Megamente

Dos declaraciones marcan esta excelente cinta de Dreamworks: "Los héroes no nacen, se hacen", como dice su afiche publicitario, y "donde hay mal, el bien siempre se impone". "Megamente" es la historia de dos extraterrestres que llegan a la tierra siendo aún bebés, huyendo de la destrucción de sus planetas de origen. La rivalidad entre ellos se presenta desde un inicio, desde su mismo viaje, y se radicaliza cuando llegan a Metro City (un claro New York futurista). Mientras uno llega a un hogar de excelentes condiciones y es recibido como príncipe, el otro llega directo a la cárcel, donde es acogido en una suerte de escuela del mal. Comparten el colegio con diferente suerte también: uno es querido y admirado, mientras el otro queda muy apartado de sus compañeros de clase. Sus caminos son muy opuestos, tanto como es el día y la noche. El primero se transforma, gracias sus superpoderes extraordinarios, en el guardián protector de la ciudad: todos admiran y confían en Metro Man. El segundo, gracias a su astuta inteligencia, se transforma en Megamente, el criminal más buscado y temido de Metro City.

Cuando logra al fin matar a su eterno rival, la vida de Megamente se torna sin sentido. Domina todo y su poder absoluto lo aburre, por lo que decide crear un nuevo superhéroe con quien poder pelear. Sin embargo algo sale mal, pues Titán, resulta ser inestable y se inclina por hacer daño, convirtiéndolo en una amenaza para la ciudad y también para nuestro villano que se ve obligado a enfrentarlo. La eterna lucha entre el bien y el mal una vez más está presente y en este relato cobra un desarrollo interesante, está bien expuesto y se muestra con un formato muy atractivo para el público infantil al que está dirigido.

Con explícitas menciones a "Súperman", y por cierto a otras series de superhéroes, el filme expone en términos graciosos, sencillos, divertidos y en tono de sátira, valores y antivalores muy serios. Los contrasta, juega con ellos e incluso los intercambia de posición para así transformarse en una fábula moderna, bien hecha y consistente. Como es una constante en las últimas películas para menores, abunda contenido "ad hoc" para los adultos que acompañamos en esta aventura a nuestros hij@s, lo que asegura entretención compartida, recuerdos, risas y reflexiones interesantes.

Desde el punto de vista técnico, la animación es preciosa y su filmación también. La acompaña una banda sonora muy adecuada y solo podría no ser tan lograda la traducción mexicana al español por el uso de diferentes modismos algo ajenos a nuestro país. "Megamente" cumple cabalmente su doble objetivo de entretener y enseñar -muy similar a lo conseguido por "Mi villano favorito"- por lo que se hace una película muy recomendable para ver en familia y así luego comentar y reflexionar, entre todos, sus ricas temáticas.

Ficha técnica

Titulo Original: Megamind
Distribuidor: UIP
Calificación: TE
Duración: 96 Min.
Género: Comedia, Familiar, Animación.
Año: 2010
País: Estados Unidos.
Elenco: Brad Pitt, Will Ferrell, Tina Fey, Jonah Hill (voces originales en Inglés)
Director: Tom McGrath

Una pareja dispareja

La primera impresión que genera esta cinta de los directores Glenn Ficarra y John Requa es de rechazo, puesto que la publicidad -la traducción del título, los afiches, el trailer y el resumen del argumento- no se condicen con el real contenido del filme. La promoción da cuenta de una película cómica y jocosa a pesar de abordar la siempre difícil temática de la homosexualidad. Sin embargo, al poco andar nos damos cuenta de que es un drama de los mayores, presentado en forma burda y tosca, y que posee tintes de comedia sólo para suavizar de alguna manera su fuerte contenido emocional y argumental.

Vamos por partes. "Te amo Phillip Morris", su título original, puede darnos más pistas de lo que en verdad encontraremos al profundizar en el metraje. Steven Russell -Jim Carey tan carismático y caricaturista como en la mayoría de sus papeles- es un hombre ejemplar hasta que sufre un accidente que lo deja al borde de la muerte. En ese momento "se asume como lo que es", un homosexual que ha estado escondido durante todo este tiempo y decide vivir, de ahora en más, la vida que siempre deseó secretamente. Circunstancias de la nueva vida lo llevan a prisión, lugar donde conoce a Phillip -Ewan McGregor en un logrado rol- de quien se enamora perdidamente. En un tercio del filme ya están las cartas expuestas y desde este momento las aventuras de Steven para estar junto a Phillip son casi increíbles, al punto de hasta llegar a fingir su propia muerte.

El tema homosexual y la relación de ambos protagonistas está mostrada sin ningún filtro, lo que no es un problema. La dificultad radica en que no es artística la forma de filmarlo, sino que más bien es chocante. Carece de una propuesta más elaborada desde el punto de vista visual y de la propia actuación de Carey y McGregor. Es cierto que se resalta el amor como clave central en esta relación, sin embargo ello puede desviar peligrosamente el foco de atención. De alguna manera las películas forman opinión y validan ciertas conductas, y en este caso se torna en extremo complejo, pues además se presentan una serie de antivalores -mentiras, engaños, fraudes, falsas personalidades- que se pretenden justificar en beneficio de este amor.

Sin pretender crear un prejuicio con esta reflexión, esta historia basada en hechos reales, no está bien enfocada desde su concepción y construcción. Tan importante como el tema de fondo, en el cine es muy trascendente la forma de enfrentar y de contar una historia. En esto, "I Love you Phillip Morris" se cae desde el comienzo -desde su equívoca publicidad hasta el escaso valor fílmico que ofrece- y no logra en ningún momento del relato tomar la distancia suficiente para dar a la historia un marco dramático y artísticamente sustentable.

Ficha técnica

Título original: I Love You Phillip Morris
Género: Comedia
Año: 2009
País: Inglaterra
Director: Glenn Ficarra y John Requa
Protagonistas: Jim Carrey, Ewan McGregor
Duración: 102 min.
Calificación:

Las crónicas de Narnia: la travesía del Viajero del Alba

Sin haber visto las dos primeras partes y con solo el excelente resumen de ambas tramas realizado por mis hijas Josefina y  Fernanda, juntos nos animamos a ver la nueva aventura de este mágico mundo creado por C. S. Lewis.

"La travesía del viajero del alba", tercera entrega de las Crónicas de Narnia, es una muy entretenida película. Esta vez son Lucy y Edmund Pevensie, junto a su odioso primo Eustace Scrubb, quienes ingresan al extraordinario entorno a través de un cuadro de pared del que misteriosamente comienza a salir agua. Al llegar al mar narniano, son recogidos por su amigo Real el Príncipe Caspian y subidos al barco "Viajero del alba". Juntos emprenden una épica aventura que les llevará por desconocidas islas y extraños personajes, en una misión hacia el País de Aslan para salvar a Narnia de un futuro aterrador.

El filme es ágil, está excelentemente producido, tiene una preciosa banda sonora y la tensión se mantiene alta durante todo el relato. Los personajes, bien caracterizados, cumplen un papel muy importante en la cinta, marcando cada una de las personalidades que representan. Sin duda es Eustace quien se roba la película junto al genial ratón guerrero Rípichip, no sólo por la relación que ambos construyen sino por el ritmo que imprimen al relato cada vez que están en escena. La fotografía es muy hermosa y todos los efectos especiales están orientados a reforzar la gran belleza del entorno recreado. Algún uso excesivo de cámaras aéreas no opacan una dirección correcta de Michael Apted la que entrega una gran unidad al metraje.

"Cosas extraordinarias solo les suceden a personas extraordinarias" es una frase que marca la historia y la acción de nuestros pequeños héroes. Las metáforas presentes cobran realismo y se desarrollan a lo largo del filme, entregando emoción y positivos valores. La lealtad, la perseverancia y la amistad sobresalen fuertemente y se ratifican como antídoto a las fuerzas del mal representadas de múltiples formas. El no dejarse tentar y superar aquello también destaca positivamente en esta mágica historia que entretiene y llena de esperanza. Un mundo mejor para una oscura época de nuestra historia, marcada por la Segunda Guerra Mundial, es lo que C. S. Lewis nos propone a través de estas crónicas de sucesos extraordinarios y mágicos al interior de un mundo de ensueño, llevados a la pantalla grande en una excelente superproducción.

Ficha técnica

Titulo Original: The Chronicles Of Narnia: The Voyage Of The Dawn Treader
Distribuidor: FOX
Calificación: TE
Duración: 115 Min.
Género: Fantasía y Aventura Familiar.
Año: 2010
País: Reino Unido.
Elenco: Skandar Keynes, Georgie Henley, Ben Barnes, Bill Nighy, Liam Neeson.
Director: Michael Apted

Mi familia

Esta cinta de la directora Lisa Cholodenko y protagonizada por Julianne Moore, Annette Benning, Mark Ruffalo, Mia Wasikowska y Josh Hutcherson, es la historia de una pareja de lesbianas que llevan años juntas y que tienen una hija de 18 y un hijo de 15, ambos concebidos por inseminación artificial, y que quieren saber quien fue el donante que les permitió la vida. Tenemos varias temáticas complejas, de fondo y forma, y estamos en presencia de un nuevo caso en que la traducción del título nada tiene que ver con el sentido y el mensaje del filme: "Mi familia" -la traducción, es muy diferente a "Los niños están correctamente" -"The Kids are Allright" en su inglés original.

Si bien el tratamiento de la homosexualidad de ambas madres es bien tratado desde el punto de vista de la vida en común, el amor y los hijos -aún cuando escenas puedan ser algo chocantes de buenas a primeras-, el filme no logra consolidar un concepto claro. Podemos inferir que el objetivo es representar -a través de esta autodefinida "poco convencional familia" dicho por sus propios protagonistas- un matrimonio totalmente convencional, con sus crisis maduras, dificultades sexuales, inseguridad producida por la infidelidad, difícil relación con hijos adolescentes y una serie de otras problemáticas conocidas y propias de una relación de convivencia. Sin embargo, el filme solo se queda en una constatación, casi en una necesidad de validación social de una situación en donde los niños no están tan bien como el título nos quiere describir. Más bien diríamos que están en serios problemas, con dificultades de relaciones entre pares y con algunas confusiones propias de la realidad que viven en su entorno más íntimo.

La cinta además tiene varios vacíos desde el punto de vista del guión y del relato lo que produce una cadencia prolongada, haciendo más confuso su real propósito. La poca profundidad en el tratamiento de los temas que propone dificulta aún más el análisis. ¿Es una película sobre lesbianas, sobre sus hijos, sobre inseminación artificial o sobre como nos relacionamos con estas nuevas realidades? ¿O es más bien una apuesta por mostrar una historia convencional cambiando algunos elementos que permiten vestirla de una aparente modernidad? ¿O es un intento de validar una opción de vida que aún la sociedad no acepta como convencional? ¿Qué valores están en juego y cuál es la moral aplicable a esta indiscutible realidad? Estas preguntas puestas en común en esta reflexión podrían ayudar al espectador a formarse una opinión sobre lo que ha presenciado -o va a presenciar- y sería ideal que así fuera. Por lo pronto son aproximaciones que pretenden colaborar con el debate sin hacer un juicio de valor. Es una invitación a descubrir el fondo del mensaje, tanto desde el punto de vista de la propuesta temática sugerida como desde el aporte estético y artístico del filme.

Ficha técnica

Titulo Original: The Kids are Allright
Distribuidor: Transeuropa.
Calificación: 18
Duración: 106 Min.
Género: Comedia, Drama.
Año: 2010
País: EEUU.
Elenco: Julianne Moore, Annette Benning, Mark Ruffalo, Mia Wasikowska, Josh Hutcherson.
Directora: Lisa Cholodenko

Tercer mundo

Tres países: Chile, Bolivia y Costa  Rica, tres historias que se desarrollan en paralelo en cada lugar, y tres fenómenos especiales son los elementos que configuran el relato de "Tercer Mundo", escrita y dirigida por el chileno César Caro Cruz. En Costa Rica, Richi -Luis Miguel Sánchez- ha sido abandonado por su novia y busca por todos los medios recuperarla. En Bolivia, Amaya -Carmen Tito- es una humilde joven que junta dinero con la venta de alimentos para hacer un largo viaje al norte y conocer a su padre. En Chile, Juan -Juan Pablo Garuti- es un extraño joven que sueña con el espacio exterior y está obsesionado por Paloma, su vecina del almacén.

El relato es débil y las actuaciones poco convincentes. El guión no muestra una unidad clara pese a intentos de conexión de las historias en base a posibles mitos populares de fin del mundo, supuestos seres extraterrestres presentes entre nosotros, amuletos, poco creíbles abducciones y un eclipse que podría provocar un misterioso "encuentro cercano". Bajo tres cielos distintos, el filme transita de una historia a otra como cápsulas independientes, sin un hilo conductor o elementos que de alguna manera las formule en conjunto. Son tres películas en una, que bien podrían no intercalarse y presentarse como unidades temáticas particulares.

La filmación es cansina, sin brillo y bastante plana. El metraje se hace lento -85 extensos minutos- y en definitiva no logra alzar el vuelo. Si bien los estereotipos funcionan -se exageran por cada país y por cada personaje- no aportan con una identidad clara al mensaje de la cinta. "Tercer mundo" tal vez puede tener variadas interpretaciones, como una suerte de escapatoria de la realidad, un juego entre lo rural y lo urbano, o entre la realidad y la fantasía según el autor, sin embargo parece que sólo se queda en una muestra básica de tres culturas diferentes, conectadas solo por un retrato liviano de situaciones comunes, sin mayor desafío ni desarrollo.

Ficha técnica

Titulo Original: Tercer Mundo
Distribuidor: Independiente.
Calificación: 14
Duración: 85 Min.
Género: Comedia-Drama.
Año: 2010
País: Chile.
Sitio Web: www.tercermundolapelicula.com
Elenco: Juan Pablo Garuti, Bibiana Ezurmendia, Luis Sánchez, Carmen Tito, Jorge Larraín, Eleodoro Araya.
Director: César Caro Cruz.
Trailer: http://www.youtube.com/watch?v=z5BfN9sr1hk

El concierto VIII de la Temporada 2010 del Teatro Municipal presentó a la Orquesta Filarmónica de Santiago, dirigida por su titular, el maestro Rani Calderon, interpretando tres obras muy distintas. El programa comenzó con el "Andante Apasionato" Opus 2, del compositor chileno Enrique Soro (1884-1954) que fue compuesto a los 17 años, cuando era estudiante en Europa. Lo escribió originalmente para cello y órgano y fue interpretado por él mismo en 1901 en el Conservatorio de Milás. La versión que escuchamos fue correcta y expresiva. Sin embargo careció de mayor intensidad logrando balances sonoros solo en algunos momentos. La conducción del maestro Calderón fue distante, a pesar de tener un dominio cabal de la partitura.

A continuación fue el turno del "Concierto para piano n.º 22", en mi bemol mayor, K. 482, de W. A. Mozart, compuesto en 1785. En esta oportunidad, el maestro Rani Calderón fue solista y a la vez director, mostrando una faceta multidisciplinaria muy interesante. Su versión fue bastante angulada, con un sonido corto, poco amable y algo duro. Se pudieron observar detalles no logrados de fraseo y balance sonoro entre el piano y la orquesta, probablemente debido a poca oportunidad de ensayo. Tocar y dirigir en forma simultánea no es sencillo, lo que tal vez ocasionó algunos grados de desatención de ciertos detalles en variadas secciones de la obra. El solista mostró poca dicción, sobretodo en la mano derecha, junto a un fraseo cortado y a una notoria carencia de mayor volumen y sonoridad del instrumento. La expresividad controlada y limitada del segundo movimiento dio la impresión de una versión sin demasiado compromiso. El Allegro final resultó poco gracioso, distante y sin compromiso emocional. Logramos percibir un pulso inestable y con tendencia al apuro hacia el final de las frases, sobre todo en los pasajes solistas del grupo de maderas. Las cuerdas mostraron a lo largo de la pieza un sonido áspero, algo de falta de vibrato y de conexión sonora. En síntesis, una versión no muy lograda y de la que esperábamos mucho más entrega.

En la segunda parte escuchamos la Cantata "Alexander Nevsky" (Op. 78) de Sergei Prokofiev. Estrenada en Moscú el 17 de mayo de 1939 y dirigida por el mismo autor, es una obra para Mezzo-soprano, coro y orquesta, dividida en siete movimientos. La cantata representó un buen trabajo, bien ensamblado y estudiado por parte de todos los intérpretes conducidos por el maestro Calderón. Excelente estuvo el coro en sus intervenciones y también la solista, Anna Viktorova. Se alcanzaron grandes sonoridades y también hubo espacio para detalles prístinos, con conexiones interesantes en color y textura entre las familias instrumentales. Pequeñas imprecisiones en algunos ataques de bronces y falta de sonido de la cuerda en los tutti no opacaron una sólida versión del maestro Calderón, la que aún cuando el ritmo de la interpretación decayó en intensidad hacia las secciones centrales de la obra, retomó sus bríos para un final brillante.

El maestro Rani Calderón, titular de la Orquesta Filarmónica de Santiago, mostró una batuta templada aunque sin anticipación. Ello pudo provocar cierta vacilación en los comienzos de secciones y un pulso que en general no logró afianzarse completamente a lo largo del concierto. Es extraña la constatación de una distancia emocional entre el gesto técnico de la conducción (movimiento de manos y expresión) respecto a los músicos y al resultado sonoro conseguido, lo que sin duda puede corresponder al estilo o la personalidad del director. Sin embargo muchas veces es esa conexión emocional la que diferencia un concierto correcto de uno excelente.

Ficha técnica

Orquesta Filarmónica de Santiago
Martes 7 de diciembre de 2010

Director: Rani Calderon
Director del Coro: J. Klastornick
Solistas: Rani Calderon y Anna Viktorova

Enrique Soro: Andante Apasionato
W. A. Mozart: Concierto para piano y orquesta N° 22 K. 482
S. Prokofiev: Cantata Alexander Nevski Op. 78
Con la participación del Coro del Teatro Municipal

El último exorcismo

Esta cinta, muy al estilo de “El proyecto de la bruja de Blair” o "Actividad paranormal" , promete más de lo que entrega finalmente. La tensión no sigue un ritmo dramático apropiado y la dirección de la cinta -a cargo de Daniel Stamm- cae en varias lagunas de las que no se repone en ningún momento.

El pastor Cotton Marcus -Patrick Fabian- tiene en la tradición familiar en exorcismos. Sin embargo, duda de este rito y también de su Fe, por lo que se propone filmar un último procedimiento acompañado de un equipo de producción. Para ello viajan hasta la granja de la familia Sweetzer, donde atenderán el caso de Nell -Ashley Bell- una adolescente poseída que pone en jaque todo lo conocido previamente por Marcus.

El filme tiene tan poco de terror como de suspenso. El guión, si bien puede resultar interesante, no es bien llevado a lo largo del metraje y merece más dudas que alabanzas. Me atrevería a decir que ni siquiera cumple los mínimos del género y no satisface la expectación que produce el trailer, que curiosamente está muy bien logrado.

Si bien en una mirada puede ser una burla a la Iglesia y a sus procedimientos, finalmente no profundiza más y las líneas se caen por su propio peso. Tal vez confabula en contra una lentitud pasmosa en la presentación de los personajes y una cadencia excesiva en escenas intrascendentes. Además, entrega muy poco valor agregado al filme el formato cámara en mano, que es justamente un recurso que permite la sorpresa, el impacto de algo real -supuestamente- y que puede entregar un aire de realidad a cada serie de tomas. En esta película se desaprovecha, cayendo en algo sin forma y que sin duda deja un sabor a poco al paciente espectador.

Ficha técnica

Titulo Original: The Last Exorcism
Distribuidor: Andes
Calificación: 18
Duración: 90 Min.
Género: Terror
Año: 2010
País: Estados Unidos
Elenco: Patrick Fabian, Ashley Bell, Louis Herthum, Iris Bahr, Caleb Landry Jones, Tony Bentley.
Director: Daniel Stamm

Post mortem

Este tercer largometraje del chileno Pablo Larraín -cuyo paso por el 67 Festival Internacional de Cine de Venecia le valió importantes reconocimientos- nuevamente presenta un lenguaje críptico y una similar estética de filmación a la anterior entrega, "Tony Manero". El filme es una verdadera autopsia de la época vivida en Santiago en torno al 11 de septiembre de 1973. El metraje está seccionado, cortado, como un cadáver esperando el análisis forense para luego ser suturado y rearmado. Asimismo, en la cinta también se debe volver a componer el todo, lo que Larraín deja como tarea para el espectador una vez terminada la cinta.

Mario Cornejo -excelente actuación de Alfredo Castro-, es un solitario funcionario encargado de anotar los detalles de cada procedimiento en la morgue. Está obsesionado con su vecina Nancy -Antonia Zegers-, una bailarina en declive del Bim Bam Bum. Primero la espía en secreto y luego entablan una poco clara y extraña relación. Son almas que comparten una soledad llena de angustia, con una gran necesidad de afecto y que representan una decadencia social e individual propia de la época. El centro del relato es la autopsia del cadáver de Salvador Allende, una secuencia que impacta por su crudeza y desde la que se construye la historia en forma concéntrica.

El soporte dramático del relato una vez más Pablo Larraín se lo entrega al talento de Alfredo Castro, quien dibuja y desarrolla un personaje de una gran complejidad y profundidad. Largas secuencias de cámara inmóvil, ausencia de diálogos, junto a una abundancia de signos, gestos y expresiones, son los recursos con que el director representa los sentimientos y emociones de los protagonistas. El dramático telón de fondo lo entrega la morgue y la llegada masiva de las víctimas del golpe de estado como si fuera una carnicería. Este es el marco constructivo sobre el cual el personaje de Mario impacta con su pasividad asombrosa, donde sin duda oculta la procesión interna que carcome su vida. Castro asume y soporta magistralmente su rol, dando solidez a un film que se transforma en una lograda y efectiva propuesta emocional.

¿Quiénes son realmente estos personajes, qué buscan, qué les mueve en su fuero interno? La interrogante se plantea desde el inicio y es donde "Post mortem" conecta con "Tony Manero". La soledad es una característica común a ambas cintas. Una sociedad dividida, ausente, sin rumbo, casi perdida en el infinito, se suma a lo más íntimo de la personalidad de cada personaje. La inconexión emocional es enorme y la tensión crece en la medida que avanza lentamente el metraje. Incluso, esta falta de conexión es retratada por el director con escenas aparentemente aisladas, fuera de contexto, que no hacen más que reforzar una búsqueda afanosa de identidad, una búsqueda sufriente, desoladora y trágica.

"Post mortem" es una cinta para reflexionar. No podemos verla linealmente sino de manera transversal, lo que obliga al espectador a hacer un esfuerzo e incluso puede provocar algún desagrado en una primera lectura. Sin embargo, la propuesta es concisa y profunda sobre una época dramática de nuestro país y que el cineasta busca representar y responder a través de la intimidad de personajes muy bien interpretados y caracterizados que no están en el centro del golpe militar sino que van por el costado, espectadores y, sin buscarlo, actores de las oscuras consecuencias de la represión.

Ficha técnica

Titulo Original: Post Mortem
Distribuidor: BFD
Calificación: 14
Duración: 98 Min.
Género: Drama
Año: 2010
País: Chile.
Elenco: Alfredo Castro, Antonia Zegers, Jaime Vadell
Director: Pablo Larraín

La chica que soñaba con una cerilla y un bidón de gasolina

Esta segunda entrega de la trilogía "Millennium" del sueco Stieg Larsson, cuyo título original es "Flickan som lekte med elden" (que traducido directamente es "La niña que jugaba con fuego"), posee una estética similar a su precuela y es una suerte de continuación-explicación de la historia de Lisbeth Salander y que gira en torno a un oscuro y traumático pasado que va explicando rasgos trascendentes de su personalidad.

Ha pasado un año. Lisbeth vive gracias al dinero obtenido de Wennerström y ha regresado a Suecia. Mikael, editor jefe de "Millennium", trabaja junto a un joven periodista en un artículo sobre el comercio sexual. El escenario cambia brutalmente cuando el joven periodista y su novia son asesinados y las pistas señalan a Lisbeth como la autora material del doble homicidio. Mikael no cree en ello y se propone encontrar a Lisbeth antes que nadie. Lisbeth se oculta y comienza a utilizar estrategias para descubrir quien le ha tendido esta trampa. Todos los antecedentes apuntan a su adolescencia, a su custodia y a una venganza de muy larga data. Las piezas del rompecabezas van cayendo lentamente y en conjunto van armando un metraje intenso e intrigante.

"Millennium 2" presenta una sólida construcción dramática de su relato. Está filmada con la pausa necesaria y sin apuro, dando los espacios y tiempos necesarios que requiere la trama. Los elementos se entregan parcelados, como pequeñas pistas para unir cada cabo y cada hilo. Tiene un manejo apropiado del creciente suspenso gracias a la intriga que generan los antiguos y los nuevos personajes, muy bien delineados y caracterizados. Es interesante como surge la exploración de vetas en la historia y como éstas se desarrollan, develando ciertos detalles importantes y dejando otros solamente a la asociación del espectador. Podría entenderse sin ver la primera parte, sin embargo en el marco de la historia ambas tienen una relación indispensable. Nuevamente la actuación creíble y empoderada de Naomi Rapace es excelente interpretando a Lisbeth. Está muy bien secundada por Michael Nyqvist, caracterizando a Mikael Blomkvist, ahora desde un plano un poco más secundario, de soporte emocional y logístico al relato.

El filme tiene un fuerte contenido emocional, donde la venganza cobra un papel muy destacado. La dignidad y abusos de menores es parte del foco central, en una historia que esta vez muta al escándalo del comercio sexual a punto de ser descubierto públicamente por un periodismo investigativo que incluso pone en riesgo a personas al acceder y guardar información vital. Hay una legítima intención de búsqueda de la verdad lo que tensiona una relación de competencia con la policía. El crimen organizado y las mafias salen a la luz, produciéndose una lucha constante junto a una justificación y validación de la violencia a cualquier costo.

Ficha técnica

Titulo Original: Flickan som lekte med elden
Distribuidor: Andes
Calificación: Mayores de 18 años
Duración: 129 min
Genero: Thriller - Suspenso
Año: 2009
Pais: Suecia
Elenco: Noomi Rapace, Michael Nyqvist, Lena Endre, Peter Andersson, Johan Kyén

Bajo el mismo techo

Esta cinta es una comedia romántica que, como otras de su género, por instantes roza el drama. Holly Berenson -Katherine Heigl- y Eric Messer -Josh Duhamel- no se pueden ver. Tuvieron una primera cita desastrosa que fue concertada por sus respectivos mejores amigos. Lo único que comparten es su odio mutuo y el amor por su ahijada, Sophie. Un terrible accidente, donde mueren sus padres, deja huérfana a la pequeña, y tanto Holly como Messer han sido designados por sus amigos para la custodia de la menor.

La prueba es mayor: cambiarse a la casa de Sophie, combinar vidas, horarios, intereses por la obligación de cuidar a Sophie; en síntesis, vivir bajo un mismo techo, sin ninguna relación, por un bien mayor. Ella se dedica a una tienda de comida y él es asistente de dirección en una cadena de deportes. No comparten nada y mientras menos se junten es mejor. Sin embargo el hecho de "vivir juntos" va creando algo especial -predecible por cierto- y que tiene más sentido al conocer el título original de la película: " Life as we know it", o sea, "La vida como nosotros la conocemos".

El filme tiene un formato muy claro y adivinable, como de manual de estilo o de libro. Sin embargo está bien logrado, pues la manera de presentar las situaciones, de construir el relato y de darle forma a esta relación diferente entre dos personas está perfectamente construido. Además, hay varias tomas con perspectiva, buenas cámaras que escasean en cintas de este género. El metraje fluye, mezcla muy bien el reposo y la tensión, y las actuaciones son muy espontáneas. Cumple su objetivo de entretener y emocionar, que es algo básico que no siempre se consigue en el cine de la actualidad.

Ficha técnica

Título original: Life as we know it
Origen: Estados Unidos
Elenco: Katherine Heigl, Josh Duhamel, Josh Lucas.
Género: Comedia
Duración: 113 Minutos
Calificación: Mayores de 13 años
Director: Greg Berlanti

Atracción peligrosa

Charlestown es un barrio de Boston que tiene una inusual marca: más de 300 robos al año de bancos y vehículos blindados. Doug MacRay -Ben Affleck- es parte de una banda que ha conseguido sus objetivos siempre en forma limpia, sin embargo en su último trabajo algo sale mal y toman de rehén a Claire -Rebecca Hall- la Gerente del banco asaltado a la que dejan libre posteriormente sin hacerle daño. Doug, sin embargo, quiere asegurarse que Claire no sabe nada que les pueda delatar. Por ello concreta un encuentro casual, dando comienzo a una amistad y luego a un romance inesperado sobre el que comienza a desarrollarse la trama de fondo del filme.

"The Town", su título original basado en el libro "Thieves" de Chuck Hogan, ganador del premio Hammett en el 2005, es mucho más claro y decidor que la traducción -"Atracción peligrosa"- con que ha llegado a nuestras salas. Primero pues hace referencia directa al barrio de Boston. Lo sitúa y describe como lo que es, con mucha violencia, gente conocida, protección entre los delincuentes, corrupción, etc. Pueblo chico, diríamos en Chile. En segundo término, la traducción desfigura el trasfondo de la cinta que tiene que ver con el entorno en el cual una persona ha nacido, sus expectativas, todo lo que lo rodea y que de alguna manera moldea su forma de ser, sus caminos, opciones y su proyecto de vida. Doug está al medio. Es su vida la que se le escapa de las manos y su entorno en que no le deja salir. Esta problemática es el eje del metraje y cuando más aporta es cuando describe la angustiante reflexión, ese tira y afloja interior del protagonista. Hay un deseo de escapar, de salir del círculo, de abandonar lo conocido y cambiar definitivamente. Esta "oportunidad" pasa por el abandono y el desarraigo, dos temáticas que son profundizadas en la cinta, las que se relevan aún más por la fuerte obstinación de su gran amigo Jim/Jem -el excelente Jeremy Renner- que tiene una visión diametralmente opuesta a Doug: Charlestown es su comienzo, su horizonte y su final.

Ben Affleck, en esta su segunda película como director, se encarga de filmar emociones desde muy cerca. Al ser director y protagonista no podemos dejar de asociar la escuela de Clin Eastwood, al que sin duda dedica varios guiños. En ese sentido, la forma de ubicar las cámaras, la reflexividad de los entornos, la caracterización de los personajes, la preocupación por diálogos bien logrados, escenas fuertes, cruda violencia, soledad y un amor imposible, dan a "The Town" una profunda robustez. Incluso cuando el metraje decae en intensidad, Affleck logra una unidad y conducción admirables.

Es tremendamente interesante cómo el director consigue plasmar en la cinta la duda existencial de Doug entre mantenerse anclado a su barrio o despegar en busca de una vida nueva; entre seguir los pasos de un padre preso y acabado (y de una madre que le abandonó) o bien buscar su destino propio, lejos de todo aquello a lo que está acostumbrado. Es finalmente la lucha entre el bien y el mal, entre lo que hacemos y lo que queremos, el derecho a cambiar nuestro destino. Por estas razones "The Town" destaca y se convierte en una sólida cinta, porque muestra humanidad desde la miseria y porque da esperanza en un mundo cada vez más adverso a aceptar que las condiciones y los entornos se pueden cambiar. Solo hay que proponérselo y estar dispuesto a sacrificarse para conseguirlo.

Ficha técnica

Titulo Original: The Town
Distribuidor: Warner
Calificación: 14
Duración: 125 Min.
Género: Drama/Thriller
Año: 2010
País: Estados Unidos
Elenco: Ben Affleck, Blake Lively, Chris Cooper
Director: Ben Affleck

Red

Esta nueva cinta del director Robert Schwentke tiene varios elementos que componen una interesante narración. Rápida y directa, sin mayor preámbulo y a los pocos minutos de iniciada, una emboscada imposible le señala al ex agente jubilado de la CIA, Frank Moses, -personaje muy bien construido por Bruce Willies- que su vida ha cambiado totalmente. Sus días de retiro se acabaron ya que "alguien" está muy interesado en matarlo, por lo que debe recurrir a sus amigos para solucionar este "inconveniente problema". Se suma a lo anterior que nuestro protagonista coqueteaba permanentemente al teléfono con la amable telefonista Sarah (Mary-Louise Parker) e inmediatamente Frank ve que también corre peligro mortal y sin anestesia la secuestra.

En 15 minutos ya tenemos la historia en desarrollo pues ya se incorporó el joven agente William Cooper (Karl Urban) con la explícita misión de liquidar a Frank y a su entorno próximo. Desde allí no se detiene más y la investigación de varios hechos-una periodista muerta, una lista de nombres, un antiguo caso en Guatemala- debe dar con la clave para detener una conspiración mayor que está en curso.

Moses no está solo contra el enemigo Reúne un elenco estelar, no solamente por sus competencias profesionales de sus amigos sino también por la excelencia de los actores que los encarnan. Joe Matheson (Morgan Freeman), Marvin Boggs (John Malkovich), Victoria (Helen Mirren) e Iván (Brian Cox), todos retirados y bastante mayores, entregan actuaciones muy sólidas con una sintonía entre la acción y la comedia envidiables.

RED -Retirado Extremadamente Peligroso en Inglés, escrita por Jon y Erich Hoeber como adaptación del cómic de Warren Ellis y Cully Hammer- incursiona en un género de acción-comedia complejo y con mucho que decir. Cada personaje representa un mundo completo donde observamos el envejecimiento -y cómo asumirlo-, la jubilación, la paranoia, el amor, -nuevo, naciente y antiguo de toda la vida-, la amistad, la lealtad, la traición, la protección y la reconciliación después de largo tiempo, entre muchas temáticas. Un gran ritmo durante el metraje corona un relato bien hecho, bien desarrollado, filmado con audaces cámaras y planos, excelente banda sonora y actuaciones que sin duda están dentro de lo mejor del filme. Entretenida y ágil, la película gana su espacio y gusta, por lo que los reconocimientos otorgados por la crítica están muy bien merecidos.

Ficha técnica

Titulo Original: Red
Distribuidor: BFD
Calificación: 14
Duración: 111 Min.
Género: Acción
Año: 2010
País: Estados Unidos
Elenco: Helen Mirren, Bruce Willis, John Malkovich, Morgan Freeman.
Director: Robert Schwentke