El hombre del futuro

Felipe Ríos Fuentes es el autor y director de esta cinta chilena que participó en el SANFIC 15. La película narra la historia de Michelsen -José Soza-, un veterano camionero austral que está al borde del retiro. Los años no han pasado en vano, Michelsen está enfermo y viejo, su jefe le acaba de anunciar su último viaje -que es en rigor su despido- y parece que el ciclo de la vida se vierte sobre él. Elena -Antonia Giesen- su hija, no quiere saber nada de su padre, rehuye de él, lo rechaza y también emprende un viaje al sur para participar en una pelea de boxeo. Y hablamos del sur de Chile, muy muy al sur, Cochrane, Villa O Higgins y Caleta Tortel.

La fotografía de Eduardo Bunster es maravillosa. Retrata el Chile austral con una mirada artística y llena de sutilezas. Asimismo, los encuadres a los protagonistas son muy acertados y precisos. Podemos percibir sus rostros en detalle, primeros planos arrebatadores muestran la vejez de Michelsen, su historia, sus reproches, su sufrimiento interior, el ocaso de su vida. También se centran en la juventud de Elena, su rebeldía, su opresión, sus ansias de vislumbrar nuevos rumbos. Ambos personajes están en extremos opuestos, tanto por su edad como por la situación que la vida les ha deparado.

Ríos compone un relato que se soporta mayormente en la actuación de José Soza. Cuando él está presente, la pantalla se llena. Cuando sale, hay un bajón natural hasta que regresa. Los personajes secundarios también tienen un ligero desbalance. El mejor, sin duda, y tal vez el mejor actor secundario de las películas del SANFIC 15, es Roberto Farias que interpreta a un colega camionero que lleva al sur a Elena. Su mirada es aguda, sus comentarios justos y su mensaje extremadamente claro. Otros secundarios, como la joven turista argentina que se sube al camión de Michelsen, no logra convencer. Tampoco demasiado la madre de Elena y en cierta medida las dos mujeres -madre e hija- que reciben al protagonista en su tránsito austral.

“El hombre del futuro”, título extraño y motivo de debate del Jurado SIGNIS en el SANFIC15, es una propuesta diferente e interesante. Plantea más interrogantes que respuestas. Posee un guion inteligente -aunque tal vez a ratos con un ritmo muy cadencioso- que nos transporta directo a lo sentimientos de los protagonistas en un viaje que puede ser interpretado de muchas formas. Aquello es lo más valioso de la cinta, el recorrido ascendente y descendente de sus protagonistas, su interioridad profunda y la vital conexión padre-hija. Un acierto para una de las películas más destacadas del SANFIC 15 y que ya está en nuestra cartelera.

Ficha técnica

Título original: El hombre del futuro
Año: 2019
Duración: 96 minutos
País: Chile
Género: Drama
Guion: Felipe Ríos Fuentes
Fotografía: Eduardo Bunster
Reparto: María Alché, Roberto Farias, Giannina Fruttero, Antonia Giesen, Amparo Noguera, José Soza
Dirección: Felipe Ríos Fuentes

Había una vez en... Hollywood

A fines de los años 60, Hollywood está cambiando. Lo que antes funcionaba, ya no, y los pilares de la industria clásica comienzan a ceder. Pero Hollywood está siempre en ebullición, lleno de estrellas, pasadas, presentes y futuras, sin distinción. Una de las primeras está siendo olvidada rápidamente y lo está pasando mal. Se trata de Rick Dalton -Leonardo Di Carpio- figura de un wéstern televisivo que ya no encuentra cabida en la pantalla grande y le cuesta mucho mantenerse vigente en el ambiente. Rick tiene un doble de acción, Cliff Booth -Brad Pitt-, que lo cubre en todas las escenas peligrosas. Cliff también es partner, consejero, chofer y asistente de Rick, en una relación que va más allá de lo profesional e incluso más allá del cultivo de una estrecha amistad. Dalton vive solo y en la colina, en una magnífica casa vecina a la mansión que comparten Roman Polanski con la bella Sharon Tate -Margot Robbie-, joven actriz de ascendente éxito. 

Hablamos de la novena película del director Quentin Tarantino, quien no necesita mayor presentación. “Había una vez en... Hollywood”, que debutó en el Festival de Cannes de este año, fue recibida con mucho entusiasmo y elogiosas críticas. Fiel al estilo de su director, la película es un gran universo donde cada elemento tiene un espacio destacado. Algo notable de la narrativa de Tarantino es que no existe ningún apuro en el correr de su metraje. La cinta dura 165 minutos y no resulta larga. Es justa y precisa, porque cada escena y cada secuencia, tiene su pulso y su tiempo. Esta característica, difícil de encontrar y cada vez más escasa en el cine actual, tiene su base en la construcción del guion y en la manera de filmarlo, ámbitos en los que Tarantino tiene una mano maestra que no nos deja de sorprender.

Corre el año 1969 y acontecen varios hitos que se transforman en excelentes escenarios para dar curso a este especial homenaje. Vemos el movimiento Hippie, las extrañas sectas, los extremos ideológicos de esos años y el desenfreno junto a otras tantas situaciones propias de una época que resulta difícil de olvidar. La cinta las recorre con calma, podríamos decir que a fuego lento, permitiendo observar en primera línea esta provocativa oda a la meca del cine norteamericano.

“Había una vez en... Hollywood” no solo es un relato magistral. También tiene un conjunto de factores que potencian un discurso dramático que atraviesa diferentes géneros y formas. Uno ya clásico del autor es la música. Tarantino nos ofrece una deliciosa banda sonora compuesta de muchísimas canciones que no solo le dan contexto a la historia sino que también nos llevan directo a su momento en el tiempo. ¡Qué decir de las recreaciones! Están hechas con extrema finura y detalle. Entregan escenarios ideales para que los actores interpreten a sus personajes. El elenco también es increíble; ver juntos a Leonardo Di Carpio, Brad Pitt, Margot Robbie, Al Pacino y muchos otros, es un lujo y hay que disfrutarlo pues llenan la pantalla de carisma, personalidad y actuaciones que recordaremos por un buen tiempo. Tarantino tampoco se olvida de incluir secuencias que nos dejen con la boca abierta y en esta ocasión guarda la artillería pesada para un final desbordante, remate perfecto para una construcción perfectamente cuidada.

La expectativa que genera Tarantino es alta y tal vez por ello sus guiones son tan esperados. Incluso, se habla del estilo tarantiniano... En ese sentido, este último trabajo del genial director es una muestra que su creatividad sigue en progreso, independiente de las diferentes grados de acercamiento que puede generar. El cine de Tarantino no es fácil, es más bien incómodo. Tampoco es lineal, asume que los espectadores somos capaces de algo más y no nos trata como tontos. Su cine es desafío y propuesta, para que cada uno de nosotros pueda pensar y darle sentido a lo que presenciamos. Este cine, de alta factura técnica y de particular estética, es poseedor de una concepción artística que aspira a romper moldes y a ir más allá. Esto es lo que justamente, y muchas veces, buscamos encontrar en la pantalla grande. Un material dramático que sea una buena historia pero que además esté contado de manera mágica. Para ello no son indispensables los fuegos artificiales ni los desmesurados efectos especiales. Solo se requiere un relato bien armado, con un buen desarrollo y ejecutado con precisión, todos ellos elementos que el cine de Quentin Tarantino durante estos años ha adoptado como columna vertebral, en su esencia más pura y vital.

Ficha técnica 

Título original: Once Upon a Time in... Hollywood
Año: 2019
Duración: 165 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Sony Pictures Entertainment (SPE) / Heyday Films / Visiona Romantica
Género: Thriller. Drama. Comedia | Crimen. Años 60. Comedia negra
Guion: Quentin Tarantino
Fotografía: Robert Richardson
Reparto: Leonardo DiCaprio, Brad Pitt, Margot Robbie, Al Pacino, Margaret Qualley, Kurt Russell, Bruce Dern, Timothy Olyphant, Michael Madsen, Tim Roth, Zoe Bell, Damian Lewis, Luke Perry, Emile Hirsch, Dakota Fanning, James Marsden, Clifton Collins Jr., Scoot McNairy, Damon Herriman, Nicholas Hammond, Keith Jefferson, Spencer Garrett, Mike Moh, Clu Gulager, Martin Kove, James Remar, Lena Dunham, Austin Butler, Leslie Bega, Maya Hawke, Brenda Vaccaro, Lorenza Izzo, Penelope Kapudija, Rumer Willis, Dreama Walker, Costa Ronin, Madisen Beaty, Sydney Sweeney
Dirección: Quentin Tarantino

Araña

Inés y Justo, jóvenes idealistas que en 1971 luchan contra la Unidad Popular formando parte del movimiento nacionalista Patria y Libertad -que con acciones violentas y sabotajes busca derrocar el gobierno de Salvador Allende- se ven amenazados por el regreso de Gerardo, un viejo camarada traicionado por el grupo y que reaparece para poner en peligro la alta posición social lograda en estos más de 40 años.

Andrés Wood se interna nuevamente en la historia chilena, específicamente en los años previos al Golpe militar, para narrar una historia de amor que se desarrolla en un contexto que estremece por su contenido ideológico, radical y violento. Lo hace con una cinta marcada por los detalles, con un guion delicadamente construido que va mostrando paso a paso los acontecimientos, tanto pasados como actuales, con una fluidez que resulta natural, atractiva y apasionante.

La protagonista es Inés -Mercedes Morán y María Valverde (joven)- reina de belleza, aguda, penetrante y audaz en los 70, es actualmente una empresaria con reconocido prestigio, segura de sí misma y dueña de una gran personalidad. Por otra parte, Justo -Felipe Armas y Gabriel Urzúa (joven)-, su marido, entonces carismático líder del movimiento anti UP, ahora preocupado, deteriorado y deprimido por el alcohol y quizá también por la culpa. El triángulo se completa con Gerardo -Pedro Fontaine y Marcelo Alonso (actual)-, joven rebelde, atrevido y violento que ahora regresa para defender -y tal vez vengar- sus ideas y convicciones de justicia, incluso con sus propias manos.

El relato gira entorno a este núcleo principal y Wood lo filma puro, con cuadros muy bien construidos, con luces y ángulos de cámara que denotan su oficio y que tienen una alta factura técnica. Hay tanto texto y subtexto en esta cinta que la dispersión podría reinar, sin embargo todo calza perfectamente y el metraje atrapa más y más en la medida que avanza la historia. Los cambios entre las épocas, las excelentes interpretaciones, la recreación histórica y presente y lo cuidadoso de cada toma son deslumbrantes y confirman que el oficio que tiene Andrés Wood es de alto vuelo.

El contexto del momento histórico hace difícil empatizar con los protagonistas, más aún con la posición de la que actualmente gozan. No obstante aquello, se produce un acercamiento con Inés y Gerardo, tal vez a través de ángulos menos convencionales. ¿Amor, pasión o puro idealismo? No se responde concretamente pues el cínico juego de provocación que se da en el pasado es la motivación de una violencia desatada, un idealismo extremista, desenfrenado y también desmedido, fuera de contexto, tal vez, para quienes solo hemos escuchado y leído lo ocurrido en esos complejos años.

Así y todo, Andrés Wood y el guionista Guillermo Calderón, también se encargan de poner sobre la mesa otros temas en perspectiva; desnudan el sistema médico, vulnerable a las intervenciones del poder; el ámbito de los medios de comunicación, dominadores en base al prestigio y al poder social y económico que sustentan; la rebelión de un hijo ante sus padres que resulta casi un pataleo imperceptible en aguas profundas; la presencia de los migrantes en el Chile actual; los celulares que captan todo; la historia disponible a la mano en Internet, entre muchos otros.

La banda sonora de la cinta es tensa y aguda. Obra de Antonio Pinto incorpora temas de época y largos silencios que ponen aún más presión a las escenas claves. Un acierto es el uso del Divertimento en RTe Mayor, K 136, de W.A. Mozart con el que se presenta inicialmente a Inés y que posteriormente cierra el relato, superponiendo una versión que añade una guitarra, como un guiño más a la transformación de los personajes -en la forma, pero no en su esencia- y también la profundización de las convicciones juveniles en un presente que, desde otras perspectivas, sigue ofreciéndoles amenazas que los protagonistas deben combatir, cada uno desde su propia trinchera.

Ficha técnica

Título original: Araña
Año: 2019
Duración: 100 minutos
País: Chile
Productora: Coproducción Chile-Argentina; Bossa Nova Films / Magma Cine / Wood Producciones
Género: Drama | Dictadura chilena. Años 70
Guion: Guillermo Calderón
Música: Antonio Pinto
Fotografía: Miguel Littin
Reparto: Mercedes Morán, Marcelo Alonso, María Valverde, Felipe Armas, Pedro Fontaine, Caio Blat, Gabriel Urzúa
Dirección: Andrés Wood

Rápidos y Furiosos: Hobbs y Shaw

La saga de Rápidos y Furiosos siempre ha concitado atención desde el punto de vista del espectáculo que brinda. Las carreras callejeras, las salidas cómicas y esa complicidad familiar del grupo han sido por años su marca registrada. Esta vez, la cinta ofrecida se aleja muchísimo de la esencia y, aunque por momentos intenta algunas similitudes, los esfuerzos que realiza no resultan.

El agente Hobbs -Dwayne Johnson- y el mercenario Shaw -Jason Statham-, no se pueden ver. Cada uno tiene un camino propio que está lo más alejado posible el uno del otro. Cuando un anarquista mejorado ciber-genéticamente llamado Brixton -Idris Elba- roba una peligrosa arma biológica derrotando a la hermana de Shaw -Vanessa Kirby-, agente secreta del M16, ambos robustos protagonistas deben unirse para hacer frente a una amenaza descomunal. La idea no les agrada en absoluto, pero es la única forma.

La cinta muestra acción, sin embargo está muy por debajo del promedio de la franquicia. Claro, esto ya se nota en su título original pues están presentando a los dos personajes y la película es más bien eso, una carta de presentación. Pero, ¡ya conocemos a Johnson y Statham! Entonces esperamos algo más que solamente un saludo a la bandera con herramientas y efectos especiales que no logran disimular un guion que por sabido, ya conocemos de memoria.

Es una lástima que estas películas, que podríamos llamar “placer culpable”, no mantengan al menos su esencia, aquello por las que concurrimos al cine a verlas sabiendo de antemano que solo será diversión garantizada. En este caso, y en mi opinión, ni siquiera lo de garantizada se cumple, pues el resultado es una cinta larga, tediosa por varios momentos y que como mencioné anteriormente, se aleja de la esencia de las verdaderas “Rápidos y Furiosos”.

Ficha técnica

Título original: Fast & Furious Presents: Hobbs & Shaw
Año: 2019
Duración: 135 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Coproducción Estados Unidos-Reino Unido; Universal Pictures
Género: Acción. Ciencia ficción | Buddy Film. Familia. Coches / Automovilismo. Spin-off
Guion: Chris Morgan, Drew Pearce (Personaje: Gary Scott Thompson. Historia: Chris Morgan)
Música: Tyler Bates
Fotografía: Jonathan Sela
Reparto: Dwayne Johnson, Jason Statham, Idris Elba, Vanessa Kirby, Eiza González, Eddie Marsan, Helen Mirren, Cliff Curtis, Joe Anoa'i, Joshua Mauga, John Tui, Lori Pelenise Tuisano, Ryan Reynolds, Rob Delaney, Kevin Hart, Stephanie Vogt, Viktorija Faith, David Mumeni, Conlan Casal, Ruth Horrocks, Sonia Goswami, Helena Holmes, Julian Ferro, Bernardo Santos, Eliana Sua, Daniel Eghan, Amar Adatia, Manoj Anand, James Merrill, Kyle Leatherberry, Matt Townsend, Leo Ayres, Kishore Bhatt, Adam Ganne, Antonio Mancino, Lampros Kalfuntzos, Martin Bratanov, Jay Waddell, Francesca Fraser, Tom Wu, John MacDonald
Dirección: David Leitch

Historias de miedo para contar en la oscuridad

El gancho de esta película es que está producida por Guillermo del Toro, y la verdad, no defrauda para nada porque cumple con la expectativa. La cinta es sólida y está un punto sobre el promedio de su género.

La trama transcurre en 1968 cuando en un pequeño lugar de Estados Unidos un grupo de amigos descubre una casa abandonada que tiene fama de estar poseída. La leyenda dice que una niña -Sarah Bellows- fue encerrada en el subterráneo e incluso que fue torturada y por ello cuenta historias de terror a quienes visitan la casa.

Los personajes adolescentes tienen un carisma bien desarrollado. A pesar de ser estereotipos, construyen muy bien su forma y gracias a ello el relato es atractivo desde un inicio. Stella -Zoe Colletti-, August -Gabriel Rush- y Chuck -Austin Zajur- junto a Ramón -Michael Garza- ven como su aventura toma extraños caminos cuando encuentran en el lugar el libro de Sarah en el que están escritas las historias que ella cuenta. Sin embargo, aún hay hojas por escribir, historias de todo tipo que involucran a otros jóvenes de la comunidad e incluso a ellos mismos, que esta vez se escriben solas y con sangre.

La cinta está inspirada en tres libros de Alvin Schwartz que contienen varias historias cortas basadas en leyendas urbanas, cuentos populares de miedo, mayoritariamente difundidas por tradición oral. Con esta premisa, el guion de Dan y Kevin Hageman se hace cargo de unir las historias presentadas dejando al director André Øvredal la responsabilidad de diseñarlas visualmente.

“Historias de miedo para contar en la oscuridad” tiene algunos guiños interesantes y adicionales a su propia esencia. Algo de la estética de “Strangers Things” y de “It” se hace presente, obviamente con el sello que Guillermo del Toro le imprime y que es reconocible, especialmente en escenas de poca luz y también en la caracterización de los monstruos y criaturas que acechan a los jóvenes. Además de esta característica, la forma de exponer estas historias, su tratamiento sencillo y acotado, más la forma en que se les da la unidad, está muy en sintonía con la narrativa actual que requiere ser concreta y precisa para no dar pie a perder la atención, en especial pensando en un público juvenil. Finalmente, y como un aporte no menor, la trama transcurre en año de elecciones en Estados Unidos. La Guerra de Vietnam está presente como telón de fondo y las alusiones al entonces candidato Nixon no dejan de llamar la atención en cada una de las oportunidades en que aparece en la pantalla de TV. Ésta es prácticamente otra historia de terror, pero claramente corresponde a otra película; cualquier similitud con la realidad actual es solo coincidencia.

Como muchas de las producciones de terror de la actualidad, la cinta comienza mejor que como termina, especialmente luego de entrar en acción las criaturas y monstruos. Antes de ese punto específico, el suspenso se apodera de la audiencia para posteriormente desembocar en un juego audaz de provocaciones visuales y de terror de impacto más que de sugestión. Al margen de este detalle, la cinta cierra bien y deja abierta la posibilidad de al menos una nueva entrega porque los protagonistas están absolutamente decididos a encontrar a sus amigos.

Ficha técnica 

Título original: Scary Stories to Tell in the Dark
Año: 2019
Duración: 111 minutos
País: Estados Unidos
Productora: CBS Films / Double Dare You / Entertainment One / Sean Daniel Company / 1212 Entertainment. Distribuida por Lionsgate / CBS Films.
Productor: Guillermo del Toro
Género: Terror | Sectas
Guion: Dan Hageman, Kevin Hageman, Guillermo del Toro, John August, Marcus Dunstan, Patrick Melton (Libro: Alvin Schwartz)
Música: Marco Beltrami, Anna Drubich
Fotografía: Roman Osin
Reparto: Zoe Margaret Colletti, Michael Garza, Austin Zajur, Gabriel Rush, Kathleen Pollard, Gil Bellows, Javier Botet, Dean Norris, Lorraine Toussaint, Austin Abrams, Mark Steger, Stephanie Belding, Jane Moffat, Natalie Ganzhorn, David Tompa
Dirección: André Øvredal

Dogman

Esta película del director italiano Matteo Garrone sorprende. Inspirada en un caso real conocido como «delitto del Canaro», el homicidio del criminal y boxeador amateur Giancarlo Ricci acontecido en 1988 en Roma, la cinta relata la vida de Marcello -Marcello Fonte- un sencillo y esforzado peluquero y cuidador de perros cuyos mayores amores son su pequeña hija Alida -Alida Baldari Calabria- y los cuidados que entrega con cariño y preocupación a los animales que atiende.

Marcello necesita dinero extra. Los ingresos de su peluquería no le son suficientes para proyectar viajes con su hija y tener un mejor pasar por lo que precisa revender cocaína para obtener algo adicional. Uno de sus clientes, tal vez a esta altura casi amigo, es Simone -Edoardo Pesce-, un violento ex boxeador que tiene atemorizados a todos en el barrio. La influencia que este matón ejerce sobre Marcello es enorme y el protagonista no logra resistirse ni zafarse de él de ninguna forma. La idea de robar la tienda que colinda con la peluquería -una joyería-, es la gota que rebalsa el vaso y que desencadena la máxima tensión de la película.

Con cuidadosas tomas, una cámara viva, penetrante y actuaciones descollantes, en especial la de Marcello Fonte, ganador del premio a mejor actor del Festival de Cannes de 2018, la película se nutre de escasos elementos para transmitir intensas emociones. El seguimiento del protagonista, sus pasos cotidianos, su relación estrecha con los perros -otros grandes protagonistas de la cinta, también ganadores en Cannes por el Reparto Canino-, su rol de padre cariñoso, encantador y una personalidad siempre risueña y liviana, configura un relato que va dejando pocas dudas sobre la naturaleza de Marcello, sus intenciones y su permanente búsqueda bondadosa que, aunque reñida con el delito, lo retrata como una buena persona en un ambiente tóxico que paso a paso lo arrastra hacia la oscuridad.

Matteo Garrone -autor de “Gomorra”, entre otras- nuevamente desafía al espectador con una película intensa, emotiva y que no cede en ningún momento. Hay escenas largas, pocos diálogos y bastante violencia, sin embargo cada secuencia está plenamente justificada y lograda gracias a una edición fina que cuenta con muchísimos detalles.

“Dogman” es, a la vez, tierna y brutal Es imposible no empatizar con su protagonista y también es imposible sustraerse al realismo de sus actos. Entre estos dos extremos se mueve Garrone, provocándonos y a la vez seduciéndonos en un ambiente lleno de sensaciones que atrapan nuestra atención y que se ven potenciadas por la magistral elaboración que logra Marcello Fonte, quien, tal como su nombre real, es simplemente Marcello.

Ficha técnica

Título original: Dogman
Año: 2018
Duración: 102 minutos
País: Italia
Productora: Coproducción Italia-Francia; Archimede / Le Pacte / RAI / Eurimages
Género: Thriller. Drama | Crimen. Drogas. Perros/Lobos
Guion: Maurizio Braucci, Ugo Chiti, Matteo Garrone, Massimo Gaudioso
Música: Michele Braga
Fotografía: Nicolai Brüel
Reparto: Marcello Fonte, Edoardo Pesce, Nunzia Schiano, Adamo Dionisi, Francesco Acquaroli, Alida Baldari Calabria, Aniello Arena, Gianluca Gobbi
Dirección: Matteo Garrone

Y respiren normalmente

Las secuencias iniciales adelantan algo de lo que viene. Paisajes, tomas abiertas, pequeños detalles y continuos traslados, dan un cierto sentido de urgencia, no física ni emocional, urgencia interior.

Lára -Kristín Thóra Haraldsdóttir-, madre soltera en apuros económicos y responsable de su pequeño hijo, busca desesperadamente salir de la precariedad en la que vive postulando al trabajo de revisora de pasaportes en el aeropuerto local. La selección es exigente y el entrenamiento arduo para poder quedarse con el puesto y Lára se esfuerza al máximo. Ya no tiene dinero, las deudas la consumen e incluso debe tomar decisiones vitales como dejar el lugar donde viven porque no puede pagarlo.

Adja -Babetida Sadjo-, inmigrante ilegal que intenta llegar a Canadá, pasa por el control donde está Lára y es descubierta, apartada y llevada a una prisión “sin barrotes”, una especia de casa temporal de acogida de refugiados, donde sus residentes esperan el turno para ser deportados, ya que las posibilidades de quedarse o seguir con su plan original son casi nulas.

Estas dos vidas, tan distintas y en caminos tan diferentes se van a enlazar en un momento. Lo sabemos y es bastante obvio, sin embargo y justamente en este punto está la magia del relato de la directora Isold Uggadóttir, ganadora del Festival de Sundance 2018 con éste, su largometraje debut. Presentando a Islandia como telón de fondo, la también guionista de la cinta construye una historia llena de sentimientos y sensaciones. ¡Cuánto se agradece que los elementos no sean todos explícitos! Este es un aspecto a destacar en un excelente trabajo donde está presente la sutileza, la delicadeza y también el adecuado pudor para tratar innumerables temas actuales, algunos dolorosos y otros controversiales.

Los personajes de la cinta deambulan. Están encerrados producto de sus problemas. No ven salida, sin embargo luchan por encontrarla. No se dejan vencer, intentan salir adelante. La adversidad se transforma en resiliencia, la dificultad en una nueva oportunidad. Cuando todo se cierra y se ve oscuro, no se dejan abatir. Son mujeres con un tesón y una convicción que podría mover montañas; frágiles y fuertes a la vez, con una fuerza interior que las hace trabajar sin ninguna otra consideración que conseguir su objetivo.

“Respira naturalmente”, traducción del título original “Andið eðlilega”, es de esas pequeñas joyas que se encuentran de vez en cuando, ocultas dentro de la masividad del streaming. Está disponible en Netflix por lo que no hay razones para pasarla por alto. ¡En extremo recomendable, imperdible!

Ficha técnica

Título original: Andið eðlilega
Año: 2018
Duración: 102 minutos
País: Islandia
Productora: Zik Zak Filmworks
Género: Drama | Inmigración
Guion: Isold Uggadóttir
Música :Gisli Galdur
Fotografía: Ita Zbroniec-Zajt
Reparto: Kristín Þóra Haraldsdóttir, Babetida Sadjo, Patrik Nökkvi Pétursson, Þorsteinn Bachmann, Arnar Jónsson, Sveinn Geirsson, Helga Vala Helgadóttir, Guðbjörg Thoroddsen, Sólveig Guðmundsdóttir, Bragi Arnason
Dirección: Isold Uggadóttir

Rey de ladrones

Lo más interesante de “Rey de ladrones” es que está basada en una historia real, pero lamentablemente el relato que se hace de la historia no logra ser convincente ni atractivo por lo que no se logra percibir la trascendencia del hecho. 

Una banda de veteranos ladrones se reúne con el objetivo de asaltar el Hatton Garden Safe Deposit, lugar donde se guarda oro y joyas en gran cantidad. Como todos son de la vieja escuela, el robo se planifica muy al detalle. Brian Reader -Michael Caine- es el cabecilla del grupo y a sus 77 años tiene ya bastante recorrido y experiencia. Famoso ladrón en su juventud, acaba de perder a su esposa quien era su cable a tierra, por ello y de regreso en las pistas, no duda en efectuar el atraco ni en reunir a la banda sumando al único joven del grupo, su protegido, un experto en temas electrónicos. El atraco sale bien, logran escapar con el cuantioso botín, sin embargo la policía va encaminada tras ellos gracias a los cabos sueltos que han dejado y a sus relaciones, cada vez más quebradas y conflictuadas.

La cinta dirigida por James Marsh, con guion de Joe Penhall y Mark Seal no está a la altura de lo que quiere retratar. Liviana, lenta y sin personajes suficientemente delineados, su desarrollo es lineal, demasiado obvio y absolutamente plano. Es cierto que la banda sonora le da el carácter de comedia, pero sus chistes y guiños poco graciosos no configuran material a destacar. La nula tensión inicial solo cambia levemente cuando, producto de un trabajo de edición que mezcla rápido las secuencias, se detiene para mostrar más de cerca las peripecias internas de los ladrones y las interminables burlas entre ellos mismos.

Michael Caine no puede hacer milagros a pesar de ser el gancho comercial de la película y tampoco puede evitar que el metraje se vaya a pique en la medida que transcurren los minutos. El mayor conflicto que presenta esta cinta es su duración, los eternos 108 minutos que agradecemos que lleguen a su fin, pues la planicie narrativa simplemente no se puede alargar más. Una lástima, porque la historia es buena y la idea también, sin embargo, ya sabemos, esto no es suficiente para lograr una narrativa que cautive y atrape, menos en los tiempos actuales.

Ficha técnica  

Título original: King of Thieves
Año: 2018
Duración: 108 minutos
País: Reino Unido 
Productora: Working Title Films
Género: Drama | Crimen. Robos & Atracos
Guion: Joe Penhall, Mark Seal
Fotografía: Danny Cohen
Reparto: Michael Caine, Jim Broadbent, Tom Courtenay, Charlie Cox, Michael Gambon, Ray Winstone, Francesca Annis, Paul Whitehouse, Kellie Shirley, Jackson Kai, Bernardo Santos, Martha Howe-Douglas, Keely Cat Wells, Lampros Kalfuntzos, Dino Fazzani, Matt Townsend, Phil Hodges, Nathanjohn Carter, Adam Leese, Dardan Kolicaj, Rich Keeble, Claire Lichie, Sephora Venites, Jeanette Maskell, Andy Gillies, Anna Elijasz, Kit Harvey, Richard Price
Dirección: James Marsh

Spider-Man: lejos de casa

Tom Holland encarna a Spider-Man en esta nueva y vibrante aventura del súper héroe que esta vez se desarrolla bastante lejos de la ciudad de Nueva York. Y ojo, la cinta tiene muchísimos spoilers, por lo que si no ha visto aún “Avengers: Endgame”, y quiere verla, debe hacerlo antes de disfrutar de esta nueva entrega de la saga. Si no la verá o bien no sufre con los anticipos, no hay problema, al menos en este comentario no los encontrará.

Luego de los sucesos del exitoso final de “Los Vengadores”, Peter Parker -Holland- decide tomarse vacaciones al emprender una gira de estudios junto a Michelle “MJ” Jones -Zendaya-, Ned -Jacob Batalln- y el resto de sus amigos. El destino es soñado, se trata de Europa; Venecia, Londres y Paris, entre otras ciudades. Peter renuncia a sus poderes durante el viaje pues su único objetivo es acercarse a MJ y poder decirle todo lo que siente por ella, sin embargo, obviamente, las cosas no salen según lo planeado. Mr. Fury -Samuel L. Jackson- logra contactar a nuestro héroe luego de muchos intentos para que se sume a “Mr. Beck” -sólido Jake Gyllenhaal- un misterioso hombre con superpoderes que lucha contra los “Elementales” -Tierra, Agua y Fuego- que están atacando las grandes ciudades.

La cinta no necesita mayores explicaciones para ser comprendida a pesar que la mayoría de su contenido está enlazado con las anteriores producciones del Universo Cinematográfico de Marvel. Esta película, la número 23 y secuela de “Spider-Man: Homecoming”, no defrauda a sus seguidores y además agrega elementos poco comunes en el contexto de la historia del arácnido personaje. La producción nos pasea por bellos lugares y también logra, con mucho realismo, espectaculares efectos especiales que muestran la destrucción de los paisajes y las ciudades en sensacionales batallas desplegadas a lo largo del intenso viaje.

La música a cargo del versátil Michael Giacchino es un lujo. La partitura crea ambiente, sostiene largas tomas y además logra tener vida propia en varias secuencias que recordaremos posteriormente, incluso en ausencia de las imágenes. El sello del compositor, una vez más, se destaca y se aprecia en toda su magnitud gracias a un balance adecuado que, en completa sincronía, aporta lo propio a un resultado audiovisual sorprendente.

“Spider-Man: Far from Home” funciona bien. Es cierto que no está al nivel de “Pantera Negra” ni “Endgame” -a mi gusto, las mejores del UCM hasta la fecha- sin embargo logra plenamente sus objetivos gracias al sólido guion de Chris McKenna y Erik Sommers, y a una dirección sin contratiempos de Jon Watts que aprovecha al máximo los recursos con los que cuenta imprimiendo al relato un ritmo vertiginoso. 

Tal vez el único punto débil podría ser cierta parte del característico humor en que se basan los diálogos. Esta vez se aprecia un exceso de burlas hacia los profesores a cargo del juvenil grupo y también una exposición -a mi modo de ver, burda- del noviazgo de Ned, focos que en realidad no aportan mucho ni a la historia ni a un relato que tiene su fuerte en el protagonista, muy bien secundado por Gyllenhaal y Jackson con actuaciones sólidas y de alto nivel. 

Por supuesto, no abandone la sala en los créditos finales. Hay escenas nuevas, lo que parece puede no ser cierto, surgen numerosas dudas y todo queda abierto. ¿Les suena conocido? Claro, es Marvel y siempre puede sorprendernos.

Ficha técnica 

Título original: Spider-Man: Far from Home
Año: 2019
Duración: 129 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Marvel Studios / Sony Pictures Entertainment (SPE) / Marvel Entertainment / Walt Disney Pictures / Columbia Pictures
Género: Fantástico. Acción. Ciencia ficción | Superhéroes. Adolescencia. Secuela. Cómic. Marvel Comics
Guion: Chris McKenna, Erik Sommers (Personajes: Steve Ditko, Stan Lee)
Música: Michael Giacchino
Fotografía: Matthew J. Lloyd
Reparto: Tom Holland, Samuel L. Jackson, Jake Gyllenhaal, Marisa Tomei, Jon Favreau, Zendaya, Jacob Batalon, Tony Revolori, Angourie Rice, Remy Hii, Martin Starr, J.B. Smoove, Jorge Lendeborg Jr., Cobie Smulders, Numan Acar, Yasmin Mwanza, Joshua Sinclair-Evans, Toni Garrn, Peter Billingsley, Nicholas Gleaves, Claire Rushbrook, Michael de Roos, Jeroen van Koningsbrugge, J.K. Simmons, Joseph Long, Hiten Patel
Dirección: Jon Watts

Toy Story 4

En esta cuarta entrega de la exitosa y tierna historia de los juguetes animados que siempre nos sorprenden y regocijan con sus divertidas aventuras, Pixar ha logrado un nivel excepcional en la producción lo que se traduce en una gran fluidez que la mayor parte del tiempo nos hace olvidar la forma para concentrarnos solo en el fondo del relato.

Bonnie, en su primer día de orientación en el jardín infantil, confecciona un nuevo juguete hecho con restos de basura. Se trata de Forky, quien junto con transformarse en el preferido e inseparable de su dueña, lentamente se va integrando al grupo. Las aventuras se destapan en un viaje familiar que trae abundantes sorpresas y mucha acción, ya que Woody casi no puede controlar a Forky y ni siquiera la ayuda de Buzz parece ser suficiente. El sorpresivo reencuentro con Bo Peep y sus ovejas, más la aparición de la muñeca Gabby Gabby, añaden un toque de locura a la ya intensa actividad del protagonista, quien no descansa un solo segundo.

Esta nueva cinta pone mucho más énfasis en la acción y en el seguimiento más cercano de Forky y de Woody. El foco cambia porque si bien tenemos escenas emotivas, son algo menores en proporción a las películas anteriores. En esta ocasión parece que todo está mucho más orientado al público infantil dejando menos referencias para los adultos acompañantes. De todas formas, las temáticas abordadas son igualmente importantes y gracias a ello mantiene intacto el carácter de fábula animada, sello característico de toda la saga. Nota aparte para la banda sonora de Randy Newman que por momentos se roba la película. Es tan apropiada y certera que en muchos pasajes me hizo recordar a “Tom y Jerry”, una animación que basaba gran parte de sus escenas de acción en la solidez de una partitura que le entregaba un color especial a cada secuencia.

Toy Story 4 viene a cerrar un ciclo virtuoso. Podrá haber muchas más aventuras, con los mismos personajes y también con otros nuevos, sin embargo el paso de los años no solo se hace presente con el crecimiento de Andy y Bonnie sino también con aquello que los juguetes van desarrollando en su propia evolución. Tan importante como la primera misión que tiene cada uno, que es cuidar de su dueño o dueña, también lo es el encontrar tanto el espacio como el lugar que le corresponde a cada cual en el transcurso de la historia. Observamos en ello una lección importante pues la solución no es desechar sino transformar, algo que Woody solo es capaz de comprender luego de hacer consciente todo lo que ha disfrutado y todo lo que hasta el momento ha vivido, es decir, transformar el conocimiento previo en experiencia para tomar mejores decisiones.

Ficha técnica 

Título original: Toy Story 4
Año: 2019
Duración: 100 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Pixar Animation Studios. Distribuida por Walt Disney Pictures
Género: Animación. Fantástico. Aventuras. Comedia. Infantil | Muñecos. Cine familiar. Secuela. Pixar. 3-D
Guion: Andrew Stanton, Stephany Folsom (Historia: John Lasseter, Andrew Stanton, Josh Cooley, Valerie LaPointe, Rashida Jones, Will McCormack, Martin Hynes, Stephany Folsom)
Música: Randy Newman
Fotografía: Animation, Jean-Claude Kalache
Reparto: Animation
Dirección: Josh Cooley

La vida secreta de tus mascotas 2

Esta secuela de la exitosa película del año 2016 nos trae de regreso a Max y sus amigos. Producida por Illumination Entertainment, dirigida por Chris Renaud, codirigida por Jonathan del Val y escrita por Brian Lynch, la cinta contiene algunos cambios respecto a su predecesora. Si la primera estaba centrada en el descubrimiento de las mascotas mientras sus dueños no estaban en casa, esta segunda parte tiene mucho más de acción y aventura al exterior de los respectivos hogares.

Katie, la dueña de Max se ha casado y ahora tiene un hijo. ¡Ups! Max y Duke han sido desplazados por un bebé que ahora es el centro de atención del hogar y rivaliza con ellos por el cariño de sus padres. Un viaje de vacaciones aparece como el panorama ideal para que la familia logre convivir y superar este cambio de estado que los ha afectado a todos y le ha ocasionado un extremo estrés a Max. Por otra parte, Gidget ha quedado a cargo de cuidar el juguete favorito de su novio Max, sin embargo por un descuido “Busy Bee” ha ido a parar a un departamento repleto de gatos. Y Snowball, el conejo súper héroe, se debe lanzar a una arriesgada misión para liberar de sus captores a un tigre blanco llamado Hu y naturalmente para ello cuenta con la ayuda de muchos de sus amigos en persecuciones llenas de adrenalina.

“La vida secreta de las mascotas 2” se diluye en estos tres relatos. El foco que tiene la primera entrega no se repite en esta segunda, tal vez por el conocimiento previo de los protagonistas y también por la necesidad de marcar un punto que le permita diferenciarse. Los personajes son adorables y las voces encantadoras. El doblaje mexicano, eso si, nos deja “pillos” algunas veces debido a algunos modismos que no alcanzamos a comprender. Pero esos son detalles pues la espléndida animación, la música y secuencias llenas de color y vértigo configuran 88 minutos llenos de vibrante entretención.

Deberemos tal vez esperar una tercera parte para poder ver cuál es el derrotero de la saga. Debo reconocer que en mi opinión personal, me gustó más la primera, sin desmerecer los méritos de esta secuela de la que tenía muchas expectativas las que suelen jugar en contra cuando uno se forma una ilusión, porque naturalmente espera más desarrollo de una idea que en su lanzamiento pareció genial. El conflicto esta vez es más sencillo. Tiene que ver con situaciones simples, la pérdida de un juguete y el rescate de un tigre blanco. La problemática mayor, esa que refleja a Max y Duke con la presencia del bebé, el paseo familiar y la sabiduría campestre de Rooster, a mi modo de ver no logran profundizar el conflicto y el peso es naturalmente menor a lo que más nos llamaba la atención de la propuesta inicial.

Con más altos que bajos, la película entretiene y mantiene en vilo a los espectadores pequeños y a los que ya no lo somos tanto. Da gusto ver películas así, donde grandes y chicos pasamos un momento agradable gracias a una fábula animada hecha con dedicación, calidad y muchísimo talento artístico.

Ficha técnica

Título original: The Secret Life of Pets 2
Año: 2019
Duración: 98 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Illumination Entertainment / Universal Pictures
Género: Animación. Aventuras. Comedia | Animales. Secuela. 3-D
Guion: Brian Lynch
Música: Alexandre Desplat
Fotografía: Animation
Reparto: Animation
Dirección: Chris Renaud, Jonathan del Val

Tolkien

Esta cinta del director Dome Karukoski relata momentos de la vida de J. R. R. Tolkien. Escrita por David Gleeson y Stephen Beresford, la película narra varios períodos y los alterna para configurar una visión más amplia del autor de "El hobbit" y "El Señor de los Anillos" entre otras obras.

“Tolkien” no define un inicio y un término. Podemos advertir que es una exploración a los diferentes impulsos que van configurando su personalidad. La escuela y el grupo de estudiantes que le rodean cobran un papel fundamental luego de un inicio algo difícil. La pobreza y precariedad de su familia, la muerte de su madre y la no aceptación social son obstáculos que parecen insalvables, sin embargo es justamente allí, en la escuela, y gracias al apoyo de un brillante profesor, Joseph Wright -Derek Jacobi- quien reconoce su extremo talento y le entrega la oportunidad de continuar su formación pese a sus dificultades económicas, donde surge una gran inspiración artística al poder relacionarse con pares que desarrollan diferentes disciplinas, también con mucho brío y entusiasmo. ¡Cambiar el mundo a través del arte! es la consigna. La amistad naciente que luego se fortalece, conforma una fraternidad, una comunidad creativa que potencia el talento del joven genio junto a la música y la poesía de sus compañeros.

El escenario bélico producto de la Primera Guerra Mundial interrumpe con fuerza la vida del joven Tolkien y también provoca cambios en él. No solo su vida está en peligro al concurrir al frente de batalla sino también la de sus amigos. Hay un antes y un después, una forzosa maduración debido a las circunstancias y a las pérdidas, tanto las humanas como las de su propia dignidad.

El amor está transversalmente presente a lo largo de la cinta. Es quizá el elemento más fuerte y profundo que recorre su intimidad y que sopla con fuerza al interior de su espíritu. Posiblemente la fuente máxima de inspiración para el protagonista -interpretado por Nicholas Hoult- es el apoyo permanente de Edith Bratt -Lily Collins- el amor de su vida y posteriormente su esposa, una musa en el sentido más amplio de la palabra, y que le entrega a Tolkien una llama viva de pasión incombustible para ser transmitida en sus relatos sobre Tierra Media.

Es tremendamente complejo hacer una película sobre un creador y visionario como J.R.R. Tolkien. Incluso sin tomar en cuenta sus obras es un trabajo arduo y difícil. Ahora bien, si agregamos ese elemento, es aun más complicado retratar a una persona que es capaz de inventar todo un idioma, crear un mundo nuevo y situar allí historias y leyendas de una enorme magnitud. Viajes, aventuras, hermandad y magia, elementos fundamentales en los relatos de Tolkien, aparecen en esta travesía por su vida pero pierden fuerza con los giros predecibles del guion en que descubrimos tal vez los orígenes de las primeras e innovadoras semillas, giros que no logran tomar vuelo a pesar de una fotografía y una música que si aciertan durante todo el metraje.

Este “biopic” del escritor, lingüista y profesor universitario no está a la altura de la persona a quien retrata. Aquello es imposible. Sin embargo, arremete de otra manera, creando un ambiente y una atmósfera que nos permite visualizar de manera más cercana al genio, percibir su dimensión y originalidad y situarlo también en la humanidad que le corresponde vivir y que constituye la génesis de sus trabajos más admirados y aclamados.

Ficha técnica

Título original: Tolkien
Año: 2019
Duración: 112 minutos
País: Estados Unidos
Productora: Fox Searchlight / Chernin Entertainment
Género: Drama | Biográfico. I Guerra Mundial. Literatura
Guion: David Gleeson, Stephen Beresford
Música: Thomas Newman
Fotografía: Lasse Frank Johannessen
Reparto: Nicholas Hoult, Lily Collins, Genevieve O'Reilly, Colm Meaney, Tom Glynn-Carney, Patrick Gibson, Anthony Boyle, Craig Roberts, David Puckridge, Pam Ferris, Derek Jacobi, Laura Donnelly, Mimi Keene, Harry Gilby, Albie Marber, Aaron Neil, Joel Phillimore, Jack Riley
Dirección: Dome Karukoski