El renacido

Basada en la novela de Michael Punke, el guión fue escrito por González Iñárritu y Mark L. Smith, esta cinta está protagonizada por Leonardo DiCaprio, Tom Hardy, Domhnall Gleeson y Will Poulter.

En 1820, un grupo de cazadores de pieles sufren una feroz emboscada por parte de un grupo de indios. Hugh Glass -DiCaprio-, es el único que conoce la ruta para regresar, sin embargo resulta gravemente herido por el furioso y cruel ataque de un oso grizzly. El capitán de la expedición, Andrew Henry -Domhnall Gleeson- se ve obligado a dejarlo con el hijo indígena de Glass, Hawk -Forrest Goodluck- y dos de sus hombres: Jim Bridger -Will Poulter- y el ex militar John Fitzgerald -Tom Hardy-. Fitzgerald asesina a Hawk, miente a Bridger y abandona a Glass a su fortuna. Allí comienza la leyenda, una odisea para tratar de sobrevivir en el frío clima, además de ir en búsqueda de Fitzgerald para cobrar venganza.

“The Revenant” es -junto con “Sicario” a mi juicio- de las mejores producciones comerciales del año 2015. Con distinta suerte en lo que a nominaciones y premiaciones se refiere, el cine de González Iñárritu provoca opiniones divididas. Algunos, dentro de quienes me encuentro, vemos CINE en mayúscula. Otros, válidamente, solo mimos hacia un Hollywood carente de originalidad y novedad. No obstante aquello, y desde el punto de vista técnico, esta última cinta del director mexicano, reciente ganador del Óscar por “Birdman”, es sencillamente una obra magistral. Posee una fotografía insuperable, un sonido espectacular, una ambientación excepcional y un actor que es un lujo: Di Caprio, probablemente en su mejor interpretación a la fecha. Y sin dejar de mencionar la excelencia de Tom Hardy en un papel duro y antagónico.

Este cine de González Iñárritu me emociona. La ubicación de la cámara, los planos secuencia, la apertura del paisaje y el cierre a primeros planos que son envolventes, configuran un entorno que es mediado por la música -y la ausencia de ella- en un relato que se asemeja a una gran sinfonía de imagen y sonido. Sostener en 158 minutos una historia que probablemente es predecible y cuyo final podemos anticipar sin mayor dificultad es sin duda un reto de proporciones. Un riesgo, una apuesta a la forma de un relato cuyos pilares son la construcción de un personaje resiliente, capaz de sobreponerse a todo con tal de lograr despejar una verdad insalvable en un entorno que no puede ser más duro y adverso.

Cine de calidad, historia impregnada de valentía, coraje, amor propio y fuerza de voluntad. El compromiso de Di Caprio con González Iñárritu es notable, al punto de fundir en cámara ambos roles, empañando la cámara con el aliento de Glass. Cine de excepción, sin concesiones. Filmación por momentos neutra, donde nos encontramos situados como uno más de la expedición, donde podemos tomar partido, decidir, aventurar y condenar. Cine como obra de arte, donde podemos opinar diferente ya que nos provoca desde diversos puntos de acercamiento. Cine en su máxima dimensión, que transporta, emociona, guía, sorprende y tensiona, para luego generar opinión, debate y reflexión.

Ficha  técnica

Titulo Original: “The Revenant”

Calificación: Mayores de 14 años

Duración: 156 minutos

Genero: Drama, wéstern

Año: 2015

Pais: EE.UU.

Elenco: Leonardo DiCaprio, Tom Hardy, Forrest Goodluck, Domhnall Gleeson

Director: Alejandro González Iñárritu

Los odiosos ocho

La octava película de Quentin Tarantino se mantiene fiel a su estilo. Observación, construcción y desarrollo de ambientes y personajes son la clave de un filme ambientado algunos años después de la Guerra de Secesión en las nevadas montañas de Wyoming.

La diligencia camino a Red Rock transporta al cazarrecompensas John Ruth -Kurt Russell- y su prisionera Daisy Domergue -Jennifer Jason Leigh-. Su destino es que Domergue sea ahorcada. En el camino encuentran a dos extraños: el mayor Marquis Warren -Samuel L. Jackson-, un ex-cobatiente negro de la Unión, y Chris Mannix -Walton Goggins-, un personaje que dice ser el nuevo Sheriff del pueblo. En la Mercería de Minnie, una posada en medio de la nada, se encuentran con Bob -Demian Bichir-, un mexicano que se encarga del negocio, Oswaldo Mobray -Tim Roth, el verdugo que viaja a Red Rock, el vaquero Joe Gage -Michael Madsen-, y el general confederado Sandy Smithers -Bruce Dern-. Tal número de personajes -exactamente ocho- da el nombre al relato y es el centro de atención de historias cruzadas por el racismo, la soberbia, la avaricia, la venganza social y una bestialidad humana que va creciendo en la medida que el metraje avanza.

Tarantino filma con pausa. No hay apuro. Cada toma tiene su tiempo, cada detalle su atención y cada gesto es cine en si mismo. Hace carne la premisa de la forma de narrar más que la propia narración. Somos parte de ello, queramos o no. Nos involucra en emoción, cuerpo y razón. Los diálogos son banales y profundos a la vez. No sabemos cuánta verdad existe en ellos; debemos descubrirla. Tarantino nunca nos hará fácil lo que él considera que es responsabilidad del espectador.

Técnicamente la película es notable. La fotografía es excelente, la música de Morricone, inconfundible (a pesar de ser bastante escasa) y la edición permite que las casi tres horas fluyan de manera natural.

Para quienes seguimos al director, “The Hateful Eight” no es su obra cumbre. Es algo más floja que las predecesoras, sin embargo su lenguaje visual y dramático tiene un sello inconfundible de esa humanidad bestial que entusiasma a Tarantino: es un motivo de vida. La composición y desarrollo de los personajes es excelente, desde el modo de hablar, la forma de moverse, lo grotesco de algunas acciones y por cierto los baños de sangre que ya son su marca registrada.

Ocho películas, ocho historias, ocho realizaciones. Tarantino no descansa, sigue adelante a paso firme como uno de los mayores realizadores de la actualidad, inquieto, irrenunciable y seguro. Mientras disfrutamos su última producción ya estamos esperando la siguiente. Así es Quentin Tarantino; impredecible y predecible, luz y sombra, humanidad y bestialidad. Como la vida. La vida según Tarantino.

Ficha  técnica

Titulo Original: The Hateful Eight

Duración: 167 minutos

Genero: Tragicomedia, violencia, misterio.

Año: 2015

Pais: Estados Unidos

Guión: Quentin Tarantino

Elenco: Samuel L. Jackson, Kurt Russell, Jennifer Jason Leigh, Channing Tatum

Director: Quentin Tarantino

La gran apuesta

Esta cinta del director Adam McKay presenta de una forma diferente lo sucedido con la crisis bursátil de Estados Unidos a fines de la década pasada. El relato se basa en las historias de quienes lograron predecir que la burbuja inmobiliaria norteamericana explotaría e invirtieron contra el mercado para sacar dividendos -suculentos por cierto- del colapso global de la economía.

Christian Bale, Steve Carell, Ryan Gosling, Brad Pitt dan vida a personajes distintos a los que habitualmente caracterizan. El Dr. Michael Burry -Bale- es excéntrico y mientras toca su batería para relajarse, es capaz de invertir el fondo de inversión que dirige contra todo sentido común al descubrir un patrón de cifras que avisora el desastre. Max Baum -Carell- interpreta a un gerente de fondos de cobertura que insiste en que lo que viene no es mercado sino un vergonzoso e inmoral fraude. Jared Vennett y Ben Rickert -Ryan Gosling, Brad Pitt- agregan a otros dos actores de esta compra y venta de bonos bursátiles, swaps, hipotecas triple A, doble B, CDO y otros términos financieros que sin duda son importantes, aunque no trascendentes para comprender la historia.

El fondo de "The Big Short" -su título original- es la avaricia económica, es decir, de qué manera obtener más rentabilidad del dinero sin importar lo que esté detrás para conseguirlo. La falta de regulación del mercado -los famosos bonos subprime junto a otras operaciones de deuda consolidada- colaboró para acrecentar una falsedad que arrastró a la quiebra a los principales bancos de inversión y que hizo millonarios a quienes -sabiendo de las irregularidades- ganaron bonos impresionantes por rendimientos económicos de dudosa realidad.

La gran apuesta tiene un metraje extenso, cargado de diálogos técnicos que por momentos se hacen cansadores, y actuaciones convincentes que logran centrar el relato en lo principal. En ello, los protagonistas colaboran a mantener la tensión y la edición de la cinta, en no perder el foco de lo que más que llamar una “gran apuesta” deberíamos declarar como la “gran estafa”.

Ficha técnica

Titulo Original: "The Big Short"

Duración: 130 minutos

Genero: Drama bursátil, historia, ironía

Pais: EE.UU.

Guión: Charles Randolph, Adam McKay. Michael Lewis (libro)

Elenco: Christian Bale, Steve Carell, Ryan Gosling, Brad Pitt

Director: Adam McKay

Steve Jobs

Revisar algunos capítulos de la vida de Steve Jobs vuelve a provocar en mi un número no menor de emociones, recuerdos y reflexiones. Si luego de su muerte el 5 de octubre de 2011 pudimos conocerlo más a fondo gracias a su biografía escrita brillantemente por Walter Isaacson y acercarnos a una versión cinematográfica en “Jobs” en 2013, es esta la cinta que muchos esperábamos por muy diversas razones: la principal, su guionista Aaron Sorkin.

Danny Boyle -“Trainspotting”, “Slumdog Millionaire”- construye esta película con mucha solidez. Sorkin -“Red Social”- elabora un relato muy cercano al género teatral a partir de tres pilares fundamentales en la vida de Jobs: el lanzamiento del “Macintosh” en 1984, la computadora “Next” en 1988 y la irrupción del “iMac” en 1998. Estos tres iconos no son al azar, están íntimamente relacionados y permiten explorar una faceta íntima del cofundador de Apple.

El tejido dramático de la película es intenso. Los diálogos -marca registrada de Aaron Sorkin- son complejos y profundos. El situarla en los minutos previos a los tres lanzamientos, nos permite asistir a la preparación de los eventos, donde la tensión creciente y la expectativa hacen que el ritmo no se pierda en ningún momento.

Michael Fassbender como Steve Jobs y Kate Winslet como Joanna Hoffman -su principal asistente en la cinta- hacen un trabajo de lujo para sobrellevar sus protagónicos roles. Fassbender construye a un Jobs fascinante, ilustrando con fuerza algunas de las características que de él conocimos: una absoluta obsesión por los detalles, una desconexión con la realidad -también llamado “campo de distorsión”- un desconsiderado trato con sus colaboradores y una seguridad capaz de traspasar fronteras a pesar de sus reiterados fracasos.

“Steve Jobs” no es solo una cinta para nosotros, los “fan” de Apple. Es cierto que detalles fundamentales están rápidamente expuestos en los diálogos -ojo con los guiños al iPod y al iPad- y encontremos que hay poca muestra del trabajo creativo que caracterizó a Jobs, sin embargo, esta lectura enfocada entrega una mirada más profunda a su personalidad desde algunos aspectos fundamentales: la relación con su exnovia, Chrissan Brennan -Katherine Waterston- y su hija Lisa, a quien tardó mucho en reconocer; la leal amistad con su socio Steve Wozniak -Seth Rogen-; las confrontaciones con John Sculley -Jeff Daniels- quien lo despidió de su propia empresa y su siempre compleja y tensa relación con sus colaboradores a quienes desafiaba permanentemente, exigiendo hacer posible lo imposible.

“Think different”.

Ficha técnica

País: Estados Unidos

Año: 2015

Género: Película biográfica

Duración: 122 minutos

Producción: Danny Boyle

Guión: Aaron Sorkin

Música: Daniel Pemberton

Fotografía: Alwin H. Küchler

Montaje: Jon Harris

Protagonistas: Michael Fassbender, Kate Winslet, Seth Rogen, Jeff Daniels

Dirección: Danny Boyle

Operación Zulu

Ciudad del Cabo, Sudáfrica, 2013. La huella del apartheid es tangible, las diferencias sociales, aun más evidentes; la desigualdad, impresentable. En este contexto y con este marco de referencia, transcurre “Operación Zulu”, un excelente thriller del director francés Jérôme Salle estrenado en Cannes el año 2013.

Tres detectives amigos, Ali Sokhela -Forrest Whitaker-, Dan Fletcher -Conrad Kemp- y Brian Epkeen -Orlando Bloom-, tan diferentes como leales compañeros, investigan el asesinato a golpes de una joven blanca. Las pistas los conducen a una playa dominada por narcos y aquel momento desencadena tragedias que con el correr de los minutos aumentan en tensión, crueldad e intensidad.

Jérôme Salle filma cada escena con dedicación. Sus planos cercanos son cuidadosos y con ellos entramos a la intimidad de los personajes. Como contraparte, la fotografía de la ciudad, los grandes planos, nos muestran un escenario de extrema pobreza y exceso de riqueza, que intenta convivir dentro de un entorno dominado por bandas de narcos, territorios difíciles para la policía y con una población amenazada y sometida.

El asesinato es solo la punta del iceberg de una corrupción política y generación de nuevas drogas que atenta contra la misma población que ha logrado someter bajo su manto.

Orlando Bloom y Forest Whitaker sostienen personajes muy bien desarrollados. La gestualidad de Whitaker da cuenta de su historia, que se remonta a una traumática niñez. La semblanza de Bloom, disfrazado de mujeriego, nos muestra la frustración de un hombre que en lo personal ha fracasado como esposo y padre, y que busca su redención en su oficio y en el apoyo a sus compañeros de profesión.

“Operación Zulu” no nos puede dejar indiferentes. Provoca emociones a raudales, nos sorprende y conmueve de manera brutal. ¡Cuánto ayuda el excelente relato, un guión sólido y actuaciones macizas! La cámara de Salle nos transporta e inserta en un mundo que posiblemente está más cerca de nosotros de lo que pensamos o creemos. El poder la la industria farmacéutica, el tráfico de droga y los poderes políticos parecen destruir los valores más preciados: la familia, el amor, la amistad, la lealtad. Incluso la venganza se disfraza de justicia y es difícil resistirse a no estar de acuerdo, sin embargo la reflexión -gracias a las múltiples capas de la cinta- no puede estar ausente y “Zulu” aporta muchos elementos para un debate valórico profundo, serio y comprometido.

Ficha técnica

Título Original: Zulu

Guión: Caryl Ferey, Julien Rappeneau, Jérôme Salle

Música: Alexandre Desplat

Duración: 110 minutos

País: Francia

Idioma: Inglés, Africano

Elenco: Orlando Bloom, Forest Whitaker

Director: Jérôme Salle

Bus 657

Scott Mann dirige esta cinta de acción con muchos elementos de otras películas ya clásicas del género. Un dueño de casino déspota y sin moral -Robert De Niro como Francis-; un empleado con dificultades familiares  -Jeffrey Dean Morgan como Luke Vaughn- y la oportunidad de conseguir el dinero necesario para el tratamiento de su hija, configuran el escenario de un robo “perfecto” que por cierto no sale tal como lo habían planeado junto al codicioso guardia y compañero de trabajo de Luke -Dave Bautista como Cox-.

La asociación con “Speed” es natural, sin embargo estamos varios peldaños bajo ella. La producción intenta mantener un relato que es básico, un guión que si bien tiene el mérito de una edición adecuada no logra elevarse y abandonar  la media. Sin embargo, los 93 minutos de metraje se hacen entretenidos y cumplen con el objetivo que se proponen, sin aspirar a mayor profundidad.

Las buenas ideas de la cinta, el contrapeso entre el mal y el bien, o la justificación de los medios por un noble fin, no son desarrolladas. No esta la oportunidad de hacerlo, cuando los personajes son más bien livianos y solo esbozados. Por ello tal vez Scott Mann se dedica mucho más a la acción que a las historias personales de los protagonistas que, intercaladas, o bien no resultan -no provocan mayor incidencia-, o bien solo están para dar solo un contexto que explique levemente las motivaciones íntimas de Luke y Francis.

“Bus 657” funciona bien como producto de entretención, lo que en ciertos casos es bastante, en especial en este género. No promete más allá de sus expectativas y en ese sentido no defrauda, aunque con De Niro y Dean Morgan, podría haber aspirado a algo mejor, sin embargo la ausencia de guiones novedosos y originales ya se torna transversal y preocupante, pues no solo de efectos especiales, y acción viven este tipo de cintas, más cercanas a la efímera TV que merecedoras de la pantalla grande.

Ficha técnica

Título original: Heist

Año: 2015

País: Estados Unidos

Género: Suspenso , Acción

Duración:  93 Minutos

Elenco: Robert De Niro, Dave Bautista, Jeffrey Dean Morgan

Director: Scott Mann

El despertar de la fuerza

Siendo "fan" de "La Guerra de las Galaxias" es posible que lo que escriba a continuación no sea objetivo. Dicho esto, el inicio de esta nueva trilogía de la saga creada en 1977 por George Lucas, sin duda es algo largamente esperado. Ahora en manos de Disney —Lucas vendió los derechos el 2012— y bajo la dirección de J. J. Abrams —uno de los creadores de “Lost”—, esta nueva entrega viene precedida de una gran campaña de marketing y las dudas —será, no será, cambia, no cambia— propias de quienes crecimos bajo el alero de una historia que, hay que reconocerlo, es parte de nuestra vida. Aún recuerdo la primera escena del Episodio IV al verlo por primera vez en el cine “Centenario” de La Serena: una mancha en la pantalla que se agranda progresivamente y que da paso a una gigantesca nave espacial que parece no terminar nunca su paso por sobre nuestro. ¡Increíble! Pero vamos al presente, a esta nueva historia que le han llamado " El despertar de la Fuerza".

Situada 30 años después de la batalla de Endor —Episodio VI— la Alianza Rebelde ha pasado a ser la "Resistencia" que se enfrenta a la "Primera Orden", grupo nacido e inspirado en el Imperio Galáctico. Leia —Carrie Fisher— ahora es generala, y encomienda al mejor piloto de sus tropas, Poe Dameron —Oscar Isaac—, seguir una pista en el planeta Jakku, un fragmento de mapa que podría develar el paradero de su hermano Luke Skywalker —Mark Hamill— quien lleva años desaparecido. Poe, perseguido por Kylo Ren —Adam Driver—, claro admirador y seguidor de Darth Vader, decide proteger tan valiosa información ocultándola en su fiel “BB-8”. Luego de ser capturado por Kylo, escapa con la ayuda de Finn —John Boyega—, un soldado de asalto que decide desertar, quien encuentra a Rey —Daisy Ridley—, una recolectora de chatarra que lucha por sobrevivir con los residuos logra juntar. Seguir con algo más de la historia podría dar demasiados detalles, sin embargo en el camino los protagonistas se encontrarán con nuevos amigos, enemigos, personajes emblemáticos de las primeras entregas como Han Solo, Chewbacca, C3PO, R2D2 y muchos más.

Podría escribir bastante sobre la cinta, pues cada tema es un mundo. Trataré de resumir, sin embargo lo primero es lo primero: la música. Impensada sin la maestría de John Williams, quién compone un verdadero concierto para cada uno de los episodios y esta vez no es una excepción. El contrapunto técnico y emocional con las imágenes, las secuencias, la tensión y el reposo de cada escena es vital para el ritmo y fluidez del relato. Tanta es la sintonía que, a mi modo de ver, la partitura es parte medular del elenco y de la historia. J. J. Abrams lo sabe y maneja con una gran solidez la edición, permitiendo amplitud y aire a esta mágica conexión. Desde el punto de vista técnico, la factura de la cinta es de primer nivel con efectos especiales consistentes, logrando recrear y mantener la esencia vital de “Star Wars”.

La temática de este nuevo episodio sigue la estructura de la película inicial de 1977, en un claro guiño-homenaje a Lucas, y va aún más allá. Abre las posibilidades argumentales y logra una interacción generacional notable en pantalla que produce una natural empatía en la audiencia, que en varios casos también se encuentra en un proceso similar. Esta lucha entre el bien y el mal, donde los valores principales son los que están en juego -la familia, el amor, la justicia y la libertad, ente otros- es un campo fértil para poder reflexionar y compartir con quienes recién comienzan a conocer esta historia de humanidad, desarrollada sobre el entorno de la ciencia ficción.

“El despertar de la Fuerza” cumple con creces las expectativas. Enlaza perfectamente con los episodios anteriores y da inicio a una nueva trilogía que se vislumbra interesante y exitosa. No conocemos lo que vendrá, sin embargo confiamos en que la Fuerza seguirá presente y nos acompañará en las próximas entregas de esta historia, tan fascinante y tan actual como lo fue en su estreno.

Ficha técnica

Titulo Original: "Star Wars: Episode VII - The Force Awakens"

Duración: 136 minutos

Calificación: TE

Género: Ciencia Ficción

Año: 2015

País: Estados Unidos - Reino Unido

Elenco: Harrison Ford, Mark Hamill, Carrie Fisher, Adam Driver, Daisy Ridley, John Boyega, Oscar Isaac

Director: J. J. Abrams

Sicario

Escrita por Taylor Sheridan y dirigida por Denis Villeneuve, Sicario es una cinta tremendamente cruda y real. El tráfico de drogas y las matanzas son cada vez más intensas en la frontera entre México y Estados Unidos, un terreno sin ley, donde priman las armas, la violencia y la destrucción. Kate Macy -Emily Blunt-, agente del FBI que lidera operaciones en Tucson, es reclutada por Matt -Josh Brolin-, un agente especial de la fuerza de élite del gobierno norteamericano cuyo fin es combatir a los mayores responsables de los carteles de droga. Este grupo es asesorado por Alejandro -notable papel de Benicio del Toro-, un enigmático personaje que conduce al grupo a un viaje clandestino para encontrar al mayor responsable de las salvajes matanzas fronterizas.

Villeneuve nos regala una cinta de excepción. La calidad de la filmación y del relato -sin puntos medios ni bajos- es realmente de lujo. Las tomas amplias, los planos aéreos, el ritmo de las secuencias y los momentos de tensa calma están perfectamente logrados gracias a una cuidadosa fotografía y edición. Todo calza en el metraje; la música, los diálogos, los gestos de cada uno de los personajes se unen en un recorrido que nos inserta en el clima que los autores quieren entregar a esta película.

La violencia desplegada es muy fuerte. Hay una primera capa que podría impedir llegar más al fondo del idealismo que Kate profesa y las condiciones de un entorno brutal. Ella es apegada a las normas, a “lo justo”, sin embargo en el camino comienza a darse cuenta que este ideal es absolutamente contradictorio con la realidad que se vive “en terreno”. A pesar que su vocación es clara y desea atrapar a los responsables, no está de acuerdo con la forma con la que este grupo lleva a cabo las operaciones por lo que su contradicción es absoluta. No quiere ser solo una observadora, quiere ser parte del proceso pero no puede serlo, no quiere serlo; ya no sabe realmente quién es y qué hacer. Este dilema ético y moral es la piedra angular de la cinta, y tanto el elenco como su director lo trabajan de forma estupenda, clara y concreta.

“Sicario” es de un nivel cinematográfico altísimo, de lo mejor de la temporada en su género. Es una película a considerar, que merece la pena verla con detención, calma y criterio. Sin duda es una ficción, sin embargo queda muy claro que puede ser más que una realidad. Hace carne aquel dicho que “la realidad supera la ficción”. Si fuera una historia real, no cabría la menor duda. Y podría ser mucho más real de lo que siquiera imaginamos. Allí Villeneuve nos desnuda y provoca, nos confunde y nos despierta compasión. Nos hace parte, nos suma y nos involucra. Reflexionamos y cuestionamos gracias a su mirada, y su cine nos seduce y nos maravilla.

Ficha técnica

Título original: Sicario

Género: Drama , Suspenso , Crimen

Duración: 121 Minutos

Elenco: Emily Blunt, Benicio Del Toro, Josh Brolin

Director: Denis Villeneuve

En el corazón del mar

Esta cinta está basada en la novela “In the Heart of the Sea” de Nathaniel Philbrick sobre el dramático viaje del buque ballenero Essex, historia en la que se basó Herman Melville para escribir la famosa “Moby Dick”.

En el invierno de 1820, el buque británico Essex sale a alta mar en busca del preciado aceite de ballena bajo la conducción del capitán George Pollard Jr. -Benjamin Walker-, y su primer oficial Owen Chase -Chris Hemsworth-. Sin resultados favorables, se aventuran aún más cuando son atacados por una ballena blanca colosal por lo que su supervivencia pasa a ser la razón de ser y lo fundamental de la frustrada travesía.

El director Ron Howard nos presenta una revisión del clásico “Moby Dick” desde otro punto de vista. Contada por un sobreviviente de la tragedia, la historia es por momentos desgarradora. Por un lado, el relato hace hincapié en las diferencias irreconciliables entre Pollard y Chase referidas a la autoridad, las decisiones y la conducción del navío -y en general, su diferente visión de la vida- y por otro releva la situación precaria de los barcos balleneros que responden a la codicia de sus empresarios marítimos que les envían a buscar la materia prima sin pensar en los riesgos que aquello conlleva. 

La diferencia de personalidades de los dos oficiales es en extremo clara. Uno, Pollard, proviene de familia de apellido, con historia y que basa su acción en la autoridad conferida. El otro, Chase, tiene un origen humilde, ha debido esforzarse para lograr sus objetivos y se ha ganado su prestigio en base a hechos concretos y a un conocimiento de su oficio en la práctica del día a día. Howard no ahonda en ello, solo los muestra en su accionar y como sus decisiones van afectando el rumbo de los acontecimientos.

La película es esencialmente visual. Sus efectos especiales ilustran de excelente forma las situaciones de tensión y vale la pena verlos en pantallas iMax con 3D. Donde la cinta se sumerge en algunos vacíos es en el contenido y sustancia del relato, que cuando no hay acción, no logra profundidad en los diálogos y tampoco en la empatía de los protagonistas. Ya en el último tercio y bajo durísimas condiciones, vemos los mayores desafíos valóricos y humanos de los sobrevivientes, cuando las malas condiciones del clima, el hambre, el terror, la desconfianza y desesperación de estar a la deriva les hace dudar de sus creencias más profundas.

“En el corazón del mar” es finalmente entretención y no se aleja de aquello. Las concesiones al público masivo son claras y precisas en ese sentido, solo que en ocasiones frustra que el material sustantivo sea llevado a un nivel superior, tanto en la forma como en el fondo requerido para contar la historia. No solo vale una excelente recreación de época, efectos impresionantes y acción. También necesitamos entrar en la historia, ser parte de ella y en ese sentido no llegamos al corazón de la cinta. Aunque hay claros intentos, y los valoramos profundamente, no despegan y constantemente vuelven a lo que naturalmente es su centro: la acción espectacular de un relato que intenta ser épico y que no trasciende la frontera para lograrlo.

Ficha técnica

Título original: In the Heart of the Sea

País: Estados Unidos

Año: 2015

Género: Drama

Clasificación: +12

Producción: Brian Grazer

Guión: Rick Jaffa, Amanda Silver, Charles Leavitt

Música: Roque Baños

Fotografía: Anthony Dod Mantle

Protagonistas: Chris Hemsworth, Benjamin Walker, Cillian Murphy, Tom Holland, Brendan Gleeson, Jordi Molla

Dirección: Ron Howard

Secretos de una obsesión

Esta cinta escrita y dirigida por Billy Ray, basada en la novela de 2005 de Eduardo Sacheri, “La pregunta de sus ojos”, sin duda tiene similitudes con la gran adaptación que en realizó el año 2009 el director argentino Juan José Campanella y que ganó el premio Óscar. No obstante aquello, este “remake” tiene vida propia y varios aspectos que la independizan y valoran en forma particular.

El equipo de investigadores del FBI, Ray -Chiwetel Ejiofor- y Jess -Julia Roberts-, junto a la asistente de fiscal, Claire -Nicole Kidman-, quedan impactados al descubrir que la hija adolescente de Jess ha sido brutalmente asesinada sin motivo aparente. Trece años después, aún obsesionado por encontrar el paradero del asesino, Ray encuentra una pista importante para resolver el caso.

El asesinato está ubicado temporalmente muy poco tiempo después de los atentados del 11-9 lo que constituye una diferencia importante en la construcción de los personajes, sus rutinas e ideas fijas. La cinta entrelaza el presente (2015) y el pasado (2002) de una forma natural, viva e inteligente, situando el relato en una atmósfera confusa, por momentos difícil de seguir, por cierto muy interesante, logrando un guión muy bien armado y fluido, sin puntos bajos.

La actuación de Julia Roberts destaca de forma natural. Jess ha dejado de vivir. Está muerta en vida. La pérdida de su hija es irreversible y ha provocado una fractura que es imposible dejar atrás. Todo esto está representado magistralmente por la protagonista, dotando a su personaje de rasgos emocionales intensos y de una mirada que realmente perturba y conmueve. Realmente Julia Roberts logra un papel excelente, el que está muy bien acompañado por Chiwetel Ejiofor -“12 años de esclavitud”- y por Nicole Kidman, cuyo rol es el opuesto de la protagonista: frialdad, cálculo y racionalidad a niveles máximos.

“Secretos de una obsesión” cumple con su género y nos regala una nueva visión sobre el horror de un asesinato que puede quedar sin un culpable que pague por su crimen. Además, la cinta pone de relieve la amistad, la lealtad, el cariño y el profesionalismo con que Ray enfrenta la pérdida de su amiga. ¿Hay límites entre justicia y venganza? ¿La obsesión se transforma en la búsqueda de lo justo o es finalmente un motivo para castigar? Las interrogantes las deja abiertas y contribuye con ello a entregar un relato sólido, reflexivo y convincente.

Ficha técnica

Secret in Their Eyes 
2015 
EE.UU.
111 minutos
Policial
Guionistas: Billy Ray, Juan José Campanella (film "El secreto de sus ojos"), Eduardo Sacheri (Novela) 
Actores: Chiwetel Ejiofor, Nicole Kidman, Julia Roberts
Director: Billy Ray

El crítico

Esta película del director argentino Hernán Guerschuny cuenta la historia de Víctor Téllez -excelente personificación del dramaturgo, director y actor trasandino Rafael Spregelburd-, un crítico de cine respetado en el medio, con fama de severo y riguroso, cuya mirada es que ya no existe nada original, digno de las obras de arte del pasado, quien mientras busca un nuevo departamento donde mudarse, se encuentra accidentalmente con Sofía -Dolores Fonzi- una atractiva y carismática mujer que le hace modificar su rutina y cambiar su perspectiva de la vida.

La cinta es del año 2013 y corresponde a la primera obra de su autor. Es cine dentro del cine, gracias a un inteligente guión y un relato que, aunque por momentos se torna algo lento, logra captar algunos detalles que reflejan los oficios de realizador y crítico, sus encuentros y desencuentros, con la cuota de gusto personal, subjetivo y artístico que cada persona puede tener al valorar o calificar una expresión artística.

Los moldes tradicionales de una comedia romántica están incorporados en “El Crítico”. Es más, al comienzo de la cinta hay una descripción perfecta de aquello que Téllez -amante del cine de autor, en especial del francés- odia con todo su ser y que con el correr del metraje le va llevando, pese a su resistencia, a ser protagonista de su propia historia, viviendo así en carne propia lo que siempre ha criticado.

Hernán Guerschuny logra construir una cinta interesante, apoyado por un grupo de actores que realizan muy bien su trabajo. Los protagonistas lucen y los actores secundarios apoyan de muy buena forma los hilos que el relato va tejiendo, salvo la presencia de un par de ellos que el metraje no logra finalmente justificar.

“El Crítico” supera las expectativas que su trailer -muy bien compuesto- provoca. La historia, por cierto, es mucho más profunda de lo que la cinta contiene en su primera capa. Habla de humanidad, soledad, desesperanza; de una vida que se marchita y que no tiene vuelta atrás. Sin embargo, la comedia le permite a este drama surgir y renacer, con el amor como centro de la ilusión, y que es capaz de mover a Téllez desde lo que más detesta a aquello que le permite, finalmente, tener una razón para vivir.

Ficha técnica

El Crítico

Año: 2013

País: Argentina

Duración: 98 minutos

Productores: Hernán Guerschuny, Pablo Udenio, Hugo Castro Fau, Carolina Alvarez, Carlos Núñez y Gabriela Sandoval

Fotografía y cámara: Marcelo Lavintman

Montaje: Agustín Rolandelli

Música original: Juan Blas Caballero

Reparto: Rafael Spregelburd (Víctor Tellez), Dolores Fonzi (Sofía), Telma Crisanti (Agatha), Daniel Kargieman (Schuster), Ana Katz (Roxana), Ignacio Rogers (Leandro Arce), Eduardo Iacono (Gorodisch), Marcelo Subiotto (Margulis), Blanca Lewin (Pinni), Gabriela Ferrero (Marta), Marta Pacamicci (Nélida)

Director: Hernán Guerschuny

Los Juegos del Hambre - Sinsajo Parte 2

Con la segunda parte y final de Sinsajo, concluye la exitosa saga de los “Juegos del Hambre”. Luego de una primera parte bastante mediocre, esta conclusión, mejor lograda, sube el nivel de la historia y logra un cierre que, aunque por debajo de su inicio en la primera entrega, al menos permite terminar dignamente la historia.

Katniss Everdeen -Jennifer Lawrence- ha sido rescatada por los rebeldes y su misión es unirlos a todos contra el presidente Snow -Donald Sutherland-. Panem está en una guerra cruel y desigual, por lo que la presencia del “Sinsajo” es fundamental en el ánimo y en la fuerza que los rebeldes ofrecen al gobierno.

La cinta tiene una estructura similar a todas sus partes anteriores. Acción, romance, egos, lealtades y engaños propios de cualquier conflicto a escala local o mundial, que son manejados por adolescentes y adultos bajo los códigos de conducta propios de cada grupo. La manipulación se da en todo nivel, lo mismo que la deslealtad, las conveniencias personales y todo el desarrollo de la historia de poder y dominación que es finalmente el centro argumental de la saga.

Si bien la historia se comprende, hay un riesgo importante al separar -por razones exclusivamente comerciales- en dos partes un tercer capítulo que sin duda es una sola unidad. El metraje por momentos es en exceso lento -da la impresión que no pudiera avanzar más rápido- pues ya no es mucho lo que queda de trama, acción o alguna sorpresa.

Éxito en taquilla y popularidad, ya podría ser el momento de analizar en unidad esta trilogía de “Los Juegos del Hambre”. Suzanne Collins lo merece pues logró construir un mundo independiente, nuevo, con sus propios códigos y reglas, donde por cierto están presentes todas nuestras características humanas y en el que se genera un relato interesante que merece una lectura más profunda para descubrir su verdadero mensaje, un mensaje que lleva finalmente a la búsqueda de la paz y la unidad de todos quienes integran el planeta, para vivir armónicamente en sociedad, respetando las diferencias, sin dominaciones ni tiranías, y acompañándose mutuamente para superar juntos las dificultades que el destino les traerá en el futuro.

Ficha técnica

Producción: Nina Jacobson, Jon Kilik

Guión: Danny Strong, Peter Craig

Basada en Sinsajo, de Suzanne Collins

Música: James Newton Howard

Maquillaje: Linda Flowers

Fotografía : Jo Willems

Montaje: Alan Edward Bell, Mark Yoshikawa

Efectos especiales: Matt Neapolitan

País: Estados Unidos

Año: 2015

Género: Ciencia ficción, Acción, Drama

Duración: 137 minutos

Idioma: Inglés

Protagonistas: Jennifer Lawrence, Julianne Moore, Josh Hutcherson, Liam Hemsworth, Woody Harrelson, Donald Sutherland, Elizabeth Banks, Sam Claflin, Jena Malone

Dirección: Francis Lawrence