100 días con la Tata

Disponible en Netflix.

La Pandemia del Coronavirus modificó nuestra vida, qué duda cabe. Y conocemos historias, especialmente las referidas al obligado encierro, otra pandemia transversal para todo el mundo, dado que el miedo y el pánico al contagio fueron nuestros compañeros por mucho tiempo, y las cuarentenas transformaron nuestra rutina diaria.

Miguel Ángel Muñoz, reconocido actor español, se fue durante ese tiempo de aislamiento al pequeño departamento de la “Tata” -Luisa Cantero-, su tía abuela de 95 años. Pero la historia entre ambos no se remite solo a ese período, es mucho más extensa; es desde siempre.

Para Miguel Ángel, la “Tata” es la mujer más importante de su vida. Lo cuidó de pequeño, lo ha acompañado toda su vida y él le ha dedicado momentos especiales de su carrera. Para ella, Miguel Ángel es su razón de ser, su luz, su corazón. Son dos almas muy diferentes, unidas por un vínculo tan sólido como una roca.

Muñoz nos ofrece un testimonio fílmico vibrante que abarca muchos tiempos y momentos de esta relación. El centro es Luisa, y por cierto los 100 días de cuarentena con ella, pero el contexto es bastante más amplio. Nos queda clarísimo que son inseparables, y que el solo pensar que algún día ella no va a estar, es tal vez el mayor desvelo que tiene este inquieto sobrino nieto.

Lo que vemos en solo 82 minutos enternece. Los cuidados y la preocupación de Miguel Ángel por esta anciana, que cada vez tiene más dificultades físicas y de salud, es admirable. La personalidad de la “Tata”, por otra parte, resulta cautivante, porque tiene una frescura que su edad no hace más que resaltar. La combinación resulta explosiva: las risas espontáneas, el cariño recíproco y el gran amor entre ambos, viene a ser un verdadero torbellino. No obstante, vemos también momentos no tan buenos, algunos cruces y enojos, pequeños lunares dentro de una vida mayoritariamente animada y llena de complicidad.

Al observar este documental no puedo evitar reflexionar sobre dos polos: la intimidad y la exposición. Tal vez por ello me surgen ciertos reparos. Es imposible no conmoverse, reír, o emocionarse, pero ¿algunas situaciones tan íntimas deben tener tal grado de exposición? Reconozco que me da pudor, me distancia, me aleja, incluso impide que fluya lo que siento. Me pasa que tanta publicidad -hacer público- me confunde, porque es tan parecido a un “reality” -la “CuarenTata”, el programa diario en vivo por Instagram que obtuvo una fama sin precedentes y al que el metraje dedica bastante tiempo es el ejemplo-, que me hace dudar si es genuino. Pero es algo que me pasa a mí y que debo finalmente dilucidar. Entiendo, y me da gusto, que se visibilice a los adultos mayores, su cuidado y atención; tal vez mi punto es la forma, o quizá “esta forma”. No lo sé. La intimidad hecha espectáculo, definitivamente, me provoca distancia.

Aún con lo expresado en el párrafo anterior, “100 días con la Tata” merece verla y con calma. Es una pieza que contiene una innegable dosis de alegría y humanidad. Además, nos va a llegar diferente, sin duda, porque tenemos experiencias distintas. Y acá quiero destacar un mérito transversal, ya que esta historia logra tocar nuestras teclas y producirnos diversas reflexiones, emociones y sentimientos. Muy bien, primero por la “Tata”, y luego por Miguel Ángel Muñoz quien nos permite conocerla a través de la pantalla.

Ficha técnica

Título original: 100 días con la Tata
Año: 2021
Duración: 82 minutos
País: España
Compañías: Paciencia Films
Género: Documental | Coronavirus (COVID-19). Vejez / Madurez
Guion: Jorge Laplace, Miguel Ángel Muñoz
Música: Sergio Jiménez Lacima
Fotografía: José David Montero
Reparto: Documental, Intervenciones de: Miguel Ángel Muñoz, Luisa Cantero
Dirección: Miguel Ángel Muñoz 

Gato con Botas: el último deseo

Me encantan las animaciones, y en particular gozo viendo al Gato con Botas. Luego de un salto al estrellato como parte de “Shrek”, agrega a su currículum otra película protagónica luego del éxito de la primera en solitario, el año 2011.

En esta ocasión, y ya convertido en una leyenda después de derrotar a un enorme monstruo, nuestro audaz felino muere al caerle encima una campana. Y claro, es un gato, tiene más vidas a las que recurrir, pero al despertar toma conciencia que, de las nueve a su favor, ya ha quemado ocho, o sea, solo le queda una y sería todo.

Dubitativo, quiere proseguir con sus aventuras e ignorar la realidad, sin embargo entiende que debe cuidarse porque no podrá despertar tras otra muerte. El paso del tiempo hace mella. ¿Pasa a retiro? ¿A los “cuarteles de Invierno”? Parece que el hogar de Mama Luna se transformaría en el inevitable siguiente paso. Pero nuestro amigo no está convencido, porque cuando se entera que existe una Estrella de los Deseos, decide ir a buscarla para pedirle lo que más anhela: recuperar sus vidas.

Dirigida por Joel Crawford y Januel Mercado, esta secuela es más oscura y profunda que su predecesora. Sin abandonar la gracia que caracteriza al personaje, vemos acá un cuestionamiento al sentido de la vida provocado por un explicito miedo a la muerte. Por una parte, Gato quiere seguir siendo la leyenda en la que se ha transformado, pero en realidad vive de lo que ha realizado en sus vidas anteriores. Es por ello que al ser consciente que la que está viviendo es la última, naturalmente debe modificar su hoja de ruta.

La película refrenda la amistad, el trabajo en equipo y el reconocimiento. También está presente el amor, la frustración y las nuevas oportunidades. Profundiza sobre valorar el presente con mensajes positivos, haciendo énfasis en la comunidad, la familia y en vivir plenamente la vida. Los anti valores que se presentan, en especial por parte de los villanos, recalcan, por oposición, valores fundamentales. Por eso cuando vemos el egoísmo en el más malvado de los malos, surge espontáneamente la gratitud como algo trascendente; esperable y además deseable.

“Gato con Botas: el último deseo” es visualmente espectacular; simpática, entretenida y no pierde frescura. Es un verdadero cuento de hadas en el que Antonio Banderas se luce -con su voz es sencillamente sensacional-. Una película que no abusa de los efectos que hemos visto en anteriores entregas, y se las arregla para rematar proponiendo un nuevo curso a la historia y, por supuesto, abriendo las puertas a más aventuras. ¡Viva el Gato con Botas! ¡Viva!

Ficha técnica

Título original: Puss in Boots: The Last Wish
Año: 2022
Duración: 100 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: DreamWorks Animation, Pacific Data Images (PDI). Distribuidora: Universal Pictures
Género: Animación. Aventuras. Comedia | Gatos. Secuela
Guion: Paul Fisher, Tommy Swerdlow. Historia: Tommy Swerdlow, Tom Wheeler
Música: Heitor Pereira
Fotografía: Animación
Reparto: Animación
Dirección: Joel Crawford, Januel Mercado

Géminis: El Planeta Oscuro

La premisa de esta cinta Rusa es interesante. La vida en la Tierra se extingue por un virus -sí, suena conocido, ¿cierto?-, pero esta vez la única salida es encontrar otro hogar, es decir, que la humanidad se traslade a otro planeta que tenga similares características. El desafío, entonces, es buscar esa nueva casa, y el lugar indicado sería TESS, que tendría, más o menos, las mismas condiciones atmosféricas terrestres. El equipo a cargo de la misión debe viajar, hacer un “salto” de proporciones a través del Universo, llevando consigo un dispositivo imprescindible para crear allí nueva vida.

Naturalmente, algo en el viaje sale mal. Las coordenadas no son correctas por lo que no se encuentran con TESS, pero sí con un planeta muchísimo más parecido, en condiciones, a la Tierra. La tripulación debe descubrir lo sucedido y comenzar el proceso de transformación, sin embargo encuentran una desconocida amenaza que pone en peligro sus vidas y por cierto la de toda la Tierra si no logran concretar su objetivo.

Lamentablemente, a pesar de la atractiva premisa, “Proekt 'Gemini’” falla, tanto en su construcción, como en ejecución y desarrollo. La repetición de elementos que hemos visto muchas veces tampoco ayuda a esta Ciencia Ficción que no alcanza siquiera despegar, y en la que asoma una tosca similitud con “Alien”.

Dirigida por Serik Beyseu, sus 100 minutos se hacen extensos y además dejan la sensación de no completar ningún tema en forma íntegra. Lo intenta, sí, pero tampoco aportan actuaciones planas, frías y sin mucho brío. En mi opinión, demasiado débil para nuestra cartelera actual de Cine.

Ficha técnica

Título original: Proekt 'Gemini'
Año: 2022
Duración: 100 minutos
País: Rusia
Compañías: Kinodanz
Género: Ciencia ficción. Thriller | Aventura espacial. Extraterrestres
Guion: Natalya Lebedeva, Dmitriy Zhigalov
Música: Konstantin Poznekov
Fotografía: Kirill Zotkin
Reparto: Dmitriy Frid, Egor Koreshkov, Nikita Dyuvbanov, Petr Romanov, Alyona Konstantinova, Martinez Lisa, Viktor Potapeshkin, Samoukov Kostya
Dirección: Serik Beyseu 

Glass Onion

Disponible en Netflix.

“Entre Navajas y Secretos” -“Knives Out”- está destinada a convertirse en una exitosa saga, qué duda cabe. A la primera película del año 2019 le sigue ahora “Glass Onion”, y no como una secuela o continuación, ya que de aquella solo conserva el estilo y por cierto a su protagonista, el famoso detective Benoit Blanc -Daniel Craig-.

Entretenida y dinámica, la cinta vuela gracias a actuaciones livianas que tienen espacio. Por supuesto, abundan las caricaturas, pero ojo, bien realizadas. La película es todo un juego de ingenio, que se disfruta de comienzo a fin, con un humor ágil que nos mantiene con la sonrisa a flor de piel.

La historia se desarrolla en plena pandemia de COVID-19, en mayo de 2020. Miles Bron -Edward Norton-, el millonario cofundador de la empresa tecnológica Alpha, organiza un encuentro soñado en la mansión que posee en su Isla privada en Grecia. Los invitados son sus cinco grandes amigos: el científico jefe de la empresa, Lionel Toussaint -Leslie Odom Jr.-; la gobernadora de Connecticut, Claire Debella -Kathryn Hahn-; la diseñadora Birdie Jay -Kate Hudson; el activista por los derechos de los hombres, Duke Cody -Dave Bautista-; y la también cofundadora y expresidenta ejecutiva de Alpha, Cassandra "Andi" Brand. Se suman a ellos Peg -Jessica Henwick-, la asistente de Birdie, Whiskey -Madelyn Cline-, la novia de Duke, y claro, el ya mencionado Benoit Blanc.

El grupo es reducido, y antes de abordar el glamoroso barco que los conducirá hasta la Isla, llegan casi todos al muelle usando sus mascarillas. El contexto está claro, el virus que nos tiene en jaque estos años, pero una misteriosa poción directamente inoculada al interior de la boca de cada uno de los invitados cumple con asegurar que todo estará bien; es un pase a la libertad, una entrada sin restricciones al lujoso paraíso que les está esperando con los brazos abiertos.

Miles les recibe en la playa y los lleva a las elegantes instalaciones. Sorprendido por la presencia de Blanc, lo deja pasar pensando que es una broma, asume un riesgo que tendrá consecuencias posteriores, porque desde un comienzo el detective está atento a cada detalle. El juego principal, el motivo central de la reunión, lo introduce Miles antes de la cena. Les señala que están allí para investigar un asesinato: su propio asesinato. Desde ese instante comienza la sucesión de acertijos y puzzles, en un sinnúmero de situaciones sazonadas al más puro estilo de Agatha Christie y Arthur Conan Doyle.

Escrita y dirigida por Rian Johnson, la película ofrece un guion de ida y vuelta. Sin ser rebuscado, resulta muy inteligente al poner los giros precisos y repasar algunos hechos bajo miradas diferentes. No hay “un misterio” por resolver, son varios. Los enigmas están todos enlazados y se van develando poco a poco, porque, finalmente, ¿quién es quién, en esta lista de selectas personalidades?

Los personajes están delineados de tal forma que no muestren todas sus cartas en la primera mano. Eso genera las mayores dudas, porque nunca estamos seguros qué papel cumple cada uno en esta enredada maraña. Craig compone, una vez más, un personaje en extremo simpático y empático, misterioso y a la vez extrovertido, un detective tipo “Columbo”, analítico, capaz de unir las piezas claves y apuntar certeramente al blanco. Por otra parte, Edward Norton brilla con luces propias, incluso cuando sale de escena, impregnando la pantalla con una química especial que se traspasa al estupendo elenco que conforma la película. Mención especial a la banda sonora de Nathan Johnson, quien logra una composición que mezcla conocidas canciones con una música incidental muy as hoc al curso de los hechos y a su entorno.

“Glass Onion: A Knives Out Mystery” no podríamos decir que es una sorpresa porque la estábamos esperando, y al menos está a la altura de su predecesora, lo que en sí mismo es ya un buen triunfo. Es una película muy recomendable, para saborearla con calma, cómodamente, y dejarse llevar por sus enrevesados laberintos. Además, no solo es entretención, también toca algunas teclas respecto a la lealtad, la manipulación, el poder económico, el desarrollo de nuevas energías, la amistad y la búsqueda de la verdad.

Finalmente, les dejo una invitación especial para que gocen numerosos cameos, como la explicación de lo que es una “Fuga” -muy pertinente a la trama, por cierto-, a cargo de un reconocido Cellista de fama mundial, y muchos otros que no es del caso mencionar para que los descubran ustedes directamente. Y un último dato: si bien no hay escena post créditos, por favor escuchen la música que los acompaña. ¡Es una joya!

Ficha técnica

Título original: Glass Onion: A Knives Out Mystery
Año: 2022
Duración: 139 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: T-Street, Netflix. Distribuidora: Netflix
Género: Intriga. Comedia | Crimen. Secuela
Guion: Rian Johnson
Música: Nathan Johnson
Fotografía: Steve Yedlin
Reparto: Daniel Craig, Edward Norton, Janelle Monáe, Kathryn Hahn, Leslie Odom Jr., Jessica Henwick, Madelyn Cline, Dave Bautista, Kate Hudson, Ethan Hawke
Dirección: Rian Johnson 

Mira cómo corren

Disponible en Star +.

Una obra de teatro y un asesinato. “La Ratonera”, de Agatha Christie, que celebra su función número 100 en Londres, 1953, y Leo Köpernick -Adrien Brody-, un reputado director de cine norteamericano quien se ha hecho de los derechos para llevar el éxito de las tablas a la gran pantalla.

Dudas, conmoción y miedo. Sospechosos y víctimas potenciales permanecen al interior del teatro mientras llega el encargado de investigar el crimen, el inspector Stoppard -Sam Rockwell-, quien contará con la ayuda de la inexperta e insegura agente Stalker -Saoirse Ronan-.

La investigación fluye a través de diferentes vertientes. Los posibles culpables van variando y mientras tanto ocurre otro asesinato. Las pistas no son concluyentes. Todo está cubierto de una capa de misterio y confusión que acrecienta el suspenso porque queremos saber quien es, finalmente, responsable.

Gracias a un guion de Mark Chappell, cargado de ironías y absurdos, el director Tom George configura una comedia diferente que destaca gracias a la natural simpatía de la pareja protagónica. Saoirse Ronan y Sam Rockwel no brillan como dupla, pero se complementan para brindar papeles individualidades consistentes. El resto del elenco es extenso, un buen coro que acompaña desde diferentes ángulos un relato que en el último tercio apura el tranco para acometer un final vibrante.

“See How They Run” tiene la duración precisa para combinar un juego ligero, dosis de humor y un enigma que requiere ser resuelto. El teatro dentro del cine, con un poco de autocomplacencia, también ayuda al desarrollo de una película que por momentos se torna difícil de interpretar. Tal vez ese sea su mérito, no ser explícita ni necesariamente lineal, en otra autoreferencia que afortunadamente no se agota en sí misma.

Ficha técnica

Título origina: See How They Run
Año: 2022
Duración: 98 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Searchlight Pictures. Distribuidora: Searchlight Pictures
Género: Thriller. Intriga. Comedia | Crimen. Años 50
Guion: Mark Chappell
Música: Daniel Pemberton
Fotografía: Jamie Ramsay
Reparto: Saoirse Ronan, Sam Rockwell, Adrien Brody, Ruth Wilson, David Oyelowo, Harris Dickinson, Sian Clifford, Reece Shearsmith, Pippa Bennett-Warner, Angus Wright
Dirección: Tom George 

Navidad de Golpe

Disponible en Netflix.

Sierra Belmont -Lindsay Lohan-, hija regalona y consentida de un magnate poderoso, disfruta de los días previos a la Navidad en el lujoso Hotel de su padre ubicado en un centro de esquí, en Aspen. Junto a novio Tad -George Young-, un reconocido influencer, suben a la alta montaña para tomarse fotos, ocasión propicia en la que él le propone matrimonio. Sin embargo, las condiciones climáticas hacen que ambos pierdan equilibrio y se vayan cuesta abajo, una estrepitosa caída que termina con Sierra inconsciente luego de golpearse con un árbol, y con Tad extraviado en medio del extenso campo de nieve.

Jake Russell -Chord Overstreet-, dueño del “Northstar Lodge”, una sencilla posada del pueblo, encuentra a la joven mientras pasea a unos huéspedes. La lleva directo la hospital, Sierra reacciona, pero no tiene recuerdos. El fuerte golpe le ha provocado amnesia y tampoco lleva consigo identificación alguna; ni siquiera conoce su nombre. Ante ello, Jake ofrece cuidarla en el Lodge hasta que se recupere, sin imaginar que este providencial encuentro cambiará radicalmente su vida y la de su hija Avy -Olivia Pérez-.

Bajo la dirección de Janeen Damian, “Falling for Christmas” ofrece todos los clichés y caricaturas que hemos visto por decenas, pero aún así es simpática y liviana, incluso ingenua, una comedia romántica sencilla que, sin mayores pretensiones, solo quiere que pasemos un buen rato.

Con escasos nudos de tensión y absolutamente predecible, lo dinámico está definido por el buen regreso de Lindsay Lohan y las postales del nevado entorno que configuran el lugar ideal para pasar esas soñadas “Christmas holidays”. Es cierto que la película abusa un poco de algunos de sus elementos -que repite bastante-, pero se pueden perdonar, porque su razón de ser es que nos olvidemos del mundo cotidiano y nos sumerjamos en el encanto de la Navidad, en aquel momento del año en el que emergen las buenas intenciones y se busca afanosamente un “milagro” que cambie al mundo, aunque sea por unos pocos días. A veces hay que olvidar -en este caso forzadamente-, para volver a aprender, tomar un camino diferente y darse una nueva oportunidad.

Ficha técnica

Título original: Falling for Christmas
Año: 2022
Duración: 93 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Motion Picture Corporation of America, Riviera Films. Distribuidora: Netflix
Género: Romance. Comedia | Navidad. Comedia romántica
Guion: Jeff Bonnett, Janeen Damian, Michael Damian, Ron Oliver
Música: Nathan Lanier
Fotografía: Graham Robbins
Reparto: Lindsay Lohan, Chord Overstreet, George Young, Jack Wagner, Olivia Perez, Sean J. Dillingham, Antonio D. Charity, Alejandra Flores, Ali Lohan, Kate Rachesky, Lonzo Liggins
Dirección: Janeen Damiana

Spirited, el espíritu de las fiestas

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Disponible en Apple TV+.

Me resistía a comenzar esta película estrenada en Apple TV+ en noviembre pasado y es porque los musicales me cuestan un poquito. Entonces, me propuse verla antes de Navidad y, si bien no constituye una sorpresa, me dejó un buen gusto, liviano y agradable.

“Spirited” se trata de una versión moderna del famoso cuento de Charles Dickens, “A Christmas Carol”. La esencia es más o menos similar, pero la forma de desarrollarla es bastante diferente, dado que el protagonismo lo adquieren los fantasmas, a diferencia de personaje de Scrooge, en el original. Y no es que esté ausente, sino que el relato juega con una vuelta de tuerca que podría o no resultar interesante. Veamos.

La historia se remite a que cada Navidad, hace ya muchísimo tiempo, un equipo liderado por Jacob Marley -Patrick Page-, se propone encontrar y redimir un alma oscura. El proceso incluye una afanosa búsqueda, investigación y el trabajo multidisciplinario de un año completo, por lo que es importante tomar buenas decisiones para poder lograr el objetivo. Como hay tres fantasmas, “Pasado”, “Presente” y “Futuro”, cada uno tiene asignada su tarea específica.

En el proceso inicial, los espíritus se encuentran con Clint Briggs -Ryan Reynolds-, un reconocido orador y consultor mediático, cuyas obras lo convierten en un ser frío, calculador, e incluso perverso. Para Marley es un caso perdido, un alma "irredimible", en la que no se debe invertir ni tiempo ni recursos. Sin embargo, para Presente -Will Ferrell-, quien duda si jubilarse o no, lograr esta redención en particular podría ser un punto de inflexión para provocar un cambio positivo en toda la humanidad.

Al momento de ejecutar la acción principal, es decir visitar al elegido y hacerle ver sus obras para así impulsar el esperado cambio, algo extraño sucede. Clint Briggs es un duro, de eso no cabe duda, y se resiste, porque además está convencido que las personas no pueden cambiar. ¡En absoluto, nada, definitivamente no!

Como la cosa se pone difícil, Presente se hace cargo y toma la decisión de involucrarse más, pero curiosamente Kimberly -Octavia Spencer-, la noble asistente de Briggs, es la única que puede verlo. Estoo no debería ser así, pero es esa cercanía la que influye en la estrategia de Presente y los planes, por supuesto, se descontrolan. Las nuevas aventuras y desventuras se suceden de ahí en más, y solo hacia el final las acciones se van decantando y adquieren mayor cercanía con el cuento original.

Con guion y dirección de Sean Anders y John Morris, a este musical le cuesta entrar en ritmo. A pesar de sus llamativos números iniciales, vistosas coreografías y gran despliegue escénico, la magia comienza a producirse gracias a la química del encuentro entre Will Ferrell y Ryan Reynolds. Ellos son quienes sostienen el metraje, con naturalidad y mucha simpatía en una dupla que se torna entrañable. Octavia Spencer también apoya, pero desde un poco más atrás, menos presente, pero muy importante en todas y cada una de sus intervenciones.

Desde el punto de vista del relato, no consigue uniformidad. Tiene marcados altos y bajos que se notan, con irregularidades y algunos saltos que le quitan fluidez. A veces, como que no se decide mucho por el camino musical, o si lo hace, lo abandona rápido, algo tal vez poco consecuente, o bien producto de las necesidades que debe enfrentar por el desarrollo de la trama. Además, aunque se ve bien filmada, los efectos se aprecian y se siente extraño el Nueva York del entorno. Y claro, al investigar un poquito sabemos que se filmó en Boston, pero con Manhattan de fondo, algo que finalmente no termina de convencer desde el punto de vista de los cuadros estéticos.

No obstante los reparos anteriores, “Spirited” funciona, no brillantemente, pero se deja ver. Tal vez lo mejor es rememorar la fábula de Dickens y gozar de actuaciones frescas, elementos que le entregan a la cinta una oportunidad para poner en relieve, y de manera diferente, todos aquellos valores -amor, bondad, familia, amistad, reconocimiento- que surgen de forma casi espontánea cuando nos acercamos al esperado tiempo de Navidad.

Ficha técnica

Título original: Spirited
Año: 2022
Duración: 127 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Gloria Sanchez Productions, Maximum Effort, Mosaic Media Group. Distribuidora: Apple TV+
Género: Musical. Comedia | Navidad
Guion: Sean Anders, John Morris. Novela: Charles Dickens
Música: Dominic Lewis. Canciones: Khiyon Hursey, Sukari Jones, Benj Pasek, Justin Paul
Fotografía: Kramer Morgenthau
Reparto: Will Ferrell, Ryan Reynolds, Octavia Spencer, Joe Tippett, Sunita Mani, Marlow Barkley, Anne Reardon, Peter Brownlee, Woody Fu, Jen Tullock, Aimee Carrero, Mary Ann Schaub, Anastasia Mousis Sanidopoulos
Dirección: Sean Anders, John Morris

Bardo, falsa crónica de unas cuantas verdades

Disponible en Netflix.

Descubrir esas “cuantas verdades” resultaría ser un ejercicio imprescindible para bucear en las entrañas de este nuevo filme del director mexicano Alejandro González Iñárritu. Sin embargo, por las palabras del propio autor, “del título es importante lo de falsa crónica, porque se trata de una crónica de incertidumbres, no una memoria factual; la sustancia de la película es la incertidumbre, la reinterpretación”, parecería una contradicción, en una cinta que se puede interpretar como una autocrítica descarnada, cubierta por un ropaje negro, con un nivel de sarcasmo que sirve de coraza y caparazón para una obra difícil, incómoda y que a lo menos descoloca. Y esto último es algo que G. Iñárritu señala claramente: “No quería reafirmar ninguna convención, sino romperlas. En ese sentido es una película con un alto riesgo. No hay recetas para hacer algo así”.

Si vamos a la trama, observamos a Silverio Gama -Daniel Giménez Cacho-, un periodista y documentalista mexicano que lleva años viviendo en Los Ángeles, California junto a su esposa Lucia -Griselda Siciliani-, y su adolescente hijo Lorenzo -Iker Sánchez Solano-, quien regresa por unos días a su país natal. La visita es parte de un proceso interior, dado que será el primer latinoamericano en recibir un prestigioso premio estadounidense de periodismo y a raíz de aquello necesita revisitar su tierra, su gente, sus barrios; en definitiva, sus orígenes. Cada vez más subjetivo y personal en su trabajo, su última obra, una docuficción titulada justamente “Falsa crónica de un puñado de verdades”, incorpora muchos elementos autobiográficos. Tal es el punto de inflexión en la vida de Silverio que de pronto le sobreviene una crisis existencial, donde el surrealismo, sueños y fantasías, se confunden con su actividad cotidiana.

Alejandro G. Iñárritu, desde un inicio expone sus cartas. Luego de un extraño comienzo, un ejercicio con planos abiertos del desierto seguido de un parto, comienza a configurar una filmación rica en detalles, con mucho uso de gran angular y elencos masivos en pantalla. Tomas largas, muy bien coreografiadas y editadas, se mezclan con planos íntimos y secuencias que solo ayudan a la confusión del espectador. Y es que es el protagonista el confundido, algo que traspasa la pantalla sin filtro ni contemplación.

La película aborda primero a la familia, luego el creciente fenómeno de la migración, los desplazados, y también la discriminación. Silverio, en primera persona, es un migrante. Se marchó a Estados Unidos y dejó su vida atrás buscando nuevas oportunidades, para forjar un futuro y destacar. ¿Qué pasó con quienes no se fueron? ¿No quisieron, no pudieron? Más adentro del relato emergen otras capas: las ganancias y las pérdidas como potentes motores, el desarraigo, el riesgo explícito e implícito de las decisiones, el orgullo y la vergüenza, entre muchas otras.

El premio otorgado a Silverio representa otro enorme contrapunto. Lo destacado versus lo mediocre; el fracaso enfrentado al éxito. Tanto es así, que una frase lapidaria desnuda, quizá, la gran verdad: “el éxito ha sido mi mayor fracaso”.

“Bardo, falsa crónica de unas cuantas verdades”, de extensos 159 minutos, es un filme de permanentes contrastes. Inclasificable por momentos, pone de relieve el miedo y la soledad que se van apoderando del atardecer de la vida. Cuando se aproxima el final de la existencia viene un repaso, necesario, indispensable, fundamental. Durante ese tránsito, repleto de recuerdos, encuentros, y reencuentros, cobra vida la figura paterna y materna, emergen símbolos, y el cielo se llena de metáforas en un grandilocuente “cine dentro del cine” que resulta ser bastante más íntimo de lo que nos podríamos imaginar.

Ficha técnica

Título original: Bardo, falsa crónica de unas cuantas verdades
Año: 2022
Duración: 159 minutos
País: México
Compañías: Estudios Churubusco, Redrum. Distribuidora: Netflix
Género: Comedia. Drama
Guion: Alejandro González Iñárritu, Nicolás Giacobone
Música: Bryce Dessner
Fotografía: Darius Khondji
Reparto: Daniel Giménez Cacho, Griselda Siciliani, Íker Sánchez Solano, Ximena Lamadrid, Luis Couturier, Andrés Almeida, Leonardo Alonso, Luz Jiménez, Ruben Zamora, Fabiola Guajardo
Dirección: Alejandro González Iñárritu 

Avatar: el Camino del Agua

Mientras escribo estas líneas escucho la banda sonora de la película compuesta por Simon Franglen, una partitura que homenajea expresivamente a James Horner, compositor en la primera versión del 2009, y quien falleciera trágicamente el año 2015. El trabajo sonoro es de alto nivel. Desde sus primeros acordes, al empezar de la cinta, despliega la sucesión armónica que de inmediato nos introduce en AVATAR, así , en global, en mayúsculas, porque esta música es inseparable de la imagen, complementaria y fundamental para una magia que resulta sencillamente espectacular.

Veamos algo de la historia de esta segunda parte. Desde los conocidos eventos de la primera película ya ha pasado más de una década. Jake Sully -Sam Worthington-, es jefe de los Omaticaya y tiene una hermosa familia junto a Neytiri -Zoe Saldaña-. Sus hijos Neteyam -Jamie Flatters-, Lo'ak -Britain Dalton-, Tuk -Trinity Jo-Li Bliss-, Kiri -Sigourney Weaver-, su hija adoptiva, y un niño humano llamado Spider, hijo del coronel Miles Quaritch que nació en Pandora, viven felices en esos frondosos bosques de exhuberante vegetación.

Pero la felicidad no dura para siempre, es tan frágil que puede escaparse en un segundo. Es lo que acontece, porque los humanos regresan para reiniciar la colonización, esta vez en modo 2.0, con una nueva base en Bridgehead City y un grupo de “recombinantes”, creaciones similares a los Na'vi pero con los recuerdos de los marines que murieron en combate años atrás. El líder de este comando es nada más y nada menos que el coronel Miles Quaritch -Stephen Lang-, muerto en terreno pero resucitado gracias a una técnica que, al menos en teoría, entrega una fortaleza adicional al infinito arsenal de armas con que cuenta el ejército invasor.

Luego de unas fieras guerrillas, donde las tropas colonizadoras prácticamente acorralan a los Omaticaya, Jake toma la difícil decisión de huir para no seguir poniendo en peligro a su gente. Consciente que los buscan a ellos, la familia se traslada a Metkayina, en la costa este de Pandora, un arrecife liderado por Tonowari -Cliff Curtis-, y su esposa Ronal -Kate Winslet-, quienes tienen una manera de vivir diametralmente diferente a la que los Omaticaya están acostumbrados. El nuevo hogar es marino, la vida se desarrolla en torno al agua y dentro del agua, por lo que en sí representa un desafío no menor. Se encuentran ahora en un prodigioso refugio pero aquello les impone una dura prueba: deben adaptarse muy rápido pues su vida y la de quienes les acogen en ese idílico lugar está en inminente peligro.

James Cameron demoró muchísimo en entregarnos esta primera secuela de su película más exitosa. Anunciada y postergada varias veces, se hizo esperar 13 años, y es una espectacular proeza técnica, una experiencia que provoca asombro. Alucinante y fascinante, destaca en ella la fina creación de diferentes ambientes siempre con el foco puesto en una belleza que resulta deslumbrante. Mientras la observaba repetía muchas veces “qué lindo”. Y es que cada escena es más bella que la anterior. Hay tiempo para todo, para atmósferas, para conexiones, dentro de un contexto realizado sin apuro alguno, sin correr, sin condensar, con espacio para un desarrollo en el que sobresale la naturalidad de cada toma gracias a una técnica de generación digital en la que confundimos qué es real y qué es creación computacional.

La trama es muy sencilla, pero no por ello menos profunda. Acá la familia es lo fundamental, es lo que mueve la historia, un pilar que es a la vez fortaleza y debilidad. Son fuertes y vulnerables al mismo tiempo, y son conscientes que solo con la unidad, una verdadera unidad, pueden lograr hacer frente a una venganza desatada, una ira sin límites que les pone en peligro y que no les da otra opción que pelear con todo para defender la vida. Y esta familia debe también hacer esfuerzos supremos que implican adaptación, crecimiento, y maduración, en un espacio desconocido del que deben apropiarse en el menor tiempo posible.

Con guion del propio Cameron, junto a Rick Jaffa y Amanda Silver, el relato tiene tres partes configuradas de manera muy clásica. El escenario inicial es el que recordamos de la primera versión, incluyendo un contexto rápido y efectivo que nos imbuye en los recuerdos, en la ahora vida cotidiana de los Na'vi, y que da paso al regreso de los colonos junto a los primeros enfrentamientos. La segunda etapa consiste en este nuevo mundo que deben explorar y conocer, un cambio radical de vida, de costumbres y de relación con un medio que les exige adaptación. El tercer escenario consiste en la defensa de sus vidas, batallas trascendentes por la supervivencia, no solo la de su familia sino también la de todos quienes habitan Pandora. La historia tiene drama, acción, contemplación, diálogos íntimos, y un buen espacio para cada tema. Por momentos nos vamos -literalmente- a varios metros de profundidad, explorando relaciones e intimidad. Por otros, abordamos la épica, con peleas expresivas, en escenarios diversos, en las que destacan de sobremanera los movimientos de cámaras y las ubicaciones de cada cuadro.

Una especial mención al trabajo de iluminación. Los colores y texturas son preciosos, y qué bien se ve todo, especialmente bajo el agua. Es tan natural, y tan preciso, que este paso del aire, a la tierra, y finalmente al agua, resulta gradual y realmente excepcional.

“Avatar, el camino del agua”, bebe de su fuente pero aún así es diferente. Ya no está la novedad de este mundo alucinante de Pandora, y por ello ahora debe haber un desarrollo, una evolución y una maduración de todo su entorno. Esto también lo vemos expresado en el uso del 3D y en el resultado de la técnica que captura el movimiento de los actores que luego se procesa digitalmente. Tecnología de punta al servicio de una historia que puede ser sencilla pero que tiene de todo, completa y redonda de inicio a fin. Ya la quiero ver de nuevo, y así gozar aún más esos infinitos detalles que hacen de la experiencia de ir a verla en el Cine algo único, es decir, una experiencia inigualable y absolutamente indispensable.

Ficha técnica

Título original: Avatar: The Way of Water
Año: 2022
Duración: 192 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: 20th Century Studios, Lightstorm Entertainment, TSG Entertainment. Productor: James Cameron. Distribuidora: Walt Disney Pictures
Género: Ciencia ficción. Aventuras. Fantástico. Acción | Familia. Extraterrestres. Secuela. 3-D
Guion: James Cameron, Rick Jaffa, Amanda Silver. Historia: James Cameron
Música: Simon Franglen
Fotografía: Russell Carpenter
Reparto: Sam Worthington, Zoe Saldana, Sigourney Weaver, Kate Winslet, Stephen Lang, Cliff Curtis, Joel David Moore, Giovanni Ribisi, Edie Falco, CCH Pounder
Dirección: James Cameron 

Pinocho de Guillermo del Toro

Disponible en Netflix.

Guillermo del Toro, con su propia versión del clásico cuento infantil, nos regala una composición técnicamente alucinante, un stop-motion que deslumbra a gran nivel. Destaca la plasticidad de sus cuadros, la iluminación y un realismo que, por momentos, nos hace olvidar que estamos frente a una animación. La fluidez y los finos detalles de cada escena devienen en una notable naturalidad de expresión; la técnica es solo el soporte, la majestuosidad, entonces, está en el relato.

El contexto elegido para la trama es la Italia fascista de la década de 1930, entre la Primera Guerra Mundial y la Segunda Guerra Mundial, cuando ejercía el poder el dictador Benito Mussolini. En esos oscuros días, Geppetto llora la muerte de su hijo Carlo, ocurrido durante un bombardeo aéreo de las fuerzas austriacas. El viejo carpintero lo honra al plantar una piña cerca de su tumba donde un frondoso pino crece con el pasar de los años. Un grillo llamado Sebastián hace del árbol ya maduro su hogar, pero Geppetto -borracho-, lo corta para fabricar un “nuevo hijo” de madera al que un duendecillo azul le da vida y lo bautiza como Pinocho.

Geppetto sorpresivamente descubre que Pinocho está vivo. Lo encierra en un armario mientras va a la iglesia, pero él lo sigue y alborota al pueblo. Geppetto, entonces, ordena que vaya a la escuela, pero en el trayecto el muñeco es abordado por el ex aristócrata y ahora convertido en showman, el Conde Volpe y su mono, Spazzatura, quienes lo embaucan para que trabaje con ellos. Las aventuras siguen sin parar en una historia tendrá muchas idas y vueltas que, en un metraje de casi dos horas, pasan muy rápidamente.

Con guion de Guillermo del Toro y Patrick McHale, la novela de Carlo Collodi se transforma gracias a esta particular versión del propio Del Toro y Matthew Robbins. La narrativa es perfecta, no solo por la forma en la que introduce a los personajes sino que, principalmente, por la manera de concatenar la historia entre presente y pasado. Todos los protagonistas están muy bien construidos, resultan empáticos, curiosos, entrañables. Y qué decir de los villanos, este reconvertido feriante de poca monta y el reclutador fascista resultan ser caricaturas acertadísimas de una Italia en plena transformación.

Las voces que dan vida a los personajes, en su versión original, brillan con colores propios: Gregory Mann como Pinocho; Ewan McGregor como Sebastian J. Cricket, el grillo; David Bradley como el maestro Geppetto; Christoph Waltz como el Conde Volpe; y Cate Blanchett como Spazzatura, entre muchos otros, aportan un valor agregado reluciente y a la vez cercano para una historia cuya esencia todos conocemos, pero que acá nos depara muchas sorpresas.

“Pinocchio” es una película con un alto grado de oscuridad, incluso diría que con reparos para los niños. Claramente es para adultos, no es su foco el infantil, acompañados por sus hijos, ya que es una cinta abundante en valores y anti valores, para conversar y compartir. En el centro es una historia de amor, donde la libertad y la familia cobran un papel fundamental. También asoman profundamente las relaciones Padre-Hijo, las emociones, los sueños y frustraciones, las expectativas y lo tremendamente complejo que resulta el exigir su cumplimiento.

Esta película, en modo particular, se transforma en una gran reflexión sobre la muerte y el duelo. Aparece la dualidad infinitud - finitud, muy compleja, muy difícil de abordar, algo que el relato lleva bien y de forma natural, sin forzar elementos ni tampoco sumergirse en sesudas explicaciones que la harían aún más densa.

Fascinante este “Pinocchio de Guillermo del Toro”, una ventana de transformaciones, un elaborado estudio de personalidades y una invitación a cuestionarse acerca del verdadero sentido de la vida.

Ficha técnica

Título original: Guillermo del Toro's Pinocchio
Año: 2022
Duración: 117 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Coproducción Estados Unidos-México-Francia; ShadowMachine Films, Jim Henson Company, Netflix, Necropia Entertainment, Pathé, Double Dare You, Netflix Animation. Distribuidora: Netflix
Género: Animación. Fantástico. Musical. Drama | Cuentos. Stop Motion
Guion: Guillermo del Toro, Patrick McHale. Personaje: Carlo Collodi. Novela: Carlo Collodi. Historia: Guillermo del Toro, Matthew Robbins
Música: Alexandre Desplat
Fotografía: Animación, Frank Passingham
Reparto: Animación
Dirección: Guillermo del Toro, Mark Gustafson 

La Caída

Disponible en Amazon Prime.

Esta cinta dirigida por Lucía Puenzo, literalmente se sumerge en el mundo del deporte de alta competencia. Se trata de un equipo de clavadistas, con su principal estrella, Mariel -Karla Souza-, quien ha obtenido una medalla para México en los Juegos Olímpicos de Barcelona en 1992. Se acerca Atenas 2004, y Mariel sigue siendo pilar en el equipo, aunque a esas alturas ya es considerada una veterana.

Su compañera de salto sufre una severa lesión por lo que es urgente que alguien la sustituya. El entrenador principal, Braulio -Hernán Mendoza-, se decide por una adolescente de 14 años -los mismos que tenía Mariel el 92-, llamada Nadia -Dèja Ebergenyi-, una talentosa joven pero a la vez inexperta en competencias de ese nivel. Mariel la rechaza de plano, pero el exigente entrenador la convence de darle una oportunidad. El tiempo apremia, quedan pocas semanas. Deben entrenar duro para llegar a competir.

En medio de la exigente preparación, cae la bomba. La madre de Nadia denuncia ante la Federación que su hija es abusada sexualmente por su entrenador. Braulio es suspendido de inmediato, comienza la investigación interna, y también muchas gestiones. Mariel ve esfumarse el sueño, la última posibilidad que tiene de participar olímpicamente y conseguir otra presea. Le piden que dé testimonio de su relación con su entrenador; son casi 15 años, lo hace, lo defiende, pone las manos al fuego por él. Y Nadia, la principal involucrada, niega todo. Dice que es una mentira configurada por su madre, una falsedad absoluta.

Escrita por Mónica Herrera, Samara Ibrahim, Tatiana Merenuk, María Renée Prudencio y Lucía Puenzo, “La Caída” ofrece un permanente manto de duda. Su trama es clarísima y a la vez confusa. Configura varios planos, donde la intimidad se cruza con la autoestima, la valoración interna y externa en la que el foco en lo deportivo llega a obnubilar otras áreas. Hay algo en el trato, en cierta cercanía, pero nada demasiado claro. ¿Acciones inapropiadas? Es posible, pero tampoco certezas absolutas. Más que mal, en todo esto está en juego la credibilidad, el soporte y el prestigio de un entrenador reconocido por muchos éxitos deportivos.

¿Cómo actuar frente a situaciones así, cuando hay sospechas pero no certezas? ¿Una denuncia? ¿Qué se debe hacer? Hay otros intereses, y la duda logra imponerse. ¿Callar, silenciar? ¿Para qué, por qué cubrir algo así? La vida privada está de por medio, hay secretos, y menores de edad involucrados. Puede haber un delito. Se debe investigar hasta comprobar.

Karla Souza cumple un papel destacado al protagonizar la película, brindando un rol sólido y creíble Se preparó por años con un equipo de clavadistas de una universidad de Estados Unidos para configurar la disciplina que muestra Mariel en pantalla. En una entrevista al medio harpersbazaar.mx, Souza resume "La Caída" como muchas historias en una, con especial dedicatoria a la clavadista Azul Almazán, quien a sus 19 años denunció a su entrenador por acoso. “Ha sido muy sanador y catártico porque es un proyecto en el cual llevo trabajando 10 años y no tenía la perspectiva de cómo lo iba a recibir la gente”, comenta. “Quería hacer una película sobre el deporte en México, empecé a investigar sobre clavados, ya que siempre me han fascinado, aunque nunca los había practicado. Y en mi investigación me encontré con una carta de la clavadista Azul Almazán, que hablaba sobre el abuso psicológico, emocional y físico que recibió por parte de su entrenador”, concluye.

“La Caída” va de menos a más, in crescendo, con actuaciones convincentes. Si bien algunos entornos, como el equipo de clavadistas, la competencia deportiva, los entrenamiento y la convivencia, no se encuentran tan bien delineados como los personajes principales, lo compensa una dirección firme y una cámara cercana. Lucía Puenzo logra retratar adecuadamente lo que se propone y abre una reflexión mayor sobre situaciones que no son tolerables y que pueden, incluso, ser normalizadas, algo que definitivamente se debe erradicar en absolutamente todos los ambientes.

Ficha técnica

Título original: La caída
Año: 2022
Duración: 95 minutos
País: México
Compañías: Coproducción México-Argentina-Estados Unidos; Amazon Prime Video, Madam X, Filmadora Nacional, Filmadora, Infinity Hill. Distribuidora: Amazon Prime Video
Género: Drama. Thriller | Basado en hechos reales. Abusos sexuales. Deporte
Guion: Mónica Herrera, Samara Ibrahim, Tatiana Merenuk, María Renée Prudencio, Lucía Puenzo
Fotografía: Nicolás Puenzo
Reparto: Karla Souza, Hernán Mendoza, Dèja Ebergenyi, Claudia Lobo, Enrique Singer, Mabel Cadena, Christian Vazquez, María Renée Prudencio, Mauricio Pimentel, Amalia Rangel, Fernanda Borches, Gizeht Galatea
Dirección: Lucía Puenzo 

Emancipación

Disponible en Apple TV+.

Escrita por William N. Collage, esta película se basa en la vida real de Gordon -Peter en la película-, un esclavo que en la década de 1860 logra escapar de la plantación donde se encuentra sometido junto a su familia. La imagen de su espalda flagelada, una icónica fotografía tomada el año 1863 que muestra impresionantes cicatrices, se convierte en un símbolo, en una prueba empírica de la brutal esclavitud en Estados Unidos, justo cuando el país se acerca al tercer año de una sangrienta guerra civil y el Presidente Abraham Lincoln emite la histórica Proclamación de Emancipación: “todas las personas detenidas como esclavos” -dentro de los estados rebeldes- “son, y en adelante serán libres.”

Dirigida por Antoine Fuqua, la cinta muestra con crudeza la violencia ejercida hacia el pueblo esclavo, el sufrimiento que se le infringe, el abuso de poder, y la utilización de la fuerza bruta, entre muchas otras cosas; incomprensible, abominable, aborrecible. El relato refleja tristeza, ira, pero también amor; mucha fe y esperanza en momentos oscuros de inestabilidad social y política. Todavía no se entiende por qué era aceptada la esclavitud como algo normal, un bien preciado e incluso deseado por los dueños, sin embargo no se puede desconocer el contexto histórico en que está condición se da, ni perder de vista la gran lucha abolicionista de la época.

El protagonista es interpretado por Will Smith, y ciertamente aquello envuelve una cierta polémica luego de la última entrega de premios Óscar. Después del incidente Smith se alejó, o más bien fue alejado, de numerosos proyectos fílmicos. Incluso esta película se había postergado hasta 2023, sin embargo, en una arriesgada apuesta, es la primera cinta del actor luego de aquella bofetada que dio la vuelta al mundo.

Independiente de todo aquello que no es propiamente cine, el actor está irreconocible en esta actuación. Logra una caracterización diferente, por cierto manteniendo su habitual fuerza, pero con un espíritu interno que emerge como impulso vital para configurar un personaje difícil y complejo. Y es que Peter no es cualquier esclavo. Primero es el “pater familia”, el sostén de su esposa e hijos, un rebelde que debe tolerar algunas cosas para no poner en peligro a los suyos. Segundo, es un tipo inteligente y que tiene claro que lo suyo no es una carrera corta, es una verdadera maratón, donde debe sortear obstáculos que a cualquiera desanimarían de solo pensarlo. Y tercero, tiene un mundo interno riquísimo, una fe que mueve montañas, una confianza ciega en Dios y en su voluntad.

Desde el punto de vista técnico, Fuqua compone la obra en tres partes y un epílogo. En la primera tomamos conciencia del escenario de la esclavitud, lo inhumano y brutal que resulta algo que actualmente no somos capaces de concebir. En la segunda comienza la acción, porque se trata de la huida. Peter debe sobrevivir a cómo dé lugar, por lo que las conexiones y los recuerdos juegan en ello un papel vital. El fin último no puede perderse de vista; es lo que permite luchar por una libertad que adquiere sentido, que acrecienta la fortaleza interior, que forja la templanza y configura la resiliencia del protagonista. Es un escape icónico, un homenaje a miles que tal vez quedaron en el camino, un reconocimiento a la valentía y tesón de los que sí consiguieron lograr el objetivo. La tercera parte se centra en la búsqueda de su familia, para librarla del sufrimiento y para cumplir la palabra empeñada. El epílogo es el sello de un filme que, luego de su explícita crudeza, se hace fuerte a través de la redención.

Destaca de sobremanera la fotografía de esta cinta. Es un blanco y negro especial, con tonalidades, no aplicado en forma estricta. Los colores y filtros aparecen muy levemente. Sutiles amarillos, verdes y azules, casi a modo de metáforas, van permeando las imágenes, asociando hechos y estados de ánimo, situaciones y carácter, fracasos y conquistas, en un ir y venir de diversas emociones.

“Emancipation” fluye de la mano de Fuqua y Smith. Esta bien filmada y bien editada. Es algo larga, sí, pero lo justifica con detalles precisos y un guion que permite capturar momentos revelantes. Una apuesta arriesgada en muchos aspectos y que bajo mi punto de vista obtiene un lugar dentro de las películas destacadas de este 2022.

Ficha técnica

Título original: Emancipation
Año: 2022
Duración: 132 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Apple TV+, CAA Media Finance, Escape Artists, McFarland Entertainment. Distribuidora: Apple TV+
Género: Aventuras. Acción. Drama. Bélico. Thriller | Basado en hechos reales. Esclavitud. Drama sureño. Siglo XIX
Guion: Bill Collage
Música: Marcelo Zarvos
Fotografía: Robert Richardson (B&W)
Reparto: Will Smith, Ben Foster, Mustafa Shakir, Ronnie Gene Blevins, Charmaine Bingwa, Gilbert Owuor, Dan Matteucci, Steven Ogg, Grant Harvey, Jared Bankens
Dirección: Antoine Fuqua