Parásitos

Esta película del director Bong Joon-ho es una joya. Posee un guion alucinante con un ritmo perfecto. Se suma a ello una fotografía, una edición y variadas perspectivas que están al servicio de un relato que sorprende y que incluye conflicto social, política, y un contexto tremendamente humano.

Los Kim, Ki-taek -Song Kang Ho- su esposa Chung-sook -Chang Hyae Jin- y sus hijos Ki-woo -Choi Woo Shik- y Ki-jung -Park So Dam-, viven en un subterráneo miserable de Seul. En realidad, subsisten apenas, realizan trabajos esporádicos y muy mal remunerados. Ante esta precariedad, la oportunidad que surge para que Ki-woo pueda hacer clases particulares de inglés a una joven colegiala de la clase alta de la ciudad es una ventana inesperada y se transforma en un salvavidas familiar. Poco a poco, con bastante imaginación y también con indudable frescura y afán aprovechador, el clan comienza a formar parte de la vida de los Park, Dong-ik -Lee Sun Kyun-, un gerente de altos ingresos, su esposa Yeon-kyo -Cho Yeo Jeong- y sus dos hijos.

Uno de los detalles que más llama la atención de esta estupenda y elogiada cinta es que sus personajes están perfectamente delineados. Todos, hasta los que tienen una mínima participación como pueden ser los repartidores de pizza o las personas en situación de calle, tienen perfectamente claro su rol en la historia. El grado extremo de miseria y riqueza reflejado por estas dos familias espejo -dos padres y dos hijos cada una- impacta. Es un blanco y negro marcado y agobiante, sin matices. Bong Joon-ho subraya la soledad y marginalidad de ambas familias que se encuentran en extremos opuestos en tanto sus condiciones económicas y que sin embargo comparten características que son totalmente transversales.

El guion es tan asertivo y provocador que, con su estilo en tono comedia negra, profundiza en problemáticas densas y particulares que a la vez son del todo universales. Es muy difícil no conmoverse con el amor filial y con la protección familiar. Asimismo, es complejo ocultar el actuar sinvergüenza que los lleva a relajarse, bajar la guardia y enfrentarse a la amenaza de un porvenir aparentemente exitoso y libre de mayores riesgos que engañosamente están construyendo.

Bong Joon-ho, en un acierto que es una genialidad, establece una línea de flotación física y también imaginaria. Los Kim están bajo esa linea y los Park sobre ella. ¿Pero, es tan así, o puede ser al revés? Las diferencias son notorias y extremas, sin embargo ambas familias tienen mucho más en común de lo que pudiera imaginarse. Sus condiciones son obviamente diferentes en lo material, pero es su vulnerabilidad lo que les hace similares, independiente del lado de la línea en el que se encuentren.

Luego de ganar la Palma de Oro en Cannes y varios otros premios, “Parásitos” se ha convertido en la revelación del año al lograr un hecho inédito hasta ahora: ser la primera película de habla no inglesa en ganar el Óscar a la Mejor Película. Los méritos los tiene y por supuesto de sobra, porque es de esas películas redondas, que marcan, que generan reacciones, que provocan y que por ello se recuerdan. La fuerza del relato, la convicción de sus actuaciones, el poder de su forma y las constantes sorpresas de sus giros, la transforman en una cinta imprescindible. Y ojo, no es fácil de ver. Incluso puede provocar algún rechazo en varias secuencias que son bastante crudas y que están dotadas de un realismo convenientemente acentuado.

“Parásitos” engloba tantos elementos de cine que es muy difícil analizarlos por separado. Aquello es tal vez su gran riqueza. Cumple las expectativas cuando esperamos algo que no sea obvio. También cumple al provocar incomodidad y no dejar que los asientos nos adormezcan. Y principalmente cumple al reflejar, en una cultura y en una historia particular, la mayor universalidad de todas, aquella que da cuenta de las relaciones humanas, sus acciones y reacciones, llevadas a un nivel de máxima tensión, a un punto disruptivo y genuinamente perturbador.

Ficha técnica

Título original: Gisaengchung
Año: 2019
Duración: 132 minutos
País: Corea del Sur
Productora: Barunson / CJ Entertainment / TMS Comics / Tokyo Movie Shinsha (TMS) / CJ E&M Film Financing & Investment Entertainment & Comics
Género: Intriga. Comedia. Drama. Thriller | Comedia negra. Drama social. Familia
Guion: Bong Joon-ho, Jin Won Han
Música: Jaeil Jung
Fotografía: Kyung-Pyo Hong
Reparto: Song Kang-ho, Lee Seon-gyun, Jang Hye-jin, Cho Yeo-jeong, Choi Woo-sik, Park So-dam, Park Seo-joon, Lee Jeong-eun, Park Keun-rok, Hyun Seung-Min, Andreas Fronk, Park Myeong-hoon, Jung Hyun-jun, Ji-hye Lee, Joo-hyung Lee, Jeong Esuz, Ik-han Jung, Seong-Bong Ahn, Dong-yong Lee, Hyo-shin Pak
Dirección: Bong Joon-ho

Un buen día en el vecindario

La sensación que provoca esta película es bien especial. El retrato de Fred Rogers interpretado con encanto y ternura por Tom Hanks, seduce desde el comienzo porque la figura de este presentador de televisión para niños, creador de “Mister Rogers' Neighborhood” en pantalla desde 1968 al 2001, es a la vez fascinante e intrigante.

La historia se basa en la experiencia personal de Lloyd Vogel -Matthew Rhys-, un crítico periodista quien debe escribir un artículo en “Esquire” sobre este ícono de la televisión norteamericana. Vogel, inspirado en Tom Junod que escribió dicho artículo el año 1998, va cambiando su perspectiva luego de los múltiples encuentros con Roger y su entorno. Escéptico en un comienzo e incrédulo hasta el final, observa que Rogers es alguien demasiado bueno para ser real. Esto, por cierto, le despierta sospechas y además lo hace cuestionar su propia vida y su propio actuar. ¿Es genuino? ¿Es Rogers un Santo, o un héroe?

Tom Hanks dota a su personaje de una amabilidad que cautiva. Claro, su programa es para niños, sin embargo su temática es profunda y transversal. Su foco son las emociones, su manejo, su expresión y la capacidad de reconocerlas y de hablar sobre ellas. Plantea diversas formas positivas de lidiar con los sentimientos, algo que no estamos acostumbrados a hacer. Vogel acaba de ser padre, su esposa debe asumir el cuidado del bebé mientras él viaja para los encuentros y la relación de Lloyd con su familia (su padre y su hermana) es conflictiva y distante.

Esta fábula, además de contener grandes dosis de dulzura, nos deja enseñanzas y también desafíos. “A veces necesitamos pedir ayuda y eso está bien”, señala Rogers, afirmando que “lo que mejor podemos hacer es hacerle saber a la gente que cada uno de ellos es precioso”. Quizá este es el punto más visible de la cinta; la atención genuina y sincera que Fred le presta a Lloyd y a su familia. Si aplicáramos una parte de sus enseñanzas sin duda que nuestro vecindario, es decir nuestra sociedad, nuestra ciudad, nuestro país, sería sin duda, un lugar mucho mejor y mucho más agradable.

Ficha técnica

Título original: A Beautiful Day in the Neighborhood
Año: 2019
Duración: 108 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Coproducción Estados Unidos-China; Big Beach. Distribuida por TriStar Pictures
Género: Drama | Biográfico. Amistad. Familia. Televisión
Guion: Micah Fitzerman-Blue, Noah Harpster (Artículo: Tom Junod)
Música: Nate Heller
Fotografía: Jody Lee Lipes
Reparto: Tom Hanks, Matthew Rhys, Chris Cooper, Susan Kelechi Watson, Noah Harpster, Tammy Blanchard, Wendy Makkena, Enrico Colantoni, Sakina Jaffrey, Maddie Corman, Crystal Lonneberg, Maryann Plunkett, Michael Masini
Dirección: Marielle HellerSinopsis

Aves de presa (y la Fantabulosa Emancipación de Una Harley Quinn)

Esta octava cinta del Universo extendido de DC (DCEU), spin-off de Escuadrón Suicida (2016) y dirigida por Cathy Yan, presenta una nueva aventura cuya protagonista es Harley Quinn, caracterizada por Margot Robbie. Resulta que Harley ha terminado su relación con el Joker y por ello decide comenzar de nuevo. Pero no puede, porque hay muchas cuentas pendientes y varios agravios de por medio que solo se mantenían contenidos gracias a la protección del Guasón. No obstante las serias amenazas y también venganzas en curso, Quinn se entera que la joven Cassandra Cain -Ella Jay Basco- se ha robado un diamante que pertenece al jefe del crimen de Ciudad Gótica, el malvado Black Mask -Ewan McGregor-, por lo que junto a Black Canary -Jurnee Smollett-Bell -, Huntress -Mary Elizabeth Winstead- y a la detective Renée Montoya -Rosie Perez- intentan protegerla

La película tiene una dinámica propia y bastante especial. La narrativa es fiel al estilo cómic con algunas idas y vueltas temporales que resultan muy divertidas. Su tono hilarante es permanente y para ello Robbie se desenvuelve de forma estupenda, sobrellevando el peso del relato durante todo el metraje. Cada personaje tiene su historia, a veces más y a veces menos desarrollada, que une puntos del pasado para entender el lugar que cada uno ocupa en la actualidad.

Lo más interesante de esta extravagante fantasía visual es la forma de encarar el tema de los superhéroes pues se hace desde otra perspectiva. La ausencia del Joker y las alusiones a Batman y a una Ciudad Gótica en ebullición, solo son piezas de contexto. Se trata, ahora, del poder femenino y por ello el título agrega como subtítulo la “Fantabulosa Emancipación de Una Harley Quinn”. Claro, Harley no es superhéroe o supervillana. Es una mujer normal con una gran personalidad -la influencia de Joker se nota-, que también domina el arte del combate y se desenvuelve perfecto en las luchas cuerpo a cuerpo. A esto se suman las habilidades de las otras compañeras de escena que, cada una con su propia especialidad, dan cuenta de diversas características que les permiten enfrentar y sortear las dificultades.

“Aves de Presa” entretiene en su estilo, se mueve dentro de los códigos de sus personajes y despliega muchísima acción, efectos visuales y guiños de todo tipo. Ideal para fans, resulta más difícil para quienes no lo somos porque solo observamos y disfrutamos una capa más externa de la historia, por cierto admirando la versatilidad de Margot Robbie quien no deja de sorprender con sus caracterizaciones.

Ficha técnica

Título original: Birds of Prey (And the Fantabulous Emancipation of One Harley Quinn)
Año: 2020
Duración: 109 minutos
País: Estados Unidos
Productora: DC Entertainment / Clubhouse Pictures / Kroll & Co. Entertainment / LuckyChap Entertainment. Distribuida por Warner Bros.. Productor: Margot Robbie
Género: Acción. Aventuras | Crimen. Cómic. DC Comics
Guion: Chuck Dixon, Jordan B. Gorfinkel, Christina Hodson (Cómic: Greg Land)
Música: Daniel Pemberton
Fotografía: Matthew Libatique
Reparto: Margot Robbie, Mary Elizabeth Winstead, Ewan McGregor, Jurnee Smollett-Bell, Rosie Pérez, Chris Messina, Derek Wilson, Steven Williams, Ali Wong, Matthew Willig, Charlene Amoia, François Chau, Greice Santo, Eric Michael Cole, Nico Greetham, Judy Kain, Eddie J. Fernandez, Robert Catrini, Dana Lee, Anthony Molinari, Ego Mikitas, Michael Masini, Gerald Downey, David Bianchi, Sara Montez, Mike Ferguson, Lenora May, Dominic Pace, David Anthony Buglione, Jeff Lipary, Joe Bucaro III, Eddie Alfano, Ryan Wicks, Pramod Kumar, Paul Lasa, William Guirola, Bruno Oliver, Karen Teliha, Zack Whyel, Julian Garcia, Nick Phillips, Bojana Novakovic, Jenelle McKee, Luis Richard Gomez, Ryan Watson, David Ury, Shad Gaspard, Adinett Nsabimana, Jason Catron, Jack Dourakos, Diezel Ramos
Dirección: Cathy Yan

Hra (The Play)

En una pequeña ciudad de la República Checa se desarrolla la historia de “Hra”, el nuevo trabajo del director chileno Alejandro Fernández Almendras. Petr -Jirí Mádl-, es un joven director de teatro que se apresta a estrenar su nueva creación, una adaptación de “Fedra” de Eurípides, basada en una versión de Miguel de Unamuno, con una visión personal sobre la corrupción naciente post caída del muro. A pocas semanas de la primera presentación pierde a sus dos actores principales, el municipio de la ciudad le hostiga exigiendo formalismos y su matrimonio está en crisis.

La cinta, con un marcado tratamiento teatral, se desarrolla en cinco actos más un prólogo y un epílogo. En cada uno de ellos, Fernández Almendras desarrolla las facetas más íntimas de sus personajes. Karolina -Elizaveta Maximová-, la mujer de Petr, es una joven impulsiva y enfocada en su trabajo. El cuidado de su pequeño hijo entorpece sus sueños profesionales y resiente la poca atención que su marido le presta a ambos producto de la absorbente preparación del estreno de la obra. Katerina -Marika Soposká-, llega a escena como la actriz reemplazante para el rol principal y con su magnetismo y soltura lo perturba todo. Petr, abrumado y confundido, se deja llevar y el romance entre ambos surge explosivo y natural.

Alejandro Fernández Almendras filma su propio guion, un drama que tiene varios elementos y puntos de vista para analizar y comprender. La crisis de la mediana edad, problemas matrimoniales, aspiraciones profesionales, problemas económicos y exigencias administrativas se mezclan con sentimientos profundos y cuestionamientos trascendentes que requieren decisiones fundamentales. Se trata de una deconstrucción y una construcción simultánea, un drama ultra existencial que habla de la pérdida de rumbo, la soledad y la búsqueda de caminos. Una pregunta concluye el primer tercio de la narración a propósito de la temática y dificultad de la obra: ¿hay algo más complejo que el amor y la pasión? Aquella frase parece encerrar, en un simple cuestionamiento, una magnitud que abarca la esencia misma de la existencia.

Párrafo aparte para destacar la fotografía en blanco y negro a cargo de Inti Briones. Su trabajo de excelencia dota al relato de una fuerza narrativa que pone énfasis en la profundidad, en los gradientes de la escala de grises, con planos abiertos -especialmente los nocturnos- que evocan importantes divagaciones, junto a otros cerrados que resultan íntimos y conmovedores. Del mismo modo la banda sonora a cargo de Pablo Vergara, entrega una fuerza especial a cada una de las escenas con obras de Shostakovich, Ravel, Schubert, Brahms, Mozart y otras piezas compuestas por el mismo Vergara, donde destacan sus arreglos para Cuarteto de Cuerdas y piano, en especial el de la Tercera Sinfonía de Brahms.

“Hra” -juego en checo- es una película muy interesante y que cautiva durante sus 93 minutos. Alejandro Fernández Almendras logra plasmar con su estilo una cinta rodada en otro idioma, reflejando otra cultura pero manteniendo el foco en la universal humanidad del relato. Tal vez esto es lo más importante para el director de Huacho, Sentados frente al fuego, Matar a un hombre y Aquí no ha pasado nada; se trata de la consolidación de su línea estilística, una característica que florece y provoca con su movimiento y constante reflexión.

Ficha técnica

Título original: Hra (The Play)
Año: 2018
Duración: 93 minutos
País: Chile
Productora: Coproducción Chile-República Checa-Francia-Corea del Sur; Arizona Productions / Arizona Productions / Film & Roll / Jirafa. Distribuida por Pilot Film [Czech Republic]
Género: Comedia. Drama. Romance
Guion: Alejandro Fernández Almendras
Música: Pablo Vergara
Fotografía: Inti Briones (B&W)
Reparto: Vladimíra Benoni, Sarah Havacova, Sarah Hlavácová, Danica Jurcová, Ondrej Malý, Elizaveta Maximová, Jirí Mádl, Darina Nicová, Marika Soposká, Jirí Strébl, Adam Vacula, Jana Zenáhlíková
Dirección: Alejandro Fernández Almendras

Gretel y Hansel

Esta adaptación del cuento clásico “Hansel & Gretel” de los hermanos Grimm, dirigida por Oz Perkins, se sitúa en la Baviera del Siglo XIV. Los hermanos Gretel -Sophia Lillis - y Hansel -Sam Leakey-, de 13 y 12 años, están desesperanzados. A la muerte de su padre, hace algunos años, se suma que su madre está casada con un hombre malévolo. Al verse en la absoluta miseria y desamparo, los niños deciden irse de su hogar, dejar el pueblo en busca de una mejor vida y nuevas oportunidades.

En su camino atraviesan un bosque que esconde personas que desean aprovecharse de ambos. Cuando creen haber sorteado los peligros encuentran una casa al interior que es la cabaña de Holda -Alice Krige-, una mujer que los acoge con comida y atención pero, como las apariencias engañan, deben escapar para salvar sus vidas.

La cinta se centra en ambos jóvenes y no es casual la inversión en el clásico título pues el peso de la aventura lo lleva justamente Gretel. El tratamiento del guion de Rob Hayes que realiza Oz Perkins es por momentos confuso. Por una parte, mérito por cierto, se decide por una opción de generación de suspenso que no es la usual. En esta apuesta, algunos recursos quedan sin el desarrollo suficiente para generar la tensión necesaria e incluso tampoco producen temor.

En líneas generales el relato se sostiene gracias a la hermosa fotografía provista por Galo Olivares y a la banda sonora compuesta por Robin Coudert que entrega un contexto misterioso y especial a la historia. Perkins tampoco profundiza en los personajes, los aleja y los observa a la distancia. Sobre el último tercio, aun pudiendo hacer algo más, desdibuja las acciones en busca de efectos, sin empatizar con ellos en la cadencia final.

“Gretel & Hansel” genera más expectativas que las que efectivamente es capaz de cumplir. A pesar de su acotada duración, por momentos se hace pesada, no fluye como se espera y transita hacia soluciones obvias y repetidas. Tal vez es una primera aproximación del director y su equipo en una búsqueda diferente en un género en el que cada vez se hace más complejo crear e innovar. Y está bien, si no se experimenta no se llega a nuevos resultados y tal vez esta película es un paso hacia aquel objetivo. Esperamos que sea así.

Ficha técnica

Título original: Gretel & Hansel
Año: 2020
Duración: 99 minutos
País: Estados Unidos
Género: Terror. Fantástico | Cuentos
Productora: Automatik Entertainment / Orion Pictures / Bron Studios / Wild Atlantic Pictures / Creative Wealth Media Finance. Distribuida por GEM Entertainment
Guion: Rob Hayes (Cuento: Wilhelm Grimm, Jacob Grimm)
Música: Robin Coudert
Fotografía: Galo Olivares
Reparto: Sophia Lillis, Ian Kenny, Charles Babalola, Alice Krige, Abdul Alshareef, Jessica De Gouw,  Samuel Leakey, Loreece Harrison, Beatrix Perkins, Manuel Pombo Angulo
Dirección: Oz Perkins

Judy

La figura de Judy Judy Garland genera curiosidad. Tempranamente lanzada a la fama gracias a su brillante rol protagónico en “El mago de Oz” interpretando a la huérfana Dorothy Gale, los últimos meses de su carrera y de su vida son controvertidos. Judy sigue siendo una estrella pero vive ya su ocaso. Los problemas son imparables y pese a sus grandes esfuerzos para sobreponerse, fundamentalmente su temple y actitud, no consigue detener un declive que ya no tiene vuelta atrás.

Renée Zellweger encarna a Judy de una forma incombustible. Tanto internaliza el personaje que podríamos decir que ella es, en esencia, esa Judy que batalla con su vida, con sus problemas psicológicos, con sus adicciones, con sus temores y frustraciones, con su deseo de poder revertir su realidad y entregar a sus dos hijos menores lo que necesitan; una madre presente y preocupada por ellos.

Rupert Goold filma un guion de Tom Edge que coloca sobre la protagonista la responsabilidad y el peso total del relato. Renée Zellweger despliega un esfuerzo encomiable que la lleva a realizar una actuación memorable, que ya ha recibido merecidos premios y reconocimientos, y que sin duda será recordada por estar en un nivel muy alto. Pese a aquello, la cinta carece de un fondo con más sustancia y que entregue una narrativa con mayores elementos que permitan profundizar en la historia. Solo observamos los recuerdos de juventud de Judy mientras filmaba su ópera prima, lo que es muy importante pero insuficiente. Allí vemos cómo la joven Judy -Darci Shaw- bajo la supervisión y abuso de poder de Louis B. Mayer -Richard Cordery- sufre consecuencias producto de severas restricciones. Claro, la relación de ese oscuro pasado tiene consecuencias en el presente pero no logra explicar del todo el por qué Judy ha llegado al estado en el que se encuentra.

En una cinta de esta envergadura, con una actuación principal tan maciza, no es comprensible que para escenas musicales con una banda, no haya siempre músicos profesionales. Las mímicas percibidas en algunos cuadros disminuyen sus bonos de inmediato, tanto como los efectos de doblaje en el canto cuando no logran sincronizarse a pesar de una intencionada edición. La banda sonora, con algunos momentos muy altos, tampoco logra una mayor presencia emotiva pues varias escenas importantes no tienen sonido, solo diálogo, y aquello redunda en un contexto más vacío. Por cierto existe una salvedad y que es la gran escena final. Con una notable construcción emocional y audiovisual, aminora en algo la simpleza previa logrando una mejor sensación final.

Bravo por Renée Zellweger que se consagra con este papel tras haber aceptado un desafío enorme. Solo por ella vale la pena ir a ver la cinta, porque Renée llena la pantalla y logra que su personaje transmita fuerza y emoción. Aunque el desarrollo del metraje quede en deuda y la película no despegue, el magnetismo de Judy lo tendremos presente durante mucho tiempo.

Ficha técnica

Título original: Judy
Año: 2019
Duración: 118 minutos
País: Reino Unido
Productora: Coproducción Reino Unido-Estados Unidos; BBC Films / Calamity Films / Pathé / 20th Century Fox
Género: Drama | Biográfico. Años 60. Música
Guion: Tom Edge (Obra: Peter Quilter)
Música: Gabriel Yared
Fotografía: Ole Bratt Birkeland
Reparto: Renée Zellweger, Rufus Sewell, Finn Wittrock, Michael Gambon, Jessie Buckley, Bella Ramsey, John Dagleish, Gemma Leah Devereux, Gaia Weiss, Andy Nyman, Fenella Woolgar, Phil Dunster, Julian Ferro, Royce Pierreson, Lucy Russell, Philippe Spall, Kate Margo
Dirección: Rupert Goold

Pacto de Fuga

La factura de “Pacto de Fuga” es notable. No existe detalle dejado al azar y todos sus aspectos de producción están excelentemente desarrollados. La cinta da cuenta de un hecho histórico, la fuga de 49 presos de la Cárcel Pública de Santiago -entre ellos siete condenados a muerte-, ocurrida la madrugada del 20 de enero de 1990, a pocos días de concretarse el retorno a la democracia en Chile. El relato describe la “Operación Éxito”, planeada y ejecutada por 24 presos que construyeron un túnel de más de 80 metros de largo, extrayendo y escondiendo 55 toneladas de tierra en el entretecho del penal, lo que significó más de un año de laboriosa y cuidada construcción.

David Albala dirige una producción que deja huella porque el relato es dinámico y profundamente tenso. Esto es un mérito enorme porque ya conocemos el final, ya sabemos que el plan se concreta, pero no tenemos información sobre los detalles. El guion se hace cargo de nutrir la historia de contexto y conectarnos con sus protagonistas. Benjamín Vicuña interpreta a León Vargas, el ingeniero y líder del plan, un tipo serio y enfocado que no pierde tiempo y tiene su misión absolutamente clara. Rafael Jiménez es interpretado por Roberto Farías, un condenado a muerte que ve que el tiempo se le acaba por lo que la huida es su única opción de seguir con vida. Ambos son los líderes más visibles de un plan incierto y tremendamente arriesgado, y es por ello que la ayuda externa de Paulina -Francisca Gavilán- y de la abogada Fabiola Pizarro -Amparo Noguera-, resulta vital para concretarlo exitosamente.

La música incidental compuesta por Juan Cristóbal Meza es de lo mejor de la cinta. La partitura aporta tensión en muchísimas escenas y además es responsable del ritmo de la mayoría de las secuencias. De la mano de una prolija edición, la fotografía de Jorge González y Kako Correa logra recrear la perspectiva de cada una de las locaciones de la cárcel, las pequeñas celdas, los laberintos y pasillos, el patio, las escaleras y el entretecho, junto al agobiante y asfixiante trabajo llevado a cabo en el túnel.

“Pacto de Fuga” se inscribe sin duda dentro de los mejores thrillers chilenos. Logra transmitir incertidumbre, tensión, compromiso y reacción ante los hechos que observamos en pantalla, independiente de la visión que cada uno pueda tener sobre el contexto histórico o sobre el escape. La solidez de las actuaciones y la maximización de los roles -en especial de Mateo Iribarren y Willy Semler como Fiscal y Alcaide respectivamente-, entregan al relato una fuerza narrativa que logra provocar desde muchos puntos de vista. Los diálogos y los silencios más la comunicación no verbal, aportan muchos elementos para que el metraje avance sin contratiempos, incluso a pesar que sobre el comienzo de su último cuarto se aprecia su extension.

La historia de una fuga llevada a pantalla grande genera siempre atención y curiosidad. Ésta, en particular, genera aun más expectativa porque está inspirada en hechos reales y quienes vivimos esos años recordamos la convulsión social y mediática que el hecho provocó. Es quizá por ello que la motivación es mayor y el riesgo aún más alto, sin embargo la película de David Albala supera con creces lo esperado elaborando una propuesta sólida, bien ejecutada y que ademas entrega importantes elementos para una posterior reflexión.

Ficha técnica

Título original: Pacto de fuga
Año: 2019
Duración: 135 minutos
País: Chile
Productora: Calibre 71 producciones / Storyboard Media
Género: Thriller | Basado en hechos reales. Años 90
Guion: David Albala, Loreto Caro-Valdes, Susana Quiroz-Saavedra, José Córdova-Llanos, Manola Palomera, Raúl Blanchet, Cecilia Ruz
Música: Jonathan Grandcamp, Stuart Menderman, Juan Cristóbal Meza, Anita Tijoux
Fotografía: Jorge González, Kako Correa
Reparto: Benjamín Vicuña, Amparo Noguera, Patricio Contreras, Francisca Gavilán, Eusebio Arenas,  Mateo Iribarren, Roberto Farias, Willy Semler, Alberto Ellena, Victor Montero, Diego Ruiz, Vladimir Huaiquiñir
Dirección: David Albala

El Escándalo

Basada en hechos reales, esta interesante película del director Jay Roach reconstruye la estrepitosa caída del imperio Fox News, una de las cadenas mediáticas más poderosas de Estados Unidos, producto de las acusaciones de acoso sexual sobre su responsable y fundador. Y lo hace de forma dinámica y audaz, gracias al vertiginoso guion de Charles Randolph que no da tregua a lo largo de sus 108 minutos de duración.

Tres mujeres son sus protagonistas. Megyn Kelly -Charlize Theron-, Gretchen Carlson -Nicole Kidman- y Kayla Pospisil -Margot Robbie-. Solo esta última corresponde a un personaje ficticio, por lo que el realismo de sus papeles se impregna en sus excelentes actuaciones. Un hombre es el foco de la historia, Roger Ailes -John Lithgow-, el poderoso mandamás que construye y desarrolla la cadena usando a las mujeres como objeto de deseo para subir las audiencias además de abusar indignamente de ellas gracias a su manifiesto posición de poder.

Una acusación pública desata la explosión. Gretchen Carlson, luego de ser despedida, asume con valentía la denuncia de lo que era un secreto a voces: los constantes acosos y abusos de Ailes hacia sus subordinadas durante décadas. En un principio, Carlson lucha sola contra el mundo. Parece que nadie la apoya y no se vislumbra que otras voces salgan a respaldar sus dichos. Es angustiante su soledad, eso agiganta su valor, sin embargo y pese a todo, la lucha es absolutamente desigual. Al interior de Fox, las opiniones están divididas y por cierto bajo cuerda. Se sabe, pero no se comenta. Hay temor y sobretodo una sensación de complicidad que les afecta transversalmente. Es allí cuando Megyn Kelly asume su rol y su responsabilidad. Su credibilidad es vital para refrendar la denuncia y con ello marcar el principio del fin de un indigno escándalo.

La cinta es rápida y su guion está lleno de detalles. En ocaciones, y producto de la gran cantidad de elementos, puede incluso confundir o marear, no obstante está bien llevada y se resuelve exitosamente luego de todas su vueltas, nudos y revueltas. La fotografía de Barry Ackroyd permite observar planos cercanos que logran conmover, en especial en las dos escenas más intensas, emocionalmente, desplegadas brillantemente por Margot Robbie.

“Bombshell” es una denuncia amplificada, un relato condensado del horror que los abusos de poder y los acosos sexuales provocan en quienes los sufren y cómo afecta transversalmente a todos quienes son parte de un ambiente tóxico, degradante y humillante. es un retrato crudo y sin filtro de atrocidades que hasta hace poco no se denunciaban y que gracias a la valentía de sus víctimas y a las explícitas denuncias, podemos hoy delatar y condenar sin duda alguna.

Ficha técnica

Título original: Bombshell
Año: 2019
Duración: 108 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Lionsgate / Lighthouse Management & Media / Bron Studios
Género: Drama | Biográfico. Basado en hechos reales. Periodismo
Guion: Charles Randolph
Música: Theodore Shapiro
Fotografía: Barry Ackroyd
Reparto: Charlize Theron, Margot Robbie, Nicole Kidman, John Lithgow, Allison Janney, Kate McKinnon, Malcolm McDowell, Mark Duplass, Alice Eve, Connie Britton, Alanna Ubach, Elisabeth Röhm, Madeline Zima, Brigette Lundy-Paine, Liv Hewson, London Fuller, Ashley Greene, Nazanin Boniadi, Stephen Root
Dirección: Jay Roach

Jojo Rabbit

Basada en el libro “Caging Skies” de Christine Leunens, “Jojo Rabbit” está ambientada a fines de la Segunda Guerra Mundial. Johannes Betzle -Roman Griffin Davis- es un niño alemán de diez años que con entusiasmo ingresa a las Juventudes Hitlerianas. No es lo que esperaba, sin embargo su espíritu pro Nazi sigue intacto gracias a un amigo imaginario que es nada menos que el mismísimo Adolf Hitler, interpretado por el director Taika Waititi. El escenario cambia cuando Jojo descubre que su madre Rosie -Scarlett Johansson-, esconde en el ático a Elsa -Thomasin McKenzie-, una joven judía que escapa de la persecución y barbarie nacionalista del Tercer Reich.

La cinta no abandona el tono ridículo en ningún momento. La caricatura permanente se transforma en el sello del director para contar esta historia desde un punto de vista diferente. Su papel como amigo imaginario del pequeño Jojo es tan absurdo como insufrible, algo que me provoca rechazo cada vez que aparece. Solo la gran actuación de Roman Griffin Davis a la que se suman, en tono menor, los otros personajes que secundan al protagonista, me permite digerir este trago amargo.

Taika Waititi presenta esta historia con una forma irreverente y audaz, porque un tema tan sensible como el que narra no puede ser tomado como un juego. Es cierto que la relación madre-hijo, el drama de la guerra, la persecución a los judíos, el lavado de cerebro y el masivo engaño alemán están presentes en la cinta, sin embargo su aspecto de comedia liviana -como una pseudo comedia negra- no permite siquiera superar esa primera capa. La confección del relato a través de una suma de “gag” tampoco ayuda a salvar una barrera que con el correr de los minutos se hace cada vez más difícil de franquear.

“Jojo Rabbit”, precedida de varias nominaciones a importantes premios, genera expectativas que, en mi caso, se derrumban desde los primeros minutos. Con el correr del metraje se confirman, además, mis peores temores, es decir, las debilidades propias que poseen algunas sátiras que no logran conmover y cuyo desarrollo se torna obvio y evidente.

A pesar de lo descrito, sugiero ver esta película para poder formarse opinión propia. El arte es tan subjetivo que podemos tener legítimas diferencias en torno a su apreciación. Tal vez este sea un buen ejemplo pues ya se observa controversia y opiniones muy opuestas acerca del trabajo de Waititi. Y esto, aunque incómodo, es un mérito en sí mismo, pues genera discusión, debate y opinión sobre temas delicados gracias a una película que en ningún caso deja indiferente.

Ficha técnica

Título original: Jojo Rabbit
Año: 2019
Duración: 108 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Coproducción Estados Unidos-Alemania; Fox Searchlight / Defender Films / Piki Films / Czech Anglo Productions
Género: Comedia. Drama | II Guerra Mundial. Sátira. Nazismo
Guion: Taika Waititi (Novela: Christine Leunens)
Música: Michael Giacchino
Fotografía: Mihai Malaimare Jr.
Reparto: Roman Griffin Davis, Scarlett Johansson, Thomasin McKenzie, Taika Waititi, Sam Rockwell, Rebel Wilson, Alfie Allen, Stephen Merchant, Archie Yates
Dirección: Taika Waititi

Mujercitas

Un clásico de la literatura tiene una nueva adaptación a la pantalla grande. Esta vez, la directora y guionista Greta Gerwig -“Lady Bird”-, desarrolla una cinta que recoge el material de la famosa novela de Louisa May Alcott que narra la vida de las cuatro hermanas March, su relación familiar, sus vecinos, sus amores adolescentes, sus conflictos cotidianos, sus sueños e ilusiones y sus decepciones, con el contexto de la Guerra Civil norteamericana como telón de fondo.

La película, desde el punto de vista de su realización, es espléndida. Finos decorados, bellas recreaciones de época, vestuario, iluminación, hermosas locaciones y maravillosos paisajes funcionan como un todo orgánico sin puntos bajos. La cámara de Gerwig brinda comodidad a los personajes, no los atosiga ni presiona, y con ello permite que luzcan con soltura y espontaneidad.

Cada una de las protagonistas, Jo -Saoirse Ronan-, Meg -Emma Watson-, Beth -Eliza Scanlen-, y Amy -Florence Pugh-, tienen personalidades marcadas. Grandes sueños artísticos las mueven, la escritura, la pintura, la actuación, la música, pero también lo cotidiano, su propio desarrollo personal. La relación entre las hermanas no es sencilla y su madre, Marmee -Laura Dern- logra conducirlas con mano tierna y sabia ante las visibles dificultades económicas y la ausencia del padre que combate en la guerra. No tenemos antagonistas ni conflictos externos. El corazón del guión está en estas “Mujercitas”, en sus emociones y en sus relaciones, donde los personajes masculinos son solo referenciales y en algunos casos apenas parte del decorado.

Greta Gerwig decide presentar el relato con saltos temporales. La historia va y vuelve entre presente y pasado, tanto para explicar el contexto como para adicionar un toque de refresco a una narración que si fuera lineal tal vez sería mucho menos dinámica. Esta opción hace confuso el comienzo de la cinta, sumándose a ello las pocas diferencias físicas que presentan las protagonistas a pesar de los varios años transcurridos entre cada espacio de tiempo.

También acierta Greta Gerwig al componer un guion con múltiples subtextos y que en ocasiones se superponen sin priorización ni jerarquía. Esto es algo tan propio del relato que las conversaciones simultáneas entre las hermanas, estas acciones que transcurren en simultáneo, se observan difusas e incluso contradictorias. Esta virtud reconocida, al menos en mi caso, me pone una dificultad adicional.

Sólidas actuaciones y una música maravillosa de Alexandre Desplat le entregan a “Little Women” un toque de belleza estética indiscutida. Sin embargo, a pesar de la gran cantidad de aciertos técnicos y narrativos, no logré conectar con la cinta. Algo me pasó que no pude empatizar con los personajes y aquello me llevó a verla como un espectador distante sin ser parte del relato. Es posible que los saltos temporales o lo confuso del primer tercio me produjeran cierta incomodidad que no logré superar hasta la recta final momento donde la novel directora imprime su mensaje para los tiempos actuales, basado en una historia que definitivamente es atemporal y que vive y revive cada vez que tenemos la oportunidad de acercarnos a ella.

Ficha técnica 

Título original: Little Women
Año: 2019
Duración: 135 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Columbia Pictures / Sony Pictures Entertainment (SPE) / New Regency Pictures / Pascal Pictures / Regency Enterprises. Distribuida por Columbia Pictures
Género: Drama. Romance | Vida rural (Norteamérica). Familia. Siglo XIX
Guion: Greta Gerwig (Novela: Louisa May Alcott)
Música: Alexandre Desplat
Fotografía: Yorick Le Saux
Reparto: Saoirse Ronan, Timothée Chalamet, Emma Watson, Florence Pugh, Eliza Scanlen, Laura Dern, Meryl Streep, James Norton, Louis Garrel, Bob Odenkirk, Chris Cooper, Tracy Letts, Abby Quinn, Sasha Frolova, Jamie Ghazarian, Hadley Robinson, Ken Holmes, David Arthur Sousa, Jayne Houdyshell, Jen Nikolaisen, Domenic Arduino, Tom Kemp, Mikayla S. Campbell, Edward Fletcher, Lilly Englert, Rob Lévesque, Kayla Caulfield, Cassidy Neal, Adam Desautels, Bill Salvatore, Dash Barber, Jason Mulcahy, Tom Stratford, Erin Rose, Lonnie Farmer, Robert Marsella, Bill Mootos, Yefim Somin, Adam Teper, Alexander Davis, Thomas J Berry, Scott Sederquist, Michael Cassata, Dave Maguire, Yair Koas, Brian Tobin
Dirección: Greta Gerwig

1917

Esta cinta del director Sam Mendes es una proeza cinematográfica por donde se la mire. Deslumbra por la calidad técnica de su factura y es imposible dejar de pensar en ello, a riesgo de dejar de lado algunos detalles.

Estamos en la Primera Guerra Mundial y la misión que reciben dos jóvenes soldados británicos, Schofield -George MacKay- y Blake -Dean-Charles Chapman- es prácticamente imposible. Deben atravesar territorio enemigo para entregar un mensaje que evitará una emboscada alemana que cobrará cientos de víctimas, entre los que se encuentra el hermano de Blake. Para lograrlo tienen solo un día y las condiciones son en extremo adversas por lo que esta travesía es una verdadera odisea.

Los hechos se inspiran en una anécdota contada a Mendes por su abuelo paterno, Alfred Mendes, por lo que el compromiso personal que tiene el director con el relato resulta ser vital. Mendes, quien escribe el guion junto a Krysty Wilson-Cairns, toma una importante decisión que se transforma en el sello de la historia: la narración es una gran secuencia lineal provista por una cámara que sigue y acompaña a los protagonistas sin despegarse de ellos en ningún momento.

La calidad de la fotografía de Roger Deakins es excepcional. Capta mínimos detalles con una precisión maravillosa que permite observar permanentemente y con diversas perspectivas esta épica aventura. Es todo tan real que parece que nosotros estamos acompañando a los protagonistas. Sentimos su temor, percibimos sus dudas y admiramos su arrojo y valentía. Es un mérito innegable que Sam Mendez nos haga parte del relato empatizando con ambos soldados.

Hay que conocer y saber mucho de cine para intentar detectar los cortes y la edición en una filmación que se inscribe dentro de lo mejor del último tiempo. La verdad, a mi en lo personal me cuesta mucho y prefiero no hacerlo porque podría disminuir la magia de una cinta que se vive y se percibe como una sola y larga escena, casi en tiempo real.

Cada lugar y cada cambio de locación se desarrolla con una continuidad asombrosa. Aparecen personajes, batallones enteros, trincheras repletas de soldados, otras completamente abandonadas, trampas por doquier, enfrentamientos y lugares que parecen desolados pero no lo están. Todo ello implica sorpresa. No sabemos qué hay detrás del túnel o al interior de una ubicación enemiga. La tensión es máxima, por momentos agobiante y abrumadora, no cede y nos mantiene en permanente estado de alerta.

Sam Mendes logra esta proeza gracias a una acertada reunión de elementos que logra coordinar al milímetro. La banda sonora de Thomas Newman permite dividir el relato y dotar de color cada una de las escenas que lo componen. Logra quietud, reflexión y a la vez permite movilizar la acción como consecuencia de la situación que se debe enfrentar.

“1917” es estupenda y no puede dejarse de ver en el cine, en pantalla grande y en las mejores condiciones. Es de un virtuosismo tan alto que gracias a ello podemos dejar pasar algunos detalles que tal vez en otras cintas no podríamos dejar de mencionar. Es tan sólida su construcción y tan potente lo que logra transmitir que aquello es lo más importante y lo más destacado. Colin Firth y Benedict Cumberbatch, interpretando al general Erinmore y al coronel Mackenzie respectivamente, aparecen menos de cinco minutos en pantalla y sus intervenciones son cruciales. Es solo una pequeña muestra del arte conseguido por Mendez en una cinta que cautiva, sorprende y emociona de comienzo a fin.

Ficha técnica

Título original: 1917
Año: 2019
Duración: 119 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Coproducción Estados Unidos-Reino Unido; Amblin Partners / Neal Street Productions / DreamWorks SKG / New Republic Pictures. Distribuida por Universal Pictures
Género: Bélico. Drama | I Guerra Mundial
Guion: Sam Mendes, Krysty Wilson-Cairns
Música: Thomas Newman
Fotografía: Roger Deakins
Reparto: George MacKay, Dean-Charles Chapman, Richard Madden, Benedict Cumberbatch, Mark Strong, Colin Firth, Andrew Scott, Teresa Mahoney, Daniel Mays, Adrian Scarborough, Jamie Parker, Nabhaan Rizwan, Justin Edwards, Gerran Howell, Richard McCabe, Robert Maaser, John Hollingworth, Anson Boon, Jonny Lavelle, Michael Jibson, Chris Walley
Dirección: Sam Mendes

El caso de Richard Jewell

Clint Eastwood regresa a la silla de director para conducir una película sobre un caso real sucedido durante el desarrollo de los Juegos Olímpicos en el año 1996. Richard Jewell -Paul Walter Hauser, mientras estaba de guardia durante un Concierto en el Centennial Olympic Park de Atlanta, descubrió una mochila sospechosa. Con premura hizo activar el protocolo de seguridad y logró evacuar a cientos de personas. Efectivamente la amenaza era cierta, la mochila contenía un aparato explosivo que detonó en el concurrido lugar causando dos muertos y un centenar de heridos. La acción de Richard, oportuna y a la vez arriesgada, evitó que las consecuencias fueran aún más lamentables. Hasta ese momento, los hechos lo posicionaban como figura nacional, un héroe que con valentía había impedido una tragedia mayor, sin embargo, la historia cambia radicalmente; comienza a ser investigado por el FBI como principal sospechoso y el caso adquiere una inusual cobertura cuando la investigación es filtrada por la prensa.

Eastwood configura el relato en torno a la personalidad de Richard. El comienzo de la cinta, algo lento y con detalles que no parecen demasiado trascendentes, es fundamental para comprender lo que el metraje ofrece desde su segundo tercio. La vida de Richard, su permanente ilusión de ser reconocido junto a sus sueños y fracasos, nos da luces sobre lo que viene. El protagonista vive con su madre, Barbara "Bobi" Jewell -Kathy Bates-, en una pequeña casa de Atlanta. La relación de ambos es estrecha y naturalmente las características de hijo único brotan espontáneamente como rasgos importantes de su personalidad.

Paralelamente, el director desarrolla la otra cara de la moneda, es decir lo que sucede con los responsables en el FBI y su necesidad imperiosa de encontrar culpables. Suma a lo anterior el decisivo papel e influencia que los medios de comunicación ejercen una vez que se hacen públicas las sospechas sobre el guardia. En estos dos papeles, tanto en del agente a cargo del FBI como en el de la reportera que difunde la noticia, Eastwood sitúa una mirada que, desconociendo si es verdadera o no, introduce un aspecto polémico pues expone el intercambio de información a cambio de favores sexuales.

En el centro del relato está la relación de Richard con Watson Bryant -Sam Rockwell-, el abogado que toma la defensa de su caso. Ambos se conocieron anteriormente en una pequeña oficina de abogados donde Richard era el encargado del correo postal. Ahora, en este momento angustiante, Watson es la única carta a la que puede recurrir y para su beneficio, el ahora abogado independiente no duda en tomar su representación. Jewell debe soportar la humillación de ser investigado sin mayores pruebas que acrediten su participación y de ver cómo su madre sufre por esta situación. También asume estoicamente presiones indebidas. Su respeto a la autoridad y a la ley le hace más vulnerable aún pero con ello también muestra un coraje digno de destacar e imitar. Watson no solo debe lidiar con las implicancias jurídicas de una situación que a todas luces se presenta como un caso débil sino que también con la firme convicción de inocencia de su representado la que tal vez por lo mismo le impide defenderse y se expone en demasía.

Clint Eastwood filma un guion escrito por Billy Ray, basado en el artículo de 1997 “American Nightmare: The Ballad of Richard Jewell” de Marie Brenner y lo dota de carácter documental. “Es una historia que necesita ser contada”, señala el director y con ello define su posición sobre la injusticia que recae sobre Richard, las investigaciones parciales y guiadas hacia el primer sospechoso, las verdaderas responsabilidades del acto terrorista y la influencia de los medios en casos de esta connotación social. “Es por eso que quise hacer esta película", continúa el director, "para devolverle el honor a Richard. Porque es el hombre común, que quiere ser un oficial de policía, más que nada, para dedicarse a mejorar a la humanidad, quien hace esta acción heroica y luego paga un alto precio por ello”.

“El caso de Richard Jewell” encierra muchos detalles y puntos de vista. Es real, compleja y tambien polémica; fija posiciones que naturalmente pueden ser compartidas, rebatidas o tal vez solo desestimadas. Eastwood, con una cámara precisa y clara que pone su foco en la humanidad de los personajes, en sus sentimientos y emociones, logra trasmitir un mensaje vital sobre una realidad que muchas veces se instala por sobre la veracidad de los hechos. Nuevamente Clint Eastwood nos regala, fiel a su estilo y a su manera, un homenaje a la justicia filmando una historia que lleva a la reivindicación definitiva de Richard Jewell.

Ficha técnica 

Título original: Richard Jewell
Año: 2019
Duración: 131 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Malpaso Productions / Warner Bros. Brasil / Appian Way / Misher Films / 75 Year Plan Productions. Distribuida por Warner Bros. Brasil
Género: Drama | Basado en hechos reales. Juegos olímpicos. Años 90. Periodismo
Guion: Marie Brenner, Billy Ray
Música: Arturo Sandoval
Fotografía: Yves Bélanger
Reparto: Paul Walter Hauser, Jon Hamm, Olivia Wilde, Sam Rockwell, Kathy Bates, Wayne Duvall, Dexter Tillis, Desmond Phillips, Nina Arianda, Ian Gomez, Randy Havens, Mike Pniewski, Niko Nicotera, Dylan Kussman, Beth Keener, Billy Slaughter, David Shae, Shiquita James, Deja Dee, Kendrick Cross, Jill-Michele Melean, Mitchell Hoog, David Lengel, Marc Farley, Victoria Paige Watkins, Charles Green, Shawn Weston Thacker
Dirección: Clint Eastwood