La sospecha

El secuestro de niños es un tema tremendo y además complejo de enfrentar. El director canadiense Denis Villeneuve aborda el relato desde diferentes perspectivas con el fin de situarnos y de estar permanentemente enfrentados al discernimiento que propone la acción de todos los involucrados. Durante la celebración del Día de Acción de Gracias de dos familias amigas, las hijas menores de ambos matrimonios -Hugh Jackman y Maria Bello, por un lado; y Terrence Howard y Viola Davis, por el otro- desaparecen de manera totalmente inesperada. Keller Dover -Jackman- encabeza una desesperada búsqueda que parece no conducir a nada. Solo la pista de una casa rodante y la aparición de un sospechoso abre una ventana de luz a un relato que conmueve por lo cruel y real que resulta ser.

"Prisioners" -su título original- presenta varias dualidades. Una de ellas es la forma de reaccionar ante una situación crítica y dramática por parte de las familias. La desesperación lleva a tomar decisiones no siempre afortunadas y de las que posteriormente pueden arrepentirse. Por otra parte está la justicia, esta vez encarnada por el detective Loki -Jake Gyllenhaal, en un papel que cobra protagonismo con el correr de los minutos- que en ocasiones parece atada de manos para investigar a fondo un hecho extremo. Estamos en una permanente disputa entre los sentimientos y la razón, entre lo correcto y lo incorrecto, entre lo que se debe hacer y lo que dicta el corazón. ¿Esperar la acción de la justicia o tomar justicia por las propias manos? Este es tal vez el dilema más importante de la película y es justamente Jackman, con su gran actuación, quien nos hace dudar permanentemente durante el relato. ¿Qué opción tomaríamos nosotros ante un hecho de esta naturaleza? ¿Acaso no haríamos todo lo que en nuestras manos estuviera para resolverlo? Los valores principales, ¿son transables cuando un ser amado está en peligro y estamos seguros que sabemos quién es el responsable?

“La sospecha” sostiene una tensión permanente durante sus 153 minutos. Y logra que no decaiga la atención del espectador gracias a un guión firme, una edición fluida y un relato visual que es capaz de transmitir la emoción de sus protagonistas. Denis Villeneuve encabeza un equipo de lujo y sabe sacarle partido con diálogos profundos, primeros planos que conmueven y una fotografía realista y cruda. Si a esto agregamos un tratamiento apropiado de temas moralmente complejos -sentimientos paternos, acción policial, justicia y cruda violencia-, tenemos un filme que nos mantiene en suspenso, que provoca, cuestiona y de alguna forma nos obliga a tomar posiciones durante el relato. Una historia que perfectamente podría ser real y que puede estar más cerca de lo que siquiera imaginamos.

Ficha técnica

Título: La sospecha (Prisoners, Estados Unidos/2013)

Dirección: Denis Villeneuve

Guión: Aaron Guzikowski

Fotografía: Roger Deakins

Música: Jóhann Jóhannsson

Edición: Joel Cox y Gary Roach

Diseño de producción: Patrice Vermette

Elenco: Hugh Jackman, Jake Gyllenhaal, Viola Davis, Maria Bello, Terrence Howard, Melissa Leo y Paul Dano

Distribuidora: Alfa Films

Duración: 153 minutos

Calificación: apta para mayores de 16 años con reservas

Concierto Orquesta Filarmónica de Santiago - Rimsky-Korsakov, Khachaturian, Tchaikovski

El martes 17 de diciembre de 2013, la Orquesta Filarmónica de Santiago, en el Teatro Caupolicán, cerró su Temporada de conciertos con un programa atractivo a cargo de su director residente, Jose Luis Domínguez y del virtuoso violinista Ray Chen.

El concierto comenzó con una correcta versión de la Obertura de La Novia del Zar de Nikolai Rimsky-Korsakov. Si bien la orquesta muestra en cada concierto una mayor amalgama sonora, la pobre acústica del recinto no permite jugar demasiado con los balances y colores, por lo que en grandes pasajes son los bronces los que destacan por sobre maderas y cuerdas. Pasó rápido, como calentando motores para lo que vendría y no pudimos descubrir la paleta orquestal de Rimsky-Korsakov, a pesar que tampoco es de sus obras cumbres en ese sentido. La dirección fue precisa, aunque un poco fría, tanto en entrega como en expresividad.

De inmediato nos introducimos al mundo de Aram Khachaturian y su Concierto para violín en re menor, Op. 46. De notable dificultad técnica para el solista, esta obra combina una marcada rítmica con una expresividad llena de romanticismo lo que la convierte en una pieza magistral. El joven solista, Ray Chen, demostró por qué es uno de los más talentosos violinistas de la actualidad, y tiene sin duda una prometedora carrera. Su “Stradivarious” -un lujo poder escucharlo en vivo- respondió a cabalidad las demandas de su intérprete, desde los mecánicos pasajes técnicos hasta los más bellos detalles de la exigente obra, con un sonido hermoso, equilibrado y que en ningún momento fue pasado a llevar por el gran volumen orquestal, gracias principalmente a su característico timbre. Por cierto, el lucimiento del solista fue recompensado con ovaciones al final del concierto que le obligaron a tocar dos piezas más, un lúcido y sutil Capricho 21 de Pagannini y un movimiento de la Partita 3 para violín solo de Bach, obras que coronaron una presentación brillante, llena de musicalidad y expresividad. La orquesta conducida por Domínguez acompañó muy bien el desafío, con desajustes menores en lo sonoro y en lo rítmico, los que no interfirieron en el resultado de una interpretación de gran calidad.

En la segunda parte del concierto, tuvimos la oportunidad de escuchar la Sinfonía nº 5 en mi menor, Op. 64, de Piotr I. Tchaikovski. Obra majestuosa en su concepción, esta sinfonía permite redescubrirla en cada audición. El oscuro comienzo a cargo del clarinete, da paso a sonoridades brillantes y expresivas; el solo de corno en el segundo movimiento, probablemente una de las melodías más líricas jamás escritas, es de una notable paz interior que solo es quebrada por el hilo conductor de la sinfonía; el juguetón vals de tercero, junto al brillante y virtuoso final, componen una obra preciosa, que se nutre de si misma, en un continuo mar sonoro en el que solo Tchaikovski nos puede sumergir. La versión de José Luis Domínguez y la Filarmónica fue bastante sólida y logró notables momentos emotivos. Sin dejar pasar algunos desajustes rítmicos en ataques de maderas y bronces, una afinación por momentos deficiente en las maderas y una pobre sonoridad de la cuerda baja (posiblemente aumentada por la acústica ya descrita), disfrutamos de una “Quinta” interpretada con fuerza y expresividad, donde se logró percibir el gran nivel alcanzado por la Orquesta Filarmónica de Santiago, sus solistas y filas instrumentales, junto al seguro oficio de su director residente.

Los juegos del hambre: en llamas

Esta segunda parte de la exitosa trilogía de Suzanne Collins, muy esperada por todos sus fieles seguidores, comienza a introducirnos en la vida de Katniss Everdeen -Jennifer Lawrence- y Peeta Mellark -Josh Hutcherson- luego de ganar la edición número 74 de los “Juegos del hambre” para el distrito 12. El Capitolio -poder central a cargo del Presidente Snow -Donald Sutherland-, no está tranquilo. Ve signos de rebelión en los distritos y quiere a toda costa aplacarlos. El “Tour de la victoria”, un recorrido de los ganadores por todos los distritos, podría ser una buena herramienta, sobre todo si se logra consolidar el romance entre Katniss y Peeta, que sin convencer a la mayoría, entrega una dosis de sentimiento al sufrido pueblo de Panem. No obstante, las dudas persisten y al aproximarse la versión número 75, “el Vasallaje”, Snow junto a Plutarch Heavensbee -Philip Seymour Hoffman-, el nuevo vigilante de los juegos, deciden que los “tributos” serán elegidos de anteriores vencedores, por lo que Katniss deberá nuevamente representar a su distrito.

Esta secuela tiene cambios sustantivos respecto a la primera en varios aspectos. El primero y que surge a simple vista es el cambio de director. Luego que Gary Ross no aceptara continuar, la responsabilidad quedó en manos de Francis Lawrence quien imprime a la saga un ritmo menor y un relato mucho más pausado que el de la primera versión. Con una fotografía mucho más oscura y un metraje más denso, esta segunda parte se inclina más por la historia y los diálogos que por la acción. El guión da por supuestos muchos elementos que, si no estamos atentos o carecemos de ayuda, podrían complicar el cabal entendimiento de la trama que soporta la película. No basta conocer a los principales personajes, pues la cinta agrega elementos que no necesariamente estaban descritos en la primera sino que otros simplemente se dan por sabidos y carecen totalmente de un desarrollo apropiado. Pasa por ejemplo con el personaje de Gale -Liam Hemsworth-, cuya importancia en el relato solo se vislumbra al comienzo para luego pasar directamente al congelador.

“En llamas” profundiza la temática del Imperio sobrepoderoso contra un pueblo totalmente oprimido. La fuerza y acción militar no tiene contrapeso. El Capitolio puede detener, decidir, apresar y matar a cualquiera sin dar ninguna explicación. Y esta forma bárbara de actuar, similar a cualquier dictadura, no puede tener sino una sola forma de oposición: la rebelión de las masas, con sus símbolos y sus líderes. La cinta vuelve a poner en relieve este “Circo Romano” que son los “Juegos del hambre”. No solo es una competencia despiadada y sin sentido. Es el mayor show televisivo de Panem, donde se concentran las miradas de todo el mundo y donde cobra vida la manida frase de los gobiernos autoritarios: “circo para el pueblo”.

Tal vez podríamos escribir mucho más sobre esta cinta y su temática, sin embargo gran parte de ello está en el análisis de la primera entrega. Sorprende encontrarnos con un guión más débil, menos desarrollado, con un tratamiento del relato fraccionado y que se cae en varios momentos. En general no logra sostener un ritmo creciente y ello hace que los 146 minutos de duración se hagan extensos, perdiendo la oportunidad de seguir un hilo conductor más concreto y preciso, basado en los valores y antivalores presentes por doquier. Desde el punto de vista de la producción, mantiene un notable nivel, no obstante hubiéramos esperado una mejor escenografía y una fotografía mucho más cuidada. La cinta seguramente dejará contentos a sus seguidores, sin embargo queda al debe desde el punto de las expectativas generadas dado el éxito de su primera entrega. Y esto es algo no menor, tomando en cuenta que la tercera parte -Sinsajo- ya se anuncia dividida en dos películas, porque si quiere mantener el éxito de la saga será muy necesario dotarla de más relato, de más historia, es decir, en síntesis, de más cine.

Ficha técnica

Titulo Original: Hunger Games: Cathing Fire

Distribuidor: BFD

Calificación: 14

Duración: 146 minutos

Género: Acción, Aventura y Ciencia Ficción

Año: 2013

País: EEUU

Elenco: Jennifer Lawrence, Josh Hutcherson, Liam Hemsworth, Elizabeth banks y Sam Claflin.

Director: Francis Lawrence

El Ciudadano Kramer

Stefan Kramer posee un talento increíble no cabe duda. A sus naturales dotes de imitador, suma una creatividad y eficacia que hacen admirable su trabajo. Y cuánto trabajo hay al realizar una película prácticamente actuada sólo por él mismo, interpretando a un sinnúmero de figuras públicas, políticas y de la farándula, y sosteniendo 100 minutos de metraje. ¡Mucho, sin duda! Kramer es un observador agudo de la realidad. Acentúa y en muchos casos exagera cada gesto, cada palabra y tono de voz de sus personajes, al punto de recrearlos con una singularidad que ya le es propia. Y esta vez, en su segunda cinta, Kramer sigue absolutamente fiel a su estilo.

Stefan Kramer -él mismo, la persona real, el ya famoso imitador- ha cumplido un ciclo con su espectáculo y siente que deber renovarse, encontrar un nuevo show para reencantarse y reencantar a su público. Busca ideas sin dar con un camino claro, hasta que una conmovedora visita de Iván Fuentes -una de las caracterizaciones de las más logradas- le hace ver que la política podría ser la fórmula a explorar. Junto a sus fieles colaboradores -Arturo y el "negro"- Kramer emprende el desarrollo de un nuevo montaje ("Gobernar es un show), donde aprovecha la campaña presidencial para promoverlo, llegando a confundir a tal grado los papeles que termina convirtiéndose en un candidato ciudadano, aclamado por las multitudes y odiado por toda la clase política del país.

La cinta transcurre lentamente entre la suma de imitaciones y las apariciones de personajes reales que participan como ellos mismos en la historia. Kramer se apoya en su familia y en su esposa -Paloma Soto en la cinta y en la vida real- para dar vida a un guión, que aunque más elaborado que el de su predecesora, naufraga dada su evidente debilidad, una fragilidad que, al no tener un hilo conductor claro, carece de los elementos básicos que permiten contar una buena historia. Nuevamente nos vemos en presencia de una suma de muy buenos momentos de humor -algunos realmente jocosos-, cuadros y escenas que se juntan para armar un show televisivo más que una película propiamente tal.

No obstante lo descrito, "El Ciudadano Kramer”, a diferencia de “Kramer vs Kramer”, intenta entregar un mensaje un poco más elaborado. O varios mensajes, tal vez, que podríamos clasificar de varias maneras según las propias lecturas. No estoy seguro si se trata de farandulizar la política, politizar la farándula o solo reírse de la contingencia, pero se acerca de alguna manera a esos conceptos y nos muestra algunos caminos carentes de sentido, donde la imagen y el éxito es lo importante y las verdaderas causas quedan abandonadas en el camino a la espera de tener una real oportunidad de expresión. Es sabido que gracias al humor podemos tomar el pulso de la realidad, y si hacemos esa lectura, me arriesgo a pensar que tenemos que tomar urgente conciencia de lo que estamos enfrentando como sociedad chilena en estos momentos, ad portas de un nuevo ciclo político, cultural y social.

Ficha técnica

Titulo Original: El Ciudadano Kramer

Distribuidor: FOX

Calificación: TE

Duración: 100

Género: Comedia - Humor

Año: 2013

País: CHILE

Elenco: Stefan Kramer, Paloma Soto, Carolina Paulsen

Director: Stefan Kramer/Javier Estévez

Jobs

Esta cinta dirigida por Joshua Michael Stern, cuenta una parte de la vida de Steve Jobs, fundador de Apple Computers, un visionario emprendedor que redefinió y cambió el mundo de la tecnología y de la computación personal, junto con modificar nuestra forma de relacionarnos con los dispositivos digitales. Es difícil separar la película de la historia, sobre todo para quien escribe estas líneas, pues soy usuario Apple desde 1987, es decir desde hace 26 años. Aprendí computación gracias a un Macintosh Classic y los "Mac" me han acompañado fielmente desde entonces, razón por la cual pudiera no ser muy objetivo en ciertos aspectos. Expuesto lo anterior, intentaré comentar esta cinta tanto desde la perspectiva cinematográfica como también desde el personaje al que esta historia le da vida.

Jobs -Ashton Kutcher en una personificación bien lograda y que por momentos parece revivir- fue un hombre controvertido desde el comienzo. Rebelde de las formas y a la vez amante de ritos, descubrió muy temprano que su futuro no eran los estudios sino los negocios. Su inigualable pasión por la perfección y la funcionalidad, junto a su búsqueda permanente de la belleza, configuraron una personalidad obsesiva y egocéntrica que en más de una ocasión le generó incontables problemas. En ese sentido, esta película retrata mucho más al Jobs del día a día, aquel capaz de despedir a alguien espontáneamente o gritonear a medio mundo, que el genio al que muchos tal vez idealizaron y vieron en él sin conocer la historia más a fondo. El guión permite aquello, justamente al elegir un periodo de tiempo que va desde sus abandonados estudios universitarios hasta el lanzamiento de una de las mayores revoluciones nacidas en Apple y que cambió la industria musical: el primer iPod presentado en el año 2001.

Sin duda estos años no fueron sencillos para Steve Jobs. Funda Apple, crece con la compañía y crece su fortuna, es relegado primero y luego despedido por su propio directorio debiendo emprender nuevos rumbos y vuelve finalmente para recomponer su empresa con una visión y una pasión pocas veces vista. El metraje por momentos se oscurece y los diálogos no son del todo fluidos. Es que hay mucho que contar, mucho contenido importante y la decisión de qué se debe mostrar se hace ciertamente difícil. Hay temas técnicos, económicos, ideas, desarrollos, relaciones, etc. A la vez, hay otras escenas que son realmente luminosas y épicas, como los lanzamientos de productos innovadores y cautivantes, reuniones de equipos creativos y todo ese ambiente que de alguna manera rodea de misterio y admiración el trabajo de Apple.

Los momentos emotivos también son importantes y destacados en la cinta y están referidos al "otro" Steve -Wozniak, “Woz”, co-fundador de Apple-, en una entrañable caracterización de Josh Gad, a los primeros colaboradores de la compañía y por cierto a Lisa, hija de su primera relación amorosa, a quien Jobs también abandona, siguiendo inconscientemente a sus propios padres que le habían dejado en adopción recién nacido.

Podría escribir mucho más de esta cinta y sería más bien escribir sobre la historia de Steve Jobs. La biografía de Walter Issacson es por lejos la mejor referencia al respecto y les animo a leerla. Por ello, y haciendo un esfuerzo para centrarme en la realización cinematográfica, veo que estamos ante un buen trabajo tomando en cuenta el poco tiempo invertido, bien filmado, con actuaciones capaces de convencer -en especial la caracterización de Kutcher- y que logra, al menos en mi opinión, retratar al quien logró conectarnos con la tecnología, haciéndonos "pensar diferente".

Ficha técnica

Titulo Original: JOBS

Distribuidor: BFD

Calificación: TE

Duración: 129 minutos

Género: Acción - Drama

Año: 2013

País: EEUU

Elenco: Ashton Kutcher, Josh Gad, James Woods, Dermot Mulroney y J.K. Simmons

Director: Joshua Michael Stern

Concierto Orquesta Filarmónica de Santiago - Debussy, Prokoffiev y Stravinsky

El martes 3 de diciembre de 2013, la Orquesta Filarmónica de Santiago se trasladó al Teatro Caupolicán para su Concierto de Temporada producto del incendio ocurrido semanas antes en el principal recinto de calle San Antonio. El programa en esta ocasión contaba con el debut del joven director chileno Paolo Bortolameolli y la participación de la pianista lituana Muza Rubackyté.

El concierto comenzó con el “Preludio a la siesta de un fauno” de Claude Debussy, una obra llena de colores e imágenes, con impresiones descritas como pinceladas en una fina tela sonora. Desde el solo inicial de la flauta -excelente sonido y expresión de Eduardo Pereda-, la paleta orquestal diseñada por Debussy solo se vislumbra debido a una acústica indudablemente poco adecuada para apreciar los sutiles cambios dinámicos y los enlaces tímbricos de los solistas. Tampoco colabora al vuelo de la obra una versión en exceso cadenciosa, en la que cada compás pareciera esperar su propia definición en el siguiente, fragmentando la pieza y cortando la fluidez del discurso.

La segunda obra presentada fue el tercer concierto para piano de Sergei Prokoffiev. La solista, de forma sencilla, lució un virtuosismo no exento de dificultades y una musicalidad grácil. No obstante dificultades de balance -el piano era por largos pasajes superado por el volumen orquestal- y algunos desajustes rítmicos principalmente en los ataques y comienzos de frases, orquesta y solista sacaron a relucir el genio del compositor en una versión más motora que expresiva.

Finalizó el programa con una nueva versión de la ya centenaria “Consagración de la Primavera” de Igor Stravinsky. A pesar de la gran cantidad de interpretaciones, esta obra magistral se abre paso cada vez para mostrarse nueva, inquieta y juvenil, considerando la gran dificultad técnica que entrega como desafío a cada familia instrumental y por cierto a quien la dirige. Bortolameolli condujo a la Filarmónica sin partitura -lo que es un desafío mayor aunque sin duda constituye una ventajosa conexión con los músicos- logrando por momentos notables efectos en especial con bronces y percusión. 

Lamentablemente la acústica no contribuyó para apreciar dinámicas -aquellas más sutiles- y colores de instrumentos que no siempre tienen una participación destacada en los grandes tuttis orquestales como la flauta en sol y el contrafagot. En un evidente desequilibrio, la cuerda no pudo nunca contrarrestar la fuerza de los metales y las maderas -literalmente al medio de ambos grupos- tampoco pudo brillar como corresponde. La versión que escuchamos, rítmicamente correcta, se inclinó más por la certeza de la unidad que por la expresión de una fuerza interior que busca permanentemente desalojar una tensión contenida desde el agudo solo de fagot del comienzo. Algo angulada y con muchos cortes abruptos, la gestualidad de Bortolameolli imprimió potencia y audacia a una obra que también necesita de una pausa reflexiva, como contraste al motor rítmico que la constituye, momentos en que la dirección pareció más liviana y carente de la profundidad expresiva requerida. En síntesis, una joven versión -no brillante-, con una Orquesta cada vez más afiatada y compenetrada, que marca el debut Filarmónico de un talentoso director que sin duda tendrá muchos desafíos por delante con una exitosa carrera.

Séptimo

Esta cinta del director Patxi Amezcua desarrolla un thriller de suspenso ambientado en la ciudad de Buenos Aires. Sebastián -un requerido abogado interpretado por el siempre sólido Ricardo Darín- recoge a sus hijos, Luna y Luca, en el departamento de su ex mujer Delia -Belén Rueda- para llevarlos a la escuela. Y como es habitual, repite el juego de todos los días donde ellos bajan por las escaleras y él por el ascensor. Sin embargo, esta vez Sebastian llega primero y los niños no aparecen. Algo sucede, han desaparecido sin rastro, a pesar de buscar intensamente en el edificio. Puede ser un secuestro, la policía se pone en marcha y la agenda en tribunales del abogado sencillamente queda postergada.

Darín le da a la cinta un importante peso dramático. Su interpretación entrega múltiples gestos y transmite emociones con cada plano y en cada escena. De alguna forma la cinta se sostiene en él, y todo lo demás gira en torno a ello. Belén Rueda, en mi opinión, entrega un papel más débil, con poca conexión con Darín y tal vez con un compromiso emocional menor al esperado por sus trabajos anteriores como por ejemplo en "Los ojos de Julia". El modo de filmar sin duda ayuda a generar un contexto de inseguridad y vulnerabilidad que la cinta aprovecha en su desarrollo. Cámaras cercanas, primeros planos bien logrados, giros y quiebres inesperados, dan movilidad a la acción. No obstante, el metraje avanza por diferentes caminos y por momentos da la impresión que se inmoviliza. La duda se siembra y cala profundo. El conserje, el policía que habita en el edificio, los litigantes del juicio, etc. Todos pueden ser culpables y la desesperación de los padres aumenta en la medida que las incógnitas son mayores que sus respuestas.

"Séptimo" es una buena película, cumple con lo que propone, poniendo sobre la mesa un tema no menor que es el secuestro y las acciones que un padre es capaz de hacer por sus hijos, su tesoro más preciado, tal vez transando para ello sus valores fundamentales. Las sospechas y la falta de confianza dan al relato una tensión permanente, un suspenso que tal vez aún atrapando al espectador, alarga demasiado su punto de clímax y se desdibuja hacia el desenlace.

Ficha técnica

Titulo Original: Séptimo

Distribuidor: FOX

Calificación: TE+7

Duración: 90 min.

Género: Thriller

Año: 2013

País: Argentina y España

Elenco: Ricardo Darín, Belén Rueda, Luis Ziembrowski, Osvaldo Santoro y Manuel Callau.

Director: Patxi Amezcua

La noche de la expiación

Este thriller parte de una premisa futurista. Corre el año 2022 y Estados Unidos presenta unas cifras que asoman impresionantes. El desempleo es cercano al 1%, la delincuencia está en su nivel más bajo y la economía crece año tras año. ¿Qué han hecho para conseguirlo? Los nuevos "padres" de la patria, los re-fundadores de la nación, los llamados "Nueva Fundación de los padres de América", han implementado doce horas al año donde los crímenes son legales, incluso los asesinatos. A esta noche le llaman "The Purge" (la purga) y consiste en plena libertad para que la población libere el odio acumulado en 12 meses y se exprese en una catarsis colectiva de magnitudes no dimensionables, donde no funcionan los servicios de urgencia ni la policía. Según se entiende, es justamente esta "limpieza" anual la que ha logrado combatir con éxito la pobreza, la marginación y la desigualdad y ha dotado a esta renacida nación con posibilidades de desarrollo impensadas.

Una familia acomodada, los Sandin, que vive en un exclusivo condominio y cuyo padre James -Ethan Hawke- es un exitoso encargado de la venta de sofisticados sistemas de seguridad, se transforma en una víctima de las mismas reglas del juego cuando son amenazados por un grupo que busca su objetivo de expiación en un vagabundo que se ha encerrado en la casa gracias a que Charlie -Max Burkholder-, el hijo menor del matrimonio, compasivamente le ha abierto la puerta de su fortaleza.

Desde el punto de vista sociológico y valórico, esta película tiene varios temas que analizar. Uno de ellos es la reflexión sobre cuán dañada puede estar una sociedad para instaurar una "auto limpieza" legal que por una parte extermine aquello que no queremos ver de nuestra sociedad y a la vez sea cauce de una premisa también asumida por el filme: la violencia intrínseca de los seres humanos. Otro aspecto es el trastoque absoluto de los valores. Una medida de este tipo discrimina aún más la sociedad. Siempre serán los más ricos quienes puedan defenderse y también atacar a los más desposeídos, quienes desde su posición sólo aspirarán a conservar su vida en un desigual campo de batalla. Sumamos a estos aspectos fundamentales la presencia de valores universales que son mostrados en contraposición. Vemos la inocencia de Charlie, quien no comprende aún el por qué de esta purga y se conmueve ante el clamor de un pedido desesperado de ayuda; las dudas de sus padres al respecto, especialmente de la madre, Mary -Lena Headey -, su instinto de protección y supervivencia; la indiferente posición de su hermana adolescente Zoey -Adelaide Kane-, que se margina hasta vivir en carne propia las consecuencias de una sociedad que claramente ha virado su rumbo; junto con el valor de la familia y su unidad, que a mi modo de ver es finalmente el centro, lo más importante y sagrado de defender, incluso posiblemente a costa de concesiones y sacrificios.

La película es interesantísima. Propone una temática que no nos deja indiferentes y entrega un punto de vista claro y directo. DeMonaco filma fuerte, las escenas son en extremo violentas y entregan un marco de mucho realismo a los 82 minutos de metraje. Los actores son convincentes en sus papeles y los efectos especiales están todos al servicio de un guión muy bien armado que va de menos a más en dramatismo y tensión. En suma, una película que sobresale del resto en su género y que además nos aporta claves de discusión sobre la sociedad “moderna” que estamos construyendo. Es de esperar que no sea ya muy tarde para poder enmendar el camino.

Ficha técnica

Titulo Original: The Purge

Distribuidor: ANDES FILMS

Calificación: 18

Duración: 82 minutos

Género: Thriller

Año: 2013

País: Estados Unidos

Elenco: Ethan Hawke, Lena Headey, Max Burkholder, Adelaide Kane, Rhys Wakefield,Edwin Hodge, Tony Oller, Tom Yi, Tyler Jaye, Alicia Vela-Bailey y John Weselcouch.

Director: James DeMonaco

El abogado del crimen

Ridley Scott vuelve a escena con este drama sobre el narcotráfico y el lado más oscuro y brutal de los carteles involucrados en el negocio de la droga. Con un reparto estelar (Michael Fassbender, Brad Pitt, Penélope Cruz, Javier Bardem y Cameron Diaz), Scott lleva a la pantalla un guión original de Cormac McCarthy -"Sin lugar para los débiles", "La Carretera"- quien imprime a la cinta una gran profundidad literaria.

El abogado -Fassbender- es el protagonista de la historia. No conocemos su nombre, sólo su profesión y que da origen al título original del relato. Su pareja es Laura -Cruz-, una atractiva mujer de la que está profundamente enamorado. Su socio es Reiner -Bardem-, magnate de la droga y que lleva una vida de lujos y excesos junto a su pareja Malkina -Diaz-. Un quinto actor es el vaquero Westray -Pitt-, tan enigmático como práctico, quien parece mover los hilos de todo lo referente al negocio.

El guión es interesante. La historia se va presentando fragmentada y desde muchos ámbitos, como quien va armando un puzzle pieza por pieza, agregando elementos, recuerdos, personajes, acción e intriga. Sin embargo, su extensión y exceso descriptivo en largos pasajes, hacen que el relato caiga en ciertas lagunas difíciles de sobrellevar a pesar del oficio de Scott y el natural talento de sus actores. La filmación es cruda, impacta en algunas escenas con su realismo y las cámaras están siempre ubicadas en muy buena posición para hacernos parte de la acción. No obstante este notable cuidado, es en los relatos, las conversaciones y en la filosofía poética donde la cinta puede tener su mayor valor y también su mayor debilidad. Es como mezclar dos mundos, dos lenguajes diferentes y hacerlos convivir forzadamente. Uno prima sobre el otro, y en este caso el que pierde es el lenguaje del cine y su desarrollo, pues el relato resulta tan fragmentado que dificulta el ritmo y la fluidez de la historia.

"The counselor" tal vez puede decepcionar un poco a primera vista tomando en cuenta el reparto estelar y su director, sin embargo no es, por lejos, una mala película. Irregular, podríamos decir, porque genera mayores expectativas de las que finalmente cumple, y es, de todas maneras, una muestra oscura, cruda y realista del narcotráfico. Un trabajo delicado, bien filmado, pero que no entusiasma mucho sobre todo viniendo de un director que se ha caracterizado por épicas cintas logradas con el excelente manejo de la tensión creciente. Podríamos decir que es mucho más literatura visual que un drama cinematográfico, lo que no es poco, aunque de todas formas finalmente quede un poco "al debe".

Ficha técnica

Titulo Original: The Counselor

Distribuidor: FOX

Calificación: 14

Duración: 124 min.

Género: Comedia - Drama

Año: 2013

País: Estados Unidos

Elenco: Michael Fassbender, Brad Pitt, Penélope Cruz, Javier Bardem y Cameron Diaz.

Director: Ridley Scott

Cacería macabra

“You're Next”, (tu eres quien sigue), no es solo una clásica película de terror a la que meridianamente estamos acostumbrados dentro del género. Cumple con todas sus características principales -aunque en un comienzo podemos pensar que abusará de los efectos y sustos a la audiencia- y lo hace bien. Sin embargo, no es ello lo que más destaca en esta cinta del director Adam Wingard, sino lo que sorprende realmente es una variante de lo típico que es una dosis de humor negro que está presente a lo largo de sus 95 minutos.

Los Davidson, una adinerada familia, decide celebrar su aniversario de matrimonio en la casa de campo invitando a sus cuatro hijos junto a sus parejas. Por cierto, el comienzo es confuso y tal vez bastante lento ya que la película se da tiempo de mostrar a sus personajes, aunque sin explicar mucho los detalles. Los hermanos no se llevan bien, lo que es un dato de la causa, y en medio de una discutida velada, la familia es atacada ferozmente por enmascarados desconocidos quienes desatan un caos total y una violencia tremendamente brutal.

Hasta allí, una trama clásica de terror. Sin embargo, junto con comenzar la acción destinada a todos los fanáticos del género -porque baños de sangre, mutilaciones, y muertes hay para todos los gustos- la película incorpora pasajes de ironía e ingenio que permiten desalojar la tensión que provocan sus fuertes escenas. Y allí, es justamente Erin -Sharni Vinson-, la novia de Crispian, uno de los hermanos, quien se roba la película actuando como la heroína del relato y asumiendo un papel protagónico, rara vez entregado a una mujer en este tipo de cintas.

“Cacería macabra”, su traducción al español es interesante, tiene giros notables en la historia -algunos predecibles y otros que realmente esperamos pero no sabemos cómo van a llegar- y es finalmente entretenida a pesar de su exagerado dramatismo. Y gracias a su negrísimo humor, sostenido hasta el último segundo, destaca un nivel por sobre el promedio y la hace recomendable para los fans del cine de terror -claramente mayores de 18 años-, y para quienes no les molesta la violencia gráfica y explícita en el cine

Ficha técnica

Titulo Original: You're Next

Distribuidor: Diamond Films

Calificación: 18

Duración: 95 minutos

Género: Terror

Año: 2011

País: EEUU

Elenco: Sharni Vinson, Rob Moran, Ti West, Barbara Crampton y Wendy Glenn.

Director: Adam Wingard

Capitán Phillips

“Capitán Phillips”, basada en el libro “A captain's duty”, escrito por Richard Phillips, es una historia real. Al mando del buque de carga MV Maersk Alabama, el capitán Richard Phillips -Tom Hanks, en un gran papel- y su tripulación se ven enfrentados al ataque de piratas somalíes mientras transportan su carga por el océano Índico en el año 2009. La banda de piratas liderada por Abduwali Muse -Barkhad Abdi- logra abordar el barco, sin embargo no se les hace nada fácil tomar el control de la situación gracias a las estrategias de defensa del capitán y al trabajo en equipo de su tripulación.

La cinta de Paul Greengrass está cargada de gran tensión dramática gracias a un guión muy bien concebido y al gran manejo que el director tiene de los detalles. El relato va de menos a más, crece en intensidad a medida que pasan los minutos, y no pierde su sorpresa. A pesar que la historia es lineal y de alguna manera previsible, el director se encarga de transmitirnos permanentemente la incertidumbre con un sólido manejo de cámaras, una excelente iluminación, una música apropiada y la colaboración de todos los actores liderados por Hanks y Abdi.

Son muy interesantes las diversas temáticas destacadas en esta cinta. El tema de la creciente piratería y su origen, quiénes la llevan a cabo -que también son mostrados como víctimas de un sistema de abusos y pobreza-, la inseguridad que los ataques provocan en la tripulación de los barcos y la templanza de un líder que no tranza sus valores y principios, y que está dispuesto a defender, hasta con su propia vida, a los suyos. La política y las operaciones militares a gran escala para evitar problemas internacionales, también están presentes en la cinta de un modo claro y también violento. Hay diferentes posiciones y diversos cristales para medir el impacto de acciones de este tipo, desde un sencillo ataque pirata hasta la poderosa defensa militar que aquello origina.

Tom Hanks es probable que esté ya en carpeta para ganar premios por su gran actuación en esta cinta. Y probablemente también su director, Paul Greengrass, quien hace un excelente trabajo de filmación al recrear esta historia. Sin embargo, a modo de ver, el mayor valor de esta película es poner de manifiesto un problema que no necesariamente está a la vista de todo el mundo y que tiene relación con el transporte marítimo, su seguridad y todo aquellos elementos que rodean una actividad comercial que es clave para todo el mundo.

Ficha técnica

Titulo Original: Captain Phillips

Distribuidor: ANDES

Calificación: TE+7

Duración: 134 minutos

Género: Drama

Año: 2013

País: Estados Unidos

Elenco: Tom Hanks, Catherine Keener, Max Martini, Michael Chernus y Chris Mulkey.

Director: Paul Greengrass

Chicas armadas y peligrosas

Esta cinta del director Paul Feig junta a la agente especial del FBI Sarah Ashburn -Sandra Bullock- con una policía de Boston llamada Shannon Mullins -Melissa McCarthy-, en una poco usual combinación cuya misión es desbaratar una banda narcotraficante.

La trama es bastante simple y esta comedia de acción no tiene mayor cuerpo a su haber Es divertida, es cierto. Hay situaciones jocosas pero nada que destaque demasiado a lo largo de sus 119 minutos. A pesar de un guión predecible y que es más una suma de situaciones, la cinta puede tener un pequeño pie en las personalidades de ambas protagonistas. Por un lado Ashburn tiene una personalidad obsesiva y rigurosa lo que emocionalmente no le permite establecer lazos afectivos con sus colegas. Por el otro, Mullins es especialmente malhumorada y de temperamento cambiante lo que tampoco ayuda a mantener sus amistades. Sus historias son muy diferentes, y cuando comenzamos a entreverlas, la película sigue su curso sin mayor atención.

Esta pareja dispareja, equipo forzado y claramente incompatible, funciona solo gracias a la química entre Bullock y McCarthy. La primera aporta ese carácter que ya le conocemos y la segunda una simpatía y espontaneidad que es capaz de distender ambientes y mantener el tono de comedia de la cinta.

Ficha técnica

Titulo Original: The Heat

Distribuidor: FOX

Calificación: 14

Duración: 119 min.

Género: Acción y Comedia

Año: 2013

País: Estados Unidos

Elenco: Sandra Bullock, Melissa McCarthy, Kaitlin Olson, Taran Killam y Thomas F. Wilson.

Director: Paul Feig