Ant-Man and The Wasp: Quantumania

Con esta película, la numero 31, se da comienzo a la fase 5 del MCU. Como secuela de Ant-Man (2015) y Ant-Man and the Wasp (2018), esta cinta presenta a Scott Lang -Paul Rudd-, y a Hope van Dyne -Evangeline Lilly-, enfrentándose a un villano súper poderoso llamado Kang, el Conquistador, interpretado por Jonathan Majors.

En este inesperado viaje, los héroes no están solos. Se suma su hija, Cassie Lang -Kathryn Newton-, y los padres de Hope, Janet van Dyne -Michelle Pfeiffer-, y Hank Pym -Michael Douglas-, conformando una especie de cruzada familiar que comienza cuando un dispositivo desarrollado por la inquieta joven Lang establece contacto con el llamado Reino Cuántico. Al ser vertiginosamente arrastrados hacia él, se separan sin saber qué sucede, salvo Janet, quien estuvo atrapada 30 años en ese universo y conoce perfectamente quién es Kang.

Las aventuras son incesantes, con combates, huidas, descubrimientos y sorpresas en cada rincón de este mundo poblado por nativos rebeldes y extrañas criaturas. Lamentablemente, la película dirigida por Peyton Reed, tiende a decaer en su sección central, justamente cuando quiere explicar y enlazar las historias, y prescinde de la acción. Estos baches narrativos se sienten bastante y dejan en evidencia la carencia de un desarrollo mayor en el guion de Jeff Loveness, pues varios personajes y temas quedan sueltos, no logran tomar cuerpo, y solo son visibles a través de chispazos.

El mensaje es claro: todos contra el tirano. Además, hay detrás una comunidad oprimida y está en riesgo la vida de muchísimas personas si se aniquilan líneas de tiempo de los multiversos. Pero, ¿realmente vale todo? ¿El fin justifica los medios? Otro punto delgado de un argumento que, al menos, resulta débil para sostener una historia que se presenta como el inicio de una nueva era, aquel pilar sobre el que se construirán las próximas entregas.

Eso sí, es un gusto ver a Michelle Pfeiffer y Michael Douglas llevar buena parte del metraje. De hecho, cuando salen de pantalla coincide con algunos de los bajones ya mencionados los que, si bien se superan cuando ellos regresan, también denotan irregularidad narrativa. La pequeña participación de Bill Murray agrega algo más de sazón, otro complemento para Evangeline Lilly y Paul Rudd, quienes a pesar de su simpatía y química natural, necesitan de todos esos condimentos adicionales entregados por los “viejos tercios”.

Entretenida en las secciones rápidas, esas con efectos especiales, fuegos artificiales y harta acción, “Ant-Man and The Wasp: Quantumania” es para verla en pantalla grande, aunque la verdad es que se hace un poquito larga. Agradezco que no abuse del humor, un recurso bastante utilizado al momento de intentar captar atención, y que tampoco complejice innecesariamente una trama que, si le sacamos toda la parafernalia, resulta comprensible, incluso, para quien no ha visto anteriores entregas. Ah!, por cierto es Marvel; tiene escenas post créditos, para que no las dejen pasar, aunque sí es necesario conocer algo más para comprenderlas.

Ficha técnica

Título original: Ant-Man and The Wasp: Quantumania
Año: 2023
Duración: 125 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Marvel Studios, Walt Disney Pictures, Truenorth Productions. Distribuidora: Walt Disney Pictures
Género: Ciencia ficción. Fantástico. Acción. Comedia | Superhéroes. Insectos. Secuela. Cómic. Marvel Comics. MCU
Guion: Jeff Loveness. Cómic: Stan Lee, Jack Kirby, Larry Lieber
Música: Christophe Beck
Fotografía: Bill Pope
Reparto: Paul Rudd, Evangeline Lilly, Michelle Pfeiffer, Michael Douglas, Jonathan Majors, Kathryn Newton, Bill Murray, William Jackson Harper, Katy M. O'Brian, Randall Park
Dirección: Peyton Reed 

Sinfonía de Pasión

Disponible en Amazon Prime Video.

"Un instante de la vida del compositor Antonín Dvořák"

La carta enviada en 1894 por Josefina -Soňa Norisová-, su cuñada y amor de juventud, informa que está muy enferma. A raíz de ello, Antonín -Hynek Čermák-, quien se desarrolla profesionalmente en Estados Unidos y goza de gran éxito, decide regresar, junto a su familia, a su natal Bohemia para pasar vacaciones. Su llegada es recibida con honores y variados reconocimientos, sin embargo la principal preocupación del compositor es quien ha sido su musa y fuente inspiradora de su música.
Esta película dirigida por Jaroslav Brabec propone algunos niveles paralelos, como, por ejemplo, las conversaciones de Dvořák con un erudito entrevistador, la relación de su hija Otýlie -Sabina Rojková-, con el discípulo del Maestro, Josef Suk -Petr Šmíd-, y la dinámica familiar liderada por su esposa Anna -Petra Špalková-. Encontramos también tensiones, que se manifiestan a nivel afectivo y práctico, sobre todo por dificultades económicas y las decisiones familiares sobre el futuro, es decir, quedarse en Bohemia o regresar a Norteamérica.

La construcción del relato intenta ser diferente. Gracias a una filmación diáfana y con filtros, la cinta logra transmitir, a través de algunas nebulosas, un sin fin de emociones. Palpamos el dolor y el abandono; también sentimos la pasión y el amor. El temperamento del compositor queda de manifiesto cuando observamos la gran carga emocional de una vida trágica (la muerte temprana de tres de sus hijos), y a la vez desafiante. Su post romanticismo musical tiene mucho de fe y de sentimientos de abandono, además de locura, soledad, tristeza, melancolía y desesperanza, lo que indudablemente influencia mayoritariamente sus obras.

La estabilidad alcanzada por Dvořák en Estados Unidos, la fama y consiguiente consolidación, no parece ser suficiente. En este breve regreso a su patria, las dudas y contradicciones dan paso a sentimientos de añoranza que son traspasados a sus composiciones como esencia de vida y de intimidad, de real conocimiento personal y de acercamiento espiritual.

De las piezas que escuchamos en la película, en excelentes versiones de intérpretes checos, la principal es su famosa Novena Sinfonía en mi menor, op. 95 , “Del Nuevo Mundo”; también algunas secciones de su Cuarteto en Fa Mayor, “Americano”; y su reconocido “Humoresque”, para piano, Op. 101, No 7, en Sol bemol Mayor. La partitura compuesta por Jan Jirásek, también resulta interesante, pues incorpora motivos de dichas obras y los trabaja como una especie de variaciones, entregando, así, cercanía y unidad estética a la banda sonora del filme.

“Americké dopisy” -Letras Americanas-, su título original, no es un viaje musical para representar a Antonín Dvořák. Tampoco es un homenaje o un tributo al gran compositor. Corresponde más bien a un acercamiento humano -aunque con varias situaciones ficcionadas-, hacia una figura fundamental del Siglo XIX, y cuya música ha alcanzado un nivel trascendente e inmortal.

Ficha técnica

Título original: Americké dopisy
Año: 2015
Duración: 101 minutos
País: República Checa
Compañías: Ceská Televize
Género: Drama | Biográfico. Siglo XIX. Música. Telefilm
Guion: Jan Otcenásek
Música: Jan Jirásek
Fotografía: Tomás Sysel
Reparto: Hynek Cermák, Petra Spalková, Sona Norisová, Igor Bares, Vladimír Javorský, Sabina Rojková, Petr Smíd, Tomás Havlínek, Oldrich Vlach, Jan Novotny
Dirección: Jaroslav Brabec 

Sharper

Disponible en Apple TV+.

Una madeja urdida, y bien urdida, es la esencia de esta película dirigida por Benjamin Caron, con guion de Brian Gatewood y Alessandro Tanaka. Dividida en cinco partes, cada una va presentando y develando antecedentes del personaje a la que está dedicada, lo que nos permite ir uniendo poco a poco los cabos desparramados en el camino.

La historia comienza con Tom -Justice Smith-, dueño de una pequeña librería de volúmenes usados en la ciudad de Nueva York. Cuando recibe la visita de Sandra -Briana Middleton-, ambos coquetean y comienzan un apasionado romance. Hasta ahí todo bien, pero de pronto ella desaparece. No diré más, porque ustedes tienen que descubrir lo que sucederá a continuación. Solo les puedo adelantar que vamos a conocer a Max -Sebastian Stan-, a Madeline -Julianne Moore-, y a Richard Hobbes -John Lithgow-, para, progresivamente, internarnos en el mundo “Sharper” -embaucador(a)-, en el que caras vemos y corazones no sabemos.

Un relato hilvanado de manera inteligente, junto a una ejecución bien hecha y buenas actuaciones, en especial de Julianne Moore y Sebastian Stan, entregan carácter a esta pieza coral sobre la siempre efectiva temática de la manipulación y el poder. Las casi dos horas de duración no se sienten para nada, pues todo fluye fácil. Además, cuando tomamos conciencia que nada es lo que parece, y que no podemos estar seguros de lo que observamos, es solo el comienzo de las sorpresas que nos depara un recorrido por diferentes laberintos y múltiples personalidades.

“Sharper” funciona por lo que es, una cinta correctamente ambientada, con elementos ya conocidos pero bien mezclados para crear un trago diferente. Y como sabemos, siempre hay que tener cuidado con la bebida, porque nos puede hacer ver cosas que no son, o bien crear nuestras propias realidades. Entonces, lo mejor es estar sobrios para dejarse llevar por esta propuesta. Mal que mal, la también productora Julianne Moore sabe lo que hace, ¿o no…?

Ficha técnica

Título original: Sharper
Año: 2023
Duración: 116 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Picturestart, A24, Apple TV+. Distribuidora: Apple TV+
Género: Thriller | Neo-noir
Guion: Brian Gatewood, Alessandro Tanaka
Fotografía: Charlotte Bruus Christensen
Reparto: Julianne Moore, Sebastian Stan, Justice Smith, Briana Middleton, John Lithgow, Darren Goldstein, Kerry Flanagan, Benjamin Caron, Quincy Dunn-Baker, Phillip Johnson Richardson
Dirección: Benjamin Caron 

Ellas Hablan

Tomando como base la novela de 2018 del mismo nombre, escrita por Miriam Toews, esta película se inspira en hechos de la vida real. Entre 2005 y 2009, más de 100 niñas y mujeres en Manitoba -una colonia religiosa al interior de Bolivia-, fueron violadas por la noche en sus hogares por un grupo de hombres que las sedaron con anestesia animal. Un veterinario vecino proporcionó el anestésico en forma de aerosol que los perpetradores rociaron a través de las ventanas abiertas. Abuso, violencia, y humillación. Denigrante. Brutal. Inimaginable.

La directora, Sarah Polley, centra su relato en el lapso de tiempo en que los hombres de la colonia han sido apresados como sospechosos del delito y se está a la espera de su inminente regreso luego de pagar sus fianzas. Durante esas tensas horas, un grupo de mujeres debate entre tres opciones posibles: quedarse y no hacer nada, quedarse y luchar, o irse definitivamente del lugar. Una ajustada votación las reduce solo a dos: mantenerse en el lugar y pelear o emigrar.

El metraje es intenso, sobre todo en su estructura subterránea. La presión que tienen las mujeres es mayúscula, y la tensión solo se visibiliza por sus reacciones. Los diálogos, precisos, directos e hirientes, dan cuenta de lo que no se ve en pantalla. No todas piensa igual, hay diferencias radicales y también matices, sin embargo siempre está presente ese sufrimiento indescriptible que solo imaginamos y percibimos a través de significativas luces que tanto el texto como la imagen nos proporcionan.

La discusión se desarrolla en muchas capas, en diferentes niveles, y el conflicto adquiere una profundidad enorme. La fe religiosa les obligaría a perdonar a sus agresores, sin embargo está en juego su integridad, su dignidad, su vida. Tanto o más importante es lo que no se dice explícitamente en estas discusiones, aquello que solo expresan con actitudes intensas y viscerales. ¿Luchar o perdonar? La ira es extrema, pero también lo es la comprensión. La necesidad de un castigo es de plena justicia, pero también la aceptación de una realidad que no necesariamente podría cambiar. ¿Cuáles son los pro y contra de las opciones en juego? ¿Huir hacia lo desconocido, quedarse, luchar, y cambiar las condiciones?

Para representar lo descrito resulta excelente el trabajo actoral de Rooney Mara como Ona, Claire Foy como Salomé, Jessie Buckley como Mariche, Judith Ivey como Ágata, y Frances McDormand como Janz, entre otras. También es notable la participación de Ben Whishaw como August, el único hombre presente, el maestro de los niños y quien se encarga de llevar las notas de las reuniones.

Con pulso narrativo firme, y un ritmo sostenido, Sarah Polley logra compenetrarnos en una disyuntiva vital y trascendente. Les corresponde enfrentar la situación, y decidir el camino a seguir. ¿Odiar lo conocido y tratar de cambiarlo? ¿Tener esperanza en lo desconocido, aquello por descubrir? ¿Qué es lo que prima al final? ¿Qué hacer, en definitiva?

“Women Talking”, nominada al Óscar como Mejor Película y Mejor Guion Adaptado, denota un pausado tránsito hacia la esperanza. Sensible y reflexiva, obliga a internarse en las sensaciones que nos quedan luego de verla. Y no resulta nada sencillo, porque se despiertan en nosotros, probablemente, muchas de las emociones que logran traspasar la pantalla. La cinta, en ese sentido, afecta, incide, influye, y deja huella. No es un relato pasivo, solo para contemplarlo, es absolutamente activo, un trabajo con muchísimos detalles que sin lugar a dudas nos interpela y compromete profundamente.

Ficha técnica

Título original: Women Talking
Año: 2022
Duración: 104 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Hear/Say Productions, Plan B Entertainment. Distribuidora: Orion Pictures, United Artists Releasing
Género: Drama | Abusos sexuales. Religión. Basado en hechos reales
Guion: Sarah Polley, Miriam Toews. Novela: Miriam Toews
Música: Hildur Guðnadóttir
Fotografía: Luc Montpellier
Reparto: Rooney Mara, Claire Foy, Ben Whishaw, Jessie Buckley, Frances McDormand, Judith Ivey, Sheila McCarthy, Michelle McLeod, Liv McNeil, Kate Hallett
Dirección: Sarah Polley 

Ennio, El Maestro

Documental imprescindible para los amantes de la música en el cine, y de culto para los seguidores de Ennio Morricone. Compositor de más de 500 bandas sonoras, “El Maestro” falleció el año 2020 a la edad de 91 años. Su música es inconfundible, y su variedad tan extensa que, sin temor a equivocarme, forma parte fundamental de la esencia del cine desde mediados del Siglo XX.

Giuseppe Tornatore, director de Cine y ganador de un Oscar por “Cinema Paradiso”, se arriesga con este documental al mostrarnos facetas diferentes de un músico que dedicó su vida a la creación, abarcando muchísimos ámbitos, varios de ellos desconocidos, desde su debut con Sergio Leone hasta el premio de la Academia por “The Hateful Eight”, en 2016. Las voces de directores de renombre y grandes músicos, se fusionan con grabaciones de aclamadas giras mundiales, trozos de icónicas películas, y videos exclusivos de su vida

Gracias a una formación docta -ingresó a estudiar trompeta al Conservatorio Santa Cecilia y concluyó sus estudios de composición con el maestro Goffredo Petrassi-, Morricone recoge muchísimas influencias de la música de su época. Incide fuerte en él la propuesta de la Segunda Escuela de Viena, el dodecafonismo, también los ejemplos impartidos por John Cage, pionero de la música aleatoria, de la música electrónica y del uso no estándar de instrumentos musicales. Claramente, Ennio, es un vanguardista, sin exclusión de género ni estilo.

Sus primeros pasos, como arreglador musical, lo llevan por diferentes trabajos, hasta que llega contratado a RCA Victor, donde su promisoria carrera despega en un largo vuelo sin techo ni horizonte.

La extensa entrevista que realiza Tornatore es notable desde muchos puntos de vista. Quisiera destacar la sencillez y profundidad con la que “Ennio” explica ciertas técnicas de composición, con ejemplos prácticos y con aplicaciones clarísimas en sus composiciones, una verdadera clase magistral. Una de esas particularidades tiene que ver con la creación de dos o más temas, que luego se superponen en contrapunto, algo clave al momento de crear una estructura que luego se se vale por sí misma.

Muy interesante resulta el cruce de géneros que explora Morricone. La música para el cine, mirada en menos por los compositores llamados doctos, se situaba quizá en un inferior segundo o tercer nivel, sin embargo, el joven maestro va modificando, a través de los años, tan equívoca percepción. Es cierto, algunas partituras podrían caer en esa fallida nominación, pero no por el rol cumplido, sino más bien por su calidad artística. Morricone demuestra, concretamente y con un nivel sobresaliente, que la música para la escena puede trascender en el tiempo, tener, incluso, vida propia, y ser revisitada por varias generaciones.

En dos horas y media que fluyen de forma natural, observamos también parte de la intimidad de una persona excepcional. Su concepto de la originalidad, donde la belleza está por sobre cualquier consideración, resulta admirable. Nunca conforme con sus creaciones, muchas veces debía ceder en favor de la confección de los proyectos, aunque su personalidad, honesta y clara, también obligaba a los propios directores de cine a entregarle un mayor margen de acción y, con ello, la toma de decisiones fundamentales.

El relato, con su voz, es fascinante. Testimonios de admiración transversal de Quentin Tarantino, Clint Eastwood, Oliver Stone, Hans Zimmer, Terrence Malick, John Williams, Bernardo Bertolucci, Dario Argento, los hermanos Taviani, Roland Joffé, Bruce Springsteen, Nicola Piovani, y Pat Metheny, entre muchos otros, son conmovedores y también anecdóticos, fiel reflejo de la influencia de una persona vital y trascendente.

Giuseppe Tornatore rinde un precioso tributo al Maestro. De forma dinámica, y mezclando diálogos, música, películas, ensayos, giras de conciertos, y material inédito, es imposible no emocionarse más de una vez. La edición es de excelencia, pues además logra unir sonidos con descripciones, diálogos con sensaciones, escenas con musica, configurando un trabajo conmovedor.

Este viaje, este recorrido por la vida personal de Ennio Morricone, por sus obras, por aquellas películas emblemáticas, a través de su música y escenas inolvidables, resulta mágico y a la vez encantador. Dan ganas de que no termine nunca, que siga, que perdure este tiempo, tal como esta música que ya es parte de nuestra propia vida, de nuestra historia, una banda sonora personal que cada vez que la escuchamos, nos emociona tal como el primer día.

Ficha técnica

Título original: Ennio: The Maestro
Año: 2021
Duración: 156 minutos
País: Italia
Compañías: Coproducción Italia-Bélgica-Japón; Piano b Produzioni, Gaga, Potemkino, Fu Works, Blossoms Island Pictures, Eurimages
Género: Documental | Documental sobre música. Biográfico
Guion: Giuseppe Tornatore
Música: Ennio Morricone
Fotografía: Giancarlo Leggeri, Fabio Zamarion
Reparto: Documental, Intervenciones de: Ennio Morricone, Quentin Tarantino, Clint Eastwood, Oliver Stone, Hans Zimmer, Terrence Malick, John Williams, Wong Kar-Wai, Barry Levinson
Dirección: Giuseppe Tornatore 

El triángulo de la tristeza

Agria comedia negra -y muy negra-, que sin duda descoloca, una pieza que cuestiona y critica el modelo de sociedad, en especial a los super ricos y super poderosos. Con un elaborado formato de sátira, expone importantes dramas y los aborda en base a tres capítulos muy diferentes.

En el primero, conocemos a los dos protagonistas centrales, Carl -Harris Dickinson-, y Yaya -Charlbi Dean-, una joven pareja. Ambos son modelos y su relación no es tan mágica y sencilla como parece; discuten sobre quién invita la cena o quién gana más dinero, sin embargo, pese a sus marcadas diferencias, se mantienen juntos.

Como importantes influencers -tienen miles de seguidores en redes sociales-, son invitados a un crucero extraordinario en un yate de lujo a cambio de promocionar la experiencia. El segundo capítulo comienza, entonces, a bordo del barco, y conocemos a los otros acompañantes, todos sumamente adinerados: un oligarca ruso llamado Dimitry -Zlatko Buric-, y su esposa Vera -Sunnyi Melles-; una pareja mayor, Clementine -Amanda Walker-, y Winston -Oliver Ford Davies-, quienes fabricando armas han ganado millones; Therese -Iris Berben-, en silla de ruedas y que solo repite una frase en alemán luego de sufrir un derrame cerebral; y Jarmo -Henrik Dorsin-, un multimillonario del rubro tecnológico que viaja en solitario. En paralelo, observamos a la tripulación, entre quienes destaca la jefa de personal, Paula -Vicki Berlín-, y un extraño capitán, que inexplicablemente se resiste a salir de su camarote, y que es interpretado por Woody Harrelson.

Los contratiempos del viaje aumentan con el paso de las horas y de los días. Entre ellos se incluyen sofisticados lujos, disparatas solicitudes al personal de servicio, la celebración caótica de la tradicional “cena del capitán” mientras atraviesan una violenta tormenta, y un evento que cambiará completamente el curso de los hechos dando paso a la parte final.

Con guion y dirección de Ruben Östlund, “El triángulo de la tristeza” es una cinta enfática sobre las relaciones de poder. Aborda los equilibrios y desequilibrios, los diferentes roles, la opulencia y también el abuso. Significativamente devela abundantes contrastes, como la excesiva visibilidad de algunas personas y la invisibilidad de otras, esa nefasta separación entre quién es importante y quién descartable.

Bien sabemos que el poder es diferente dependiendo de qué lado uno esté. El ejemplo más obvio es el dinero. Quien lo tiene parece que puede comprar todo, incluso a las personas, pero ¿qué pasa cuando no hay dinero, o mejor dicho, las necesidades básicas y urgentes no se pueden satisfacer con dinero? Sin duda el eje cambia, y por cierto las motivaciones también. ¿Qué mueve entonces? ¿El interés, la conveniencia? ¿Dónde quedan los valores y principios? ¿Es posible mantener la integridad personal o también varía producto de las circunstancias?

Östlund trabaja muy bien los espacios para crear diferentes mundos. Las analogías son espontáneas. La brillante discusión del millonario ruso con el capitán sobre el comunismo y el capitalismo -que por sus dichos no resultan ser tan diferentes el uno del otro-, configura una caricatura que expresa con ironía que, independiente del modelo o del sistema, todo depende de quién manda, de quién es capaz de influir en otro, hasta el punto, incluso, de someterlo y hacerlo desaparecer por completo.

El cuestionamiento al sistema, no solo a un sistema sino a todos, es transversal, porque allí emergen los comportamientos de las personas, con esas caretas que provocan que la honestidad se desfigure y ya nadie sepa quién es quién, o cuál es la realidad. Por eso resulta transcendente el rol de Abigail -Dolly de León-, cuando su personaje adquiere protagonismo. En una oda a la inutilidad de ciertas personas bajo algunas condiciones, Ruben Östlund entrega otro enfoque, diametralmente opuesto, gracias a un giro argumental que modifica pesos y contrapesos

Ganadora de La Palma de Oro en Cannes, y nominada al Óscar como Mejor Película, Mejor Director, y Mejor Guion Original, “El triángulo de la tristeza” es una película interesante. In crescendo, sobre todo hasta su segunda parte -pues luego baja el ritmo y da paso a una sección en la que se unen los cabos sueltos y adquiere sentido-, la cinta configura una apuesta distinta, que no hace cálculos y por lo mismo se percibe muy honesta. Debo reconocer que saca bastantes risas, muchas nerviosas claro está, pero que permiten distender una temática de suyo compleja y difícil de abordar con originalidad. Östlund lo sabe bien, por ello maneja los tiempos de forma brillante ofreciendo un excelente ritmo de filmación.

Provocativa, como toda la obra de este director sueco, es para verla y reflexionarla con calma por varios días.

Ficha técnica

Título original: Triangle of Sadness
Año: 2022
Duración: 149 minutos
País: Suecia
Compañías: Coproducción Suecia-Francia-Reino Unido-Alemania; Plattform Produktion, SVT, Film I Väst, arte, Coproduction Office, arte France Cinéma, Eurimages, ZDF/Arte, Imperative Entertainment, BBC Films
Género: Comedia. Drama | Sátira. Supervivencia. Comedia negra. Comedia dramática
Guion: Ruben Östlund
Fotografía: Fredrik Wenzel
Reparto: Harris Dickinson, Charlbi Dean, Zlatko Buric, Dolly De Leon, Woody Harrelson, Vicki Berlin, Henrik Dorsin, Sunnyi Melles, Jean-Christophe Folly, Iris Berben
Dirección: Ruben Östlund 

Las Momias y el anillo perdido

En Egipto, profundamente escondida, se encuentra una ciudad de más de 3.000 años de antigüedad habitada por momias. Allí vive Thut, un corredor de carruajes de mucha fama, casi un héroe, todo un campeón. No obstante su formidable curriculum, se ha retirado joven debido a una experiencia que le ha provocado un miedo paralizante, incontrolable, insuperable. Los éxitos pasados son entonces su razón de ser; además, quiere ser buena persona y no tiene mayores aspiraciones.

Por otra parte, la princesa Nefer, heredera imperial ya está en edad de casarse, pero no quiere, tiene sus propios sueños, como por ejemplo cantar, pero no los puede llevar a cabo. Su anhelo es ser libre, sin embargo su vida está condicionada por los ritos y protocolos que obliga su linaje.

El villano de turno esta vez es un humano arqueólogo y explorador, Lord Silvester Carnaby, que busca reliquias, tesoros y piezas únicas. Es ambicioso y cegado por la codicia. Apoyado por torpes ayudantes, su interés es tener el mejor Museo del mundo solo para acrecentar su prestigio, y demostrarle a su insoportable madre su real valía.

Volviendo al tema del matrimonio de la princesa, el Faraón convoca a una particular Ave Fénix para encontrar al esposo adecuado, y fortuitamente la elección recae en Thut. Él es alérgico al matrimonio (y a cualquier compromiso, claro está), pero al Faraón nadie puede decirle que no, menos después de recibir en custodia el mismísimo anillo real de bodas.

El problema es que Carnaby, en una excavación, encuentra el anillo, y Thut debe recuperarlo para no recibir el castigo de perder los ojos y la lengua. La misión no se ve sencilla, pero aún así se embarca con su hermano menor Sekhem, y su mascota Croc, un bebé cocodrilo. ¡Ah!, y por cierto junto a la princesa Nefer.

Durante unas divertidas aventuras que los llevarán al Londres actual (el Imperio Romano para ellos) descubren muchos valores como el compañerismo, la ayuda desinteresada y la importancia del trabajo en equipo. Sobreponerse a la adversidad gracias al desarrollo de una fuerte amistad resulta fuente de energía para superar los propios miedos, recuperar la capacidad de elegir, tener la oportunidad de conocerse y valorar el compromiso.

Basada en una historia de Jordi Gasull y dirigida por Juan Jesús García Galocha, “Momias” es una película sencilla con buenas secuencias de acción. La combinación de estos mundos paralelos 8vivos y muertos), y que pasen de uno al otro, resulta acertado, aunque el ritmo en algunas partes decae bastante y esos bajones se notan. También da la impresión que se quedaran sin tiempo por el vértigo que imprimen en la conclusión de la historia: se siente atolondrada, con una resolución predecible, sin mucho desarrollo, y carente de contrapesos.

Simpáticos personajes dan vida a una hora y media agradable y liviana, sana entretención transversal para toda la familia.

Ficha técnica

Título original: Momias
Año: 2023
Duración: 88 minutos
País: España
Compañías: 4 Cats Pictures, Atresmedia Cine, Movistar Plus+, TV3, Warner Bros. España
Género: Animación. Aventuras. Comedia | Cine familiar. Antiguo Egipto
Guion: Jordi Gasull, Javier Barreira. Historia: Jordi Gasull
Música: Fernando Velázquez
Fotografía: Animación
Reparto: Animación
Dirección: Juan Jesús García Galocha 

La chica más afortunada del mundo

Disponible en Netflix.

Basada en la exitosa novela de Jessica Knoll, ”Luckiest Girl Alive”, cuenta la historia de TifAni Fanelli, de 35 años, editora de una importante revista femenina de Nueva York. Corre el año 2015 y quedan solo seis semanas para su matrimonio con Luke Harrison -Finn Wittrock-, un exitoso profesional y pareja ideal.

La filmación de un documental sobre violentos sucesos acaecidos hace 16 años en la secundaria de TifAni enciende las alarmas. El director del trabajo se le acerca para poder entrevistarla confirmando que una pieza clave será el testimonio de un ex compañero de clase, Dean Barton -Alex Barone-, quién se ha convertido en un exitoso escritor y defensor del control de armas.

Lo que vemos a continuación es el íntimo proceso que vive "Any", en el que cuestiona el presente, vuelve a revivir los traumas y angustias del pasado, y pone en tela de juicio un futuro que, hasta ese momento, se vislumbraba tan esplendoroso como un cuento de hadas.

Con guion de Jessica Knoll y dirigida por Mike Barker, la película presenta desde un comienzo un relato confuso. Tal vez el tratamiento de la novela obliga una narración en primera persona, pero el recurso que utiliza no resulta del todo convincente. Esto de escuchar su pensamiento, mientras expresa verbalmente algo diferente, tiende a ser difuso, sobre todo al abusar de dicho elemento.

Los flashback abren las líneas de tiempo y aquello nos aporta el contexto necesario. De esa forma, vamos conociendo más a la protagonista, y, sobre todo, el porqué actúa como actúa. Resulta sintomática la analogía que "Any" hace sobre ser una muñeca con cuerda, que cuando es jalada, dice exactamente lo que otros quieren escuchar.

Profesionalmente TifAny quiere trascender, tiene mucho talento, pero está en temas que claramente no la satisfacen. Ha tomado decisiones en su vida pero estas postergan su esencia. Su futuro matrimonio y los conflictos que arrastra con su madre, la tienen un poco a la deriva, con rumbo poco claro, más ahora, cuando los fantasmas del pasado la acosan al punto de trastocar su vida. Tal vez es capaz de vislumbrar cierta conciencia que en realidad ha huido durante todo este tiempo y nunca ha logrado enfrentar el pasado, ni menos superarlo.

Es duro el aterrizaje para "Any". Mila Kunis retrata muy bien a esta mujer que sufre en silencio y que tiene una pesada carga emocional. También es convincente al mostrarnos cómo se ve obligada a dar un paso importante para poder seguir adelante, cuando decide confrontar sus traumas, quitar las pantallas que cubren sus heridas, e intentar ser auténtica.

En “Luckiest Girl Alive” resulta más interesante la historia que su tratamiento formal. Lo que en un inicio se presenta difuso se va aclarando con el correr del metraje y en especial en su tercio final. Sin duda que el mensaje que nos entrega es claro y contundente, sin embargo es una lástima que la construcción elegida le quite peso a una película que podría haber conseguido volar mucho más alto.

Ficha técnica

Título original: Luckiest Girl Alive
Año: 2022
Duración: 113 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Lionsgate, Made Up Stories, Orchard Farm Productions, Pacific Standard, Picturestart. Distribuidora: Netflix
Género: Intriga. Thriller. Drama | Abusos sexuales
Guion: Jessica Knoll. Novela: Jessica Knoll
Música: Linda Perry. Canción: Elle King
Fotografía: Colin Watkinson
Reparto: Mila Kunis, Scoot McNairy, Justine Lupe, Jennifer Beals, Connie Britton, Finn Wittrock, Chiara Aurelia, Carson MacCormac, Thomas Barbusca, Leah Pinsent
Dirección: Mike Barker 

Enola Holmes 2

Disponible en Netflix.

Gracias al éxito de sus primeras investigaciones, Enola Holmes -Millie Bobby Brown-, decide abrir su propia agencia de detectives. Pero la realidad no es auspiciosa,; no consigue clientes y se encuentra muy lejos de la popularidad ya alcanzada por su famoso hermano Sherlock -Henry Cavill-.

Una pequeña llamada Bessie -Serrana Su-Ling Bliss-, le pide a Enola que le ayude a buscar a su hermana Sarah Chapman -Hannah Dodd-. Bessie, al igual que Sarah, trabajan en una fábrica de fósforos que se enfrenta a una epidemia mortal de tifus, y que es una de las tantas aristas en un caso que pronto comienza a escaparse de sus manos. Con la ayuda de Sherlock, del ahora político Tewkesbury -Louis Partridge-, e incluso de su madre -Helena Bonham Carter-, Enola debe sortear múltiples peripecias para intentar resolver una compleja e intrincada trama.

La historia escrita por Jack Thorne y Harry Bradbeer, da vida a la secuela de un personaje que descubrimos hace poco, el año 2020. En esta oportunidad, el factor sorpresa ha desaparecido, y el relato se hace bastante cansino, sobre todo en su primera mitad. Afortunadamente, logra remontar, ir de menos a más, y gana bastante con el aporte de Sherlock, en especial gracias a esas alambicadas deducciones y a esos descubrimientos inteligentes que parecen ser el sello característico de la familia Holmes.

A los dos casos paralelos que llevan los hermanos, la trama agrega un tercero que no tiene la parafernalia de los visibles pero sin duda es el tema de fondo, el más importante, y es mejor no adelantarlo para que su descubrimiento sea parte del proceso. La cinta se despliega en su tercio final, la acción imprime vértigo, y la resolución de las historias constituye el momento cumbre del relato, el que, naturalmente, todos estamos esperando.

En las actuaciones destaca la buena química de los protagonistas. Ya conocemos las dotes de Millie Bobby Brown, Henry Cavill, y Helena Bonham Carter, cualidades que les permiten sobreponerse a la natural pérdida de frescura de esta segunda parte. Es tal vez por ello, que esta continuación apela más a la cercanía y conocimiento de sus personajes que a alguna que otra sorpresa. ¿Es algo flojo el relato? Sí. ¿Entretiene? Sí. ¿Funciona? Menos que la primera, pero sí, funciona.

Puntos altos son la producción y el diseño, junto a una edición ágil -aunque abuse de los diálogos con la cámara-, y una música más que interesante de Daniel Pemberton. Claramente es una película glamorosa, muy “polite”, que refleja aquellos aires de majestuosidad de los salones de la época. Pero también representa esos lugares más oscuros, la corrupción, y el abuso sin escrúpulos de cierta clase que no perdona una oportunidad para enriquecerse de forma vil y sin respeto alguno por los derechos de otras personas.

El resultado de “Enola Holmes 2” está lejos de las legendarias aventuras de Sherlock Holmes, sin embargo es una entretención que bebe desde otra vertiente, quizá más libre y juvenil. Si vienen nuevas entregas dependerá solo de la creatividad de los argumentos, porque personajes tenemos y actores también.

Ficha técnica

Título original: Enola Holmes 2
Año: 2022
Duración: 129 minutos
País: Reino Unido
Compañías: Legendary Pictures, Netflix, PCMA Productions, Warner Bros.. Distribuidora: Netflix
Género: Intriga. Comedia. Acción | Secuela. Siglo XIX. Sherlock Holmes. Feminismo
Guion: Jack Thorne. Novela: Nancy Springer. Historia: Jack Thorne, Harry Bradbeer
Música: Daniel Pemberton
Fotografía: Giles Nuttgens
Reparto: Millie Bobby Brown, Henry Cavill, Helena Bonham Carter, Sharon Duncan-Brewster, David Thewlis, Louis Partridge, Adeel Akhtar, Susan Wokoma, Hannah Dodd, Gabriel Tierney
Dirección: Harry Bradbeer 

Tres canciones para Benazir

Disponible en Netflix.

Sinopsis: La historia es de Shaista, un joven recién casado con Benazir y que vive en un campamento para personas desplazadas en Kabul, quien lucha por equilibrar su sueño de ser el primero de su tribu en unirse al Ejército Nacional Afgano con las responsabilidades de formar una familia. Aunque el amor de Shaista por Benazir es palpable, las decisiones que debe tomar para construir una vida con ella tienen consecuencias devastadoras.

Este cortometraje documental afgano-estadounidense del año 2021, y nominado al Premio Óscar a Mejor Documental, presenta con sencillez este relato sobre cómo es la vida en un enclave de Afganistán donde abunda la pobreza y la falta de apoyo, lo que sumado a una educación precaria, o mejor dicho a la carencia educativa, hace que la situación de quienes allí habitan sea aún más vulnerable.

¿De qué manera aflora la resiliencia, si la hay? ¿Cómo pueden reírse o jugar, casarse y formar familia en medio de tan extremas condiciones? Primeros planos de una cámara cercana nos muestra que esa fuerza interior gravitante se abre paso, y se encuentra ahí, representada por el joven matrimonio de Benazir y Shaista.

La brevedad de la cinta se contrapone a un proceso extenso. Entre los márgenes pasan cuatro años, desde el embarazo de Benazir hasta ver a sus hijos más grandes. No conocemos los detalles del interludio, solo los podemos inferir. Allí hubo sueños, responsabilidades, y también fracasos que pudieron haber minado confianzas y destruido por completo la familia.

Algunos puntos de referencia funcionan también como metáforas: el globo aerostático, la mirada permanente al cielo, un pajarito encerrado en una jaula, o esa mirada perdida hacia el vasto horizonte. Y también extremos, la tierra y el polvo en contrapunto el floreciente trabajo en el campo.

“Three Songs for Benazir” se convierte en sentido homenaje al pueblo afgano, tal como lo señalan sus autores en los créditos finales. Conmovedores 22 minutos de cruda belleza y honestidad documental.

Ficha técnica

Título original: Three Songs for Benazir
Año: 2021
Duración: 22 minutos
País: Afganistán
Género: Documental | Cortometraje
Música: Qais Essar
Fotografía: Elizabeth Mirzaei
Reparto: Documental, Intervenciones de: Shaista Khan, Benazir Khan, Shadi Khan
Dirección: Elizabeth Mirzaei, Gulistan Mirzaei 

Winnie the Pooh: Miel y Sangre

Escrita y dirigida por Rhys Frake-Waterfield, esta cinta da un giro brusco al famoso personaje infantil introducido por Alan Alexander Milne en 1926, después que el primero de sus libros pasara a dominio público en Enero de 2022. Gracias a una introducción basada en bosquejos, podemos conocer la historia. Muchos años atrás, el joven Christopher Robin se encuentra con un grupo de criaturas en el bosque, y a medida que crecen, conviven y se van haciendo amigos, pero Christopher los debe dejar para ingresar a la Universidad. Al quedarse solos, este grupo de seres antropomórficos, sufre un trauma tan fuerte que desarrollan un gran odio por los humanos, y por cierto, rencor absoluto hacia Christopher. Cuando él quiere reencontrarlos, ya no son los mismos, han cambiado radicalmente; se han convertido en unos criminales psicópatas.

Con un relato obvio e inocente (con inocente me refiero a su forma de construcción, no a su temática), la película no se sostiene. Sin sustancia en los diálogos, solo se basa en las reiteraciones; repite, repite y repite, sin mucho sentido. Primero vemos el regreso de Christopher con su novia y, por supuesto, no es adelanto saber lo que les pasa. Luego, cinco amigas toman unas pequeñas vacaciones en una casa de campo aledaña al bosque, y adivinen… claro, no es difícil anticipar qué les irá a suceder.

Gritos por doquier y numerosos ataques, son los recursos más usados en sus breves y sangrientos 84 minutos. Y sí, tengo muchos reparos con esta crudeza sin ninguna justificación, especialmente cuando es solo eso, violencia sin argumentos, como fin último, como centralidad absoluta.

¿Rescato algo? Sí, la música. La partitura de Andrew Scott Bell es brillante, y de excelencia, tal vez lo único que me permitió permanecer en la sala. Pensar que era un concierto resultó ser mi tabla de salvación. Película solo para seguidores de este tipo de géneros extremadamente sangrientos.

Ficha técnica

Título original: Winnie the Pooh: Blood and Honey
Año: 2023
Duración: 84 minutos
País: Reino Unido
Compañías: Jagged Edge Productions. Distribuidora: ITN Distribution, Premiere Entertainment
Género: Terror | Slasher
Guion: Rhys Frake-Waterfield. Personaje: A.A. Milne
Música: Andrew Scott Bell
Fotografía: Vince Knight
Reparto: Amber Doig-Thorne, Danielle Scott, Maria Taylor, Danielle Ronald, Bao Tieu, May Kelly, Chris Cordell, Natasha Tosini, Marcus Massey, Gillian Broderick
Dirección: Rhys Frake-Waterfield 

La familia perfecta

Disponible en Netflix.

Cargada de estereotipos y caricaturas, esta película de Arantxa Echevarria resulta bastante discursiva y camina siempre al borde del ridículo. Aún así, es una comedia interesante, veamos por qué.

Lucía -Belén Rueda-, representa a una mujer plena. Dedicada a sus quehaceres, su vida transcurre entre amistades, reuniones sociales, y eventos llenos de glamour. Desde que se casó con Ernesto -Gonzalo de Castro-, un reconocido científico, el foco siempre ha sido su familia, y en especial su hijo Pablo -Gonzalo Ramos-, quien ha crecido rodeado de los mejores ambientes y ha recibido la mejor educación que sus padres a¡han podido brindarle. Cuando Pablo comunica su intención de casarse con Sara -Carolina Yuste-, el mundo de Lucía queda descolocado, fuera de juego. La familia de la novia es del todo diferente a lo que ella desea, extrovertida, espontánea, y sin filtros, una situación que jamás pensó encontrar en el camino y completamente alejada del ideal de perfección que durante años ha querido construir.

“La familia perfecta” es sostenida por sus actores, indudablemente. Belén Rueda, José Coronado, Carolina Yuste, Pepa Aniorte, Gonzalo de Castro y Gonzalo Ramos, rebosan carisma, agilidad y simpatía para echarse al hombro una historia que es narrada a través de secuencias mayoritariamente graciosas que esconden, a menudo, más de alguna velada crítica. En este sentido, tal vez la escena del bus encerrando a un auto podría ser de las mejores, un rayo de empoderamiento femenino ante la adversidad y el machismo imperante.

La película alcanza a proponer algunos cuestionamientos sociales pero flaquea al desarrollarlos con un tratamiento tal vez demasiado obvio. Asimismo, intenta contraponer extremos para desarmar uno de ellos y construir un paradigma sobre el cómo reinventarse recurriendo a la propia esencia. Es cierto, lo consigue, pero a costa del abuso de elementos que pronto se tornan burdos con su consiguiente pérdida de peso específico.

Como raya para la suma, esta cinta de casi dos horas resulta más bien suave y ligera. Me reí con varios de sus detalles en algunas de sus escenas, y hacía tiempo que no me pasaba eso con una comedia. Por lo mismo, debo reconocer que vale la pena verla porque sus buenos actores lo merecen y se pasa un buen rato. ¡Muy bien por eso!

Ficha técnica

Título original: La familia perfecta
Año: 2021
Duración: 110 minutos
País: España
Compañías: Atresmedia Cine, Lazona Producciones, The Snake Films, Mogambo
Género: Comedia | Familia
Guion: Olatz Arroyo
Música :Pascal Gaigne
Fotografía: Pilar Sánchez Díaz
Reparto: Belén Rueda, José Coronado, Gonzalo de Castro, Carolina Yuste, Gonzalo Ramos, Jesús Vidal, Pepa Aniorte, Pepe Ocio, María Hervás
Dirección: Arantxa Echevarria