El Contador

Disponible en Netflix.

Escrita por Bill Dubuque y dirigida por Gavin O'Connor, “El Contador” es la historia de Christian Wolff -Ben Affleck-, un hombre tranquilo y obsesivo que atiende asuntos contables en una pequeña oficina de Plainfield, Illinois. Desde niño fue diferente. Sus padres lo notaron de inmediato. Nació con una condición autista. Es en extremo solitario, muy poco comunicativo y de fácil frustración, pero tiene habilidades mentales superiores. 

Chris se gana la vida como contador público, sin embargo sus verdaderos ingresos provienen de sus asesorías a organizaciones criminales reconocidamente peligrosas. Su increíble capacidad matemática -es un genio- le permite resolver asuntos que a otras personas pueden tomarle meses o años. Sus análisis y relaciones son precisos. Gracias a esa virtud ha logrado compatibilizar su solitaria vida personal con sus prósperos y lucrativos negocios.  

El punto de inflexión sucede cuando el director del FinCEN -The Financial Crimes Enforcement Network-, Ray King -J.K. Simmons- decide encontrar a este enigmático sujeto. Para conseguirlo recluta, chantaje de por medio, a la Analista Marybeth Medina -Cynthia Addai-Robinson-, para investigar quién es este personaje que aparece en tantas fotos con conocidos mafiosos y dónde se encuentra radicado. Paralelo a esto, Christian es contratado para ejecutar una auditoría en la empresa Living Robotics. La contadora interna Dana Cummings -Anna Kendrick-, ha detectado diferencias que el protagonista debe descifrar con sus meticulosos análisis. A partir de estos hechos, los acontecimientos se aceleran pues no solo son los números los que están en juego. Ahora la vida de Dana y Chris corre peligro. 

El guion de esta cinta resulta atractivo. No hay espacio para aburrirse porque la narración es ágil. Vamos conociendo aspectos que han moldeado la personalidad de Chris. Observamos sus sufrimientos desde pequeño y también la resiliencia que le ha llevado a su situación actual. Consciente de sus limitaciones al verse expuesto a sobrecargas sensoriales y emocionales, entrena a diario su resistencia con música a todo volumen y luces intermitentes. Asimismo, el entrenamiento extremo en Artes Marciales que su padre le exigió junto a su hermano Braxton es importante. Así vamos descubriendo a la persona que hay detrás de Christian Wolff, sus miedos, temores y motivaciones.  

La película recurre a escenas que se repiten cada ciertos momentos, desde diferentes ángulos. Son hechos importantes a los que les vamos encontrando sentido en la medida que conocemos un poco más de la historia. El thriller se va complicando con un mayor número de aristas pero no deja de lado la historia medular. La retoma constantemente, tal como lo hace con la canción infantil "Solomon Grundy”. 

Muy buen trabajo de Ben Affleck como protagonista. Su interpretación es creíble. Transmite lo que siente internamente, con miradas, diálogos cortos, precisos y una emoción contenida que queda en la retina. El elenco que lo acompaña es sólido y todos destacan en sus respectivos roles, en especial J.K. Simmons, Anna Kendrick y Jon Bernthal. 

“The Accountant” entretiene de comienzo a fin. La historia captura y su final es abierto. ¿Una secuela o una serie? Algo de aquello podría darse y sería interesante ya que Christian Wolff es un personaje que aun podría tener muchísimo desarrollo. No solo es una visión distinta de la condición autista sino que también es una oportunidad para que a través de una ficción, se ponga de relieve que, independiente de los entornos y las diferencias propias de los seres humanos, la personalidad se moldea de acuerdo a la propia experiencia de vida. Y nuestro protagonista, por cierto, tiene mucho más que una doble vida. 

Ficha técnica 

Título original: The Accountant 
Año: 2016 
Duración: 128 minutos 
País: Estados Unidos 
Productora: Warner Bros., Electric City Entertainment, Zero Gravity Management, RatPac-Dune Entertainment 
Género: Thriller. Drama. Acción | Crimen. Matemáticas. Autismo 
Guion: Bill Dubuque 
Música: Mark Isham 
Fotografía: Seamus McGarvey 
Reparto: Ben Affleck, Anna Kendrick, J.K. Simmons, Cynthia Addai-Robinson, Jon Bernthal, John Lithgow, Jeffrey Tambor, Fernando Chien, Seth Lee, Michael Beasley, David Anthony Buglione, Jason MacDonald, Ron Prather, Alex Collins, Johnny Giacalone, Nick Arapoglou 
Dirección: Gavin O'Connor

Hater

Disponible en Netflix.

Ganadora del Premio Mejor Película Internacional en la reciente edición online del festival de Tribeca, “Hater” presenta una historia difícil de resumir. El joven Tomasz Giemza -Maciej Musiałowski- estudia derecho. Por realizar un plagio es expulsado de la facultad. Acto seguido lo vemos con sus benefactores, el matrimonio Krasucki, Zofia -Danuta Stenka- y Robert -Jacek Koman-, quienes le ayudan con dinero para sus estudios desde pequeño. Sus raíces se remontan a un sector rural en Polonia. Una de las hijas del matrimonio, Gabi -Vanessa Alexander- es su amor no correspondido. El rechazo es implacable. 

La habilidad de Tomasz con la tecnología le permite integrarse a una empresa de Relaciones Públicas. A cargo de Beata Santorska -Agata Suleska-, el equipo de trabajo tiene su foco en las plataformas sociales. Deben influir, a cualquier costo, en favor de sus clientes. Esto involucra manipulación, mentiras, ciberacoso, desprestigio y destrucción. No hay límites, solo el objetivo propuesto. Mejor ni hablar de ética o moral. Tomasz recibe el encargo de encontrar una debilidad en la vida personal o profesional del candidato a alcalde de Varsovia, Paweł Rudnicki -Maciej Stuhr-. El nexo del político con sus progresistas y adinerados benefactores es una provocación más. Las cartas están sobre la mesa y los sucesos posteriores resultan insospechados. 

El director Jan Komasa filma un elaborado guion de Mateusz Pacewicz. La cinta tiene múltiples capas y se vale de diferentes escenarios para configurarlas. El plano personal de Tomasz es el más presente. Hábil con la tecnología y con una personalidad fría, calculadora y racional, el joven se mueve al ser rechazado por Gabi. Las redes sociales y su avatar virtual en un videojuego son una oportunidad. Allí es reconocido, siente que es valioso, es su espacio de confort, un mundo donde él se mueve como pez en el agua. En el plano social, vemos un país dividido por su pasado y su presente. Resurgen grupos extremos y la paz social se ve amenazada. La polarización de la campaña por la alcaldía es reflejo de aquello. Observamos consecuencias. 

El debate público no solo se juega en forma personal o presencial. El papel y relevancia que la película otorga a las redes sociales es ilustrativo. En este plano, en el de la virtualidad, la cinta acierta al mostrar la facilidad de manipulación de las que son objeto dichas redes y su vasta influencia en diversas esferas de la vida, desde lo público, comercial y político hasta la propia individualidad de la persona. La sociedad polaca está en entredicho y en ese plano, en el de las ideas, la película pone en relieve los valores que las sustentan. También la ausencia de valores y por supuesto la casi inexistente presencia de la moral en un frágil tejido social cuyas fisuras se perciben con nitidez sobre el relato. Los quiebres y fracturas son cada vez más visibles. Las acciones superan el diálogo, la cultura de masas arrasa el bien común; no hay discusión, se juzga y se condena. 

“Sala samobójców. Hejter”, su título original, enlaza con el anterior trabajo de Jan Komasa, “Suicide Room” del año 2011. “Hejter” -“Hater”, su título en inglés- significa “odio”. ¡Es estremecedor! La manipulación sicológica de las personas y de la opinión pública es algo actual y cotidiano. El odio inculcado “online” produce consecuencias espantosas. Es impactante saber que tres semanas después de concluir la filmación de esta película, Paweł Adamowicz, político liberal, alcalde de Gdansk y víctima del mencionado odio en Internet, haya sido apuñalado durante un evento de caridad transmitido en vivo el 13 de enero de 2019. Impactante, porque no es una teoría, no es una fantasía, ni tampoco algo propio de una ficción. Es un hecho absolutamente real y concreto. Horroroso. 

“Hater” es oscura e inquietante. Genera un particular suspenso y surgen preguntas. ¿Cuál es la motivación de Tomasz? ¿Qué busca con sus acciones? ¿Dónde están los límites y quién los fija? ¿Nos supera la virtualidad? ¿Cómo enfrentamos el odio exacerbado en las redes sociales? ¿Qué respuesta tiene la sociedad ante estos nuevos paradigmas y desafíos? La película nos cuestiona e interpela, nos impulsa a la reflexión. ¡Recomendable! 

Ficha técnica  

Título original: Sala samobójców. Hejter 
Año: 2020 
Duración: 135 minutos 
País: Polonia 
Productora: Naima Film, TVN, Canal+ Polska 
Género: Drama. Thriller 
Guion: Mateusz Pacewicz 
Música: Michal Jacaszek 
Fotografía: Radosław Ładczuk 
Reparto: Maciej Musialowski, Vanessa Aleksander, Danuta Stenka, Jacek Koman, Agata Kulesza, Maciej Stuhr, Adam Gradowski, Piotr Biedron, Jedrzej Wielecki, Jan Hrynkiewicz, Martynika Kosnica, Wiktoria Filus, Iga Krefft, Viet Anh Do, Sebastian Szalaj 
Dirección: Jan Komasa

Escuadrón 6

Disponible en Netflix.

Esta cinta es pura acción. Tras las cámaras, el director Michael Bay hace de las suyas con secuencias en las que no podemos pestañear. 

La historia es sencilla pero está narrada con el fin de enredarnos. Un multimillonario finge su muerte para poder desprenderse de cualquier lazo identificable y operar como un fantasma. Recluta a otros cinco individuos para completar su primera misión; detener el brutal y sangriento régimen de Turgistán, en Medio Oriente. El excéntrico personaje se denomina “uno” y está interpretado por Ryan Reynolds. Su equipo lo completa “Dos”, una espía; “Tres”, un sicario; “Cuatro”, un escalador; “Cinco”, una doctora; y “Seis”, un conductor. La llegada de “Siete”, un experto francotirador, pone en juego la premisa de no vincularse entre ellos con sus nombres reales y claro, su arribo se produce debido al fallecimiento de un compañero. 

La premisa de la historia es fingir la muerte para no ser rastreables y actuar libremente. El sacrifico es total, pérdida de la familia, contactos, amigos; todo. Otro pilar narrativo es la tecnología. Los recursos ilimitados del protagonista le permiten acceder a cuanto podamos imaginar. Este poder económico más las personalidades de los elegidos -hay que estar bastante “tocado” para formar parte del grupo- los hace un nuevo tipo de héroes, sin poderes sobrenaturales pero llenos de poder terrenal. Naturalmente es solo una película pero que el dinero favorece al poder, no hay duda. 

La misión que se proponen parece sensata. El régimen del dictador es sanguinario. Incluso mantiene preso -al menos vivo- a su hermano opositor. Combatir para derribar al tirano es el objetivo y “los seis” deben pasar por múltiples obstáculos para concretarlo. En el camino arrasan con todo. Asesinatos a destajo y operaciones truculentas están a la orden del día. La persecución inicial de 15 minutos en las calles de Florencia, Italia, ya nos alerta; gran producción, efectos especiales, montajes, edición. Toda la carne a la parrilla. 

Conocemos al director en otras producciones como “Transformers”, por ejemplo. En esta oportunidad trabaja sobre un guion original de Rhett Reese y Paul Wernick donde aporta su visión hiperkinética: pocas pausas, mucha acción, no importa tanto el desarrollo o la construcción; ¡vamos directo a la acción!. La coreografía en pantalla es lo importante. Tomas aéreas, movimiento permanente, ángulos diversos, ritmo frenético y de vez en cuando un freno en seco. Por momentos es agotador aunque en momentos aporta algo diferente. Relato saltado, no lineal y tampoco explícito. Humor extraño, subidas de tono y otras menudencias. Buen elenco que queda en deuda, tal vez. Poco partido se les saca. No es el fuerte de Bay, claro está. Pero lo que contenga secuencias de acción sí lo es y el ejemplo es “6 Underground”. 

Ficha técnica 

Título original: 6 Underground 
Año: 2019 
Duración: 128 minutos 
País: Estados Unidos 
Productora: Distribuida por Netflix. Skydance Productions, Bay Films 
Género: Acción. Comedia 
Guion: Rhett Reese, Paul Wernick 
Música: Lorne Balfe 
Fotografía: Bojan Bazelli 
Reparto: Ryan Reynolds, Mélanie Laurent, Dave Franco, Adria Arjona, Ben Hardy, Manuel García-Rulfo, Corey Hawkins, Lior Raz, Peyman Moaadi, Ikumi Yoshimatsu, Hélène Cardona, Sebastian Roché, James Murray, Yuri Kolokolnikov, Bahara Golestani, Kim Kold, Sitara Attaie, Shubham Saraf, James Carroll Jordan, Ryan Baumann, Remi Adeleke, Daniel Adegboyega 
Dirección: Michael Bay

Un pequeño favor

Disponible en Amazon Prime.

Basada en la novela escrita en 2017 por Darcey Bell, “A Simple Favor” presenta a Stephanie -Anna Kendrick-, quien ha quedado viuda muy joven junto a su pequeño hijo. Su pasatiempo es llevar un video blog con bastantes seguidores donde habla desde consejos prácticos cotidianos hasta elaboradas recetas de cocina. Su vida es tranquila y rutinaria, sin embargo todo cambia cuando aparece Emily -Blake Lively-, la madre de un compañero de escuela de su hijo, con quien entabla una cercana amistad. Dos mundos opuestos se reúnen. Stephanie es simple, Emily sofisticada. Stephanie tiene una personalidad tímida y retraída, Emily es extrovertida y segura de sí misma. Stephanie no tiene pareja y Emily tiene a su marido Sean -Henry Golding-, un escritor de pasado exitoso que actualmente se desempeña como profesor.

En poco tiempo, dos o tres semanas, ambas desarrollan un intenso acercamiento. Y va bien, mientras los niños juegan ellas se acompañan hasta que un día, Emily le pide a Stephanie un simple favor: ir a buscar a su hijo pues ella debe solucionar algo impostergable. Pasan las horas y no sabe de ella. Sean está en Londres y Stephanie se empieza a urgir. Van dos día sin saber de Emily, algo no está bien. Sean regresa y lo más sensato, deciden juntos, es llamar a la policía y reportar su desaparición. Lo que sucede a continuación será la elaboración de una historia que por supuesto tiene complejidades y giros que se enredan y desenredan en tanto avanza el metraje.

Paul Feig dirige esta cinta con habilidad. El espacio que tienen Anna Kendrick, Blake Lively y Henry Golding para desarrollar sus personajes es amplio. Los actores lo aprovechan y se aprecian cómodos, con escenas bien fraguadas y diálogos precisos. También destacan algunos secundarios, cuyas apariciones complementan el tapiz del relato. El guion del mismo Feig junto a Jessica Sharzer, tiene algo de comedia, un humor especial que queda un poco a medio camino. ¿Por qué? Probablemente debido a que la sustancia de la trama está más cerca de lo policial al componer un thriller cuya madeja tiene varias hebras a las que poner atención. Es por esto que el humor queda algo relegado pues la historia se centra en el misterio que rodea la muerte de Emily, la actitud de Sean y las sospechas que se despiertan en Stephanie.

“Un pequeño favor” se hace ligera, no por su evidente simpleza sino gracias a la prestancia de Anna Kendrick. La verdad es que la historia es bien predecible, con giros que se anticipan y reacciones esperadas. Surge acá el talento de la actriz para llenar la pantalla cuando el ritmo decae, cuando debe capturar la atención y desarrollar un personaje que va mutando desde la timidez a la osadía de investigar lo que realmente sucede. Blake Lively la acompaña muy bien, con un contrapunto ideal, lleno de desplante. La cinta tal vez no va a quedar resonando porque ese no es su objetivo. Resulta entretenida y finalmente eso es lo que cuenta. Funciona y no pierde el interés en el camino lo que ya es bastante, por lo que se transforma en una buena posibilidad para un fin de semana de relajo y distracción.

Ficha técnica 

Título original: A Simple Favor
Año: 2018
Duración: 117 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Distribuida por Lionsgate. Coproducción Estados Unidos-Canadá; Feigco Entertainment, Bron Studios
Género: Intriga. Drama. Comedia | Secuestros / Desapariciones. Crimen
Guion: Paul Feig, Jessica Sharzer (Novela: Darcey Bell)
Música: Theodore Shapiro
Fotografía: John Schwartzman
Reparto: Anna Kendrick, Blake Lively, Henry Golding, Glenda Braganza, Dyanne Ramsay, Zach Smadu, Rupert Friend, Eric Johnson, Sarah Baker, Kelly McCormack, Cyndy Day, Gia Sandhu, Kerry-Lee Finkle, Joshua Satine, Lucas Kalechstein, Patti Harrison
Dirección: Paul Feig

Los Speed Cubers

Disponible en Netflix. 

Me encanta el cubo Rubik. Desde que lo conocí me atrapó. De mi época escolar recuerdo horas y horas tratando de armar una cara o dos caras. Lento, difícil. Hasta que algunas “técnicas” me ayudaron a descubrir una forma de armarlo, aunque no siempre me resultaba, y así completar el desafío. Por eso cuando veo las competencias de los jóvenes expertos que lo arman en segundos, no solo el cubo original de 3x3, sino que también sus derivados de 4×4, 5×5, 6×6, etc…, me produce una admiración y fascinación enorme. Justamente sobre estos desafíos trata este documental dirigido por Sue Kim. 

En solo 40 minutos, “The Speed Cubers” sigue de cerca a dos “monstruos”; al australiano Feliks Zemdegs -favorito de mi hija Fernanda Paz, por cierto, y que conocimos en el Latin America Cubing Tour Santiago 2017- y al norteamericano Max Park. El testimonio comienza con Feliks, su niñez, sus juegos y la forma en que comienza su obsesión por el cubo. Le sigue la historia de Max, su condición autista, el acompañamiento de su familia y lo que significa para su vida el ejemplo de Feliks junto al anhelado sueño de poder competir con él. La historia combina momentos, imágenes y competencias a un ritmo tan acelerado como el tiempo que les toma armarlos, sin dejar de lado aspectos esenciales; colaboración, apoyo, compañerismo, simpatía y amistad. 

“Los Speed Cubers” es una mirada un poco más allá de los récords de Feliks y Max. De hecho, las competencias entre ellos son inciertas y de resultados estrechos. El registro de la historia demuestra que por cada récord de Feliks, hay un mejor tiempo obtenido por Max. Y también, ellos ya no son los únicos. Hay nuevos jugadores, nuevos vencedores y campeones con nuevas marcas, en una carrera que lejos de agotarse, se renueva permanentemente. 

Interesante trabajo de Sue Kim para dotar de aspectos desconocidos estos eventos contra reloj. Lindas imágenes de archivo, entrevistas serenas y seguimiento tras bambalinas a los dos protagonistas marcan el relato. Testimonios diferentes sobre un tema que resulta fascinante. ¿Cuál será el próximo récord? ¿Quién lo conseguirá? No tenemos respuesta aun, sin embargo ya sabemos que Feliks y Max marcaron el camino, con sus logros, su perseverancia, su obsesión y también con sus personalidades, con su humanidad y con sus historias de vida. 

Ficha técnica 

Título original: The Speed Cubers 
Año: 2020 
Duración: 40 minutos 
País: Estados Unidos 
Productora: Distribuida por Netflix. Romano Films, Wieden+Kennedy, Salt Water Productions 
Género: Documental | Documental deportivo. Mediometraje 
Música: Dan Vidmar 
Fotografía: Ben Blennerhassatt, Chris Olson 
Reparto: Documentary, Feliks Zemdegs, Max Park 
Dirección: Sue Kim

Aves Migratorias

Disponible en Ondamedia.cl

Interesante trabajo del director Mateo Chicharro. Presenta a Diego -José Tomás Guzmán-, un arquitecto de 35 años, al que observamos inquieto. Sufre de insomnio, vive en la costa y no sabemos mucho de su vida. Está solo en su casa, con un amplio espacio físico y un enorme vacío emocional. Recibe la visita de su mamá y su hermana. Tensos momentos y una conversación simple para evitar temas complejos. Se percibe incomodidad. Luego llega Felipe, su gran amigo, un incondicional. Trabaja en un hospital, tiene turnos agotadores y problemas familiares, sin embargo no duda en visitar a Diego quien está preparando un viaje del que nadie sabe nada. Es una incógnita. 

Diego trabaja remoto. Se comunica por teléfono con su oficina y entrega instrucciones a su secretaria. Va a perder la señal pronto con el inicio viaje. La madre y la hermana se van, llegan más amigos. La conversación no es fluida. Una ex de Diego llega con su pareja y la tensión crece. Hay densidad en el ambiente. Diego solo se siente relajado con Felipe, la llegada de más personas lo perturba. Toma distancia, se afecta.

El guion de Eduardo Pavez va construyendo lentamente la historia. Expone resentimientos, negación y rechazo. Se vislumbra un pasado doloroso y oculto. Lo que vemos entrega mínimas luces. No totalmente explícitas pero las comprendemos. Una máscara parece tapar todo, incluso los valores fundamentales. Pasamos de la banalidad a la profundidad y viceversa. Difícil pasado, presente incierto, ausencia de futuro. 

Esta primera película del director Mateo Chicharro tiene el énfasis en la soledad y la búsqueda interior. El viaje de Diego es el centro, un escape, una reinvención, nuevos horizontes. Su despedida es trascendente, insospechada. Diego aparenta algo pese a que se trasluce su interior destrozado. Conocemos otros aspectos que nos hacen sentido. ¿Debe soltar el pasado? ¿Qué decisiones debe tomar? 

“Aves migratorias” presenta una propuesta que refleja una realidad emocional compleja. La cámara, a veces inquieta y a veces amplia, sigue de cerca dos marcados espacios, el interior de la casa y el amplio exterior. Una metáfora interesante sobre el interior y el exterior de su protagonista. No aspira a respuestas, más bien se enfoca en preguntas. Tampoco pretende abarcar demasiado. Funciona al abrir interrogantes gracias a un metraje que va creciendo en intensidad con el correr de los minutos. Buen debut de Mateo Chicharro con su primer largometraje. 

Ficha técnica 

Título original: Aves Migratorias 
Producción: Charles Kimber, Teresa Zegers 
Guion: Eduardo Pavez 
Dirección de fotografía: María Aceves 
Montaje: Gonzalo Moreno Rovetto 
Dirección de arte: Xavier Sanhueza 
Música: Manuel De Urruticoechea 
Elenco: José Tomás Guzmán, Sebastián Plaza, Paulina García, Giselle Rubio, Constanza Mackenna, Matías Assler, Andrés Gómez, Santiago Meneghello, Alejandro León, María Jesús Gómez 
Director: Mateo Chicharro

Raíz

Disponible en Ondamedia.cl

Esta cinta del año 2013 que ganó el premio a Mejor Película en la Competencia de Cine Chileno en el Festival de Valdivia, narra la historia de Amalia -Mercedes Mujica-, una joven de 26 años, que retorna a su ciudad, Puerto Varas, en el sur de Chile. Ella vive en Santiago y decide volver pues recibe un llamado de su madre. Alguien cercano ha fallecido y Cristóbal -Cristóbal Ruiz-, un niño de nueve años, queda a la deriva. 

La madre de Amalia -Elsa Poblete- es una mujer rígida. Tosca de carácter, no es amable ni condescendiente con su hija. Al contrario, eleva las barreras y provoca distancia. Amalia, de quien poco conocemos, no sabe por cómo abordarla. La situación es tensa y se recarga con la responsabilidad que supone el cuidado del niño. La joven descubre que puede ayudarle. Una foto del padre de Cristóbal enseña una luz de esperanza. ¿Dónde vive? En el campo, dice Cristóbal. ¿Pero dónde es eso? No sabe. 

El camino que muestra Matías Rojas Valencia como guionista y director de esta cinta es de indudable búsqueda. No solo externa sino principalmente interna. Lo que desconocemos de Amalia se transforma ahora en la necesidad que siente de encontrarse a sí misma. la dura relación con su madre remarca en la urgencia de sentido, un norte hacia donde orientar sus pasos. Cristóbal, por su parte, desprotegido y solitario, puede darle a Amalia una razón de ser, requiere cariño, protección y orientación. 

La cinta recorre un viaje. Es físico, es decir, un recorrido en busca del padre de Cristóbal. Sin embargo, el relato es mucho más amplio y también mucho más íntimo. El viaje es interior. El abandono de ambos es algo en común y también el carácter moldeado por la adversidad. Las dudas son parte del paisaje, un entorno hermoso situado en el sur de Chile, que recorre las inmediaciones del Volcán Osorno y del lago Llanquihue. 

El rumbo que Matías Rojas le imprime a su “ópera prima” es claro. Búsqueda de sentido y decisión. Aun cuando la cinta se siente forzada por momentos, con diálogos duros, cortos y fragmentados, hay una concepción más global del recorrido. Se hace difícil, por momentos, porque el ritmo impuesto es lento, cadencioso e incluso tiende a diluirse. Cuando eso sucede, la actuación de Mercedes Mujica toma relieve. También la de Elsa Poblete, sin duda, menos presente. “Raíz” impulsa a explorar, a reflexionar y a contemplar. Resuena el valor del sentido y la búsqueda personal, el descubrimiento del propio interior y el proceso para encontrar el camino. Nada fácil y bastante ambicioso. “Raíz” recorre al menos los primeros pasos. 

Ficha técnica 

Título original: Raíz 
Año: 2013 
Duración: 86 minutos 
País: Chile 
Productora: Matías Rojas Valencia, Universidad Mayor 
Género: Drama 
Guion: Matías Rojas Valencia 
Música: José Pedro Dal Pozzo, Arturo Zegers 
Fotografía: Gabriela Larraín 
Reparto: Mercedes Mujica, Elsa Poblete, Cristóbal Ruiz, Celia Uribe, Eugenio Morales 
Dirección: Matías Rojas Valencia

Ofrenda a la tormenta

Disponible en Netflix.

Es la más personal de las partes de la "Trilogía del Baztán". Y si no ha visto las dos anteriores sugiero partir por ellas. Aunque no es imprescindible, permite tener una visión más amplia y enlazar hechos que en esta cinta son detalles que implican conexiones, enlaces y, en algunos casos, cierres temáticos. Veamos en qué está la historia. 

Amaia Salazar -Marta Etura- investiga la muerte súbita de una niña en su natal Elizondo. El relato nos sitúa solo un mes después de “Legado en los huesos” y ciertamente Amaia está intranquila. Su madre ha desaparecido y aunque el caso lo han cerrando y se prepara un funeral pues se presume muerta, ella sabe que Rosario está viva y escondida en algún lugar. Con el doctor Berasategui -Álvaro Cervantes- encerrado, la secta se ve debilitada, sin embargo existen nuevas pistas y posibles nuevos rumbos. Por su parte, el Padre Sarasola -Imanol Arias-, profundiza el misterio. Entonces, saber quién está detrás de las extrañas muertes de las niñas y su conexión con otros crímenes similares se torna urgente pues parece ser la clave para avanzar en el descubrimiento de la verdad.  

¿Por qué me parece que ésta es la más personal de las historias? Básicamente porque, si bien la cuota de acción se mantiene intacta, la trama propone algunos puntos de inflexión para la protagonista. La relación de Amaia con su marido James -Benn Northover- pasa por un delicado distanciamiento. Si bien nunca ha quedado demasiado clara su relación, el nacimiento de su hijo les ha alejado más que acercado. La presencia del Juez Markina -Leonardo Sbaraglia- es mayor en intensidad, traspasa el ámbito profesional y Amaia tiende a ceder a la presión. Su involucramiento con los casos, la ayuda personal del magistrado y el distanciamiento con su esposo, se transforman en factores propicios para confundir las relaciones. 

En otro ámbito, esta tercera entrega sitúa a Amaia de frente con su mayor temor que es la presencia amenazante de su madre. Sabe que corre peligro, tanto ella como su familia, por lo que el viaje de James y su hijo a Estados Unidos por una operación de urgencia de su padre, provoca un vacío y también un espacio para centrarse en el foco de sus preocupaciones. Su principal asistente y amigo, Jonan Etxaide -Carlos Librado-, adquiere más protagonismo pues documenta pistas falsas o confusas, historias que no cierran y que ocultan valiosa información. Se da acá el momento más emotivo del relato; Amaia siente que lucha sola contra el mundo, duda incluso de sus colegas y su familia no tiene la solidez para entregarle el apoyo que necesita. 

Tomando el desarrollo de su argumento, “Ofrenda a la tormenta” permite cerrar interrogantes pero al mismo tiempo abre otras nuevas. Incorpora personajes ligados con la historia principal mientras otros abandonan la escena. Sabemos que condensar el libro en un trabajo de un poco más de dos horas es un desafío para el guion y por ello comprendemos que haya temas que queden sin alguna explicación más definitiva. Así y todo, pese a sus vacíos, la historia avanza y el interés crece en la medida que el final se acerca. 

De los puntos más logrados de la cinta nuevamente es su trabajo escénico. La fotografía, los rincones escogidos y la iluminación lograda son un aporte importante en la confección de la acción, con un nivel de producción que se mantiene alto en todos los aspectos involucrados. Mucha filmación bajo lluvia y con exteriores hermosos, retratan la zona, un valle que llama la atención por su belleza natural y también por el detalle de sus construcciones. 

Llega a su fin la trilogía con un cierre bien desarrollado. Los indicios entregados en “El guardián invisible”, más las dudas planteadas en “Legado de huesos”, se retoman y profundizan en “Ofrenda a la tormenta”. Los personajes oscuros se desarrollan y tal como es esperable, nada es lo que parece ser, al menos en una primera impresión. Es bueno dejarse llevar e incluso dejarse engañar, así los giros se disfrutan más. La intensidad crece en la medida en que nos involucramos y la sentimos más cercana. Correcto final para una saga que, por cierto, deja abierta la puerta a futuro. Ya sabemos que la autora, Dolores Redondo, ha escrito una precuela. Interesante, pues el personaje de Amaia puede tener más desarrollo y con ello nuevas presencias. Ahora es solo cosa de esperar. 

Ficha técnica 

Título original: Ofrenda a la tormenta 
Año: 2020 
Duración: 138 minutos 
País: España 
Productora: Coproducción España-Alemania; Atresmedia Cine, Nadcon Film, Nostromo Pictures, ARTE, ZDF 
Género: Thriller. Intriga | Crimen. Asesinos en serie 
Guion: Luiso Berdejo (Novela: Dolores Redondo) 
Música: Fernando Velázquez 
Fotografía: Xavi Giménez 
Reparto: Marta Etura, Susi Sánchez, Elvira Mínguez, Leonardo Sbaraglia, Benn Northover, Paco Tous, Carlos Librado, Pedro Casablanc, Álvaro Cervantes, Ana Wagener, Imanol Arias, Marta Larralde, Alfredo Villa, Eduardo Rosa, Iñigo de la Iglesia 
Dirección: Fernando González Molina

Legado en los huesos

Disponible en Netflix.

Esta segunda parte de la “Trilogía del Baztán” basada en las novelas de Dolores Redondo, presenta a su protagonista, Amaia Salazar -Marta Etura-, un año después de los sucesos narrados en “El guardián invisible”. Luego de resolver los crímenes del valle, Amaia se centra en su embarazo y da a luz a su hijo. Lejos de poder dedicarse a la familia, la inspectora debe investigar unos misteriosos suicidios de presos que dejan escrita una palabra: "Tarttalo”. Se desencadena una enigmática secuencia de sucesos. Debe regresar a su pueblo natal, Elizondo, donde hay pistas relacionadas con su familia y especialmente con su madre. Aparece nuevamente una mitología que se presenta como hilo conductor de crímenes en los que la Iglesia Católica tiene una mención particular. 

Con un tono similar a lo que observamos en el primer relato, la trama posee elementos que componen un formato perfectamente distinguible. Inicio pausado, desarrollo extenso y un último tercio donde el ritmo crece buscando el desenlace. Ya no es necesario presentar a algunos de los personajes pues los conocemos, sin embargo no es del todo necesario o indispensable haber visto la primera parte. Lo nuevo tiene su explicación a lo que se suma alguna imagen de contexto para aquello que lo requiere. Lo importante es que el rumbo de los casos pasan de factores externos a estar relacionados con la vida de la protagonista. 

Es interesante que no todo lo que sucede es explícito. De hecho, la trama se va enredando cuando intenta algunas explicaciones. Si bien no hay una sobreexposición del misterio sobre “Tarttalo”, resulta suficiente para generar inquietud. Pasamos del horror por los crímenes al horror personal. Amaia poco a poco conecta con su historia, se da cuenta que lo más preciado está en peligro y surge en ella el miedo. Dos nuevas figuras aparecen en la historia: el padre Sarasola, -Imanol Arias-, psiquiatra que trata a la madre de Amaia y encargado de investigar una serie de profanaciones y el Juez Markina -Leonardo Sbaraglia-, magistrado a cargo de las investigaciones quien trata de acercarse a Amaia un poco más allá del ámbito profesional. Ambos personajes parecen ocultar algo, no muestran todas sus cartas, y el relato nos conduce bien por esas aguas poco claras. 

El director Fernando González Molina mantiene un excelente nivel de producción. La fotografía de Xavi Giménez es de alta calidad y la música de Fernando Velázquez, en mi opinión, esta vez está un punto más alto. El color del metraje adquiere tonos café y amarillos, dejando el gris oscuro anterior. Claro, difiere la historia y aunque las relaciones son innegables, dichas características ayudan a generar los matices que marcan las diferencias. 

Imágenes amplias y efectos visuales impactantes como la inundación del pueblo, entregan a la historia un componente adicional. Todo esto sumado al papel interpretado por Marta Etura, sólida y consolidada con su personaje, hacen que no perdamos conexión con la pantalla. La diversidad en la unidad que presenta el argumento mantiene la intriga y es sin duda el valor principal de las novelas de Dolores Redondo. El trabajo de adaptación reconoce esa esencia y despliega con soltura sus propios elementos para conseguir una película que nos mantiene en suspenso mientras esperamos conocer la entrega final. Y como dicen en España, ¡vamos a por ella! 

Ficha técnica 

Título original: Legado en los huesos 
Año: 2019 
Duración: 119 minutos 
País: España 
Productora: Coproducción España-Alemania; Atresmedia Cine, Nadcon Film, Nostromo Pictures, ARTE, ZDF 
Género: Thriller. Intriga | Crimen. Asesinos en serie 
Guion: Luiso Berdejo (Novela: Dolores Redondo) 
Música: Fernando Velázquez 
Fotografía: Xavi Giménez
Reparto: Marta Etura, Leonardo Sbaraglia, Elvira Mínguez, Imanol Arias, Pedro Casablanc, Carlos Librado, Itziar Aizpuru, Colin McFarlane, Susi Sánchez, Miquel Fernández, Francesc Orella, Benn Northover, Ana Wagener, Patricia López Arnaiz, Manolo Solo, Paco Tous, Arlette Torres, Eduardo Rosa, Mark Schardan, Marta Larralde, Alfredo Villa, Ricard Balada, Elisabeth Bonjour, Ohian Lopetegi, Alfonso Desentre, Miren Gaztañaga 
Dirección: Fernando González Molina

Maudie

Disponible en Netflix.

Esta coproducción cinematográfica entre Canadá e Irlanda narra la historia de Maud -Sally Hawkins-, una mujer sencilla que vive en Marshalltown, Nueva Escocia, Canadá. Maud sufre artritis y su motivación vital es pintar. Tras dificultades con su hermano Charles y su tía Ida, decide independizarse. Un aviso del pescador local Everett Lewis llama su atención, ya que el hombre busca una sirvienta para las tareas del hogar a cambio de alojamiento y comida. Everett, de carácter huraño y tosco, se ve sorprendido cuando llega Maud dispuesta a tomar de inmediato el empleo. La pequeña casa, de solo un ambiente y un dormitorio en el altillo, comienza a tomar vida con la presencia de la joven. Sus pinturas en las paredes y ventanas junto a su personalidad sencilla y humilde van conquistando al pescador. La relación no resulta fácil, sin embargo poco a poco nace una historia de amor. 

Basada en hechos reales, esta cinta dirigida por Aisling Walsh muestra diferentes aspectos de la vida de la joven artista. Observamos su vulnerabilidad física y también una personalidad inocente, fácil de engañar. Maud lo sabe y al menos externamente exhibe esa impresión, sin embargo tiene una fuerza interior que va más allá de lo que puedan decir de ella. Se siente agobiada por su familia y decide emprender un camino propio. Tal vez desconoce los riesgos, pero aun así decide hacerlo. ¡Vaya fortaleza! 

Las pinturas de Maud son tan sencillas como carácter. Colores fuertes y dibujos de flores, pájaros o gatos llaman la atención en su particular estilo. Sus inicios pintando tarjetas de Navidad dan paso a lo largo de los años a nuevas obras siempre en dimensiones reducidas, no más de 20 por 25 centímetros, tamaño limitado por la extensión que le dan su brazos. La particularidad de sus trabajos atrae curiosidad y un reportaje de televisión la hace aun más popular, al punto de recibir un encargo del entonces vicepresidente de Estados Unidos Richard Nixon.  

Llama la atención el ritmo del relato. No hay prisa, la calma inunda el metraje. Incluso se percibe la ausencia de un conflicto mayor, lo que no significa, por cierto, que no exista. Quizá ya es bastante con el tema familiar, con su hermano y su tía y lo que vive con ellos. Tal vez es suficiente para Maud tener que lidiar con la personalidad de Everett quien tiende a hacerla invisible y humillarla. Es fuerte lo que sucede, sin embargo el relato lo muestra sin estridencia, con cierta mesura, con imágenes y silencios que dicen mucho y que nos quedan resonando. 

Párrafo especial para Sally Hawkins y su caracterización de Maud. Hawkins logra encarnar los valores esenciales de la protagonista y transmitirlos con sensibilidad y cariño. Sorprende su entrega y forma de interpretarla. Realiza, sin duda, una gran actuación, pues es capaz de mostrarse débil y fuerte a la vez junto con resaltar su sinceridad y valentía. Ethan Hawke también configura muy bien a Everett, le imprime dureza y le concede, lenta y suavemente, una apertura al amor. Tenemos así dos personajes cuya tierna historia nos anima a conocer más detalles de su vida. 

Ficha técnica 

Título original: Maudie
Año: 2016 
Duración: 115 minutos 
País: Canadá 
Productora: Coproducción Canadá-Irlanda; Landscape Entertainment, Parallel Film Productions, Rink Rat Productions, Solo Productions 
Género: Drama | Pintura. Discapacidad. Biográfico. Basado en hechos reales 
Guion: Sherry White 
Música: Michael Timmins 
Fotografía: Guy Godfree 
Reparto: Ethan Hawke, Sally Hawkins, Kari Matchett, Gabrielle Rose, Zachary Bennett, Billy MacLellan, Marthe Bernard, Lawrence Barry, David Feehan, Mike Daly, Nik Sexton, Greg Malone, Brian Marler, Judy Hancock, Denise Sinnott 
Dirección: Aisling Walsh

El guardián invisible

Disponible en Netflix. 

Hace un tiempo me despertó interés el conocer la “Trilogía del Baztán”. Veía anuncios de dos películas disponibles y se anunciaba pronto una tercera. Sentí curiosidad por saber más y me decidí. Tres libros de la escritora española Dolores Redondo, componen esta trilogía iniciada el 2012 y en estas líneas abordo la adaptación al cine realizada de su primera parte, el año 2017. 

El descubrimiento del cuerpo desnudo de una adolescente en la ribera del río Baztán, al norte de la Comunidad Foral de Navarra, es lo que marca el comienzo de los hechos. Las circunstancias lo hacen similar a un asesinato ocurrido hace un mes, sin embargo no hay más antecedentes. La investigación del crimen recae en la inspectora Amaia Salazar -Marta Etura- quien, para continuar las pesquisas, debe regresar al pueblo de donde proviene, Elizondo, lo que le resulta particularmente difícil. Un pasado marcado por la relación con su madre, se ha transformado en un fantasma personal del que Amaia no ha podido desprenderse. En el pueblo aun vive su familia, la tía con la que creció y sus hermanas. Aparecen más cuerpos en condiciones similares. El asesino no da tregua, los crímenes no paran. Amaia sabe que está contra el tiempo. La prensa está encima, la presión es alta, los casos se suceden. 

La película dirigida por Fernando González Molina tiene un ritmo que permite no perder el rastro de la historia. Combina adecuadamente los temas principales que están en juego; los extraños crímenes, las relaciones familiares de la protagonista e incluye un mito-superstición de extraña procedencia. La fotografía es preciosa. Mucha lluvia, bosques y detalles del lugar configuran un entorno que entrega al relato un tono gris y oscuro, coincidente con los estados de ánimo y la preocupación del momento. Recuerdos de la niñez de Amaia son fugaces luces que aparecen y desaparecen. Tomamos nota, vamos poco a poco armando su pasado, la acompañamos. 

El guion no desarrolla demasiado a los personajes que secundan a la protagonista. Sus intervenciones son breves, suficientes para entender su papel en la historia. El centro es Amaia y no pierde interés. En la medida que avanza el metraje obtenemos más información y las piezas comienzan a calzar. Las piezas personales, porque las del asesino están cada vez más dispersas. La tensión es creciente y el desenlace está cerca. 

“El guardián invisible” crea un expectante comienzo para la trilogía. Los elementos están sobre la mesa: una protagonista atractiva y empoderada en su papel de inspectora, un pasado que marca su personalidad, un entorno que contiene mitos y misterios, y por cierto, asesinatos que requieren ser resueltos. Es una buena combinación de factores para un relato que nos mantiene alerta. Vamos entonces por la segunda y tercera parte. 

Ficha técnica 

Título original: El guardián invisible
Año: 2017 
Duración: 129 minutos 
País: España 
Productora: Coproducción España-Alemania; Nostromo Pictures, Atresmedia Cine, ZDF, ARTE 
Género: Thriller. Intriga | Crimen. Asesinos en serie 
Guion: Luiso Berdejo (Novela: Dolores Redondo) 
Música: Fernando Velázquez 
Fotografía: Flavio Martínez Labiano 
Reparto: Marta Etura, Elvira Mínguez, Francesc Orella, Itziar Aizpuru, Carlos Librado, Miquel Fernández, Pedro Casablanc, Colin McFarlane, Benn Northover, Paco Tous, Manolo Solo, Ramón Barea, Patricia López Arnaiz, Quique Gago, Mikel Losada, Susi Sánchez, Miguel Herrán, Richard Sahagún, Miren Gaztañaga, Javier Botet 
Dirección: Fernando González Molina

La familia del soldado

Disponible en Netflix.

Este documental retrata la vida de Brian Eisch, sargento del ejército de los Estados Unidos que cumple su servicio en la guerra en Afganistán. Es padre soltero y tiene dos hijos pequeños, Isacc y Joey, al cuidado de su tío mientras se encuentra en misión. Brian regresa de vacaciones por dos semanas y el reencuentro es emotivo. Al volver al frente de batalla, su equipo sufre una emboscada al tratar de rescatar a un compañero del ejército afgano. Las heridas son graves y el retorno a casa obligado. Comienza entonces un camino doloroso, tanto físico como emocional, pues la vida de Brian cambia de forma radical. 

Este trabajo de Leslye Davis y Catrin Einhorn surge a raíz de un artículo publicado en “The New York Times”, en 2010, escrito por James Dao y Einhorn. La cobertura periodístico genera la idea de seguir documentando a la familia por un lapso de tiempo mayor. La propuesta implica conocer de primera fuente los efectos que el servicio al ejército produce en los soldados y en sus seres más queridos. Las imágenes muestran la intimidad de la familia de Brian, su difícil día a día, sus temores y esperanzas, retratan de un modo particular las alegrías y sufrimientos que viven durante casi una década. 

Es significativo su título original: “Father Soldier Son”, “Padre, soldado, hijo”, tres palabras importantes, tres roles fundamentales. La motivación de Brian para el servicio es ejemplar y destaca su sentido del deber con el país. Su vigorosa disposición se contrapone al dolor físico. Sufrir heridas de guerra le afecta la vida, su autoestima, su hombría. El valor no es suficiente y la resiliencia se hace muy difícil. Vemos cómo intenta sobreponerse con su lucha cotidiana. Observamos el apoyo de sus hijos mientras crecen y el amor de María, su novia. 

Gracias al tiempo dedicado y a un delicado trabajo de edición, el documental permite acompañar a los Eisch durante varios años y también en momentos significativos de su vida; algunos crudos y muy emotivos, otros alegres y llenos de esperanza. La cámara está ahí, es parte del día a día y no se observa como algo que les incomode o que les condicione. Existe acá un mérito de las realizadoras porque no es sencillo filmar tan de cerca, tan desde adentro, de forma tan íntima pues indudablemente puede invadir y molestar. Las imágenes permiten acercarnos y ser espectadores privilegiados de lo que sucede. 

“La familia del soldado” es interesante tanto desde el punto de vista humano como también desde el ámbito político y militar que le rodea. Logra poner sobre la mesa el tema de las decisiones y las motivaciones para ingresar al ejército. También las consecuencias de las opciones militares y el costo que aquello significa. El caso de Brian podemos extrapolarlo a decenas de miles de familias y de ello podemos recoger experiencias y aprendizajes. También surge el respeto y la admiración. Hay decisiones que no comprendemos y que sin embargo reflejan el valor de la opción elegida. “¿Qué le piden a mis hijos?”, “tenía identidad, y ¿quién soy ahora?” o “no sé si sus heridas valieron la pena…”, son preguntas y frases que resuenan en un documental que contiene imágenes que impactan y emocionan junto con valiosas lecciones de vida y superación. 

Ficha técnica 

Título original: Father Soldier Son
Año: 2020
Duración: 99 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Distribuida por Netflix. Netflix 
Género: Bélico. Documental
Música: Nathan Halpern
Fotografía: Leslye Davis, Marcus Yam
Reparto: Documentary, Brian Eisch
Dirección: Leslye Davis, Catrin Einhorn