Bird

La protagonista es Bailey -Nykiya Adams-, una niña de 12 años. Ella vive con su padre soltero Bug -Barry Keoghan-, y con su medio hermano Hunter -Jason Buda-, en una casa okupa en el norte de Kent, Inglaterra. Bug hace lo que puede, pero no dedica mucho tiempo a sus hijos. Bailey necesita atención, está en plena pubertad. Por eso, cuando conoce al misterioso y enigmático Bird -Franz Rogowski-, su vida se transforma en toda una aventura.

Escrita y dirigida por Andrea Arnold, “Bird” explora diversas temáticas, como la familia, el amor, la amistad y la madurez, en un entorno tremendamente desafiante. Una marcada denuncia social, tecla clave de la directora, esta vez se mezcla con algunos trazos mágicos, creando un contrapunto que, por momentos, no diferencia la imaginación de las reales circunstancias.

Lo más destacado de esta cinta es la actuación de la pequeña Nykiya Adams. Como si se tratara de una actriz consagrada, este debut no parece pesarle en absoluto. Con soltura y tremendo carisma, soporta sobre sus hombros el peso de un relato crudo y seco, lleno de dificultades, al que imprime asombrosa credibilidad. Como contraparte, la gran cantidad de personajes secundarios que salen al paso de Bailey no logra cuajar del todo, tal vez por el estilo compartimentado de la narración, o bien por ciertas carencias que no permiten que sean dibujados apropiadamente.

El llamado “cine social británico” tiene en “Bird” un exponente que abre más de un camino. Por un lado, nos encontramos con entornos vulnerables en los que la única salida parece ser la lucha individual por condiciones mejores, y por otro, con la necesidad de evadir realidades que resultan aniquiladoras. Lo que en general es suplido por la droga, un escape tan peligroso como efectista, en este caso es reemplazado por el poder de la creación, el dibujo onírico que la protagonista sueña alcanzar.

Difícil película, construida con muchas capas que pueden dificultar un acercamiento más racional a sus temas de fondo. ¿Por qué digo esto? Básicamente, porque si uno no logra sintonizar con su tono, es posible que se quede afuera. Y eso me pasó a mí, porque no logré enganchar y la experiencia se me hizo cada minuto más pesada. Sin embargo, al momento de analizarla para escribir estas líneas, cambia un poco mi percepción pues me abro hacia otros aspectos y referencias. ¿Es un poco tarde? Me temo que sí, porque lo que no cambia es mi sensación luego de la película, algo que refuerza la subjetividad que enfrentamos en cada realización y cuánto afecta nuestro estado de ánimo cuando la visualizamos.

“Bird” es una película para ver en pantalla grande, sin distracciones ni concesiones. Hay que entrar a ella para sacar lo mejor de su lenguaje visual y así entender lo que Bailey construye, tanto en espacios físicos como en su mente, un desafío naturalmente interpretable y del que pueden emerger válidas opiniones encontradas.

Ficha técnica

Título original: Bird
Año: 2024
Duración: 119 minutos
País: Reino Unido
Compañías: Coproducción Reino Unido-Francia; House Productions, Ad Vitam Production, arte France Cinéma, Pinky Promise, FirstGen Content, Access Entertainment, BBC Film, BFI
Género: Drama | Familia. Pobreza. Drama social. Aves/Pájaros. Adolescencia
Guion: Andrea Arnold
Fotografía: Robbie Ryan
Reparto: Nykiya Adams, Barry Keoghan, Franz Rogowski, Jason Buda, Jasmine Jobson
Dirección: Andrea Arnold

Rompiendo Reglas

Basada en la historia de Roya Mahboob -Nikohl Boosheri-, esta película, escrita y dirigida por Bill Guttentag, se sumerge inmediatamente en el mundo de los computadores. La cinta comienza enmarcada en el año 2017, pero rápidamente se remonta al año 1999, cuando Roya era una pequeña estudiante y llegan los dos primeros ordenadores a su sala de clases provocando una gran conmoción e interés. Sin embargo, solo podían ser usados por hombres. ¡Qué decepción más grande! Tuvieron que pasar 13 años para que Roya pudiera tener contacto directo con uno de esos equipos. Y no fue nada sencillo, porque aunque estaba ubicado en una tienda pública, la norma seguía siendo la misma: solo para hombres.

El eje de la historia está dado por varios hechos. Primero, un grave incidente con el que parte la película, que se retoma posteriormente y pasa a constituir un antes y un después. Segundo, las mujeres relegadas absolutamente, desde niñas, a un segundo plano, ni siquiera secundario; son prácticamente unos adornos. Tercero, la oportunidad y la ventana al mundo gracias al acceso a los computadores y a su lenguaje. Un verdadero camino hacia una anhelada libertad. Y cuarto, la perseverancia y tenacidad de Roya para superar todo tipo de adversidades al forjar un carácter decidido y desarrollar una dosis alta de resiliencia.

Roya percibe que la solución está en la educación, en una formación que permita potenciar el talento de decenas de jóvenes que no tienen acceso a nada. Por ello se centra en hacer clases, y luego seleccionar a las mejores para un proyecto que desde un comienzo parece una quimera. Ser parte de una competencia robótica con un equipo de 4 adolescentes afganas sin duda es una utopía, pero Roya sueña, y en grande. Golpea puertas. Debe convencer y seducir a muchas personas, especialmente a padres y tíos; en general, a muchos hombres, para permitir que las jóvenes dediquen horas de estudio y trabajo al trascendental desafío.

Cuando el metraje se centra en el lado humano y en el contexto social en el que se desenvuelve, logra sus puntos más altos. Lamentablemente no son tanto, porque cuando explora aspectos informáticos y robóticos, todo parece suceder por arte de magia, sin mayores explicaciones ni sustento práctico. La forma tampoco ayuda a lo anterior. El tratamiento clásico y la narrativa basada en frases hechas, junto a una espiral de conflictos, le juega un poco en contra, añadiendo demasiados elementos que intentan abarcar un abanico de temas y situaciones que parecen interminables.

Punto importante en este relato son las competencias mundiales y la preparación que se requiere para llegar a ellas. Son varias y todas se retratan de la misma manera. Una primera ronda y luego directamente a la premiación. La decisión de qué contar y qué no, decanta en la presentación de situaciones truncas, intentando sostener una tensión que, al fin y al cabo, resulta obvia y predecible.

El fundamentalismo, la envidia y el machismo son impresionantes. Solo hacer el ejercicio de ponernos en el lugar de Roya y de esas jóvenes, basta para sentir pavor. Hay apoyo, y algunos hombres respaldan a Roya, pero ese buenismo no parece del todo real, menos cuando las transformaciones ocurren tan rápido, como de la noche a la mañana.

“Rule Breakers”, a pesar de lo descrito anteriormente, es edificante. Tal vez la simpleza de su tratamiento y su suave ingenuidad ayudan para que nos quedemos con una sensación grata, potenciada por la actuación natural de las jóvenes y el carisma que imprime Nikohl Boosheri para liderar la acción.

Dejo una reflexión para el final sobre un tema que la película, a mi modo de ver, no desarrolla lo suficiente. En el ámbito técnico de la informática, los inventos son alucinantes y las posibilidades prácticamente infinitas. Casi todo comienza como un juego y muchos de los desarrollos son ideados, justamente, para competencias lúdicas. Sin embargo, cuando se percibe la utilidad real de una máquina, ese es el momento en el que cambiamos de dimensión. Ahí se encuentra la gran diferencia entre crear algo como un mero desafío técnico, o desarrollar un robot, incluso ni tan sofisticado, que efectivamente resuelve una necesidad vital.

Ficha técnica

Título original: Rule Breakers
Año: 2025
Duración: 120 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Black Autumn Show. Distribuidora: Angel Studios
Género: Drama | Biográfico
Guion: Jason Brown, Bill Guttentag, Elaha Mahboob
Música: Jeff Beal
Fotografía: John Pardue
Reparto: Nikohl Boosheri, Noorin Gulamgaus, Amber Afzali, Nina Hosseinzadeh, Sara Malal Rowe, Mariam Saraj, Nasser Memarzia, Phoebe Waller-Bridge, Ali Fazal
Dirección: Bill Guttentag

Almas Marcadas

Basada en la novela “Rule” de Jay Crownover de 2012, parte de la serie “Marked Men”, esta película, escrita por Sharon Soboil y dirigida por Nick Cassavetes, no se arriesga más allá de contener algunas provocativas escenas sexuales. La trama sigue a Rule Archer -Chase Stokes-, un artista de tatuajes, y a Shaw Landon -Sydney Taylor-, una joven estudiante de premedicina que siempre ha estado enamorada de Rule.

El escenario es absolutamente juvenil. El ambiente del mundo de los tatuajes, fiestas nocturnas y bares con algunas copas de más, configura de inmediato la personalidad del protagonista, al que vemos despertar acompañado de una joven un domingo en la mañana, justo el día que debe ir de visita a la casa de sus padres. Coincidentemente, es Shaw -Casper, como le dice él- quien debe llevarlo, y es ella la que le despierta irrumpiendo en su pieza. El detalle no es menor y luego sabremos por qué.

El panorama dominical termina mal. Una tragedia ha afectado a su familia y su madre aún no se recupera, ahogada en un alcoholismo que parece no poder superar. Rule tampoco, pero no se inclina hacia las drogas sino más bien a refugiarse internamente dada su extrema vulnerabilidad, ocultando el dolor bajo esas capas de hombre fuerte que le dan éxito para conseguir conquistas pasajeras.

El punto de inflexión de la historia es el cumpleaños de Shaw y, por supuesto, tenemos otra fiesta. Ella, que siempre ha querido a Rule, ve una oportunidad; Rule, para quien Shaw es solo una amiga cercana, se resiste hasta que su instinto supera su capacidad racional. En ese momento todo parece cambiar, pero una serie de eventos trastocan la historia y dan un giro al curso de los hechos. ¿Qué depara el destino para los caminos de Shaw y Rule?

Si bien esta película no tiene mayor profundidad, se desprenden de ella algunas temáticas interesantes. Primero, las dificultades no superadas y lo que significa arrastrar un duelo que coarta y prohíbe a Rule llevar una vida normal. Segundo, el temor a asumir compromisos, algo tan propio de las generaciones actuales, acá se potencia por los propios sabotajes y por los bloqueos emocionales del protagonista. Tercero, y en la vereda de enfrente, Shaw tiene sus propios problemas. Como su familia tiene dinero, su madre quiere dirigir su vida. Incluso quiere elegirle marido, para asegurar un match que potencie la fortuna. Shaw se rebela, pero no es suficiente: ella es sencilla, no es arribista, pero este tema se transforma en una lucha constante.

Tal vez, uno de los aspectos más complejos de esta película tiene que ver con la validación de la violencia para resolver problemas. Y es explícita en ello, sin ocultarlo, lo que claramente podría ser un aspecto cuestionable. ¿Una buena paliza acalla un problema, ocultando la dificultad? Darla o recibirla primero es lo crucial, pero nunca queda claro que aquel no es el medio para solucionar el estado de las cosas.

Lo que nos queda al final de “Marked Men: Rule + Shaw”, es la pregunta sobre cómo superar situaciones de pérdida y de qué manera sobreponerse a eventos trágicos que sin duda marcan a cualquier persona que los viva. El mensaje, en este caso, sí es muy claro: es desde la aceptación y la renuncia. El predecible final no hace más que confirmar el desarrollo de una historia bastante convencional que añade elementos accesorios que no son suficientes para llevarla más allá de un nivel básico.

Ficha técnica

Título original: Marked Men: Rule + Shaw
Año: 2025
Duración: 93 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Voltage Pictures
Género: Romance. Drama | Drama romántico
Guion: Sharon Soboil. Novela: Jay Crownover
Música: George Kallis
Fotografía: Kenji Katori
Reparto: Alexander Ludwig, Ella Balinska, Natalie Alyn Lind.
Dirección: Nick Cassavetes

El Gran Coco Legrand

La expectación crecía con el correr de las semanas. ¿Un documental sobre Coco Legrand? ¡Wow! ¿Cuánto de sus espectáculos, cuánto del ser humano, cuántos temas desconocidos? Difícil predecirlo, pero el interés iba “in crescendo”. Hasta que llegó el día. Un lunes en la mañana se develó el misterio. Veamos.

Sebastián Moreno, el director, encara este trabajo con nostalgia y más de un dejo de tristeza. No sé si se lo habrá propuesto, pero es lo que a mí me ha provocado al verlo. Sin embargo, al mismo tiempo hay mucho de diversión y de gratos recuerdos. Es que se trata de una figura consular del humor en Chile, un graduado con honores en todos los escenarios, un maestro del monólogo y un artista integral.

Alejandro González Legrand, Coco Legrand, no necesita ningún tipo de presentación. De hecho, Moreno entra directo al ruedo, con pequeños trozos de rutinas que, en breve, nos ponen en perfecta sintonía. Y luego abre con una toma en cámara lenta, un gesto precioso de nuestro querido protagonista.

Este trabajo documental combina el lado humano y familiar, algo menos presente y austero, con el personaje público que se encuentra radicado en nuestro inconsciente colectivo. Los momentos escogidos de sus shows son pocos pero hilarantes, y los que provocan emociones son también precisos; se condicen como mínimos reconocimientos a un personaje que traspasó todas las fronteras.

La edición es un desafío por la muy nutrida selección de imágenes que se debe realizar. Tarea titánica, por cierto, porque entre tanto material es muy difícil decidir qué poner y qué dejar afuera. El tiempo disponible es reducido, lo que obliga a tomar decisiones que siempre serán discutibles.

La narración es amable y cotidiana. Son cercanos los que se refieren a Coco, quienes trabajaron con él por años, amigos y, por supuesto, familiares. El tono es coloquial, sin aspavientos ni exageraciones. El relato se siente fluido aunque con poca unidad. Es una historia contada por privilegiadas primeras fuentes. Las palabras están bien seleccionadas a pesar de interrumpir ciertos momentos que pudieron haber tenido más espacio. Las acotadas intervenciones dan la impresión de que quedan cosas en el tintero. No son pocas.

Sebastián Moreno intenta algo que siempre es complejo: realizar un homenaje en vida. ¡Qué personaje es Coco Legrand! Intergeneracional, transversal. ¡Cuánto se podría hablar de él! Mucho, sin duda. Simpático, innovador para su época, incisivo, mordaz, elocuente, observador, histriónico, agudo, directo, y un larguísimo etcétera. Porque Coco Legrand logró decir complicadas verdades a través del humor. Arropar temas difíciles, pero cotidianos, bajo una capa graciosa, permite adentrarse a ellos con una profundidad que de otra manera se hace siempre esquiva.

“El Gran Coco Legrand” permite que nos acerquemos más a la persona para conocer aspectos inesperados y desconocidos. En general tiene ritmo, salvo al final, en el último cuarto de metraje, donde el cierre se enreda un poco perdiendo un poco su norte. Y acá me arriesgo con una apreciación muy personal: siento que este filme tiene un velo, un delgado prisma que solo deja entrever lo que sucede actualmente pero que no es totalmente explícito ni tampoco se encarga de develar. Es solo una sensación, un sentimiento, o tal vez, una mirada distinta.

Aunque más cercano al género reportaje, me quedo con un documental triste y nostálgico. Estamos frente a un testimonio audiovisual que retrata a un “grande” con más de 50 años de intensa actividad, un retrato sensible, una memoria agradecida que hubiese querido que fuera solo fiesta y jolgorio.

Ficha técnica

Título original: El gran Coco Legrand
Año: 2025
Duración: 100 minutos
País: Chile
Compañías: Las Películas del Pez
Género: Documental | Biográfico
Reparto: Coco Legrand
Dirección: Sebastián Moreno

Parthenope. Los amores de Nápoles

Una original forma de volver a Nápoles. Paolo Sorrentino parece obsesionado con la ciudad aunque es comprensible. Es su ciudad, son sus recuerdos, es su vida. Ya en “La mano de Dios”, el recorrido interno era intenso. Y ahora, con este nuevo trabajo, Sorrentino parece querer convertirla en un personaje más. ¿Lo consigue?

La historia es relativamente sencilla y se remonta a 1950, cuando nace una esperada niña bajo el cobijo de una adinerada familia. Como no era claro qué nombre debían ponerle, surge el de Parthenope, como referencia tanto a la ciudad como a la sirena de la mitología griega que, según cuenta la leyenda, dio origen a Nápoles. Rápidamente nos saltamos 18 años y Parthenope ya es una mujer hecha y derecha. Interpretada por Celeste Dalla Porta, irradia una belleza, un desplante y una personalidad que no deja a nadie indiferente.

Entre las preciosas vistas de la costa, una casa ubicada en un sector de privilegio, reuniones sociales y fiestas de todo tipo, Parthenope decide ir a la Universidad y estudiar Antropología. La vida es así, un continuo, porque Sorrentino nos va trasladando de época casi sin darnos cuenta, manteniendo las bases de la historia y cambiando solo los contextos que encuentra la protagonista en su recorrido vital.

Difícil clasificar esta cinta. Difícil también saber desde qué punto abordarla para hacer un análisis que vaya un poco más allá de lo superficial y lo obvio. Una opción es la que entrega su mismo punto de partida, es decir, una especie de oda a la belleza. Claro, primero la belleza de los paisajes, del entorno, del cuidado de cada toma y la precisión de cada detalle encuadrado por una cámara siempre bien posicionada. En segundo lugar, lo que naturalmente salta a la vista: la exuberancia de su personaje principal, en perfecta sintonía con lo anterior, y agregando delicados y no tan sutiles toques de seducción y provocación.

Si por un lado tenemos lo bello como punto central, ¿qué sería entonces lo antagónico? Sorrentino no lo responde tan claramente, porque pasa de una situación a otra sin necesariamente desarrollar un evidente eje disruptivo. El contraste necesario, entonces, sería lo feo, pero no está presente, al menos a flor de piel. Sin embargo, si escarbamos un poco, lo podemos encontrar en las diferentes personalidades que va conociendo Parthenope, y por cierto en aquel lado oscuro de la vida, esa tragedia que marca un antes y un después en la relación familiar.

Como cine dentro del cine, o al menos varias películas en una, “Parthenope” se mueve entre convenciones y riesgos que a más de alguien pueden resultar incómodas para algunos. Hay escenas que parecen sacadas de otras cintas, y también caricaturas que podrían transgredir ciertos límites. Sorrentino se lo permite y nosotros también, en beneficio de un cine que quiere ir más allá aunque no tenga tan claro dónde ni cómo.

Volviendo a la pregunta inicial, Nápoles no logra estar a la par con Parthenope. La ciudad es superada por la estampa de la protagonista, aunque lucha cuerpo a cuerpo en una batalla absolutamente desigual. Es esa identidad femenina la que se impone, marcando el paso del tiempo por una vida llena de recovecos que parece idílica, pero que al final se siente en parte vacía.

El punto central aquí es el amor en sus diferentes estados, romántico, platónico, idealista y como una decepción, todos vividos por la protagonista a lo largo de un poco más de setenta años. Con un poco de realidad y otro poco de ficción, es finalmente la búsqueda del sentido de la vida lo que llega a unir este relato, a veces más difusa, a veces más concreta, búsqueda de una mujer inquieta, ávida por descubrir y experimentar nuevas vivencias, aunque incapaz de echar raíces en el amor.

Cine de autor: una apuesta interesante, con bella fotografía y entornos cautivadores.

Ficha técnica

Título original: Parthenope
Año: 2024
Duración: 136 minutos
País: Italia
Compañías: Coproducción Italia-Francia; The Apartment, Saint Laurent, Numero 10, Pathé, PiperFilm, Logical Content Ventures, Canal+, Ciné+
Género: Drama | Años 60. Años 70
Guion: Umberto Contarello, Paolo Sorrentino
Música: Lele Marchitelli
Fotografía: Daria D'Antonio
Reparto: Celeste Dalla Porta, Stefania Sandrelli, Gary Oldman, Silvio Orlando, Luisa Ranieri, Peppe Lanzetta, Isabella Ferrari.
Dirección: Paolo Sorrentino

Código Negro

Dos películas del director Steven Soderbergh en cartelera el mismo mes es una extraña coincidencia, y algo afortunado también, diría yo. “Presencia”, del año 2024 y “Black Bag” de este año, representan estilos totalmente diferentes y eso habla de la gran versatilidad de un cineasta que se encuentra siempre inmerso en procesos creativos.

Con guion de David Koepp, Soderbergh incursiona en uno de sus géneros preferidos, el thriller, esta vez basado en espionaje e intrigas al interior de una agencia de inteligencia británica. George Woodhouse -Michael Fassbender-, un reservado oficial de alto rango, recibe la delicada misión de descubrir la filtración de “Severus”, un software ultrasecreto que si cae en manos equivocadas tendría consecuencias desastrosas. Los sospechosos son varios pero están todos al interior de la misma agencia. El plan de George es simple, desenmascarar al posible traidor, pero, ¿qué sucedería si esa persona fuera nada menos que su esposa Kathryn St. Jean -Cate Blanchett-, otra de las agentes principales de la oficina?

La narrativa visual que imprime el director es muy delicada. Todo es elegante y parsimonioso, incluso la forma de presentar la trama y la manera de ir confundiendo a la audiencia con datos y pistas que no son necesariamente verdaderas ni importantes. Si bien no se presenta mayor innovación, los elementos funcionan bien como distractores y condimentan lo que iremos conociendo posteriormente. El guion es complejo, por supuesto, pero muy inteligente. Es de esas historias que debemos dejar que transcurra sin angustiarnos por no entender de buenas a primeras todos los cabos sueltos que nos dejan, tal como si fueran palitos dispuestos a ser pisados ingenuamente.

A pesar de lo enrevesada de la trama, la cinta mantiene, en general, un buen ritmo, ya que logra combinar largos pasajes, donde solo encontramos diálogos, con giros que nos desvían el rumbo de nuestras sospechas. Poca acción, eso sí, más bien acción intelectual para poder seguir bien los vericuetos que presenta una intrincada red de situaciones y hechos.

Fassbender y Blanchett muestran mucha química en pantalla. Y no es exuberante; quizás incluso un poco apagada, pero fluye bajo cuerda y agrega inesperadas dosis de tensión gracias a pequeños detalles y grandes descubrimientos. El resto del elenco acompaña bien, sin destacar demasiado, pero Pierce Brosnan, interpretando al máximo responsable de la agencia, indudablemente se despega del resto de sus compañeros.

“Black Bag” funciona no solo por sus personajes, sino porque ofrece una trama con visos de actualidad, recubierta de los tradicionales problemas de confianza y traición que están presentes en los altos niveles de seguridad. Cuando la estética se junta con buenos diálogos suele ser una delicia, y esta película tiene buena parte de esto. Pero ojo con las expectativas. Acá no veremos una cinta para estar al borde de la silla. No. Debemos prepararnos para otro tipo de ejercicio, más interno y de elaboración. Hay que fijarse en los detalles, degustar cada giro, saborear los diálogos. Porque si pasamos de largo esperando la resolución, llegaremos al final con las manos vacías.

Ficha técnica

Título original: Black Bag
Año: 2025
Duración: 93 minutos
País: Reino Unido
Compañías: Coproducción Reino Unido-Estados Unidos; Distribuidora: Focus Features, Universal Pictures
Género: Thriller. Intriga. Drama | Espionaje
Guion: David Koepp
Música: David Holmes
Fotografía: Steven Soderbergh
Reparto: Cate Blanchett, Michael Fassbender, Marisa Abela, Tom Burke, Naomie Harris, Regé-Jean Page, Pierce Brosnan.
Dirección: Steven Soderbergh

Henri, el último pirata

Sinopsis: Desarrollada en un Chile melancólico que pasea por distintas décadas y territorios, que a veces parece otro planeta, hombres que vivieron un mundo que todavía escondía tesoros o, quizá, un tributo al mundo cuando todavía parecía desconocido. Narrada con desfachatez, llena de giros, pasando desde el Calypso de Jacques Cousteau, a la Polinesia y luego a la cima de un volcán en la mitad de un desierto. Pareciera que el verdadero tesoro del director es el material que tiene en sus manos y no el de su pirata Henri, el hipnótico protagonista.

Imágenes de archivo abren este trabajo documental liderado por Julián Fernández Prieto. Remiten al año 1975, cuando la expedición de Jacques Cousteau llegó a Rapa Nui a realizar investigaciones. Para quienes crecimos viendo los reportajes del ‘Calypso’, el emblemático barco del capitán francés, la nostalgia nos invade de inmediato. Pero esto no se trata de ‘El mundo submarino…’. Se trata de personas que venían con Cousteau, en específico una de ellas: Henri García, un explorador nato y experimentado buzo que se enamoró de la isla, dejó todo y se quedó.

Una bella toma aérea de la Isla de Pascua, que abarca casi toda su extensión, da paso al diálogo de un padre con su hijo mientras revisan fotos antiguas. Ya son 60 años los transcurridos y quien habla es el hijo de Henri. La historia se repite, señala, porque hoy día es él quien rescata el legado de su padre enseñando a su hijo los secretos de las aventuras al aire libre que aprendió de su progenitor.

Este documental busca retratar a un personaje. ¿Se trata de un documental de recuerdos o de un testimonio actual? Ante la ausencia de definiciones, el metraje se desordena, no están claros los roles, resulta confuso y finalmente no logra conectar con el personaje central, Henri García.

La cinta se abre hacia otras expediciones de su figura principal. Vuelve a él, un hombre versátil, con un espíritu inquebrantable y siempre ávido de conocimiento. El descubrimiento de una esfera de cristal en el cráter de un volcán, la laguna más alta en la que Henri ha podido bucear, parece un punto de llegada. Pero no. Cual “Rondó”, el tema principal regresa sin variaciones, ni de forma ni de fondo. Continuamos desde el mismo punto en el que comenzamos.

Imágenes bellas o una serie de recuerdos audiovisuales no resultan suficientes para contar una historia sin tener un foco definido, sin un hilo conductor que nos guíe al interior de un relato que finalmente es más anecdótico que profundo. Con lo que observamos en pantalla no alcanzamos a conocer al personaje. Tampoco logramos eso con otros, con sus hijos, o con los más cercanos. Algo falta para hacer la conexión, tal vez una mayor depuración del material o bien una mayor profundidad en quienes vivieron bajo la luminosidad de Henri.

90 minutos que se hacen extensos porque el rumbo parece extraviado. Es como si el “Calypso” hubiese partido solo, sin su capitán. Interesante, por cierto, pero finalmente se ve perdido, a la deriva: entre la añoración y el recuerdo, entre el hombre y lo que dejó su paso por Rapa Nui, entre el mito y la realidad.

Ficha técnica

Título original: Henri, el último pirata
Año: 2024
Duración: 90 minutos
País: Chile
Compañías: Productora -1 Cine
Género: Documental
Música: Loti García Haoa, Pablo Yovane
Fotografía: Tomás Yovane
Reparto: Documental
Dirección: Julián Fernández Prieto

El Abismo Secreto

Sigiloso. Así comienza “El Abismo Secreto”, porque el asesinato inicial perpetrado por Drasa -Anya Taylor-Joy-, no se condice con la posterior confesión hecha a su padre enfermo. Si en verdad ya no puede más, no es lo que sucede después, al menos en apariencia.

Por su parte, Levi -Miles Teller-, recibe precisas indicaciones de Bartholomew -Sigourney Weaver-, para un trabajo que le cae como anillo al dedo luego de unos meses de forzada pausa. Un preciso salto en paracaídas lo lleva a parajes inexplorados y entramos de lleno en el escenario de este thriller fantástico que se tiñe con algunos monstruos y unas pocas gotas de terror.

La premisa es clara. Dos torres de vigilancia están al borde de un fantasmal abismo. Una a cada lado. No se ve nada hacia abajo; una espesa bruma cubre todo. ¿Qué hay allí? El predecesor de Levi le da algunas pistas pero son vagas. Debe controlar, pero no está muy definido qué es lo que tiene que hacer. Los armamentos son de grueso calibre y las instalaciones, aunque añosas, al menos parecen útiles.

Y comienza la rutina, la vigilancia, y por supuesto, a la torre de enfrente llega Drasa. Están solos, cada uno en su torre. Se divisan, no tienen permitido contacto alguno. Pasan días, pero la regla se deja de cumplir el día del cumpleaños de la joven. Y comienzan los acertijos y las conjeturas. Parece que la misión no es proteger el abismo sino impedir que salga de allí lo que alberga en su interior.

Ambos vigilantes tienen algo en común que los marca: tienen buena puntería. ¿Buena? ¡No! Extraordinaria, y la ponen a prueba cuando empiezan a recibir ataques a través de sus muros. Pero ya hay comunicación. No están solos, tienen compañía, aunque desconozcan completamente por qué los tienen destinados en ese inhóspito lugar.

Pasan los meses, pasa Navidad, llega febrero y todo sigue su ritmo. ¿Cuál es la verdad que oculta ese abismo? ¿Qué hacen, o más bien, qué deben hacer? ¿Cuánto pueden arriesgar? ¿Hasta dónde están dispuestos a llegar?

“The Gorge”, dirigida por Scott Derrickson, no se trata de una sorpresa. En su forma es convencional, la historia de una pareja con un ropaje diferente al tradicional, pero suma algunos elementos que al comienzo cuesta un poco conectar. Hay de historia, desde al menos la Segunda Guerra Mundial, también algo de las divisiones y muros posteriores, otro poco de la Guerra Fría, todo esto mezclado, fusionado y revuelto con experimentos que podrían ser terrestres o extraterrestres. La película cambia al momento de su punto de inflexión, más o menos a la mitad del metraje. Y de convencional pasa a ser clásica y predecible, pero junto con ello llega el momento de asustarnos, las explicaciones, el contexto y el camino al desenlace.

¿Lo bueno? La química y las actuaciones de la pareja protagónica. ¿Lo no tan bueno? Se estira un poquito; condensada a 80 o 90 minutos habría sido perfecta. Aun así, resulta ágil y entretenida a pesar de esos largos momentos solo con Miles Teller y Anya Taylor-Joy en pantalla, con poco movimiento y escasos diálogos, lo que curiosamente funciona bien, porque la sensación que queda al final es satisfactoria. Entretención recomendada para la tarde de un domingo, sin apuro, y para olvidar que se aproxima lo que sí es terrorífico: el inicio de la semana laboral.

Ficha técnica

Título original: The Gorge
Año: 2025
Duración: 118 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Apple Original Films, Crooked Highway, Lit Entertainment Group, Skydance Productions, Transportation Resources. Distribuidora: Apple TV+
Género: Acción. Thriller. Terror. Fantástico | Monstruos
Guion: Zach Dean
Música: Trent Reznor, Atticus Ross
Fotografía: Dan Laustsen
Reparto: Miles Teller, Anya Taylor-Joy, Sigourney Weaver
Dirección: Scott Derrickson

Bernadette

Imaginar la vida de la mujer de un presidente “en la interna”, podría ser un ejercicio muy interesante. Ahora bien, incursionar en la vida de Bernadette Chirac, esposa de Jacques Chirac, expresidente de Francia entre los años 1995 y 2007, resulta aún más intrigante y, además, controvertido. La encargada de llevar esto a la pantalla es Léa Domenach, quien con esta cinta hace su debut en el campo de la dirección. ¡Y qué debut!, porque tener nada menos que a Catalina Deneuve en el rol protagónico ya es una tremenda carta de presentación, además de un excelente punto de partida para una historia que promete ser de lo más sabrosa.

“Bernadette” es Deneuve, y Deneuve es “Bernadette”. Esta simbiosis marca no solo el ritmo de la historia sino todo el color que la cineasta impregna en el metraje. Los gestos, lo que la actriz transmite con su mirada, sus posturas corporales y, la mayor de las veces, tan solo su presencia, se transforman en una enorme ventaja al momento de configurar al personaje. Recatada en un inicio, incluso apática y chapada a la antigua, Bernadette siempre ha sido postergada por su marido a un rol en las sombras, en segundo o tercer plano, relegada, incluso, al patio trasero. Sin embargo, su llegada al Elíseo provoca un giro. Las cosas deben cambiar; trabajar su perfil, comunicar mejor, medir el impacto de sus acciones y dar rienda suelta a un instinto político bien afinado por los años.

Desde ya, esto no es un clásico biopic. Se anuncia que está basado en hechos reales pero adaptados libremente. Claramente es así, porque abundan las caricaturas y, la verdad, casi ningún personaje queda muy bien parado. Y ojo que ni siquiera se salva la protagonista. Lo histriónico de algunos y la reserva de otros dan cuenta de una vida posiblemente desconectada de la realidad, donde el poder se transforma en un objetivo y no en un medio para conseguir los cambios que se requieren y que se prometen casi irresponsablemente.

Con ritmo pausado, Domenach no se apresura ni muestra todas sus cartas en la exposición. Poco a poco aparecen personajes, dibujados en un entorno confuso que mezcla relaciones familiares y de trabajo en una misma conjunción, donde los límites se difuminan y los valores cambian según la orientación del viento político que les arrastre.

Liviana y sencilla de digerir, “Bernadette” no es necesariamente una reivindicación ni tampoco un capítulo feminista. Va un poco más allá. Se trata de la valoración del rol de una mujer como soporte de un marido reconocido y su posterior empoderamiento y transformación paulatina para llegar a ser, en sí misma, figura principal al interior de un reparto donde todo el mundo cree ser la máxima estrella.

Ficha técnica

Título original: Bernadette
Año: 2023
Duración: 92 minutos
País: Francia
Compañías: Christel Dewynter
Género: Comedia | Basado en hechos reales. Biográfico. Política
Guion: Clémence Dargent, Léa Domenach
Música: Anne-Sophie Versnaeyen
Fotografía: Elin Kirschfink
Reparto: Catalina Deneuve, Denis Podalydès, Michel Vuillermoz, Sara Giraudeau
Dirección: Léa Domenach

Pandemonium

Sinopsis: Nathan se considera a sí mismo un hombre normal. Un buen día despierta en una montaña helada, sin recordar cómo ha llegado hasta allí. Conforme prosiga en su inquietante e imaginativo descenso a los infiernos, conocerá a personas que le obligarán a replantearse la percepción que tiene de sí mismo y de su vida hasta ese momento.

Dirigida por Quarxx -Alexandre Claudin-, esta película francesa del año 2023 presenta una apertura interesante. Nathan -Arben Bajraktaraj-, el protagonista, despierta en medio de una carretera. Se encuentra totalmente descolocado; parece haber sobrevivido a un accidente fatal, pero no recuerda absolutamente nada. Lentamente, en compañía de otro hombre y una pequeña niña, va tomando conciencia de que el trance que vive es bastante diferente a la realidad que percibe.

Indudablemente atmosférico y con una narración distribuida en diversas secciones, este drama psicológico de terror aborda temas como la culpa, el castigo y la redención. Con un particular estilo, el director nos invita a un viaje por el inframundo, un lugar tan desconocido como tenebroso, donde las historias pasadas se funden y fluyen hacia una eternidad inimaginable.

El cuidado de la filmación es uno de los puntos altos del trabajo. Asimismo, las actuaciones dan cuenta de la angustia real de sus personajes, una sensación de abandono no solo física, sino, sobre todo, de espíritu. Los relatos, individuales pero también entrelazados, parecen estar fragmentados. De hecho, una lectura rápida podría dividir esta película en tres capítulos y un epílogo. Sin embargo, al concluir, son aquellos signos de unidad los que conforman el arco final.

Interesante propuesta para el género, con matices metafísicos que la distancian del horror tradicional. Envolvente y sutil por momentos, en otros revela la naturaleza enferma del ser humano y sus trágicas consecuencias. Con temas que llaman a la reflexión, este filme se arriesga con uno de los grandes misterios de la humanidad: lo que existe -o no existe- más allá de la muerte.

Ficha técnica

Título original: Pandemonium
Año: 2023
Duración: 90 minutos
País: Francia
Compañías: Transgressive
Género: Terror | Drama psicológico
Guion: Quarxx
Música: Benjamin Leray
Fotografía: Didier Daubeach, Hugo Poisson, Colin Wandersman
Reparto: Arben Bajraktaraj, Ophélia Kolb, Manon Maindivide, Sidwell Weber, Hugo Dillon, Carl Laforêt
Dirección: Quarxx

Novocaine

¿Qué pasaría si no sintieras ningún tipo de dolor? ¿Extraño, no? ¿Sería la panacea o más bien un suplicio? Es más bien lo último lo que sucede con Nathan Caine -Jack Quaid-, un introvertido ejecutivo bancario que padece insensibilidad congénita al dolor (CIP), condición que le impide sentir dolor físico. Acostumbrado a sobrellevar el problema puertas adentro, su vida cambia cuando su compañera de trabajo Sherry -Amber Midthunder- muestra interés en él. Al principio algo extrañado, Nathan se da cuenta de que esta puede ser una oportunidad para salir de su burbuja. Lentamente se va soltando y una cosa lleva a la otra; de pronto parece haber alcanzado la felicidad.

El giro inesperado viene a continuación. Un asalto violento a la sucursal bancaria, la toma de rehenes e incluso un asesinato. Terrible, pero lo peor es que los atracadores se llevan a Sherry como moneda de cambio. Nathan, desesperado, corre tras ella sin siquiera dimensionar que lo que vendrá marcará la peor experiencia de su vida.

Dirigido por Dan Berk y Robert Olsen, este thriller de acción con adornos de comedia, se construye sobre una premisa interesante: cómo se convierte la desventaja de no sentir dolor, en una ventaja cuando se trata de enfrentar peleas cuerpo a cuerpo y situaciones de riesgo extremo. Porque esto ni siquiera el tráiler lo esconde: a Nathan le dan, literalmente, como bombo en fiesta.

En varias de las situaciones más álgidas sentí que me encogía en el asiento. Es que ver torturas y golpes al límite logra su objetivo. En ese sentido, los efectos especiales funcionan perfectamente porque parecen reales, y si no supiéramos la condición que sufre el protagonista, creo que cada acción nos dolería significativamente más.

Bien Jack Quaid en su papel. Combina vulnerabilidad y una temeridad difícil de descifrar. Su aspecto débil y su educada forma de ser resultan ser la antítesis de las características de un héroe tradicional. Es obvio que no es un superhéroe; es una persona común y corriente que quiere hacer las cosas bien y que, ante la captura de su interés amoroso, no duda en acudir a su rescate.

“Novocaine” funciona bien. Aunque se va agotando con el correr de los minutos, luego de un par de giros centrales, la cinta fluye hacia una conclusión que resulta más que previsible. Y no hay problema con eso, porque logra mantener el interés. Sin embargo, la fórmula tiende a agotarse cuando se abusa un poco de ella. Afortunadamente, cuando eso ocurre, ya se ha llegado al final del recorrido. Liviana y fresca, buen panorama para el fin de semana.

Ficha técnica

Título original: Novocaine
Año: 2025
Duración: 110 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Infrared, Safehouse Pictures. Distribuidora: Paramount Pictures
Género: Acción. Thriller
Guion: Lars E. Jacobson
Fotografía: Jacques Jouffret
Reparto: Jack Quaid, Amber Midthunder, Ray Nicholson, Jacob Batalon, Betty Gabriel, Matt Walsh
Dirección: Dan Berk, Robert Olsen

Presencia

Introducción inquietante. La cámara se mueve en varias direcciones. Parece un despertar, aunque aún está oscuro. La casa está vacía. Música suave de piano. La noche comienza a dar paso al amanecer.

Interesante apertura la que utiliza Steven Soderbergh para este nuevo filme de terror e intriga. En esta ocasión, sigue a una familia de cuatro integrantes que se mudan a una nueva casa. Todo transcurre allí. Madre, padre, hija e hijo se encuentran descubriendo un nuevo espacio en el que inician otra etapa de sus vidas.

La filmación pronto cambia de tono. Parece ser la casa la que observa, con un lente de gran ángulo, todos los movimientos interiores. Un largo plano secuencia (una sola toma) destaca en el siguiente acto. Y cambia el concepto, porque desde ese momento lo que observamos pasa a ser una suma de episodios, de mayor o menor duración, interrumpidos por cortes abruptos. La segunda parte comienza a los 15 minutos. No hay tiempo que perder. ¿Y por qué se nota este nuevo comienzo? Sencillo. Desde ese instante se inician los fenómenos extraños, el movimiento de las cosas y las sensaciones inundan el ambiente: es la anunciada presencia.

Soderbergh tiene un estilo particular para llevar la cinta al usar cápsulas funcionales que van mostrando diferentes temas que involucran a los miembros de la familia. En cada una aparecen nuevas aristas y más datos. Vamos sumando elementos a un universo inicialmente reducido, pero que se va expandiendo con el correr de los minutos.

Rebekah -Lucy Liu-, la madre, tiene un carácter fuerte y decidido. Es quien lleva el liderazgo en la casa, por sobre su marido Chris -Chris Sullivan-, quien parece ceder ante las opciones que toma su mujer. Chloe -Callina Liang-, la hija menor, es una adolescente en pleno proceso de adaptación a su nuevo entorno, mientras que a su hermano mayor, Tyler -Eddy Maday-, le resulta más sencillo hacer nuevas amistades, como Ryan -West Mulholland-, un muchacho que desde el inicio se siente atraído por ella.

La familia protagonista es claramente disfuncional. Lo vemos en la relación de sus padres. Ella trabajólica, él algo pasivo. Los hijos les discuten a los padres, tienen sus propios intereses y problemas. No existe mucha comunicación. Los problemas aumentan. La falta de diálogo, o forzarlo, no ayuda para nada. Cada uno en su mundo, cada uno con sus temas.

Esta película, escrita por David Koepp, no abusa de lo paranormal, y eso se agradece. Los efectos se dosifican, lo que ayuda a generar sorpresas solo de vez en cuando. Si bien la forma de narración es interesante al comienzo, el formato episódico va cansando un poco al repetirse constantemente la misma fórmula. Además, la ausencia de música en varias secuencias resulta extraña. En algunos momentos ayuda, pero en otros se sienten vacíos y sin variaciones.

Respecto a la resolución, es inesperada. Bien. Quedan muchas preguntas abiertas, sin respuesta y, además, sujetas a diferentes interpretaciones. En síntesis, 85 minutos interesantes que, sin embargo, prometían mucho más.

Ficha técnica

Título original: Presence
Año: 2024
Duración: 85 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Extension 765. Distribuidora: Neon
Género: Terror. Intriga | Familia. Fantasmas. Sobrenatural. Casas encantadas
Guion: David Koepp
Música: Zack Ryan
Fotografía: Steven Soderbergh
Reparto. Lucy Liu, Chris Sullivan, Callina Liang, Eddy Maday, Mulholland occidental, Julia zorro
Dirección: Steven Soderbergh 

Mickey 17

¿Qué pasaría si después de morir nos reimprimieran gracias a una copia de respaldo? ¿Perderíamos el natural miedo a la muerte? ¿Sería solo una rutina, o nos afectaría de la misma forma cada vez que nos encontremos al borde de expirar?

Este concepto es parte de la interesante premisa que trae bajo el brazo el director Bong Joon-ho (“Parásitos”), quien se basa en el libro “Mickey7”, escrito en 2022 por Edward Ashton, para componer un thriller de ciencia ficción que no escapa de la crítica social que caracteriza los trabajos de este realizador.

El argumento es claro y basta con conocer solo algunos detalles generales de la historia. Mickey -Robert Pattinson- y Timo -Steven Yeun-, huyen de un usurero. Como no tienen nada que perder, se embarcan en una misión liderada por un político en decadencia con el objetivo de colonizar un lejano planeta. El tema es que Mickey, sin saberlo, se inscribe como “prescindible”, una condición particular en la que acepta ser parte de las pruebas de un sistema ultra avanzado de clonación humana capaz de crear una réplica de una persona en instantes. Dado que en la Tierra este procedimiento está totalmente prohibido, y menos experimentar con “múltiples” (una o más copias conviviendo en tiempo y espacio), esta innovadora tecnología solo puede ser usada en este tipo de misiones y bajo estricta supervisión. El político a cargo, un descollante Mark Ruffalo, tiene clara su película. Lo suyo es recuperar el poder perdido y generar un imperio propio alejado de los cánones terrestres. Él y su mujer, Toni Collette, encarnan a verdaderos reyes medievales en un futuro que parece cada vez menos lejano. Este es el núcleo de la trama. Lo demás, mejor descúbranlo ustedes mismos

Con una ilación poco convencional, la narración comienza en un estado avanzado del relato para luego retroceder hasta los orígenes que explican cómo se llegó hasta allí. Gran parte de la obertura de 30 minutos, momento en el que vemos el título de la cinta, está acompañada por la voz en off del protagonista. Este relato en primera persona entrega cercanía e intimidad. Lo mismo sucede con las dosis de humor negro que ayudan a distender situaciones álgidas y complejas.

Profundicemos un poco en este concepto de “prescindible”. Algo que se ha hecho propio de nuestra cultura actual, aquello de lo desechable, de lo utilitario, se presenta acá con un ser humano que acepta ser un verdadero conejillo de indias. En la práctica, es un esclavo: se usa, se abusa de él y se desecha. Total, si muere se crea de nuevo. De ahí el título de la película, “Mickey 17”, saquen ustedes sus conclusiones. Acto seguido, y en un giro que no conviene anticipar, explora la personalidad y comportamiento de estos clones. Físicamente son iguales, idénticos, pero al parecer siempre hay algo único que los diferencia en cada versión. Robert Pattinson, configurando diferentes versiones de Mickey, hace un trabajo notable, y ya verán por qué se los digo. Insisto en no anticipar para no quitar la magia de la sorpresa.

Bong Joon-ho tiene talento para hacer crítica social que interpela fuerte y que agradecemos profundamente. Hay muchas verdades incómodas arropadas con caricaturas, e incluso bromas que pueden resultar de mal gusto, sin embargo, el director se las arregla para que podamos digerirlas sin problema, y al mismo tiempo divertirnos por lo irónico de las situaciones observadas. Y no se salva nada. La política, los millonarios, los que no tienen nada, los que buscan oportunidades, los soñadores y los dictadores. Todos se mezclan en una juguera que condensa lo mejor y lo peor del ser humano. Los personajes están perfectamente delineados, incluso los más burdos o aquellos que tienen menos minutos en pantalla. Cada uno tiene su razón de ser y se desarrolla en función de una trama sencilla con múltiples ramificaciones e interpretaciones.

“Mickey 17” es una apuesta arriesgada, tal vez, incluso, no apta para todo público. Quizá pertenezca a un nicho, aunque es un tema que abarca aspectos universales sin distinción. Las ramificaciones del relato y su conclusión no necesariamente constituyen el punto de llegada. En este caso, resulta mucho más interesante la construcción del viaje y los enunciados que van cobrando interés en la medida que los minutos avanzan.

Porque ¿qué se siente morir, aún sabiendo que vas a despertar? Pareciera que la respuesta, finalmente, no sería tan compleja.

Ficha técnica

Título original: Mickey 17
Año: 2025
Duración: 137 minutos
País: Estados Unidos
Compañías: Coproducción Estados Unidos-Corea del Sur; Plan B Entertainment, Offscreen, Kate Street Picture Company, Warner Bros.. Distribuidora: Warner Bros.
Género: Ciencia ficción. Comedia. Thriller. Fantástico. Aventuras | Aventura espacial. Extraterrestres
Guion: Bong Joon-ho. Libro: Edward Ashton
Música: Jung Jae-il
Fotografía: Darius Khondji
Reparto: Robert Pattinson, Naomi Ackie, Steven Yeun, Toni Collette, Mark Ruffalo
Dirección: Bong Joon-ho

La Semilla del Fruto Sagrado

Cuando una comida se prepara a fuego lento suele ser más sabrosa. Esto es justo lo que sucede con este thriller del realizador iraní Mohammad Rasoulof. Sin prisa, pero sin pausa, el cineasta construye un largometraje que lentamente nos consume por dentro, igual que lo hace con sus protagonistas.

La historia nos muestra a Iman -Missagh Zareh-, un devoto funcionario del régimen de Teherán. Como honesto abogado, recibe con satisfacción y honor un ascenso como juez investigador en el Tribunal Revolucionario. Un beneficio para él y su familia, porque su nuevo estatus trae consigo un sueldo más alto y la posibilidad de vivir en un departamento más grande con su esposa y sus dos hijas adolescentes. Pero -como siempre lo hay en muchos de estos casos-, coincide con las protestas políticas a nivel nacional contra el gobierno autoritario, situación que le revela a Iman las verdaderas razones de su nombramiento: aprobar rápidamente las sentencias, incluso de muerte, sin necesariamente evaluar las mínimas pruebas necesarias.

La vida de esta familia se trastoca completamente. Si antes del nuevo cargo de Iman las reglas marcaban la pauta de manera estricta, a partir de ese momento, la situación se endurece a niveles máximos. La rutina familiar se ve sobrepasada ya que las hijas tienen la oportunidad de conocer de primera mano la situación social del momento. Ya sea por sus compañeras o por la ebullición de las redes sociales, Rezvan -Mahsa Rostami-, la mayor, y Sana -Setareh Maleki-, la menor, perciben las injusticias como propias y se rebelan ante todo tipo de autoridad. Ellas desafían las reglas y sus padres intentan aplacarlas sin resultado. Es un juego de suma cero.

La tensión social se palpa en cada momento. De hecho, la ficción de la filmación se combina con imágenes reales de las verdaderas protestas tras la muerte de la mujer kurda iraní Mahsa Amini, bajo custodia policial en Teherán, el 16 de septiembre de 2022, lo que aporta una gran cuota de verosimilitud.

Algunas luces de humanidad brotan en Najmeh -Soheila Golestani-, la abnegada madre y fiel esposa, cuando una compañera de universidad de Rezvan resulta gravemente herida en una manifestación violenta. Pero es solo eso, pequeñas luces. No es suficiente para modificar su perspectiva, porque las consecuencias familiares podrían resultar devastadoras. El régimen no perdona descuidos ni olvidos, mucho menos una flagrante violación de cualquier norma impresa, siempre implementada al amparo y en nombre de Dios.

Al conocer los detalles de la filmación y el calvario vivido por su director tras ser encarcelado, el impacto de este relato crece aún más. Y méritos tiene de sobra, pero indudablemente se ve una vez más lo que ya es marca registrada de los regímenes totalitarios: la realidad supera cualquier ficción.

La película retrata con fidelidad la tradición y el estricto cumplimiento de las normas en Irán. Es cierto, no he estado allí, pero lo que se muestra da cuenta de una vasta literatura escrita y muchos testimonios audiovisuales sobre una teocracia que no permite tregua. Al tratarse de una República Islámica, todo está regido por la religión. Los cuestionamientos emergen desde los más jóvenes, quienes, libres de prejuicios, se empoderan en comunidad para hacer frente a lo que sienten y ven con sus propios ojos. Este proceso de descubrimiento y transformación es paulatino, pero se intensifica al tener que luchar contra las evidentes injusticias.

La trama da un giro cuando desaparece la pistola entregada a Iman para su defensa personal. Desde ese momento, todo cambia. Él se transforma en una roca, aumentan los temores, el desafío crece y los enfrentamientos familiares se tornan sumamente álgidos.

Vemos un amor difícil de comprender en Najmeh, crisis y miedo constante en Iman, más el enorme desafío de Rezvan y Sana por cambiar el estado de las cosas. ¿Cómo puede llevarse todo esto en una familia? Cambian las dinámicas y el fundamentalismo parece imponerse por la fuerza. ¿Ceguera o sentido del deber? ¿Qué se puede hacer en estos casos? ¿Existe alguna salida?

“The Seed of the Sacred Fig” deja la sensación de ser tan real que aquello resulta abrumador. La tristeza infinita que transmite es proporcional a su duración extendida. El último cuarto de metraje es uno de los puntos más altos de la película, con una tensión creciente que no apura el ritmo sino que va comprimiendo a los personajes y a su entorno.

Notable trabajo de Mohammad Rasoulof, merecedor del Premio Especial del Jurado en Cannes 2024 y de la nominación al Óscar a Mejor Película Internacional representando a Alemania. ¡Imperdible!

Ficha técnica

Título original: The Seed of the Sacred Fig
Año: 2024
Duración: 168 minutos
País: Alemania
Compañías: Coproducción Alemania-Irán-Francia; Run Way Pictures, Parallel 45, arte France Cinéma, Parallel45, Filmförderung Hamburg Schleswig-Holstein, L'Aide aux Cinémas du Monde, Moin Films
Género: Drama. Intriga | Familia. Drama social
Guion: Mohammad Rasoulof
Música: Karzan Mahmood
Fotografía: Pouyan Aghababayi
Reparto: Soheila Golestani, Missagh Zareh, Mahsa Rostami, Setareh Maleki, Niousha Akhshi, Amineh Arani
Dirección: Mohammad Rasoulof

Zak & Wowo: La leyenda de los Lendarys

Sinopsis: En un mundo lleno de magia, habitado por criaturas fantásticas y monstruos, se desarrolla una épica aventura protagonizada por Zak, quien busca desesperadamente a Kyle, su hermano gemelo que ha desaparecido misteriosamente. Zak no está solo en su búsqueda. Lo acompaña Wowo, una adorable, chiflada y diminuta bola de pelo con un gran carácter y lista para ayudarle a dominar el poder de la piedra mágica de jade y completar su temeraria misión antes de que sea demasiado tarde.

Simpática y atractiva animación francesa que, en un tono muy ameno, resalta valores fundamentales como la amistad, la hermandad y la colaboración para superar las dificultades. Ayuda mucho a dicho objetivo una sencilla caracterización de personajes, ya que, a pesar de no profundizar demasiado, va un poco más allá de las caricaturas que habitualmente se emplean. Por ejemplo, la manera de diferenciar a los gemelos se encuentra en niveles internos, en la personalidad de ambos, incluyendo rasgos como la timidez o la determinación, que se reflejan en la confianza y autoestima de cada uno.

El escenario que la cinta despliega está lleno de colores. Los parajes son tan mágicos como el mundo encantado que representa. El origen de la historia se remite a “La leyenda de los Lendarys”, que menciona criaturas especiales que habitan un mundo mágico y mitológico. En principio temidas, y por ello aisladas, el contacto con humanos no era posible. Por esta razón, los lugareños construyeron su refugio en una ciudad amurallada llamada Skyroad para protegerse de esas temibles criaturas y sus peligros. Gran parte de quienes habitan Skyroad cree que los Lendarys solo son leyenda, y por ello teme lo desconocido que representan. Incluso tienen leyes al respecto: por ejemplo, se señala que abandonar Skyroad y tener contacto con un Lendarys es una falta gravísima. A pesar de tantas precauciones, la joven Indiana se rebela ante las restricciones de su pueblo y establece contacto directo con las criaturas gracias a un don especial. Cuando ella se une a Zak y Wowo en la búsqueda de Kyle, su gran sensibilidad aflora, lo que permite una conexión aún más profunda con esos seres míticos, una ayuda invaluable en el camino que nuestros personajes se han propuesto recorrer.

Otro aspecto que la película destaca es el poder de las piedras de jade. Heredadas de su madre, solo Kyle ha logrado profundizar en su uso, provocando gran frustración en su hermano Zak, incapaz de controlarlas y mucho menos hacerlas funcionar. Su proceso de aprendizaje, basado en constantes fracasos, resulta bastante interesante, porque refuerza otro valor fundamental y necesario para la formación integral de nuestro novel aprendiz de mago: la constancia.

Mención especial para el pequeño (aunque también grande) Wowo. Transformado en una bolita de pelo, esta criatura bonachona de casi tres metros y que recuerda a más de un personaje de Monsters, Inc., es quien aporta el humor necesario al relato. Siempre con salidas divertidas, se roba la escena al ser eje conductor, una especie de hilo invisible que logra unir las piezas de un rompecabezas lúdico gracias a su espontánea simpatía.

“Zak & Wowo: La leyenda de los Lendarys”, de solo 85 minutos de duración, se siente fresca a pesar de algunos baches narrativos, como cortes abruptos y resoluciones intermedias poco desarrolladas. Pero no importa, porque el ritmo no se detiene y el desenlace, aunque esperable, imprime una adecuada cuota de nerviosismo y tensión a una clásica apuesta animada que logra funcionar correctamente.

Ficha técnica

Título original: Zak & Wowo, la légende de Lendarys
Año: 2024
Duración: 85 minutos
País: Francia
Compañías: Coproducción Francia-Canadá; 2 Minutes Animation, Caramel Film, Made in PM. Distribuidora: KMBO, Nashe Kino, All Rights Entertainment, Another World Entertainment
Género: Animación. Aventuras. Fantástico
Guion: Philippe Duchene, Nadege Girardot
Música: John Mamann, David Parienti
Fotografía: Animación
Dirección: Philippe Duchene, Cuvelier Jean-Baptiste