La lección de pintura

Hermosa. Esta palabra resume fielmente esta cinta del director Pablo Perelman, basada en la novela del pintor y escritor chileno Adolfo Couve. "La lección de pintura" transcurre en el Chile de los años 60. Augusto, un niño campesino hijo de una joven madre soltera -Elvira, interpretada por la española Verónica Sánchez- va descubriendo un gran talento para la pintura gracias al apoyo del dueño de la droguería del pueblo, Carlos Aguiar -interpretado por el mexicano Daniel Giménez Cacho- donde Elvira trabaja como su ayudante.

La cinta sorprende gratamente desde el comienzo por una notable fotografía. Podríamos decir que Perelman ha "pintado" esta película pues de cierto modo ha sido capaz de llevar a la pantalla grande la esencia del arte pictórico gracias a planos excelentemente construidos, un manejo de luces y sombras muy cuidado y una extraordinaria calidad de producción. La narración, en un estilo europeo que toma pausas e imprime un ritmo particular, enfatiza varias temáticas que rodean la vida del joven Augusto. La soledad de su madre y su enorme esfuerzo para salir adelante con su hijo; la frustración de Aguiar al no poder plasmar como quisiera su gran conocimiento del arte en sus propios trabajos; la sociedad chilena que, con la reforma agraria, las revoluciones y la Unidad Popular liderada por Salvador Allende, comienza a cambiar y a movilizarse; y la inocencia de un niño cuyo talento sobrepasa cualquier parámetro y sorprende a todos quienes tienen ocasión de ser retratados por su arte.

"La lección de pintura" se inscribe como un relato que se va develando poco a poco. Tal como el pintor realiza sus trazos para componer su obra, Perelman nos permite ir descubriendo durante el metraje el significado y la historia, gracias a la conjugación de gruesos elementos e ínfimos detalles. En ello es notable el gusto casi obsesivo de Aguiar por el "impresionismo" lo que sin duda está retratado en la forma de exponer la cinta y de manejar con excelencia la composición de cada escena.

Desde otro ámbito, el político-social, la cinta muestra los años previos hasta el golpe militar. Los enfrentamientos entre grupos, la religiosidad popular y de élite, las manifestaciones callejeras, las marcadas diferencias de clases incluyendo discriminación y desigualdad, componen un cuadro en movimiento del que Perelman se hace cargo de forma muy natural, sin perder la esencia de su filmación, siempre ajustada y adecuada en tiempo y espacio.

"La lección de pintura" es una preciosa película que vale la pena disfrutar con calma, sin apuro, dispuestos a contemplar y dejarnos llevar por el relato, las imágenes, la música y la belleza de sus paisajes y entornos. Arte en estado puro, desarrollado en un gran nivel.

Ficha técnica

Titulo Original: La lección de pintura
Distribuidor: Independiente
Calificación: TE
Duración: 85 min
Género: Drama
Año: 2011
País: Chile,España,México
Elenco: Daniel Giménez Cacho, Verónica Sánchez, Catalina Saavedra, Teresa Fernández, Edgardo Bruna, Juan José Susacasa.
Director: Pablo Perelman

La invención de Hugo Cabret

La invención de Hugo Cabret cuenta la historia de un pequeño niño huérfano que vive en una estación de trenes en la ciudad luz, París 1931. Hugo se dedica a arreglar los relojes de la estación y a reparar todo lo que encuentra en el camino buscando las piezas adecuadas. Se oculta del vigilante e intenta pasar inadvertido entre los cientos de personas que a diario circulan por el lugar, sin embargo su curiosidad y deseo de conectarse con la muerte de su padre lo lleva a explorar los rincones más oscuros de la estación y a conocer personas que puedan entregarle alguna pista. A esta aventura se lanza con Isabelle, ahijada del uraño propietario de una tienda de juguetes de la misma estación.

El director Martín Scorsese lleva a la pantalla grande esta bella aventura descrita por Brian Selznick en el libro del mismo nombre. La cinta tiene mucho de magia. Y por cierto, basta tener en las manos por algunos minutos el libro para darse cuenta de la forma del relato que Selznick le imprimió. Ciento cincuenta ilustraciones acompañan un texto totalmente descriptivo, casi desarrollado especialmente para el cine. Y acá un detalle. El libro es excelente en la combinación del texto y la imagen, en llevar dos lenguajes a la vez en el desarrollo de la trama. A su vez, la película intenta llevar este paralelismo a la imagen y la fotografía, logrando cuadros excepcionales, de una finura y cuidado notable. Las cámaras, su movimiento, los planos y las actuaciones, todo colabora para entregarle a la cinta un alto nivel artístico.

La historia es sencilla y simple. El arte está en los detalles, en las relaciones y en el descubrimiento de los personajes. Avanza como un tren antiguo que va tomando ritmo lentamente y que cuando lo consigue es sólido y constante. Y como historia dentro de la historia -sin discernir cual es la principal y la secundaria- vemos los comienzos del cine. El cómo un mago ilusionista -nada menos que Georges Méliès- conoce este invento de las "imágenes en movimiento" (concebidas en un primer momento como otra ilusión y una moda pasajera) y desarrolla un nuevo arte de entretención a través de cintas con buen nivel de producción y con incipientes efectos especiales gracias a las nuevas técnicas de la filmación y a una artesanal edición.

Hugo es una película distinta, de belleza intrínseca y llena de detalles particulares. Brian Selznick nos hace viajar por un mundo de sueños e ilusiones, donde la realidad se confunde con la ficción lo que Scorsese se encarga de llevar magistralmente a la pantalla grande. Tal vez por ello -gracias a ambas vertientes, tanto la invención y la ilusión- es que cobra importancia ese pequeño y enigmático autómata que acompaña a Hugo en la estación y que encierra aquel exquisito misterio que es clave y eje dentro de la historia y que en este comentario no será develado.

Ficha técnica

Título original: Invention of Hugo Cabret
Distribuidor: UIP
Calificación: TE
Duración: 126 min
Género: Aventura
Año: 2011
País: EEUU
Elenco: Chloe Moretz, Ben Kingsley, Asa Butterfield, Jude Law, Sacha Baron Cohen, Christopher Lee.
Director: Martin Scorsese

Mini espías 4

Continuando con la saga de "Mini espías" llega esta cuarta versión. Ahora es un "ladrón del tiempo" el malvado que acecha el orden del mundo y que moviliza a la OSS para combatirle con todos sus agentes. Rebecca y Cecil, dos pequeños jóvenes que viven con su padre y su madrastra comienzan a participar de la acción cuando esta última revela que fue una vez una superagente.

La historia es muy esperable sin embargo introduce algunos temas interesantes de comentar. La presencia de la figura de "la madrastra" y lo compleja de su aceptación en especial por parte de Rebecca es parte central del relato. La pasividad del padre ante esta situación y la frustración que provoca en ella no avanzar en la relación con sus hijastros es determinante en el concepto de unión familiar. El otro tema interesante es el "tiempo". El malvado nos roba tiempo y ese es el problema mayor. A qué dedicamos nuestro tiempo, por qué queremos recuperarlo y lo que significa que otra persona lo maneje por nosotros introduce un tema de fondo: ¿invertimos bien nuestro tiempo o bien estamos absorbidos por el sistema, nuestros trabajos y nuestros quehaceres? No es la primera ni será la última vez en que esta temática cobre un relevante rol para hecernos reflexionar al respecto.

"Mini espías 4" es entretenida. Tiene efectos especiales, trucos y simpatía. Y como toda película para los pequeños de la casa -y los no tan pequeños- trae una moraleja: la unidad familiar siempre puede contra toda adversidad y todo mal; sólo hay que buscarla para darle una oportunidad.

Ficha técnica

Titulo Original: Spy Kids: All the Time in the World in 4D
Distribuidor .BFD
Calificación: TE
Duración: 89 min
Género: Aventura, Ciencia Ficción, Comedia, Fantasía
Año: 2011
País: EEUU
Elenco: Alexa Vega, Daryl Sabara, Jessica Alba, Jeremy Piven, Antonio Banderas, Ricky Gervais, Danny Trejo, Joel McHale, Mason Cook.
Director: Robert Rodríguez

El árbol de la vida

Interesante desde el punto de vista visual y como experiencia, esta cinta del director Terrence Malick y ganadora de la Palma de Oro en Cannes, es probablemente más que una simple película. El realizador describe, a través de múltiples imágenes y piezas musicales muy bien escogidas, algo tan maravilloso y complejo como resulta ser la vida, nuestra vida. Lo hace a través de Jack -Hunter McCracken-, un niño que vive con sus hermanos y sus padres en los Estados Unidos. Su padre -Brad Pitt- es estricto y severo. Su madre -Jessica Chastain- es amor y acogida. Dos extremos entre los cuales la familia transita a lo largo de todo el metraje.

"El árbol de la vida" tiene grandes pretensiones. Por una parte es capaz de formar un propio universo, casi un poema visual al intentar mostrar en muy poco tiempo la historia de la humanidad. Es también una súplica al relevar el papel divino de la creación y reforzarlo con citas bíblicas y un espíritu profundamente religioso. Y también es absolutamente humana al querer representar las luces y sombras de cada uno de los personajes que la componen.

Las opiniones se dividen. Es una cinta que provoca, que intenciona y que fuerza una opinión propia. En lo personal debo reconocer que incluso luego del análisis para escribir estas palabras aún no soy capaz de encontrar el sentido más profundo al que el director nos invita. Veo intenciones, veo un tratamiento de las cámaras que me incomoda las más de las veces, sin embargo lo que más me produce inquietud es que me pregunto constantemente sobre su real sentido. Puede ser la forma de la narración, puede ser lo magnánimo de la filmación, puede ser las piezas elegidas (Mahler, Respigui, Brahms, entre otros) o bien puede ser solo un tema de interpretación personal. Y como esto es subjetivo, creo que mi balanza se inclina hacia una cinta que se pierde en la forma, que pretende ser y no es. Al menos yo me pierdo en su forma. La veo como una experiencia visual sin embargo me parece predecible por muy hermosa fotografía que contenga.

Tal vez deba otorgarle una nueva revisión donde pueda traspasar las capas primarias para llegar a su sustancia. Tal vez la búsqueda de sentido se revele en posteriores lecturas o tal vez no. Hoy, ahora, me cuesta clasificarla y analizarla e insisto en el concepto inicial que esta cinta es más que una simple película que tal vez en otra instalación y con otro lenguaje podría ser interpretada a mayor cabalidad.

Ficha técnica

Titulo Original: The Tree of Life
Distribuidor: BFD
Calificación: 14
Duración: 139
Género: Drama
Año: 2011
País: EEUU
Elenco: Brad Pitt, Sean Penn y Jessica Chastain
Director: Terrence Malick

Tan fuerte y tan cerca

Basada en la novela homónima de Jonathan Safran Foer publicada el 2005, "Tan fuerte y tan cerca" narra la historia de Oskar Shell -interpretado por Thomas Horn- un niño de nueve años que ha perdido a su padre en los atentados del 11 de septiembre de 2001. Oskar encuentra en el clóset de su padre una misteriosa llave que está escondida dentro de un jarrón y se decide a descubrir cual es la cerradura que coincide iniciando una extensa búsqueda por toda la ciudad de Nueva York.

Stephen Daldry lleva a la pantalla grande una historia que remece por el solo hecho de tener como base los ataques a las Torres Gemelas. Sin embargo no es solo eso lo que se destaca en la cinta. Con un tono muy sentimental abusando incluso de imágenes repetidas el director presenta un relato bien armado donde recorre los atentados desde el punto de Oskar. La estrecha relación con su padre -Tom Hanks- y a la vez lejana relación con su madre -Sandra Bullock- configura en gran parte su personalidad. Su padre, un joyero de oficio, le ha inculcado desde pequeño la fuerza de voluntad y la inquietud de conocer sobre muchos temas, lo que sin duda marca su decisión obsesiva de encontrar la coincidencia de la llave.

"Tan fuerte y tan cerca" -"Extremely loud and incredibly close" en su título original- es también una película sobre relaciones. La figura paterna, presente aún más luego de su muerte, guía a Oskar en la forma de enfrentar su vida. No consigue hacer el duelo y se obliga a no olvidar a su padre. Ignorar a su madre, quien intenta superar la tragedia, tampoco es ayuda para poder sanar las heridas del "peor día" como Oskar llama al 9/11. Su refugio es la búsqueda. Mientras busque su padre estará presente, cercano, vivo. Y esto se releva cuando un hombre mayor -Max Von Sydow-, un inquilino de su abuela que solo se comunica a través de notas escritas, comienza a acompañarlo en esta odisea que parece no tener fin o no querer concluir.

La cinta también habla de superación. No solo del dolor de una pérdida tan desgarradora como la descrita sino también la superación de los traumas, de los miedos y de las angustias que un hecho de este tipo puede provocar. La búsqueda de Oskar no es solo sobre el duelo que se hace aún más difícil al haber enterrado a su padre sin su cuerpo, sino que también es el tránsito hacia la recuperación de su propia identidad o más bien su nueva identidad construida luego de la intensidad de lo vivido.

"Tan fuerte y tan cerca" a pesar de ser una película que sigue un clásico molde sensible está bien narrada y bien articulada. Tal vez intenta atrapar demasiadas emociones juntas y ello la hace diluirse en su propósito esencial, sin embargo el relato consigue fluir. La actuación de Horn es intensa permitiendo romper ciertas formas obligadas de la cinta y con ello dar aire a un metraje que, aunque es algo extenso, logra conmover.

Ficha técnica

Titulo Original: Extremely loud and incredibly close
Distribuidor: Warner
Calificación: 14
Duración: 129 min
Género: Drama
Año: 2011
País: EEUU
Elenco: Tom Hanks, Sandra Bullock, John Goodman, James Gandolfini, Zoe Caldwell, Jeffrey Wright , Max von Sydow,Thomas Horn.
Director: Stephen Daldry

El artista

¿Una película muda, en blanco y negro, en el actual mundo del cine lleno de color, 3D y efectos especiales, puede sobrevivir? Parece una apuesta imposible o al menos compleja, sin embargo "El artista" no solo sobrevive sino que "revive" la magia y esencia del cine; aquel cine de verdad que es capaz de contar una buena historia, generar emociones y conducirmos al interior del arte de las imágenes con excelentes actuaciones, una maravillosa banda sonora y una dirección brillante.

Es Hollywood, 1927. George Valentin -un carismático Jean Dujardin- es un gran actor, famoso y reconocido del mejor cine mudo de la época. Sus películas son aclamadas y su vida está llena de éxito. Por su parte Peppy Miller -encantadora Bérénice Béjo- es una joven que comienza su carrera desde abajo, como extra y empieza a ascender en el mundo de las cámaras y las estrellas. ¿Qué sucede? El mundo cambia. Llega 1929, cae la bolsa y junto a ello el cine sonoro lo que margina a George del estrellato.

"El artista" no es solo un maravilloso homenaje al cine mudo. Es historia viva del cine de esos años. Está filmada con maestría, con los tiempos justos, con los gestos, miradas y movimientos precisos, con los espacios perfectos para la música y en sincronía con los detalles que contiene cada escena. Las actuaciones son sólidas y con una belleza intrínseca. Ambos protagonistas aman su profesión y se representan en ella. Son tan artistas como personas normales y no solo actúan sus personajes, los viven y esa emoción la transmiten a la audiencia.

El director Michel Hazanavicius ha escrito y dirigido esta joya lírica. Es cine dentro del cine; una historia de amor y vida encarnada en la pantalla grande. Es una cinta que trata en su interior el signo de los tiempos y el cambio de época. ¿Nos adaptamos o lo rechazamos de plano? La experiencia, la juventud, el comienzo de una promisoria carrera o su final, todo convive en esta historia que retrata de manera perfecta lo pasajero del éxito y lo triste y solitario que es el olvido. Una película para disfrutar de comienzo a fin, para emocionarse y reír, para reflexionar, para gozar. CINE con mayúsculas, y del bueno.

Ficha técnica

Titulo Original: The Artist
Distribuidor: Diamond
Calificación: TE
Duración: 100 min
Género: Drama, Comedia.
Año: 2011
País: Francia
Elenco: Jean Dujardin , Bérénice Bejo and John Goodman
Director: Michel Hazanavicius

Jack y Jill

Adam Sandler por dos. Esta vez el histriónico comediante interpreta a Jack y Jill, dos hermanos gemelos que no se llevan bien y con personalidades totalmente opuestas. Jack es un hombre casado, con dos hijos y trabaja como publicista haciendo comerciales. Jill es soltera, totalmente extrovertida y solitaria luego de la muerte de su madre hace menos de un año. El día de Acción de Gracias los reúne en casa de Jack donde comienza la aventura.

Esta comedia no aspira a nada más que entretener por una hora y media. Al igual que muchas otras cintas del mismo género -y del mismo actor- se basa en diferentes gags que provocan risa fácil, algunos bastantes simples y hasta demasiado obvios. Sin embargo en esta película hay un hecho que destaca: la presencia de Al Pacino haciendo de él mismo durante largos pasajes, construyendo un personaje de si mismo como pocos actores pueden hacerlo. Sin duda se roba la película y le da un valor agregado adicional. Un par de escenas son realmente hilarantes y gracias a ello la película mantiene algo de ritmo para no caer en la monotonía.

Sandler lo hace muy bien en la caracterización de Jill. Se le ve suelto y cómodo en su versión femenina. Por cierto ante un guión bastante pobre es muy limitado lo que puede hacer el director Dennis Dugan, sin embargo se las ingenia para conseguir locaciones y llevar el metraje por diferentes lugares que al menos refrescan por momentos la pantalla. De fondo un tema también resuelto sin ninguna sorpresa: el amor de los hermanos es capaz de superar toda forma de ser y finalmente aquello es lo más importante.

Ficha técnica

Titulo Original: Jack y Jill
Distribuidor: Andes Films
Calificación: TE
Duración: 91 min
Género: Comedia
Año: 2011
País: EEUU
Elenco: Adam Sandler, Al Pacino, Katie Holmes, Elodie Tougne, Rohan Chand, Eugenio Derbez, David Spade, Nick Swardson,Tim Meadows.
Director: Dennis Dugan

No se como ella lo hace

Kate Reddy -Sarah Jessica Parker- es una mujer que tiene una intensa vida familiar y una exitosa carrera en el mundo de los negocios. Compatibilizar ambos roles es para Kate el pan de cada día. Sus dos hijos y su marido son lo más importante en su vida, sin embargo su trabajo es algo que le da muchas satisfacciones y es parte sustantiva de su desarrollo personal. El punto de quiebre se produce con una nueva oportunidad laboral, un nuevo negocio que obliga a Kate a innumerables viajes y ausencias para trabajar con Jack -Pierce Brosnan- con quien deben preparar una propuesta para un importante y acaudalado magnate.

Esta comedia se enfoca en el actual dilema del trabajo y la familia, esta vez desde el lado femenino donde la protagonista de "Sex & the City" se muestra siempre muy natural y cómoda en la construcción de su papel. Sin duda hay referencias a la serie pues el personaje de Parker tiene incorporadas muchas características personales de Carrie sobre todo cuando se desenvuelve en su ambiente laboral. Kate no duda un instante de sus prioridades, sin embargo el trabajo se va comiendo lo que para ella es lo fundamental y pasa a ser su principal preocupación.

“No se como ella lo hace” es una película que, de manera liviana, da cuenta de una realidad profunda en nuestra vida actual. La necesidad de congeniar maternidad con trabajo -también paternidad y trabajo pues no solo debemos mirarlo desde la óptica femenina- es una demanda actual por la que gran parte de las familias deben transitar sobre todo cuando los hijos son pequeños. Sin profundizar demasiado, en la cinta vemos representadas muchas situaciones cotidianas que nos suceden en el día a día que nos hacen presente nuestra propia realidad. Tal vez esa es la clave de la película, pues si logramos identificarnos con la historia no solo veremos una comedia bien construida por el director Douglas McGrath, sino que también podremos reflexionar sobre lo que estamos haciendo nosotros mismos ante esta similar realidad.

Ficha técnica

Título original: I don´t know how she does it
Distribuidor: BF Distribution
Calificación: TE
Duración: 89 min
Género: Comedia
País: EEUU
Elenco: Sarah Jessica Parker, Pierce Brosnan, Kelsey Grammer, Greg Kinnear, Mark Blum, Jane Curtin, Olivia Munn, Christina Hendricks, Jessica Szohr, Busy Philipps, Seth Meyers, Sarah Shahi, Emma Rayne Lyle
Director: Douglas McGrath

La piel que habito

Almodóvar es en si mismo un género propio. Su más reciente trabajo, "La piel que habito", con guión del propio director con la colaboración de Agustín Almodóvar y basado en la novela “Tarántula” de Thierry Jonquet, Éditions Gallimard, lo demuestra claramente. El Dr. Robert Ledgard -Antonio Banderas- un experimentado cirujano plástico, ha sufrido la muerte de su mujer a raíz de quemaduras producto de un accidente de tránsito. Ello le ha llevado a desarrollar una nueva piel mucho más resistente gracias a la terapia celular y a la transgénesis. Sin escrúpulos ha decidido probarla en un ser humano, Vera -Elena Anaya-, a quien mantiene oculta en su laboratorio-clínica-mansión llamada "El Cigarral".

Este drama que incursiona en el suspenso y el terror permite observar un relato perfectamente concebido de principio a fin. En ocasiones, particularmente en pleno desarrollo de la cinta, algunas de las ya conocidas obsesiones de Almodóvar se dan rienda suelta incluso pudiendo resultar algo incómodas o excesivas, sin embargo la maestría del director hace que el metraje fluya y avance sin tropiezos. Sobre la historia adelantar más detalles es delicado. Solo puedo mencionar que a lo largo de la cinta encontraremos muchos misterios, cabos sueltos que no alcanzan a unirse sino hasta completar una visión panorámica.

Dentro de las temáticas abordada en este trabajo, evidente y no por ello menos importante, es la profunda reflexión sobre la piel, aquellas células que nos recubren externamente y que generan en alguna medida una parte visible de nuestra identidad. En palabras del mismo Almodóvar, "la piel es la frontera que nos separa de los demás, determina la raza a la que pertenecemos, refleja nuestras raíces, ya sean biológicas o geográficas. Muchas veces refleja los estados del alma, pero la piel no es el alma." Y el punto acá es exactamente la identidad y la vulnerabilidad a la que estamos expuestos. Por ello, un cambio de piel no es necesariamente un cambio de identidad aunque el proceso pueda o no vulnerarnos en lo más íntimo de nuestro ser. Aceptar una segunda piel no necesariamente es aceptar ser otra persona o dejar de ser uno mismo. Otro tema presente es la moral y la ética. Las investigaciones y pruebas con seres humanos, cuestionadas por la propia comunidad científica -y apoyadas al mismo tiempo- dan cuenta de un dilema muy propio de nuestra era: ¿hasta dónde podemos llegar técnicamente basados en la ciencia y dónde están los límites éticos que no debemos traspasar? No hay respuesta, sólo interrogantes. Una tercera temática importante es la supervivencia y como tomar decisiones que permitan poder lograrlo. El cultivo de la paciencia y saber esperar el momento oportuno se presentan como virtudes necesarias a la hora transitar del cautiverio a la libertad. Asimismo, la libertad interior, independiente de lo que suceda en el exterior -un frontera bien dibujada gracias a la piel- es también algo digno de destacar en esta historia kafkiana.

Mención especial para la música de Alberto Iglesias. Bella, pertinente y llena de significación le otorga una coherencia a la imagen en un contexto que realmente cautiva, provocando profundas emociones. La producción es del nivel al que ya nos tiene acostumbrado Almodóvar y su equipo, con una fotografía profunda y cuidada, escenografías y luces en su punto, junto con actuaciones sólidas y personajes muy bien construidos. "La piel que habito" es una excelente película, una de las más logradas tal vez en su género, cuya historia revive la emoción del suspenso de un Luis Buñuel o un Alfred Hitchcock, tal como menciona el propio director, sin embargo solo son grandes referencias pues es completamente filmada al original estilo Almodóvar: sin anestesia, cruda y directo a la emoción.

Ficha técnica

Titulo Original: La piel que habito
Distribuidor: Diamond
Calificación: 18
Duración: 117 min
Género: Drama
Año: 2011
País: España
Actores: Antonio Banderas, Marisa Paredes, Jan Cornet , Roberto Álamo, Blanca Suárez, Eduard Fernández, José Luis Gómez, Bárbara Lennie, Teresa Manresa.
Director: Pedro Almodóvar

Los descendientes

Basada en la novela de Kaui Hart Hemmings, esta cinta del director Alexander Payne -"Confesiones del Sr. Schmidt", "Entre copas"- cuenta la historia de Matt King (excelentemente interpretado por George Clooney) un abogado y acaudalado hombre de negocios de Hawái. Su mujer, Elizabeth (Patricia Hastie), acaba de sufrir un accidente que la tiene grave y al borde de la muerte. Sus dos hijas, Alexandra (Shailene Woodley) y Scottie (Amara Miller), de pronto se reencuentran con su padre pues no han tenido mayor relación con él por sus viajes y negocios. Matt también es el responsable legal de una herencia de tierras en una de las islas por la que debaten familiarmente una posible venta para futuros proyectos turísticos e inmobiliarios, oferta muy conveniente en lo económico pero un verdadero desastre en lo patrimonial, cultural y natural del entorno. En suma, Matt es un hombre en problemas, y no menores cuando además se entera que su esposa le era infiel con Brian Speer (Matthew Lillard), otro portentoso hombre de negocios de la isla.

El director Alexander Payne compone un relato con todos estos elementos de una forma muy cuidada, mezclando dramáticas situaciones con elementos de comedia, lo que a mi modo de ver no resulta del todo logrado. Ciertamente el peso lo lleva Clooney que se sumerge en el personaje con todo su talento, ayudado por una excelente actuación de la hija mayor interpretada por Shailene Woodley. Sin embargo algo falta. La historia es fraccionada y tal vez pretende abarcar mucho. Desde grandes problemas existenciales de la vida hasta minúsculas decisiones que influyen en el entorno más pequeño y cercano. Sin duda esta película está hecha con talento, con excelente producción, hermosos paisajes -que incluso pueden ser un protagonista más- y buenas actuaciones. Entonces, ¿por qué no es suficiente?

Los descendientes es un drama emocional y relacional. Desde la tragedia Matt comienza una revisión de su vida. Toma conciencia de quién es, a quiénes ama verdaderamente, en síntesis, quién es Matt en estos momentos. Los monólogos explican mucho de esta reflexión y los problemas se suman unos con otros sin encontrar respuesta y solución. Y acá puede estar alguna luz. El personaje principal intenta profundizar en todas aquellas emociones y pensamientos racionales que va surgiendo con el correr de los minutos. Son demasiados. Tal vez lo abruman y lo sobrepasan. Está perdido, y dentro de ese desconcierto parece no existir cable a tierra que pueda rearmar su vida. El debate entre lo perfecto e imperfecto de la vida humana y cómo puede variar el escenario en tan poco tiempo a causa de un accidente, la falta de conocimiento y las relaciones complejas llevan a que finalmente la cinta extravíe el rumbo, sólo avance hacia lo esperable y muy lentamente. Aunque es una buena cinta, lamentablemente decepciona -tal vez por generar tan altas expectativas- luego de los premios obtenidos en Canadá y sus cinco nominaciones al Oscar 2012.

Ficha técnica

Titulo Original: The Descendants
Distribuidor: FOX
Calificación: 14
Duración: 115 Min.
Género: Comedia, Drama
Año: 2011
País: Estados Unidos
Elenco: George Clooney, Judy Greer, Shailene Woodley, Matthew Lillard, Beau Bridges, Robert Forster, Amara Miller, Nick Krause
Director: Alexander Payne

La chica del dragón tatuado

Esta cinta dirigida por David Fincher es una nueva versión del primer volumen "The Millennium Trilogy" del sueco Stieg Larsson. Sin duda la primera versión del director Niels Arden Oplev está aún en la retina por lo que las comparaciones surgen naturalmente. Sin embargo, Fincher logra su objetivo con esta adaptación marcando diferencias y poniendo énfasis en diversos detalles del relato.

Todo se remonta a cuarenta años atrás, cuando la joven Harriet, de 16 años, desaparece de una reunión familiar en la isla de los Vanger sin dejar ninguna pista. Este hecho lleva a su tío, Henrik Vanger -Christopher Plummer-, a pensar que ha sido asesinada. Sus esfuerzos se enfocan en investigar el hecho aún sin ninguna explicación por lo que contrata a un periodista, Mikael Blomkvist -Daniel Craig-, que acaba de tener un mediático fracaso judicial y está en por las cuerdas. Una joven y misteriosa hacker, Lisbeth Salander -Rooney Mara- es parte de la historia primero investigando al periodista por encargo de Henrik para luego involucrarse de lleno en la investigación del caso Harriet junto a Mikael.

La trama es sobresaliente y sin duda el mayor valor del filme. Independiente del tratamiento de la historia, del guión y sus actuaciones, el suspenso y la intriga del relato original de Larsson es notable. Fincher profundiza en detalles que permiten conocer algo más de la historia sin detenerse, entregando al metraje un ritmo vertiginoso, a pesar de la larga extensión de la cinta. La actuación de Rooney Mara es sólida, sobre todo tomando en cuenta el peso que significa construir sobre una experiencia anterior sobresaliente de Noomi Rapace. Daniel Craig, por su parte, logra escapar de su personaje de James Bond para dar vida a este periodista inquieto y transformarlo en un investigador concentrado y metódico. Aunque la química entre ambos no está a flor de piel, los dos protagonistas logran conducir la historia por los caminos y laberintos de una compleja madeja de relaciones familiares y motivaciones que no tienen sentido ni relación aparente.

Las comparaciones son odiosas y pese a ello "La chica del dragón tatuado" saca adelante su tarea con una excelente producción, un set de estilo moderno, bellos paisajes e iluminación. El talento de Fincher plasma esa oscuridad y ese suspenso propio del relato de Larsson y por cierto deja abierta la puerta a sus secuelas que seguramente llegarán en poco tiempo más.

Ficha técnica

Titulo Original: The Girl with the Dragon Tattoo
Distribuidor: Andes
Calificación: 18
Duración: 158 Min.
Género: Suspenso.
Año: 2011
País: Estados Unidos
Elenco: Daniel Craig, Rooney Mara, Christopher Plummer, Stellan Skarsgård, Steven Berkoff, Robin Wright, Yorick Van Wageningen, Joely Richardson
Director: David Fincher

J. Edgar

La vida de John Edgar Hoover, controvertida figura de EE.UU. en el siglo pasado, es el eje de la última cinta que nos entrega Clint Eastwood. Hoover, interpretado magistralmente por Leonardo DiCaprio, fue el fundador de la Oficina Federal de Investigación (FBI) y director desde su creación en mayo de 1924, hasta su muerte en 1972. 48 años de historia condensada en 137 minutos es todo un desafío y Eastwood lo asume de manera efectiva. El guión de Dustin Lance Black logra transmitir la personalidad obsesiva de J. Edgar y captar el gran poder y peso político que fue adquiriendo durante los años al mando del FBI. Ocho presidentes pasaron durante dicho período y sólo con su muerte, Richard Nixon limitó a 10 años el tiempo de mandato de los directores del Buró.

Tres situaciones de vida marcan el relato de J. Edgar. La relación con su madre -Judi Dench-, una figura dominante que sin duda influyó de sobremanera en la personalidad de John, el vínculo profesional con su secretaria fiel y leal, Helen Gandy -Naomi Watts-, y su relación con el oficial Clyde Tolson -Armie Hammer- que sin duda es lo más controvertido de la cinta pues da cuenta del debate por la orientación sexual de Hoover.

Eastwood filma fiel a su estilo. Ambientes íntimos, planos cercanos que permiten estar prácticamente con los protagonistas, en medio de su intimidad. Delicado y en ocasiones crudo, permite el gran trabajo de caracterización de DiCaprio y Hammer, aún cuando la técnica de envejecimiento de ambos actores sea lo menos logrado de la cinta, al punto de distraer en ocasiones el foco central del relato. La música del propio Eastwood imprime un sello especial cuando es requerida y su ausencia provoca momentos de real angustia y vacío existencial.

J. Edgar es ciertamente un drama biográfico. Una vida dedicada al trabajo, con la obsesión por defender a Estados Unidos de cualquier amenaza externa e interna incluso al nivel hacer realidad la frase de "el fin justifica los medios". La soledad de Hoover, la gran cantidad de secretos que manejaba y sus propios secretos están en directa relación a su búsqueda de reconocimiento y aceptación. La cinta nos entrega la historia desde dos líneas de tiempo, una desde el joven idealista y la otra desde la mirada retrospectiva del hombre que ha construido un verdadero imperio que controla prácticamente todo.

La cinta tiene solidez en si misma. El metraje es contundente y claro, por sobre sus carencias, principalmente por las escenas de los protagonistas envejecidos. Sin embargo la fuerza interpretativa y narrativa se abre paso, entregando una historia que conmueve y que retrata sin caretas a uno de los personajes más importantes de la política norteamericana del siglo XX.

Ficha técnica

Titulo Original: J. Edgar
Distribuidor: Warner
Calificación: 14
Duración: 137 Min.
Género: Biografía / Drama
Año: 2012
País: Estados Unidos.
Elenco: Leonardo DiCaprio, Naomi Watts, Judi Dench, Josh Lucas.
Director: Clint Eastwood