protagonista.

Christine “Lady Bird” busca siempre algo especial y único. Nada parece ser suficiente. Estudia en una escuela católica y con los años ha desarrollado una animadversión hacia la religión, al punto de tener claro que luego de terminar sus estudios nada tendrá relación con en mundo de la fe.

El relato construido por Greta Gerwig tiene muchos detalles que son imposibles de describir en extenso sin develar puntos importantes de la historia. El cuidado puesto en cada escena, en cada cuadro de fotografía y en cada uno de los diálogos hace que “Lady Bird” sea una cinta especial y única. Incluso, gracias a ello, logra superar algunos momentos de la historia que son irremediablemente previsibles.

La madre de Christine quiere que su hija desarrolle constantemente la mejor versión de si misma. ¿Y si, en las propias palabras de la protagonista ”está es su mejor versión”?

Interesante de principio a fin, “Lady Bird” se inscribe dentro de las mejores películas del 2017 y ya incluye numerosos premios y nominaciones. ¡Imperdible!

Ficha técnica

Título original: Lady Bird
Año: 2017
Duración: 94 minutos
País: Estados Unidos
Productora: IAC Films / Scott Rudin Productions / Film 360. Distribuida por A24
Género: Comedia. Drama | Comedia dramática. Cine independiente USA
Guion: Greta Gerwig
Música: Jon Brion
Fotografía: Sam Levy
Reparto: Saoirse Ronan, Laurie Metcalf, Lucas Hedges, John Karna, Beanie Feldstein, Tracy Letts, Timothée Chalamet, Danielle Macdonald, Bayne Gibby, Victor Wolf, Monique Edwards, Shaelan O'Connor, Marielle Scott, Ithamar Enriquez, Christina Offley, Odeya Rush, Kathryn Newton, Jake McDorman, Lois Smith, Andy Buckley, Daniel Zovatto, Laura Marano, Kristen Cloke, Stephen Henderson
Dirección: Greta Gerwig

El Proyecto Florida

Es verano en Florida. Un grupo de niños juegan en los alrededores de “The Magic Castle", un económico motel cercano a Disney World. Ellos viven allí. Más bien sobreviven. Su vida es principalmente al aire libre, en la calle y en los alrededores, pues dentro de sus pequeñas habitaciones no existe mayor espacio ni privacidad.

Moonee -Brooklynn Prince- es la líder del grupo. Tiene seis años, pero su experiencia y sagacidad es mucho mayor. Su madre Halley -Bria Vinaite- es soltera y trata de obtener recursos de diversas formas. Debe pagar la renta y ello habitualmente es una tarea compleja. Bobby Hicks, muy bien interpretado por Willem Dafoe -nominado al Óscar por el papel-, es el gerente del motel. Debe lidiar con las travesuras de los niños, intervenir en problemas de adultos, reportarle al dueño y administrar esta comunidad lo mejor posible, dentro del reducido espacio y sus limitadísimas opciones.

Esta película del director Sean Baker es incomoda. En forma crítica y dolorosa nos muestra una realidad que existe y que en ocasiones está oculta o simplemente no queremos ver. Es fuerte, queda dando vueltas. No es grato ver la pobreza y la marginalidad. Con cámaras interesantes, en primeros planos y seguimientos, el director conduce con acierto un relato cadencioso que muestra el día a día de sus personajes. No se apura, tampoco lleva a grandes tensiones. No es necesario. Es una cinta sobre los excluidos del sueño americano. Aquellos que lo tienen pero no lo pueden llevar a cabo. Ninguno de ellos tiene esperanza. La tolerancia y acogida es mínima y solo la representa el personaje de Bobby.

Este relato crudo y sin filtro escrito por el mismo Sean Baker y Chris Bergoch no nos deja indiferentes. Las relaciones entre los niños, de los adultos con ellos y entre los adultos están muy bien descritas. Hay contención y soporte, sin embargo por muchos minutos somos observadores pasivos de una realidad que sobrecoge.

“The Florida Project” está muy bien actuada. Dirigir a niños no es fácil, y Baker acierta magistralmente. Es todo muy natural y fluido. Mientras el tratamiento del relato es sutil, observamos un desarrollo interesante y que cautiva. Cuando deja de serlo, pierde magia y con ello sustancia, sin embargo la cinta no deja de ser interesante y reveladora. Dar cuenta del abuso y del desinterés no es tarea sencilla. Las comparaciones son odiosas y esos detalles generan inmediato rechazo.

Esta película no es agradable de ver, sin embargo nos pide ir más allá. Incluso más allá de lo evidente de cada una de las historias que presenta y de cada uno de los personajes que las retratan. La cinta tiene mucho de resiliencia. Es un llamado, una denuncia, una dura crítica social. La inocencia de los niños está muy bien filmada. Y también la pérdida de aquello se visualiza muy bien. ¿Cómo nos hacemos cargo? ¿Qué responsabilidad tenemos como sociedad? Preguntas que buscan respuesta cuando nos muestran aquello que es evidente y no queremos ver. Mérito para Sean Baker y todo un desafío para nosotros.

Ficha Técnica

Título Original: The Florida Project

Distribuidora: Diamond Films Chile
Duración: 115 minutos
Diseño de Vestuario: Fernando Rodriguez
Guión: Sean Baker, Chris Bergoch (guión)
Elenco: Brooklynn Prince, Bria Vinaite, Willem Dafoe, Valeria Cotto, Caleb Landry Jones, Macon Blair, Sandy Kane, Karren Karagulian, Lauren O'Quinn, entre otros.
Director: Sean Baker

Operación Red Sparrow

Basada en la novela del mismo nombre escrita por Jason Matthews en el año 2013, “Red Sparrow” recoge en el guión de Justin Haythe sus características más interesantes. Dominika Egorova -Jennifer Lawrence- es una joven bailarina rusa que brilla y encanta. Cuida a su madre enferma y vive en un pequeño apartamento facilitado por el Ballet Bolshoi de Moscú, donde ella es su primera bailarina. Tras sufrir un accidente, bailando, su tío Ivan Dimitrevich Egorov -Matthias Schoenaerts- le ofrece ayuda para mantenerse y seguir cuidando a su madre a cambio de participar en un programa de entrenamiento de jóvenes “gorriones”, agentes del gobierno ruso que usan sus encantos físicos y su poder de manipulación para obtener información de inteligencia. Y el primer objetivo está muy claro. Un agente norteamericano, Nate Nash -Joel Edgerton- quién tiene una fuente, un “topo”, infiltrado en medio de la más alta seguridad e inteligencia rusa.

La película tiene un muy buen ritmo que mantiene el suspenso de principio a fin. Su extensión de dos horas con veinte minutos no es ningún inconveniente, pues la cinta fluye con total naturalidad y logra capturar la atención.

Jennifer Lawrence, en el rol más adulto que ha interpretado hasta ahora, ha debido hacer concesiones importantes para su papel. Desde aprender ballet, atrevidas escenas desnuda y otras de mucha violencia, son parte de una caracterización que la actriz logra a cabalidad. Además, la química desarrollada con Joel Edgerton es clave para la elaboración del filme.

El director Francis Lawrence -es sólo un alcance de apellido- quién ya la había dirigido en varias ocasiones, conduce el relato con buen pulso. La fotografía es un buen aporte y la delicadeza de la filmación otorga los entornos adecuados a los lugares donde transcurre la trama.

El elenco que acompaña es muy sólido. Jeremy Irons interpretando al General Vladimir Andreievich Korchnoi y Charlotte Rampling como la Directora de la Escuela Sparrow, otorgan un peso especial a la cinta.

Puede parecer extraño volver a filmar historias de espías y de redes secretas, algo tan propio de la época de la guerra fría. Sin embargo en los tiempos actuales es perfectamente posible pensar en que cualquiera de estas situaciones podrían ocurrir. Agentes, seguridad, contra agentes y contra seguridad, secuestros, torturas, asesinatos, poder y control, parece que no se han quedado atrás y al contrario, son temáticas tal vez más actuales que nunca.

Quizá uno de los detalles más finos e interesantes de la cinta es la música de James Newton Howard. El excelente compositor elabora una partitura que va generando múltiples atmósferas y que contiene detalles musicales especiales que incluso llegan a ser clave en el desarrollo general.

“Red Sparrow” cumple bien su propósito. Entretiene, mantiene la tensión y el suspenso con personajes interesantes y se desarrolla de manera sólida dentro de lo que esperamos de su género.

Ficha técnica

Título original: Red Sparrow
Año: 2018
Duración: 139 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Chernin Entertainment / Film Rites / Soundtrack New York. Distribuida por Twentieth Century Fox Film Corporation
Género: Thriller | Espionaje
Guion: Justin Haythe (Novela: Jason Matthews)
Música: James Newton Howard
Fotografía: Jo Willems
Reparto: Jennifer Lawrence, Joel Edgerton, Jeremy Irons, Charlotte Rampling, Mary-Louise Parker, Matthias Schoenaerts, Joely Richardson, Nicole O'Neill, Sergej Onopko, Sergei Polunin, Kristof Konrad, Simon Szabó, Ciarán Hinds, Thekla Reuten, Joel de la Fuente, Sakina Jaffrey, Douglas Hodge
Dirección: Francis Lawrence

Pequeña Gran Vida

Es una idea interesantísima. ¿Cómo hacer frente a la sobrepoblación mundial y a la escasez de alimentos? ¿Qué tal si ocupamos menos espacio y reducimos nuestra masa corporal? Por ejemplo, ¿pasar de un metro ochenta a doce centímetros, proporcionalmente? Suena bien de entrada. Este es el centro de la historia que tiene a Paul Safranek -Matt Damon- intrigado desde que este innovador desarrollo tecnológico se hace público. Paul es terapeuta ocupacional y trabaja en una empresa ayudando a los empleados a superar problemas físicos producto de malas posturas o excesiva carga laboral. Casado con Audrey -Kristen Wiig- llevan una vida normal aunque por supuesto quisieran tener menos deudas y poder aspirar a una mejor calidad de vida.

La película tiene un buen inicio producto de la premisa del relato. Nos muestra el desarrollo de la tecnología, la vida de Paul y su esposa, los sueños frustrados y la posibilidad de verdaderamente hacer algo para cambiar y también con ello ayudar al planeta. No obstante este promisorio comienzo, el relato tiene un pobre desarrollo. El director y también guionista Alexander Payne -de la recordada “Entre Copas”- matiza un relato fluido con asuntos que son bastante más profundos. ¿Cuál es la verdadera razón de fondo para reducirse? ¿Es salvar a la tierra o salvarse a sí mismo? Las motivaciones de quienes aspiran al procedimiento pueden ser muy variadas.

La trama de la cinta, tan interesante como improbable, abre interrogantes que no se logran resolver con el correr del metraje. El director deriva los focos de tensión y también diluye el conflicto en una historia que se está abriendo constantemente. La construcción de los personajes es bastante débil. Christoph Waltz, que interpreta al excéntrico vecino de Paul, no es más que una caricatura. Es cierto, logra provocarnos sonrisas y tal vez alguna carcajada, pero no aporta mucho al relato. De Audrey conocemos poco, de la sobreviviente vietnamita interpretada por Hong Chau, tal vez menos, aunque su papel -y gracias al equilibrio que se logra con Damon- cobra protagonismo hacia el último tercio.

La vida en “Leisureland” es mágica. Parece que todo está resuelto y se ve como un verdadero paraíso. ¿Lo es en verdad? ¿Qué sucede en realidad con las vidas y relaciones que se dan en este mundo en miniatura? ¿Quién define los roles a cumplir? ¿Cómo se determina este orden interno, indispensable para poder alcanzar esta promesa de vida sin preocupaciones? Muchas interrogantes, interesantes, pero poca evolución de una historia que se entrampa en sí misma. Tal vez la expectativa es muy alta para el resultado ofrecido. Entretiene, si, pero tal vez con treinta minutos menos podría haber sido más precisa e interesante.

Ficha técnica

Título original: Downsizing
Año: 2017
Duración: 135 minutos
País: Estados Unidos Estados Unidos
Productora: Annapurna Pictures / Paramount Pictures / Ad Hominem Enterprises
Género: Ciencia ficción. Comedia. Drama | Comedia dramática. Distopía
Guion: Alexander Payne, Jim Taylor
Música: Rolfe Kent
Fotografía: Phedon Papamichael
Reparto: Matt Damon, Christoph Waltz, Hong Chau, Kristen Wiig, Jason Sudeikis, Udo Kier, Neil Patrick Harris, Laura Dern, Margo Martindale, Kerri Kenney, Maribeth Monroe, Niecy Nash, Donna Lynne Champlin, Joaquim de Almeida, Rolf Lassgård, Ingjerd Egeberg, Søren Pilmark, Jayne Houdyshell, James Van Der Beek, Patrick Gallagher, Kevin Kunkel, Kristen Thomson, Brendan Beiser, Don Lake, Mary Kay Place, Juan Carlos Velis, Veena Sood, Jeff Clarke, Pepe Serna
Dirección: Alexander Payne

Noche de Juegos

Esta es una típica comedia que cumple con entretener un poco y que por cierto no tiene ninguna aspiración mayor. Es súper liviana, no esperen nada más elaborado ni profundo.

Dos oponentes en juegos grupales, muy competitivos y algo arrogantes, interpretados por Jason Bateman y Rachel McAdams se conocen, se enamoran y finalmente se casan. Su costumbre se mantiene, es como su razón de vida. Organizan juegos en su casa a los que invitan parejas de amigos muy distintos entre sí. Quienes participan, responden casi siempre a estereotipos y caricaturas de personalidades diversas: las bellas y poco astutas parejas ocasionales del más simple de los amigos, una pareja de color que se conoce desde el colegio y que no ha tenido otros novios, salvo ellos, y otra pareja dispuesta a ganar, transando cualquier principio. Y dos personajes importantes adicionales: un vecino que ha sido excluido de los juegos y el hermano del protagonista, un exitoso hombre de negocios, que rivaliza con él y que está de paso por la ciudad.

Este elenco hace que la cinta sea torpemente divertida. Es absolutamente lineal, llena de prejuicios y su base son los enredos y confusiones en una trama que se torna evidente con el correr de los minutos.

Es cierto, incluye algunas sorpresas y giros que no están mal. Sin embargo las débiles actuaciones y lo reiterado de algunos efectos y temáticas, hacen que el guion no tome vuelo en ningún momento.

Escenas de acción, diálogos desafortunados y un sinnúmero de otros detalles la llevan más hacia la parodia que a la comedia. Aun así, no alcanza a cubrir ni a cumplir en un género que es siempre complicado, porque para que parezca simple y fácil se requiere mucho esfuerzo y trabajo en todas sus fases.

Ficha técnica

Título original: Game Night
Año: 2018
Duración: 98 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Warner Bros. / Aggregate Films / Davis Entertainment / New Line Cinema
Género: Comedia | Parodia
Guion: Mark Perez
Música: Cliff Martinez
Fotografía: Barry Peterson
Reparto: Jason Bateman, Rachel McAdams, Jesse Plemons, Kyle Chandler, Kylie Bunbury, Lamorne Morris, Michael Cyril Creighton
Dirección: John Francis Daley, Jonathan Goldstein

Pantera Negra

El universo de Marvel sigue en expansión. Ahora nos trae una nueva cinta, “Pantera Negra”, con un gran elenco y que nos atrapa presentando al primer héroe de color.

En una arriesgada y muy apropiada reinvención de una clásica historia de superhéroes, se sitúa después de los eventos de Capitán América: Civil War. El Rey de Wakanda ha muerto y el príncipe T'Challa debe regresar a su hogar para tomar el trono dejado por su padre. Esta ficticia nación, buscada incansablemente en los cinco continentes, está en el corazón de África. No está a la vista. Es secreta y está aislada. Nadie -sin permiso- puede entrar, y si lo logra, tal vez no salga con vida. Detrás de unos campos extensos, altas montañas y enormes bosques se encuentra esta especial población originaria que tiene ritos ancestrales y se comporta de manera tribal. Sin embargo su desarrollo tecnológico es sorprendente, casi de otro planeta, gracias al trabajo de un metal precioso llamado vibranium que con sus características especialísimas les ha permitido construir un entorno súper desarrollado y al servicio de la mayoría de sus habitantes, algunos de los que si han visitado y vivido en el mundo exterior.

“Black Panther” sorprende porque es una película muy actual, muy clara y también muy política. No solo hay un desarrollo interesante al reescribir la historia sino que su guión, obra de Joe Robert Cole y del mismo director Ryan Coogler -basado en el Cómic de Jack Kirby y Stan Lee-, tiene una fuerza que viene desde diversos puntos de la realidad y de su propio contexto. El relato es claro y sus mensajes también. La combinación de tecnología y humanidad es exacta, y en dosis más que justas.

La clásica lucha de poder, el bien contra el mal, el protagonista y su antagonista cobra novedad y brilla con imaginación en un relato que tiene pocos momentos de pausa y que cautiva de inmediato. No es volver a lo mismo; es elaborar y evolucionar a partir de lo que conocemos construyendo algo que resulta novedoso. El abandono, la soledad, la reivindicación, la venganza y la búsqueda de riqueza y poder son puntos centrales del relato y que van adquiriendo dimensiones más amplias en la medida que la narración les abre paso con diversas formas y situaciones. ¿Encierro o apertura? Otros dos temas fundamentales de nuestro mundo actual y que también están presentes, se exponen con visiones tan opuestas como el significado de ambos conceptos.

No es bueno contar más detalles de la historia, solo algunos puntos en los que poner atención. Michael B. Jordan y Andy Serkis en sus papeles de villanos están brillantes. Lupita Nyong'o como la “ex” del príncipe aporta sensibilidad y un atractivo especial. Forest Whitaker en un papel secundario pero importante habla de un elenco muy bien trabajado y que logra compenetración y química natural. El director Ryan Coogler crea una continuidad admirable en un metraje que no es sencillo de conducir. La fotografía Rachel Morrison es amplia e imponente y la música de Ludwig Göransson está en su punto. Son muchos elementos, muy bien combinados entre sí, los que hacen de ésta, décimo octava película de Marvel, una de sus mejores entregas.

Y por supuesto lo que no puede faltar. No se apuren en salir al finalizar la cinta, porque hay escena post créditos. Y sin duda vale la pena. Totalmente actual y precisa, casi a modo de editorial, con una fuerte posición social y política. ¡Imperdible!

Ficha técnica 

Título original: Black Panther
Año: 2018
Duración: 134 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Marvel Studios / Walt Disney Pictures
Género: Acción. Fantástico. Aventuras | Superhéroes. Cómic. Marvel Comics. 3-D
Guion: Joe Robert Cole, Ryan Coogler (Cómic: Jack Kirby, Stan Lee)
Música: Ludwig Göransson
Fotografía: Rachel Morrison
Reparto: Chadwick Boseman, Lupita Nyong'o, Michael B. Jordan, Andy Serkis, Angela Bassett, Forest Whitaker, Danai Gurira, Winston Duke, Daniel Kaluuya, Florence Kasumba, Letitia Wright, Stan Lee, Sterling K. Brown, Martin Freeman, Phylicia Rashad, Sydelle Noel, John Kani
Dirección: Ryan Coogler

Todo el dinero del mundo

Esta película del director Ridley Scott llega no exenta de polémica. Se trata del secuestro de John Paul Getty III, en 1973 en Italia, y las intensas gestiones de su madre por conseguir que John Paul Getty, abuelo del joven y tal vez el hombre más rico del mundo en ese momento, accediera a pagar un rescate de 17 millones de dólares. Estos son los hechos reales en los que la película se inspira, sin embargo la polémica se instaló pues quien estaba a cargo de encarnar a Getty era Kevin Spacey. Ya estaba todo filmado cuando una acusación en su contra por abusos sexuales hizo que el director decidiera convocar de urgencia a Christopher Plummer para el papel y grabar nuevamente todas las escenas en que participaba el ya apartado Spacey.

El resultado es que Plummer está brillante, entregando una sólida actuación, junto a la excelente Michelle Williams como Gail Harris, Mark Wahlberg como Fletcher Chase, mano derecha de Getty y Charlie Plummer como John Paul Getty III.

La cinta aso si es extensa y por momentos cansadora. El guión elaborado por David Scarpa hace énfasis en dejar claro el carácter especial del magnate petrolero, su aura de ogro solitario, avaro y tacaño, incapaz de sentir emociones y preocupado solo de acumular más y más dinero. La contraposición de su nuera Gail provoca un contrapeso interesante aunque no necesariamente suficiente.

La película provoca un efecto tal vez deseado por el director. Repulsión y odio hacia esta absurda obsesión por el dinero. Los problemas familiares de Getty, el hijo perdido en alcohol, drogas y separado de su mujer, su nieto adorado pero siempre tratado con distancia y la madre desesperada, que sostiene una batalla legal y emocional con él, representan una aguda crítica a la riqueza, al mundo del poder y a todo lo que rodea las circunstancias de vida de quienes están en su centro. Las conductas extrañas provocan distancia. ¿Acumular por acumular? ¿Dónde termina la obsesión y dónde comienza la humanidad? Si la vida de su nieto no logra conmoverlo, si el pago de esos millones podrían no significar nada para su imperio, ¿por qué la negativa rotunda a dar su brazo a torcer?

Ni Scott ni el guión pretenden responder muchas de las preguntas que plantean y dejan abiertas. En ese sentido podemos sospechar que la película no se hace cargo totalmente de lo que su inspiración provoca.

Desde el punto de vista de la filmación, la película es estupenda. Scott nos demuestra que sigue siendo un director vigoroso y atrevido, capaz de imprimir ritmo y emoción cuando se lo propone, combinar suspenso y tensión, conducirlos a varios puntos de inflexión y lograr un elaborado desarrollo que sin duda resulta visualmente atractivo. No obstante lo anterior, y no sabemos si a causa de la edición, del montaje o de las grabaciones posteriores de Plummer, parece que el metraje se extiende en círculos que hacen que el thriller pierda potencia hacia el último tercio.

“Todo el dinero del mundo” es bastante más que la polémica circunstancial en que se ve envuelta por la sustitución de Spacey. Tal vez al pretender ser una reflexión más profunda acerca del dinero, queda a medio camino. Sin embargo, aquello no le quita interés ni menos propiedad a una cinta que provoca en todo sentido de la palabra.

Ficha técnica 

Título original: All the Money in the World
Año: 2017
Duración: 132 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Imperative Entertainment / Scott Free Films / TriStar Productions / RedRum Films
Género: Drama. Thriller | Secuestros / Desapariciones. Años 70. Basado en hechos reales
Guion: David Scarpa
Música: Daniel Pemberton
Fotografía: Dariusz Wolski
Reparto: Michelle Williams, Mark Wahlberg, Christopher Plummer, Timothy Hutton, Romain Duris, Charlie Shotwell, Charlie Plummer, Andrea Piedimonte, Marco Leonardi, Roy McCrerey, Kit Cranston, Maya Kelly, Stacy Martin, Olivia Grant, Adam Astill, Andrew Buchan, Charlotte Beckett, Francesca Inaudi, Giulio Base, Olivia Magnani, Maurizio Lombardi
Dirección: Ridley Scott

15:17 Tren a París

Las historias verdaderas tienen una potencia exponencial cuando son llevadas al cine. Y esto es justamente lo que sucede con este homenaje que hace el director Clint Eastwood al producir y dirigir esta película basada en el libro de Anthony Sadler, Alek Skarlatos, Spencer Stone y el escritor Jeffrey E. Stern, que narra la historia de tres amigos norteamericanos que se ven enfrentados a un ataque terrorista a bordo de un tren con destino a Paris. La singularidad de este ataque que conmocionó al mundo entero y que llamó la atención de Eastwood, es retratada fielmente en esta cinta pues los elegidos para protagonizar la narración son precisamente ellos mismos, es decir, los héroes reales que la vivieron.

Spencer Stone, Anthony Sadler y Alek Skarlatos se conocen desde pequeños. Han compartido educación, los malos tratos de sus compañeros y la rebeldía escolar, es decir han desarrollado toda una historia de vida común. Por cierto si pensamos en el ataque terrorista y lo sucedido a bordo del tren, por si solo es suficiente material para una película que relate lo sucedido con lujo de detalles. Sin embargo, este filme pretende ir más allá y el guión de Dorothy Blyskal se encarga de profundizar en la historia personal de cada uno de los protagonistas. Luego viene la delicadeza de Clint Eastwood para tratar el tema, para conducir el metraje y para montar una película que fracciona de manera interesante el relato. Va construyendo lenta y profundamente una vida de sueños y frustraciones, de valor y amistad de estos jóvenes y que parece predestinada a confluir en aquel tren de las 15.17.

La película sin duda es interesante. Está bien tejida y muy bien narrada. Los detalles de la mano del director siempre resultan interesantes. Las escenas iniciales, esos pasos sin rostro en una estación de trenes, los saltos temporales del relato y las pequeñas luces que van acercando el ataque, hacen que la atención la centremos en la forma de construir el discurso narrativo. Por momentos el foco de la cinta parece desviarse. Tal vez nos perdemos un poco pues todos esperamos y de alguna manera ansiamos el desenlace, sin embargo, y como un largo “ritenuto”, este final se contiene y se hace esperar. Con la utilización de este recurso Eastwood logra generar una tensión creciente que nos mantiene alertas y concentrados permanentemente.

Hay muchísimos detalles que marcan diferencias lo que ya es un sello de su veterano director. La forma de filmar los primeros planos, el ritmo impreso en la edición y el montaje, la delicada fotografía y la calidad de las imágenes da cuenta de un trabajo arduo de elaboración y composición. Si a esto sumamos el desafío de conducir a los mismos protagonistas -sin ser actores profesionales- entrega a la cinta características únicas. Clint Eastwood logra transmitir profundas emociones con varios elementos que podríamos denominar “comunes”. ¿Dónde está la novedad?, podríamos preguntarnos. Tal vez no la hay, sino que existe la utilización correcta de los ingredientes y una sabia experiencia de dónde situar los actores, los escenarios y las cámaras, junto con la música apropiada para cada secuencia fílmica.

La película hace referencia a un “momento clave”. Es aquel donde debemos hacer algo, hacer lo correcto y frente a ello no podemos permanecer inmóviles o impávidos. No sabemos cuál será ese momento, sin embargo parece que estamos en permanente preparación para ello. Estos tres jóvenes no sabían que “El 15.17 a Paris” sería ese instante, sin embargo tal vez intuían que caminaban hacia un común denominador, algo mayor y significativo. Su fuerte amistad y sus profundos lazos de hermandad y de solidaridad ya habían dejado huella en sus vidas. Quizás aún no estaban preparados, sin embargo en ese momento actuaron valerosamente, juntos y coordinados para frustrar el que habría sido un atentado terrorista de grandes proporciones. El merecido reconocimiento del gobierno francés y también el recibimiento que tuvieron en sus hogares en Estados Unidos corresponden a las imágenes reales de dichos homenajes. Hombres normales, comunes, que en su “momento clave” se transformaron en héroes al realizar una reacción extraordinaria que permitió salvar decenas de vidas.

Ficha técnica

Título original: The 15:17 to Paris

Año: 2018
Duración: 94 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Malpaso Productions / Village Roadshow Pictures / Warner Bros.
Género: Drama | Basado en hechos reales. Terrorismo. Trenes/Metros. Ejército. Amistad
Guion: Dorothy Blyskal (Libro: Anthony Sadler, Alek Skarlatos, Spencer Stone, Jeffrey E. Stern)
Música: Christian Jacob
Fotografía: Tom Stern
Reparto: Spencer Stone, Anthony Sadler, Alek Skarlatos, Judy Greer, Jenna Fischer, Ray Corasani, Tony Hale, Thomas Lennon, Sinqua Walls, Paul-Mikel Williams, Max Ivutin, Bryce Gheisa, Cole Eichenberger, William Jennings, Jaleel White, P.J. Byrne, Robert Pralgo, Steve Coulter, Gary Weeks, Timothy Carr, Cecil M. Henry, Lillian Solange Beaudoin, BreeAnna Marie, Ethan Rains, Mariam Vardani, Jeanne Goursaud, Irene White, Seth Meriwether, Matthew Barnes
Dirección: Clint Eastwood

La maldición de la casa Winchester

La mansión existe realmente. Data de 1884 y está en San José, California. Se le llama la “mansión misteriosa” o “el lugar más embrujado de Estados Unidos”. Es enorme, cerca de 24.000 metros cuadrados, y estuvo en permanente construcción por 38 años hasta 1922. Sarah Winchester, tras la muerte de Annie, su hija, en 1866, y de su esposo William en 1881, recibe la mitad de las acciones de la compañía Winchester Repeating Arms Company, con un sueldo diario de mil dólares y de por vida. Hasta allí, todo es cierto. Luego vienen los mitos y las historias que rodean a Mrs. Winchester y a esta casa laberíntica que ciertamente es muy especial.

Vamos a la película. Sarah -la siempre sólida Helen Mirren- está obsesionada con la construcción y reconstrucción de una habitación tras otra en su gran mansión. Los directores de la compañía Winchester creen que ha perdido el juicio y por ello contratan al doctor Price -Jason Clarke- para que haga una evaluación personal de las condiciones mentales de Sarah. Price llega a la mansión, y allí comienza su estudio, las entrevistas personales y también empieza a percibir y observar fenómenos curiosos sin aparente conexión ni explicación. Se sienten extrañas presencias y ocurren situaciones claramente anormales, lo que hacen dudar al doctor de cada paso que da. Además, él trae una cruda historia personal, también ligada con las armas y con la muerte, un pasado que no lo deja tranquilo.

Parte importante de la historia está basada en uno de los mitos más arraigados sobre esta misteriosa casa. Se trata de la presencia de los espíritus de quienes han sido muertos o asesinados por algún rifle Winchester. Esta directa relación, haría que estos espíritus atormenten a Sarah principalmente por la culpabilidad de ser la dueña de una compañía que fabrica las armas que les han quitado la vida. Y agrega el mito que estos espíritus necesitan liberarse -o bien encerrarse hasta que puedan hacerlo- para realmente partir y descansar en paz.

La cinta se sostiene bien desde su premisa principal. Primero misterio, luego suspenso y con el correr de los minutos se acrecienta aún más la incógnita respuesta a los fenómenos que suceden día a día, noche tras noche, jornada tras jornada. Con un ambiente de época muy bien logrado, buena fotografía, vestuario y música, más los clásicos golpes del género, la película no defrauda y mantiene bastante la tensión. Aunque decae hacia el último tercio, se logra recuperar pronto para abrochar correctamente el final.

La historia de la cinta es sobre armas, muertes, espíritus, fantasmas, seres, culpas y tormentos, todo junto y revuelto en un verdadero laberinto de muchas sensaciones. Con personajes que tienen marcadas características y que actúan impredeciblemente, el guión de los hermanos Spierig junto a Tom Vaughan fluye a pesar de dejar solo en manos de los dos personajes principales casi la totalidad de la responsabilidad conductiva del relato.

Histórico es el momento que se transforma en el punto más alto del metraje. La acción transcurre en 1906, dato fundamental a tomar en cuenta para poder explicarlo. Por ello, los créditos finales son muy importantes para el contexto y además para complementar los datos históricos sobre los que la cinta se inspira.

Es una buena película para verla en el cine, donde los efectos y golpes serán oportunos y precisos. Y ojo con el número 13. Ahí existe algo que es real. Escaleras con 13 escalones, 13 ganchos en el armario de Sarah, 13 agujeros en las duchas, candelabros para 13 velas, ventanales con 13 espacios, etc. y también se señala que el testamento de Sarah estaba dividido en 13 secciones. Y pareciera ser todo cierto pues cada vez que hay un viernes 13 se tocan las campanas 13 veces a las 13:00 horas. ¿Solo coincidencia o una excelente publicidad para www.winchestermysteryhouse.com? Valdrá la pena investigar.

Ficha técnica

Título original: Winchester
Año: 2018
Duración: 99 minutos
País: Australia
Productora: Blacklab Entertainment / Imagination Design Works
Género: Terror. Thriller | Casas encantadas. Fantasmas
Guion: Michael Spierig, Peter Spierig, The Spierig Brothers, Tom Vaughan
Música: Peter Spierig
Fotografía: Ben Nott
Reparto: Helen Mirren, Jason Clarke, Sarah Snook, Angus Sampson, Emily Wiseman, Laura Brent, Tyler Coppin, Dawayne Jordan, Jeffrey W. Jenkins, Thor Carlsson, John Lobato, Xavier Gouault, Jeff Lipary, Finn Scicluna-O'Prey, Homero Lopez
Dirección: Michael Spierig, Peter Spierig, The Spierig Brothers

La forma del agua

“La forma del agua”, el último trabajo del director mexicano Guillermo del Toro, es una joya. Un original guión escrito por el mismo director junto a Vanessa Taylor nos seduce con una fábula mágica y envolvente. La madurez narrativa alcanzada en el relato es delicada y fina. La fotografía de Dan Laustsen es un verdadero acierto y la música de Alexandre Desplat, preciosa y refinada. Todos los personajes están excelentemente delineados y el reparto los interpreta con un nivel altísimo. No observamos puntos débiles y el resultado de ello es una obra de arte; CINE con mayúsculas.

Elisa -estupenda personificación y caracterización de Sally Hawkins- trabaja en el aseo nocturno de un laboratorio de investigación en Baltimore, a comienzos de la década de los sesenta. Ella es muda, sin embargo puede escuchar todo perfectamente y se comunica con los demás a través del lenguaje de señas. Zelda Fuller -Octavia Spencer- es su amiga y compañera de trabajo. Ella es afroamericana, de carácter fuerte, por lo que la protege y además le permite conectar con el mundo.

Con bastante revuelo llega al laboratorio un nuevo “objeto” de estudio. Se trata de una criatura extraña -recreada por Doug Jones- una especie de humanoide anfibio, recogido en un río sudamericano por el mismo Coronel Richard Strickland -Michael Shannon-, el autoritario y temido jefe de seguridad del lugar. Para el científico Robert Hoffstetler -Michael Stuhlbarg- un infiltrado espía soviético, este “activo” es inteligente, capaz de comprender el lenguaje y de sentir emociones. Sin embargo Strickland tiene órdenes de matar y diseccionar esta “cosa que parece humana” para estudiarlo a fondo y sacar ventajas en plena guerra fría.

Elisa vive sola en un departamento encima de una sala de cine. Su vecino Giles -Richard Jenkins-, un artista gay que trata de sobrevivir con sus obras en un mundo que está adoptando rápidamente la fotografía, la acompaña y la acoge. Juntos conversan, escuchan música y ven programas de televisión. Giles se entera de la criatura por las palabras emocionadas de Elisa, “cuando me ve, no sabe qué tan incompleta estoy. Él me ve como soy”. También se transforma en cómplice cuando ella le suplica “si no hacemos nada, nosotros somos nada”, al relatarle el plan para rescatar a la criatura de una muerte segura.

La cinta va más allá de las palabras. Esta historia de la “princesa sin voz” es empática y emotiva, parece dibujada a mano, tiene dosis precisas de humor y basa su centro en la especial conexión entre Elisa y la criatura. Florece el amor, los sueños, la imaginación y la convicción de que todo es posible. Hay varias capas con múltiples detalles. Quisiera contar más, analizar más, pero para no hacer “spoilers” debo contenerme.

Hay dos escenas filmadas en el agua que son maravillosas. La composición gráfica de las imágenes, los ángulos usados y los planos de cámara son transversales en todo el metraje. La textura de la cinta es delicadísima, y el color logrado es gracias al aporte de un gran trabajo de iluminación.

La belleza de esta cinta es extraordinaria. “La forma del agua” es un encantador despliegue audiovisual basado en una íntima y tierna historia de amor. Una fantasía que deslumbra y que logra que atesoremos de manera profunda en nuestro corazón lo que sentimos al verla.

Ficha técnica

Título original: The Shape of Water
Año: 2017
Duración: 119 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Bull Productions / Fox Searchlight
Género: Fantástico. Drama. Romance. Thriller | Años 60
Guión: Guillermo del Toro, Vanessa Taylor
Música: Alexandre Desplat
Fotografía: Dan Laustsen
Reparto: Sally Hawkins, Doug Jones, Michael Shannon, Octavia Spencer, Richard Jenkins, Michael Stuhlbarg, Lauren Lee Smith, David Hewlett, Nick Searcy, Morgan Kelly, Dru Viergever, Maxine Grossman, Amanda Smith, Cyndy Day, Dave Reachill
Dirección: Guillermo del Toro

The Post

En junio de 1971 se destapa una bomba periodística. The New York Times publica los primeros documentos secretos del Pentágono sobre la Guerra de Vietnam y que detallan que la Casa Blanca ha mentido al respecto durante 30 años. Son más de 7.000 páginas con información ultraclasificada que comienzan a ver la luz y la reacción del Gobierno de turno -encabezado por Nixon- no se hace esperar. Decreta prohibir cualquier información basada en esos archivos.

The Washington Post que está a cargo de Katherine Graham -Meryl Streep- quién se había transformado en la primera mujer en dirigir este periódico familiar, y el jefe editorial, Ben Bradlee -Tom Hanks- están en una lucha menor con la Casa Blanca por el matrimonio de la hija del presidente, al que no le otorgan acceso a su cobertura. Además, Katherine está en pleno proceso de sumar recursos para potenciar los contenidos del diario con una arriesgada salida a la bolsa que tiene a todos los accionistas nerviosos y preocupados porque piensan que una mujer no es capaz de tomar decisiones difíciles, con lo que intentan disminuir y discriminar a Graham.

El director Steven Spielberg conduce este apasionante guión de Liz Hannah y Josh Singer con maestría. Sus cámaras nos llevan desde un inicio bélico que se remonta a la década anterior, con un corresponsal en plena guerra junto a los altos mandos militares, a los pasillos íntimos de la redacción del Post, encuentros secretos con fuentes de información, improvisadas oficinas de trabajo en terreno, reuniones sociales en momentos inoportunos, en horarios muy poco comunes y muchos otros elementos propios del periodismo de investigación.

La actuación de Meryl Streep es notable. Interpreta de forma magistral a esta mujer delicada y fina que debe tener el coraje de tomar oportunamente decisiones valientes y complejas. Hanks hace un contrapeso muy efectivo describiendo a un profesional directo, fuerte y decidido que, en un clima de máxima tensión, está convencido que su misión es dejar al descubierto la falta moral de este poder ejecutivo que ha conducido al país a una irresponsable guerra.

Al conocerse esta información, el centro neurálgico es el valor de la libertad y de la verdad, contra el poder político y militar que se encierra entre cuatro paredes y usa la censura como barrera de protección. La lucha contra el ocultamiento se transforma en un liderazgo que abre y construye el camino. Existe un cuestionamiento ético y moral de la información obtenida para tener el cuidado de no poner en peligro a personas particulares. Katherine tiene muy claro que arriesga su fortuna y la compañía de su vida. Por publicar esta información puede ir a prisión. Ben Bradlee tiene la convicción que las mentiras deben terminar, que si la prensa no exige cuentas al poder político nadie más lo hará y que si pierden esta lucha será la nación la que pierda finalmente.

Ante una historia tremendamente intensa, el humor es clave y la película lo tiene muy bien desarrollado. Rompe esquemas, interrumpe y relaja. Permite emprender rumbo hacia nuevas cumbres y hace que el relato fluya de forma muy natural. Los planos de Spielberg también son clave para mantener el suspenso y la atención en una historia de la que conocemos el final y que sin embargo nos mantiene atrapados y cautivados durante todo su metraje.

La cinta no oculta la natural competencia editorial entre los diarios, sin embargo muestra también el significativo consenso y la completa solidaridad en la defensa de la libertad de prensa por parte de los medios. Este clima está muy bien representado. Pone de relieve el trabajo profesional de periodistas y editores que incansablemente buscan revelar la verdad por un bien común mayor, con convicción, profesionalidad y una extraordinaria vocación de servicio público.

Ficha técnica

Título original: The Post
Año: 2017
Duración: 116 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Amblin Entertainment / DreamWorks SKG / Pascal Pictures / Participant Media.
Distribuida por 20th Century-Fox Film Corporation
Género: Drama | Años 70. Periodismo. Basado en hechos reales
Guión: Liz Hannah, Josh Singer
Música: John Williams
Fotografía: Janusz Kaminski
Reparto: Meryl Streep, Tom Hanks, Bruce Greenwood, Bob Odenkirk, Tracy Letts, Sarah Paulson, Matthew Rhys, Alison Brie, Carrie Coon, Jesse Plemons, Bradley Whitford, David Cross, Michael Stuhlbarg, Zack Woods, Pat Healy, Deirdre Lovejoy
Dirección: Steven Spielberg

Paddington 2

Películas como esta secuela de Paddington nos recuerdan que la bondad es un valor que siempre debería estar presente en nuestra vida. Hacer el bien, hacer lo que es correcto, ser amables y educados, sin duda puede lograr generar un círculo virtuoso. Y la cinta lo tiene muy presente a través de una historia simple y tierna que, a través de grandes contrastes, nos lleva a sentir que aún tenemos esperanza en nuestro ajetreado y alocado mundo moderno.

El oso Paddington vive con los Brown en la comunidad de Windsor Gardens, en Londres. Su integración familiar y a la vida del barrio ha sido total. Su espontánea simpatía es realmente encantadora y alegra la rutina diaria a todos quienes encuentra en su camino.

Tía Lucy está de cumpleaños y Paddington quiere hacerle un gran regalo. Y parece que la elección es clarita, un precioso libro “pop-up” que ha encontrado en la tienda de antigüedades de Mr. Gruber. Es sin duda un maravilloso regalo pero tremendamente costoso, por ello nuestro protagonista está dispuesto a juntar el dinero necesario para comprar esta obra de arte haciendo los más diversos oficios, naturalmente con dispares -y jocosos- resultados. Tía Lucy soñó siempre conocer Londres, por lo que este libro caería como un anillo a un dedo. Sin embargo el libro es robado y Paddington injustamente acusado de ser el ladrón.

La cinta tiene un guión -obra de Paul King y Simon Farnaby- que está repleto de pequeños detalles. La edición y el montaje es un lujo. Pasamos de una escena a otra fluidamente, usando múltiples elementos que abarcan, cada uno, infinidad de situaciones. Por momentos es de un vértigo alucinante y en otros detiene el tiempo para generar el clima y el ambiente necesario para reflexionar.

El elenco es de altísimo nivel. Hugh Bonneville como Henry Brown, Sally Hawkins como Mary Brown y Brendan Gleeson como “Dedos” están estupendos en sus personajes. Qué decir de Hugh Grant como Phoenix Buchanan, un actor narcisista y algo agotado. Su caracterización es sencillamente notable, con dinámicas, tonos y luces propias que lo hacen divertido e irresistible.

El director Paul King logra en esta película británico-francesa algo siempre difícil de conseguir. Hacer de una cinta familiar, dirigida a los niños, una película llena de matices, detalles y finuras que divierten, conmueven y además nos hacen reír de buena gana. ¡Encantadora e imperdible!

Ficha técnica 

Título original: Paddington 2
Año: 2017
Duración: 105 minutos
País: Reino Unido
Productora
Amazon Prime Instant Video / ACE / Canal+ / Studiocanal / Ciné+ / Heyday Films / Marmalade Films Ltd.
Género
Comedia. Fantástico. Infantil | Cine familiar. Secuela
Guión: Michael Bond, Simon Farnaby, Paul King, Jon Croker
Música: Dario Marianelli
Fotografía: Erik Wilson
Reparto: Hugh Grant, Hugh Bonneville, Sally Hawkins, Brendan Gleeson, Jim Broadbent, Peter Capaldi, Julie Walters, Samuel Joslin, Daniel Stisen, Ben Miller, Sanjeev Bhaskar
Dirección: Paul King