Mi gran noche

Hilarante e irreverente cinta del español Alex de la Iglesia que narra lo que sucede durante la grabación de TV de una gala especial de Año Nuevo.

Con el gancho de Raphael -que interpreta a un famoso cantante llamado Alphonso- la cinta es un caos visual y sonoro, donde tenemos todo tipo de personajes. El guión es una joya, pues no se pierde en ningún instante el relato a pesar de las disfuncionales relaciones, la variedad de situaciones y todo el exceso que ya es marca registrada del director.

Dentro de un desorden que puede paralizar y no dejar ingresar al fondo del filme, se visualiza una profunda crítica. Televisiva, a los egos de los artistas, a los rostros nuevos emergentes, a los que ya van de salida, a la sociedad y al plástico que se consume a diario.

Sin puntos altos ni tampoco puntos bajos, “Mi gran noche” funciona bien, supera expectativas y si la dejamos fluir sin pedirle más de lo que es, se transforma en una cinta divertida que deja algo de moraleja. El lenguaje puede a veces ser confuso, sin embargo debemos darle una oportunidad para valorar la acción de denuncia, aquello que Vargas Llosa llamó “la civilización del espectáculo”, que nos seduce, nos transforma y en ocasiones nos enajena, sin sospechar en ocasiones que lo que vemos es una pantalla; un velo de problemas, dificultades, envidias y egos, cubiertos de un manto mágico que no deja traslucir su verdadero interior.

Ficha técnica

Titulo Original: Mi Gran Noche

Calificación: Mayores de 14 años

Duración: 100 minutos

Genero: Comedia

Año: 2015

Pais: Mi gran noche

Elenco: Raphael, Mario Casas, Pepón Nieto, Blanca Suárez, Jaime Ordóñez, Carlos Areces, Hugo Silva

Director: Alex de la Iglesia

Capitán América: Civil War

Esta tercera entrega de la saga “Capitán América” a cargo de los hermanos Anthony y Joe Russo es un thriller de acción que durante sus 147 minutos de duración, entretiene y divierte especialmente a sus fanáticos seguidores.

La trama no es sencilla, requiere haber visto anteriores entregas. Pasamos del pasado al presente. James "Bucky" Barnes -Sebastian Stan, el Soldado del Invierno- ha despertado en 1991, se ha borrado su memoria quedando su obediencia a merced de quien recite ciertas palabras y códigos. En la actualidad, mientras pasamos de una ciudad a otra, “Los Vengadores” están bajo vigilancia y con serios reparos a sus actos internacionales se quiere regular su accionar. Tony Stark -Robert Downey Jr. en el papel de Ironman- y Steve Rogers -Chris Evans, en el rol del Capitán América- toman partido ante esta nueva situación, por lo que se produce una natural división. Iron Man convoca a Máquina de Guerra, Viuda Negra, Visión, Pantera Negra y al Hombre Araña. Por otra parte, Capitán América junto a Bucky convocan a Falcon, Ojo de Halcón, Bruja Escarlata y Ant-Man. El resultado: una verdadera ensalada de super héroes que se confunden en un relato que pasa de la acción a la planicie en milisegundos.

La cinta usa y abusa de efectos especiales bien logrados aunque en ocasiones sin mayor sentido ni aporte al metraje. Las escenas de diálogos o más bien de pausa de la acción, caen en abrumadoras y lentas secuencias que de no mediar una explicación de por medio, pueden pasar casi inadvertidas. En este sentido es particularmente importante el haber asistido con mis hijas, quienes me hicieron un resumen previo y me dieron las explicaciones suficientes durante la película para no quedar literalmente “colgado”.

Cierto, es entretenida. Son casi dos horas y media y no parece tanto al final. sin embargo el gusto que deja es el de presenciar una historia muy dirigida a su público y donde la gran presencia de super héroes a veces se diluye y no permite ver el fondo de la humanidad de los personajes, que en un intento encomiable, ambos directores intentan destacar. Los dos bandos, antes amigos, ahora divididos, pretenden que el espectador también elija de que lado estar. Y ello es eminentemente difícil y complejo.

El universo de Marvel parece cada vez más grande y en expansión. “Captain America: Civil War” es la encargada de dar el inicio a la Fase 3 por lo que Vengadores y super héroes tendremos seguros por varios años más.

Ficha técnica

Título original: Captain America: Civil War

Año: 2016

Duración: 147 minutos

País: Estados Unidos

Género: Acción, Thriller, Fantástico

Guión: Christopher Markus, Stephen McFeely 

Música: Henry Jackman

Fotografía: Trent Opaloch

Actores: Chris Evans, Robert Downey Jr., Scarlett Johansson, Sebastian Stan, Anthony Mackie, Don Cheadle, Jeremy Renner, Chadwick Boseman, Paul Bettany, Elizabeth Olsen, Paul Rudd, Emily VanCamp, Tom Holland, Daniel Brühl, Frank Grillo, William Hurt, Martin Freeman, Marisa Tomei, John Kani, John Slattery, Alfre Woodard, Stan Lee, Heidi Moneymaker, Gene Farber, Florence Kasumba

Director: Anthony Russo, Joe Russo

Al final del túnel

120 minutos de suspenso bien construidos son el resultado de esta cinta dirigida por Rodrigo Grande. Son pocas las oportunidades de contar con relatos que mantengan la tensión, giren y avancen en diferentes direcciones y que capturen al espectador en una montaña rusa de incertidumbre, angustia y contradicción que no cede hasta el final del metraje.

Joaquín -Leonardo Sbaraglia- está en silla de ruedas. Tiene una casa grande y arrienda una pieza en el nivel superior. No conocemos su historia anterior pero la pesada carga que tiene se nota en cada mirada, gesto y acción. De la nada llega Berta -Clara Lago- con su hija Betty a preguntar por el arriendo y casi sin esperar respuesta decide mudarse de inmediato. Berta es bailarina de striptease, es preciosa y comienza a iluminar la casa y la vida de Joaquín. Lentamente se va configurando una relación especial entre ambos protagonistas. Joaquín ha descubierto que algo pasa en la casa del lado. Ruidos lo han alertado de trabajos secretos, la construcción de un túnel por parte de un grupo de ladrones con el fin de robar un banco cercano a la propiedad.

La historia principal es sencilla, sin embargo su forma, un sólido guión y actuaciones relevantes le entregan profundidad e intriga de alto vuelo. Hay química entre Berta y Joaquín. También ha secretos, un pasado trágico y un presente no menos complejo. Joaquín juega varios papeles y Berta también. No está clara su relación y en qué podría desencadenar.

“Al final del túnel” supera las expectativas. Produce complicidad y a la vez tomar distancia. La angustia del protagonista se traspasa al espectador y todo ello logrado en poco espacio, poca iluminación, casi sin exteriores y con varios pasajes carentes de diálogo; las imágenes hablan por si solas, con mucho guiño a “La ventana indiscreta”, cumbre del maestro del suspenso.

Excelente cinta de Rodrigo Grande. Una producción sólida, un relato convincente y unas actuaciones que se sitúan por sobre la media, dando cuenta de un cine Argentino maduro y siempre en alza.

Ficha técnica

Título original: Al final del túnel

Año: 2016

Duración: 120 minutos

País: Argentina

Guión: Rodrigo Grande

Fotografía: Félix Monti

Reparto: Leonardo Sbaraglia, Pablo Echarri, Clara Lago, Federico Luppi, Javier Godino, Daniel Fanego, Aura Garrido

Director: Rodrigo Grande

Poveda

Esta película del director Español Pablo Moreno, relata la vida de Pedro Poveda, un sacerdote que irrumpe en el campo de la educación, impulsando y defendiendo la participación de las mujeres en los procesos formativos. Reconocido como sacerdote, pedagogo, humanista e innovador, Poveda fue canonizado por el Papa Juan Pablo II en el año 2003.

Raúl Escudero interpreta al carismático sacerdote quien comienza su ministerio en las Cuevas de Guadix (Granada). Tras su traslado a Covadonga (Asturias), Poveda impulsa un movimiento de mujeres que se transforma en el origen de la Institución Teresiana, junto a la joven Josefa Segovia -Elena Furiase-, primera mujer licenciada en educación de Jaén.

La cinta tiene un relato biográfico, un metraje clásico que retrata las últimas horas del sacerdote intercalado con los bloques más importantes de su vida, de su ministerio, sus iniciativas y naturalmente todas las objeciones que debió enfrentar para abrir caminos de permanente innovación y transformación.

“Poveda” es una película amable, con un guión sencillo y predecible. El ritmo cadencioso le permite al director imprimir un sello de temple y certeza en los 110 minutos de rodaje, aunque por momentos la tensión decae y el hilo dramático pierde el foco, distraído por detalles que lo apartan del centro de la historia.

Con pocos personajes secundarios desarrollados, la cinta se sostiene en su protagonista y en Pepita, lo que desdibuja el entorno del relato y caricaturiza a quienes le rodean. No obstante, Moreno logra contar la historia de manera limpia y sencilla, sin sobresaltos y también sin conmover demasiado.

Algunos ripios de producción (maquillaje exagerado y música evidente) le restan a la cinta una convicción mayor. La sensación de un plano constante, invariable y persistente, dota a la cinta de un tono similar, impidiendo al espectador incorporarse a la cinta para verla desde afuera, tomando distancia y observando todo como un hecho histórico.

A favor, “Poveda” tiene el valor de mostrar la vida de un Santo que cambió conceptos de educación y pastoral con los más marginados. En contra, una forma ya conocida, un relato más bien plano que deja fuera el involucrarse emocionalmente con los protagonistas.

En síntesis, tenemos una película de valor histórico, muy orientada a “las Teresianas”, y que merece un espacio de difusión por lo trascendente del mensaje de San Pedro Poveda Castroverde.

Ficha técnica

Título oficial: Poveda

Duración: 110 minutos

Género: Drama histórico, Biopic

País: España

Distribuidor: Goya Producciones & Proyectil

Distribución en Chile: Aerópago Comunicaciones

Actores: Raúl Escudero, Elena Furiase

Director: Pablo Moreno

La Resurrección

Esta cinta del director Kevin Reynolds, estrenada en la Semana Santa y que lamentablemente no tuvo mucho tiempo en exhibición, resulta ser toda una sorpresa. Acostumbrados a películas bíblicas, o sobre la vida de Jesús, con relatos relativamente similares, sin novedad o más bien sin una intencionalidad diferente, “La Resurrección” se presenta diferente desde un comienzo.

Clavius -Joseph Fiennes- recibe un encargo urgente de Poncio Pilatos -Peter Firth- pues se ha crucificado a un hombre cuyo cadáver ha desaparecido del sepulcro. Clavius, quien lo había visto morir en la Cruz, no duda en pensar que la desaparición del cuerpo es obra de sus seguidores por lo que comienza una investigación que lo lleva por extraños caminos, situaciones que no tienen lógica y hechos que superan absolutamente cualquier entendimiento natural del estado de las cosas.

La película, construida sobre las bases de una superproducción, no abusa de los recursos y utiliza un hilo narrativo cercano a un thriller policial. Hay un hecho objetivo, se debe encontrar un cuerpo antes que llegue el Emperador a la zona. El investigador es Clavius y sus sospechosos, los discípulos de Jesús. La búsqueda es interesante, el ritmo es marcado y el suspenso se apodera de la pantalla a pesar que naturalmente conocemos la historia (independiente de la creencia o fe particular de cada uno) lo que hace aun más interesante que la cinta no pierda sorpresa, intriga y tensión.

Las actuaciones, los escenarios, la música y su construcción global entregan a “La Resurrección” un aire diferente a lo que normalmente suele ser una cinta religiosa. De hecho, este aspecto no menor, entrega a esta película la posibilidad de salir del círculo habitual, generando una posibilidad para otro tipo de público que podría incluso interesarse desde un punto de vista diferente del tradicional, el punto de vista de la duda sobre el “robo del cuerpo” o la “resurrección de Jesús”.

Interesante desde todo punto de vista y recomendada como una cinta que permite reflexionar en Semana Santa, “La Resurrección” se suma a las tradicionales “Jesús de Nazareth” y “La Pasión de Cristo” como una nueva opción, bien hecha, bien actuada, bien dirigida, con un guión sólido y con argumentos de sobra para ganarse un espacio importante en las producciones religiosas.

Ficha técnica

Título Original: Risen 

País: Estados Unidos

Año: 2016

Duración: 108 minutos

Calificación: Todo Espectador

Actores: Joseph Fiennes, Peter Firth, Cliff Curtis, María Botto

Director: Kevin Reynolds

Batman vs Superman: el origen de la justicia

Ver a dos de los más emblemáticos superhéroes juntos, en pantalla gigante, llama la atención desde el primer anuncio. Y si a esto sumamos que se enfrentarán, la expectación es aún mayor. La presencia de Superman luego de la última entrega en “El hombre de acero” y de Batman luego de “El caballero de la noche” genera una ilusión que lentamente se desvanece con el correr de sus extensos 151 minutos de duración.

Superman -Henry Cavill poco convincente y algo ausente- se ha transformado en una figura controversial. Al tener un poder inigualable, muchos lo consideran una amenaza para la humanidad y otros tantos lo ven como su única esperanza en el combate frente al mal. Por otro lado, Bruce Wayne -Ben Affleck interpretando por primera vez al multimillonario hombre murciélago-, no está muy convencido del papel que Superman ha adquirido y se acerca al grupo que cree que tanto poder es peligroso lejos de un control o supervisión más general. Hay controversia, una cierta rivalidad, sin embargo no es clara ni precisa. Hasta que aparece el hijo de un villano conocido, Lex Luthor Jr. -Jesse Eisenberg en un papel digno de admiración- que quiere continuar la obra de su padre y exterminar a Superman de una vez por todas.

El argumento de la cinta es confuso y oscuro. Mezcla los poderes políticos, con el sensacionalismo de los medios (no podemos olvidar que Clark Kent y Luisa Lane son reporteros del Daily Planet); los superpoderes con el amor; la maldad y el poder del dinero con la justicia y la libertad, en un guiso sin forma donde al parecer la consigna es “usar todo” y veamos qué sale de aquello.

El resultado de este experimento es desalentador. Las bases de sustento se degradan y solo quedan pequeños detalles que analizados por separado pueden funcionar, pero que en conjunto no alcanzan a darle unidad a una superproducción de tamaña ambición. Los efectos visuales son excelentes, la acción es vertiginosa, sin embargo aquello no es suficiente para salvar a los protagonistas de un naufragio seguro.

Lo mejor, Eisenberg como el nuevo Lex Luthor, locura, pasión y maldad encerrada en un gran cerebro; lo bueno, la banda sonora de Hans Zimmer y la espectacularidad de las acciones; lo malo, la construcción de ambos superhéroes, vacíos, distantes, con muy poco peso dramático; lo descartable, la aparición de otros superhéroes que parecen acudir más al rescate de la película que ser parte real de su argumento. Finalmente lo destacable: el viejo Alfred, con un inagotable -e inalterable- Jeremy Irons y Laurence Fishburne como el editor del Planet, dos excelentes actores en roles secundarios que piden sin lugar a dudas más presencia escénica.

Ficha técnica

Título original: Batman v Superman: Dawn of Justice

País: Estados Unidos

Año: 2016

Género: Ciencia ficción, Acción, Supehéroes

Duración: 151 minutos

Elenco: Henry Cavill, Ben Affleck, Amy Adams, Jesse Eisenberg, Diane Lane, Laurence Fishburne, Jeremy Irons, Holly Hunter, Gal Gadot

Director: Zack Snyder

La chica danesa

La chica danesa, basada en la novela homónima de David Ebershoff, cuenta la historia de una pareja de artistas Einar y Gerda Wegener -Eddie Redmayne y Alicia Vikander- en los años 20, en Dinamarca. Ellos se ven como un matrimonio normal, sin hijos, dedicados el uno al otro y a la pintura. Esto comienza a cambiar cuando Einar posa vestido de mujer para que su esposa complete una pintura. Algo sucede entonces, dado que Lili -la versión femenina de Einar- adquiere un protagonismo especial y marcado, modificando sus vidas y su relación de pareja.

La cinta, dirigida por Tom Hooper, es biográfica. La temática, sobretodo tomando en cuenta el contexto social, es ya bastante polémica y lo es más aun la decisión de Einar de someterse a una operación riesgosa para convertirse en mujer. En ese sentido, los argumentos, la trama y la historia tienen un vasto material de composición, sin embargo la película se queda a medio camino, desdibujando a su protagonista y dejándolo huérfano de personajes secundarios que aporten a su caracterización.

Hay ausencias notables. No vemos con claridad el proceso. ¿Es desde siempre o es un impulso desde un momento determinado? ¿Hay algo que marca la vida de Einar o son solo circunstancias? Tal vez la cinta no pretende responder las preguntas, sin embargo la falta de profundidad pasa la cuenta al momento de analizar un guión que es más bien liviano para la profundidad de lo abordado. Ausencia también en el apoyo de los otros personajes -salvo Gerda, naturalmente- quienes no logran nutrir a la historia del peso dramático que debiera contener.

Si bien es cierto que Eddie Redmayne destaca por su actuación, en varios momentos se le ve sobre actuado, tal vez consciente del peso que debe llevar en sus hombros. Aquello no sorprende dada su calidad y versatilidad, sin embargo no alcanza para que la cinta solo gire en torno a sus gestos, miradas y a su nueva forma de caminar. Quizá por lo relevante de su historia, merecía un mejor desarrollo, un metraje que con sustancia pudiera reflejar aun mejor esta cohabitación de dos personas en un cuerpo limitado y la dolorosa decisión que implica dejar de lado a una de ellas.

Ficha técnica

The Danish Girl

Fotografía: Danny Cohen BSC                                                     

Ambientación y decorados: Grant Armstrong, Celine de Streel, Tom Weaving

Edición: Melanie Oliver                                                                       

Música: Alexandre Desplat                                                            

Vestuario: Paco Delgado                                                                   

Biografía, drama, transgénero                                                          

Inglaterra, EE.UU. Bélgica Dinamarca Alemania               

Duración: 119 minutos

Guión: Lucinda Coxon, David Ebershoff (novela)                           

Actores: Eddie Redmayne, Alicia Vikander, Amber Heard

Director: Tom Hooper

A War, la otra guerra

Esta cinta del director danés Tobias Lindholm -“La Cacería”-, muestra una visión especial de los ámbitos extremos de la guerra y los efectos en las personas en múltiples aspectos de sus vidas. 

Claus Michael Pedersen -Pilou Asbaek- es comandante de 135 hombres que se encuentra en Afganistan en misiones de patrullaje para asegurar la vida de civiles que se encuentran amenazados por las milicias talibanes. Paralelamente, María, su esposa, debe hacer vida normal a cargo de sus tres pequeños hijos sin la compañía de su marido, a quien toda la familia extraña profundamente. En estos dos opuestos, o mundos paralelos, se desarrolla la primera parte de la cinta, con un ritmo pausado, reflexivo, entregando un contexto no siempre fácil de percibir.

En las misiones de patrullaje no todo está exento de problemas. Hay enfrentamientos, campos minados y situaciones extremas de crisis. Es justamente en una de estas últimas en la que Claus se ve enfrentado a tomar una decisión bajo extrema presión y que tendrá consecuencias, tanto para sus hombres a cargo, como para él y su familia, cuando deba justificar las razones que lo llevaron a proceder de aquella forma. En ese momento, la película tiene un giro y se abre un universo de interrogantes cuyo propósito no es resolverlas sino dejar planteado el debate.

Tobias Lindholm, filmando permanentemente con la tensión de la cámara en mano, dibuja un clima complejo de percibir. Las actuaciones son convincentes y cierta frialdad del protagonista es más bien un recurso dramático usado para transmitir -o tal vez imaginar- un mundo interior que se mueve entre el “deber ser”, las responsabilidades, los afectos y el amor de su familia.

Nominada al Óscar 2016 como una de las mejores películas extranjeras, “A War, la otra guerra” no nos deja indiferente. Podemos estar más o menos cercanos a su estilo de relato, pero sin duda aporta con una historia de seres humanos, con fortalezas, debilidades, miedos e ilusiones, en medio de un clima permanentemente hostil, lleno de dudas, soledad y esperanza.

Ficha técnica

Título original: Krigen

Año: 2015

Duración: 115

País: Dinamarca

Género: Drama

Música: Sune Rose Wagner

Fotografía: Magnus Nordenhof Jønck 

Empresas Productoras: Nordisk Film Production, DR, Studiocanal

Elenco: Pilou Asbaek, Tuva Novotny, Soren Mallin

Guión: Tobias Lindholm

Dirección: Tobias Lindholm

Gringo Rojo

Este documental del director chileno Miguel Ángel Vidaurre, nos muestra algunos aspectos de la vida pública de Dean Reed, un cantante pop norteamericano nacido en 1938 en Lakewood, Colorado, y que luego de visitar Chile, Argentina y otros países de la región, obtuvo aquella popularidad que en le fue esquiva en Estados Unidos, bajo la sombra del gran Elvis Presley. Su carisma y su voz cruzaron fronteras y le permitieron a Reed conocer la realidad latinoamericana y adherir a las ideas revolucionarias que tomaban fuerte impulso en los años 60 y 70.

El documental, con fragmentos de entrevistas -correctas y equilibradas- y un buen material histórico proveniente de noticiarios y revistas, retrata al hombre, al artista y al idealista en diferentes planos. Por una parte, un fenómeno de masas, admirado y seguido por miles de fanáticas; por otra, un buen cantante que sin brillar especialmente lograba transmitir alegría y entusiasmando a su público; y finalmente al hombre que se fue transformando en icono al realizar gestos como cuando frente al consulado estadounidense, lavó la bandera de su país por estar manchada con la sangre de víctimas de la guerra.

El trabajo de Vidaurre es cuidado, aunque por momentos incompleto. No es una biografía, sino un acercamiento al hombre público. Es cierto que es difícil dar cuenta en 67 minutos de una historia que puede estar llena de detalles, rodeada de la especial atmósfera de los sesenta. Sin embargo con más o menos recursos narrativos el documental se abre paso para cumplir al menos dos objetivos esenciales: recordar y conocer a un artista que pasó de la popularidad musical a la popularidad social, modificando su visión del mundo y su pensamiento político en una época marcada por grandes divisiones e ideales.

Ficha técnica

País: Chile

Año: 2016

Distribuidora: Storyboard Media.cl

Género: Documental

Duración: 67 minutos

Actor y Cantante: Dean Reed

Director: Miguel Ángel Vidaurre

Divergente la Serie: Leal

Esta tercera película de la serie basada en la trilogía “Divergente” escrita por Veronica Roth abre la saga a un nuevo mundo. Volviendo unos pasos atrás, el comienzo desarrollado en la primera entrega me llamó mucho la atención desde el punto de vista de la idea conceptual que encerraba y el lenguaje juvenil que daba vida al relato. Lamentablemente algunos de estos elementos se perdieron en “Insurgente”, la segunda parte, carente de un fondo fílmico y dramático más sólido. Afortunadamente esta secuela retoma la línea inicial y entrega una cinta ágil, bien construida y que desarrolla una tensión creciente desde los primeros minutos.

Tris -Shailene Woodley- y Cuatro -Theo James- deciden enfrentar un nuevo desafío pues Chicago, ya sin facciones, se encuentra dividida y en crisis. Esta aventura es nada menos que traspasar el muro que rodea la ciudad, llevándolos a un horizonte totalmente desconocido, donde todo aquello que concebían ya no es así, cobrando otro sentido. Hay elementos nuevos y descubrimientos que cambiarán totalmente la historia y el camino de los jóvenes protagonistas.

Llama la atención la necesidad o sentido de urgencia que impulsa a Tris a explorar más allá de lo conocido, mucho más allá de su ámbito de acción. El tema es recurrente en la saga y es interesante la forma en que se muestra y se desarrolla en este relato. Hay numerosos valores en juego y que son de vital importancia como la lealtad, el amor y el sacrificio, entre otros. También están presentes acciones de valor comunitario y gestos de perdón que, si bien son básicos, comunes y evidentes, le entregan al metraje un interesante sentido de humanidad y de preocupación por los demás.

El director Robert Schwentke maneja mucho mejor los tiempos y las secuencias en esta secuela. La construcción de escenarios tiene una lograda estética, confrontando la oscuridad de este Chicago rodeado y destruido, con un ácido desierto como tránsito, versus la luminosidad espléndida de un “nuevo mundo”. Tanto los efectos especiales, como la fotografía y la música dotan a la cinta de características propias de una mega-producción lo que sin duda está muy bien logrado.

“Leal” es una película que podemos leerla desde diferentes capas o realidades. La más clara es desde la entretención de una saga juvenil, de acción y aventura. Sin embargo en otra profundidad, surgen claros e interesantes rasgos de desafío y superación de situaciones no deseadas. Una historia dinámica permite desarrollar -en ocasiones con más o menos éxito- esta figura de los “divergentes”, que son finalmente las personas que no se adaptan al sistema y por lo tanto son un peligro para su propia estabilidad. Ellos buscan caminos nuevos, soluciones diferentes y son los llamados a cambiar el mundo que habitan. Acá hay esperanza y futuro, hay una búsqueda impetuosa por ir más allá a través de estos dos personajes, que con sus claras diferencias de género, entienden que el camino es el riesgo y no la comodidad. 

Esta película, la penúltima de la serie, reafirma que nuevos lenguajes juveniles también pueden tener temáticas importantes y construirlas en forma entretenida, lo que ciertamente es un mérito. Si es atractivo al público juvenil, es además una oportunidad para poder entender sus dinámicas para aquellos que ya no somos tan jóvenes, y por ello sugiero no dejar pasar esta oportunidad. Más de alguno se sorprenderá si se deja seducir y acepta el llamado a salir y explorar aquello que no es tan cómodo. El desafío está y depende de nosotros.

Ficha técnica

Allegiant Part 1

Año: 2016

País: Estados Unidos

Género: Aventura, Ciencia Ficción

Duración: 121 Minutos

Elenco: Shailene Woodley, Miles Teller, Theo James

Director: Robert Schwentke

Horas contadas

Película basada en el libro “The Finest Hours” escrito por Casey Sherman y Michael J. Tougias, es la historia real de la misión de rescate “Pendleton” en 1952 realizado por la guardia costera de Estados Unidos, luego que dos enormes barcos petroleros fueron partidos en dos por una enorme tormenta con nieve, lluvia, granizo, inundaciones y olas gigantescas. Este heroico rescate ocurrió en la costa del Cabo Cod y fue llevado a cabo por un sencillo bote salvavidas que logró sortear con éxito todos los desafíos que la situación climática presentaba, rescatando a los sobrevivientes de uno de los mayores desastres navales que se recuerde.

No considero negativo mencionar el desenlace pues el foco de la película no está puesto en aquello sino más bien en intentar retratar la angustia frente a lo incontrolable y el espíritu de coraje, valentía que logra superar el natural miedo a una naturaleza totalmente fuera de control.

La cinta es sin duda una muestra de efectos especiales. La crisis en el barco, la tormenta, las olas y lo extremo del clima están muy bien retratados. Sin embargo, donde naturalmente flaquea, es en la construcción del drama, pasando por una poca elaboración de sus personajes, realzando una caricatura de ellos y llenando sus diálogos de lugares comunes, anunciados y predecibles.

Lo bueno: tensión a raudales en plena tempestad, ágiles tomas y efectos dentro del barco y algunas imágenes de planos abiertos que parecen ciertos. Lo no tan bueno: los diálogos y la falta de un hilo conductor que los enlace y los lleve a hacerlos más creíbles y sólidos. Lo malo: el relato hace “literalmente agua” cuando intenta ser más profundo y no logra transmitir las emociones correctamente.

Lo imperdible es que esta cinta hay que verla en la pantalla de cine más grande que disponga, con el mejor sonido posible y llevar algo para cubrirse porque en más de alguna función el mar se saldrá e inundará la sala.

Ficha técnica

Título original: The finest hours

País: Estados Unidos

Año: 2016

Género: Drama catastrófico

Idioma: Inglés

Producción: Dorothy Aufiero, James Whitaker

Guión: Eric Johnson, Scott Silver, Paul Tamasy

Basada en: The Finest Hours de Casey Sherman y Michael J. Tougias

Música: Carter Burwell

Fotografía: Javier Aguirresarobe

Montaje: Tatiana S. Riegel

Protagonistas: Chris Pine, Casey Affleck, Holliday Grainger, Eric Bana, Ben Foster

Dirección: Craig Gillespie

Mustang

Nominada al Óscar como mejor película de habla no inglesa, “Mustang” es la primera cinta de la directora turca, nacionalizada francesa, Deniz Gamze Ergüven. El relato comprende la vida de cinco hermanas huérfanas, sus dificultades por ser niñas en una sociedad machista y conservadora. Su forma de composición basa la historia en la narración de la menor de las hermanas, quien con breves intervenciones entrega algunas pistas que ayudan a comenzar a entender lo que las jóvenes están viviendo.

El metraje comienza con el fin del año escolar, la despedida de su profesora que se va a radicar a Estambul, a 1.000 kilómetros de distancia. Las cinco hermanas han jugado con sus compañeros en el agua y al llegar a casa, su estricta abuela y su odioso tío comienzan a crear una verdadera prisión desde la que estas jóvenes solo saldrán casadas “por arreglo” con algún joven del pueblo, previo acuerdo de las familias y comprobación de su virginidad.

La cinta se va tornando aguda, espesa pues nos habla de una represión que a la luz de nuestros días parece improbable y claramente inaceptable. Sin embargo, sociedades así aun existen y la película da cuenta de ello con brío, energía y una línea que permanentemente se mueve en torno a la rebelión o resignación ante una realidad que parece insalvable.

Las personalidades se reflejan de manera estupenda en la construcción de cada una. Tan similares y tan diferentes, que es un real trabajo de joyería. Si bien el relato se presenta desordenado, las piezas empiezan a calzar con el correr de los minutos. Agobia por momentos, atormenta y nos crea una sensación de estar presenciando atropellos y faltas a la dignidad que dan deseos de denunciar a viva voz. Sin embargo, la esperanza surge y se abre paso para abrir la puerta de una historia que puede girar y que nos conmueve y llama a acompañar.

“Mustang” tiene merecidas todas sus nominaciones y premios. Es una valiente denuncia, un relato incisivo de opresión y liberación que fluye confuso, se desarrolla y alcanza altos grados de desarrollo en las actuaciones que lo sostienen. 

Ficha técnica

Mustang

Año: 2015

Género: Drama

Duración: 97 minutos

Idioma: Turco

Dirección artística: Serdar Yemisci

Producción: Charles Gillibert

Guión: Deniz Gamze Ergüven, Alice Winocour

Música: Warren Ellis

Actores: Günes Sensoy, Doga Zeynep Doguslu, Tugba Sunguroglu, Elit Iscan, Ilayda Akdogan, Nihal G. Koldas, Ayberk Pekcan

Dirección: Deniz Gamze Ergüven