Snowden

Oliver Stone está de regreso. Y su tema, ahora, se enfoca en la historia de Edward Snowden -Joseph Gordon-Levitt- quien desclasificó datos vitales sobre el programa secreto de vigilancia mundial de la NSA (Agencia de Seguridad Nacional de Estados Unidos).

Basada en el libro "The Snowden files. The inside story of the world's most wanted man", escrito por Luke Harding, y en un libro escrito por Anatoly Kucherena, el abogado ruso de Edward Snowden, la cinta relata el momento en que la documentación ultra clasificada se hace pública por parte del diario “The Guardian” y desde aquel acontecimiento, reconstruye la vida de su protagonista y las causas que lo llevaron a tomar esa decisión.

Oliver Stone filma sin apuro, compone los ambientes con pulcritud, retrotrae la historia y le da a la cinta un carácter oscuro y misterioso. Todos -un poco más o un poco menos- conocemos la trama. Un consultor de tecnología que decide desnudar lo que es secreto, corre el riesgo de ser perseguido, deportado, extraditado y donde su vida da un giro en 180 grados. Parece ficción, sin embargo son hechos reales. Sucedió. Y no hace mucho tiempo, recién el año 2013. Por ello el desafío es mayor. la historia está cerca, en la retina, y por ello la forma cuenta mucho más que el fondo.

Los 134 minutos de "Snowden" se sienten. Sobre todo por el relato cansino que el director imprime al metraje. No pierde interés ni tampoco decae en tensión, sin embargo por momentos resulta densa la cantidad de información procesada que se intenta abordar.

Lo que es claro en esta cinta es el debate moral-ético, justo o no, de la rebeldía ante situaciones aparentemente imposibles de cambiar. ¿Snowden es un traidor o un héroe? ¿Es lícito o no, revelar información que me ha sido confiada en términos confidenciales? ¿Debo mantener silencio ante situaciones de abuso de poder, de clara violación de derechos? ¿Me corresponde a mi dicha decisión? Estas son unas pocas preguntas que la cinta no responde sino que a través de los hechos narrados pretende poner sobre la mesa, tal vez para tomar conciencia de lo que un hecho así significa.

En mayor o menor medida Oliver Stone logra su propósito. Universalizar la historia de Snowden y dejar planteada la discusión. Podemos opinar distinto, sin embargo es muy difícil pasar sin formarse una opinión. Aquello es muy valioso y un incentivo claro para ir a ver esta película.

Ficha técnica

Título original: "Snowden"
Duración: 134 minutos

Calificación: TE+7
Género: Suspenso, Biográfica
Año: 2016
País: Estados Unidos
Elenco: Joseph Gordon-Levitt, Shailene Woodley, Melissa Leo, Zachary Quinto, Tom Wilkinson, Rhys Ifans, Nicolas Cage, Scott Eastwood y Edward Snowden

Director: Oliver Stone

La La Land

Si una película queda por días -y en este caso semanas- es una señal. Y además, cuando inmediatamente después de verla, uno siente que algo ha cambiado, es aún más claro. “La La Land” tiene mucho de ambos aspectos. Escribo estas líneas escuchando la preciosa banda sonora que Justin Hurwitz compuso para esta maravillosa joya del talentoso director Damien Chazelle, quien ya nos sorprendiera hace dos años con la excelente “Whiplash”.

Mia -Emma Stone- y Sebastián -Ryan Gosling-, son dos jóvenes soñadores que habitan Los Ángeles, la ciudad de las estrellas. Ella quiere ser actriz, va a todas las audiciones posibles para conseguir un papel mientras trabaja en una cafetería que es asiduamente visitada por estrellas consagradas. Él, pianista de Jazz tradicional, se gana la vida tocando en bares y pubs, intentando que la música que lo apasiona siga viva y vigente. Mia y Sebastián, dos almas gemelas que se encuentran por casualidad, cruzan sus vidas, sus emociones, sus frustraciones y sus sueños en un romance que amplía sus horizontes y que parece no tener límite.

Damien Chazelle -de 31 años- narra esta historia como un musical, sin embargo esta cinta es muchísimo más amplia. “La La Land” no solo es excelente musicalmente sino que es un maravilloso relato sobre el amor, la ilusión y la vocación de dos personas, dos almas artísticas que juntas descubren su propio potencial. Habla de fracaso -las más de las veces- y pequeñas cimas -las menos-, en un camino azaroso, difícil, complejo, situados en un universo muchas veces hostil, que no da ventajas y que al menor descuido, pasa la cuenta.

Todo encaja perfectamente en “La La Land”. Las actuaciones de Emma Stone y Ryan Gosling son realmente excelentes. Cantan y bailan de manera estupenda y se complementan con una química y magia única. La música como hilo conductor de la historia es sencilla y a la vez elaborada. El tema central de ambos protagonistas les acompaña permanentemente y el resto de la partitura fluye sólida, alegre, reflexiva y emotiva. La dirección de Chazelle es clave por la forma que tiene de filmar las emociones. Observamos plano-secuencia, diálogos, silencios, primeros planos, contexto, todo desarrollado certeramente y generando una complicidad que aumenta en la medida que el metraje avanza. Ya no son Mia y Sebastián. Somos nosotros representados en ellos. Allí están nuestros propios sueños, nuestra pasión y tal vez nuestra propia historia. Nos apropiamos de sus frustraciones y nos emocionamos con sus conquistas. Aquella sincronía afectiva y fuertemente empática, logra compenetrar la historia y nos hace protagonistas de ella.

“La La Land” es una gran película y sin duda irá por todos los premios del 2016. Es cierto que mira hacia el interior de Hollywood no solo como homenaje -tal vez un poco también mirándose el ombligo-, sin embargo esto no le resta absolutamente ningún mérito. Al contrario, aumenta sus virtudes en un drama musical que tiene de comedia, de romance y un gran abanico de formatos, para dar vida a una historia narrada con variados lenguajes donde la emoción, la pasión, la locura y los sueños se abren paso con energía y vitalidad sin frontera, en una película que nos ilusiona y simplemente nos deja maravillados.

Ficha técnica

Título original: La La Land 

Año: 2016

Duración: 127 minutos

País: Estados Unidos

Productora: Summit Entertainment / Gilbert Films / Impostor Pictures / Marc Platt Productions

Género: Musical. Comedia. Drama. Romance

Guión: Damien Chazelle

Música: Justin Hurwitz

Fotografía: Linus Sandgren

Reparto: Ryan Gosling, Emma Stone, J.K. Simmons, Rosemarie De Witt, John Legend, Finn Wittrock, Sonoya Mizuno, Jessica Rothe, Jason Fuchs, Callie Hernandez, Trevor Lissauer, Phillip E. Walker, Hemky Madera, Kaye L. Morris

Director: Damien Chazelle

Un monstruo viene a verme

El director español Juan Antonio Bayona (“El orfanato”, “Lo imposible”) nos entrega el relato de un adolescente de 12 años, Connor -Lewis MacDougall-, cuya madre -Felicity Jones- está enferma de cáncer. “Conn” debe sobrellevar este tiempo haciendo deberes que para su edad no se condicen -se prepara la comida, lava y seca su ropa- pues el tratamiento debilita cada vez más a su mamá. Sus temores y miedos tienen un factor común: despierta todos los días a las 12:07 con una recurrente pesadilla, donde todo se destruye a su alrededor. Justo en ese momento se hace presente un “monstruo”, un árbol gigante con interior de fuego -Liam Neeson- quien habla con Connor y le narra historias que le resultan sin sentido y poco comprensibles. Por otra parte su abuela -Sigourney Weaver- tampoco colabora mucho en la visión del muchacho, ya que cuando va a vivir a su casa se encuentra con un lugar frío, ordenado y más parecido a un Museo que a un cálido hogar.

La cinta -la más vista en España el 2016 y con 12 nominaciones al Premio Goya- es un relato sobre el dolor, en este caso el de un hijo que no quiere perder a su madre y que sin embargo intuye que no habrá un final diferente. No obstante lo anterior, este viaje emocional incursiona en otros niveles, algunos difíciles de palpar y entender sin profundizar las capas que Bayona, inteligentemente, incorpora en el filme.

“A Monster Calls” puede conmover o dejar indiferente, dependiendo la vereda en la que nos situemos. El desolador drama se compensa con una fantasía que toma distancia de la emoción. O también, podemos interpretar aquella fantasía como una vía natural de expresión de un dolor que no tiene igual; de un temor a aquello que no logramos comprender ni pretendemos conocer, justamente porque nos abraza, nos supera y nos anula.

Juan Antonio Bayona construye un metraje interesante desde el punto de vista de la cuidadosa filmación. Sin embargo, desde la construcción de los personajes -salvo la conmovedora actuación del protagonista Lewis MacDougall-, deja algunas dudas. Hay ciertas inflexiones en las actuaciones de la madre y la abuela, ciertos giros melodramáticos, que quitan sustancia a una elaboración más contundente del drama del que ambas deben dar cuenta.

“Un monstruo viene a verme” funciona bien en términos generales. No es solo una historia. Son varias historias -de hecho es lo que sucede y es su hilo conductor- que finalmente confluyen en una particularidad, que a la vez es universal: el dolor es parte consustancial del crecimiento, se supera y entrega nuevos elementos para las futuras etapas de la vida. En esto hay una gran verdad aunque nuestra naturaleza humana trate de engañarnos o desviarnos de aquello que es inevitable.

Ficha técnica

Título original: A Monster Calls

Año: 2016

Duración: 108 minutos

País: España

Género: Fantástico. Drama | Acoso escolar. Infancia. Monstruos. Enfermedad. Familia

Guión: Patrick Ness (Novela: Patrick Ness)

Música: Fernando Velázquez

Fotografía: Óscar Faura

Reparto: Lewis MacDougall, Sigourney Weaver, Felicity Jones, Liam Neeson, Toby Kebbell, Geraldine Chaplin, James Melville, Garry Marriott, Joe Curtis, Kai Arnthal, Max Gabbay

Director: J.A. Bayona

Pasajeros

“Ávalon”, una sofisticada y ultramoderna nave espacial, con 5.000 personas y 258 tripulantes en su interior en estado de hibernación, viaja a Homestead II, un planeta-colonia lejano, en un recorrido que tomaría unos 120 años. Un importante impacto con un meteorito causa algunos problemas y la cápsula de Jim Preston -Chris Pratt- se abre y comienza su proceso de activación, faltando aún 90 años para la llegada a destino. ¿Hay alguna razón para esto y está solo él despierto? ¿Cuáles son sus opciones en este viaje interestelar?

Esta cinta del director Morten Tyldum abarca un tema muy atractivo e interesante. Por un lado la necesidad humana -presente o futura- de buscar nuevos lugares habitales y por otro lado el cómo llegar hasta ellos dado su infinita lejanía, ambas variables aun en etapa de ficción y de sueño imposible. Este es, en rigor, lo más destacado de la película, porque el guión se encarga de hacerla predecible y de alargar, sin sentido aparente, la presentación del conflicto.

Es un mérito de sus dos protagonistas -Jennifer Lawrence interpreta a la escritora Aurora Lane- mantener el relato y el peso dramático del metraje, sin embargo, lo que comienza como ciencia ficción se transforma en excusa para mutar hacia el romance, lleno de lugares comunes, frases hechas y acciones repetidas que no hacen más que apagar el hilo conductor de la historia.

Creo que esta cinta es un ejemplo de algo interesante que no logra desarrollarse en plenitud. Es cierto que la sensación que va quedando cuando nos alejamos de ella mejora, pero aquello no es suficiente para que la historia recobre interés. Adicionales a la sustancia, sí cobran protagonismo. La partitura de Thomas Newman y la fotografía de Rodrigo Prieto se alzan como puntos altos en una producción bien ejecutada, correcta, con los efectos especiales justos para acompañar un relato que debió ser mucho mejor construido.

“Pasajeros” tiene presentes otros valores y emociones gracias a su temática esencial. La confianza, la verdad, la moral, el instinto y el deber ser, se presentan en conflicto cuando se deben tomar algunas decisiones. Aunque tomado en forma de comedia, explorar en ellos puede resultar un ejercicio interesante, sobre todo cuando el escenario es tanto inhóspito como desconocido.Finalmente es la humanidad por sobre la ciencia la que busca encontrar la salida o resolución y aquello siempre será interesante, aunque no necesariamente nos conduzca al final que cada uno prefiera para un romance espacial.

Ficha técnica

Título original: Passengers

Año: 2016

Duración: 116 minutos

País: Estados Unidos

Género: Ciencia ficción. Drama. Aventuras. Romance | Aventura espacial. 3-D

Guión: Jon Spaihts

Música: Thomas Newman

Fotografía: Rodrigo Prieto

Reparto: Chris Pratt, Jennifer Lawrence, Michael Sheen, Laurence Fishburne, Andy García, Julee Cerda

Director: Morten Tyldum

Assassin's Creed

Un video juego transformado en película puede ser un desafío bastante interesante. Cuando además se añade una interpretación libre sin perder la esencia, las perspectivas son mejores. Y si en el reparto figuran nombres como Marion Cotillard, Jeremy Irons y Michael Fassbender, las expectativas crecen. No obstante lo anterior, “Assassin's Creed” no logra despegar por la debilidad de su columna vertebral: el relato. Ritmo cansino, poco digerible para quienes no conozcan la historia del juego y con muy poca profundidad en el tratamiento de sus personajes.

A través de una tecnología impresionante, Callum Lynch -Michael Fassbender- es forzado a revivir las batallas de Aguilar, antepasado que vivió en la inquisición española del siglo XV. Descendiente de una oscura organización secreta, los Assassins, Callum se da cuenta que tiene habilidades para hacer frente a los Templarios. “Animus” le permite ir y volver, no estando exento del riesgo que ello implica. Callum es investigado (en realidad usado) para descubrir aquél indicio que tan sagradamente ha sido protegido de los Templarios y que contendría -dentro de una una manzana- los principios de la violencia, con lo que podrían extinguirla y con ello dominar el mundo.

Tal como mencionaba en el primer párrafo, el relato es modesto. Está hecho para fans y no para quienes no conocemos la historia. Claro, podemos investigar, mirar el video juego, admirarnos por ello, sin embargo estamos en presencia de una película que debería valerse por si misma y no necesariamente lo hace. 

Justin Kurzel, su director, hace un magnífico trabajo de imágenes, efectos especiales, mezclado con bella fotografía y coreografías que resultan muy brillantes y emocionantes. Sin embargo, la sustancia de la historia se queda donde mismo, parece no empezar ni terminar -característico de los video juegos que nos pueden tomar horas y días en similares escenarios con variantes más, variantes menos- y que finalmente ensaya un final que no hace más que abrir la puerta a posteriores entregas de la saga.

Atractiva visualmente y me imagino que largamente esperada y aclamada por sus fans, Assassin's Creed tendrá su público seguidor en todo el mundo. Sin embargo, como entrega cinematográfica, lejos de un guión adecuado queda al debe y se centra solo en acción y efectos, que entretienen pero pasan tan rápido como las etapas de cualquier juego. Y en este último sentido, hacer cine no es un juego. Es arte, historia y magia, algo lejano para esta cinta, al menos en su primera aproximación a la pantalla grande.

Ficha técnica

Título original: Assassin's Creed

Año: 2016

Duración: 108 minutos

País: Estados Unidos

Género: Aventuras. Acción. Ciencia ficción | Viajes en el tiempo. Siglo XV. Videojuego

Guión: Adam Cooper, Bill Collage, Michael Lesslie (Videojuego: Patrick Désilets, Corey May, Jade Raymond)

Música: Jed Kurzel

Fotografía: Adam Arkapaw

Reparto: Michael Fassbender, Marion Cotillard, Jeremy Irons, Charlotte Rampling, Brendan Gleeson, Michael Kenneth Williams, Ariane Labed, Brian Gleeson, Carlos Bardem, Hovik Keuchkerian, Javier Gutiérrez, Matías Varela, Denis Ménochet, Mohammed Ali, Dino Fazzani, Gabriel Andreu, Megan Affonso

Director: Justin Kurzel

Rogue One: una historia de Star Wars

Cuando Disney adquirió Lucasfilm el año 2012 podíamos suponer que un nuevo impulso se daría al mundo de Star Wars. Ya lo vimos el 2015 con “El despertar de la fuerza” y ahora es el turno de “Rogue One”, que si bien no es parte de los episodios originales de las tres trilogías, se inscribe como una historia de Star Wars situada entre los capítulos II y IV.

El Imperio acaba de confeccionar el arma más dañina y exterminadora llamada la “Estrella de la muerte”. No obstante, la alianza rebelde y un puñado de combatientes decide tomar un riesgo inusual: intentar robar los planos para con ello encontrar la vulnerabilidad que permita destruirla. En el camino encontrarán muchísimas dificultades e incluso deberán evadir al mismísimo Darth Vader.

Felicity Jones interpreta a Jyn Erso, una joven luchadora, quien junto al capitán Cassian Andor -Diego Luna- son los encargados de liderar esta misión imposible. El escenario galáctico es propicio para el despliegue de todo tipo de efectos especiales, peleas cuerpo a cuerpo, batallas aéreas, estrategias bélicas y todo aquello que los fans de Star Wars admiramos.

El relato, en términos generales es convincente no siendo brillante. El guión va develando los personajes y lentamente situándonos en la historia. Es cierto, no hay profundidad argumental ni tampoco un desarrollo dramático de los protagonistas y secundarios. Están presentes en el mundo Star Wars, sin embargo no destacan con la fuerza de un Jedi, una princesa o un aventurero.

Lo que se encuentra en el punto más alto de la cinta es la música de Michael Giacchino. Basada en las ideas originales de John Williams, Rogue One es un verdadero concierto. Hay variaciones constantes, motivos melódicos y rítmicos que llaman al recuerdo y que se proyectan al futuro. Mr. Williams puede estar tranquilo, Giacchino ha hecho un gran trabajo de empalme y ahora busca sus propios horizontes a través de una partitura llena de matices, inflexiones y colores que se abren paso a las nuevas generaciones.

“Rogue One” es una grata sorpresa. Es mejor verla sin expectativas pues de esa forma podemos disfrutarla mejor. No es la segunda división de las trilogías de Star Wars. Es un relato diferente, “basado en” y que quiere lograr abrir un camino propio, rellenar algunas partes de la historia que ya conocemos y darle vida y movimiento al universo que George Lucas maravillosamente nos ha heredado.

Ficha técnica

Rogue One: A Star Wars Story

2016

Duración: 133 minutos

País: Estados Unidos

Productora: The Walt Disney Company / Lucasfilm

Género: Ciencia ficción. Fantástico. Acción. Bélico | Aventura espacial. Spin-off. Star Wars. 3-D

Guión: Chris Weitz, Tony Gilroy (Historia: John Knoll, Gary Whitta; Personajes: George Lucas)

Música: Michael Giacchino

Fotografía: Greig Fraser

Reparto: Felicity Jones, Diego Luna, Ben Mendelsohn, Donnie Yen, Jiang Wen, Mads Mikkelsen, Forest Whitaker, Alan Tudyk, Riz Ahmed, Jonathan Aris, Jimmy Smits, Alistair Petrie, Genevieve O'Reilly, Valene Kane, Warwick Davis

Director: Gareth Edwards

Elle

Esta premiada cinta del director Paul Verhoeven no nos deja indiferente. Es un thriller con todos sus componentes, sin embargo no está compuesto de la forma tradicional.

Michèle -Isabelle Huppert-, es la ejecutiva a cargo de una empresa de juegos de video, que luego de ser asaltada violentamente en su casa por un desconocido, no denuncia el hecho a la policía y busca descubrir a su atacante y vengarse por sus propios medios.

Verhoeven dota al relato de una fuerza perturbadora incesante. Todos buscamos al culpable y recorremos las posibilidades. Michèle no se hace querer ni en su trabajo ni en su vecindario. Solitaria y segura, es de aquellas mujeres casi inalcanzables para cualquier hombre, salvo que ella de el primer paso o decida algo diferente. Ese misterio, encarnado de forma brillante por Isabelle Huppert, es el centro de la tensión del filme: todo gira en torno a “ella”.

Difícil para mi resultaron ser aquellas dosis de comedia negra que están impresas en secciones de la película. Un drama retorcido y perturbador, no sobrevive sin toques de comedia, sin embargo no son fáciles de asimilar, descubrir y menos comentar en estas líneas. Lo sustantivo de “Elle” es la fuerza de su actuación y lo fuerte del relato. A medida que avanza el metraje todo se complejiza y se simplifica. Es contradictorio, aparentemente, pero acá está la pluma del guión de David Birke que no afloja ni por un momento y la madurez de Verhoeven que sin temor, enfrenta primeros planos tan provocadores como fascinantes.  

La cinta tiene grandes dosis de morbo, es enfermiza, las relaciones no son lo que parecen y todo puede ser diferente a lo que vemos en una primera capa. Y este tema es recurrente, si no pasamos la primera, lo más probable es que incluso nos genere rechazo, repulsión o simplemente no la comprendamos. ¿Quién podría buscar a su agresor con un cierto grado de atracción? o más aún, la búsqueda de una retorcida violencia como forma de dar rienda suelta a impulsos incontrolables e inclasificables.

Dentro de las mejores cintas del 2016, “Elle” solo estuvo en la cartelera del Cine Arte Normandie. Una lástima, pensando en una posibilidad mayor de acceso para películas de categoría a las que solo podemos llegar por recomendaciones e insistencias.

Ficha técnica

Título original: Elle

Año: 2016

Duración: 130 minutos

País: Francia

Género: Drama. Thriller | Thriller psicológico. Abusos sexuales. Venganza. Comedia negra

Guión: David Birke (Novela: Philippe Djian)

Productora: Coproducción Francia-Alemania-Bélgica; SBS Productions / Entre Chien et Loup

Música: Anne Dudley

Fotografía: Stéphane Fontaine

Reparto: Isabelle Huppert, Laurent Lafitte, Anne Consigny, Charles Berling, Virginie Efira, Judith Magre, Christian Berkel, Jonas Bloquet, Alice Isaaz, Vimala Pons, Raphaël Lenglet, Arthur Mazet, Lucas Prisor, Hugo Conzelmann, Stéphane Bak

Director: Paul Verhoeven

Rara

Esta cinta de la directora chilena Pepa San Martín comienza con un plano secuencia que sigue a la protagonista -Sara, interpretada por Julia Lübbert-, al interior de su colegio. No sabemos qué busca, por qué transita, si es solo un recorrido rutinario o hay algo más en este movimiento. No obstante las dudas planteadas, esta secuencia inicial entrega una pista para comprender el peregrinar complejo y la temática profundamente difícil que plantea el guión de Alicia Scherson y Pepa San Martín.

Inspirada en el caso de una jueza chilena a quien le quitaron la custodia de sus hijas por ser lesbiana, el relato está contado desde el punto de vista de Sara (13 años) y su hermana menor Cata -Emilia Ossandón-. Su madre, Paula -Mariana Loyola- convive con su pareja Lía -Agustina Muñoz- y ambas cuidan a las dos menores en un hogar donde están presentes todos los naturales conflictos adolescentes, de pareja y de la habitual convivencia.

¿Qué es normal o qué es lo raro? Parece ser que esta es la pregunta de la cinta. ¿Sara se siente normal o rara en su colegio, en su hogar, o cuando está con su Papá Víctor -Daniel Muñoz-? Interrogante que no se responde y que a la luz del metraje deja todo a la interpretación del espectador.

Algo del ritmo, del guión o de la filmación no alcanza a cuadrar del todo. No estoy seguro que se persiga cuadrarlo o el sentido de fondo es plantear la apertura. Sin embargo, la fragmentación del relato incomoda -a veces más que el centro temático- lo que plantea una reflexión sin inclinarse por una valoración o desvalorización de los hechos. Hay mérito en ello, sin embargo, a mi modo de ver no alcanza a verse el hilo de una historia narrada parceladamente.

Julia Lübbert hace un papel muy sentido y efectivo, a pesar de su corta edad. Algunas escenas están realmente muy bien logradas, en especial aquella donde expresa lo profundo de sus sentimientos a su padre en un restaurante frente a la costa de Viña del Mar. Mariana Loyola, con la soltura y sencillez que la caracteriza, también alcanza momentos excelentes. El resto del elenco se pierde un poco en la fragmentación, a veces al borde de lo irreal (irreconocible Sigdrid Alegría como la esposa de Víctor).

“Rara” es más interesante por la temática que ofrece que por su desarrollo dramática. El conflicto es permanente, obliga a cuestionarse, y tal vez a tomar partido o juzgar. Sin embargo, deja la sensación de algo inconcluso, aun en desarrollo. Temáticas como esta -impensables hace algunos años- obligan a un esfuerzo mayor tanto en la construcción como en el tejido de la historia y no solo remitirse a ser una ventana a un mundo, diferente, real y por cierto discutible. Algo de ello está presente. Fragmentos, detalles, pero no un hilo conductor seguro y claro. Hay pistas, matices y ambientes, lo que ya es meritorio, no obstante insuficiente a estas alturas del desarrollo del cine chileno.

Ficha Técnica

Dilema familiar

Chile

2016

88 minutos

Fotografía: Enrique Stindt

Música: Ignacio Pérez Marín

Edición: Soledad Salfate

Guionistas: Alicia Scherson y Pepa San Martín

Actores: Julia Lübbert, Emilia Ossandon, Mariana Loyola, Agustina Muñoz, Daniel Muñoz, Coca Guazzini

Dirección: Pepa San Martín

Sully

Hay dos momentos que resultan clave en la brillante actuación de Tom Hanks caracterizando al capitán Chesley “Sully” Sullenberger. El primero, tal vez su primera entrevista en televisión, donde señala que ha volado por 42 años, “mi vida… toda mi vida”… Y el segundo cuando es revisado médicamente en el hospital y le informan que el recuento que había solicitado con premura arroja 155 sobrevivientes, es decir, la totalidad de quienes estaban a bordo del vuelo 1549 de US Airways aquel recordado 15 de enero de 2009. Lo que sería un tranquilo y rutinario vuelo desde el aeropuerto “LaGuardia” en Nueva York con destino a Charlotte (Carolina del Norte), se transformó en una emergencia cuando a poco de despegar -solo seis minutos-, una bandada de aves se estrelló contra el avión y dañó ambos motores, dejando al Airbus 320 sin impulso y cayendo sobre una de las ciudades más pobladas del mundo.

Clint Eastwood, a sus 86 años, está tan preciso y claro como en sus mejores trabajos. Nos regala una obra perfectamente narrada, intensa, emocionante y sobrecogedora. Su estilo es perfectamente reconocible, sus cámaras están siempre bien ubicadas y su notable dirección de actores es ya una marca registrada. Además, como si esto fuera poco, colabora en la hermosa y sencilla banda sonora junto a Christian Jacob y The Tierney Sutton Band. 

Tom Hanks entrega tal vez su mejor actuación, principalmente por una excelente construcción dramática de un personaje que se debate entre las dudas, el reconocimiento heroico, y la serenidad de solo haber hecho correctamente su trabajo. La forma de la narración no lineal elegida por Eastwood favorece un metraje tenso en una historia en la que ya conocemos el final. ¡Qué difícil es pensar y desarrollar un guión cinematográfico sabiendo el final! Es como ver un partido de cualquier deporte sabiendo ya el resultado. Sin embargo acá es donde aparece el estilo y maestría del director que nos mantiene en suspenso durante los 95 minutos de duración del filme.

Chesley Sullenberger acaba de salvar a 155 personas acuatizando de emergencia sobre el Río Hudson, sin embargo es investigado por la Junta Nacional de Seguridad del Transporte (NTSB, sus siglas en Inglés) pues las pruebas en simuladores computacionales y con pilotos humanos señalan que podría haber aterrizado sin daños en “LaGuardia” o en “Teterboro”, los dos aeropuertos más cercanos. Además, se suma un reporte que indica que el motor izquierdo aun habría funcionado, en "ralentí", por lo que la decisión del capitán podría haber puesto en riesgo la vida de los pasajeros. “Sully” tiene pesadillas -aun despierto- con al accidente. Ve estrellarse su avión contra los edificios de Manhattan e incluso sueña que dudan en Televisión si él es un “héroe o un fraude”, pues habría nuevos antecedentes sobre la emergencia declarada y sus decisiones. Toda esta tensión interna y externa es desarrollada con mano maestra por un inspirado Clint Eastwood junto a un gran elenco donde destacan el primer oficial Jeff Skiles -Aaron Eckhart- y Lorraine Sullenberger -Laura Linney-, la esposa de “Sully”.

Debemos agradecer una película como esta. Hacer de algo ordinario -realizar bien el trabajo y tomar decisiones oportunas- algo extraordinario, marca la diferencia entre la vida y la muerte. “Sully” no se cree héroe. Solo cumplió con su trabajo y no fue él solo, sino en equipo, con la tripulación, los pasajeros, los rescatistas, los equipos de emergencia y todos quienes participaron en un rescate que duró solo 24 minutos. Esta serenidad, experiencia, sabiduría y por sobre todo humanidad, es lo diferente, aquello que inclina la ecuación hacia el “factor humano” que ninguna computadora ni ningún simulador puede repetir. Hay que estar allí, vivir la situación, decidir y actuar. “Sully” hizo todo aquello y logró una hazaña que recordaremos para siempre.

Ficha Técnica

Título original: Sully

Drama

EE.UU.

95 minutos

Fotografía: Tom Stern

Efectos Especiales: Ryan Meinardus

Edición: Blu Murray

Guionista: Todd Komarnicki (Libro: Chelsey Sullenberg, Jeffrey Zaslow)

Actores: Tom Hanks, Aaron Eckhart, Laura Linney, Valerie Mahaffey, Mike O´Malley

Director: Clint Eastwood

La llegada

Esta cinta del director canadiense Denis Villeneuve -su primera incursión en el género de la ciencia ficción- es interesante, cautivadora y a la vez un desafío analítico. Su lenguaje, el modo de relatar y su construcción, se alejan de lo tradicional. Hay una propuesta, una búsqueda y un descubrimiento en esta entrega que es una invitación a dejar la superficie e introducirse en un mundo amplio, vasto y profundamente humano.

Basada en un cuento breve del escritor norteamericano Ted Chiang, “La llegada” comienza con la presencia de doce naves extraterrestres que se posan a metros de la tierra en lugares diferentes del planeta. Nada se sabe, todo se supone y por ello el gobierno de Estados Unidos contrata a la Dra. Louise Banks -Amy Adams-, una experta lingüista y a Ian Donnelly -Jeremy Renner- un destacado matemático, para liderar al equipo de científicos a cargo del Coronel Weber -Forest Whitaker- que tratará de contactarse con los recién llegados.

A esta altura tenemos ya muchos elementos que generan un clima especial. Comenzando con la enigmática introducción sostenida por las cuerdas de “On the Nature of Daylight” de Max Richter -la partitura de la cinta corresponde a Jóhann Jóhannsson es precisa-, imágenes difusas y un relato velado, Villeneuve plantea atmósferas que nos preparan para el encuentro de los científicos con las criaturas alienígenas. El desafío no es otro que intentar la comunicación, que incluso hablando las mismas lenguas o utilizando los mismos códigos se hace tan difícil entre los seres humanos. Acá no hay elementos comunes, no hay lenguajes, hay gestos, símbolos, percepciones, detalles íntimos y un permanente camino de convergencia.

Este relato de Villeneuve se inscribe como un aporte al género de ficción y además como un giro del mismo hacia lo íntimo. El universo que se describe, la amplitud de la mirada, la tensión emocional y lo pequeño del entendimiento humano son puestos aprueba durante todo el metraje. No es fácil superar las capas -yo diría más bien trampas- que el director interpone. Louise e Ian, Abbot y Costello son iconos, fragmentos, unidad e integralidad que representan una nueva concepción holística de la realidad que no solo supera a los protagonistas sino que también nos supera a los espectadores. Podemos renunciar a profundizar en ello y es válido. Sin duda no es fácil con relatos de este tipo, sin embargo podemos darle una oportunidad a esta explícita vocación humana que quiere ir más allá, que quiere mirar más allá y que sugiere visualizar de manera integral la humanidad, con sus pequeñeces y sus grandezas, sus altos y bajos, es decir todo aquello que es humano y sobre humano al mismo tiempo.

“La llegada” es de las mejores cintas del último tiempo, no solo por su aporte novedoso y diferente a lo tradicional, sino porque apuesta a un lenguaje audiovisual maduro, coherente, arriesgado y potente. Es de aquellas propuestas que no pueden dejar indiferente. Puede gustarnos o no, puede fascinarnos o bien provocarnos rechazo, pero no la podemos dejar pasar. Es una historia, una verdadera historia, contada a mi modo de ver de forma magistral, elegante y bella. Cine de calidad y del bueno, aquel que disfrutamos, con el que discutimos y también con el que nos comprometemos.

Ficha  técnica

Titulo Original: Arrival

Calificación: Todo Espectador +7

Duración: 116 minutos

Genero: Ciencia Ficción

Año: 2016

Pais: EE.UU.

Elenco: Amy Adams, Jeremy Renner, Forest Whitaker

Director: Dennis Villeneuve

La chica del tren

Esta cinta del director Tate Taylor basada en la novela homónima de Paula Hawkins es de esas películas que dejan pensando que algo faltó o bien no se concretó correctamente. Desde el título de la obra literaria se da una imagen que no se condice con un thriller de suspenso, por ello el esfuerzo en el relato debe ser aún mayor y consistente.

Rachel -Emily Blunt- tiene dificultades. Acaba de separarse de Tom -Justin Theroux-, el alcohol le ha pasado la cuenta y no ve luz al final del túnel. Viaja en tren, en el mismo asiento y vagón día a día, observando e imaginando las vidas que ocurren a su paso. Pero no todo es imaginación. Una pareja le llama la atención. Les observa cada mañana y les envidia. Son muy felices, tienen todo aquello que ella no tuvo. Sin embargo, un día ve algo diferente que cambia totalmente su vida.

Desde el punto de vista del relato, la película es confusa. Advierte cambios temporales, fechas "antes de" que no se logran captar, narración en primera persona de Megan -Haley Bennett- y Anna -Rebecca Ferguson-, las otras dos mujeres protagonistas de la historia que agregan elementos que van sumándose a una trama que en lo sustantivo es predecible, aunque quiera parecer lo contrario. Y esto se produce por el escaso desarrollo de los personajes masculinos, Tom, Scott -Luke Evans- y el Dr. Kamal Abdic -Édgar Ramírez-, carentes de profundidad y empatía.

Sin conocer el Best Seller, la película deja la idea que desaprovecha la oportunidad de llevar el escrito adecuadamente a la pantalla grande. A juzgar por el revuelo y la publicidad obtenida, aquello se ratifica una vez más. La literatura y el cine son lenguajes tan diferentes que necesitan una mano inspirada para lograr su desarrollo complementario. Y acá se extraña esa mano, sin ninguna duda, pues a pesar de las buenas actuaciones, el ritmo y la construcción del relato no logra sostenerse a lo largo del metraje, decayendo con ello la tensión, el suspenso y por lo mismo el corazón de la historia.

Ficha Técnica

Título original: The Girl on the Train

Año: 2016

Duración: 112 minutos

País: Estados Unidos

Género: Thriller, intriga

Guión: Erin Cressida Wilson (Novela: Paula Hawkins)

Música: Danny Elfman

Fotografía: Charlotte Bruus Christensen

Productora: DreamWorks Studios / Amblin Entertainment / Marc Platt Productions

Reparto: Emily Blunt, Rebecca Ferguson, Haley Bennett, Luke Evans, Edgar Ramirez, Justin Theroux, Allison Janney, Lisa Kudrow, Laura Prepon, Lana Young, Nicole Bonifacio, Marko Caka, Danielle M. Williamson, Alexander Jameson, Sidney Beitz

Director: Tate Taylor

El especialista

Arthur Bishop -Jason Statham- tiene fama de duro. Sin una mueca o gesto, pasa por la vida pareciendo no inmutarse, sin embargo su uno por ciento humano -y por tanto su debilidad- se ve afectada cuando luego de ser enganchado por una bella mujer -interpretada por Jessica Alba- ella es secuestrada. Bishop no cambia ni transa, pero se da cuenta que está de regreso en el mundo del que quería escapar. Uno de sus mayores enemigos ha diseñado el plan perfecto para hacerlo retornar y liquidar a tres poderosos jugadores, en asesinatos que deben parecer accidentes.

En cintas de este tipo la trama es lo de menos. Las actuaciones también y el relato pasa a planos secundarios. Lo importante es la acción y en ello se concentra el director Dennis Gansel que filma muy bien las secuencias de preparación de cada uno de los “accidentes”.

99 minutos entretenidos, livianos y sin mucho más contenido, donde tal vez la ficción supere a la realidad o bien sea al revés. Un género que no solo está de moda en el cine sino que se ha tomado la agenda pública. ¿Tendremos entonces que llamar a Bishop o al mismísimo Jack Bauer para que pongan orden? Esperemos que aquello solo sea fantasía.

Ficha técnica

Título original: Mechanic: Resurrectionaka 

Año: 2016

Duración: 99 minutos

País: Estados Unidos

Género: Acción. Thriller | Crimen. Secuela

Guión: Philip Shelby, Tony Mosher (Personajes: Lewis John Carlino)

Música: Mark Isham

Fotografía: Daniel Gottschalk

Actores: Jason Statham, Jessica Alba, Tommy Lee Jones, Michelle Yeoh, Natalie Burn, Yayaying Rhatha Phongam, Sam Hazeldine, Raicho Vasilev, John Cenatiempo, Aaron Brumfield, Tomer Oz, Eoin O'Brien, Geoffrey Giuliano, Anteo Quintavalle

Director: Dennis Gansel