Insurgente

"Insurgente" corresponde a la segunda parte de la trilogía escrita por Veronica Roth que debutó en la pantalla grande con bastante éxito el año 2014 con el nombre de "Divergente". En esta secuela, el escenario ya se da por sabido, por lo que profundizar aún más en este Chicago futurista dividido en 5 facciones bien definidas -más la de los excluidos-, queda totalmente fuera del relato. Tris -Shailene Woodley- y Cuatro -Theo James- han escapado del devastador ataque llevado a cabo por la líder de Erudición, Jeannine Matthews -Kate Winslet-, buscan un lugar donde replegarse y entender un poco todo lo que les ha sucedido. Son fugitivos y perseguidos sin tregua pues su condición de divergentes, es decir que tienen rasgos de más de una facción, los hace peligrosos en el orden social establecido.

Esta segunda entrega -inferior en calidad, ritmo y relato que su antecesora- se torna bastante plana y evidente con el correr de los minutos. La fórmula base -escapo, me persigues, me atrapas, me escapo- se hace reiterativa y no aporta a mantener la tensión necesaria pues carece de fondo fílmico y dramático. La similitud con otras trilogías juveniles es innegable, al punto de fácilmente confundir al espectador poco atento o poco instruido en las acciones de esta saga. Aquello que resultaba sorprendente e interesante en la primera película, está totalmente ausente en esta continuación. Y ello es nada menos que el desarrollo de los personajes, sus emociones, sus cuestionamientos y la relación con el entorno en el que les toca sobrevivir.

"Insurgente", no obstante, en líneas generales es entretenida. Se basa en efectos especiales que, aunque no novedosos, imprimen una fuerza adolescente casi sin control, desnudando un nivel de violencia propio de un video juego, esta vez en la pantalla del cine. Se nota el cambio de mano en la dirección, esta vez a cargo de Robert Schwentke, junto con la premura de su estreno, lo que sin duda no dio tiempo a una mayor y mejor elaboración. El eje principal de la trama, saber en qué sociedad están y cuál es el motivo de su lucha, no es del todo explícito. Más bien es fraccionado, con escaso hilo conductor a pesar del gran esfuerzo y talento que ambos protagonistas despliegan a lo largo de la cinta.

Esta película, que también se transformará en éxito de taquilla, tiene algo valioso y que es común a otras historias similares. Implica todo un proceso de cambios y de búsqueda de identidad, siempre en movimiento, hacia respuestas no conocidas y hacia un futuro por descubrir. Con mayor o menor temor, más o menos osadía, "Insurgente" se introduce en este mundo adolescente que es capaz de empoderarse, salir de lo cómodo, de lo conocido y decidir que el futuro está en sus manos. Y esta dinámica, que a los menos jóvenes nos cuesta un poco más, es algo que representa cabalmente a las nuevas generaciones, motivándolos y desafiándolos en sus búsquedas particulares, en sus íntimas preguntas y en la construcción de sus personales respuestas.

Ficha técnica

Título original: The Divergent Series: Insurgent

Año: 2015

Productora: Summit Entertainment / Red Wagon Entertainment

Duración: 119 minutos

País: USA

Guión: Akiva Goldsman, Brian Duffield

Género: Ciencia ficción. Acción. Romance | Distopía. Secuela. 3-D

Música: Joseph Trapanese

Fotografía: Florian Ballhaus

Elenco: Shailene Woodley, Theo James, Kate Winslet, Naomi Watts, Ansel Elgort, Miles Teller, Zoë Kravitz, Jai Courtney, Ray Stevenson, Octavia Spencer, Maggie Q, Suki Waterhouse, Mekhi Phifer, Daniel Dae Kim, Rosa Salazar, Jonny Weston, Emjay Anthony

Director: Robert Schwentke

Siempre Alice

Julianne Moore ganó el premio Óscar 2015 por su actuación en esta cinta con justos merecimientos. Alice Howland  -interpretada por Moore- acaba de cumplir 50 años, es una renombrada catedrática de lingüistica de la Universidad de Columbia, vive con su marido Jonh - Alec Baldwin- y tienen tres hijos ya adultos. Su vida es activa y exitosa, no parecen tener inconvenientes y todo transcurre con bastante normalidad. Sin embargo, Alice comienza a tener algunos “lapsus” de desorientación, pérdidas de memoria, instantes que cada vez se van agudizando. Al recurrir a exámenes, el diagnóstico confirma la enfermedad de Alzheimer de inicio temprano lo que naturalmente provoca un cambio radical en la vida de Alice y de su familia.

La cinta es emotiva. De forma casi didáctica, va paso a paso describiendo el avance de la enfermedad, los miedos, frustraciones, el difícil entorno que genera y lo complejo que es acompañar a una persona que vive esta enfermedad. Alice, con un marcado predominio intelectual durante su vida, se siente abatida al ver cómo todo lo que ha construido en su mente, sus recuerdos, sus trabajos, en definitiva su vida, se derrumba por su condición frágil, vulnerable e irreversible.

Julianne Moore hace una notable y noble caracterización. Hay escenas donde podemos sufrir con ella la desesperación de lo que está viviendo. La cinta se soporta en ella y el entorno gira alrededor de la protagonista. Los directores Richard Glatzer y Wash Westmoreland consiguen excelentes planos que remarcan la emoción. Basada en la novela del mismo título, de la escritora Lisa Genova, publicada en el 2007, esta adaptación cinematográfica da cuenta de un tema difícil y complejo. Aunque predecible por momentos, “Siempre Alice” mantiene la atención hasta el final. La relación de Alice con su hija menor, importante en todo el metraje, es usada a modo de cierre. Aparece así como algo no concluido, una apertura hacia un futuro que solo podemos imaginar y que naturalmente queda abierto y también sentenciado.

Ficha técnica

Título original: Still Alice

Año: 2014

Duración: 101 minutos

País: Estados Unidos

Guión: Richard Glatzer, Wash Westmoreland (Novela: Lisa Genova)

Música: Ilan Eshkeri

Fotografía: Denis Lenoir

Reparto: Julianne Moore, Alec Baldwin, Kristen Stewart, Kate Bosworth, Hunter Parrish, Erin Darke, Shane McRae, Victoria Cartagena, Stephen Kunken, Eha Urbsalu, Cali T. Rossen, Kristin Macomber, Cat Lynch, José Báez, Jamie Lee Petronis

Productora: Backup Media / Big Indie Pictures / Killer Films

Género: Drama | Enfermedad. Alzheimer. Discapacidad

Director: Richard Glatzer, Wash Westmoreland

Focus

Will Smith es Nicky, un maestro de la estafa al que le va bastante bien. Margot Robbie -Jess- es una bella y novata aspirante que le pide consejos, insiste en ser reclutada por el clan, comienza a aprender los “trucos” y la forma de operar de esta particular “profesión” y lentamente se involucra sentimentalmente con su mentor. Hasta allí, todo es predecible, sin embargo Nicky toma la decisión de terminar con Jess y no es hasta dentro de tres años cuando sorpresivamente se reencuentran, ahora en Buenos Aires, y la historia toma un rumbo diferente.

La cinta es entretenida, mantiene la acción y avanza a buen ritmo. La actuación de Smith es convincente y Robbie -además de deslumbrar como “femme fatale”- apoya correctamente una historia sencilla que se va complicando en la medida que transcurre el metraje.

Lo mejor de la cinta es la química de los protagonistas y una trama que cada dos pasos tiene vueltas de tuercas. No aspira a mucho más y tampoco es necesario. Así lo entienden Glenn Ficarra, John Requa que logran dirigir una película correcta, con buenas actuaciones y algunas escenas muy bien logradas.

Ficha técnica

Título original: Focus

Año: 2015

Duración: 104 minutos

País: Estados Unidos

Guión: Glenn Ficarra, John Requa

Música: Nick Urata

Fotografía: Xavier Pérez Grobet

Reparto: Will Smith, Margot Robbie, Rodrigo Santoro, Stephanie Honore, BD Wong, Adrian Martinez, Robert Taylor, Kate Adair, Joe Chrest, Dominic Fumusa, Nina Leon, Candice Michele Barley, Griff Furst, Brennan Brown, Juan Minujín

Productora: Warner Bros

Género: Romance. Comedia | Comedia romántica. Crimen. Robos & Atracos

Director: Glenn Ficarra, John Requa

El francotirador

“American Sniper”, novela autobiográfica de Chris Kyle, un militar norteamericano que es enviado a Irak con la misión de proteger a sus compañeros de armas, es la inspiración de esta película dirigida por Clint Eastwood. Chris -excelente actuación de Bradley Cooper- tiene gran habilidad con el rifle desde muy joven. Proveniente de un ambiente granjero, en Odessa - Texas, Chris se integra -no sin dificultad- en el programa de élite SEAL y es enviado a la guerra como francotirador a las ciudades de Ramadi, Anwar y Bagdad. Luego de 10 años de servicio y cuatro turnos de relevo hasta su retiro en el año 2009, se le lograron acreditar 160 muertes, lo que lo transformó en una leyenda viviente y un objetivo de sus enemigos. Chris Kyle, por sus actos, ganó dos Estrellas de Plata y cinco Estrellas de Bronce.

La película se centra en la vida de Chris. Repasa rápidamente su niñez y juventud para quedarse en la etapa del duro entrenamiento, el comienzo del amor con Taya -Sienna Miller- y sus incursiones en Irak. Eastwood, fino como nos tiene acostumbrados, filma muy de cerca y guía a sus actores de manera privilegiada. Cooper está realmente brillante sosteniendo esta cinta, cuyo relato no pierde jamás el norte y acrecienta la tensión con el correr de los minutos. En esto hay una sintonía perfecta entre cámaras, actuaciones, escenarios y música que nos hace partícipes del infierno de una guerra que vemos sin sentido, cruda, violenta y descarnada, donde todo es destrucción y cuyo horizonte no se dibuja ni se aprecia claramente.

La cinta tiene un gran nivel de producción. La mano de Clint Eastwood se aprecia en toda su magnitud tanto en el tratamiento del guión como en la siempre aguda observación de la realidad que nos quiere transmitir. Sin duda es una película norteamericana, patriota y heroica, sin embargo no deja de estar presente un cuestionamiento permanente al enfrentamiento bélico aunque sea una forma de proteger al país o a los soldados que dan la vida por su patria. Hay esbozadas historias de los habitantes de Irak, algunos inocentes, otros guerreros insurgentes que ven la invasión a su país como una afrenta que deben vengar a toda costa. No hay visiones intermedias. Es blanco o negro, vivir o morir, y en eso Eastwood es capaz de transmitir vivamente sentimientos, emociones y reflexiones.

El francotirador, nominada a 6 premios Oscar, tiene muchos méritos. Es una gran película sobre la guerra vista a través de los ojos de este “héroe americano” y al mismo tiempo es una cinta que pone énfasis en los traumas físicos y emocionales de los soldados, sus historias personales, sus familias, sus esposas e hijos que viven con el alma en un hilo, pendientes de sus seres queridos que pueden volver o no volver a sus hogares. Es estremecedora y emotiva, violenta y cruda, combinando con maestría los elementos de un relato que lleva a la reflexión y nos cuestiona permanentemente desde la ética y la moral. ¿Validamos la muerte bajo ciertas circunstancias? ¿Quién decide que alguien viva o muera? ¿Puede una persona ser juez y parte al mismo tiempo? “American Sniper” bajo mi perspectiva no toma partido. Presenta los hechos y nos hace transitar entre muchas posibilidades y reflexiones. Clint Eastwood consigue nuevamente sobrecogernos con esta historia real y llevarnos al límite de nuestras emociones.

Ficha técnica

Título original: American Sniper

Año: 2014

Duración: 132 minutos

Calificación: 14 años

País: USA

Elenco: Bradley Cooper, Sienna Miller

Director: Clint Eastwood

La teoría del todo

Una película sobre el científico Stephen Hawking, aún vigente y tal vez es uno de los más conocidos y renombrados de los últimos años llama la atención por si misma. “La teoría del todo”, basada en las memorias de Jane Hawking,"Travelling to Infinity: My Life with Stephen”, esposa de Hawking, madre de sus tres hijos, actualmente divorciada manteniendo una buena relación con él, está escrita a modo de homenaje. Y un hermoso homenaje. Todo cuadra y encaja perfectamente y las tensiones más grandes se disipan alrededor de una atmósfera limpia, agradecida y llena de admiración.

Stephen -interpretado de forma magistral por Eddie Redmayne- se encuentra estudiando un doctorado en cosmología en la prestigiosa Universidad británica de Cambridge. Es 1963, Stephen, que es activo, saludable y brillante, aunque con pocas habilidades sociales, se enamora perdidamente de una estudiante de arte en la misma universidad, Jane Wilde -FelicityJones- y con ello se cruzan mundos tan distintos como los que el científico estudia para su tesis doctoral. Jane es encantadora y la pareja parece complementarse a la perfección. Sin embargo la noche está por llegar, y este joven idealista de 21 años recibe la peor de la noticias: tiene una enfermedad que ataca las neuronas motoras y que lentamente le irá paralizando hasta la muerte en no más de dos años.

La historia la conocemos. El diagnóstico fue certero en la enfermedad, esclerosis lateral amiotrófica (ELA), sin embargo Stephen Hawking acaba de cumplir 73 años el pasado 8 de enero y sigue vigente. Por estas razones, este homenaje en vida a un hombre capaz de sobreponerse a una limitación física tan importante se transforma en una lección de vida y en modelo de inspiración para muchos.

La cinta dirigida por James Marsh postula a 5 premios Oscar: mejor filme, actor principal, actriz principal, guión adaptado y música original. Los escenarios naturales son hermosos, el detalle de la dirección de arte es fino y preciso y la partitura, aun con influencia de Morricone, es bella y acogedora. Destaca por sobre todo la vida de este hombre resiliente, capaz de incorporar el universo en su mente y a la vez incapaz de realizar movimientos que para la mayoría de nosotros son los más normales y cotidianos. Es una paradoja y provoca compasión y admiración, independiente de lo cercano o lejano a la linea de pensamiento que cada uno pueda estar del reputado científico.

“The Theory of Everything“ es una bella historia. El relato es interesante aunque a veces su ritmo decae porque no tiene mucho más detalle que aportar. La ausencia de una verdadera tensión -aparte de la limitación física- juega en contra del guión que si bien es notable, pudo conseguir un resultado mucho más sobrecogedor. Por cierto, lo mejor del filme son las actuaciones, en especial la de Redmayne que lo tiene al borde del Oscar. La decisión de dedicar la mayor parte del tiempo a la vida cotidiana del científico sin profundizar demasiado en sus ideas, teorías y definiciones puede tener opiniones diversas, pero a mi modo de ver humaniza la ciencia y acerca al gran público a una figura relevante de la matemática aplicada, la física teórica y la refísica cuántica de los últimos 50 años.

Ficha técnica

Título original: “The Theory of Everything“

Año: 2014

Duración: 123 minutos

Calificación: TE

País: Gran Bretaña

Elenco: Eddie Redmayne, Felicity Jones, Tom Prior, David Thewlis

Director: James Marsh

El código enigma

Basada en un hecho real, “El código enigma” trata sobre la vida y obra de Alan Turing, genio y matemático inglés, quien junto a un grupo de mentes privilegiadas lograron resolver uno de los acertijos más complejos de la Segunda Guerra Mundial, el código de encriptación usado por los alemanes en todas sus comunicaciones estratégicas, que diariamente cambiaba y que tenía millones de millones de combinaciones posibles.

Benedict Cumberbatch interpreta a Alan Turing. Su actuación es excelente, tanto en la dinámica como en la construcción del personaje. Turing era homosexual -ilegal en la Inglaterra de mediados del Siglo XX- por lo que fue procesado el año 1952 y condenado a un tratamiento de castración química. Así comienza la cinta, que se mueve entre tres momentos de su vida: el presente donde es juzgado, su etapa de estudiante y el desafío emprendido durante la guerra. Turing siempre fue rechazado por sus escasas o más bien nulas habilidades sociales, y Cumberbatch se involucra con su personaje generando una notable credibilidad. Le acompaña en esta aventura Joan Clarke -Keira Knightley-, una joven brillante que entrega un contrapunto sólido al protagonista, incluso al punto de sostener juntos el relato en varios pasajes de la cinta.

“The Imitation Game”, su título original, tiene muchas otras virtudes. Una banda sonora preciosa compuesta por Alexandre Desplat, una hermosa fotografía a cargo de Óscar Faura, escenarios excelentemente decorados e imágenes históricas, entre muchas otras. El director Morten Tyldum conduce el relato de una manera envolvente, manejando muy bien los saltos temporales e impregnando una tensión creciente en la medida que la guerra avanza y el tiempo para descifrar “Enigma” se termina.

Nominada a 8 premios Oscar, “El código enigma” tal vez solo peca de relevar en exceso, en mi opinión, la condición homosexual de Turing en desmedro del prodigio técnico y científico que el matemático desarrolló para descifrar lo que era considerado imposible. En ese sentido, una frase marca la envergadura del desafío: “a veces de los que no imaginamos nada, son los que logran lo que nadie puede imaginar”, y Turing logró algo totalmente inimaginable sentando las bases de lo que hoy en día para nosotros es lo más natural del mundo y desde hace años llamamos “computación”.

Ficha técnica

Título original: “The Imitation game”

Año: 2014

Duración: 114 minutos

Calificación: TE7+

País: UK

Elenco: Keira Knightley , Benedict Cumberbatch

Director: Morten Tyldum

Búsqueda Implacable 3 - todo termina aquí

Bryan Mills -Liam Neeson- está de regreso. La vida parece sonreírle al ex agente. Visita periódicamente a su hija, se ve con su ex mujer Leonore -Famke Janssen-, y todo parece tomar un nuevo rumbo en su vida. Sin embargo, sucede lo impensado. Es acusado inocentemente del crimen de Leonore y debe huir de la policía, averiguar lo sucedido, proteger a su hija y dar con los verdaderos criminales.

La cinta no es muy diferente a sus dos antecesoras. Dirigida por Olivier Megaton y escrita y producida por Luc Besson y Robert Mark Kamen, “Taken 3” ofrece desde los créditos iniciales una cuidada fotografía aérea de Los Ángeles y por supuesto una buena dosis de acción. Desde el punto de vista de la historia, es interesante el contrapunto que hace Forest Whitaker interpretando al detective Franck Dotzler. Además, la cinta se da ciertos lujos, ampliando la vida normal de Bryan y reduciendo las escenas de acción en beneficio de adrenalina concentrada, entregada en secuencias igualmente intensas.

Si las segundas partes no suelen ser buenas, las terceras en ocasiones son solo un saludo a la bandera, sin embargo esta producción se las ingenia para, sobre lo mismo, recrear la historia, entretener y mantener vigente a Liam Neeson como el rudo ex agente del gobierno con sus “habilidades especiales” intactas. Sin duda no es una novedad, es cine de entretención para ver en pantalla grande y que cumple con lo que promete: acción. 

Ficha técnica

Título original: Taken 3

Año: 2014

Duración: 109 minutos

Calificación: 14 años

País: USA

Elenco: Liam Neeson, Forest Whitaker

Director: Olivier Megaton

Birdman

“Birdman o (la inesperada virtud de la ignorancia)” es la nueva producción del director mexicano Alejandro González Iñárritu. Una celebridad -un excelente Michael Keaton- que encarnó al famoso superhéroe “Birdman”, se encuentra 20 años después preparando el estreno en Broadway de una adaptación propia de “What We Talk About When We Talk About Love” de Raymond Carver. Riggan Thomson, el actor interpretado por Keaton, trabaja en este montaje con su hija Sam -Emma Stone-, su novia Laura -Andrea Riseborough-, Lesley -Naomi Watts - e incorpora en los últimos ensayos a Mike Shiner -un notable Edward Norton-. Riggan está ansioso. Necesita sentirse vivo, vigente, necesita la adrenalina del éxito, sentirse nuevamente reconocido y triunfar esta vez “en serio”. 

González Iñárritu usa el plano secuencia para filmar de cerca y sin parar. Los cortes naturales y saltos temporales están perfectamente encadenados con sutileza y nos introducen en un delirio vertiginoso que toma más y más cuerpo en la medida que el metraje avanza. La tensión es evidente y nada parece aplacarla. Esta mezcla explosiva entre locura, arte, fama y amor no sabemos bien dónde nos conduce. La banda sonora -una percusión que no da tregua, salvo algunos medidos silencios- incluye dos motivos musicales que podrían pasar inadvertidos y que por cierto son parte importante del relato: el comienzo de la Novena Sinfonía de Gustav Mahler y el segundo movimiento de la Quinta Sinfonía de Tchaikowski usados en secciones clave. Todo ello entrega un contrapunto esencial a las actuaciones convincentes de todo el elenco.

“Birdman” es también una sátira. Se ríe de las superproducciones de consumo masivo, de las redes sociales y de lo “viral” de algunas situaciones que no tienen mayor importancia. Critica la crítica, que puede hundir o elevar una obra con o sin argumentos. Por momentos se transforma en una oda al ego artístico, sin embargo se encauza hacia lo íntimo, hacia lo más profundo del ser artista, aquello que mueve internamente la pasión que luego se comunica sobre cualquier escenario. Y en esto, Keaton está brillante. Tal vez su propia historia con “Batman” le ayuda a interpretarse a si mismo, sin embargo la mano de González Iñárritu para seguir y descubrir al hombre dentro del personaje es notable.

“Birdman” pisa fuerte o mejor aún, vuela alto. Es cine complejo, bien desarrollado y sólido, con todos los elementos de una gran película. Y por cierto, es arte puro, por lo que admite opiniones diversas y análisis desde muchos puntos de vista. En mi caso, va el reconocimiento a una joya cinematográfica, con un excelente guión, un elenco de lujo y un director que cada vez nos entrega mejores realizaciones, reflexivas y llenas de humanidad.

Ficha técnica

Título original: Birdman or (The Unexpected Virtue of Ignorance)

Año: 2014

Duración: 119 minutos

Calificación: 14 años

País: USA

Elenco: Michael Keaton, Emma Stone, Edward Norton, Andrea Riseborough, Zach Galifianakis, Naomi Watts, y Amy Ryan

Director: Alejandro González Iñárritu

No confíes en nadie

Christine Lucas -Nicole Kidman- despierta todos los días sin recordar nada. O casi nada, solo algunas pocas imágenes que no le permiten unir sus recuerdos más profundos. Su marido Ben -Colin Firth- le debe recordar su vida y lo que le ha pasado. Tuvo un accidente y cada noche, al irse a dormir, su mente borra toda la información que ha sido capaz de ir adquiriendo durante el día. Christine está atrapada, angustiada y finalmente no sabe cuál es la verdad. Un médico la ayuda sin que su marido sepa y los recuerdos de una amiga comienzan a abrir una luz de esperanza.

El escenario de la amnesia es un argumento recurrente en variados filmes. En este caso, particularmente, es usado para construir un thriller interesante y que mantiene correctamente su suspenso. La historia no es fácil. Christine ha sido víctima de gran violencia y desgarra ver lo vulnerable que está luego del hecho. Mérito absoluto de Nicole Kidman que actúa con convicción y naturalidad.

“Before I Go to Sleep” es un relato que produce temor. Algo no está bien y todos los personajes aparecen como culpables. Y este es el mayor mérito de la película y también de la traducción de su título al español, porque la cinta habla de la desconfianza, de las falsas verdades, del mal y todo aquello que puede producir daño. Tal vez la única esperanza está en el fuero interno de Christine. Ella quiere salir de su estado, lucha para conseguirlo, se esfuerza, intenta recordar y no se da por vencida. Y tal vez por ello, la verdad termina por imponerse, desgarradora y violenta, como premio a una búsqueda constante, a esa fuerza interior y perseverante que le permite a Christine encontrarse nuevamente con su vida.

Ficha técnica

Título original: Before I Go to Sleep

Año: 2014

Duración: 92 minutos

País: Reino Unido

Género: Thriller

Calificación: 14 años

Elenco: Nicole Kidman, Mark Strong, Colin Firth, Anne-Marie Duff, Dean-Charles Chapman, Jing Lusi, Adam Levy, Llewella Gideon, Charlie Gardner, Rosie MacPherson

Director: Rowan Joffé

La familia Bélier

Eric Lartigau filma una historia sencilla, normal y simple. La familia Belier vive en una granja, cultiva leche y vende quesos. Francia rural, campesina, lejos del mundo de la gran ciudad. Son cuatro integrantes en esta especial familia, todos sordos menos Paula, de 16 años, quien es esencial pues es su intérprete con el resto del mundo. Un frustrado profesor de música que tiene a su cargo el coro de estudiantes descubre el talento de Paula para el canto y la invita a preparar una audición para Radio France, en Paris.

La cinta transita lentamente entre la vida familiar, las labores diarias del campo, lo cotidiano del pueblo y los estudios de Paula. Naturalmente se suman elementos. Paula comienza a descubrir sus sentimientos hacia un joven compañero, la exigencia del profesor va en aumento y las dificultades comienza a aparecer.

“La famille Bélier” es bastante predecible en su guión. Los pasos que va dando, de alguna u otra manera los vamos esperando. Sin embargo, el director Eric Lartigau imprime un sello particular en el ritmo del relato y en la forma de describir la historia. El centro del conflicto es el futuro de Paula. Si se va a Paris, abandona a su familia y les quita algo importante en la mecánica familiar. Si no se va, la frustración aparece en el horizonte con una fuerza incontenible. Es la vida, tal como es, con sus ventajas y desventajas. Esta tensión dramática está muy bien canalizada por el director, gracias al excelente tono de comedia utilizado en la cinta.

La familia Bélier es una linda película. Transmite amor en todo su contenido. Pone de relieve la discapacidad auditiva y lo que ello significa para una familia que a pesar de ello es capaz de vivir integrada a la sociedad. Además, con muy pocos elementos y excelentes actuaciones logra emocionar e involucrar a los espectadores casi al punto de hacernos parte de esta entrañable familia.

Ficha técnica

Título original: La famille Bélier

Año: 2014

Duración: 100 minutos

Calificación: 14 años

País: Francia

Género: Comedia

Elenco: Karin Viard, Francois Damiens

Director: Eric Lartigau

Magia a la luz de la luna

Woody Allen cumple con su entrega anual. Nos regala una pequeña historia ambientada en los años 20 en la hermosa Riviera Francesa sobre un reconocido y afamado mago inglés llamado Stanley -Colin Firth- que es desafiado a desenmascarar a una "médium", Sophie -Ema Stone-, que tiene a todos deslumbrados con sus poderes extrasensoriales.

Allen es capaz de hacer en poco tiempo y en reducido espacio, algo que muchos directores no logran hacer con ilimitados recursos: contar bien una historia. Podrá ser mas entretenida o menos entretenida, más o menos atractiva, pero es un relato consistente y claro de principio a fin. 

Los diálogos son extensos, sin embargo la combinación con un entorno mágico, escenarios naturales y actuaciones convincentes, hacen de esta cinta una pequeña joya. El cine de Woody Allen es especial y sus temáticas tienden a ser profundas a pesar de estar siempre en tono de comedia. En este caso, el enfrentamiento entre ambos protagonistas va más allá de los trucos de magia o de las percepciones mentales. Es un enfrentamiento entre la racionalidad y la emocionalidad, entre creer y no creer, entre lo programado y la improvisación. Y esto es lo interesante de la cinta, la posibilidad de transformación gracias a la fuerza incontenible del amor. Y esto es lo que hace a "Magic in the moonlight" encantadora, liviana y mágica. 

Ficha técnica

Titulo Original: Magic in the moonlight

Distribuidor: BF Distribution

Calificación: 14 años

Duración: 97 minutos

Género: Comedia y Drama

Año: 2014

País: Estados Unidos

Elenco: Emma Stone, Colin Firth, Marcia Gay Harden

Director: Woody Allen

El Hobbit: la batalla de los cinco ejércitos

Peter Jackson concluye "El Hobbit" con una tercera película llamada "La batalla de los cinco ejércitos". Las expectativas eran altas. Había comenzado lento con "Un viaje inesperado" y repuntado con "La desolación de Smaug". Por ello esperábamos una entrega final que realmente nos dejara satisfechos. Lamentablemente, no fue así. Nos encontramos con una cinta plana, sin movimiento, a pesar de el exceso de acción de las duras batallas que más que una película, asemejan a un video juego del que somos solo espectadores.

Bilbo y sus compañeros ya están en la montaña y ven como Ciudad del Lago es atacada por el Dragón Smaug. Tierra Media está en disputa y todo se concentra a los pies de la montaña solitaria. Lo que no es acción -batallas y movimientos de cada ejército- son diálogos que poco aportan a la historia. Este guión es sin duda el más irregular, y parece que a 100 metros de la meta a Peter Jackson se le terminó el combustible.

Hay algunos esfuerzos que merecen la pena destacar. Por cierto la música, siempre bella y precisa. Algunas tomas generales de paisajes y escenarios naturales que se ven maravillosos. Efectos especiales que hacen mágico el cine. Sin embargo, no alcanzan para dar tensión a una película cuyo final se anticipa desde la primera entrega. 

Concretamente nos ratifica que la decisión de hacer el libro de J. R. R. Tolkien dividido en tres partes fue solo algo comercial. El contenido del relato original es mágico, sin embargo no da sustancia para ser alargado de esta forma. La ilusión entregada en la segunda entrega con la aparición de los Elfos se desvanece en esta última parte. Retrocede bruscamente lo ganado y cae en una película que apenas se sostiene para cerrar este ciclo. Una lástima por Jackson y su equipo brillante, por la producción y por la realización de la cinta, pero más aún por nosotros, los espectadores, que ilusionados, esperábamos un cierre triunfal y nos quedamos con las ganas.

Ficha técnica

Titulo Original: The Hobbit: The Battle of the Five Armies

Distribuidor: Warner Bros. (FOX-WB)

Calificación: TE+7

Duración: 144 minutos

Género: Acción y Aventura

Año: 2014

País: Estados Unidos

Elenco: Ian McKellen, Martin Freeman, Evangeline Lilly, Orlando Bloom

Director: Peter Jackson