Viaje Vegetal (SANFIC16, Competencia de Cine Chileno)

A un costado Del Río Ucayali, en la Amazonía peruana, encontramos a una pareja muy particular de curanderos de la etnia Shipibo Conibo. Ambos trabajan codo a codo en las diversas labores del hogar, las cuales se multiplican en ciertas épocas del año cuando su casa se transforma en un pequeño centro de medicina natural. Junto a su numerosa familia reciben aventureros de todo el mundo en búsqueda de sanación, de autoconocimiento y de experiencias psicodélicas. Esta remota selva y su gente introducen al visitante por el misterioso mundo de las plantas maestras. 

Una cámara cercana, casi intrusiva, muestra fragmentos. Estamos en la selva, los colores son vibrantes, la naturaleza exuberante. La luz en exteriores es intensa y en la noche, penumbra. En el metraje observamos una pareja de curanderos con una particular cultura. Sanación física y espiritual a través de plantas. Muchas personas les visitan buscando sanarse; encontrarse a sí mismos, descubrir una naturalidad perdida, conectar con lo simple y lo natural. 

El trabajo del director Antonio Fernández (1975) es en base a escenas extensas. Muestra a quienes viven en el lugar y a sus visitantes. En lo simple y cotidiano. Les ayudan a conectar. La interacción es diversa, en ocasiones solo están juntos, comparten la mesa, cantan; viven una experiencia. 

Este trabajo documental nos invita a un recorrido, un “Viaje Vegetal”. Los fragmentos, o bien la decisión de fragmentar, en mi opinión no colabora. Me mantuvo al margen, aunque como observador privilegiado, y no logró involucrarme a pesar de la belleza innegable de los entornos retratados y la particularidad de las personas del lugar. 

Ficha técnica 

Idiomas: Español, Inglés 
Productora: Amparo Baeza 
Editor: Antonio Fernández 
Director: Antonio Fernández (1975)

Blanco en Blanco (SANFIC16, Competencia Internacional)

En el preludio del siglo XX, Pedro arriba a Tierra del Fuego, un territorio hostil y violento, para fotografiar el matrimonio de un poderoso latifundista. La futura esposa, apenas una niña, se convierte en su obsesión. Tratando de capturar su belleza traiciona al poder que domina al territorio. Descubierto y castigado, Pedro es despojado de sus privilegios. No puede escapar y acaba siendo partícipe y cómplice de una sociedad que convive con el genocidio de los nativos Selknam. 

Un retrato en un lugar inhóspito marca el comienzo de la cinta. Se trata de la fotografía de una niña, novia de un terrateniente omnipresente, Mister Porter. Alfredo Castro encarna a Pedro, el retratista, el fotógrafo. 101, 102, 103… la exposición a la luz. Una música disonante y un paisaje bello, blanco, impoluto, nos ponen en alerta. 

Los retratos son momentos, solo instancias. El viento blanco cubre el lugar; soledad, ausencia, vacío. Pedro es obligado a dejar su oficio de fotógrafo. Cambia de trabajo, ahora es uno más de los obreros del lugar. La cámara distante descubre una brutalidad. Se persigue a los nativos Selknam, se les caza, se les domina, se les abusa; se les mata. Tomas largas, amplias muestran ahora otro retrato, el retrato de una barbaridad. 

Inquietante propuesta del guionista y director Theo Court rodada en Tierra del Fuego y en las Islas Canarias, en Tenerife. Bella fotografía, una dirección artística que destaca y música certera. Excelente trabajo de producción para una profunda historia. 

Ficha técnica 

Producción: José Alayón, Eva Chillón, Marina Alberti, Giancarlo Nasi 
Guionista: Theo Court 
Guionista: Samuel M. Delgado 
Director de Fotografía: José Alayón 
Directora de Arte: Amparo Baeza 
Editor: Manuel Muñoz 
Música: Jonay Armas 
Elenco: Alfredo Castro, Lola Rubio, Lars Rudolph, Alejandro Goic, Ignacio Ceruti, David Pantaleón, Esther Vega 
Director: Theo Court

Las mujeres de mi casa (SANFIC16, Competencia de Cine Chileno)

Una familia compuesta por tres generaciones de mujeres, convive y coexiste con sus distintos procesos y etapas de vida en una antigua casa de Ñuñoa. Por un lado, Leonor, debe decidir su futuro, por otro Mónica decide vender la casa en la que han vivido toda su vida, y finalmente, Emilia, debe enfrentarse al Alzheimer, provocando que esta familia se transforme, se disuelva y se una en torno a un mismo espacio y tiempo que se ve reflejado en una casa que está prontamente por venderse. 

La propuesta de la guionista y directora Valentina Reyes (1996) involucra tres generaciones. Abuela, madre e hija. Tres mujeres que viven en una casa ñuñoina. La cámara muestra diferentes ángulos y espacios cerrados. Son mínimos los abiertos. Se siente la angustia, la incertidumbre, la pérdida de identidad; la pérdida, a secas. 

El arte está siempre presente. La abuela, Emilia -Grimanesa Jiménez-, es pintora. Leonor -Bernardita Nassar-, su nieta, toca guitarra. Hay recuerdos, historias, la casa lo envuelve todo. Mónica -Trinidad González-, entre ambas, debe lidiar y asumir lo inevitable. No puede mantener el inmueble, debe venderlo. Un proceso doloroso, triste. 

Surge complicidad entre abuela y nieta. También la rebeldía. Los lazos profundos afloran; el cariño es enorme. En esta ensoñación, en la idealización de un pasado vibrante, todo comienza a desvanecerse. Una pérdida que obliga a soltar el pasado para poder seguir adelante. 

Ficha técnica 

Idioma: Español 
Guionista: Valentina Reyes 
Productora: Consuelo González 
Director de Fotografía: Felipe Peña 
Directora de Arte: Fernanda Gallardo 
Editor: Francisco Bilbao 
Música: Álvaro Matus 
Elenco: Bernardita Nassar, Trinidad González, Grimanesa Jiménez 
Directora: Valentina Reyes

Gat in die muur

Disponible en Netflix.

Dirigida y protagonizada por Andre Odendaal, esta cinta cuyo título significa “un hoyo en la pared”, es la historia de Riaan. Tras ser diagnosticado de un avanzado cáncer, decide llevar a cabo una inusual despedida. Después de conocer a una joven en la playa, Ava -Tinarie van Wyk Loots-, le ofrece un particular trato; un año de salario por un mes con él. Y convoca desde el extranjero a su único hijo, Ben -Nicholas Campbell-, para que les acompañe en un particular viaje. 

Riaan parece haber tenido una vida al límite. Se nota en sus facciones, en su cuerpo, en su ánimo. El cáncer que ahora padece es doloroso: Se sobrepone, sin embargo cuando los dolores se agudizan solo algo de cannabis logra aliviarle. La compañía de Eva y Ben le ayuda aunque no es nada fácil. No conoce a su hijo, tampoco a la joven. ¿Busca conocerles? La respuesta es vaga. Hay una búsqueda, pero no está del todo claro cuál es esta búsqueda. 

La cinta está hablada en afrikáans​, una lengua germánica derivada del neerlandés medio usada principalmente en Sudáfrica y Namibia, lo que la torna diferente, al menos en la forma. La leyenda local a la que hace alusión el título -los espíritus de los ancestros regresarían a cuidar a las nuevas generaciones- también es un aporte, una lección, una enseñanza. Pero en este escenario de encuentro y despedida la cinta se mueve lento y deja mucho espacio; la relación con lo que sucede se pierde de vista, se escapa. 

“Gat in die muur”, bajo mi perspectiva, prentende más de lo que finalmente transmite. Carece de cercanía y de personajes más desarrollados y profundos. Silenciosa, lenta, extensa, no logra emocionar, pese a su temática. El cáncer es una enfermedad difícil y además tratarla en un relato de este tipo es un desafío aun mayor. La actitud de Riaan, eso sí, es relevante. No se echa a morir. Quiere vivir “a concho” sus últimos días y estar acompañado. Pero, ¿y la conexión emocional con sus acompañantes? Acá es donde creo que la cinta falla porque tampoco logra conectar conmigo, espectador. Interesante trabajo por los paisajes y fotografías que descubre durante su metraje. Lamentablemente queda en deuda desde el plano personal y emocional. 

Ficha técnica 

Título original: Gat in die muur 
Año: 2016 
Duración: 104 minutos 
País: Sudáfrica 
Guion: Susan Coetzer (Idea: Andre Odendaal, Johan Vorster) 
Música: Andries Smit 
Fotografía: Guy de Lancey 
Reparto: Andre Odendaal, Tinarie van Wyk Loots, Nicholas Campbell, Bheki Mkwane, Anna Davel 
Género: Drama | Enfermedad 
Dirección: Andre Odendaal, Johan Vorster

Durante la tormenta

Disponible en Netflix. 

La premisa de esta cinta del director español Oriol Paulo es el espacio-tiempo. Un fenómeno climático provoca una interferencia temporal que conecta dos realidades. Además, esta conexión provoca una reacción en cadena con cambios radicales. ¿Suena conocido? 

Adelantar la trama creo que puede hacer perder la sorpresa. Seré cuidadoso de contar poco para invitarles a descubrir la historia. Me remitiré a los personajes principales. Vera -Adriana Ugarte- está casada con David Ortiz -Álvaro Morte, sí nada menos que “el profesor”- y tienen una hija pequeña. Al cambiarse de casa descubren en el altillo una vieja cámara de video, un televisor y varias cintas. Las exploran. Ven un niño tocando guitarra, cantando. Son imágenes de hace 25 años, 1989, exactamente el 9 de noviembre de ese año, día de la caída del Muro de Berlín. Durante la noche la tormenta arrecia, la televisión se enciende sola y Vera se levanta a ver. Allí se produce la conexión, al otro lado de la pantalla está Nico, el niño de los videos.  

En la mañana, Vera despierta desconcertada. Su realidad ya no existe. Su marido no la reconoce y su hija nunca nació. Está descolocada, desorientada, perdida. Recurre a la policía y el inspector Leira -Chino Darín- intentará ayudarla. Hay más detalles y una historia paralela que sucede en una casa vecina. Vera deberá desentrañar los misterios y conexiones que le permitan entender lo que sucede y así recuperar a su hija. 

La cinta, indudablemente, nos recuerda “Dark” y por supuesto las comparaciones son odiosas. Es mejor no hacerlo y dejar que la película fluya aunque reconozco que me costó al comienzo. El guion de Oriol Paulo y Lara Sendim se circunscribe solo a dos realidades. Presenta un puzzle, un rompecabezas que debemos armar junto a la protagonista. Las especulaciones nacen espontáneamente. ¿Cuál es la verdadera realidad? ¿Qué sucede en esta conexión? ¿Cambia el presente, el pasado; ambos? 

“Durante la tormenta” se pasa literalmente volando. Son 128 minutos que no se notan porque el ritmo es constante y lo que sucede inquietante. Las interrogantes que surgen se responden con giros y la trama se enreda más y más. Claro, hay cabos sueltos y detalles que se podemos pasar por alto sin darnos cuenta. La atención que requiere de nosotros es constante, si pestañeamos puede ser que nos perdamos algo. ¿Cómo se resuelve? No se vislumbra salida. Solo algo inesperado podría dar con la tecla, tal vez, pero no lo sabemos. El mal tiempo continúa, Vera sigue intentando resolver la encrucijada y nosotros la acompañamos “Durante la tormenta”. 

Ficha técnica 

Título original: Durante la tormenta 
Año: 2018 
Duración: 128 minutos 
País: España 
Productora: Atresmedia Cine, Colosé Producciones, Mirage Studio, Think Studio 
Género: Ciencia ficción. Thriller | Viajes en el tiempo 
Guion: Oriol Paulo, Lara Sendim 
Música: Fernando Velázquez 
Fotografía: Xavi Giménez 
Reparto: Adriana Ugarte, Chino Darín, Álvaro Morte, Javier Gutiérrez, Miquel Fernández, Nora Navas, Clara Segura, Julio Bohigas-Couto, Mima Riera, Francesc Orella, Albert Pérez, Silvia Alonso, Aina Clotet, Ana Wagener, Ruth Llopis, Belén Rueda 
Dirección: Oriol Paulo

Retablo

Disponible en Netflix. 

Esta cinta del director Alvaro Delgado Aparicio es delicada. Tanto el argumento como su desarrollo revelan una minuciosa preocupación por los detalles. Y son muchos. 

Segundo -Junior Bejar Roca-, de 14 años, trabaja con su padre construyendo retablos. Noé -Amiel Cayo- es reconocido como “el maestro”. Su trabajo artístico es fino y especial. Estos retablos son verdaderos cuadros, describen la emoción a través de sus figuras y el uso de la forma y el color. Segundo colabora con afán. Adora a su padre, es su ídolo, su mentor, su guía, su ejemplo. El amor que le profesa se refleja en sus ojos cuando lo mira, en sus preguntas, en su fiel compañía. Completa el hogar su madre, Anatolia -Magaly Solier-, quien se encarga de la casa que los acoge ubicada en las montañas de la sierra de Ayacucho, Perú. 

Entre las labores del taller y las idas a la ciudad a vender sus trabajos, padre e hijo pasan casi todo el tiempo juntos. Los viajes son largos, están lejos de todo. En una de estas salidas, un descubrimiento provoca un quiebre repentino. Segundo observa a su padre en un acto que se contradice con la imagen que tiene de él. Todo se viene abajo, el cuestionamiento hacia su padre nace y crece en su interior, las preguntas sin respuesta son cada vez mayores. Algo ha cambiado.

El director señala algo que sin duda es el sustento de esta estupenda cinta. “…para mí, Retablo es una historia de amor, una historia sobre lo complicado que es la tolerancia. Sobre la diversidad y lo difícil que es aceptarla. Pero también es una historia entre lo complejo y la modernidad y cómo estas dos fuerzas pueden convivir”. Delgado Aparicio realiza un trabajo notable, sensible y conmovedor con éste, su primer largometraje, hablado en lengua quechua. 

La emoción se percibe en cada escena. En la mirada de padre e hijo, en el brillo de sus ojos. Junior Bejar, que no es actor profesional, posee un talento único para transmitir con gestualidad lo que siente. Basta ver su cuerpo, su postura, pequeños movimientos musculares de su rostro, etc. Su compromiso es total. Una naturalidad que emerge espontánea y libre, donde fluye el sentimiento. 

Esta cinta habla de intolerancia, de machismo extremo, de la vida de una comunidad que tolera algunas cosas mientras otras simplemente las ignora y condena. “Pueblo chico, infierno grande” dice el dicho. Algo de eso hay en este retrato atemporal, moderno o antiguo; transversal. Crudeza, cuando algo es denostado públicamente, tolerancia solo para aquello que conviene o es socialmente aceptado. Un abismo, una fractura; un dolor enorme, inconmensurable. Cuando se cae en desgracia, ¿Qué sentido tiene seguir así? El amor surge como respuesta. "A veces el amor lo vence todo”, nos dice Álvaro Delgado Aparicio. 

La belleza del entorno es algo que distingue a esta producción. Hermosa fotografía -Mario Bassino-, colores luminosos, fuertes, vivos. Es la sierra peruana en esplendor, gráfica, extrovertida. Los bailes, fiestas y comparsas, entregan también elementos particulares que nos acercan a la cultura que representan. Y por supuesto, la confección artesanal de los retablos y su intrínseco valor, es también un punto de distinción para una película que se ha ganado un lugar en la historia de la filmografía del Perú y también de Latinoamérica. 

“Retablo” conmueve. La relación se Segundo con Noé toca fibras íntimas. Quién no ha idealizado a su padre y luego ha tenido alguna decepción en el camino. La cinta pone de relieve lo que sucede después del quiebre, después de aquel punto de inflexión. Y lo hace con sutileza, con delicadeza, con ternura. “Retablo” es a su vez, un retablo de nuestra vida. Nos podemos ver en él, como observando nuestra propia historia. “Retablo” nos interpela al mostrar el lazo indisoluble del amor, el amor padre-hijo, que nada ni nadie puede romper.  

Ficha técnica 

Título original: Retablo 
Año: 2017 
Duración: 95 minutos 
País: Perú 
Productora: SIRI Producciones 
Género: Drama | Familia. Vida rural. Homosexualidad 
Guion: Alvaro Delgado Aparicio, Héctor Gálvez 
Música: Harry Escott 
Fotografía: Mario Bassino 
Reparto: Junior Bejar Roca, Amiel Cayo, Magaly Solier 
Dirección: Alvaro Delgado Aparicio

Work It, al ritmo de los sueños

Disponible en Netflix.

Nunca he podido bailar. Soy torpe, descoordinado. Algún intento he hecho pero sin obtener resultados. Además, como que no me nace. Quizá el ser músico sea una condicionante, por algo dicen que “los músicos no sabemos bailar”. En fin, no me resulta. ¿Por qué esta introducción? Porque me identifico un poco con la protagonista de esta nueva cinta de Netflix. Veamos de qué se trata. 

Quinn Ackerman -Sabrina Carpenter- está a punto de terminar el colegio. Viene la elección de Universidad y ella quiere asistir a Duke. Es su sueño. Cumple bastante bien con los requisitos académicos, es estudiosa y tiene buenas notas. Además, colabora en actividades extracurriculares como el apoyo a un hogar de ancianos y además toca el Cello. Es la alumna ejemplar. Pero en la entrevista de postulación surge algo inesperado. Quien la recibe, Michelle Buteau -Verónica Ramírez-, le dice que ella necesita algo inspirador, una característica que la destaque realmente, que la haga diferente. Quinn, que hace poco ha dejado de ser asistente de iluminación del grupo de baile de la escuela, no sabe qué hacer y se hace una una trampa; le dice que ella también baila. 

La trama de esta película es perfectamente predecible. Desde el comienzo observamos las dificultades y también los caminos que conducen a su solución. Entonces, ¿por qué decidí verla? Por lo descrito en el primer párrafo, ya que la protagonista -igual que yo- tiene un tema con el bailar. Y hasta aquí la identificación, porque Quinn va más allá. Al mentir en la entrevista se mete en un tremendo problema y el baile ya no es una opción, es una obligación, algo indispensable y fundamental para conseguir su anhelo de ingresar a la Universidad de Duke. 

La pirotecnia de los bailes llama la atención, las coreografías y movimientos son frenéticos. Y también lo que se produce al interior del exitoso grupo del colegio liderado por el engreído pero virtuoso Julliard Pembroke -Keiynan Lonsdale-. De hecho, la mejor amiga de Quinn, Jasmine -Liza Koshy-, tiene una disputa personal con Julliard. Por ello es que cuando Quinn no es aceptada para integrarse al grupo y decide formar uno paralelo, Jas la secunda, con algún temor y varias dudas. 

La película es simpática y liviana. La verdad, no pretende nada más. Los estereotipos son clásicos y los temas en juego también. Los hemos visto en muchísimas cintas similares, series, etc. Sumemos un romance, porque Quinn busca un instructor de baile y el elegido es Jake Taylor -Jordan Fisher-, excelente bailarín cuyo camino se ve truncado por una lesión. Los caminos se juntan y … obviamente… se da. 

Si bien carece de elementos originales, “Work It” funciona y en estos momentos es de lo más visto en Netflix. Me aventuro a pensar que su confección ligera ayuda mucho para distraernos de los problemas. No necesitamos pensar demasiado sino solo observar y sonreír con la historia. A veces es necesario hacer pausas que nos permitan desconectar. Pasar un rato agradable y disfrutar de coreografías se agradece. Además, sabemos de antemano que eso es todo. Y ojo que tiene algunos temas enunciados que no dejan de ser importantes, pero no es lo medular. Lo central es la entretención, un momento para que la mente se pueda ir a otro lugar y a otro espacio. La música y el baile ayudan y mucho; “Work It” también. 

Ficha técnica 

Título original: Work It 
Año: 2020 
Duración: 93 minutos 
País: Estados Unidos 
Productora: Distribuida por Netflix. AK Worldwide, Alloy Entertainment, STX Entertainment 
Género: Musical. Comedia | Comedia juvenil. Baile. Colegios & Universidad 
Guion: Alison Peck 
Música: Germaine Franco 
Fotografía: Rogier Stoffers 
Reparto: Jordan Fisher, Sabrina Carpenter, Keiynan Lonsdale, Michelle Buteau, Drew Tanner, Liza Koshy, Naomi Snieckus, Teya Wild 
Dirección: Laura Terruso

El banquero de la resistencia

Disponible en Netflix.

Basada en hechos reales, esta cinta relata la historia de Walraven (Wally) van Hall -Barry Atsma-, un banquero comprometido con la resistencia holandesa durante la Segunda Guerra Mundial. Los sucesos se remontan a la ocupación nazi y la necesidad de financiamiento para familias desposeídas, artistas y familiares de prisioneros de guerra. Wally y su hermano Gijs -Jacob Derwig-, crearon un completo sistema financiero en las sombras para apoyar al Fondo de Ayuda Nacional -Nationaal Steunfonds (NSF)-, organismo con cerca de 2.000 funcionarios y cuyo trabajo en colaboración con el gobierno de Londres configuró el llamado "Banco de la resistencia". 

La película se centra en Wally y en su agudo sentido solidario. Un sentido del deber que incluso pone en jaque la seguridad de su familia. Los riesgos son enormes. Todo es clandestino, secreto, bajo siete llaves. Los nazis están encima y los soplones también. Y no solo por conveniencia; las torturas y apremios terminan por pasar la cuenta y más de alguno, bajo presión extrema, entrega nombres. La audacia de Wally se contrapone a la prudencia de Gijs. No obstante aquello, prima la visión del primero, cuya fuerza y decisión es encomiable. Los valores que representa el protagonista son esenciales. La protección de la vida, la ayuda solidaria, la contención emocional, la acción decidida. No importa lo difícil que resulte la misión. La importancia vital de lo que aquello significa le impulsa a continuar. Su conciencia es clara. El destino está trazado y su aporte resultará fundamental. 

El director Joram Lürsen filma con mucha calma. El guion es reposado y no tiene apuro, salvo cuando describe las operaciones ilegales que los hermanos llevan a cabo. Papeles falsos, letras del Tesoro falsificadas, lavado de dinero y financiamiento a cerca de 30.000 obreros ferroviarios en huelga, figuran entre las diversas triquiñuelas destinadas a desafiar y burlar el control alemán. En este aspecto, la cinta es confusa, difícil, algo árida. Comprender las triangulaciones y los instrumentos empleados tal vez requiere más explicación, algo que la narración no profundiza. Su foco es otro, está puesto en Wally. 

La figura de este singular banquero se agiganta con la película, se transforma en un sentido homenaje para este hombre dispuesto a todo por la defensa de sus ideales. El actor Barry Atsma preparó su rol con el hijo de van Hall, Aad, que tenía 82 años en el momento del rodaje. La familia también participó en la confección de la historia, velando siempre por el espíritu y carácter de quien la inspira. 

La música compuesta por Merlijn Snitker tiene a su vez un papel central. Desde los primeros compases imprime un sello que luego se desarrolla durante el metraje. Suspenso, emoción, inquietud, amor, añoranza, melancolía, acción; cada momento está reflejado en esta partitura delicada que destaca por su belleza y ductilidad. Asimismo, cuidadas locaciones y una permanente preocupación por los detalles, entregan a la cinta una confección certera para una época llena de incertidumbre y angustia. 

“El banquero de la resistencia” rescata una historia tal vez desconocida fuera de Holanda. Implica un reconocimiento a personas decididas y comprometidas con la libertad. Aun cometiendo ilegalidades y fraudes, la justificación es por un bien mayor. Así y todo siempre será un dilema si el fin justifica los medios. Cuando la vida de miles está en peligro y millones han sido exterminados, el discernimiento es todavía más complejo. Surgen en esos momentos los líderes que están dispuestos a sacrificar su vida por los demás. A veces, permanecen ocultos o desconocemos su influencia. El mérito que tiene esta cinta va justamente en esta línea, redescubre a Walraven van Hall, destaca su figura narrando sus acciones, y pone en relieve su lugar en la historia. 

Ficha técnica 

Título original: Bankier van het Verzet 
Año: 2018 
Duración: 123 minutos 
País: Holanda 
Guion: Marieke van der Pol 
Música: Merlijn Snitker 
Fotografía: Mark van Aller 
Reparto: Jacob Derwig, Barry Atsma, Pierre Bokma, Fockeline Ouwerkerk, Raymond Thiry 
Productora: NL Film, Evangelische Omroep (EO), Zilvermeer Productions, Mollywood, Nanook Entertainment, Dutch FilmWorks (DFW) 
Género: Drama. Bélico | II Guerra Mundial 
Dirección: Joram Lürsen

Contratiempo

 

Disponible en Netflix.

La abogada Virginia Goodman -Ana Wagener- llega al departamento de Adrián Doria -Mario Casas-. ¿El motivo? El joven y exitoso empresario es el principal sospechoso del crimen de Laura Vidal -Bárbara Lennie-, ocurrido en un retirado hotel en las montañas. Adrián alega inocencia. No recuerda nada de aquella fatídica noche. Solo haberse despertado por los golpes en la puerta de su habitación, al tiempo que descubría, horrorizado, el cadáver de su amante. 

Virginia es conocida como la mejor preparadora de testigos del país. Su retiro es inminente sin embargo acepta éste, como su último caso. Tiene antecedentes nuevos que no están en poder del abogado principal de la causa, Félix Leiva -Francesc Orella-. La fiscalía ha encontrado un testigo clave que puede arruinar la estrategia de la defensa con su declaración en tres horas más. El tiempo apremia, tienen solo 180 minutos y la noche avanza; estratega y acusado deben encontrar la opción para librarse de la cárcel. 

Esta cinta del director Oriol Paulo corresponde a su segundo largometraje. Con un guion escrito por él mismo junto a Lara Sendim, construye un thriller que avanza metódicamente en cada uno de sus argumentos. El protagonista lleva una doble vida. Es un exitoso empresario tecnológico, tiene esposa y un hijo pequeño. Laura, su amante, también lleva una vida parecida en lo formal. Casada, fotógrafa, profesionalmente activa e independiente. Son amantes, están bien así, no quieren cambiar. No obstante, Adrián tiene algunas dudas, asume internamente alguna culpa. Un falso viaje, un encuentro oculto, un incidente, un giro inesperado. 

“Contratiempo” es de aquellas películas donde la intriga que contiene es mejor que su desarrollo. El relato es fragmentado. Durante el diálogo entre cliente y asesora vamos conociendo partes de los hechos. Preguntas precisas arrancan también confesiones. Algunos secretos quedan al descubierto, surge una vulnerabilidad evidente. Observamos la reconstrucción de la historia, visualizamos que no se puede ganar sin sacrificar algo. Con muchas idas y vueltas se presentan varios detalles importantes y otros quedan ocultos. Por esto es que destaca la intriga. Los sucesos no cuadran, algo falta, algo se escapa. La abogada quiere llegar a definirlo, presiona al acusado; ella sabe algo más, parece estar siempre un paso adelante. 

La película sostiene su trama en base a las teorías construidas en torno al brutal crimen. El asesinato, un acusado, algún móvil y testigos. ¿Otros involucrados? Podría ser, pero, ¿por qué? Aparece ahí el principal rol secundario representado por Tomás Garrido -José Coronado-, quien siembra la duda y hace que cambie el curso de la narración. La defensa debe construir su argumento, debe tener detalles que reafirmen el camino escogido. No es sencillo, las piezas se diluyen y con ello disminuyen las posibilidades de enfrentar con éxito a un jurado. Varios hilos están presentes, listos para ser tirados. ¿Cuál lleva a la verdad? ¿Cuál es la verdad? 

En este juego de posibilidades, el título de la película es gráfico; “contratiempo”. Desde luego, lo que surge de inmediato es la carrera y el apremio del tiempo. Pero también adquiere relevancia el percance, el obstáculo o tal vez el accidente al que hace mención el vocablo. Un contratiempo puede cambiar el desarrollo de los hechos. Un contratiempo también puede invertir el orden de los factores. Un contratiempo podría ser la delgada línea entre la libertad y la cárcel. “Contratiempo” funciona en líneas paralelas y resulta entretenida aunque no logre un mayor vuelo o un gran desarrollo. No importa, algunas veces solo basta con la capacidad de mantener la intriga. En este caso lo consigue y la historia supera la película. 

Ficha técnica 

Título original: Contratiempo 
Año: 2016 
Duración: 104 minutos 
País: España 
Productora: Atresmedia Cine, Think Studio, Nostromo Pictures, Colosé Producciones 
Género: Thriller. Intriga | Crimen 
Guion: Oriol Paulo, Lara Sendim 
Música: Fernando Velázquez 
Fotografía: Xavi Giménez 
Reparto: Mario Casas, Ana Wagener, Bárbara Lennie, José Coronado, Francesc Orella, Paco Tous, David Selvas, San Yélamos, Iñigo Gastesi, Manel Dueso 
Dirección: Oriol Paulo

Atómica

Disponible en Netflix.

“Atomic Blonde”, escrita por Kurt Johnstad y basada en la novela gráfica del año 2012 “The Coldest City”, narra la misión de una espía que debe recuperar una lista que contiene nombres de numerosos dobles agentes. El escenario es Berlin, noviembre de 1989, el Muro está por caer y la KGB, la Stasi, el MI6 y la CIA están al acecho. La información contenida en ese documento es vital. 

¿Quiénes son los protagonistas? Primero la espía, Lorraine Broughton -Charlize Theron-, decidida, preparada y dispuesta a todo para cumplir su misión. Luego está David Percival -James McAvoy-, el contacto en Berlín del MI6. Se suma a ellos Delphine Lasalle -Sofia Boutella-, una agente francesa encubierta. Finalmente encontramos a Spyglass -Eddie Marsan, desertor de la policía y quien ha robado la lista.  

La trama no es fácil de seguir, pero no importa, el guion pone énfasis en otros aspectos. Lo necesario es entender que se trata de un juego de agentes y que cualquier paso en falso se paga con la vida. Lorraine Broughton lo sabe y sus arriesgadas se encuentran al límite. Es cierto, su extraordinaria preparación le ayuda. Sabemos que, a pesar de algunos evidentes magullones, sobrevive a la misión; la película comienza con un interrogatorio sobre lo sucedido en Berlin. Desde allí retrocedemos, volvemos, retrocedemos, avanzamos, etc. 

El director David Leitch aprovecha el talento de Charlize Theron al máximo. La filma como una rubia inocente y al mismo tiempo como una empoderada y enérgica agente. Defensa propia, dirán, pero lo cierto es que las peleas son fieras y son hasta que la muerte los separe. Las coreografías de los enfrentamientos son lo mejor de la cinta. Hay planos continuos muy bien ejecutados de palizas implacables. También persecuciones, con seguimientos de cámara tan logrados que la continuidad no se pierde ni un segundo. 

“Atomic” funciona como un placer culpable. ¿Protagonista atractiva? Por descontado. ¿Acción? Tiene una buena dosis de patadas, disparos, carreras y enfrentamientos. ¿Suspenso? También, porque no sabemos quién es quién. Quien, puede no ser quien, y tal vez quien no es quien pensamos que es. ¿Romance? Poco, pero Lorraine y Delphine entregan lo suyo. ¿Política? Con el trasfondo de la caída del Muro de Berlín tenemos un contexto interesante. ¿Espionaje y secretos? Acá hay un poco más, al punto que por más que pongamos atención y queramos descubrirlos, los giros nos toman de sorpresa. Un final entretenido e inesperado y Charlize Theron, como siempre, estupenda. Buen panorama de fin de semana. 

Ficha técnica 

Título original: Atomic Blonde
Año: 2017
Duración: 115 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Focus Features, 87Eleven, Closed On Mondays Entertainment, Denver and Delilah Productions, Film I Väst, T.G.I.M Films
Género: Acción. Thriller | Espionaje. Guerra Fría. Años 80. Cómic
Guion: Kurt Johnstad (Novela gráfica: Antony Johnston, Sam Hart)
Música: Tyler Bates
Fotografía: Jonathan Sela
Reparto: Charlize Theron, James McAvoy, Eddie Marsan, John Goodman, Toby Jones, James Faulkner, Roland Møller, Sofia Boutella, Bill Skarsgård, Sam Hargrave, Jóhannes Haukur Jóhannesson, Til Schweiger, Barbara Sukowa
Dirección: David Leitch

Mujer saliendo del mar

Disponible en Ondamedia.cl 

Ópera prima del director Pablo Rojas Marchini, “Mujer saliendo del mar” es la historia de Elisa -Lucy Cominetti-, una joven que sufre bulling por parte de sus compañeras. Es Chile, década de 1930. Ella estudia en un Liceo de monjas. La disciplina es férrea. Principalmente reciben instrucción en labores domésticas. Elisa es tímida y retraída, sin embargo destaca entre sus compañeras. Le gusta la música, practica el Cello y también toca el piano. El ambiente es discriminatorio, los apellidos pesan. Las clases sociales son importantes. Rebeca -Antonella Orsini-, una de sus compañeras, se fija en Elisa. Se atreve a defenderla, asumiendo por ello un alto costo. Quiere ser actriz. Ambas sueñan con ser artistas.  

De pronto se desencadena la expulsión de Elisa. Rebeca y sus compañeras mienten y la acusan de sobrepasarse. Pese a la defensa de su padre, no hay vuelta atrás. Debe abandonar los estudios. Elisa es diferente, le gustan las mujeres. Ante este “trastorno”, es internada por su familia para lograr curar su “enfermedad”. La presión social es enorme, no se acepta una condición así, no es “natural”. Ya no se encuentran en la gran ciudad, esta familia de clase media-alta ha viajado a la costa, a una pequeña localidad. El tratamiento parece efectivo. Elisa se casa con su médico psiquiatra -Álvaro Espinoza- y comienza así una vida “normal”. ¿De verdad normal? El machismo es absoluto. El control por parte de su marido total y abusivo. Pero Rebeca reaparece, ahora se llama Valentina Letelier y está en una campaña a favor del voto femenino en las elecciones. Se encuentran y sacan chispas. El punto de quiebre está claro. Elisa debe decidir qué sigue en su vida. La opresión actual o la libertad. 

Pablo Rojas también escribe el guion de la cinta. El texto es directo, no deja dudas, enuncia claramente los temas y los desarrolla de forma íntima, desde los sentimientos de Elisa. Los diálogos y los planos cerrados nos acercan a la contención interior. Lo que siente Elisa es una camisa de fuerza. Quiere romperla y no puede. Cede en su intento, en una genuina muestra de postergación. Incluso lo cree correcto, lo asume, no hay otra manera. Su intimidad está pisoteada. Por ello la reaparición de Rebeca es tan trascendente. Un impulso, un motor, una energía.  

La película tiene como elemento central la música. Compuesta por la Cellista Ángela Acuña, posee características marcadas y se transforma en personaje. Elisa toca el Cello y los motivos que la acompañan cuando lo hace son de gran melancolía. “Solos” de Cello, solitarios, una sola voz, una sola melodía. En momentos de tensión la música muta. Ahora los motivos son de repetición constante, armonías cambiantes y un espacio sonoro mucho más lleno, una reminiscencia del compositor estadounidense Philip Glass. En escenas íntimas, el sonido es puro; ante una tensión mayor, silencio. 

Muy interesante este primer trabajo de Pablo Rojas. Imprime un sello personal desde su cámara gracias a la cuidadosa fotografía de Raúl Heuty. Se aprecian finos detalles y un gusto estético delicado. El uso del color también es especial, se nota la dedicación para cada escena. Hay algunas particularidades no logradas, por cierto, pero no nublan en absoluto la calidad final de esta entrega.  

Al conocer la inspiración de la cinta, quedé sorprendido. Se trata del tratamiento libre del cuadro del mismo nombre de Benito Rebolledo (1880-1964). La imagen del cuadro es muy potente. Y la cinta le hace honor. La película nace del cuadro y adquiere vida propia. ¡Un acierto! 

Ficha técnica 

Título original: Mujer saliendo del mar 
Año: 2018 
Duración: 80 minutos 
País: Chile 
Guion: Pablo Rojas 
Música: Ángela Acuña 
Fotografía: Raúl Heuty 
Reparto: Lucy Cominetti, Luz Croxatto, Álvaro Espinoza, Sergio Hernández, Antonella Orsini 
Productora: CORFO 
Género: Drama 
Dirección: Pablo Rojas

Ni en tus sueños

Disponible en Amazon Prime Video. 

¡Qué personajes tan distintos! Ella, distinguida, esbelta, alta. Él, algo descuidado físicamente, desgarbado y simple. Ella, una mujer exitosa, política, Secretaria de Estado del Gobierno de Estados Unidos. Él, periodista irreverente, siempre buscando ser consecuente, metiéndose en problemas por sus ideales. Ella, en el centro del poder, de la influencia y también de lo políticamente correcto. Él, en las antípodas, en los márgenes, en lo menos glamoroso. ¿Quiénes son? Charlotte Field -Charlize Theron- y Fred Flarsky -Seth Rogen-, los protagonistas de esta comedia cuyo título original es “Long Shot”. 

Disparatada por momentos, alocada en otros y con toques de humor obscenos, la película tiene una simpatía que surge en forma espontánea. Me descubrí, varias veces, con la sonrisa dibujada en mi rostro. No carcajadas, pero sí una sonrisa agradable. ¿De qué se trata la historia? En sencillo, Fred ha renunciado a su cargo de reportero porque el medio en el que trabaja ha sido comprado por un conglomerado gigante. Fred no lo tolera. Queda a la deriva y solo el consuelo de su mejor amigo, Lance -O'Shea Jackson Jr.-, le sirve como apoyo. Por su parte, Charlotte está en la cima de su popularidad y de su carrera, incluso avisora competir para la presidencia de los Estados Unidos. Mundos tan distintos pueden tener una coincidencia y se produce en un evento al que ambos asisten. Se miran, se reconocen y conversan; existe un pasado curioso: Charlotte fue niñera de Fred hace 25 años… 

Sin temor a contar demasiado, el casual encuentro abre una ventana para ambos. Fred necesita trabajo y Charlotte necesita ayuda en la escritura de sus discursos. Cuento corto, Fred se une al equipo político y comienza la acción. Una gira mundial por una importante iniciativa ecológica los une más, y… bueno, no hay que ser adivinos… 

Jonathan Levine trabaja muy bien las secuencias de un guion bien armado por Dan Sterling y Liz Hannah. Da gusto la narración, entretenida y coloquial, amen lo que naturalmente podamos desaprobar. La participación de otros personajes como Bob Odenkirk, le dan a la cinta un plus de actualidad. Es secundario, pero se roba la escena cada vez que aparece como el narcisista presidente en ejercicio. Ravi Patel y June Diane Raphael, interpretando a los asesores más cercanos de Charlotte, también le dan frescura al relato, con absurdos y torceduras propias de su tono característico. Todo funciona bien. 

“Ni en tus sueños” -qué mal título en español- está definida para entretener y poco más. No obstante, hay una capa más bajo esta aparente superficialidad. Tiene que ver con la política, con la consecuencia y con lo políticamente correcto. Sin profundizar, queda claro el concepto en juego. ¿Qué prima? ¿La verdad, los reales intereses o una fachada para conseguir otros objetivos? La honestidad política y de la prensa está en entredicho. Las presiones, el poder, los apoyos a cambio de concesiones, la conveniencia, ¿vale la pena? La cinta lo resuelve previsiblemente pero lo deja instalado. Es importante. Pero la cinta apunta hacia otro lado y con todo, aciertos y debilidades, resulta muy agradable de ver. Charlize Theron bellísima. Seth Rogen harto simpático. Una pareja dispareja que resulta encantadora. 

Ficha técnica 

Título original: Long Shot 
Año: 2019 
Duración: 120 minutos 
País: Estados Unidos 
Productora: Distribuida por Lionsgate, Summit Entertainment. Good Universe, Point Grey Pictures, Denver and Delilah Productions 
Género: Comedia. Romance | Comedia romántica. Periodismo. Política 
Guion: Dan Sterling, Liz Hannah 
Música: Marco Beltrami, Miles Hankins 
Fotografía: Yves Bélanger 
Reparto: Seth Rogen, Charlize Theron, O'Shea Jackson Jr., Bob Odenkirk, Andy Serkis, June Diane Raphael, Alexander Skarsgård, Ravi Patel, Lisa Kudrow, Tristan D. Lalla, James Hicks, Randall Park, Aladeen Tawfeek, Nathan Morris, Wanya Morris, Shawn Stockman, Isla Dowling 

Dirección: Jonathan Levine