El despertar de la fuerza

Siendo "fan" de "La Guerra de las Galaxias" es posible que lo que escriba a continuación no sea objetivo. Dicho esto, el inicio de esta nueva trilogía de la saga creada en 1977 por George Lucas, sin duda es algo largamente esperado. Ahora en manos de Disney —Lucas vendió los derechos el 2012— y bajo la dirección de J. J. Abrams —uno de los creadores de “Lost”—, esta nueva entrega viene precedida de una gran campaña de marketing y las dudas —será, no será, cambia, no cambia— propias de quienes crecimos bajo el alero de una historia que, hay que reconocerlo, es parte de nuestra vida. Aún recuerdo la primera escena del Episodio IV al verlo por primera vez en el cine “Centenario” de La Serena: una mancha en la pantalla que se agranda progresivamente y que da paso a una gigantesca nave espacial que parece no terminar nunca su paso por sobre nuestro. ¡Increíble! Pero vamos al presente, a esta nueva historia que le han llamado " El despertar de la Fuerza".

Situada 30 años después de la batalla de Endor —Episodio VI— la Alianza Rebelde ha pasado a ser la "Resistencia" que se enfrenta a la "Primera Orden", grupo nacido e inspirado en el Imperio Galáctico. Leia —Carrie Fisher— ahora es generala, y encomienda al mejor piloto de sus tropas, Poe Dameron —Oscar Isaac—, seguir una pista en el planeta Jakku, un fragmento de mapa que podría develar el paradero de su hermano Luke Skywalker —Mark Hamill— quien lleva años desaparecido. Poe, perseguido por Kylo Ren —Adam Driver—, claro admirador y seguidor de Darth Vader, decide proteger tan valiosa información ocultándola en su fiel “BB-8”. Luego de ser capturado por Kylo, escapa con la ayuda de Finn —John Boyega—, un soldado de asalto que decide desertar, quien encuentra a Rey —Daisy Ridley—, una recolectora de chatarra que lucha por sobrevivir con los residuos logra juntar. Seguir con algo más de la historia podría dar demasiados detalles, sin embargo en el camino los protagonistas se encontrarán con nuevos amigos, enemigos, personajes emblemáticos de las primeras entregas como Han Solo, Chewbacca, C3PO, R2D2 y muchos más.

Podría escribir bastante sobre la cinta, pues cada tema es un mundo. Trataré de resumir, sin embargo lo primero es lo primero: la música. Impensada sin la maestría de John Williams, quién compone un verdadero concierto para cada uno de los episodios y esta vez no es una excepción. El contrapunto técnico y emocional con las imágenes, las secuencias, la tensión y el reposo de cada escena es vital para el ritmo y fluidez del relato. Tanta es la sintonía que, a mi modo de ver, la partitura es parte medular del elenco y de la historia. J. J. Abrams lo sabe y maneja con una gran solidez la edición, permitiendo amplitud y aire a esta mágica conexión. Desde el punto de vista técnico, la factura de la cinta es de primer nivel con efectos especiales consistentes, logrando recrear y mantener la esencia vital de “Star Wars”.

La temática de este nuevo episodio sigue la estructura de la película inicial de 1977, en un claro guiño-homenaje a Lucas, y va aún más allá. Abre las posibilidades argumentales y logra una interacción generacional notable en pantalla que produce una natural empatía en la audiencia, que en varios casos también se encuentra en un proceso similar. Esta lucha entre el bien y el mal, donde los valores principales son los que están en juego -la familia, el amor, la justicia y la libertad, ente otros- es un campo fértil para poder reflexionar y compartir con quienes recién comienzan a conocer esta historia de humanidad, desarrollada sobre el entorno de la ciencia ficción.

“El despertar de la Fuerza” cumple con creces las expectativas. Enlaza perfectamente con los episodios anteriores y da inicio a una nueva trilogía que se vislumbra interesante y exitosa. No conocemos lo que vendrá, sin embargo confiamos en que la Fuerza seguirá presente y nos acompañará en las próximas entregas de esta historia, tan fascinante y tan actual como lo fue en su estreno.

Ficha técnica

Titulo Original: "Star Wars: Episode VII - The Force Awakens"

Duración: 136 minutos

Calificación: TE

Género: Ciencia Ficción

Año: 2015

País: Estados Unidos - Reino Unido

Elenco: Harrison Ford, Mark Hamill, Carrie Fisher, Adam Driver, Daisy Ridley, John Boyega, Oscar Isaac

Director: J. J. Abrams

Sicario

Escrita por Taylor Sheridan y dirigida por Denis Villeneuve, Sicario es una cinta tremendamente cruda y real. El tráfico de drogas y las matanzas son cada vez más intensas en la frontera entre México y Estados Unidos, un terreno sin ley, donde priman las armas, la violencia y la destrucción. Kate Macy -Emily Blunt-, agente del FBI que lidera operaciones en Tucson, es reclutada por Matt -Josh Brolin-, un agente especial de la fuerza de élite del gobierno norteamericano cuyo fin es combatir a los mayores responsables de los carteles de droga. Este grupo es asesorado por Alejandro -notable papel de Benicio del Toro-, un enigmático personaje que conduce al grupo a un viaje clandestino para encontrar al mayor responsable de las salvajes matanzas fronterizas.

Villeneuve nos regala una cinta de excepción. La calidad de la filmación y del relato -sin puntos medios ni bajos- es realmente de lujo. Las tomas amplias, los planos aéreos, el ritmo de las secuencias y los momentos de tensa calma están perfectamente logrados gracias a una cuidadosa fotografía y edición. Todo calza en el metraje; la música, los diálogos, los gestos de cada uno de los personajes se unen en un recorrido que nos inserta en el clima que los autores quieren entregar a esta película.

La violencia desplegada es muy fuerte. Hay una primera capa que podría impedir llegar más al fondo del idealismo que Kate profesa y las condiciones de un entorno brutal. Ella es apegada a las normas, a “lo justo”, sin embargo en el camino comienza a darse cuenta que este ideal es absolutamente contradictorio con la realidad que se vive “en terreno”. A pesar que su vocación es clara y desea atrapar a los responsables, no está de acuerdo con la forma con la que este grupo lleva a cabo las operaciones por lo que su contradicción es absoluta. No quiere ser solo una observadora, quiere ser parte del proceso pero no puede serlo, no quiere serlo; ya no sabe realmente quién es y qué hacer. Este dilema ético y moral es la piedra angular de la cinta, y tanto el elenco como su director lo trabajan de forma estupenda, clara y concreta.

“Sicario” es de un nivel cinematográfico altísimo, de lo mejor de la temporada en su género. Es una película a considerar, que merece la pena verla con detención, calma y criterio. Sin duda es una ficción, sin embargo queda muy claro que puede ser más que una realidad. Hace carne aquel dicho que “la realidad supera la ficción”. Si fuera una historia real, no cabría la menor duda. Y podría ser mucho más real de lo que siquiera imaginamos. Allí Villeneuve nos desnuda y provoca, nos confunde y nos despierta compasión. Nos hace parte, nos suma y nos involucra. Reflexionamos y cuestionamos gracias a su mirada, y su cine nos seduce y nos maravilla.

Ficha técnica

Título original: Sicario

Género: Drama , Suspenso , Crimen

Duración: 121 Minutos

Elenco: Emily Blunt, Benicio Del Toro, Josh Brolin

Director: Denis Villeneuve

En el corazón del mar

Esta cinta está basada en la novela “In the Heart of the Sea” de Nathaniel Philbrick sobre el dramático viaje del buque ballenero Essex, historia en la que se basó Herman Melville para escribir la famosa “Moby Dick”.

En el invierno de 1820, el buque británico Essex sale a alta mar en busca del preciado aceite de ballena bajo la conducción del capitán George Pollard Jr. -Benjamin Walker-, y su primer oficial Owen Chase -Chris Hemsworth-. Sin resultados favorables, se aventuran aún más cuando son atacados por una ballena blanca colosal por lo que su supervivencia pasa a ser la razón de ser y lo fundamental de la frustrada travesía.

El director Ron Howard nos presenta una revisión del clásico “Moby Dick” desde otro punto de vista. Contada por un sobreviviente de la tragedia, la historia es por momentos desgarradora. Por un lado, el relato hace hincapié en las diferencias irreconciliables entre Pollard y Chase referidas a la autoridad, las decisiones y la conducción del navío -y en general, su diferente visión de la vida- y por otro releva la situación precaria de los barcos balleneros que responden a la codicia de sus empresarios marítimos que les envían a buscar la materia prima sin pensar en los riesgos que aquello conlleva. 

La diferencia de personalidades de los dos oficiales es en extremo clara. Uno, Pollard, proviene de familia de apellido, con historia y que basa su acción en la autoridad conferida. El otro, Chase, tiene un origen humilde, ha debido esforzarse para lograr sus objetivos y se ha ganado su prestigio en base a hechos concretos y a un conocimiento de su oficio en la práctica del día a día. Howard no ahonda en ello, solo los muestra en su accionar y como sus decisiones van afectando el rumbo de los acontecimientos.

La película es esencialmente visual. Sus efectos especiales ilustran de excelente forma las situaciones de tensión y vale la pena verlos en pantallas iMax con 3D. Donde la cinta se sumerge en algunos vacíos es en el contenido y sustancia del relato, que cuando no hay acción, no logra profundidad en los diálogos y tampoco en la empatía de los protagonistas. Ya en el último tercio y bajo durísimas condiciones, vemos los mayores desafíos valóricos y humanos de los sobrevivientes, cuando las malas condiciones del clima, el hambre, el terror, la desconfianza y desesperación de estar a la deriva les hace dudar de sus creencias más profundas.

“En el corazón del mar” es finalmente entretención y no se aleja de aquello. Las concesiones al público masivo son claras y precisas en ese sentido, solo que en ocasiones frustra que el material sustantivo sea llevado a un nivel superior, tanto en la forma como en el fondo requerido para contar la historia. No solo vale una excelente recreación de época, efectos impresionantes y acción. También necesitamos entrar en la historia, ser parte de ella y en ese sentido no llegamos al corazón de la cinta. Aunque hay claros intentos, y los valoramos profundamente, no despegan y constantemente vuelven a lo que naturalmente es su centro: la acción espectacular de un relato que intenta ser épico y que no trasciende la frontera para lograrlo.

Ficha técnica

Título original: In the Heart of the Sea

País: Estados Unidos

Año: 2015

Género: Drama

Clasificación: +12

Producción: Brian Grazer

Guión: Rick Jaffa, Amanda Silver, Charles Leavitt

Música: Roque Baños

Fotografía: Anthony Dod Mantle

Protagonistas: Chris Hemsworth, Benjamin Walker, Cillian Murphy, Tom Holland, Brendan Gleeson, Jordi Molla

Dirección: Ron Howard

Secretos de una obsesión

Esta cinta escrita y dirigida por Billy Ray, basada en la novela de 2005 de Eduardo Sacheri, “La pregunta de sus ojos”, sin duda tiene similitudes con la gran adaptación que en realizó el año 2009 el director argentino Juan José Campanella y que ganó el premio Óscar. No obstante aquello, este “remake” tiene vida propia y varios aspectos que la independizan y valoran en forma particular.

El equipo de investigadores del FBI, Ray -Chiwetel Ejiofor- y Jess -Julia Roberts-, junto a la asistente de fiscal, Claire -Nicole Kidman-, quedan impactados al descubrir que la hija adolescente de Jess ha sido brutalmente asesinada sin motivo aparente. Trece años después, aún obsesionado por encontrar el paradero del asesino, Ray encuentra una pista importante para resolver el caso.

El asesinato está ubicado temporalmente muy poco tiempo después de los atentados del 11-9 lo que constituye una diferencia importante en la construcción de los personajes, sus rutinas e ideas fijas. La cinta entrelaza el presente (2015) y el pasado (2002) de una forma natural, viva e inteligente, situando el relato en una atmósfera confusa, por momentos difícil de seguir, por cierto muy interesante, logrando un guión muy bien armado y fluido, sin puntos bajos.

La actuación de Julia Roberts destaca de forma natural. Jess ha dejado de vivir. Está muerta en vida. La pérdida de su hija es irreversible y ha provocado una fractura que es imposible dejar atrás. Todo esto está representado magistralmente por la protagonista, dotando a su personaje de rasgos emocionales intensos y de una mirada que realmente perturba y conmueve. Realmente Julia Roberts logra un papel excelente, el que está muy bien acompañado por Chiwetel Ejiofor -“12 años de esclavitud”- y por Nicole Kidman, cuyo rol es el opuesto de la protagonista: frialdad, cálculo y racionalidad a niveles máximos.

“Secretos de una obsesión” cumple con su género y nos regala una nueva visión sobre el horror de un asesinato que puede quedar sin un culpable que pague por su crimen. Además, la cinta pone de relieve la amistad, la lealtad, el cariño y el profesionalismo con que Ray enfrenta la pérdida de su amiga. ¿Hay límites entre justicia y venganza? ¿La obsesión se transforma en la búsqueda de lo justo o es finalmente un motivo para castigar? Las interrogantes las deja abiertas y contribuye con ello a entregar un relato sólido, reflexivo y convincente.

Ficha técnica

Secret in Their Eyes 
2015 
EE.UU.
111 minutos
Policial
Guionistas: Billy Ray, Juan José Campanella (film "El secreto de sus ojos"), Eduardo Sacheri (Novela) 
Actores: Chiwetel Ejiofor, Nicole Kidman, Julia Roberts
Director: Billy Ray

El crítico

Esta película del director argentino Hernán Guerschuny cuenta la historia de Víctor Téllez -excelente personificación del dramaturgo, director y actor trasandino Rafael Spregelburd-, un crítico de cine respetado en el medio, con fama de severo y riguroso, cuya mirada es que ya no existe nada original, digno de las obras de arte del pasado, quien mientras busca un nuevo departamento donde mudarse, se encuentra accidentalmente con Sofía -Dolores Fonzi- una atractiva y carismática mujer que le hace modificar su rutina y cambiar su perspectiva de la vida.

La cinta es del año 2013 y corresponde a la primera obra de su autor. Es cine dentro del cine, gracias a un inteligente guión y un relato que, aunque por momentos se torna algo lento, logra captar algunos detalles que reflejan los oficios de realizador y crítico, sus encuentros y desencuentros, con la cuota de gusto personal, subjetivo y artístico que cada persona puede tener al valorar o calificar una expresión artística.

Los moldes tradicionales de una comedia romántica están incorporados en “El Crítico”. Es más, al comienzo de la cinta hay una descripción perfecta de aquello que Téllez -amante del cine de autor, en especial del francés- odia con todo su ser y que con el correr del metraje le va llevando, pese a su resistencia, a ser protagonista de su propia historia, viviendo así en carne propia lo que siempre ha criticado.

Hernán Guerschuny logra construir una cinta interesante, apoyado por un grupo de actores que realizan muy bien su trabajo. Los protagonistas lucen y los actores secundarios apoyan de muy buena forma los hilos que el relato va tejiendo, salvo la presencia de un par de ellos que el metraje no logra finalmente justificar.

“El Crítico” supera las expectativas que su trailer -muy bien compuesto- provoca. La historia, por cierto, es mucho más profunda de lo que la cinta contiene en su primera capa. Habla de humanidad, soledad, desesperanza; de una vida que se marchita y que no tiene vuelta atrás. Sin embargo, la comedia le permite a este drama surgir y renacer, con el amor como centro de la ilusión, y que es capaz de mover a Téllez desde lo que más detesta a aquello que le permite, finalmente, tener una razón para vivir.

Ficha técnica

El Crítico

Año: 2013

País: Argentina

Duración: 98 minutos

Productores: Hernán Guerschuny, Pablo Udenio, Hugo Castro Fau, Carolina Alvarez, Carlos Núñez y Gabriela Sandoval

Fotografía y cámara: Marcelo Lavintman

Montaje: Agustín Rolandelli

Música original: Juan Blas Caballero

Reparto: Rafael Spregelburd (Víctor Tellez), Dolores Fonzi (Sofía), Telma Crisanti (Agatha), Daniel Kargieman (Schuster), Ana Katz (Roxana), Ignacio Rogers (Leandro Arce), Eduardo Iacono (Gorodisch), Marcelo Subiotto (Margulis), Blanca Lewin (Pinni), Gabriela Ferrero (Marta), Marta Pacamicci (Nélida)

Director: Hernán Guerschuny

Los Juegos del Hambre - Sinsajo Parte 2

Con la segunda parte y final de Sinsajo, concluye la exitosa saga de los “Juegos del Hambre”. Luego de una primera parte bastante mediocre, esta conclusión, mejor lograda, sube el nivel de la historia y logra un cierre que, aunque por debajo de su inicio en la primera entrega, al menos permite terminar dignamente la historia.

Katniss Everdeen -Jennifer Lawrence- ha sido rescatada por los rebeldes y su misión es unirlos a todos contra el presidente Snow -Donald Sutherland-. Panem está en una guerra cruel y desigual, por lo que la presencia del “Sinsajo” es fundamental en el ánimo y en la fuerza que los rebeldes ofrecen al gobierno.

La cinta tiene una estructura similar a todas sus partes anteriores. Acción, romance, egos, lealtades y engaños propios de cualquier conflicto a escala local o mundial, que son manejados por adolescentes y adultos bajo los códigos de conducta propios de cada grupo. La manipulación se da en todo nivel, lo mismo que la deslealtad, las conveniencias personales y todo el desarrollo de la historia de poder y dominación que es finalmente el centro argumental de la saga.

Si bien la historia se comprende, hay un riesgo importante al separar -por razones exclusivamente comerciales- en dos partes un tercer capítulo que sin duda es una sola unidad. El metraje por momentos es en exceso lento -da la impresión que no pudiera avanzar más rápido- pues ya no es mucho lo que queda de trama, acción o alguna sorpresa.

Éxito en taquilla y popularidad, ya podría ser el momento de analizar en unidad esta trilogía de “Los Juegos del Hambre”. Suzanne Collins lo merece pues logró construir un mundo independiente, nuevo, con sus propios códigos y reglas, donde por cierto están presentes todas nuestras características humanas y en el que se genera un relato interesante que merece una lectura más profunda para descubrir su verdadero mensaje, un mensaje que lleva finalmente a la búsqueda de la paz y la unidad de todos quienes integran el planeta, para vivir armónicamente en sociedad, respetando las diferencias, sin dominaciones ni tiranías, y acompañándose mutuamente para superar juntos las dificultades que el destino les traerá en el futuro.

Ficha técnica

Producción: Nina Jacobson, Jon Kilik

Guión: Danny Strong, Peter Craig

Basada en Sinsajo, de Suzanne Collins

Música: James Newton Howard

Maquillaje: Linda Flowers

Fotografía : Jo Willems

Montaje: Alan Edward Bell, Mark Yoshikawa

Efectos especiales: Matt Neapolitan

País: Estados Unidos

Año: 2015

Género: Ciencia ficción, Acción, Drama

Duración: 137 minutos

Idioma: Inglés

Protagonistas: Jennifer Lawrence, Julianne Moore, Josh Hutcherson, Liam Hemsworth, Woody Harrelson, Donald Sutherland, Elizabeth Banks, Sam Claflin, Jena Malone

Dirección: Francis Lawrence

Spectre

James Bond no se queda tranquilo. Luego de “Skyfall” vuelve a la carga en el momento en que su organización está en pleno periodo de cambios y los agentes tradicionales se ven amenazados por el uso de la tecnología, incluso a riesgo de cerrar por razones políticas, económicas y de estrategia.

En esta ocasión, Bond -Daniel Craig- se enfrenta a un poderoso enemigo -Christoph Waltz- que quiere controlar el poder y que no tiene escrúpulos para destruir cuanto se le ponga por delante.

Acompañado por una hermosa chica -Léa Seydoux-, Bond se las ingenia para eludir a su propia organización, llegar al corazón mismo del mal e intentar revertir algo que es a todas luces prácticamente imposible, solo superable por el implacable agente 007.

La cinta contiene todos los ingredientes de las ya clásicas películas: acción, romance, vértigo e incluso muchas situaciones donde el relato se cae a piso al no tener ni el fondo ni sustento adecuado para que la historia mantenga un cierto grado de interés.

Recomendada solo para fanáticos y quienes gustan de estas tradicionales cintas, “Spectre” no defrauda en parafernalia y efectos. Y tampoco defrauda en el bajo contenido pues se rige por los mismos parámetros y fórmulas conocidas que ya alcanzan las 24 películas en los 23 años de la saga del famoso 007.

Ficha técnica

Producción: Michael G. Wilson, Barbara Broccoli

Guión: Neal Purvis, Robert Wade, John Logan, Jez Butterworth

Basada en James Bond de Ian Fleming

Música: Thomas Newman

Fotografía: Hoyte van Hoytema

Montaje: Lee Smith

País: Reino Unido, Estados Unidos

Año: 2015

Género: Acción, Aventuras, Suspenso

Duración: 148 minutos

Idioma: Inglés

Protagonistas: Daniel Craig, Christoph Waltz, Léa Seydoux, Ben Whishaw, Naomie Harris, Dave Batista, Monica Bellucci, Ralph Fiennes

Dirección: Sam Mendes

Chicago Boys

Este documental narra la historia de un grupo de alumnos chilenos que fueron a estudiar economía a la prestigiosa Universidad de Chicago desde los años sesenta y que luego, a su regreso a Chile, intentaron llevar a la práctica el modelo aprendido, tanto en el terreno de la docencia como en las políticas públicas del país.

Como bien sabemos, la oportunidad que tuvieron estos economistas se dio gracias al Golpe de Estado que los militares propinaron a la presidencia de Salvador Allende. La Junta Militar, que se hizo con el poder en el país, entregó un grado de libertad impresionante para que estos nuevos economistas -llamados coloquialmente “Chicago Boys”- aplicaran las políticas económicas de “El ladrillo” -como se denominó a un compendio de todo el plan económico liberal- sin ninguna traba, dificultad o discusión.

En 85 minutos y basado en entrevistas, testimonios y grabaciones de la época, el documental da cuenta del cambio producido en Chile por estos iconos. Separados totalmente de las políticas represivas de la dictadura -al menos, así señalado por ellos mismos- su convencimiento absoluto de los planteamientos de Milton Friedman y Arnold Harberger, provocó en Chile un cambio a todas luces evidente.

El documental, desde su propia mirada, se permite criticar acciones, hechos y situaciones referidas al plan aplicado, que aunque generando riqueza, excluía a gran parte de la población de los privilegios económicos que unos pocos iban alcanzando.

Como trabajo histórico y documental, “Chicago Boys” es un aporte importante para comprender los cambios económicos de la dictadura y también un testimonio vivo de las grandes diferencias ideológicas, políticas y conceptuales que dividieron y quebraron la sociedad chilena en la década de los 70 y la línea seguida por la dictadura para producir un cambio radical.

Ficha Técnica

Categoría: Documental

Duración: 85 minutos

Formato: Digital / Color

Idioma: Español

País: Chile

Rodaje: Santiago (Chile)

Dirección: Carola Fuentes, Rafael Valdeavellano

Pasante de moda

Robert de Niro y Ann Hathaway dan vida a esta comedia sobre una joven y exitosa empresaria y un adulto mayor que aún necesita sentirse vigente profesionalmente. Jules Ostin -Hathaway- ha creado un gran negocio de ventas por Internet, de crecimiento exponencial, lo que le mantiene enfocada y ocupada todo el tiempo, mientras en casa, su marido se encarga del hogar y de su pequeña hija. Por otra parte, Ben Whittaker -de Niro- ha quedado viudo y, teniendo buena situación y salud, ha viajado y participa en actividades recreativas al aire libre, sin embargo siente que aún puede aportar en el ámbito profesional.

Los dos protagonistas son de eras distintas: la modernidad y la vida acelerada de la juventud chocan con la tradición y la reflexión de la vejez y parecen no encontrar puntos en común para complementarse y apoyarse. Dos generaciones opuestas se unen en un guión entretenido escrito por su directora, Nancy Meyers.

La cinta presenta una historia cuyo desarrollo, aunque previsible, logra cautivar la atención. No todo es éxito en la joven Jules. A sus problemas profesionales enfocados en el crecimiento de su empresa y en el futuro previsto por su directorio, se suman problemas familiares y personales que le inquietan permanentemente. Por otro lado, Ben, con infinita paciencia y sabiduría va dando un paso a la vez en un mundo que le es totalmente ajeno, pero que sin embargo va conquistando gracias a su simpatía y disposición al servicio. 

“Pasante de moda” -“The Intern”, su título original- logra su objetivo. Entretiene y deja un mensaje importante. La energía de la juventud es complementaria con la sabiduría de los años. La búsqueda de equilibrios siempre será un desafío y solo la disposición a enfrentarlo hace la diferencia. Finalmente son las relaciones humanas las que marcan el éxito y el fracaso, la alegría y la tristeza. Y esta cinta se encarga de relevarlo y destacarlo de manera simple, sencilla y acogedora.

Ficha técnica

Guión: Nancy Meyers

Género: Comedia

País: Estados Unidos

Idioma: Inglés

Actores: Anne Hathaway, Nat Wolff, Robert De Niro, Rene Russo, Adam DeVine

Directora: Nancy Meyers

Misión Rescate

“Misión Rescate” es un interesante relato del premiado director Ridley Scott. Esta vez, el escenario es una misión tripulada a Marte donde el astronauta Mark Watney -Matt Damon- se presume muerto tras una tormenta que obliga la evacuación del planeta. Watney sobrevive, sus compañeros se alejan en su regreso a la Tierra y Mark se encuentra solo, abandonado, atrapado, con pocos suministros, en un planeta no habitable, hostil y desconocido.

Mark debe sobrevivir y además, debe ser capaz de comunicar a la Tierra que está vivo. Sus conocimientos de botánica, su formación y experiencia lo guían a encontrar la forma de superar cada obstáculo que se presenta. Logra hacer un pequeño cultivo y logra también una forma de comunicarse con la NASA que desde ese momento y junto a un grupo internacional de científicos, trabaja sin pausa para traerlo de regreso a casa.

Scott es capaz de darle al relato una continuidad sorprendente. Si consideramos que Mark está solo en Marte, que los días y noches son diferentes y los tiempos que deben transcurrir son extensos, el guión se encarga de transmitir la soledad, la angustia, la esperanza y el coraje de una persona que sabe que su vida depende de él mismo y de las soluciones que otras personas logren encontrar para hacer posible su rescate.

La producción de la cinta es notable. Y la actuación de Matt Damon por momentos sobrecoge. Los guiños de comedia, para aliviar la tremenda tensión, se agradecen, pues un drama de esta naturaleza se hace difícil de resistir, bajo cualquier circunstancia. Los actores que secundan a Damon le entregan un sustento especial al desarrollo de su personaje, tanto en sus diálogos, como en el acompañamiento que le proporcionan a la distancia.

Como película de ciencia ficción y aventura, “The Martian” -su título original basado en la novela del mismo nombre de Andy Weir- es una cinta épica, donde prevalece la lucha ante la adversidad, en la que la preparación personal y el coraje son los principales pilares que Mark tiene para enfrentar un destino que de otra forma sería muy diferente y lo conduciría a una muerte segura.

Ficha técnica

Título original: The Martian

Género: Aventura  

Duración: 142  minutos

Público: TE

Actores: Matt Damon, Jessica Chastain, Kristen Wiig, Kate Mara, Michael Pena, Jeff Daniels, Chiwetel Ejiofor, y Donald Glover

Director: Ridley Scott

Hotel Transylvania 2

89 minutos de una nueva aventura nos trae la segunda parte de la elogiada Hotel Transilvania. Lo que en su primera versión era novedad, ahora ya no es suficiente para sostener una historia que deja que desear y ratifica que las segundas partes no terminan de convencer a la audiencia.

Mavis y Johnny se casan y tienen un pequeño bebé, Dennis, mitad humano y mitad vampiro. No sabemos qué sucederá con él y aquello se transforma en la natural obsesión de su abuelo Dracula, quien con sus amigos intentan que se defina como vampiro antes de cumplir los 5 años.

La convivencia de monstruos y humanos es divertida. Se suman a la fiesta los padres de Jhonny y las historias -junto a algunas escenas muy cómicas-, se suceden como en un clip de recuerdos y notas al margen.

Hotel Transilvania 2 entretiene en base a fórmulas conocidas sin aportar mucho en contenido. Sigue siendo la sobreprotección el tema de fondo y la exploración de nuevos horizontes la parte más interesante de la cinta. En ese sentido Mavis es el personaje más interesante, siempre buscando algo nuevo, diferente y dispuesta a correr riesgos, enfrentando a su padre y a su esposo que son incapaces de salir de su espacio de fascinación y comodidad.

Ficha técnica

Título original: Hotel Transylvania 2

País: Estados Unidos

Año: 2015

Género: Comedia y Animación

Duración: 89 minutos

Producción: Robert Smigel

Guión: Robert Smigel

Música: Mark Mothersbaugh

Fotografía: David Lanzenberg

Dirección: Genndy Tartakovsky

Operación ultra

Mike -Jesse Eisenberg- vive con su novia Phoebe -Kristen Stewart- en una tranquila ciudad. Trabaja atendiendo un minimarket, tienen planes de casarse y juntos pasan bastante tiempo dedicados al consumo de drogas. Podríamos hasta decir que son jóvenes "normales". Sin embargo, el gobierno ha preparado un plan de construcción y entrenamiento de agentes especiales y Mike es uno de ellos. Ha despertado, sin saberlo, y por supuesto la agencia viene por él para eliminarlo.

Lo que podría ser una buen idea, da paso con el correr de los minutos a una cinta que no tiene sustento ni fondo. Ni siquiera ver a Eisenberg en un papel diferente le entrega a esta cinta un aire fresco. Hay poco de realidad, mucho de invención, armas y manipulación. Siendo una historia de amor -en el fondo, bien en el fondo- la cinta destaca compromiso, lealtad y honestidad, dentro de muchos elementos que se encargan de recargar su primera capa.

"American Ultra" es light; una comedia animada con el agregado de mucha acción, sangre y muerte que se asemeja más a un vídeo juego que a una cinta propiamente tal. La violencia extrema y los detalles ridículos, es posible que cumplan con entretener pero no así con su género, ni con otras propiedades que encontramos en otros relatos juveniles. Sus 95 minutos se hacen extensos, a pesar de los esfuerzos desplegados en los efectos especiales, las acrobacias y en la soltura de los actores.

Totalmente prescindible, salvo que, de verdad no exista otra opción disponible.

Ficha técnica

Título original: American Ultra

País: Estados Unidos

Distribuidora: BF Distribution
Género: Acción

Público: Mayores de 14 años

Duración: 95 minutos

Actores: Kristen Stewart, Jesse Eisenberg, Connie Britton

Director: Nima Nourizadeh

El Clan

Pablo Trapero tiene una característica muy particular en su manera de hacer cine: nos involucra completamente dentro de su relato. En este trabajo de joyería, luego de la excelente "Elefante Blanco", Trapero entrega su maestría en el relato de una historia real que conmocionó a la Argentina de los 80. Se trata del conocido "Clan Puccio", el que encubierto tras la fachada de una tradicional familia del barrio de San Isidro, se dedicó a secuestrar y cobrar millonarios rescates por sus víctimas.

Arquímedes Puccio -excelente Guillermo Francella- es quien lidera y planifica los operativos. Alejandro -Peter Lanzani-, su hijo mayor, estrella de un club de rugby y jugador del mítico seleccionado "Los Pumas" colabora con su padre en la búsqueda de víctimas y también en ciertas partes de los operativos de captura. El resto de los miembros de la familia están involucrados en mayor o menor medida en este "negocio" familiar, que sin duda no pueden por ninguna forma desconocer.

El relato de Pablo Trapero es sólido desde el comienzo. Sus cámaras, la ubicación de la acción, el desarrollo del suspenso y la naturalidad de los personajes llama la atención e incluso confunde en un comienzo, con interesantes saltos de tiempo. Francella lleva la historia con una soltura propia de años de oficio y gracias a la guía de un director que no tiene ninguna duda al momento de retratar una atrocidad que no tiene nombre.

Es magistral la forma de mostrar los ambientes, las relaciones de la familia, esa activa vida social que sirve de pantalla perfecta para ocultar los crímenes que el patriarca cometía para obtener suculentos rescates. En este sentido, Pablo Trapero nos entrega tal vez su mejor trabajo, no sólo cinematográfico sino también una película que permitirá a generaciones recordar algo que sucedió y de lo que hasta ahora no se tenía una visión global por estar fragmentada la historia y casi toda contenida en testimonios de las personas que le sobreviven.

Nominada para representar a Argentina en los premios Óscar de 2016, esta gran película sigue poniendo en alto la factura del cine argentino, un cine que con pasión y honestidad se encumbra con méritos propios ganando cada vez más espacio en el circuito de distribución para tener así una llegada cada vez más global. Cine del bueno, que no podemos dejar de admirar y alabar.

Ficha técnica

País: Argentina

Año: 2015

Género: Drama

Duración: 108 minutos

Protagonistas: Guillermo Francella, Peter Lanzani, Lili Popovich

Dirección: Pablo Trapero

Everest

Subir montañas tiene algo difícil de describir. Es una mezcla de desafío, temor, audacia y trabajo que cuesta explicar. En mi caso personal siempre me encantó y por ello formé parte de un grupo de andinismo en mi colegio con el que subimos 3.500 metros de altura sobre el nivel del mar. Es una impresión única y conmovedora divisar todo desde la altura y cumplir un objetivo propuesto.

"Everest" es una cinta que logra transmitir una parte de los sentimientos y sensaciones que brevemente describo en el primer párrafo de estas líneas. Por cierto, no se trata de una montaña cualquiera, sino de la más alta de la tierra, 8.848 metros de altura. Un desafío al que pocos pueden acceder y menos aún pueden conquistar.

El relato se basa en una historia real de un grupo de Aventuras -con fines comerciales- que se dedica a llevar personas a la cima más alta, y lo más importante, a regresar sin problemas. Jason Clarke es Rob Hall, el carismático líder de la expedición, que cuenta con mucha experiencia y condiciones para cumplir su misión. Lo acompañan sus fieles colaboradores y un reducido número de integrantes con los que han planeado en detalle este viaje. Todo está previsto para hacer cumbre el 10 de mayo, fecha que está dentro del margen en los que la montaña presenta el mejor clima. Sin embargo, no todo se puede planificar y una tormenta anunciada para el día siguiente adelanta su paso y se desata con una magnitud inusual en pleno descenso de la expedición.

La película está muy bien filmada y también muy bien actuada. Los paisajes son magníficos y las cámaras dan cuenta de la hermosura de un entorno sin igual. Asimismo, la ferocidad de las inclemencias del tiempo están muy bien construidas, dando al filme un tono y calidad excelente.

Independiente de la historia, la cinta es inspiradora para reflexionar. El asumir un desafío de tamaña naturaleza es ciertamente un trabajo enorme. Trabajo de equipo, colaboración, lealtad, honestidad se deben imponer a los temores individuales, a las dudas y a la competencia que por momentos -y tal vez de forma muy natural- puede despertar la vital necesidad de sobrevivir en condiciones absolutamente adversas. Tomando en cuenta estas y muchas más variables, la cinta entrega una perspectiva clara que llevar al límite las posibilidades puede desencadenar una tragedia. Esa conciencia hay veces que se desafía o simplemente no se toma en cuenta, dejando al descubierto las vulnerabilidades de los seres humanos frente a fenómenos naturales que no podemos controlar aunque lo queramos.

"Everest" es una cinta fascinante y de la que podríamos hablar mucho, pues su centro está en la esencia del liderazgo adaptativo y lo que debe ser un trabajo en equipo, donde el bien más preciado que es la vida, está en manos de todos y cada uno de quienes componen el grupo.

Ficha técnica

País: Estados Unidos

Año: 2015

Género: Acción, aventura, thriller

Duración: 121 minutos

Protagonistas: Jake Gyllenhaal, Jason Clarke, Josh Brolin, John Hawkes, Vanessa Kirby, Sam Worthington, Robin Wright, Thomas M. Wright, Michael Kelly, Clive Standen, Tom Goodman-Hill, Ingvar Eggert Sigurðsson, Martin, Henderson, Emily Watson, Micah Hauptman, Naoko Mori

Dirección: Baltasar Kormákur

La memoria del agua

Algo me sucede con el cine de Matías Bize. Me agobia, pues siento que no estoy preparado o no tengo la necesaria profundidad para entrar a él. O bien, existe demasiada emoción y menor razón en sus relatos que son eminentemente imágenes, silencios, planos cerrados, luz y oscuridad. Cualquiera sea la razón, lo cierto es que reconozco que estoy siempre en presencia de buen cine, de un director que sabe lo que quiere y lo que hace, y que finalmente -gracias por ello- cada película es una obra de arte.

Amanda -Elena Anaya- y Javier -Benjamín Vicuña- sufren la muerte de su hijo Pedro lo que ha desestabilizado su relación de pareja. Esta traumática experiencia se marca a fuego en sus corazones y provoca un quiebre que irremediablemente modifica sus vidas. Javier lucha por retener a Amanda y ella lucha por no olvidar a su hijo. Ambas situaciones no son opuestas, sin embargo no se complementan ya que cada uno vive el dolor profundo y el amor incontenible de maneras muy diferentes.

Desde el punto de vista argumental, el relato es de una tristeza desgarradora. De ello dan cuenta las actuaciones, los escasos diálogos, el tránsito de los protagonistas y los numerosos planos cerrados que conmueven profundamente. Bize se conecta con Javier y con Amanda desde lo más profundo de su interior y no está dispuesto a guardar nada para intentar dar a conocer un proceso que tal vez es imposible de comprender si no se vive personalmente.

Acá el arte y la subjetividad se apodera de la película y de mi reflexión. No logro entrar en la profundidad que propone Matías Bize. La reconozco, por cierto, sin embargo no puedo traspasar la segunda capa, superar aquello que me impide lograr una mayor conexión emocional con la historia, con el relato, con el sentimiento de los protagonistas. Me llaman profundamente la atención ciertas características de la propuesta del director, cuyas películas tienen un sentido, una firma y una marca que es perfectamente reconocible. Por ejemplo, la fragilidad de la cámara, la intención de volatilidad que le otorga al seguir a los personajes. También me llama la atención que sigue a Javier y enfrenta a Amanda. En este detalle se observa una decisión, una posición respecto al tránsito femenino y masculino.

El cine de Bize es muy interesante, no cabe duda. Distinto es que sea más o menos cercano con cada espectador, que logre penetrar capas más profundas o que simplemente guste o no guste (haga sentir cómodo o incómodo a quien lo observa). Y acá puede haber una pista. Bize incomoda, y aquello es fundamental en el arte. Bien, lo valoro mucho y lo siento así. Sin embargo, en mi caso personal, necesito ser parte de la película y no un simple observador para que esa incomodidad despierte en mi un estado superior de compromiso para ser parte de la construcción del relato y con ello generar una experiencia compartida. Buen desafío para un galardonado director que sigue su carrera ascendente de la mano de un estilo fiel y claro.

Ficha técnica

Título original: La memoria del agua

Género: Drama

Duración: 88 minutos

Elenco: Elena Anaya, Benjamín Vicuña, Néstor Cantillana, Sergio Hernández, Antonia Zegers, Pablo Cerda, Silvia Marty, Etienne Bobenrieth, Alba Flores

Dirección: Matías Bize

Sin escape

Una familia norteamericana se traslada a Asia por un proyecto de infraestructura enorme donde Jack Dwyer -Owen Wilson-, ha sido contratado como uno de los principales ingenieros. Si ya este cambio es que en sí enorme, la nueva cultura, las condiciones del país donde llegan hacen aún más difíciles las cosas. A poco de llegar, y sin tener ninguna noción de tiempo, espacio y ubicación, se ven envueltos en un conflicto político interno donde los extranjeros son buscados para ser ejecutados en una revuelta popular y guerrillera que tiene características de guerra civil.

La cinta es brutalmente cruda. La violencia no se oculta y la acción no se detiene desde el comienzo hasta el final. Es realmente una sucesión de muerte, enfrentamientos y ejecuciones que no dan tregua, agobian, angustian y no permiten ni un solo respiro. La trama tal vez no es original, sin embargo pone de relieve los intereses particulares que los países ricos tienen en los recursos naturales de los países con más carencias y lo que significa aquello en términos de abusos, recriminaciones y protestas armadas.

La cinta entrega acción, mucha sangre y tal vez una moraleja implícita: ante situaciones imprevistas y de tensión máxima, hasta tu peor enemigo del pasado puede tenderte una mano en el futuro.

Ficha técnica

Título original: No escape

País: Estados Unidos

Año: 2015

Género: Drama, Acción

Duración: 101 minutos

Protagonistas: Owen Wilson, Pierce Brosnan, Lake Bell

Dirección: John Erick Dowdle

Maze Runner: Prueba de Fuego

Segunda parte de la trilogía "Maze Runner", esta cinta ubica a Thomas y sus amigos a la salida del laberinto. Parece que los peligros ya han pasado, sin embargo la realidad dice algo diferente. La persecución continúa y no da tregua en al menos tres cuartos de la cinta.

La impresión que causa esta continuación de la saga de es que no nos movemos demasiado dentro de la historia. Parece un torbellino circular, donde no hay salida posible, donde los protagonistas dan vueltas y vueltas y no llegan a ninguna parte. La ausencia de relato, la excesiva violencia y acción demoledora durante gran parte del metraje, no da respiro y solo en el último cuarto podemos observar algo de historia, algo de relato que entrega movilidad en secuencia.

Tal como sucede en otras trilogías, razones comerciales seguramente inciden en lo plano de sus segundas entregas. Como si se debiera hacer una transición y dejar todo para el final. Como una suerte de pausa -que no es reflexiva ni se entiende demasiado- antes de la conclusión esperada.

Sin duda las expectativas que nos dejó la primera parte -bien construida y narrada- se diluyen y no alcanzan a dibujar lo que encontraremos próximamente. Es de esperar que la historia repunte, y si no es desde su propio relato, al menos desde el tratamiento que permite el cine y que aquello nos lleve a lo mágico del mundo de la pantalla grande, con movimiento y contenido que nos transporte y emocione. De otra forma, pasará a engrosar la larga lista de proyectos que pudieron ser y no fueron, que por desgracia abundan en nuestros días.

Ficha técnica

Título original: Maze Runner: The Scorch Trials

País: Estados Unidos

Año: 2015

Género: Ciencia ficción, Suspense, Acción

Duración: 131 minutos

Elenco: Dylan O'Brien, Aidan Gillen, Kaya Scodelario

Director: Wes Ball

Los 33

Esta cinta, largamente esperada y difundida, narra la historia de 33 mineros que luego de una explosión han quedado encerrados en una mina en el norte de Chile. No se sabe de ellos, si están vivos o muertos y ellos tampoco saben del mundo exterior, si los buscan, si hay posibilidades de rescate o están condenados a morir, prácticamente enterrados vivos bajo la superficie de la tierra.

Basada en un hecho real -todo el mundo conoció la historia en agosto de 2010- la película se basa en contar la historia desde las visiones particulares de algunos de sus protagonistas: el jefe de turno y el líder natural dentro de la mina, y la hermana de uno de los mineros y el Ministro de Minería en la superficie. Son dos historias que confluyen en una cuando se produce el emocionante encuentro, se sabe que están todos vivos y se pone en práctica uno de los operativos más complejos y difíciles para traerlos a la superficie desde 700 metros de profundidad.

El relato no logra el impacto de la historia real. Tal vez es porque la realidad supera con creces los 145 minutos en los que se debe resumir esta odisea. O tal vez la cinta no logra adecuadamente traspasar las emociones, la angustia, la desazón y la esperanza que reside en cada uno de los protagonistas. Siempre es un desafío mayor el contar una historia en la que el final es conocido. Y ese desafío se transforma en la vertiente que le entrega significado al cómo narrar, más que a la historia en sí misma; a lo íntimo de cada protagonista, a las emociones sobre las visiones y al lenguaje cinematográfico, más que al guión.

Es en este sentido que "Los 33" queda en deuda, desde el detalle de estar hablada en Inglés -decisión comercial que la entrega subtitulada o doblada al Español, perdiendo la riqueza pura del idioma propio del país-, una partitura que, siendo muy interesante, no logra acompañar adecuadamente las escenas y una puesta en escena que tiene una notable producción pero que abandona la esencia de un rescate en pleno desierto de Atacama, uno de los más áridos y desolados del mundo.

Como homenaje a los mineros queda la sensación que se podría haber logrado algo mucho mejor. Historia y material aún hay muchísimo. Tal vez se deba procesar nuevamente y dejar pasar un tiempo para que la envergadura de los hechos nos entregue un nuevo enfoque de esta verdadera hazaña humana y técnica, que no tiene precedentes cercanos.

Ficha técnica

Título original: Los 33

País(es): Estados Unidos, Chile, Colombia

Año: 2015

Género: Drama

Duración: 145 minutos

Idioma(s): Español - Inglés

Elenco: Juliette Binoche, Antonio Banderas, Rodrigo Santoro

Dirección: Patricia Riggen

Sin hijos

Gabriel -Diego Peretti- está separado hace unos años y dedica su vida a su hija Sofía -Guadalupe Manent-. No está en sus planes volver a ser pareja ni menos hacer familia. La relación con Sofía y su trabajo le consume todo el tiempo disponible. Sin embargo aparece Vicky -Maribel Verdú-, amor platónico de toda su vida y aquello remece su apacible tranquilidad porque vuelven sus impulsos de juventud, algo que parecía ya olvidado. Vicky es perfecta, salvo un pequeño detalle: no quiere hijos ni tampoco saber de aquello, por lo que Gabriel le oculta, a un costo muy alto, la existencia de Sofía.

Esta cinta del director argentino Ariel Winograd, muestra en tono de comedia una de las principales preocupaciones de las parejas actuales. Hijos de relaciones anteriores, nuevos romances, parejas que no quieren tener hijos y todo lo que rodea un tema para el que no existe una única visión. Los personajes están muy bien caracterizados. Sofía se roba la película literalmente, Vicky luce radiante y estupenda mientras Gabriel, con el juego de crear el ambiente adecuado para ambas, corre y corre todo el tiempo casi sin detenerse a examinar lo que está sucediendo.

La relación con la familia de Gabriel, en especial con su padre, se introduce como un tercer elemento en esta joya que es graciosa, pertinente y por momentos de una profundidad que sorprende para su estilo y producción. Tal vez no hay mejor oportunidad para hablar de familia que a través de cintas de este tipo, que logran llegar al centro desde ejemplos cotidianos y que sin ser tratados como un melodrama, dan cuenta de realidades que encontramos cada vez más visibles en nuestras sociedades.

Ficha técnica

Título original: Sin Hijos

Año: 2015

Duración: 100 minutos

País: Argentina 

Género: Romance. Comedia 

Guión: Mariano Vera, Pablo Solarz

Música: Darío Eskenazi

Fotografía: Félix Monti

Elenco: Diego Peretti, Maribel Verdú, Horacio Fontova, Guadalupe Manent, Guillermo Arengo, Martín Piroyansky, Marina Bellati, Pablo Rago

Director: Ariel Winograd

Misión Imposible: Nación Secreta

Acción, mucha acción, es lo que trae esta cinta interpretada por Tom Cruise. La historia deja de ser fundamental aunque es interesante descubrir que siempre existe una agencia especializada y bien entrenada que está contra los agentes del MIF y que puede aniquilarlos fácilmente. Es tener al menos algo de competencia para equilibrar un poco más las cosas.

El agente Ethan Hunt -Cruise- y su equipo deben enfrentarse al cierre de su unidad y ante este panorama solo les queda actuar clandestinamente para poder desenmascarar al enigmático “Sindicato” que controla totalmente el poder. Mientras Ethan es buscado a nivel mundial, sus amigos lo ayudan en esta aventura que tiene una producción y una edición muy bien lograda, aunque el relato en ocasiones se hace extenso en espera de las escenas de acción que son -sin duda- lo más fundamental y atractivo de esta película.

Esta quinta entrega de “Misión imposible” es una entretenida cinta, donde los efectos especiales son espectaculares y se roban absolutamente toda la atención. Las actuaciones van en la línea de sus anteriores versiones, la diversión está garantizada y aunque pensemos que es más de lo mismo -y efectivamente sean más de lo mismo sin aportar novedad alguna-, películas con este nivel de producción siempre vale la pena verlas en pantalla grande.

Ficha técnica

Título original: "Mission: Impossible - Rogue Nation"

Acción

Año: 2015

Duración: 131 minutos

Calificación: TE7+

País: USA

Elenco: Tom Cruise, Paula Patton

Director: Christopher McQuarrie

Ciudades de papel

Basada en la novela “Paper Towns” del escritor norteamericano John Green, “Ciudades de papel” cuenta la historia de Quentin "Q" Jacobsen -Nat Wolff- y Margo Roth Spiegelman -Cara Delevingne-, dos jóvenes vecinos que han crecido juntos y que están a punto de graduarse de la secundaria. Margo es especial y “Q” la admira desde que llegó a vivir al frente de su casa. Ya de adolescentes han seguido rutas diferentes; ella es extrovertida, popular y excéntrica, en cambio Quentin es aplicado, temeroso y de bajo perfil. Tan distintos son que ya prácticamente no se conocen hasta que Margo aparece una noche en la ventana de la pieza de “Q” con un plan para vengarse de su novio que le ha sido infiel con su mejor amiga.

Esta historia romántica adolescente tiene varios elementos interesantes de destacar. Uno de ellos es la marcada diferencia en la personalidad de los protagonistas. Y la cinta no se inclina por ninguno de los dos ni menos los descalifica “a priori”, sino que se limita a dar cuenta de ello con ejemplos concretos y formas de actuar diametralmente opuestas. Otro elemento presente es la fuerza que adquiere la idealización en el amor juvenil, sin medir consecuencias, actos o responsabilidades. También junto a ello, se encuentra el gran valor de la amistad, esa fuerza vital que lleva a Quentin a tomar acciones arriesgadas gracias al incondicional apoyo su núcleo más cercano, Marcus "Radar" Lincoln y Ben.

Tal vez el elemento más importante que destaca la cinta es el referido al espacio de confort. Esto queda explícito en la actitud de Margo hacia “Q” que en esa noche de “venganza” es desafiante a mover los límites y a cruzar aquella barrera de lo desconocido, independiente del resultado que se pueda con ello conseguir. Luego que MRS desaparece, comienza la reacción de Quentin a propósito de las pistas que Margo ha dejado y gracias a la motivación que le produce el darse cuenta que necesita tomar riesgos para así poder encontrarla.

“Ciudades de papel”, dirigida por Jake Schreier sigue la ruta del anterior Best Seller de Green -“Bajo la misma estrella”- pues no se queda en solo ser una cinta juvenil con temáticas “ad hoc” sino que va un paso más allá: nos muestra diversidad, acción, riesgo y resultados inesperados, lo que junto a un excelente nivel de producción nos entrega una buena película para entretenernos, conversar y reflexionar.

Ficha técnica

Título original: Paper Towns

Género Drama

Año: 2015

Duración: 109 minutos

Calificación: TE7+

País: Estados Unidos

Elenco: Cara Delevingne, Nat Wolff

Director: Jake Schreier