Encuentro explosivo

Roy Miller (Tom Cruise) un agente secreto en una misión desconocida, conoce en un aeropuerto a June Havens (Cameron Diaz) quien debe regresar a su pueblo por la boda de su hermana. Luego de este "casual" encuentro, Cruise y Diaz comienzan una serie de aventuras, persecuciones del FBI, ataques de la mafia y escapes al filo de la muerte que los llevan a recorrer un mundo lleno de traiciones, identidades falsas y muy pocas verdades.

El director Roger Kumble entrega una cinta con mucha acción, muy bien producida y editada, con una filmación de calidad y excelentes efectos especiales. Es un filme entretenido y rápido, con una trama aparentemente compleja la que sin embargo se va simplificando y decae - o llega a lo mismo de siempre - con el correr del metraje. También, como en muchas ocasiones, las escenas de los avances -trailers- son los ejes de la cinta, ya que nos adelantan las acciones principales las que uno va descubriendo -esperando más bien- durante la película.

Todas estas aventuras de situaciones imposibles, mágicas, prácticamente al borde de un héroe de historieta, son llevadas por dos personajes sin profundidad, totalmente estereotipados y que no convencen mayormente. Cruise como el chico bueno -o malo- al que literalmente no le "entran balas" y Díaz como la bella chica que no sabe donde está ni por qué y que con el correr del metraje se empodera gracias a la admiración y amor a su héroe. Hay un valorable intento de incluir historias anteriores, de las vidas reales de los protagonistas, que asoman pero no logran un papel importante en este relato, que con todo, cumple con su principal propuesta: entretenidos 110 minutos de acción, comedia y aventura.

Ficha técnica

Titulo Original: Knight & Day
Distribuidor: FOX
Calificación: TE+7
Duración: 110 Min.
Género: Acción / Comedia / Aventura
Año: 2010
País: Estados Unidos
Elenco: Tom Cruise, Cameron Diaz, Peter Sarsgaard
Director: Roger Kumble

Final de partida

Este filme, ganador del Oscar a mejor película extranjera en 2009 es una joya del director Yojiro Takita. Daigo Kobayashi (Masahiro Motoki) abandona su carrera en la música como cellista de una disuelta orquesta en Tokio, regresando junto a su esposa Mika (Ryoko Hirosue) a su ciudad natal, Yamagata. Sin trabajo y gracias a un particular anuncio de periódico -"partidas"- Daigo conoce una empresa muy particular liderada por Sasaki (Tsutomu Yamazaki) quien lo contrata apenas mencionando que su labor implica "ceremonias". Desde ese momento la vida de Daigo cambia completamente y adquiere un rumbo especial presentando una historia de vida, de ritos, tradiciones, costumbres y relaciones familiares.

Filmada con pausa y ritmo creciente, con el reposo y la tensión adecuados, una cámara acompañante, cercana, que muestra sin invadir espacios íntimos, va conduciendo el relato sobre el siempre complejo tema de la muerte y como nos enfrentamos a ella desde diferentes perspectivas. El director magistralmente nos muestra a través de un rito muy antiguo de "preparación de los cuerpos" como la muerte es un portal, una transición, el umbral o el paso a otra vida. Las excelentes actuaciones permiten una construcción de personalidades profundas y el desarrollo de vínculos afectivos sólidos.

La historia de Daigo nos introduce en sus expectativas y frustraciones personales, en la dignidad del oficio que comienza a desarrollar, la culpa por sus abandonos -el cello y su madre-, el amor de Mika, la comprensión de sus cercanos y una gran humanidad que siempre está presente en sus actos. Es preciosa la forma como son tratados y vinculados los trabajos del protagonista, descubriendo un hilo que los une: el arte en todo su esplendor, tanto el musical como el desarrollado en la solemne ceremonia de preparación de cuerpos.

Gracias a una partitura muy conmovedora, abundantes metáforas y signos, junto a una bella fotografía de entornos y paisajes, "Okuribito" -su título original- emociona y nos transporta a otra cultura, sin dejar de tocarnos interiormente, produciendo una empatía natural con los protagonistas en una invitación a ser parte de un mundo lleno de profundidad, sentido y trascendencia.

Ficha técnica

Titulo Original: Departures / Okuribito
Distribuidor: Transeuropea.
Calificación: TE+7
Duración: 130 Min.
Género: Drama
Año: 2008
País: Japón
Elenco: Masahiro Motoki, Takashi Sasano, Tetta Sugimoto, Tsutomu Yamazaki, Ryoko Hirosue, Kazuko Yoshiyuki
Director: Yojiro Takita

Shlomo Mintz y la Orquesta de Cámara de Chile

Luego de dos años regresó a Chile el famoso violinista nacido en Moscú (1957) y criado en Israel. El lugar fue el Teatro Nescafé de las Artes y se presentó como solista y director de la Orquesta de Cámara de Chile como parte de la Temporada 2010 de la Fundación Beethoven, con dos obras muy distintas y representativas de sus respectivos períodos: "Las cuatro estaciones", de Antonio Vivaldi, obra cumbre del barroco y el Quinteto para cuerdas en Sol Mayor, Op. 111, de Johannes Bramhs, una partitura romántica en una versión para orquesta de cuerdas.

Mintz nos entregó una versión minimalista y muy personal de los conciertos del Op. 8 de Vivaldi. Con pocas luces y sombras -algo que caracteriza al barroco-, el solista propuso un uso del restringido del arco lo que redujo el volumen en los tutti y más bien aplanó la sonoridad del conjunto. Pianísimos muy bellos y texturas armónicas bien logradas no fueron suficientes para contraponerse a sonidos picados, extremadamente cortos, con una marcada ausencia de vibrato en notas largas, lo que en la acústica seca de la sala se acrecentó sobre todo en las cuerdas bajas.

Con un leve choque de estilos entre los 4 conciertos -en ocasiones muy "a la barroca", en otras "más estilo vienés", y en momentos también entre el solista y el acompañamiento de la orquesta, junto a pequeños desfases en la sincronía de los comienzos tutti -atribuibles tal vez al hecho de tocar y dirigir a la vez- destacó el excelente apoyo del bajo continuo -cello principal junto al clavecín- y un muy buen trabajo de ambos concertinos. El punto más alto fue logrado en el segundo movimiento del "Otoño", con una sonoridad exquisita mientras el clavecín desarrollaba melodías basadas en las armonías propuestas por la cuerda.

Mintz nos regaló un grácil estilo de improvisación en los movimientos lentos y pasajes tranquilos que contrastan con cierta brusquedad en algunos fraseos, un balance desigual entre voces y diferencias mínimas de afinación en varios unísonos. El Stradivarius del solista presentó, en ocasiones, un sonido ahogado en registros intermedios de los agudos de la segunda y tercera cuerda, tal vez atribuible a la sala de concierto y al exceso de enfoque de arco del intérprete. Un brillante y rápido final del "Invierno" fue coronado por una ovación que no se hizo esperar y que retribuyó -con generosidad- una versión algo fría y parca de estos famosos conciertos.

En la segunda parte fue el turno del Quinteto en sol mayor de Brahms, obra que agrega al tradicional cuarteto de cuerdas -dos violines, una viola y un cello- una segunda voz de viola, creando una sonoridad preciosa y balanceada de las cuerdas medias. En esta versión para orquesta de cámara, ahora dirigida por Mintz, se pudo apreciar un gran trabajo de sonoridad, con filas instrumentales sólidas, y un alto nivel técnico e interpretativo de la "Orquesta de Cámara de Chile". En una versión amable que rescató armonías y ritmos con precisión, logrando un buen balance entre las voces, junto a un fraseo corto y tenso, muchas veces los sonidos no fueron acompañados por el gesto del director, algo impreciso e incomodo y carente de técnica gestual. A pesar de dichas limitaciones, Shlomo Mintz comunicó bien -imagino que en los ensayos- lo que quería transmitir a sus músicos, aunque a veces no sonara exactamente lo que mostraba con sus manos y en otras sonara muy distinto a su expresión corporal.

Como resultado final escuchamos un Brahms con gran sonoridad y peso armónico pero sin profundidad. Es posible que se haga necesario dotar de más cimientos y tranquilidad a la obra, junto a un mejor trabajo del color y la textura para que los sonidos no se dividan y no se ahoguen, teniendo mucha más proyección para hacer frente a la escasa acústica de esta particular sala de conciertos. Aún siendo un solista y director con gran reconocimiento internacional, esta vez Shlomo Mintz -en mi opinión- quedó en deuda en varios aspectos musicales e interpretativos ante un público en extremo entusiasta que repletó el ex "Teatro Providencia".

Concierto VI / Orquesta Filarmónica de Santiago

El concierto VI de la Temporada 2010 de la Orquesta Filarmónica de Santiago, fue presentado el viernes 2 de julio en el Teatro del Centro Cultural "Alejandro Bernales", de Carabineros de Chile, bello y cómodo recinto que sin embargo posee una acústica muy seca, que dificulta la unidad de los sonidos y la creación de atmósferas adecuadas.

En primer lugar fue interpretada la obra "Homenaje" del compositor chileno Fernando García. Sin duda es una partitura interesante que explora extremas posibilidades sonoras principalmente en bronces y maderas, desarrollando a la vez camas armónicas en la cuerda que apoyan destellos y colores fugaces. Hay luces y sombras con matices importantes
que surgieron gracias a una vigorosa interpretación del conjunto, logrando una amalgama grupal y precisión rítmica admirables, bajo la batuta segura y precisa del Maestro Valdés.

Como segunda obra escuchamos el Concierto para piano y orquesta en sol mayor de Ravel. Obra colorística de impresionismo mágico, introduce elementos de armonía que anuncian melodías inspiradas en el jazz. Jean - Phillipe Collard, pianista virtuoso, suelto y expresivo nos entregó una versión viva y animada del concierto. En la orquesta apreciamos una cierta debilidad en la sonoridad de la flauta solista y algunas imprecisiones rítmicas y de ataque en el grupo de maderas. Los bronces y la percusión acompañaron en forma precisa, junto a la sección de cuerdas, muy segura y con bello sonido de conjunto. Luego de un muy bien logrado segundo movimiento tanto en fraseo, color, unidad y sonoridad, apreciamos un tercer tiempo algo rápido, en el que no se alcanzó a pronunciar la música debido al virtuosismo ta vez un poco acelerado del solista que provocó más de alguna incomodidad rítmica. Valdés, muy sólido en el acompañamiento, traspasó la unidad interpretativa y el estilo preciso, a pesar de no poder controlar totalmente los ajustes de tiempo requeridos. Collard logró cautivar a la audiencia con su virtuosa ejecución y con un bis sencillo que mostró una vez más su soltura y talento.

En la segunda parte del concierto escuchamos la Sinfonía Nº 3 en Do menor, Op. 78, "El Órgano", de Camille Saint-Saëns. Sinfonía romántica por esencia, incorpora en su orquestación la novedad de un órgano -cuyo sonido artificial en esta oportunidad no ayudó mucho al logro del color requerido por la partitura- y un piano que se escuchó de forma muy tenue y débil. El primer movimiento comenzó impreciso rítmicamente en las cuerdas y en las maderas, mostrando complicaciones con los contratiempos y los staccato. Un bello segundo movimiento, suave y armónico dio paso a una gran fuerza interpretativa en el tercer y cuarto movimiento donde el concierto alcanzó el mejor punto de la velada.

No obstante una buena interpretación de conjunto, apreciamos una clara desigualdad sonora -tanto en volumen como en intensidad- en el grupo de maderas. En las cuerdas, fue la fila de violoncellos la que mostró la sonoridad menos lograda, tal vez algo cruda, sin alcanzar el sonido pastoso entregado por los violines, violas y contrabajos. La Orquesta Filarmónica de Santiago respondió excelente a la batuta segura del maestro Valdés, siempre clara y precisa, presentando una versión sinfónica que alcanzó gran brillo por momentos y logró una cálida recepción de una sala prácticamente llena.

Ficha técnica

Concierto VI / Orquesta Filarmónica de Santiago

Fernando García: Homenaje
M. Ravel: Concierto para piano y orquesta en sol mayor
Camille Saint-Saëns: Sinfonía Nº 3 en Do menor, Op. 78, "El Órgano"

Director: Maximiano Valdés
Solista: Jean - Phillipe Collard

La carretera

Un padre y su hijo en un viaje hacia la costa en busca de un lugar donde vivir es el centro de esta película del director John Hillcoat, basada en novela por la que Cormac McCarthy recibió el Premio Pulitzer 2007 en la categoría de ficción.

Desgarradora, cruda, reflexiva y angustiante, "The road" (título original que se traduce mejor como "el camino") presenta una visión particular sobre el fin de los tiempos, con total soledad, abandono y desolación. No se explica lo que sucedió, pero fue un gran cataclismo. Hay imágenes previas y posteriores al hecho, entremezcladas, que no aclaran la historia, pero si dan el ambiente propicio para el desarrollo del relato. Padre e hijo tienen temor a ser atacados, temor a la muerte, pánico al canibalismo desatado por la carencia de comida ya que no hay aves ni animales presentes en la cinta. ¿Es una lucha por sobrevivir?, ¿cuál es el costo?, ¿qué tipo de vida, futuro o tiempo depara el camino? Son más las interrogantes que las respuestas y en esto es brillante el desarrollo del metraje.

La pregunta fundamental es sobre el sentido de la existencia en el mundo post desastre: ¿Cuál es el camino?, ¿existe Dios?, ¿hay otras alternativas?, ¿es la muerte una posibilidad? Siguen las dudas con el correr de los minutos. Los prejuicios y temores del padre producto de la vida anterior a la catástrofe y la discriminación entre buenos y los malos contrastan con la inocencia pura del niño (que nació después del cataclismo) en quien se despiertan naturalmente sentimientos de bondad y solidaridad. El relato se basa en la creación de vínculos profundos y en un sentido de preocupación y protección instintivo padre-hijo/hijo-padre, donde al ser sostenido únicamente por estos dos protagonistas se transforma en una impactante historia de sobrevivencia.

La producción del filme es excelente, cuenta con una fotografía precisa que presenta escenarios muy reales y posee una música adecuada a la temática. John Hillcoat nos entrega largas escenas cuyo contenido emocional sólo está basado en imágenes, gestos y miradas, en las que la gran actuación de Viggo Mortensen (el padre) y de Kodi Smit-McPhee (el hijo) permiten observar una notable profundidad de los personajes (incluso sin saber sus nombres) y una permanente ansiedad de conocer cual será el final de este "camino".

Ficha técnica

Titulo Original: The Road
Distribuidor: Andes
Calificación: TE
Duración: 108 Min.
Género: Drama- Ciencia Ficción-Thriller
Año: 2009
País: Estados Unidos.
Elenco: Charlize Theron, Viggo Mortensen
Director: John Hillcoat

Toy Story 3

Luego de un notable corto inicial sobre el respeto a la diversidad, y una enseñanza sobre quedarse con lo conocido o bien estar dispuesto al cambio (que luego cobra mayor sentido al concluir la película), Disney-Pixar nos ofrecen la tercera parte de esta historia de juguetes animados que ha cautivado a chicos y grandes. Once años después de Toy Story 2, Andy, ya con diecisiete años, se apresta para ir a la Universidad y el futuro de Woody, Buzz y sus amigos es incierto: ¿se irán con Andy, serán guardados en el altillo o serán donados? La historia se empieza a desarrollar con vértigo, juntando en una nueva aventura a los fieles Rex, Jessie, Tiro al Blanco, Sr. y Sra. Cara de Papa, Hamm y los marcianitos con Barbie, Ken y Lotso, un oso de peluche que lidera a los juguetes de la guardería Sunnyside.

Toy Story 3 es la recreación de un mundo mágico, una película muy humana, positiva, con una estética preciosa y emocionante de principio a fin. Refleja el paso del tiempo, una visión especial de las distintas etapas de la vida, el miedo al cambio, el descubrimiento de nuevos intereses y desafíos junto al olvido y la incertidumbre. Posee un notable traspaso de muchos sentimientos humanos reflejados en cada uno de los juguetes. Surgen en las relaciones valores trascendentes como la lealtad, la amistad, el compañerismo, el caminar juntos en comunidad y el recuerdo agradecido, haciendo foco en lo realmente importante. Todo ello está contrarrestado por una clara muestra del uso abusivo del poder, la mentira y el engaño, provocando una tensa disputa entre el bien y el mal.

La producción de la película es extraordinaria, la animación computacional precisa, y la música es sobresaliente pues acompaña al detalle cada escena y movimiento de los protagonistas, recordando las famosas historias de Tom y Jerry en la que destacaban la precisión de los movimientos y su relación perfecta con los sonidos. Las voces en inglés están llenas de intención (es otro tipo de actuación el dar vida a los personajes a través del habla), y aquí destacan especialmente Tom Hanks como Woody, Tim Allen como Buzz y Joan Cusack como Jessie.

El filme es una historia muy entretenida, sin puntos bajos, con un relato coherente -no es necesario ver las anteriores cintas para comprenderla-, con caracterizaciones muy bien logradas de las personalidades y diversidad de los protagonistas. El director Lee Unkrich y los estudios Disney-Pixar nos regalan una vez más una película fantástica, donde junto con entretener a chicos y grandes, posee un fondo potente que nos enseña importantes valores de la mano de estos personajes regalones, llevándonos hacia "el infinito, y más allá…"

Ficha técnica

Titulo Original: Toy Story 3
Distribuidor: Andes
Calificación: TE
Duración: 103 Min.
Género: Comedia, Familiar, Animación, Aventuras
Año: 2010
País: Estados Unidos
Elenco: Tom Hanks, Joan Cusack, Michael Keaton, Tim Allen, John Ratzenberger, Wallace Shawn, Ned Beatty, Jodi Benson, Don Rickles, Estelle Harris, Beatrice Miller, Emily Hahn
Director: Lee Unkrich

Los magníficos

Esta versión de la Brigada A (Los Magníficos) se presenta como una precuela de la famosa serie de TV.
Luego de un incontenible comienzo lleno de acción y que muestra como el cuarteto se junta, Hannibal, Face, B.A. Baracus y Murdock se reúnen ahora en torno a una misión compleja, inserta en plena guerra de Irak, dando una actualidad renovada a estas fantásticas aventuras.

El filme entrega un relato disperso, lleno de mucha acción con brillantes toques de humor, funcional y entretenido. Desprovisto de profundidad y visualmente sobrecargado, el metraje tiene un gran trabajo de edición que sin embargo agota rápidamente. Las secuencias de acción son tan impresionantes como imposibles, demostrando una vez más que la ausencia de un sólido guión, por más elementos técnicos que se tengan para filmarlo, no logra armar una buena historia.

Con excelentes tomas aéreas y una interesante propuesta que muestra en la misma secuencia la planificación y la ejecución de las acciones del grupo, la película decae con el correr del metraje por una débil actuación de sus protagonistas, pese a que responden perfectamente a sus perfiles respectivos de la serie. Los personajes secundarios no logran tampoco mucho vuelo, pudiendo aportar mucho más para entender lo intrincada que se torna la trama hacia el último tercio.

Película para fans que vibraron en la televisión y que ahora ven en pantalla grande a sus clásicos personajes en nuevas y explosivas misiones.

Ficha técnica

Titulo Original: The A Team
Distribuidor: Fox
Calificación: 14
Duración: 119 Min.
Género: Acción
Año: 2010
País: Estados Unidos
Elenco: Bradley Cooper (Fénix), Sharlto Copley (Murdock), Liam Neeson (Hannibal Smith), Jessica Biel (teniente Sosa), Patrick Wilson (Lynch), Quinton Jackson (Bosco, Baracus),
Director: Joe Carnahan

Querido John

Esta cinta, basada en la novela homónima de Nicholas Sparks, presenta la historia de amor de Savannah Linn Curtis, interpretada por Amanda Seyfried, y John Tyree, caracterizado por Channing Tatum. Esta compleja relación entre un soldado destinado en el extranjero y una joven universitaria, que nace casualmente en unas vacaciones, permite el desarrollo de un tortuoso drama con un gran peso emocional. La separación forzada, debido a sus propias obligaciones, hace que las cartas sean la principal fuente de contacto de la pareja, poniendo de relevancia lo intenso y a la vez la fragilidad que representa el amor a distancia.

La película responde a un formato clásico de drama-romance y se torna predecible a pesar de algunos quiebres en el relato, tal vez por un guión algo lento y más bien descriptivo. El amor de pareja, intensamente vivido por los protagonistas, descubre y da paso a otros aspectos importantes de la narración. La relación de John con su padre -Mr. Tyree interpretado sólidamente por Richard Jenkins- y la presencia cercana a Savannah de Tim Weddon -Henry Thomas- cuyo hijo tiene un trastorno asperger, muestra personalidades especiales, con mayor cercanía y sintonía entre ellos.

Con muchos estereotipos marcados, junto a hechos históricos muy importantes de por medio -11/09 y la posterior guerra- el filme fluye hacia una historia con base en cada personaje. Por ello es que surgen del relato la vocación, el servicio, la necesidad de autoestima, la amistad, la lealtad, el amor a la patria, la vida en familia y las enfermedades, entre otros elementos, los que dan a la historia una dosis importante de emoción y romanticismo, donde las elecciones personales y los caminos elegidos juegan el rol principal.

El director Lasse Hallstrom no entrega muchos elementos adicionales al momento de filmar. Tal vez se remite directamente al libro o a sólo observar la historia desde fuera, sin embargo cumple al ofrecer un metraje correcto en el estilo y que, gustos personales de por medio, logra finalmente conmover al espectador.

Ficha técnica

Titulo Original: Dear John
Distribuidor: Andes
Calificación: TE
Duración: 108 Min.
Género: Drama, Romance
Año: 2010
País: Estados Unidos.
Elenco: Channing Tatum, Amanda Seyfried, Richard Jenkins, Scott Porter, Luke Benward.
Director: Lasse Hallstrom

Robin Hood

Este nuevo film sobre Robin Hood, dirigido en esta oportunidad por Ridley Scott, ofrece una perspectiva diferente de la conocida historia. Se trata de aquello que sucede con anterioridad al surgimiento de la leyenda, relatando con lujo de detalles visuales y argumentales la inestable situación política que vivía Inglaterra, las cruzadas del Rey Ricardo Corazón de León y las amenazas extranjeras que pesaban sobre el reino.

Robin Longstride - sólidamente representado por Russell Crowe- valiente y honesto arquero del ejército inglés, se ve libre por la muerte de su monarca y comienza con su grupo de amigos una travesía que lo lleva de regreso a Inglaterra. Robert Loxley, quien tenía el deber de regresar la corona real, muere luego de ser emboscado por Lord Godfrey, un lord inglés que ayuda a los franceses. Antes de morir, Robert encarga a Robin la devolución del símbolo del poder del Rey junto con la personal solicitud de entregar la espada a su ciego padre, Sir Walter Loxley, quien vive en Nottingham.

Esta megaproducción tiene una muy hermosa fotografía, música interesante y actuaciones consistentes. Mucha acción y cruda violencia muestran las luchas de poder existentes y las diferencias de clases, a la par de la inexperiencia, tiranía y despotismo del heredero de la corona, el Rey Juan. Lady Marion -Cate Blanchett- viuda de Robert Loxley, acompaña a Robin en una cruzada personal para defender a su pueblo y a toda Inglaterra de la amenazante invasión francesa y de la guerra civil, donde la templanza, los compromisos de honor, confianza y lealtad son expuestos como valores fundamentales e intransables. En contraste, la falta de criterio e inconsistencia del nuevo Rey parece una ironía, demostrando una vez más que el poder en manos equivocadas perturba, corrompe y es muy dañino.

Scott se ciñe a un libreto y formato ya probado, que funciona perfecto y da al filme un ritmo vertiginoso, pausas reponedoras y la emoción justa en cada secuencia. La película se sostiene no sólo por su excelente producción y edición sino que también gracias a la química entre Crowe y Blanchett, sus estupendas y convincentes actuaciones, un precioso vestuario y una recreación histórica muy cuidada. 140 minutos que reviven el mito alrededor del bosque de Sherwood y que relatan el origen de Robin Hood, personaje defensor de los pobres y oprimidos, que ha acompañado a generaciones y generaciones a lo largo del tiempo.

Ficha técnica

Titulo Original: Robin Hood
Distribuidor: UIP
Calificación: TE+7
Duración: 140 Min.
Género: Drama, Acción
Año: 2010
País: Inglaterra y Estados Unidos
Elenco: Russell Crowe, Cate Blanchett, Vanessa Redgrave, Mark Strong, Oscar Isaac
Director: Ridley Scott

La vida de los peces

El estilo del reconocido director Matías Bize (Sábado, En la cama, Lo bueno de llorar) se plasma una vez más en esta, su cuarta película, con una filmación minimalista que posee el gran mérito de llevar a la pantalla grande la profunda intimidad de dos personas unidas por una historia de amor inconclusa. Andrés -Santiago Cabrera- y Beatriz -Blanca Lewin- no se han visto en 10 años. Él escribe sobre turismo, está de paso por Chile (vive en Berlín pero viaja constantemente) y ella vive en Chile, está casada y es madre de dos hijas. Ambos se reúnen en el cumpleaños de su amigo Pablo, donde "siempre han sucedido las cosas importantes" según señala otro de los invitados a esta celebración.

El metraje parece deambular sin aparente sentido -que lo tiene, sin duda-, tal vez porque se presenta en una secuencia filmada prácticamente en tiempo real y porque responde perfectamente a los parámetros del director. Andrés, en su lacónico recorrido por la casa, ingresa a cada habitación y abre en ellas ventanas pasadas, cuadros individuales que van construyendo un relato lleno de piezas al que cada nuevo interlocutor va agregando valiosa información sobre su pasado (la muy embarazada esposa de Pablo, unos "sobrinos" preguntones, el hermano de Francisco, su mejor amigo que murió hace un tiempo y la hermana menor de otro compañero de ruta convertida en una adolescente muy especial).

Ambos personajes principales son introvertidos y más bien débiles en su caracterización, lo que se acentúa tal vez por el ritmo dramático pausado que ocupa Bize en la filmación. La larga ausencia de música en algunos pasajes provoca una gran tensión (o en ocasiones el efecto contrario) y contrasta con una presencia impactante como cierre de algunas secuencias. Las cámaras cercanas, acompañantes y cómplices generan un entorno apropiado para dejar solos a los protagonistas en sus diálogos, en medio de esta concurrida y especial fiesta de cumpleaños (o de reencuentros, cierres, aperturas, tonalidades y matices).

Con todos estos elementos, Bize construye una historia compleja, llena de interrogantes, de dudas, de lo que pudo ser y no fue, metáfora con anclaje en una historia de amor nostálgico y amor presente; amor adolescente y amor maduro; donde la vida entera se recorre desde la niñez, donde comienza en realidad una nueva vida y donde los sentimientos compartidos a través de sus diálogos son la expresión más trascendente para la vida de Beatriz y Andrés.

En particular no me seduce este estilo de filmes, tal vez por estilo, formato o la actuación, sin embargo puedo reconocer en "La vida de los peces" una apuesta importante de un cine diferente, profundo y claro, que lleva a la reflexión y que cumple con la premisa de presentar una historia con fuerza y filmarla a cabalidad.

Ficha técnica

Titulo Original: La Vida de los Peces
Distribuidor: BFD
Calificación: TE
Duración: 85 Min.
Género: Drama
Año: 2009
País: Chile
Elenco: Blanca Lewin, Santiago Cabrera
Director: Matías Bize

Sex and the City 2

Sex and the City, en esta su segunda película, muestra a las cuatro inseparables amigas cuando se juntan nuevamente en una aventura poco común: son invitadas a unas vacaciones de lujo en Abu Dhabi, con todo pagado y las mayores atenciones que pudieran imaginar. Esta trama no es más que el punto de unión de las historias que cada una lleva por separado, a casi dos años del final de la primera entrega.

Vemos a Carrie Bradshaw -Sarah Jessica Parker- en un rutinario matrimonio con Mr. Big, interpretado por Chris Noth. Samantha Jones -Kim Cattrall- quien a sus 52 años sigue igual de extrovertida, llevando su menopausia a base de hormonas para mantener alejado los signos propios de la edad. Miranda Hobbes -Cynthia Nixon- vive agobiada por su trabajo y sin espacio para su esposo e hijo, mientras Charlotte York Goldenblatt -Kristin Davis- madre de dos pequeñas, se ve sobrepasada por la demanda de sus hijas y siente celos de la nana que las cuida.

Es una cinta liviana, entretenida, cuyo contexto es el lujo, la pomposidad y los recursos económicos exagerados. Sin embargo, en un análisis un poco más profundo, el filme presenta varias temáticas que pueden generar un buen debate. Introduce con fuerza el matrimonio gay y su validación social, la rutina y fácil aburrimiento del matrimonio tradicional, la sobrecarga del trabajo que deteriora las relaciones familiares y la sobrecarga de responsabilidad en la crianza de los hijos pequeños. Junto a ello, también presenta la gran importancia de la familia, el valor de la amistad a toda prueba, con un énfasis en la lealtad, la honestidad y sinceridad en las relaciones personales. Claro está que no profundiza en ninguno de los puntos, sin embargo tiene el valor de al menos exponerlos con diferentes visiones permitiendo que cada espectador pueda interpretar de acuerdo a su propia experiencia de vida..

La producción es lujosa y permite que el relato no decaiga. El guión se mantiene vivo, la música es parte importante de sostenimiento de las escenas y las intervenciones de Liza Minnelli, Miley Cyrus y Penélope Cruz entregan ese toque de glamour que envuelve el entorno de la serie. 146 minutos que permiten hacer un alto, involucrarse con otro mundo, volver a la realidad y con buenos elementos aprovechar las temáticas de fondo para una buena conversación.

Ficha técnica

Tiíulo Original: Sex and the City 2
Distribuidor: Warner
Calificación: 14
Duración: 146 Min
Género: Comedia, Drama, Romántica
Año: 2010
País: USA
Elenco: Jason Lee, Sarah Jessica Parker, Kim Cattrall, Cynthia Nixon, Kristin Davis, Chris Noth
Director: Michael Patrick King

Alicia en el país de las maravillas

Tim Burton entrega su versión de Alicia en el país de las maravillas, basada en el famoso libro de Lewis Carroll, llena de elementos propios del director: filmación oscura, personajes caricaturizados al extremo y vertiginosos ambientes.

Alicia (Mia Wasikowska) tiene pesadillas todas las noches. Sueña con un mundo mágico y extraño que le produce mucho temor. El día de su compromiso, Alicia persigue al conejo blanco McTwisp y entra al mundo de fantasía con el que siempre ha soñado. Allí es guiada por Tarrant, el Sombrerero Loco (Johnny Depp se roba la película), los gemelos Tweedledee y Tweedledum (Matt Lucas), Mirana, la Reina Blanca (Anne Hathaway) para llegar al encuentro y al desafío con Iracunda, la Reina Roja (Helena Bonham).

Reconozco que tenía una expectativa mayor del filme, sobre todo en 3D. Desde el punto de vista de la elaboración, mi impresión es que esta versión de "Alicia" es algo inconexa, una suma de situaciones más que un relato propiamente tal. Es como si el guión se hubiese remitido sólo a pinceladas de cada encuentro de la protagonista con cada situación. Del mismo modo, la composición de los personajes es algo pobre, salvo por cierto el sombrero loco donde Depp sobresale notablemente. Mia Wasikowska entrega una caracterización de Alicia muy liviana, casi sin fuerza dramática, una decisión comprensible si Burton deseaba exagerar la inocencia y transparencia de la protagonista, pero que sin embargo le juega en contra hacia el final de la historia. Las reinas, hermanas opuestas en todo sentido, están sólo correctas en sus ámbitos, y los demás personajes quedan siempre minimizados por Tarrant y giran a su alrededor.

La producción es sólida para crear el entorno mágico de este inframundo maravilloso. Los efectos 3D no son muchos y podrían haber tenido un protagonismo mayor en la composición, lo que me hace dudar de recomendar completamente verla en este formato. Así y todo, Burton se las ingenia para crear un mundo precioso y un entorno adecuado para la historia, del que sólo extrañamos personajes más profundos y empoderados, como aquellos que Carroll nos hizo imaginar de niños al leer su fantástico cuento.

Ficha técnica

Titulo Original: Alice in Wonderland
Distribuidor: ANDES
Calificación: TE
Duración: 108 Min.
Género: Aventura
Año: 2010
País: USA
Elenco: Johnny Depp, Anne Hathaway, Helena Bonham Carter, Matt Lucas
Director: Tim Burton