Esto es guerra

Hay veces que al ver el trailer de una cinta se adivina por completo y es este el caso. Dos agentes de la CIA -Chris Pine y Tom Hardy-, muy hábiles y muy amigos comparten todo. Están dispuestos a dar la vida el uno por el otro. Sin embargo pasa lo predecible: se enamoran de la misma mujer -Reese Witherspoon-, bajo circunstancias muy distintas claro está, comenzando así todos los problemas.

La cinta entretiene con escenas de acción, romance y comedia que no requieren demasiada elaboración. La trama es sencilla. Tan simple que la pregunta es siempre de qué manera se resolverá el predecible conflicto o la adivinable solución. El carisma de los dos protagonistas juega a favor. Mucho más que la poco afortunada actuación de Witherspoon quien no convence en un rol muy liviano.

La trama de espías, la amenaza enemiga y los conflictos familiares de uno de los agentes ceden espacio a secuencias de persecuciones, citas interrumpidas y zancadillas permanentes entre los dos amigos que en la mayoría de los casos terminan mal. Al menos el final no es predecible -o tal vez si, depende del punto de vista- pues se mantiene en suspenso hasta el epílogo del metraje quien será elegido por esta moderna princesa.

Ficha técnica

Título Original: This Means War
Distribuidor: FOX
Calificación: TE
Duración: 98 min
Género: Acción /Comedia/Romance
Año: 2012
País: EEUU
Elenco: Tomas Hardy, Abigail Spencer, Chris Pine, Reese Whiterspoon.
Director: McG

Los juegos del hambre

Basada en la primera parte de la exitosa trilogía "The Hunger Games" de Suzanne Collins, cuenta la historia de Panem, una nación del futuro que fue devastada por la guerra y que ha quedado dividida en doce distritos marginados y gobernados por el gran poder del "Capitolio". Sus habitantes son sometidos por las autoridades a permanecer en sus distritos sin ningún beneficio, sin libertad. Son verdaderos campos de concentración pues sólo en la ciudad principal los ciudadanos tienen reales derechos. Para no olvidar los "tiempos oscuros" cada año se celebran "Los juegos del hambre", una descarnada lucha entre 24 jóvenes, un hombre y una mujer de entre 12 y 18 años por cada distrito. Sólo hay un ganador, es decir, para triunfar es necesario mantenerse a salvo de los peligros que acechen el campo de acción llamado "la arena" y eliminar -matar- a los rivales. En esta edición numero 74 de "los juegos", los "elegidos" para representar al distrito 12 son Peeta Mellark y Primrose Everdeen. Katniss Everdeen -Jennifer Lawrence- una joven de 16 años, se ofrece de voluntaria para reemplazar y salvar a su hermana Primrose, quien ciertamente estaría condenada a una muerte segura por tener solo 12 años. "Los juegos" son transmitidos en directo por la televisión, hecho que los convierte en el mayor show televisivo de Panem, un verdadero Circo Romano del futuro.

La cinta ofrece un relato intenso. Temas como la pobreza extrema, la opresión, la esperanza y el romance se entremezclan en la historia. La violencia, la falta de libertad y los privilegios de algunos por sobre otros, junto a la exclusión y la marginación de una gran parte de la población conforma un escenario oscuro, desilusionante y desesperanzador. Las cartas están jugadas y todos los "tributos" -así llaman a los representantes de los distritos- ya están listos para la batalla que se avisora cruel y sin tregua. Sin embargo, ante tan magra realidad, surge la esperanza. Y nace desde el amor y el gran instinto de supervivencia de la protagonista, quien inicia un camino sin retorno donde sólo hay dos opciones: ganar o morir.

La historia entrega una oportunidad privilegiada para reflexionar gracias a varios elementos que la componen. Dentro del guión, destaca primero el grado de violencia al que obligan "los juegos". ¿Estos sacrificios inhumanos en nombre de la memoria de un pueblo, del sometimiento o de su diversión, tienen lógica o un real sentido? Un segundo elemento a destacar es la manipulación llevada a cabo por un espectáculo televisivo de alcance global. En realidad, "los juegos" no son más que un "Reality Show extremo" -nos recuerda la excelente "The Truman Show"- donde no se gana fama ni dinero sino que se lucha por la vida, el bien más preciado. Un tercer elemento a destacar es la represión de las masas, el autoritarismo de un gobierno que tiene todo el poder y de quien depende la vida y el actuar de las personas. En ese sentido, "los juegos" tal vez abren un horizonte: ¿Qué futuro tenemos si no logramos detener a tiempo la violencia que nos lleva a matarnos entre hermanos y a destruir nuestro planeta? ¿Es necesario llegar a extremos como los que da cuenta el relato?

Esta película posee un excelente nivel de producción, cuidada fotografía y una edición muy fina. Aunque algo extenso, el metraje lleva la tensión de manera apropiada y las pausas se ajustan a la necesaria distensión. La mano certera del director Gary Ross permite desplegar un complejo escenario natural con gran cantidad de elementos y distractores sin perder el foco central de la trama. Si bien la construcción de personajes no es del todo equilibrada, destaca la actuación de Jennifer Lawrence, quien es capaz de sostener la historia con aplomo y seguridad. Mención especial para el mentor de los jóvenes Haymitch, interpretado por Woody Harrelson, un personaje que alguna vez ganó "los juegos" para el distrito y para el todopoderoso presidente Snow representado por Donald Sutherland. Los efectos especiales no se notan -algo que es clave en una buena producción- y la música apoya perfectamente cada secuencia.

"Los juegos del hambre" es interesante. Está bien hecha, bien producida y bien relatada. Es atractiva en la forma y en el fondo, algo que no muchas cintas de ciencia ficción y aventuras logran por estos días. Que sea para mayores de 18 años puede ser exagerado tal vez. Es cierto, contiene violencia y bastante, pero no más que la mostrada por los noticiarios policiales u otras series y programas que se emiten en horarios reservados "para adultos", donde gran parte de la audiencia es menor de edad. Y este es otro tema interesante para reflexionar, pues la delgada línea de la definición de criterios en ocasiones nos provoca dudas o sorpresas que no logramos comprender del todo.

Ficha técnica

Título Original: The Hunger Games
Distribuidor: Diamond
Calificación: 18
Duración: 143 min
Género: Aventura, fantasía.
Año: 2012
País: EE.UU
Elenco: Jennifer Lawrence, Josh Hutcherson, Liam Hemsworth, Wes Benttley, Stanley Tucci, Willow Shields.
Director: Gary Ross

Secretos de estado

Stephen Meyers -Ryan Gosling- trabaja junto al gobernador demócrata de Pensilvania, Mike Morris -George Clooney- candidato a las primarias del partido. Meyers es joven e idealista y está convencido que Morris ganará las primarias si consigue vencer en el estado de Ohio. Paul Zara -Philip Seymour Hoffman- es el director de la campaña y juntos hacen una dupla política de peso. Tom Duffy -Paul Giamatti-, es el jefe de la campaña del otro pre-candidato y desplegando todas sus estrategias, ofrece a Meyers un puesto importante en el bando contrario. Ya podemos vislumbrar, con estos antecedentes, el complejo mundo de la política en el que se mueven los protagonistas de esta historia.

"The ides of march" su título original en inglés, se refiere a la fecha del 15 de marzo y que corresponde al día de la primaria en Ohio. Tal vez no es tan relevante, sin embargo si tiene un significado más profundo que la propia película se encarga de relevar. Se trata de un augurio: algo sucederá en esa fecha y se debe estar alerta.

Tratándose de política, sin duda nos encontramos con todos los ingredientes -ciertos o no, generalizados o no- de la actividad. Lealtad, traición, mentiras, verdades, valores, integridad, amistad e idealismo, entre otros, van construyendo un relato sinuoso, donde cada paso se da en sigilo, calculadamente, pues un error se puede pagar muy caro. La juventud y cierta inocencia de Stephen contrasta con la experiencia de Paul y Tom en estas lides electorales lo que marca una diferencia importante al momento de avanzar hacia los objetivos. El viejo adagio de "el fin justifica los medios" se vuelve presente y la ley del "todo vale" pasa a ser norma general, por cierto dejando de lado consideraciones humanas, valóricas y personales.

"Secretos de estado" como fue traducida en Chile es una cinta bien construida. Tiene suspenso, tensión y actuaciones convincentes. Está correctamente dirigida por el mismo Clooney quien imprime un tono cadencioso al relato, a los personajes y a la acción. Este drama que enfrenta ideales con corrupción y finalmente a la política con la moral, resulta interesante de comienzo a fin gracias a un ágil guión y a una excelente puesta en escena. Sólo queda mantener la esperanza en la política pues no todo es tan perverso y sucio como parece y por cierto no todas las personas que ejercen la actividad son blancas palomas.

Ficha técnica

Titulo Original: The ides of march
Distribuidor: BFD
Calificación: 14
Duración: 101 min
Género: Drama
Año: 2012
País: EEUU
Elenco: Ryan Gosling, George Clooney, Paul Giamatti, Philip Seymour Hoffman, Marisa Tomei, Evan Rachel Wood, Michael Mantell, Jeffrey Wright , Max Minghella, Jennifer Ehle, Gregory Itzin, Maya Sayre.
Director: George Clooney

Joven y alocada

Esta cinta, la primera de la directora Marialy Rivas, narra la historia de Daniela -Alicia Rodríguez-, una joven de 17 años que vive en el seno de una conservadora familia evangélica y que se encuentra enfrentada a los naturales cuestionamientos existenciales y la búsqueda de su sexualidad, temas muy propios de dicha edad. Daniela tiene un diario de vida virtual, un blog público llamado "Joven y alocada", donde expresa su verdadero yo, su intimidad sin límites y donde da rienda suelta a su creciente rebeldía interior. Sus definiciones, personalísimas por cierto, son tajantes a través de este medio y los comentarios de sus seguidores no se hacen esperar siguiendo la misma línea. El fondo de esta película es el drama que vive su protagonista, sus deseos, sueños y frustraciones y la complejidad de relaciones con las que convive a diario.

Vamos por parte. La película tiene varias capas. La primera, la que está a flor de piel es de brutal sensibilidad. Provoca rechazo por lo vulgar del lenguaje, el sexo explícito -aunque encubierto por filtros y efectos que no lo disimulan poniendo en entredicho la calificación, inapropiada en mi opinión, para mayores de 14 años- y por las variadas descalificaciones y despojos de dignidad que contiene el relato. Una segunda capa, también bastante a la vista, es el conflicto sexo-religión. Daniela se encarga de relevarlo permanentemente y en cada acción que realiza. Hay diálogos y situaciones que son burdas y de mal gusto. Se nombra a Dios muchas veces, las más en tono burlesco. Las reuniones evangélicas son mostradas también con sarcasmo. Asimismo, el ambiente que rodea a Daniela, tanto en lo familiar y laboral conforma un escenario que es una caricatura. En el plano sexual, sus padres, y en especial su madre -Aline Kuppenheim-, son muy estrictos y cerrados, lo que acrecienta la rebeldía de la joven. No sabemos si es causa o efecto, pero la protagonista escoge naturalmente el otro extremo en el desarrollo de su vida íntima.

Si logramos superar estas dos primeras capas, lo que no es un trabajo menor, estimo que entramos a la sustancia de la cinta y tal vez a aquello que le dio el premio al mejor guión en el último festival Sundance. El drama de Daniela puede ser representativo de una parte de la juventud actual. Es cierto, hay formas y formas de poder representarlo y acá nos encontramos con una que optó por la crudeza, por no guardarse nada en un tema difícil y en ocasiones tabú para nuestra sociedad. El foco del metraje es el sexo, la actividad sexual, la identidad sexual tanto héterosexual como homosexual. No obstante, este foco está en primera línea pues, bajo aquel, está la represión en todas sus formas. Daniela busca desesperadamente liberarse de esta presión que tiene nombre de familia, sociedad y religión. Y para conseguirlo explora, busca, experimenta diversas situaciones. En ello la cinta apunta a una estética particular. Los personajes cumplen con sus roles y las cámaras de la directora son capaces de situarnos en medio de experiencias que se nos presentan personales e íntimas provocando diversas reacciones en la audiencia, desde risas cómplices hasta una incomodidad y rechazo creciente.

"Joven y alocada" es provocadora. Es necesaria una reflexión luego de verla. También es audaz pues muestra sin tapujos realidades que conocemos y que tal vez no queremos ver ni aceptar, e incómoda pues sin duda nos remece con su crudeza y libertad de acción y visión. Esta es una cinta para adultos con criterio y hay que verla para tener una opinión personal sobre ella. No obstante, me parece que calificarla para mayores de 14 años es un error, pues justamente su centro es la etapa compleja que va la adolescencia a la juventud, donde existe una mayor vulnerabilidad, donde se fijan identidades y tenemos una mayor posibilidad de dejarnos llevar por modas o tendencias.

Ficha técnica

Titulo Original: Joven y alocada
Distribuidor: BFD
Calificación: 14
Duración: 90 min
Género: Drama
Año: 2012
País: Chile
Elenco: Alicia Rodríguez, Aline Kuppenheim, María Gracia Omegna, Felipe Pinto, Ingrid Isensee.
Director: Marialy Rivas

La lección de pintura

Hermosa. Esta palabra resume fielmente esta cinta del director Pablo Perelman, basada en la novela del pintor y escritor chileno Adolfo Couve. "La lección de pintura" transcurre en el Chile de los años 60. Augusto, un niño campesino hijo de una joven madre soltera -Elvira, interpretada por la española Verónica Sánchez- va descubriendo un gran talento para la pintura gracias al apoyo del dueño de la droguería del pueblo, Carlos Aguiar -interpretado por el mexicano Daniel Giménez Cacho- donde Elvira trabaja como su ayudante.

La cinta sorprende gratamente desde el comienzo por una notable fotografía. Podríamos decir que Perelman ha "pintado" esta película pues de cierto modo ha sido capaz de llevar a la pantalla grande la esencia del arte pictórico gracias a planos excelentemente construidos, un manejo de luces y sombras muy cuidado y una extraordinaria calidad de producción. La narración, en un estilo europeo que toma pausas e imprime un ritmo particular, enfatiza varias temáticas que rodean la vida del joven Augusto. La soledad de su madre y su enorme esfuerzo para salir adelante con su hijo; la frustración de Aguiar al no poder plasmar como quisiera su gran conocimiento del arte en sus propios trabajos; la sociedad chilena que, con la reforma agraria, las revoluciones y la Unidad Popular liderada por Salvador Allende, comienza a cambiar y a movilizarse; y la inocencia de un niño cuyo talento sobrepasa cualquier parámetro y sorprende a todos quienes tienen ocasión de ser retratados por su arte.

"La lección de pintura" se inscribe como un relato que se va develando poco a poco. Tal como el pintor realiza sus trazos para componer su obra, Perelman nos permite ir descubriendo durante el metraje el significado y la historia, gracias a la conjugación de gruesos elementos e ínfimos detalles. En ello es notable el gusto casi obsesivo de Aguiar por el "impresionismo" lo que sin duda está retratado en la forma de exponer la cinta y de manejar con excelencia la composición de cada escena.

Desde otro ámbito, el político-social, la cinta muestra los años previos hasta el golpe militar. Los enfrentamientos entre grupos, la religiosidad popular y de élite, las manifestaciones callejeras, las marcadas diferencias de clases incluyendo discriminación y desigualdad, componen un cuadro en movimiento del que Perelman se hace cargo de forma muy natural, sin perder la esencia de su filmación, siempre ajustada y adecuada en tiempo y espacio.

"La lección de pintura" es una preciosa película que vale la pena disfrutar con calma, sin apuro, dispuestos a contemplar y dejarnos llevar por el relato, las imágenes, la música y la belleza de sus paisajes y entornos. Arte en estado puro, desarrollado en un gran nivel.

Ficha técnica

Titulo Original: La lección de pintura
Distribuidor: Independiente
Calificación: TE
Duración: 85 min
Género: Drama
Año: 2011
País: Chile,España,México
Elenco: Daniel Giménez Cacho, Verónica Sánchez, Catalina Saavedra, Teresa Fernández, Edgardo Bruna, Juan José Susacasa.
Director: Pablo Perelman

La invención de Hugo Cabret

La invención de Hugo Cabret cuenta la historia de un pequeño niño huérfano que vive en una estación de trenes en la ciudad luz, París 1931. Hugo se dedica a arreglar los relojes de la estación y a reparar todo lo que encuentra en el camino buscando las piezas adecuadas. Se oculta del vigilante e intenta pasar inadvertido entre los cientos de personas que a diario circulan por el lugar, sin embargo su curiosidad y deseo de conectarse con la muerte de su padre lo lleva a explorar los rincones más oscuros de la estación y a conocer personas que puedan entregarle alguna pista. A esta aventura se lanza con Isabelle, ahijada del uraño propietario de una tienda de juguetes de la misma estación.

El director Martín Scorsese lleva a la pantalla grande esta bella aventura descrita por Brian Selznick en el libro del mismo nombre. La cinta tiene mucho de magia. Y por cierto, basta tener en las manos por algunos minutos el libro para darse cuenta de la forma del relato que Selznick le imprimió. Ciento cincuenta ilustraciones acompañan un texto totalmente descriptivo, casi desarrollado especialmente para el cine. Y acá un detalle. El libro es excelente en la combinación del texto y la imagen, en llevar dos lenguajes a la vez en el desarrollo de la trama. A su vez, la película intenta llevar este paralelismo a la imagen y la fotografía, logrando cuadros excepcionales, de una finura y cuidado notable. Las cámaras, su movimiento, los planos y las actuaciones, todo colabora para entregarle a la cinta un alto nivel artístico.

La historia es sencilla y simple. El arte está en los detalles, en las relaciones y en el descubrimiento de los personajes. Avanza como un tren antiguo que va tomando ritmo lentamente y que cuando lo consigue es sólido y constante. Y como historia dentro de la historia -sin discernir cual es la principal y la secundaria- vemos los comienzos del cine. El cómo un mago ilusionista -nada menos que Georges Méliès- conoce este invento de las "imágenes en movimiento" (concebidas en un primer momento como otra ilusión y una moda pasajera) y desarrolla un nuevo arte de entretención a través de cintas con buen nivel de producción y con incipientes efectos especiales gracias a las nuevas técnicas de la filmación y a una artesanal edición.

Hugo es una película distinta, de belleza intrínseca y llena de detalles particulares. Brian Selznick nos hace viajar por un mundo de sueños e ilusiones, donde la realidad se confunde con la ficción lo que Scorsese se encarga de llevar magistralmente a la pantalla grande. Tal vez por ello -gracias a ambas vertientes, tanto la invención y la ilusión- es que cobra importancia ese pequeño y enigmático autómata que acompaña a Hugo en la estación y que encierra aquel exquisito misterio que es clave y eje dentro de la historia y que en este comentario no será develado.

Ficha técnica

Título original: Invention of Hugo Cabret
Distribuidor: UIP
Calificación: TE
Duración: 126 min
Género: Aventura
Año: 2011
País: EEUU
Elenco: Chloe Moretz, Ben Kingsley, Asa Butterfield, Jude Law, Sacha Baron Cohen, Christopher Lee.
Director: Martin Scorsese

Mini espías 4

Continuando con la saga de "Mini espías" llega esta cuarta versión. Ahora es un "ladrón del tiempo" el malvado que acecha el orden del mundo y que moviliza a la OSS para combatirle con todos sus agentes. Rebecca y Cecil, dos pequeños jóvenes que viven con su padre y su madrastra comienzan a participar de la acción cuando esta última revela que fue una vez una superagente.

La historia es muy esperable sin embargo introduce algunos temas interesantes de comentar. La presencia de la figura de "la madrastra" y lo compleja de su aceptación en especial por parte de Rebecca es parte central del relato. La pasividad del padre ante esta situación y la frustración que provoca en ella no avanzar en la relación con sus hijastros es determinante en el concepto de unión familiar. El otro tema interesante es el "tiempo". El malvado nos roba tiempo y ese es el problema mayor. A qué dedicamos nuestro tiempo, por qué queremos recuperarlo y lo que significa que otra persona lo maneje por nosotros introduce un tema de fondo: ¿invertimos bien nuestro tiempo o bien estamos absorbidos por el sistema, nuestros trabajos y nuestros quehaceres? No es la primera ni será la última vez en que esta temática cobre un relevante rol para hecernos reflexionar al respecto.

"Mini espías 4" es entretenida. Tiene efectos especiales, trucos y simpatía. Y como toda película para los pequeños de la casa -y los no tan pequeños- trae una moraleja: la unidad familiar siempre puede contra toda adversidad y todo mal; sólo hay que buscarla para darle una oportunidad.

Ficha técnica

Titulo Original: Spy Kids: All the Time in the World in 4D
Distribuidor .BFD
Calificación: TE
Duración: 89 min
Género: Aventura, Ciencia Ficción, Comedia, Fantasía
Año: 2011
País: EEUU
Elenco: Alexa Vega, Daryl Sabara, Jessica Alba, Jeremy Piven, Antonio Banderas, Ricky Gervais, Danny Trejo, Joel McHale, Mason Cook.
Director: Robert Rodríguez

El árbol de la vida

Interesante desde el punto de vista visual y como experiencia, esta cinta del director Terrence Malick y ganadora de la Palma de Oro en Cannes, es probablemente más que una simple película. El realizador describe, a través de múltiples imágenes y piezas musicales muy bien escogidas, algo tan maravilloso y complejo como resulta ser la vida, nuestra vida. Lo hace a través de Jack -Hunter McCracken-, un niño que vive con sus hermanos y sus padres en los Estados Unidos. Su padre -Brad Pitt- es estricto y severo. Su madre -Jessica Chastain- es amor y acogida. Dos extremos entre los cuales la familia transita a lo largo de todo el metraje.

"El árbol de la vida" tiene grandes pretensiones. Por una parte es capaz de formar un propio universo, casi un poema visual al intentar mostrar en muy poco tiempo la historia de la humanidad. Es también una súplica al relevar el papel divino de la creación y reforzarlo con citas bíblicas y un espíritu profundamente religioso. Y también es absolutamente humana al querer representar las luces y sombras de cada uno de los personajes que la componen.

Las opiniones se dividen. Es una cinta que provoca, que intenciona y que fuerza una opinión propia. En lo personal debo reconocer que incluso luego del análisis para escribir estas palabras aún no soy capaz de encontrar el sentido más profundo al que el director nos invita. Veo intenciones, veo un tratamiento de las cámaras que me incomoda las más de las veces, sin embargo lo que más me produce inquietud es que me pregunto constantemente sobre su real sentido. Puede ser la forma de la narración, puede ser lo magnánimo de la filmación, puede ser las piezas elegidas (Mahler, Respigui, Brahms, entre otros) o bien puede ser solo un tema de interpretación personal. Y como esto es subjetivo, creo que mi balanza se inclina hacia una cinta que se pierde en la forma, que pretende ser y no es. Al menos yo me pierdo en su forma. La veo como una experiencia visual sin embargo me parece predecible por muy hermosa fotografía que contenga.

Tal vez deba otorgarle una nueva revisión donde pueda traspasar las capas primarias para llegar a su sustancia. Tal vez la búsqueda de sentido se revele en posteriores lecturas o tal vez no. Hoy, ahora, me cuesta clasificarla y analizarla e insisto en el concepto inicial que esta cinta es más que una simple película que tal vez en otra instalación y con otro lenguaje podría ser interpretada a mayor cabalidad.

Ficha técnica

Titulo Original: The Tree of Life
Distribuidor: BFD
Calificación: 14
Duración: 139
Género: Drama
Año: 2011
País: EEUU
Elenco: Brad Pitt, Sean Penn y Jessica Chastain
Director: Terrence Malick

Tan fuerte y tan cerca

Basada en la novela homónima de Jonathan Safran Foer publicada el 2005, "Tan fuerte y tan cerca" narra la historia de Oskar Shell -interpretado por Thomas Horn- un niño de nueve años que ha perdido a su padre en los atentados del 11 de septiembre de 2001. Oskar encuentra en el clóset de su padre una misteriosa llave que está escondida dentro de un jarrón y se decide a descubrir cual es la cerradura que coincide iniciando una extensa búsqueda por toda la ciudad de Nueva York.

Stephen Daldry lleva a la pantalla grande una historia que remece por el solo hecho de tener como base los ataques a las Torres Gemelas. Sin embargo no es solo eso lo que se destaca en la cinta. Con un tono muy sentimental abusando incluso de imágenes repetidas el director presenta un relato bien armado donde recorre los atentados desde el punto de Oskar. La estrecha relación con su padre -Tom Hanks- y a la vez lejana relación con su madre -Sandra Bullock- configura en gran parte su personalidad. Su padre, un joyero de oficio, le ha inculcado desde pequeño la fuerza de voluntad y la inquietud de conocer sobre muchos temas, lo que sin duda marca su decisión obsesiva de encontrar la coincidencia de la llave.

"Tan fuerte y tan cerca" -"Extremely loud and incredibly close" en su título original- es también una película sobre relaciones. La figura paterna, presente aún más luego de su muerte, guía a Oskar en la forma de enfrentar su vida. No consigue hacer el duelo y se obliga a no olvidar a su padre. Ignorar a su madre, quien intenta superar la tragedia, tampoco es ayuda para poder sanar las heridas del "peor día" como Oskar llama al 9/11. Su refugio es la búsqueda. Mientras busque su padre estará presente, cercano, vivo. Y esto se releva cuando un hombre mayor -Max Von Sydow-, un inquilino de su abuela que solo se comunica a través de notas escritas, comienza a acompañarlo en esta odisea que parece no tener fin o no querer concluir.

La cinta también habla de superación. No solo del dolor de una pérdida tan desgarradora como la descrita sino también la superación de los traumas, de los miedos y de las angustias que un hecho de este tipo puede provocar. La búsqueda de Oskar no es solo sobre el duelo que se hace aún más difícil al haber enterrado a su padre sin su cuerpo, sino que también es el tránsito hacia la recuperación de su propia identidad o más bien su nueva identidad construida luego de la intensidad de lo vivido.

"Tan fuerte y tan cerca" a pesar de ser una película que sigue un clásico molde sensible está bien narrada y bien articulada. Tal vez intenta atrapar demasiadas emociones juntas y ello la hace diluirse en su propósito esencial, sin embargo el relato consigue fluir. La actuación de Horn es intensa permitiendo romper ciertas formas obligadas de la cinta y con ello dar aire a un metraje que, aunque es algo extenso, logra conmover.

Ficha técnica

Titulo Original: Extremely loud and incredibly close
Distribuidor: Warner
Calificación: 14
Duración: 129 min
Género: Drama
Año: 2011
País: EEUU
Elenco: Tom Hanks, Sandra Bullock, John Goodman, James Gandolfini, Zoe Caldwell, Jeffrey Wright , Max von Sydow,Thomas Horn.
Director: Stephen Daldry

El artista

¿Una película muda, en blanco y negro, en el actual mundo del cine lleno de color, 3D y efectos especiales, puede sobrevivir? Parece una apuesta imposible o al menos compleja, sin embargo "El artista" no solo sobrevive sino que "revive" la magia y esencia del cine; aquel cine de verdad que es capaz de contar una buena historia, generar emociones y conducirmos al interior del arte de las imágenes con excelentes actuaciones, una maravillosa banda sonora y una dirección brillante.

Es Hollywood, 1927. George Valentin -un carismático Jean Dujardin- es un gran actor, famoso y reconocido del mejor cine mudo de la época. Sus películas son aclamadas y su vida está llena de éxito. Por su parte Peppy Miller -encantadora Bérénice Béjo- es una joven que comienza su carrera desde abajo, como extra y empieza a ascender en el mundo de las cámaras y las estrellas. ¿Qué sucede? El mundo cambia. Llega 1929, cae la bolsa y junto a ello el cine sonoro lo que margina a George del estrellato.

"El artista" no es solo un maravilloso homenaje al cine mudo. Es historia viva del cine de esos años. Está filmada con maestría, con los tiempos justos, con los gestos, miradas y movimientos precisos, con los espacios perfectos para la música y en sincronía con los detalles que contiene cada escena. Las actuaciones son sólidas y con una belleza intrínseca. Ambos protagonistas aman su profesión y se representan en ella. Son tan artistas como personas normales y no solo actúan sus personajes, los viven y esa emoción la transmiten a la audiencia.

El director Michel Hazanavicius ha escrito y dirigido esta joya lírica. Es cine dentro del cine; una historia de amor y vida encarnada en la pantalla grande. Es una cinta que trata en su interior el signo de los tiempos y el cambio de época. ¿Nos adaptamos o lo rechazamos de plano? La experiencia, la juventud, el comienzo de una promisoria carrera o su final, todo convive en esta historia que retrata de manera perfecta lo pasajero del éxito y lo triste y solitario que es el olvido. Una película para disfrutar de comienzo a fin, para emocionarse y reír, para reflexionar, para gozar. CINE con mayúsculas, y del bueno.

Ficha técnica

Titulo Original: The Artist
Distribuidor: Diamond
Calificación: TE
Duración: 100 min
Género: Drama, Comedia.
Año: 2011
País: Francia
Elenco: Jean Dujardin , Bérénice Bejo and John Goodman
Director: Michel Hazanavicius

Jack y Jill

Adam Sandler por dos. Esta vez el histriónico comediante interpreta a Jack y Jill, dos hermanos gemelos que no se llevan bien y con personalidades totalmente opuestas. Jack es un hombre casado, con dos hijos y trabaja como publicista haciendo comerciales. Jill es soltera, totalmente extrovertida y solitaria luego de la muerte de su madre hace menos de un año. El día de Acción de Gracias los reúne en casa de Jack donde comienza la aventura.

Esta comedia no aspira a nada más que entretener por una hora y media. Al igual que muchas otras cintas del mismo género -y del mismo actor- se basa en diferentes gags que provocan risa fácil, algunos bastantes simples y hasta demasiado obvios. Sin embargo en esta película hay un hecho que destaca: la presencia de Al Pacino haciendo de él mismo durante largos pasajes, construyendo un personaje de si mismo como pocos actores pueden hacerlo. Sin duda se roba la película y le da un valor agregado adicional. Un par de escenas son realmente hilarantes y gracias a ello la película mantiene algo de ritmo para no caer en la monotonía.

Sandler lo hace muy bien en la caracterización de Jill. Se le ve suelto y cómodo en su versión femenina. Por cierto ante un guión bastante pobre es muy limitado lo que puede hacer el director Dennis Dugan, sin embargo se las ingenia para conseguir locaciones y llevar el metraje por diferentes lugares que al menos refrescan por momentos la pantalla. De fondo un tema también resuelto sin ninguna sorpresa: el amor de los hermanos es capaz de superar toda forma de ser y finalmente aquello es lo más importante.

Ficha técnica

Titulo Original: Jack y Jill
Distribuidor: Andes Films
Calificación: TE
Duración: 91 min
Género: Comedia
Año: 2011
País: EEUU
Elenco: Adam Sandler, Al Pacino, Katie Holmes, Elodie Tougne, Rohan Chand, Eugenio Derbez, David Spade, Nick Swardson,Tim Meadows.
Director: Dennis Dugan

No se como ella lo hace

Kate Reddy -Sarah Jessica Parker- es una mujer que tiene una intensa vida familiar y una exitosa carrera en el mundo de los negocios. Compatibilizar ambos roles es para Kate el pan de cada día. Sus dos hijos y su marido son lo más importante en su vida, sin embargo su trabajo es algo que le da muchas satisfacciones y es parte sustantiva de su desarrollo personal. El punto de quiebre se produce con una nueva oportunidad laboral, un nuevo negocio que obliga a Kate a innumerables viajes y ausencias para trabajar con Jack -Pierce Brosnan- con quien deben preparar una propuesta para un importante y acaudalado magnate.

Esta comedia se enfoca en el actual dilema del trabajo y la familia, esta vez desde el lado femenino donde la protagonista de "Sex & the City" se muestra siempre muy natural y cómoda en la construcción de su papel. Sin duda hay referencias a la serie pues el personaje de Parker tiene incorporadas muchas características personales de Carrie sobre todo cuando se desenvuelve en su ambiente laboral. Kate no duda un instante de sus prioridades, sin embargo el trabajo se va comiendo lo que para ella es lo fundamental y pasa a ser su principal preocupación.

“No se como ella lo hace” es una película que, de manera liviana, da cuenta de una realidad profunda en nuestra vida actual. La necesidad de congeniar maternidad con trabajo -también paternidad y trabajo pues no solo debemos mirarlo desde la óptica femenina- es una demanda actual por la que gran parte de las familias deben transitar sobre todo cuando los hijos son pequeños. Sin profundizar demasiado, en la cinta vemos representadas muchas situaciones cotidianas que nos suceden en el día a día que nos hacen presente nuestra propia realidad. Tal vez esa es la clave de la película, pues si logramos identificarnos con la historia no solo veremos una comedia bien construida por el director Douglas McGrath, sino que también podremos reflexionar sobre lo que estamos haciendo nosotros mismos ante esta similar realidad.

Ficha técnica

Título original: I don´t know how she does it
Distribuidor: BF Distribution
Calificación: TE
Duración: 89 min
Género: Comedia
País: EEUU
Elenco: Sarah Jessica Parker, Pierce Brosnan, Kelsey Grammer, Greg Kinnear, Mark Blum, Jane Curtin, Olivia Munn, Christina Hendricks, Jessica Szohr, Busy Philipps, Seth Meyers, Sarah Shahi, Emma Rayne Lyle
Director: Douglas McGrath