"Zukerman Chamber Players" en la Temporada de Conciertos "Fernando Rosas" de la Fundación Beethoven

Un vibrante concierto presenciamos el martes 11 de agosto en el Teatro Nescafé de las Artes. El programa estuvo conformado por el Scherzo para violín y piano, y el Cuarteto N° 2 para piano y cuerdas, Op.26 de Johannes Brahms junto al Quinteto para piano y cuerdas, Op. 44, de Robert Schumann.

Desde la primera obra para violín y piano de Brahms -cuyo origen es un encargo de obra colectiva conocida como Sonata FAE- ya apreciamos una preciosa sonoridad. Pinchas Zukerman y Angela Cheng, se encargaron de dar una vida simple y vigorosa a este Scherzo, con matices e intenciones muy bien logradas para el deleite inicial de la audiencia.

En la obra siguiente se incorporaron Jethro Marks en viola y Amanda Forsyth en cello, para entregar una magnífica y brillante versión del Cuarteto N° 2 para piano y cuerdas, Op.26 también de Brahms. Escuchamos una verdadera joya interpretativa con afinación precisa, fraseos comunes, ataques cuidados y un excelente manejo de la paleta de colores -definida por el mismo Zukerman como el ingreso al arcoiris de la obra- tanto grupal como de cada solista. Es necesario mencionar varios detalles técnicos muy importantes que, gracias al dominio de cada instrumento por parte de los solistas, están completamente al servicio de la expresividad. Algunos de ellos son, por ejemplo, el manejo de distintos tipos de vibrato dependiendo la frase y el color necesario, el dominio y control excepcional que Zukerman tiene del arco y su velocidad, el enfoque del sonido y el equilibrio sonoro del conjunto. La textura lograda es iluminadora. Los cuatro solistas al servicio del conjunto y de la interpretación en una obra compleja como esta, ofrecen un estilo definido y propio, donde cada detalle es el resultado del cabal conocimiento y estudio de la obra.

En la segunda parte escuchamos el Quinteto para piano y cuerdas, Op. 44, de Robert Schumann, sumando a Jessica Linnebach como segundo violín. Obra lírica por excelencia, este quinteto es una obra cumbre para cualquier conjunto de cámara. La versión de Zukerman Chamber Players fue excepcional. Sus melodías, las luces y sombras del bellísimo segundo movimiento y el vigoroso final permitieron el lucimiento de cada solista, un caudal sonoro generoso y un manejo perfecto de la tensión y el reposo dentro de la obra.

Zukerman, con un claro liderazgo puesto al servicio del grupo y de la música, logró estilos particulares y claros para cada obra según su propio contexto. Fue una maravillosa clase de como llevar la música de cámara a un altísimo nivel, y que a pesar de la irregular acústica del Teatro que corta los sonidos medios, se abrió paso a raudales en una mágica velada.

Como si fuera poco, y luego de la merecida ovación final, el grupo nos regaló el Scherzo del Quinteto con piano op. 34 de Brahms, en una maravillosa interpretación, fresca, llena de color y armonía que fue el broche de oro para un concierto memorable.

Ficha técnica

Johannes Brahms: Scherzo para violín y piano
Johannes Brahms: Cuarteto N° 2 para piano y cuerdas, Op.26
Robert Schumann: Quinteto para piano y cuerdas, Op. 44

Pinchas Zukerman, violín
Jessica Linnebach, violín
Jethro Marks, viola
Amanda Forsyth, cello
Angela Cheng, piano

Karate Kid

El joven Dre Parker -Jaden Smith- se traslada a vivir desde Detrot -Estados Unidos- a Beijing -China- debido a una cambio en la destinación del trabajo de su madre. El padre de Dre ha fallecido hace poco y su ausencia es un recuerdo aún muy triste para madre e hijo. Ya en la capital China, el cambio cultural -idioma, costumbres, estilo de vida- es un nuevo golpe para este muchacho de 12 años, lo que se acrecienta debido a un recibimiento muy hostil -por llamarlo generosamente así- de parte de un grupo de jóvenes de su nuevo entorno, en especial de Chen, el líder de la clase y aprendiz avanzado en artes marciales. Así las cosas, el escenario es desalentador. Rechazado por sus pares, en un ambiente desconocido e ingrato, Dre encuentra una luz al descubrir y fascinarse con el arte del Kung Fu. A ello se suma la oportunidad de conocer al señor Han -Jackie Chan- encargado de mantenimiento de su edificio y comenzar con él una amistad que irá, cada vez más, adquiriendo una mayor profundidad.

A diferencia de las entregas anteriores, esta cuarta secuela de Karate Kid no sólo cambia de país y de arte marcial, sino que además se introduce en la vida interior de ambos protagonistas. La inquietud, irreverencia y espontaneidad sin límite de Dre junto a la soledad interior, sabiduría y paciencia atormentada del señor Han, son presentadas dentro de complejas personalidades en extremo distintas entre aprendiz y maestro. El guión se da los tiempos necesarios en el metraje para destacar hechos y situaciones especiales. La dirección de Harald Zwart permite un equilibrio justo al mostrar la vida normal, el duro entrenamiento, los acrobáticos combates, los diálogos íntimos y la preciosa fotografía de lugares históricos.

Esta cinta es un gran aporte en varios aspectos. Nos entrega una visión particular de la China actual, donde conviven naturalmente la historia y el patrimonio con la modernidad, nos muestra estilos culturales (norteamericano-oriental) claramente contrapuestos y con dificultades de convivencia social y además nos entrega valores trascendentes que emanan de la relación de Dre con su mentor y de la profundidad y sentido del Kung Fu. El cultivo de la paciencia, el trabajo metódico y constante, la concentración, la bondad, las relaciones personales y el cariño son valores muy bien delineados por el filme. Impresiona que desde el simple hecho de colgar o descolgar una chaqueta pueda desprenderse tal profundidad de elementos positivos a desarrollar. En contrario, la ambición y la maldad son duramente tratados, sobre todo tomando en cuenta el vital aporte de la milenaria cultura oriental basada principalmente en el honor, el respeto y la palabra empeñada.

Karate Kid 4 es una grata sorpresa. Reconozco que no tenía cifradas muchas expectativas y estas fueron superadas con creces, por lo que la recomiendo sin dudas. La actuación de Jaden Smith es muy convincente y se desarrolla con natural frescura, Chang revela una faceta hasta ahora desconocida y la química entre ambos se explota muy bien en beneficio del ritmo del relato. En síntesis, una muy buena película, con enseñanzas y valores muy interesantes sobre el crecimiento y la madurez, ciertamente apropiada para los acelerados tiempos actuales.

Ficha técnica

Titulo Original: The Karate Kid
Distribuidor: Andes
Calificación: TE
Duración: 140 Min.
Género: Acción - Drama.
Año: 2010
País: Estados Unidos.
Elenco: Jaden Smith, Jackie Chan, Taraji P. Henson.
Director: Harald Zwart

Plan b

Un acierto en esta cinta de Alan Poul es la secuencia de créditos iniciales que son animados, livianos y divertidos. Luego pasamos a la clásica comedia romántica donde en esta oportunidad los protagonistas son Zoe -Jennifer Lopez-, una mujer soltera que está empeñada en tener un hijo y Stan -Alex O'Loughlin- un hombre que llega inesperadamente a su vida en un "casual" encuentro el mismo día que Zoe ha recurrido a la inseminación artificial y que ha resultado al primer intento. Así las cosas, Zoe está embarazada, no sabe como contárselo a Stan y con ello comienza la secuencia de acontecimientos que rodean el relato y el devenir de la pareja.

Encontramos personajes poco logrados en ambos protagonistas, junto a situaciones forzadas en la relación de pareja -como la casualidad y el encuentro- y la búsqueda de un ideal, tal vez imposible, que actúa más como una barrera junto a pequeños atisbos de la problemática de la soledad futura de ambos. Un tema de fondo en el metraje es el dilema moral sobre tener un hijo como madre soltera. Zoe lo resuelve sin tapujos, con un banco de espermios y la inseminación artificial. Un tema puesto en la mesa y resuelto como quien va al banco a sacar dinero. También se observa el miedo al compromiso por diversos fracasos, abandonos y pérdidas de seres queridos. Esta temática, que sin duda es importante, no alcanza ningún desarrollo especial como para ser profundizada en la cinta, desaprovechando la oportunidad.

Los hijos son presentados como un problema y a la vez como necesidad vital de trascendencia, una aparente incoherencia que no se resuelve correctamente y desemboca en un relato poco convincente, con reparos en el guión, ritmo cansino y totalmente previsible. Si bien es cierto que a este género se le pide entretención y risas, es delicado que temas profundos y vitales sean abordados de manera tan liviana, con soluciones estereotipadas. Plan B cumple con entretener y mostrar a "J Lo" embarazada. No más que eso, lo mínimo esperable de este filme, a pesar que el esperado final trate de revertir en pocos minutos el sabor superficial de la cinta.

Ficha técnica

Titulo Original: The back-up plan
Distribuidor: Andes
Calificación: 14
Duración: 106 Min.
Género: Comedia Romantica
Año: 2010
País: Estados Unidos.
Elenco: Jennifer López, Alex O`Loughlin
Director: Alan Poul

La cinta blanca

Esta cinta del director austriaco-alemán Michael Haneke, ganadora de la Palma de Oro en Cannes 2009 junto a varios premios del cine europeo como mejor película, mejor director y mejor guión, responde a una historia sobre la vida pública y las intimidades familiares de una pequeña villa en el norte de Alemania, justo antes del inicio de la Primera Guerra Mundial. El profesor de la aldea -Christian Friedel- comienza en off un relato de extraños sucesos acontecidos desde un particular accidente sufrido por el médico del pueblo, pasando a una serie de trágicos incidentes que mantienen atemorizada a la comunidad.

Filmada con delicadeza, sin prisa, con detención en los detalles, la cinta construye una gran tensión de comienzo a fin, abriendo frentes sin cerrar ninguno, mostrando una evidente dicotomía entre la vida pública y privada de sus habitantes, en que los valores y la moral sufren un doble estándar complejo de sobrellevar. Es notable como el metraje nos logra sumergir dentro de la vida cotidiana del pueblo, con sus miedos, temores, deseos y esperanzas. Actuaciones sólidas y profundas en cada personaje presentado ratifican lo radical del filme: el barón, el administrador, el doctor, el pastor, la comadrona, los trabajadores, el maestro y la cuidadora, se relacionan de forma especial con los niños del lugar. Asimismo, la relación de estos últimos con sus padres, tal vez podría verse como el argumento central del relato, reforzando la presencia del rencor, la frustración, la ira y una gran represión, todo ello en una fina textura que entrega elementos de juicio, sin responder explícitamente a las tesis planteadas finalmente por el maestro del pueblo que actúa solo como observador de los hechos.

Cruda, impactante, simple y a la vez compleja, "La cinta blanca" es un ejemplo de rigor, ritmo y equilibrio. La ausencia de música la hace aún mas contundente ya que el contenido dramático está entregado sólo a las actuaciones, las imágenes, los pocos y precisos diálogos y al relato "en off" de los acontecimientos. Esta película escrita y dirigida por Haneke, sin duda, propone un análisis sociológico e histórico de la época y su resultado en los años posteriores situados entre los dos conflictos bélicos mas importantes del siglo XX. Lo dice el profesor al comienzo, cuando menciona que esta historia "quizá podría esclarecer algunas cosas que sucedieron en este país" en clara alusión al nazismo.

El efecto del blanco y negro es sobrecogedor, y aunque fue filmada en color, el presentarla de esa forma no solo la sitúa en la época sino que la transforma en una fábula muy clara donde se despliega un intenso contraste claro-oscuro: la pureza e inocencia representada por el blanco junto al sometimiento y el abuso representado por el negro simbolizan en fondo de esta magnífica cinta, que con profundos merecimientos ha sido reconocida en los principales festivales de cine europeo.

Ficha técnica

Titulo Original: Das weisse band
Distribuidor: Impacto
Calificación: 14
Duración: 144 Min.
Género: Drama, Bélico
Año: 2009
País: Francia, Alemania, Austria.
Elenco: Ulrich Tukur, Susanne Lothar, Josef Bierbichler, Burghart Klaußner, Marisa Growaldt, Janina Fautz, Michael Kranz, Jadea Mercedes Diaz, Michael Schenk, Steffi Kühnert, Sebastian Hülk, Anne-Kathrin Gummich, Ursina Lardo
Director: Michael Haneke

Mi villano favorito

Esta aventura animada cuenta la historia de Gru y Vector, dos villanos que compiten por el mayor logro y el primer lugar del ranking de malvados. Aunque es de futuro predecible, "Despicable me" -su título en inglés sugiere algo así como "despreciable yo"- propone no sólo situaciones de comedia y humor sino también algunas otras temáticas de fondo. El tema es que no alcanza a profundizar en ningún ámbito y sólo se queda en las buenas -o malas - intenciones, convirtiéndose en entretenidos 95 minutos sin ir más allá de lo predecible.

Así y todo, podemos mencionar que la competencia, la deslealtad y la dominación, junto al desarrollo de la ciencia para hacer el mal, son los contra-valores que presenta esa cinta. Y todo ello se entiende básicamente como la respuesta natural al abandono parental sufrido por los villanos protagonistas -que por lo demás no son ni tan villanos ni tan malos- y que con Gru esperamos que se revierta. En él, los traumas infantiles producto de la pésima y frustrante relación con su madre, lo han hecho un hombre frío, egoísta, calculador y en cierto modo despreciable. Gru sólo tiene un círculo de pertenencia claro donde se siente cómodo, querido y admirado: la comunidad de pequeños siervos trabajadores -muy jocosos, por lo demás- que habitan bajo su casa, guiados por un sabio y anciano científico.

El quiebre -previsible naturalmente- se produce cuando aparecen en la vida de Gru las tres pequeñas huerfanitas: Margo, Edith y Agnes. Allí es donde comenzamos a visualizar la oportunidad de un cambio radical de nuestro protagonista, el que estará basado en el afecto y en el amor que nuestro villano nunca ha tenido. Y el impulso viene justamente de estas desamparadas niñas, quienes reflejan gran necesidad de afecto, cariño y compañía y que, buscando una figura paterna que las acoja y las cuide, son capaces de despertar ternura incluso en el más duro de los villanos.

Ficha técnica

Titulo Original: Despicable me
Distribuidor: UIP
Calificación: TE
Duración: 95 Min.
Género: Animación.
Año: 2010
País: Estados Unidos.
Elenco: Jason Segel, Steve Carell, Kristen Wiig, Ken Jeong, Will Arnett, Russell Brand, Miranda Cosgrove, Danny McBride, Julie Andrews, Jemaine Clement, Jack McBrayer, Grace Rolek, Elsie Fisher, Dana Gaier
Directores: Chris Renaud, Sergio Pablos, Pierre Coffin.

Cartas a Julieta

Sophie -Amanda Seyfried-, una "investigadora de casos" del New Yorker viaja con su prometido Victor -Gael García Bernal- a Verona. En esta idílica y romántica ciudad italiana, Victor se dedica a sus trabajos mientras Sophie recorre la ciudad y visita la casa de "Julieta" donde descubre las cartas que diariamente dejan los peregrinos en un muro pidiendo consejos. Conoce también al grupo de voluntarias que las responde y se une a ellas contestando una muy antigua dejada hace 50 años por Claire Smith -Vanessa Redgrave-. La "respuesta de Julieta" provoca que Claire regrese a Verona junto a su nieto Charlie -Christopher Egan- a buscar a Lorenzo Bartolini -Franco Nero- su gran amor adolescente.

El relato se inscribe dentro de la más tradicional comedia romántica donde el amor verdadero -o tal vez el amor idealizado-, y las segundas oportunidades son el foco de atención permanente. La trama tiene como fondo una historia de amor imposible -representado por el ícono de Julieta- con la esperanza que pueda efectivamente ser real. Esta adaptación de la novela de las hermanas Ceil y Lise Friedman, muestra personajes finamente trazados, con gran parte de su vida presentada sólo como esbozo, siempre girando en torno a la pérdida y al encuentro de seres queridos, explorando temas de familia, amor y decisiones en una permanente búsqueda.

La rutina e intereses distintos en una pareja comprometida -Victor y Sophie- se contrasta con el amor joven añorado por Claire y Lorenzo. Presenta, además, una clara oposición de la cultura norteamericana con la europea, aún más acentuada por los rasgos ingleses e italianos de los protagonistas. El grupo de escritoras, cuya misión es contestar las cartas, es interesante por su diversidad y gran actitud de servicio. El permanente optimismo de Claire, la tenacidad de Sophie, el escepticismo de Charlie y la libertad e improvisación de Victor dan curso a una historia ciertamente predecible, con un buen guión, aunque carente de giros de tensión y con claros vacíos de ritmo en la medianía del metraje.

Una preciosa fotografía, bellos paisajes de la campiña italiana, una banda sonora algo invasiva por momentos y una correcta filmación, componen una clásica historia de amor, donde los protagonistas tienen más dudas que certezas y juntos van descubriendo aquellos caminos solo definidos por el corazón y los sentimientos más íntimos.

Ficha técnica

Titulo Original: Letters to Juliet
Distribuidor: BFD
Calificación: TE
Duración: 105 Min.
Género: Romántica
Año: 2010
País: Estados Unidos
Elenco: Amanda Seyfried, Vanessa Redgrave, Gael Garcia Bernal, y Franco Nero
Director: Gary Winick

Orquesta Sinfónica de Chile - Max Valdés

En un nuevo concierto de la Temporada Oficial 2010, la Orquesta Sinfónica y la Camerata Vocal de la Universidad de Chile interpretaron, bajo la conducción del maestro chileno Maximiano Valdés, el "Réquiem" del compositor inglés John Rutter, y la tercera sinfonía, “Escocesa”, de Félix Mendelssohn

En la primera parte apreciamos un excelente y prolijo trabajo de sonoridades en la obra de Rutter. El compositor, nacido en Londres en 1945, compuso su "Requiem" un año después de la muerte de su padre, en 1985, e incorpora en él textos de la Misa de difuntos de la Iglesia Católica junto a otros usados frecuentemente en funerales Anglicanos.

La interpretación de la pieza fue muy serena, recogiendo su esencia principal que está basada en suaves melodías, armonías y disonancias que conducen la música siempre apoyando a los textos, formando un bello espacio sonoro, compacto y sutil. El gran trabajo de la Camerata Vocal -preparada por Juan Pablo Villarroel- y la preciosa voz de la solista, la soprano Claudia Pereira, se vio reflejado en los siete movimientos de la obra. El maestro Valdés imprimió un sello noble y maduro a la pieza, velando permanentemente por los equilibrios sonoros, donde la orquesta respondió perfectamente, en especial en toda la sección de sus cuerdas.

Destacaron especialmente el solo de celo con que comienza el segundo movimiento, la prístina interpretación vocal del Pie Jesu a cargo de la soprano solista, los solos de corno y el vigor del coro en el Sanctus y en el Lux aeterna. Pequeñas fallas de sincronización rítmica, algunas diferencias de tensión entre coro y roquesta y solos de flauta y oboe algo despegados del ambiente sonoro correspondiente, no afectaron el hermoso desarrollo de este "Requiem" que fue recibido con fuertes aplausos por la audiencia.

En la segunda parte escuchamos la Sinfonía Escocesa de Félix Mendelssohn. Estrenada en 1842 y dedicada a la Reina Victoria, esta Tercera Sinfonía en la menor posee un lenguaje lírico, rítmico y vibrante, lo que permite el lucimiento de la orquesta y sus solistas a lo largo de sus cuatro movimientos. Luego de un comienzo con algunas dudas, especialmente rítmicas y de balance, director y orquesta comenzaron a entregar una preciosa versión de la obra, que se vio coronada por el Adagio del tercer movimiento, a mi gusto lo mejor logrado de la noche en cuanto a interpretación, sonido y entrega. El segundo movimiento, en mi opinión algo rápido de acuerdo a la acústica del Teatro, incomodó a las maderas y a las cuerdas en pasajes muy rápidos, no suficientemente pronunciados y algo corridos. El cuarto tiempo, Allegro vivacissimo y brillante conclusión de la sinfonía, fue interpretado en forma vigorosa, con variedad de matices, dando paso a la majestuosidad del Allegro maestoso assai con que Mendelssohn recapitula el tema principal y finaliza la obra.

La Orquesta Sinfónica de Chile suena cada vez mejor, sus filas están muy compenetradas y los equilibrios bien trabajados. El maestro Valdés imprimió un estilo elegante, refinado y sobrio que fue recogido excelentemente por los músicos. Sólo mencionar que, tal vez debido a la regular acústica del Teatro, las sonoridades mayores -los fortísimos- anularon gran parte de las veces las voces intermedias, generando un efecto de escuchar sólo sonidos bajos y agudos envueltos en una masa sonora uniforme, sin el color y la textura apropiada. Como contrapartida a esta dificultad, las menores sonoridades develaron un sonido pastoso en la cuerda y un buen fiato de bronces, maderas y timbal en relación al conjunto.

Precioso concierto, reflexivo, brillante y cálido, el ofrecido el viernes 23 de Julio en el Teatro de la Universidad de Chile, el que sólo lamentó tener más público en la sala para apreciar el gran trabajo mostrado por los intérpretes.

Ficha técnica

Teatro Universidad de Chile
Viernes 23 de julio de 2010
Orquesta Sinfónica y la Camerata Vocal de la Universidad de Chile
Solista: Claudia Pereira
Director: Max Valdés
John Rutter: "Réquiem"
Félix Mendelssohn: Tercera Sinfonía, “Escocesa”

Aprendiz de brujo

Esta película retoma -al menos parcialmente y como su base- la idea de un clásico corto animado de Walt Disney presentado en "Fantasía" (1940) llamado "El aprendiz de brujo". Ahora, la historia se desarrolla como un relato de magia, hechizos y brujería situada en el New York actual (2010) mostrando la eterna lucha entre el bien y el mal. Esta vez, la disputa está representada por el antiguo mago Balthazar Blake (Nicolas Cage) quien, luego de un milenio y múltiples búsquedas, encuentra finalmente a su elegido o heredero para realizar lo dispuesto por el ancestral mago Merlin: debe adiestrar a un novel aprendiz, Dave Stutler (Jay Baruchel), y así evitar que un mago perverso, Maxim Horvath (Alfred Molina), controle la ciudad y logre destruir el mundo actual.

Fantásticos efectos especiales y una excelente producción (Jerry Bruckheimer) dan el marco a un metraje que revela una cercana relación maestro-aprendiz, el difícil proceso de entrenamiento, la rebeldía adolescente, la permanente duda, la sabiduría enfrentada a la paciencia, la relación existente entre la inteligencia y la magia, junto al rol fundamental que en todo esto le cabe al amor.

La actuación de Nicolas Cage es sólida y convincente -como en la mayoría de las cintas que ha interpretado en este género de acción- y sorprende la naturalidad con la que el joven Jay Baruchel construye su personaje de aprendiz. Destaca particularmente el grado de violencia que se revela para ser una película catalogada para todo espectador, por lo que cobra mucho sentido la sugerencia que los niños sean mayores de 7 años. La maldad y el daño junto al ansia de poder y la dominación están presentes en forma constante y sin duda requieren de una lectura acompañante para los menores de edad.

La banda sonora es excelente, y acompaña muy bien una sección central del filme -la famosa escena de las escobas y baldes de agua que en "Fantasía" fue interpretada por el famoso "Mickey Mouse"- con una partitura que recoge renovadamente la música original que el compositor francés Paul Dukas escribió, en 1897, para la balada del poeta alemán Johann Wolfgang Von Goethe, llamada "El aprendiz de hechicero".

Ficha técnica

Titulo Original: The Sorcerer`s apprentice
Distribuidor: Andes
Calificación: TE+7
Duración: 81 Min.
Género: Acción - Aventura
Año: 2010
País: Estados Unidos.
Elenco: Nicolas Cage, Jay Baruchel, Monica Bellucci, Toby Kebbell, Ethan Peck.
Director: Jon Turteltaub.

Shrek para siempre

Los estudios Dreamworks nos entregan esta cuarta parte de la saga del ogro verde y que marca la conclusión de la historia de forma clara, cerrando un ciclo que comenzó hace casi 10 años, en 2001 con su primera parte. En esta ocasión, Shrek vive una vida normal y apacible, lo que lo tiene algo aburrido y decide aceptar una oferta de Rumpelstiltskin para volver -sólo por un día- a quien era en un comienzo: el solitario y libre ogro temido por todos en el reino de "Muy, muy lejano". El problema es que no leyó la letra chica del contrato y con ello no se percató que las cosas podrían no volver atrás.

Divertida, animada y ágil en el relato, "Shrek para siempre" es una preciosa fábula sobre la inconformidad de la vida en sus diferentes etapas. "No se aprecia lo que se tiene hasta que se pierde", es la frase motora del argumento del filme. Los personajes son retratos perfectos de muchas personalidades humanas y lo que viven es reflejo también de situaciones reales. Los valores como el amor, la amistad, la lealtad y la comprensión están siempre presentes, junto a las muestras de ingenuidad, perseverancia y la necesidad de tomar precaución frente a algunas propuestas.

El personaje de "Burro" es brillante como eje soporte de la historia con sus múltiples intervenciones jocosas y atinadas frases. El Gato con Botas también agrega esa dosis necesaria de humor y sensibilidad que la trama necesita. La animación es prácticamente real, con una edición de lujo, tomas amplias preciosas y acercamientos naturales y descriptivos de los sentimientos de los protagonistas. Los diferentes escenarios -tanto físicos como emocionales- están representados perfectamente y la música -aún sin brillar- es justa y acompaña en forma precisa.

En síntesis, Shrek para siempre es un regalo. Una metáfora de la vida; una gran enseñanza sobre el ver que lo más importante está más cerca de lo que pensamos, e incluso a veces lo olvidamos, y como no nos damos cuenta de ello hasta que lo perdemos o definitivamente no lo tenemos.

Ficha técnica

Titulo Original: Shrek Forever After
Distribuidor: UIP
Calificación: TE
Duración: 93 Min.
Género: Comedia, Animación, Aventuras, Fantástico
Año: 2010
País: Estados Unidos
Elenco: Voces en Inglés de: Cameron Diaz, Mike Myers, Eddie Murphy, Antonio Banderas, Justin Timberlake, Julie Andrews, Maya Rudolph, Craig Robinson, Amy Sedaris, Eric Idle
Director: Mike Mitchell

Encuentro explosivo

Roy Miller (Tom Cruise) un agente secreto en una misión desconocida, conoce en un aeropuerto a June Havens (Cameron Diaz) quien debe regresar a su pueblo por la boda de su hermana. Luego de este "casual" encuentro, Cruise y Diaz comienzan una serie de aventuras, persecuciones del FBI, ataques de la mafia y escapes al filo de la muerte que los llevan a recorrer un mundo lleno de traiciones, identidades falsas y muy pocas verdades.

El director Roger Kumble entrega una cinta con mucha acción, muy bien producida y editada, con una filmación de calidad y excelentes efectos especiales. Es un filme entretenido y rápido, con una trama aparentemente compleja la que sin embargo se va simplificando y decae - o llega a lo mismo de siempre - con el correr del metraje. También, como en muchas ocasiones, las escenas de los avances -trailers- son los ejes de la cinta, ya que nos adelantan las acciones principales las que uno va descubriendo -esperando más bien- durante la película.

Todas estas aventuras de situaciones imposibles, mágicas, prácticamente al borde de un héroe de historieta, son llevadas por dos personajes sin profundidad, totalmente estereotipados y que no convencen mayormente. Cruise como el chico bueno -o malo- al que literalmente no le "entran balas" y Díaz como la bella chica que no sabe donde está ni por qué y que con el correr del metraje se empodera gracias a la admiración y amor a su héroe. Hay un valorable intento de incluir historias anteriores, de las vidas reales de los protagonistas, que asoman pero no logran un papel importante en este relato, que con todo, cumple con su principal propuesta: entretenidos 110 minutos de acción, comedia y aventura.

Ficha técnica

Titulo Original: Knight & Day
Distribuidor: FOX
Calificación: TE+7
Duración: 110 Min.
Género: Acción / Comedia / Aventura
Año: 2010
País: Estados Unidos
Elenco: Tom Cruise, Cameron Diaz, Peter Sarsgaard
Director: Roger Kumble

Final de partida

Este filme, ganador del Oscar a mejor película extranjera en 2009 es una joya del director Yojiro Takita. Daigo Kobayashi (Masahiro Motoki) abandona su carrera en la música como cellista de una disuelta orquesta en Tokio, regresando junto a su esposa Mika (Ryoko Hirosue) a su ciudad natal, Yamagata. Sin trabajo y gracias a un particular anuncio de periódico -"partidas"- Daigo conoce una empresa muy particular liderada por Sasaki (Tsutomu Yamazaki) quien lo contrata apenas mencionando que su labor implica "ceremonias". Desde ese momento la vida de Daigo cambia completamente y adquiere un rumbo especial presentando una historia de vida, de ritos, tradiciones, costumbres y relaciones familiares.

Filmada con pausa y ritmo creciente, con el reposo y la tensión adecuados, una cámara acompañante, cercana, que muestra sin invadir espacios íntimos, va conduciendo el relato sobre el siempre complejo tema de la muerte y como nos enfrentamos a ella desde diferentes perspectivas. El director magistralmente nos muestra a través de un rito muy antiguo de "preparación de los cuerpos" como la muerte es un portal, una transición, el umbral o el paso a otra vida. Las excelentes actuaciones permiten una construcción de personalidades profundas y el desarrollo de vínculos afectivos sólidos.

La historia de Daigo nos introduce en sus expectativas y frustraciones personales, en la dignidad del oficio que comienza a desarrollar, la culpa por sus abandonos -el cello y su madre-, el amor de Mika, la comprensión de sus cercanos y una gran humanidad que siempre está presente en sus actos. Es preciosa la forma como son tratados y vinculados los trabajos del protagonista, descubriendo un hilo que los une: el arte en todo su esplendor, tanto el musical como el desarrollado en la solemne ceremonia de preparación de cuerpos.

Gracias a una partitura muy conmovedora, abundantes metáforas y signos, junto a una bella fotografía de entornos y paisajes, "Okuribito" -su título original- emociona y nos transporta a otra cultura, sin dejar de tocarnos interiormente, produciendo una empatía natural con los protagonistas en una invitación a ser parte de un mundo lleno de profundidad, sentido y trascendencia.

Ficha técnica

Titulo Original: Departures / Okuribito
Distribuidor: Transeuropea.
Calificación: TE+7
Duración: 130 Min.
Género: Drama
Año: 2008
País: Japón
Elenco: Masahiro Motoki, Takashi Sasano, Tetta Sugimoto, Tsutomu Yamazaki, Ryoko Hirosue, Kazuko Yoshiyuki
Director: Yojiro Takita

Shlomo Mintz y la Orquesta de Cámara de Chile

Luego de dos años regresó a Chile el famoso violinista nacido en Moscú (1957) y criado en Israel. El lugar fue el Teatro Nescafé de las Artes y se presentó como solista y director de la Orquesta de Cámara de Chile como parte de la Temporada 2010 de la Fundación Beethoven, con dos obras muy distintas y representativas de sus respectivos períodos: "Las cuatro estaciones", de Antonio Vivaldi, obra cumbre del barroco y el Quinteto para cuerdas en Sol Mayor, Op. 111, de Johannes Bramhs, una partitura romántica en una versión para orquesta de cuerdas.

Mintz nos entregó una versión minimalista y muy personal de los conciertos del Op. 8 de Vivaldi. Con pocas luces y sombras -algo que caracteriza al barroco-, el solista propuso un uso del restringido del arco lo que redujo el volumen en los tutti y más bien aplanó la sonoridad del conjunto. Pianísimos muy bellos y texturas armónicas bien logradas no fueron suficientes para contraponerse a sonidos picados, extremadamente cortos, con una marcada ausencia de vibrato en notas largas, lo que en la acústica seca de la sala se acrecentó sobre todo en las cuerdas bajas.

Con un leve choque de estilos entre los 4 conciertos -en ocasiones muy "a la barroca", en otras "más estilo vienés", y en momentos también entre el solista y el acompañamiento de la orquesta, junto a pequeños desfases en la sincronía de los comienzos tutti -atribuibles tal vez al hecho de tocar y dirigir a la vez- destacó el excelente apoyo del bajo continuo -cello principal junto al clavecín- y un muy buen trabajo de ambos concertinos. El punto más alto fue logrado en el segundo movimiento del "Otoño", con una sonoridad exquisita mientras el clavecín desarrollaba melodías basadas en las armonías propuestas por la cuerda.

Mintz nos regaló un grácil estilo de improvisación en los movimientos lentos y pasajes tranquilos que contrastan con cierta brusquedad en algunos fraseos, un balance desigual entre voces y diferencias mínimas de afinación en varios unísonos. El Stradivarius del solista presentó, en ocasiones, un sonido ahogado en registros intermedios de los agudos de la segunda y tercera cuerda, tal vez atribuible a la sala de concierto y al exceso de enfoque de arco del intérprete. Un brillante y rápido final del "Invierno" fue coronado por una ovación que no se hizo esperar y que retribuyó -con generosidad- una versión algo fría y parca de estos famosos conciertos.

En la segunda parte fue el turno del Quinteto en sol mayor de Brahms, obra que agrega al tradicional cuarteto de cuerdas -dos violines, una viola y un cello- una segunda voz de viola, creando una sonoridad preciosa y balanceada de las cuerdas medias. En esta versión para orquesta de cámara, ahora dirigida por Mintz, se pudo apreciar un gran trabajo de sonoridad, con filas instrumentales sólidas, y un alto nivel técnico e interpretativo de la "Orquesta de Cámara de Chile". En una versión amable que rescató armonías y ritmos con precisión, logrando un buen balance entre las voces, junto a un fraseo corto y tenso, muchas veces los sonidos no fueron acompañados por el gesto del director, algo impreciso e incomodo y carente de técnica gestual. A pesar de dichas limitaciones, Shlomo Mintz comunicó bien -imagino que en los ensayos- lo que quería transmitir a sus músicos, aunque a veces no sonara exactamente lo que mostraba con sus manos y en otras sonara muy distinto a su expresión corporal.

Como resultado final escuchamos un Brahms con gran sonoridad y peso armónico pero sin profundidad. Es posible que se haga necesario dotar de más cimientos y tranquilidad a la obra, junto a un mejor trabajo del color y la textura para que los sonidos no se dividan y no se ahoguen, teniendo mucha más proyección para hacer frente a la escasa acústica de esta particular sala de conciertos. Aún siendo un solista y director con gran reconocimiento internacional, esta vez Shlomo Mintz -en mi opinión- quedó en deuda en varios aspectos musicales e interpretativos ante un público en extremo entusiasta que repletó el ex "Teatro Providencia".