Misión Imposible: Protocolo fantasma

Tom Cruise regresa interpretando al agente Ethan Hunt en esta cuarta entrega de Misión Imposible. Esta vez los escenarios han cambiado. La agencia IMF está en problemas pues no ha podido interceptar a un peligroso terrorista que desea desencadenar una guerra nuclear entre Rusia y Estados Unidos al robar códigos de lanzamiento de misiles nucleares desde el mismo Kremlin. Hunt es rescatado de prisión para cumplir esta misión y es acompañado por un equipo que ha sido desautorizado debido al "Protocolo fantasma" iniciado por el Presidente, por lo que carecen de apoyo técnico y de soporte táctico para lograr su misión. Tanto es así que mucha de la tecnología empleada falla, siendo las destrezas personales de los agentes las que les permiten escapar de situaciones límite una y otra vez.

La cinta despliega mucha acción y efectos especiales a lo largo de sus 133 minutos de duración. Cruise se ve cómodo en su papel, donde protagoniza muchas de las escenas de riesgo, con secuencias muy bien logradas que ya son un sello propio de MI. Destaca, por cierto, la secuencia filmada en la torre Burj Khalifa, en Dubai, torre de 828 metros de altura y la más alta del mundo. Las escenas desarrolladas en ese entorno sorprenden, tanto en su producción como por la dificultad que representa el filmar a esa altura. Se logra en ellas un gran realismo -que incluso genera vértigo en algunas tomas- con composiciones bien logradas, hermosa fotografía y una vista excepcional del paisaje que le rodea.

El metraje incluye bastantes pausas reflexivas propuestas como contraparte a la acción. Es así como el vertiginoso guión por momentos se sumerge en largos pasajes de diálogos que intentan profundizar en la historia de los personajes, el pasado común y sus vinculaciones en la agencia. Si bien por momentos cae en vacíos, es la pausa necesaria para emprender nuevamente el trepidante accionar de los protagonistas. Dentro del relato, y es bueno hacerlo notar, existe una intención de destacar el valor del trabajo en equipo desde el lugar que a cada uno le corresponde. También la permanente protección y preocupación de unos con otros es relevada en una cinta que no se caracteriza por una clara muestra de valores.

Desde el punto de vista de la dirección se observa un cambio importante. Brad Bird, quien nos había regalado anteriormente películas de animación como "Los increíbles" y "Ratatouille" dirige por primera vez una cinta con actores reales. Y su mano se hace notar, sobre todo en el balance de las secuencias, en los planos, en el seguimiento de los personajes y sobre todo en el toque de humor que sale permanentemente a flote como una forma de relajar tanta tensión acumulada. La entrada al Kremlin de los dos agentes disfrazados es una de las mejores secuencias de la cinta. Prácticamente sin palabras, solo con gestos y actuaciones convincentes logra una mini historia perfecta. Este trabajo sumado a una notable banda sonora de Michael Giacchino hacen de Misión imposible: "Protocolo fantasma" una película entretenida que cumple a cabalidad con las expectativas.

Ficha técnica

Titulo Original: Mission Impossible – Ghost Protocol.
Distribuidor: UIP
Calificación: 14
Duración: 133 Min.
Género: Acción
Año: 2011
País: Estados Unidos
Elenco: Tom Cruise, Jeremy Renner, Paula Patton , Simon Pegg , Josh Holloway, Michael Nyqvist , Léa Seydoux, Vladimir Mashkov, Anil Kapoor, Tom Wilkinson.
Director: Brad Bird

La víctima perfecta

Una joven doctora encargada de las urgencias en un hospital de Nueva York busca cambiarse de departamento para probablemente huir de su pasado. Algo ha sucedido en su vida sentimental pues se ve triste y desesperanzada. Un propietario "residente", dueño de un edificio, arrienda un departamento en ventajosas condiciones, amplio y cómodo. Cuando ambos personajes se encuentran, la historia se desencadena bajo los clásicos motivos y elementos de cualquier cinta de suspenso.

"La víctima perfecta" carece de novedad argumental. Cada paso del relato es adivinable como si se tratara de una tormenta que comienza lentamente. El tema de la soledad, la obsesión, la culpa y el amor se mantienen latentes en todo momento pero no son suficientemente desarrollados ni convincentes. Ni siquiera la correcta actuación de Hillary Swank alcanza para sacar a flote la película. La dirección de Antti Jokinen es correcta, sin embargo no tiene el vértigo ni emoción necesario para lograr su objetivo.

Es una lástima ver pasar estas cintas, con buenos actores, donde se pierde la esencia de un verdadero thriller al no poseer la sustancia mínima necesaria para provocar.

Ficha técnica

Titulo Original: The Resident
Distribuidor: BFD
Calificación: 14
Duración: 91 Min.
Género: Drama, Terror, Thriller
Año: 2010
País: Reino unido y Estados Unidos.
Elenco: Hilary Swank, Jeffrey Dean Morgan, Christopher Lee
Director: Antti Jokinen

Gatos viejos

"Gatos viejos", la nueva realización de Sebastián Silva y Pedro Peirano transcurre lentamente. Es un fiel reflejo del otoño de una pareja anciana que vive en un departamento en el centro de Santiago. Los tiempos son pausados, reflexionados y las dificultades cada vez mayores. Isadora -excelente Bélgica Castro- sufre episodios claros de senilidad mientras Enrique -Alejandro Sieveking- intenta acompañarla y ayudarla en todo momento.

La tensión de la cinta se hace mayor cuando llega de visita Rosario -notable personaje construido por Claudia Celedón-, hija de Isadora y con quien la relación es muy compleja y difícil. Acompañada por Hugo -Catalina Saavedra interpretando a la pareja lesbiana de Rosario- esta visita llega a desestabilizar aún más la rutina de los ancianos protagonistas, cuya incomodidad aumenta con el correr del metraje.

La cinta contiene muchos elementos constitutivos y esenciales. Por una parte un oscuro retrato de la vejez, simbolizada también en esos gatos que acompañan fielmente a los protagonistas, donde la creciente dependencia, las enfermedades y carencias son parte de una normalidad asumida. Por otra parte "Gatos viejos" es un relato sobre las relaciones familiares, humanas, de pareja -anciana o joven-, relaciones dañadas, no resueltas, simples y complejas. Justamente la solidez de los actores permite incursionar en este difícil campo, y es donde la cinta logra permear a los espectadores transmitiendo emociones y sensaciones que están a flor de piel en cada escena.

Una mención especial a la notable actuación de Bélgica Castro. Ella "es" Isadora, con una profundidad y expresión gestual extraordinaria, sosteniendo el relato en los momentos más difíciles con tan solo una mirada. La dirección fluye hacia una empatía completa con los personajes. No es sencillo rodar una cinta que se desarrolla casi íntegramente dentro de un departamento. Los detalles, la decoración, los movimientos, la ubicación de las cámaras, todo se adapta con precisión para mostrar transparentemente el transcurso de la vida de los protagonistas.

"Gatos viejos" no es una película fácil. Permite meditar y reflexionar mucho sobre todo desde el punto de vista en que cada espectador accede a ella. Los mayores se verán representados tal vez por esa angustia de una etapa de la vida que ven cercana o que ya viven de uno u otro modo. Los más jóvenes podrán tal vez tener más elementos para entender a sus padres o abuelos que viven en esas condiciones. Probablemente todos tenemos en nuestra vida esos queridos "Gatos viejos" en quienes nos proyectamos y nos reflejamos, más cercanos o distantes y a los que amamos profundamente.

Ficha técnica

Titulo Original: Gatos Viejos
Distribuidor: Independiente
Calificación: TE+7
Duración: 88 Min.
Género: Drama
Año: 2010
País: Chile, Estados Unidos.
Elenco: Bélgica Castro, Alejandro Sieveking, Claudia Celedón, Catalina Saavedra, Alejandro Goic
Director: Sebastián Silva, Pedro Peirano

Al otro lado del corazón

El director John Cameron Mitchell nos presenta un crudo drama sobre una pareja que ha perdido a su hijo de cuatro años en un accidente. Este antecedente es tan brutal que es capaz de doblegar a cualquiera y enfrentarse a él constituye un desafío importante para el relato, las actuaciones y la dirección.

Como primer antecedente está la no lograda traducción de su título original. "Rabbit hole", que puede traducirse como agujero de conejo, es mucho más claro y decidor que "Al otro lado del corazón", traducción que parece un intento de suavizar la temática o bien una forma -difusa tal vez- de representar las dos maneras opuestas de vivir el duelo que tiene la pareja protagónica.

Becca -Nicole Kidman- pasados ocho meses del accidente no sabe cómo superar la pérdida. Howie -Aaron Eckhart- intenta vivir normalmente, sin embargo aún está anclado en el vivo recuerdo de su hijo. Ambos están realmente sumidos en un hoyo que no ve salida y que los arrastra a distanciarse paulatinamente en lo que podríamos llamar la crónica de un fracaso anunciado. Sumemos al cuadro a Jason, el joven causante del atropello quien también sufre internamente; la hermana de Becca que ha quedado embarazada y la madre de ambas, cuyo pasado también está marcado por la muerte de su hijo.

Acá entramos a la sustancia del filme y también a la subjetiva impresión que puede provocar en cada espectador. En mi opinión, la conducción del relato no permite una profunda empatía con la pareja y tal vez no es ese el objetivo. La construcción -muy bien lograda sin dudas- del personaje de Becca es fuerte, duro, expresando un bloqueo emocional férreo perfectamente entendible dado lo acontecido. Como contraparte, Howie con sus limitaciones -y con una actuación algo más débil-, representa una posibilidad de salida y lucha por ello, aunque choque una y mil veces con la dureza de su esposa. Es en la relación de ambos y con su entorno donde se juega la historia y donde también se pierde la historia. La tensión es extendida y ampliada a niveles importantes. El metraje se entrecorta y se producen muchos quiebres en el relato que fragmentan la cinta lo que pone en juego su continuidad y desarrollo.

"Al otro lado del corazón" es una película sobre amor, pérdida, culpa y superación que sin embargo no logra la cadencia apropiada para consolidarse. Ojalá nos quedemos con la mirada de Becca o de Howie, esa mirada al horizonte infinito donde incluso sin verlo existe un rayo de esperanza para seguir viviendo.

Ficha técnica

Titulo Original: Rabbit Hole
Distribuidor: BFD.
Calificación: TE+7
Duración: 91 Min.
Género: Drama
Año: 2010
País: Estados Unidos.
Elenco: Nicole Kidman, Aaron Eckhart, Dianne Wiest, Miles Teller, Tammy Blanchard, Sandra Oh, Giancarlo Esposito, Jon Tenney, Stephen Mailer, Mike Doyle..
Director: John Cameron Mitchell

Si fueras yo

Esta comedia que cuenta la historia de dos amigos con vidas muy distintas se basa en la recurrente idea del cambio de roles. Mitch (Ryan Reynolds) y Dave (Jason Bateman) de alguna manera desean la vida del otro y un día, luego de una noche de copas, despiertan con sus cuerpos cambiados. Dave es un abogado trabajador y ordenado mientras Mitch es un soltero sin presión ni obligaciones. Este cambio los obliga a asumir en propiedad su nuevo papel lo que desencadena una serie de aventuras y problemas.

La verdad es que la trama es muy simple y el guión francamente pobre. Los adornos en exceso -estereotipos y gags vulgares- no logran encubrir la falta de sustancia argumental. Ni siquiera las actuaciones se logran sobreponer a ello, cayendo en una planicie que por momentos incomoda. El cine de humor norteamericano parece atravesar por una crisis, al menos en las cintas que se han estrenado últimamente. El ingenio y creatividad ha sido desplazado por otros elementos que se basan en el sexo y la burla para hacer reír. En ocasiones pueden conseguirlo una o dos veces, sin embargo basar una cinta solo en ello tiene sus riesgos.

"The Change-Up" es ulna comedia para olvidar a pesar que muy en el fondo nos habla del inconformismo, la rutina, el estilo actual de vida laboral, el exceso o la falta de compromisos y la búsqueda de nuevas experiencias. Estos temas están tan ocultos por la caricatura que no alcanzan a ser parte importante de la historia y quedan como meros antecedentes. Una lástima, sobre todo si pensamos que por formato son justamente las comedias las que mejor podrían abordar problemas actuales desde un ángulo que invite a la reflexión sin necesariamente hacer de ello siempre una tragedia.

Ficha técnica

Titulo Original: The Change-Up
Distribuidor: UIP
Calificación: 14
Duración: 112 Min.
Género: Comedia
Año: 2011
País: Estados Unidos
Elenco: Jason Bateman, Ryan Reynolds, Olivia Wilde, Leslie Mann, Mircea Monroe, Alan Arkin, Gregory Itzin, Ned Schmidtke, Ming Lo, Sydney Rouviere
Director: David Dobkin

Qué pena tu boda

Esta cuarta cinta del director chileno Nicolás López es en realidad la secuela de "Qué pena tu vida", su anterior entrega. López sigue a sus protagonistas en esta nueva etapa, casi un año después de la anterior, donde Javier y Angela son una joven pareja, aun inestables en cuanto a su relación, en busca de un incierto proyecto de vida. Angela -Andrea Velasco- ve que sus amigas se casan para formar familia e intuye que quisiera caminar hacia allá. Javier -Ariel Levy- aun no define lo que quiere y su instinto lo lleva a huir de cualquier cosa que parezca compromiso. Esa disparidad de proyecciones y el ambiente que les rodea es la base argumental de "Qué pena tu boda".

Con una evidente pobreza de recursos narrativos el director recurre a una suma de situaciones jocosas y serias para dar forma a un guión que no tiene más continuidad que el reflejo del día a día de los protagonistas. Una serie de ridiculizaciones conceptuales poco ayudan a proporcionar un fondo apropiado al relato. Es cierto, el objetivo es probablemente retratar la vida de dos jóvenes en su transición a la vida adulta, con humor y particularidad, sin embargo ello no debiera hacerse a cualquier precio. En este caso el costo es alto, tanto en la historia como en el lenguaje cinematográfico.

Vamos por parte, desde lo más notorio a lo más sutil. La publicidad incluida es molesta. Está bien, financia el proyecto, pero de ahí a pasar a ser un pie forzado...? La ridícula composición de personajes y calificación -en forma de burla- de sus actos también constituye una apuesta arriesgada y en este caso, en mi opinión, fracasa. La dimensión valórica de un embarazo no previsto y como contrapunto la existencia de relaciones laborales poco sanas, relaciones familiares disfuncionales y amistades de dudosa lealtad se presentan tan superficialmente que configuran un verdadero parque de valores y anti valores sin real identidad.

López retrocede un paso con esta secuela. Es una lástima pues en su debut con "Promedio rojo" prometía ser distinto e innovador. El talento del director aún está, sobre todo en la configuración de algunas actuaciones secundarias -Claudia Celedón, Paz Bascuñán y Julio Jung entre otros- que se roban parte de la cinta, sin embargo no se explota lo suficiente para sacar a "Qué pena tu boda" de una intrínseca mediocridad fílmica carente de una historia como verdadero sustento narrativo.

Ficha técnica

Titulo Original: Que pena tu boda
Distribuidor: BFD
Calificación: 14
Duración: 96 Min.
Género: Comedia
Año: 2011
País: Chile
Elenco: Ariel Levy, Andrea Velazco, Ramón Llao, Claudia Celedón, Paz Bascuñán, Lorenza Izzo, Willy Semler, Liliana Ross, Julio Jung, Nicolás Martínez, José Martinez, Ignacia Allamand, Felipe Avello
Director: Nicolas Lopez

El precio del mañana

A los 25 años se deja de envejecer y se activa un reloj genético que permite vivir sólo un año más. Todo se mide en tiempo (minutos, horas, días, años) por lo que se ha transformado en la única moneda de cambio. Es así como los ricos pueden comprar tiempo a voluntad lo que los transforma en personas prácticamente "inmortales". Los pobres, en cambio, viven al día y deben procurar tiempo para su supervivencia. Acá la falta de tiempo implica la muerte, mientras para los poderosos el tiempo es lo que sostiene "el sistema".

Con esta excelente analogía de las actuales crisis económicas y sociales que observamos a diario, el director Andrew Niccol construye un drama de ciencia ficción reflexivo e interesante. Si bien la película no tiene un gran vuelo cinematográfico, las ideas y su desarrollo son interesantes. Veamos por qué. Will Salas -Justin Timberlake- proviene de los barrios bajos, vive al día y siente resistencia al sistema. Por su parte, Sylvia -Amanda Seyfried- hija del multimillonario Weis, tiene para ella y su familia "todo el tiempo del mundo". Ambos extremos se juntan inesperadamente pues Will recibe una generosa donación y decide emprender una solitaria lucha contra el sistema. Al conocer a Sylvia, la mutua atracción y un incipiente amor comienza a modelar la vida de ambos protagonistas. La supervivencia de la pareja no está garantizada y deben luchar juntos por cada minuto de vida perseguidos por la justicia, por mafiosos y por la propia familia Weis.

La cinta es correcta en su propuesta, sin embargo decae por momentos al no mantener un ritmo creciente a través de un guión más bien sencillo y escasamente elaborado. No obstante estos detalles, "In time" no nos puede dejar indiferentes. Son muchos los valores en juego. La brecha entre ricos y pobre ha aumentado en este cercano "futuro" y ya no sólo es por acceso a bienes básicos o lujos, sino por el derecho a la vida. Cuando actualmente nos quejamos de "no tener tiempo" para nosotros es no tenerlo para aquello que quisiéramos hacer o no hacer. En este futuro el no tener tiempo es no tener vida, una angustia casi imposible de sobrellevar. El sistema económico está basado en las diferencias sociales y los derechos humanos están totalmente sujetos al poder del tiempo, dejando a un lado la dignidad de todo ser humano por el solo hecho de existir. En este sentido la propuesta de Niccol es clara. Hagamos el ejercicio al revés y llevemos este futuro a nuestro presente. Sin duda descubriremos más similitudes y urgencias de las que vemos a diario, y la esperanza de realmente hacer algo para cambiar nuestros destinos. Aún estamos "a tiempo", está en nuestras manos.

Ficha técnica

Titulo Original: In Time
Distribuidor: FOX
Calificación: TE+7
Duración: 119 Min.
Género: Ciencia Ficción
Año: 2011
País: Estados Unidos
Elenco: Justin Timberlake, Amanda Seyfried, Cillian Murphy
Director: Andrew Niccol

Sin escape

Nathan Harper -Taylor Lautner, el "hombre lobo" de la saga Crepúsculo- es un estudiante normal que, haciendo un trabajo sobre personas desaparecidas junto a su compañera de curso Karen -Lily Collins-, encuentra una foto suya de cuando era un niño en una web de gente sin pistas. Comienza a sospechar de sus padres que siempre le han entrenado para defenderse de posibles agresores y descubre que no son quienes dicen ser. Esto da origen súbito a una persecución infernal de policías, agentes gubernamentales, asesinos, una conspiración que cae con todo su peso sobre Nathan, que no sabe en quien confiar y no entiende nada de lo que está sucediendo. Encontrar a sus padres biológicos y conocer su propia identidad pasan a ser los ejes centrales de una historia de lucha por sobrevivir.

"Sin escape", cuyo título original es "Abduction", es un thiller de adolescentes y para adolescentes aunque por momentos pretende un mínimo más, representado por la relación de Nathan con sus padres, ese protegido ambiente familiar que se rompe abruptamente y sin razón aparente, y por el incipiente romance que comienza con Karen, su inesperada compañera de escape. De ahí en más, la cinta es acción pura intercalada con secuencias que solo permiten tomar un poco de aire. El guión es ágil y la producción tiene un excelente nivel a pesar de lo inverosímiles de algunas secuencias que son llevadas al extremo.

La cinta responde a su género aunque queda la sensación que pudo haber sido mejor lograda en el desarrollo de la historia. La actuación del joven Lautner también cumple con las expectativas pues su destreza en las artes marciales y autodefenza consiguen que su papel sea más convincente. Sin embargo está al debe en el desarrollo dramático de su interpretación, lo que sin duda puede ser solo tiempo y experiencia. Ayuda al relato la presencia de personajes secundarios interpretados por actores tan sólidos como Sigourney Weaver y Alfred Molina en papeles que soportan la historia en partes importantes del metraje. En pocas palabras, "Sin escape" ofrece entretención y esboza algunos valores como la familia, la lealtad y la amistad, entregando buenas dosis de adrenalina en sus secuencias de acción.

Fiche técnica

Título original: "Abduction"
Distribuidor: BF
Calificación:
Duración: 106 min.
Género: Thriller, acción
Año: 2011
País: USA
Elenco: Taylor Lautner, Lily Collins, Sigourney Weaver, Alfred Molina, Michael Nyqvist, Maria Bello, Jason Isaacs, Dermot Mulroney
Director: John Singleton

El especialista

"El especialista" -originalmente titulado "El mecánico"- es un buen trailer de acción protagonizado por Jason Statham en el papel del asesino a sueldo Arthur Bishop. Conocido por su eficiencia y por no dejar rastros de sus trabajos, es puesto a prueba pues debe matar a su jefe y colega de toda la vida, Harry McKenna, a solicitud de la organización para la que trabaja. Steve McKenna -Ben Foster interpretando al hijo de Harry- se transforma en su aprendiz en busca de venganza por la muerte de su padre.

Basado en una historia simple, "El especialista" responde a su género de cine de acción y cumple correctamente. Statham, inmutable incluso en las escenas más complejas, desarrolla un personaje solitario que se desenvuelve en un mundo sin la más mínima moral y donde todos los medios están permitidos con tal de alcanzar los fines. La vida del protagonista es en si contradictoria. Vive solo para trabajar, añora dejar su trabajo para disfrutar lo conseguido y ello le ocasiona un conflicto interior que solo se expresa en la relación con Sarah -Mini Anden- una acompañante de lujo que frecuenta algunas noches. De igual forma la relación con Steve comienza a ser cada vez más cercana, producto tal vez del inmenso sentimiento de culpa que atraviesa a Arthur.

La cinta ofrece entretención y explosión garantizada. Las escenas de acción están muy bien producidas y por momentos no dan tregua. El director Simon West maneja bien los planos y secuencias para entregarnos una buena filmación. El guión es certero, salvo en algunas lagunas intermedias donde debe bajar el ritmo para reposar y explicar asuntos importantes del relato. La película basa parte importante de la historia en la obsesiva personalidad del protagonista. No hay situación no prevista, todo está tan calculado que incluso parece que lo improvisado estuviese ya pensado. En ese sentido la compañía de Steve como un talentoso discípulo es refrescante, pues impulsa a Arthur a una cierta improvisación, descoloca sus sentimientos y provoca tal vez sus únicos errores que pueden llegar a ser fatales.

Ficha técnica

Titulo Original: The Mechanic
Distribuidor: BFD
Calificación: 18
Duración: 93 Min.
Género: Acción
Año: 2011
País: Estados Unidos.
Elenco: Jason Statham, Ben Foster, Donald Sutherland.
Director: Simon West

Blue Valentine

Esta cinta del debutante director Derek Cianfrance es una particular historia de amor. Y es especial por varios aspectos. El más evidente es la forma de construir el relato desde una perspectiva no lineal, donde la temporalidad juega un papel importante, presentando la historia desde el presente y el pasado. Dean -Ryan Gosling- y Cindy -Michelle Williams- llevan algunos años de casados y tienen una pequeña hija. Su relación ha ido deteriorándose con el paso del tiempo y en un intento por salvarla Dean propone pasar una noche en "la habitación del futuro" de un hotel temático. A partir de este eje temático la película comienza a presentar fragmentos de la vida de ambos, el comienzo de su relación, las crisis presentes, la vida cotidiana de cada uno en su entorno, el auge del amor y su lenta decadencia.

Las actuaciones de ambos, en especial la de Michelle Williams candidata al Oscar a mejor actriz 2011, contienen emociones a flor de piel. Son personajes cuidados, bien construidos, que soportan todo el peso dramático del guión. La relación de ambos es intensa, explosiva, tan apasionada como tormentosa. El paso del frío al calor y viceversa es algo totalmente cotidiano, muy bien representado durante todo el metraje. La euforia y la depresión están tan cerca que en ocasiones pueden incluso confundirse. Este drama conmueve desde la humanidad de la pareja, que está dotada de una profunda densidad y realismo que en algunas escenas es llevado al límite.

Ble Valentine es una película de extremos. La convergencia es el punto de encuentro entre el comienzo y fin de la historia. El ritmo, particularmente lento por momentos, colabora aportando la tensión necesaria que se articula en ambos protagonistas como dos imanes que se atraen o rechazan dependiendo de su ubicación y carga emocional. Una historia cargada de promesas, angustias y dolor, de encanto y desencanto, de esperanza y desesperanza. Un drama honesto, por instantes bastante crudo, bien narrado y bien filmado. Un relato sentido sobre el matrimonio, la convivencia cotidiana y los conflictos, una experiencia que no es fácil de ver y que pone al amor en el centro fundamental de una relación de pareja.

Ficha técnica

Titulo Original: Blue Valentine
Distribuidor: BFD
Calificación: 14
Duración: 112 Min.
Género: Drama, Romántica
Año: 2010
País: Estados Unidos
Elenco: Ryan Gosling, Michelle Williams, John Doman, Faith Wladyka, Mike Vogel, Marshall Johnson.
Director: Derek Cianfrance

Sin límites

¿Tomarías una pastilla que promete que podrás usar el 100% del poder de tu cerebro? ¿Será una droga, permitida o no? ¿Creará adicción o efectos secundarios? Eddie Morra -Bradley Cooper- tiene las mismas dudas luego que su ex cuñado le ofrece esta solución a sus problemas. Justo ahora, cuando su novia - Abbie Cornish- lo ha dejado, tiene un contrato para un libro -no lleva escrito ni media palabra- y ya no sabe que hacer con su vida.

Partiendo de una buena idea, "Limitless" es una cinta que aborda variados aspectos dignos de destacar, aunque en su desarrollo deja muchos de ellos abiertos o sin respuestas. Vamos por parte con algunos de ellos. El primero se refiere a la búsqueda de éxito y reconocimiento. Eddie lo necesita pues su vida lo frustra en cada paso que da. El segundo da cuenta del gran potencial que todos poseemos y que tal vez no explotamos al máximo. Acá se presenta una droga que solo ofrece el "acceso" a todo ese potencial y que funciona mejor mientras más capacidades naturales tenga la persona. ¿Si existiese verdaderamente esta pastilla, sería ilegal? Acá nace un tercer aspecto importante que se refiere a la ayuda médica que podemos conseguir gracias a los avances de la tecnología y la química. ¿Es ético y moral experimentar en esta línea de acción, desarrollando medicamentos que potencien al ser humano a cambio de un valor económico exorbitante? ¿No aumentaría ello los enormes grados de desigualdad que ya vivimos? Por último el siempre presente poder económico representado por un poderoso financista de New York, Carl Von Loon -Robert de Niro-, quien aprovecha el potencial de Eddie para los negocios y quiere averiguar el secreto que hay detrás de tanto éxito.

El director Neil Burger compone un relato interesante, a pesar que el guión pierde fuerza al promediar la cinta y cae en situaciones previsibles. Por momentos hay un abuso de diálogos y escenas que segmentan el desarrollo, quitando ritmo e imaginación al metraje. Abandonado el terreno de los valores, "Sin límites" entretiene y se abre a perspectivas futuras con más preguntas que respuestas, sin embargo da la impresión que pudo ser un mejor trabajo, o bien algo mejor logrado. Obviamente no se puede profundizar en todos los aspectos ni es esta una película que tenga ese fin pero justamente acá está la diferencia entre una buena cinta de entretención -premisa que cumple a cabalidad- y un cine más preciso y elaborado del que sin duda está más lejos.

Ficha técnica

Titulo Original: Limitless.
Distribuidor: BFD.
Calificación: 14
Duración: 105 Min.
Género: Thriller, Misterio
Año: 2011
País: Estados Unidos.
Elenco: Bradley Cooper, Anna Friel, Abbie Cornish
Director: Neil Burger

Medianoche en Paris

Cada cinta de Woody Allen es un mundo completo y su último trabajo europeo no escapa a esta lógica. En esta oportunidad la ciudad elegida es Paris, con su magia, su expresiva vida, su gente y su historia. Desde una visión netamente norteamericana, la ciudad luz es presentada como un oasis de cultura y patrimonio, tanto en su infraestructura como en su intelectualidad y desarrollo artístico. Una ciudad que encanta y atrapa, que permite revivir su historia desde una magia romántica especialmente elaborada.

Gil -Owen Wilson- junto a su prometida Inez -Rachel McAdams- están de paso en la ciudad preparando su matrimonio. Allí se reúnen con una especial pareja de amigos y con los padres de la novia. Gil es un guionista exitoso en Hollywood y atraviesa por un momento complejo. Está preparando una novela y tiene muchas dudas. Admira el Paris de los años 20 y añora haber vivido en ese tiempo. Luego de una noche de copas, y caminando por la ciudad, justo a la medianoche sucede algo impensado: se abre ante él ese mítico Paris y comienza su encuentro con famosos artistas: Scott Fitzgerald y Zelda, escucha en vivo a Cole Porter, conversa animadamente con Hemingway, con Dalí, y consigue los consejos de Gertrude Stein.

Allen dibuja en esta cinta el paradigma del pasado como un tiempo mejor. Aborda de una manera especial la temporalidad, en su propio estilo de comedia reflexiva, lo que nos introduce finalmente en el mundo interior de Gil. Resultan muy interesantes los diálogos del protagonista con cada personaje histórico pues representan la añoranza y su deseo explícito de vivir en esta mágica ciudad. Las fiestas y sus calles evocan un tiempo de gloria desde el punto de vista artístico y por eso Gil se siente tan a gusto. Poco a poco va descubriendo su propio valor, su camino, su identidad, ayudado por un impulso motivacional y creativo impensado que es vivir él mismo la historia que tan bien conoce.

La maestría del relato radica en la elaboración de una situación imposible. Y eso es arte; hacer posible aquello que no es necesariamente lógico o real y convertirlo en una descripción viva. El director nos transporta al Paris de ayer, de hoy y de siempre, adornado e idealizado. Incluso la presencia de Carla Bruni en un pequeño papel como anfitriona del Museo le da a la cinta una connotación de actualidad y se justifica plenamente. Es Allen en su mejor dimensión europea, cerrando tal vez un ciclo con una película bien construida, bien lograda y excelentemente actuada, por momentos drama, por otros comedia, reflexiva y a la vez liviana, es decir, una deliciosa mirada astuta de su director de comienzo a fin.

Ficha técnica

Titulo Original: Midnight in Paris.
Distribuidor: BFD.
Calificación: TE
Duración: 94 Min.
Género: Romance, Comedia.
Año: 2011
País: Estados Unidos, España
Elenco: Owen Wilson, Rachel McAdams y Kathy Bate.
Director: Woody Allen

8 minutos antes de morir

"Código fuente" -"Source Code"- es el título original de este thriller protagonizado por Jake Gyllenhaal en el rol del capitán Colter Stevens, un oficial de aviación que de pronto se encuentra en un tren, sin saber por qué, con una identidad que desconoce y frente a una mujer que nunca ha visto, interpretada por Michelle Monaghan. En ocho minutos se produce una explosión que destruye el tren por completo y Stevens es inmediatamente transportado a una base militar donde comienza a entender, gracias a la guía de una uniformada llamada Goodwin -Vera Farmiga-, que es parte de una misión militar secreta destinada a conocer la causa del atentado y a descubrir la identidad del terrorista.

Partiendo de esta base y sin adelantar mucho más de la historia, el relato tiene su centro en una realidad de tiempo-espacio muy diferente a lo que conocemos o podemos imaginar. Por ello la importancia del título original. Quienes conocemos de informática sabemos que el código fuente es la base de toda programación y que si logramos llegar a él podemos modificar lo necesario para cambiar su aspecto o bien construirlo de una forma distinta. Es como el ADN informático. En este caso, el código fuente es la vida misma y un poco más. Son esos ocho minutos de vida que transcurren antes de la explosión y que son vividos una y otra vez por el capitán Stevens en busca de las respuestas solicitadas. Sin embargo, en este revivir, Colter comienza a desear algo que no está permitido en esta misión: intervenir el pasado para evitar el atentado.

Con una edición excelente y una dirección ágil, "Source Code" nos entrega un relato dinámico y lleno de acción, no obstante ciertas lagunas en el guión que producen que el metraje decaiga hacia el segundo tercio del filme. Con buenas actuaciones y una combinación apropiada de ciencia ficción y suspenso, la película logra cautivar gracias a una trama original donde el tema de las realidades paralelas cobra relevancia y las respuestas se encuentran finalmente en lo más íntimo y propio de la persona que es nuestra profunda humanidad.

Ficha técnica

Titulo Original: Source Code
Distribuidor: BFD
Calificación: TE+7
Duración: 93 Min.
Género: Thriller
Año: 2011
País: Estados Unidos, Francia
Elenco: Jake Gyllenhaal, Michelle Monaghan, Vera Farmiga, Jeffrey Wright , Michael Arden , Cas Anvar , Russell Peters
Director: Duncan Jones

Violeta se fue a los cielos

¡Arte! Música, pintura, poesía, creación original, folklore, cine, una historia; al fin y al cabo la vida! Todo lo anterior y algo más está presente en esta nueva película del cineasta chileno Andrés Wood quien se atreve a contarnos la historia de Violeta Parra desde la mirada del libro de Angel Parra, con un sólido guión de Eliseo Altunaga, Rodrigo Bazaes, Guillermo Calderón y el propio director.

"Violeta" no es un relato lineal. Vemos a la pequeña niña, a la joven, a la madura Violeta en constantes planos y secuencias diferentes. La temporalidad no es necesaria; es simplemente Violeta en todas sus formas y momentos. Desde su magnética personalidad, que queda de manifiesto en una entrevista televisiva que cruza todo el filme, hasta la genialidad inmensa de su creación artística.

Wood, siempre correcto y detallista para filmar, esta vez da un paso más audaz. Incursiona directamente en el arte de contar una historia que de alguna u otra forma está en nuestras raíces, en nuestro inconsciente colectivo. Sin duda no es fácil el desafío. Conocemos de antemano el final pero eso no es problema. Wood nos integra al entorno de Violeta, a aquél profundo Chile pobre, del campo, donde la lucha por sobrevivir es diaria y la cultura no es un adicional sino una forma de vivir. Nos hace entrar -no solo ser espectadores- en la carpa de La Reina, en el Museo de Louvre, en la televisión, en la radio, en un campamento, en un club privado, en la intimidad y en el carácter de Violeta. Francisca Gavilán encarna a la protagonista con un vuelo impresionante, una seguridad y semejanza que sorprende por una magnífica caracterización que también incorpora los cantos de muchas de las canciones presentes en el filme. Y este es un detalle no menor. Lograr interpretar a Violeta con el canto y la actuación y conseguirlo a este nivel merece los mayores elogios.

"Violeta se fue a los cielos" se enmarca probablemente dentro de lo mejor del cine chileno de los últimos años. Con una producción eficaz, un sonido excelente, una dirección de actores precisa y hermosa fotografía de Miguel Ioan Littin, esta cinta nos muestra desde dentro el Chile de mediados del Siglo XX. Un pueblo que busca el rumbo representado por la cantautora que también busca su propio destino. En un permanente ir y venir se van delineando trazos, sentimientos y sensaciones que moldean el desarrollo del metraje, sin mucha organización aparente pero con grandes fundamentos. Se configura y reconfigura la identidad -nuestra identidad- en cada escena, lo que nos permite revisarnos y vernos retratados en un cine de arte, un cine que llega profundamente, que emociona y envuelve. Un cine de alto nivel, un cine que validamos como propio y que valoramos como parte de nuestra propia historia.

"Escribe como quieras, usa los ritmos que te salgan, prueba instrumentos diversos, siéntate en el piano, destruye la métrica, grita en vez de cantar, sopla la guitarra y tañe la trompeta. Odia las matemáticas y ama los remolinos.
La creación es un pájaro sin plan de vuelo, que jamás volará en línea recta".
Violeta Parra

Ficha técnica

Titulo Original: Violeta se fue a los cielos.
Distribuidor: BFD
Calificación: TE+7
Duración: 110 Min.
Género: Drama
Año: 2011
País: Chile, Argentina.
Elenco: Francisca Gavilán, Cristián Quevedo, Patricio Ossa, Thomas Durand, Luis Machín, Vanesa González
Director: Andres Wood

Los Pitufos

La vida de estos pequeños seres azules -creados en 1958 por el dibujante belga Peyo- se desarrolla de manera muy normal en su "pitufialdea". Liderados por Papá Pitufo, cada uno en lo suyo representan un sinfín de personalidades que conviven armónicamente en torno a una comunidad que que se auto protege del malvado mago Gargamel y su gato Azrael. Sin embargo, algo se sale de control y un grupo de Pitufos se encuentran de pronto en plena ciudad de Nueva York, precisamente en medio del Central Park, algo sin duda muy distinto a su bosque y a su entorno. El problema se agrava pues también llegan con ellos sus eternos perseguidores, por lo que ahora la constante lucha se traslada nada menos que a la Gran Manzana.

Divertida y entretenida, esta cinta hace las delicias de chicos y grandes (que también seguimos a los Pitufos antaño, incluso en blanco y negro). Ver en la pantalla grande a estos pequeños personajes mezclados con humanos es realmente un excelente acierto de producción y está muy bien recreado. Las escenas fluyen y la risa aflora a lo largo de todo el filme.

Y algo más. No solo entretención entrega esta "pitufianimación". Una historia sobre el éxito comercial, la permanente tensión del marketing y la imagen es la que sostiene Patrick Winslow. Con su mujer embarazada a punto de tener a su primer hijo -Grace- y una jefa exigente y poco amable -Odile-, Patrick está sometido a una presión tal que la inesperada llegada de los Pitufos y su creciente bondad y amistad le ayudan a reorientar su vida, reconocer las prioridades y encontrar el tiempo exacto para el trabajo y la familia.

Mención especial para la genial caracterización de Gargamel. No sólo toma vida propia en manos de la actuación de Hank Azaria, sino que brilla también como un malvado moderno de fácil adaptación que no decae en su persecución "pitufina" en compañía del carismático Azrael -real- que también roba sus escenas.

Ficha técnica

Titulo Original: The Smurfs
Distribuidor: Andes
Calificación: TE
Duración: 105 Min.
Género: Animación, Aventura, Comedia
Año: 2011
País: Estados Unidos
Elenco: Neil Patrick Harris, Jayma Mays, Hank Azaria, Sofía Vergara, Anton Yelchin, Katy Perry, Alan Cumming
Director: Raja Gosnell

Súper 8

Esta cinta del director J.J. Abrams -Lost-, y producida por Steven Spielberg, posee elementos de ciencia ficción y de misterio que van tomando un rol protagónico propio en la medida que el relato avanza. El director no acostumbra a mostrar todas sus cartas desde el comienzo. Solo esboza pinceladas que abren ventanas a la trama central de la película pues su fuerte no es el argumento, sino el cómo contar la historia.

En el verano de 1979 en un pequeño pueblo de Ohio, un grupo de jóvenes amigos está filmando -en una cámara Súper 8- un corto sobre zombies que los tiene de cabeza preocupados de la producción y de cada detalle del artesanal filme. En pleno rodaje, un accidente de proporciones cambia sus planes y el de toda su comunidad. El ejército se hace cargo del control del lugar pues algo más se esconde tras el monumental operativo. La información en confusa y estos jóvenes se proponen investigar que es lo que sucede.

"Súper 8" tiene varios aspectos novedosos. J.J. Abrams tiene talento para conducir el relato, sin embargo cuando llega a terreno ya explorado, o bien a aquello que ya no es mayor novedad, su conducción se hace algo obvia y no ofrece una resolución a la altura de la excelente preparación anterior. En este sentido, el metraje avanza muy bien hasta el segundo tercio y decae notablemente en el tercero.

Estamos en presencia de una película que trata valores. El primero es la amistad de este grupo de jóvenes. Nada los puede separar ni detener si alguno tiene un problema o necesita ayuda. La lealtad también es un valor importante entre ellos. Su valentía al enfrentarse a lo desconocido se transforma en un gran motor que les mueve a preocuparse por los demás y por su entorno cercano. También están presentes algunos activadores. El secretismo del ejército y el ocultar la verdad de lo sucedido provocan una gran desconfianza que desafía el actuar de los amigos y de toda la comunidad.

Técnicamente la cinta es impecable. Bien filmada, no tiene puntos bajos desde la producción. Las escenas y los efectos especiales están muy bien realizados y generan lo que buscan conseguir. En este sentido, el director maneja muy bien los planos y secuencias, logrando siempre su objetivo, aunque, reiteramos, el desenlace pudo haber sido mejor. Sin embargo, hay algo más y que es digno de destacar. En los créditos finales se puede ver completo el corto filmado por los jóvenes y es de lo mejor de la cinta. Por lo tanto, ojo de no irse antes del verdadero final de "Súper 8".

Ficha técnica

Titulo Original: Super 8
Distribuidor: UIP
Calificación: TE+7
Duración :112 Min.
Género: Thriller, Acción, Aventura, Drama, Suspenso
Año: 2011
País: Estados Unidos
Elenco: Elle Fanning, Kyle Chandler, Ron Eldard, Noah Emmerich, Gabriel Basson, Joel Courtney, Ryan Lee, Zach Mills y Amanda Michalka.
Director: J.J. Abrams

Mi otro yo

Un hombre profundamente deprimido y una mujer exitosa en su trabajo; el hijo mayor viviendo aislado su plena adolescencia y el hijo menor introvertido y tímido: una familia. Este drama envuelto en comedia, tercera película de la directora Jodie Foster esta vez con el guión de Kyle Killen, incursiona en el tema de la depresión masculina y la falta de comunicación familiar. ¿No hay salida posible o no se quiere salir? La tristeza y desesperación del protagonista conforma un cuadro angustiante, con una carga de frustraciones que lo van alejando de la anhelada felicidad. Acá el éxito o el fracaso son circunstanciales. Lo verdaderamente importante es la profundidad en la que ha caído y el quiebre familiar que se ha provocado.

Walter Black -Mel Gibson en uno de sus mejores papeles- es un hombre maduro que parece tenerlo todo, sin embargo está enfermo. Aparentemente ha intentado todo, pero sin resultados. Su familia se ha roto; su esposa -Jodie Foster- se ha cansado de él y probablemente el único camino sea terminar con su vida. Sin embargo, un hecho imposible varía su rumbo por completo. Un títere con forma de castor -así se titula originalmente la cinta, "The Beaver"- se transforma en su alter ego, se incrusta en su mano izquierda, le señala qué hacer y toma el control de su vida. Entonces, Walter comienza a expresarse a través del castor lo que lo sitúa inmediatamente de regreso en su entorno familiar y laboral.

Sin embargo, ¿quién es en realidad este personaje? ¿Cuál es el significado en la vida de Walter la presencia de este títere? ¿Es la oportunidad que buscaba afanosamente para cambiar su condición, ese rescate ansiado o la nueva guía de la que dependen sus actos? Acá está la médula de la cinta y su mayor interés. Foster, con una dirección sólida y fluida, manifiesta con esta propuesta la necesidad de la búsqueda de sentido, algo en qué o en quién creer, que señale el camino cuando no se puede salir solo del vacío existencial. Tanto es así que en la sub historia, en las semejanzas del hijo mayor -Anton Yelchin- con su padre, se releva la presencia de claros centrismos en estos roles masculinos de padre-esposo e hijo. Relaciones difíciles no enfrentadas y en ocasiones ya dañadas, junto a una afectividad contenida, lleva a ambos hombres hacia una peligrosa introversión que podría no tener punto de retorno.

"Mi otro yo" plantea una reflexión emocional sobre la vida actual que puede ser exitosa en lo profesional y frustrada en lo personal. Además logra poner en relieve cómo cada vez más necesitamos dotar de sentido nuestra existencia. La cinta rescata la importancia de los vínculos afectivos, de la familia como soporte emocional, la búsqueda de la propia identidad y la necesidad de romper con las pesadas cargas pasadas para dar la pelea por la vida.

Ficha técnica

Titulo Original: The Beaver
Distribuidor: BFD
Calificación: 14 años
Duración: 91 Min.
Género: Drama, Comedia
Año: 2011
País: Estados Unidos
Elenco: Mel Gibson (Walter Black) Jodie Foster (Meredith Black), Anton Yelchin (Porter Black), Zachary Booth (Jared), Jennifer Lawerence (Norah)
Directora: Jodie Foster

Quiero matar a mi jefe

Esta comedia cumple plenamente las expectativas de entretener y divertir en sus 100 minutos de duración. Nick -Jason Bateman- tiene un jefe -Kevin Spacey- exigente y tramitador. Nick solo lo tolera solo porque quiere un ascenso que le han prometido hace un tiempo. Kurt -Jason Sudeikis- tiene un jefe muy acogedor que por desgracia muere y hereda todo a su hijo -Colin Farrel- que es adicto a las drogas y no tiene el menor afecto por la empresa familiar. Finalment,e Dale -Charlie Day- es asistente de una dentista -Jennifer Aniston- que permanentemente lo acosa sexualmente a pesar que Charlie está comprometido seriamente con su novia.

La idea que surge en estos tres amigos y sufridos empleados es eliminar a estos insoportables jefes que les hacen su vida imposible. Y eliminarlos definitivamente, es decir, asesinarlos. La historia se va construyendo lentamente. Hay dudas permanentes en los tres protagonistas sobre el arriesgado plan pues transitan aleatoriamente desde una preliminar generación de malestar hasta un odio completo que les hace tomar esta radical decisión.

El argumento se basa en aquellas relaciones estereotipadas del jefe aprovechador e insoportable con el subalterno que no tiene opciones y debe solo acatar las instrucciones, pero que acumula y acumula una rabia interna que lo carcome. La cinta también podría leerse como llamado de atención a la forma de jefatura basada solo en el poder del rol, que va destruyendo las confianzas y que finalmente va generando odiosidad entre las personas. Esto es un aporte de la película pues al caricaturizarlo, ridiculizarlo y llevarlo al extremo deja una horrible práctica -como el título original de la cinta, "Horrible Bosses"- al descubierto. El director Seth Gordon realiza esta comedia con un buen guión y con actuaciones más que correctas -los actores de más experiencia están excelente en sus roles de jefes-, donde destaca el histrionismo de Charlie Day, el asistente de dentista y Jamie Foxx como un "asesor criminal" y muy mal negociador.

Ficha técnica

Titulo Original: Horrible Bosses
Distribuidor: Warner
Calificación: 14
Duración: 100 Minutos
Género: Comedia
Año: 2011
País: Estados Unidos
Elenco: Jennifer Aniston, Jason Bateman, Jason Sudeikis, Charlie Day, Jamie Foxx, Kevin Spacey y Colin Farrell.
Director: Seth Gordon

Concierto Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil

El jueves 28 de julio pasado en el Teatro del Centro Cultural "Alejandro Bernales", de Carabineros de Chile -con un lleno total- escuchamos a la Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil dirigida por el maestro Maximiano Valdés en la interpretación de la Sinfonía n.° 3 en Mi bemol mayor Op. 55 de Ludwig van Beethoven, conocida como Heroica -Eroica en italiano-, en una versión plena de energía, motivación y dinamismo, con extraordinario espíritu de conjunto y natural fluidez musical. Esta Sinfonía, para muchos, marca el comienzo del romanticismo y el segundo período en las composiciones de Beethoven, sin embargo aún guarda una esencia de naturaleza clásica, lo que se transformó en el eje de esta versión.

Maximiano Valdés, director chileno radicado en el exterior actualmente a cargo de la Orquesta Sinfónica de Puerto Rico resultó muy claro en la concepción del espacio sonoro, y transmitió su seguridad y conocimiento cabal de la partitura a los jóvenes intérpretes. En una obra tan exigente, tanto en el aspecto técnico como en lo musical, como es esta Sinfonía, se requiere máxima concentración. Los movimientos fluyeron sin inconvenientes, comenzando con un vibrante "Allegro con brío", abordado con un tempi bastante rápido, muy vital y luminoso. La "Marcha Fúnebre" -una verdadera joya musical- aportó aquella oscuridad y dramatismo necesario para oponerse al enérgico comienzo. Brillaron los bronces en las secciones centrales y la cuerda baja con una sonoridad cuidada y pastosa. El "Scherzo" -una preciosa transición al punto culminante de la obra- abrió paso al extrovertido "Finale", donde los intérpretes se brindaron por completo, complementando adecuadamente el carácter rítmico y lírico de todos los temas que componen la secuencia de variaciones.

Realmente sorprende el nivel alcanzado por la OSNJ. En palabras del propio Valdés al finalizar la interpretación, "este conjunto joven ha alcanzado un nivel técnico y musical superior al de muchas agrupaciones profesionales y necesita de toda la ayuda posible". Gracias a la labor de la Fundación de Orquestas Juveniles e Infantiles de Chile y al trabajo de su director titular, José Luis Domínguez, esta orquesta ha madurado a tal punto que se hace imprescindible mejorar las condiciones acústicas en donde se desempeña. El acogedor Teatro del Centro Cultural de Carabineros de Chile lamentablemente no responde a estas necesidades por lo que se hace necesario encontrar una sala de concierto con una mejor sonoridad. A pesar de todas estas dificultades, el conjunto logró sortear con éxito los desafíos de la partitura con una energía vital -en ocasiones algo ansiosa y un poco imprecisa- que nos llena de orgullo. Un orgullo que los maestros Jorge Peña-Hen y Fernando Rosas -padres del movimiento de Orquestas Juveniles en Chile- deben también compartir en el Reino de los cielos.

Ficha técnica

Concierto Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil
Director: Maximiano Valdés

Teatro del Centro Cultural "Alejandro Bernales", de Carabineros de Chile
Jueves 28 de julio de 2011

Ludwig van Beethoven: Sinfonía n.° 3 en Mi bemol mayor Op. 55

Transformers 3

Basada en una historia que combina varios relatos, esta tercera parte de la saga Transformers presenta a Sam Witwicky (Shia LaBeouf) en una aparente normalidad. Vive con su nueva novia Carly (Rosie Huntington-Whiteley), busca trabajo y está decepcionado pues luego de obtener medallas por "salvar al mundo en dos ocasiones" no ha sido más reconocido públicamente. Lo que Sam desconoce es una información que acaba de ser revelada y que tiene que ver con el origen de los enfrentamientos de los Transformers en su natal "Cybertron", su planeta cuando estaba en plena guerra. Una nave autobot escapa con algo valioso que habría cambiado la historia y se estrella -en los años 60- en el lado oscuro de la luna, quedando atrapado allí un autobot vivo. Los decepticons liderados por Megatron han tramado un plan para apoderarse de la tierra y lo comienzan a aplicar gracias a una serie de movimientos de inteligencia, espías, infiltrados, que recuerdan la guerra fría entre norteamericanos y rusos tal como en la misma década de los sesenta luchaban por la carrera espacial. Por cierto Sam tiene un papel que jugar en esta nueva batalla, por lo que junto a Optimus Prime, líder de los Autobots y a su fiel amigo Bumblebee lucha una vez más por salvar al mundo.

Transformers 3, dirigida nuevamente por Michael Bay y producida por Steven Spilberg, es un espectáculo visual impresionante. Los efectos especiales -que mezclan perfectamente realidad y ficción- y también el desarrollo de escenarios multiformes, coloridos, estéticamente modernos sumado a la característica transformación permanente de los protagonistas, hacen de esta secuela la más lograda de la serie. El guión puede ser algo desordenado y sin mucho peso dramático, sin embargo como espectáculo audiovisual la cinta cumple plenamente las expectativas de su promoción: entretiene y por momentos no da respiros ni pausas gracias a secuencias de acción bastante extensas.

Michael Bay, dueño absoluto de la escena y de su composición, no profundiza mayormente en sus personajes de esta tercera película. Introduce personajes nuevos y no entrega mucha información sobre ellos, confiando en que el tronco protagonista que sostiene la historia -Sam, Optimus, Magatron y Bumblebee, entre otros- le permitirá guiar al espectador a tener una idea general de la trama. Y esto es siempre un riesgo, pues podríamos decir que en este caso si es necesario conocer de la historia anterior para poder entender mejor la cinta y que no sólo quede como una deslumbrante cadena de acciones, batallas y luces.

En síntesis, Transformers 3 marca el final de esta etapa, al menos dirigida por Bay. Y como digno final, están todas las cartas en la mesa: abundante acción, excelente producción, buena banda sonora y gran espectacularidad que garantizan 140 minutos llenos de emoción y efectos visuales de primer nivel.

Ficha técnica

Titulo Original: Transformers 3
Distribuidor: UIP
Calificación: TE+7
Duración: 140 Min.
Género: Acción
Año: 2011
País: Estados Unidos
Elenco: Shia LaBeouf, Rosie Huntington-Whiteley, Hugo Weaving, John Malkovich, John Turturro.
Director: Michael Bay

Cars 2

En esta segunda parte de la exitosa "Cars" (2006) "Rayo" McQueen y su inseparable amigo Mate se enfrentan a nuevas aventuras que los hacen salir de su adorable "Radiator Springs". McQueen ya ha ganado varios trofeos locales y ahora es desafiado a participar en el primer "Gran Premio Mundial" que decidirá quien es el auto más rápido del mundo. Esta competición hace que "Rayo" y sus amigos emprendan vuelo a Japón y Europa para participar en veloces y emocionantes carreras. Lo que no estaba en sus planes es que Mate se ve atrapado inesperadamente en medio de una intrigante red de espionaje internacional, con agentes encubiertos, mafias y villanos que harán de este viaje la aventura de su vida.

Nuevamente Pixar Animation Studios nos entrega una producción de un altísimo nivel. La animación es espectacular, con escenarios perfectamente ambientados, coloridos y animados, una excelente banda sonora junto a un guión ágil y vertiginoso. "Cars 2" se atreve a explorar y a dar un paso más adelante que una cinta simplemente destinada a entretener a los más pequeños. Propone, como tema principal, una trama que gira en torno al petróleo y a los combustibles alternativos. Justamente el "Gran Premio Mundial" está diseñado para experimentar en un nueva energía alternativa llamada "Allinol" que vendría a reemplazar a los combustibles fósiles o muertos como el petróleo. Con este telón de fondo y sumado la intriga de espías que involucra involuntariamente a Mate y lo transforma en protagonista, la cinta ubica de manera muy clara y precisa la importancia que tiene la energía en el mundo actual. Pone de relieve la competencia económica que implica el desarrollo energético y todo lo que rodea las grandes decisiones, por lo que se convierte en una excelente película para disfrutar y comentar en familia.

Esta secuela de "Cars" también se presenta como una preciosa fábula animada. La relación de amistad entre "Rayo" y Mate es de tal profundidad que enternece. Mate posee una frescura a toda prueba. No tiene prejuicios y vive cada situación intensamente. McQueen, superado y abrumado en ocasiones por las insistencias y torpezas de su amigo, aporta la dosis de equilibrio que la historia requiere, poniendo su talento y simpatía en cada momento. El valor de la amistad y la lealtad se ve reflejado claramente en la relación de estos dos protagonistas. La inocencia y transparencia de Mate se transforma en un valor en si mismo. En ocasiones es descuidado y disperso, sin embargo aquello lo suple con creces gracias a su honesto esfuerzo y sus ganas incansables de hacer el bien con gran bondad y entrega.

Personajes entrañables de la primera historia -Luigi, Guido, Sarge, Sally- se entrelazan con los que se incorporan en esta nueva aventura, como el carismático Franccesco Bernouli, un auto italiano de Fórmula y principal rival de "Rayo", los agentes británicos Finn McMissile y Holley Shiftwell y el villano Profesor Z. Todos ellos construyen "Cars 2", una película entretenida y divertida, con importantes valores para ser disfrutada por grandes y chicos.

Ficha técnica

Titulo Original: Cars 2
Distribuidor: Andes
Calificación: TE
Duración: 112 Minutos
Género: Aventura, Animación.
Año: 2011
País: Estados Unidos
Voces: Owen Wilson, Jason Isaacs, Michael Caine.
Director: John Lasseter y Brad Lewis

Orquesta Sinfónica de la Juventud Venezolana Simón Bolívar en Santiago de Chile

La visita a Santiago de la Orquesta Sinfónica de la Juventud Venezolana Simón Bolívar el pasado miércoles 30 de Junio nos ha dejado un recuerdo imborrable. En una tarde lluviosa, los jóvenes músicos han inundado el Teatro Municipal de Santiago con ánimo, vitalidad y una calidad musical asombrosa. Bajo la dirección de su director titular, Gustavo Dudamel, han ofrecido la Séptima Sinfonía de Gustav Mahler en una versión única, mágica, llena de detalles y con una entrega y energía impresionante en el marco de los 200 años de la República Bolivariana de Venezuela que los ha llevado en una gira continental de celebración.

Vamos por parte. Dos actividades se habían programado ese miércoles 30. Un ensayo -18.00 hrs.- dirigido a músicos estudiantes pertenecientes a la Fundación de Orquestas Juveniles e Infantiles de Chile y un Concierto de Gala a las 20.00 hrs., invitado por la Embajada de Venezuela en Chile. Un retraso en la llegada de los instrumentos complicó las cosas de tal modo que el ensayo recién partió minutos después de la hora prevista para el Concierto. No obstante el tiempo de espera, ningún estudiante se movió de sus asientos aguardando la entrada de la orquesta. Incluso, el mismo director Gustavo Dudamel dio públicas excusas por el retraso lo que fue ovacionado por los presentes.

Ya en el escenario, el breve ensayo de no más de 15 minutos fue sorprendente. El programa comprendía la Sinfonía de Mahler, por lo que director y orquesta, junto con adaptarse a la nueva acústica, probaron secciones muy específicas de la obra. Ya podíamos percibir como sería el Concierto al escuchar acordes de cada movimiento con sus diferentes enlaces. Sutiles indicaciones de fraseo, duración de sonidos y acomodación sobre el escenario marcaron las secciones estudiadas. Al finalizar, y como el tiempo apremiaba, la orquesta regaló a los presentes una versión del "Mambo" de Leonard Bernstain que han popularizado en sus numerosas giras al exterior.

El concierto comenzó pasadas las 21.30 hrs. El programa se veía extenso; la Sinfonía de Mahler y una serie de otras obras, situación que el mismo director aclaró antes de comenzar. En el programa entregado estaban las alternativas de Conciertos de esta gira y para Santiago estaba reservada solo la Sinfonía. Analizar la musicalidad de la orquesta, la delicadeza de sus secciones, el virtuosismo de sus solistas -concertino, primera viola, cornos- y la enorme unidad del conjunto parece innecesario, sin embargo creo importante dedicar unas palabras a ello. Esta agrupación graba desde el año 2006 con el prestigioso sello Deutsche Grammophon por lo que su nivel artístico es realmente de excelencia. Tener la oportunidad de escuchar en vivo a un conjunto de este nivel no es algo de todos los días. Se produce una sensación difícil de describir donde nos podemos dar cuenta por qué es infinitamente mejor un Concierto en vivo que una grabación; descubrimos la magia de los sonidos que impregnan todo el ambiente creando atmósfera, provocando sentimientos. Aparece ante nosotros la música en estado puro, donde logramos apreciar al compositor en su plena integridad en una verdadera resurrección.

Tal vez la Séptima Sinfonía en mi menor de Mahler es una de las obras más complejas de interpretar. Sus cinco movimientos transcurren sin pausa entre arrebatos rítmicos, juegos armónicos y momentos de quietud que la hacen difícil de abordar. En este sentido Dudamel está un paso adelante. Su concepción particular de la obra, un profundo estudio de la partitura y un cabal conocimiento de la sonoridad que quiere lograr le permiten interpretar esta obra con una madurez sorprendente. La orquesta sigue cada uno de sus movimientos, desde los más sutiles a los más generosos, con preocupación, atención y profunda intención. Es la música que fluye, que transita, que no se queda inmóvil, que se alimenta del público y del entorno y que trasciende a fronteras más allá de lo presencial. Es justamente aquello que no se puede describir con palabras sencillas, que permite transportarse, pasar por variados estados de ánimo y llegar al final de la obra con la convicción de haber recorrido un extenso camino donde nos encontramos con todo. No en vano, el mismo Mahler señalaba que la Sinfonía debía ser como la vida, que debía contenerlo todo.

Una interpretación brillante, una versión sólida, intérpretes afiatados y consolidados como gran cuerpo orquestal bajo la batuta de Dudamel -tal vez el músico más promisorio de la nueva generación de jóvenes directores- nos han dejado uno de los mayores regalos de estos últimos años. Por un lado una calidad musical a toda prueba y por otro, la concreción de un sistema de Orquestas Juveniles e Infantiles que realmente hace que presenciemos como realidad los sueños de los maestros Jorge Peña Hen, Fernando Rosas y del incansable Jose Antonio Abreu, padre de esta revolución musical venezolana.

Ficha técnica

Teatro Municipal de Santiago
Miércoles 30 de junio 2011
Orquesta Sinfónica de la Juventud Venezolana Simón Bolívar
Director: Gustavo Dudamel
Gustav Mahler: Sinfonía No. 7 en mi menor

Cosa Voglio di Più

Esta es la historia de Anna -una mujer vital con un trabajo normal, cariñosa con su familia y compañera de su novio Alessio- y Doménico -casado con Miriam, dos hijos y un trabajo de mesero en una empresa de eventos-. Surge entre ellos una atracción incontrolable que les impulsa a ser infieles con sus respectivas parejas y a convertirse en furtivos amantes, buscando cualquier excusa y ocasión para dar curso a sus deseos.

Esta cinta del realizador italiano Silvio Soldini se introduce en el mundo del amor basado en la pasión y el deseo; ese amor clandestino que se va desarrollando entre mentiras, llamadas, mensajes de texto, citas y encuentros secretos. Las vidas de estos dos amantes son normales, con una relación aparentemente sana, cariñosa y protectora en sus familias. Por ello resulta más complejo entender las motivaciones que dan pie a este romance que transita entre la torpeza y la fragilidad, entre escapadas y discusiones que tienen una marca real, cotidiana y que impulsa a ambos a arriesgar lo que tienen sin medir necesariamente las consecuencias. El director plantea un drama sin reparos y sin excusas, exponiendo una situación que comienza impulsivamente y que va creciendo en el tiempo. Algunos conflictos de dinero y de cultura también están presentes, desde el origen de ambos protagonistas a los ambientes en los que se desarrollan cotidianamente. El tema del dinero es recurrente. Hay aspiraciones, sueños y realidades tan distintas como desiguales en la vida de estos dos amantes.

"Cosa Voglio di Più" no plantea reparos morales ni tampoco pretende juzgar conductas. Se remite a mostrar un proceso donde vidas normales se deslumbran ante impulsos irresistibles, imposibles de ignorar o de dejar pasar. Las actuaciones son convincentes gracias a una sencilla naturalidad, aunque los personales secundarios -las parejas de ambos protagonistas por ejemplo o sus amigos- no alcanzan un grado de desarrollo similar. Un metraje extenso -126 minutos que se sienten- por momento no colabora en hacer el guión más fluido. Como buen cine europeo, el centro está en la descripción en detalle de cada situación, largos planos de reflexión y los pasionales encuentros semanales. Con todo, esta cinta se percibe sólida, aún cuando su relato no sea del todo temporalmente coherente y las historias dejen mucho a la interpretación de cada espectador.

Ficha técnica

Titulo Original: Cosa Voglio di Più
Distribuidor: CDI
Calificación: 14 años
Duración: 126 Min.
Género: Comedia, Drama
Año: 2010
País: Italia, Suiza
Elenco: Alba Rohrwacher, Pier Francesco Favino, Giuseppe Battiston, Teresa Saponangelo, Monica Nappo
Director: Silvio Soldini

Culpable o inocente

Michael Haller -Matthew McConaughey- es un abogado especialista en la defensa de criminales que basa su trabajo en aliviar las condenas y cobrar oportunamente sus honorarios. Tiene su oficina en un viejo y elegante "Lincoln" conducido por su fiel chofer Earl. Mickey lleva una vida que transita de tribunal en tribunal y de presidio en presidio, hasta que un día se enfrenta a un caso particular: Louis Roulet -Ryan Phillippe- un joven y rico heredero de una gran fortuna contrata sus servicios pues ha sido acusado de intentar asesinar a una prostituta.

La cinta, basada en el Best Seller "The Lincoln Lawyer" de Michael Connelly, ofrece una perspectiva del bajo mundo de Los Angeles, donde el delito, la corrupción y la justicia rivalizan en forma permanente. En una acertada combinación de novela negra e historia de tribunales, el director Brad Furman da vida a un relato ágil que captura la atención del espectador. Haller aparece en un comienzo como un abogado si escrúpulos en defender a culpables de todo tipo. Sin embargo, con la llegada del caso Roulet su percepción moral comienza a ser puesta a prueba. Roulet asegura su inocencia con una convicción tal, que hace que el seguro abogado comience a dudar. Y es en este proceso y en su desarrollo posterior donde se juegan los mayores principios morales del filme. ¿Cómo distinguir a un inocente de un culpable? ¿Va a la cárcel quien realmente lo merece? ¿Favorece el sistema judicial el conocimiento y descubrimiento pleno de la verdad de cada caso? Todas estas interrogantes se presentan y desarrollan a través de un guión bien logrado, a ratos complejo, lleno de detalles legales, de procedimientos y de intrigas.

Una buena historia es en la mayoría de los casos la base de una buena cinta. Sin destacar como excelente, "Culpable o inocente" presenta un entretenido relato y cumple con sus expectativas. Las actuaciones son convincentes y certeras. Las cámaras, bien colocadas en planos cercanos, permiten observar en detalle las emociones de los protagonistas y la banda sonora la nutre de ambientación y frescura. Los diálogos son abundantes -y necesarios- para entender la trama. Para quienes hemos leído la novela es interesante su recreación en la pantalla grande, en un esfuerzo notable por condensar detalles, tiempos y acciones siempre complejas de traducir al lenguaje cinematográfico. En síntesis, una buena película que se introduce sin especular en el difícil mundo de la justicia, en su moral y en su ética.

Ficha técnica

Titulo Original: The Lincoln Lawyer
Distribuidor: BFD
Calificación: 14
Duración: 118 Min.
Género: Drama
Año: 2011
País: Estados Unidos
Elenco: Matthew McConaughey, Ryan Phillippe, Marisa Tomei, Josh Lucas, John Leguizamo, William H. Macy, Michael Peña, Bob Gunton, Frances Fisher. Bryan Cranston
Director: Brad Furman

Kung Fu Panda 2

Po y sus amigos regresan a la pantalla grande con esta segunda entrega de la taquillera Kung Fu Panda. Esta vez Po se ve enfrentado a un maligno villano llamado Lord Shen, quien ha jurado conquistar China y destruir el Kun Fu con una poderosa arma. Entretenida y animada, Kung Fu Panda 2 avanza rápidamente entre secuencias de grandes peleas y algunas pequeñas lagunas argumentales propias de un guión sencillo pero efectivo.

El interés que despierta la cinta es propia del recuerdo de la primera parte. Po, un oso panda tan torpe como tierno, logra capturar la empatía de grandes y chicos que ven en él un corazón bondadoso, lleno de inocencia y energía orientada hacia el bien. En esta película, el maestro Shifu sigue entrenando a Po en sus habilidades haciendo un énfasis especial en conseguir "paz interior", aquél centro y sabiduría que le permita controlar mejor sus acciones. Desde este pilar principal salen a la luz los mejores valores de la película: la solidaridad, la amistad y el amor que emanan de este "Guerrero Dragón" cuya misión es proteger el Valle de la Paz junto a sus amigos -los cinco furiosos- maestros del Kun Fu.

La producción de Dreamworks es estupenda, al nivel que ya nos tiene acostumbrados. Los detalles son tan reales que a veces olvidamos que se trata de una película de animación. Los paisajes y los escenarios son preciosos y están meticulosamente desarrollados. La banda sonora a cargo de Hans Zimmer y John Powell es de lo mejor; se conecta con las escenas, en especial la excelente sincronización en las batallas y su dulzura en las pausas reflexivas, logrando solidez e identidad propia. Las voces en español no desentonan y animan a conocer la versión original, con las voces de Jack Black, Angelina Jolie y Dustin Hoffman entre otras.

Tal vez el punto mayor a destacar en una cinta como Kung Fu Panda es la oportunidad que ofrece, a través de un sano entretenimiento logrado con calidad y detalle, de entregar valores a los más pequeños de una forma clara y de fácil comprensión. La ejemplificación del bien y el mal, graficados de forma tan opuesta y antagónica, no deja dudas del camino a seguir. Podríamos decir que el guión es demasiado sencillo y tal vez obvio, sin embargo está perfectamente logrado para su objetivo final: entretener y enseñar valores de la mano de una moderna fábula animada.

Ficha técnica

Titulo Original: Kung Fu Panda 2
Distribuidor: UIP
Calificación: TE
Duración: 90 Min.
Género: Animación, Aventura, Comedia.
Año: 2011
País: Estados Unidos
Elenco: Jack Black, Angelina Jolie, Gary Oldman, Seth Rogen, Jackie Chan, Dustin Hoffman, Jean-Claude Van Damme , David Cross, Lucy Liu.
Director: Jennifer Yuh Nelson

Los agentes del destino

Esta interesante cinta del director George Nolfi nos sitúa nuevamente -como Matrix o El origen- en un escenario donde aparentemente no somos dueños de nuestra vida y de nuestros propios actos. David Norris -Matt Damon- político carismático que postula al Senado de Estados Unidos por Nueva York conoce el mismo día de la elección a una bella mujer, bailarina de danza contemporánea, llamada Elise Sellas -Emily Blunt-. Este "casual" encuentro es la base piramidal de este relato muy bien conducido gracias al ágil guión del mismo Nolfi, inspirado en uno de los primeros cuentos de Philip K. Dick, con diálogos certeros y una trama intrigante que no decae durante su desarrollo.

"The Adjustment Bureau" -su título original- se suma a las variadas formas de representar un poder superior que controla la vida de las personas. En este caso, el gran valor agregado que tiene la historia es que hay algo sobre lo que no se puede poner reglas y los planes simplemente no funcionan. Cuando llega el amor, éste se sobrepone sobre cualquier otro sentimiento y contra cualquier razón, incluso sobre las ambiciones personales más profundas. El "plan" establecido debe cumplirse. Para ello existe esta "Oficina de ajustes" quienes se ven sobrepasados por la fuerza desatada que genera el sentimiento en los dos protagonistas, quienes luchan contra todo por estar juntos.

En esta moderna historia de amor también se conjugan elementos interesantes sobre la política. El "deber ser" y el "parecer ser" son conceptos recurrentes. La autenticidad es puesta en duda y al mismo tiempo se le otorga un valor importante en relación a una campaña electoral. La soledad del poder y la carrera por conseguirlo es puesta a prueba al aparecer de improviso el sentimiento del amor. Tanto es así que parte fundamental del relato se centra en que el amor frenaría a los protagonistas en su desarrollo pues con ello bastaría para completar su vida. Como hay un "plan" y debe respetarse, esta es la representación de la lucha del "deber ser" contra la "libertad del ser". ¿Cuál es más fuerte? ¿Qué debe primar? ¿Realmente tenemos libre albedrío? ¿Puede este plan ser reescrito?

La producción de la cinta tiene un excelente nivel. Nueva York luce en superficie, en los altos y en los bajos fondos enmarcado como telón de fondo, con bellas fotografías, entornos, rincones y paisajes de Manhattan. La música y los escenarios están a excelente nivel al igual que toda la producción. Es gratificante encontrarnos con un guión original, una propuesta que sin duda se desprende de otras buenas ideas anteriores y que se desarrolla y abre espacios propios, entregando entretención y reflexión a través de la pantalla grande.

Ficha técnica

Titulo Original: The Adjustment Bureau
Distribuidor: UIP
Calificación: 14
Duración: 106 Min.
Género: Thriller
Año: 2011
País: Estados Unidos
Elenco: Matt Damon, Emily Blunt, Florence Kastriner , Phyllis McBryde, Natalie Carter Chuck Scarborough , Jon Stewart
Director: George Nolfi

X-Men: Primera Generación

La quinta entrega de la saga X-Men titulada "First Class" nos muestra el origen de esta especial generación de mutantes cuyas aventuras son ya un clásico de Marvel. El Profesor X y Magneto tienen un inicio común. Son parte de la primera generación de mutantes que comienzan a ser descubiertos y reclutados por incipientes programas secretos con el fin de combatir las amenazas nucleares más serias -en plena guerra fría- y que pudiesen dar comienzo a la Tercera Guerra Mundial.

La historia es narrada de manera entretenida. El descubrimiento de ciertos poderes extraños por parte de dos amigos, Charles Xavier -James McAvoy- y Erik Lehnsherr -Michael Fassbender- y la conformación de un grupo orientado a salvar al mundo, son los puntos centrales de un relato ágil y ameno que se desarrolla en torno a diferentes súper poderes en manos de variados y carismáticos personajes. Conocemos, gracias a esta película, que los dos principales protagonistas no fueron enemigos desde el comienzo, sino que su historia de enemistad tiene claros orígenes. Sin embargo el metraje no se detiene en ello sino que agrega elementos importantes a la historia, insertándola en un período tenso de las relaciones de Estados Unidos y Rusia con la carrera armamentista como telón de fondo.

Visualmente la cinta es espectacular. Los efectos especiales están al servicio del guión -no son lo más importante ni el principal centro de atención-, usados con cuidado, bien producidos, como medio y no como fin. La fotografía es otro punto alto de una excelente producción. Imágenes bien compuestas, buen manejo de cámaras y actuaciones convincentes hacen que la curva descendente que traían las anteriores cintas se revierta para el gozo de los fanáticos y también de los espectadores ocasionales.

El trabajo del director Matthew Vaughn es excelente al dotar al filme de un ritmo vertiginoso que no es sencillo de seguir secuencialmente, en especial debido a que conocemos la historia más reciente de X-Men e inevitablemente el factor temporal -pues se cuenta el inicio ya sabiendo el final- nos puede jugar en contra de una mejor comprensión. El mundo del "Profesor X" y "Magneto" se va completando. Comenzamos a entender su pasado, sus motivaciones y el como surge su rivalidad. Las piezas se van enlazado lentamente al interior de un enmarañado puzzle visual que pone a esta "First Class" como una de las mejores entregas cinematográficas de X-Men.

Ficha técnica

Titulo Original: X-Men: First Class
Distribuidor: FOX
Calificación: TE+7
Duración: 110 Min.
Género: Comic - Acción
Año: 2011
País: Estados Unidos
Elenco: Kevin Bacon, James McAvoy, Michael Fassbender, January Jones.
Director: Matthew Vaughn

Piratas del Caribe: navegando por aguas misteriosas

El Capitán Jack Sparrow -Johnny Depp- ya es un clásico. En esta cuarta entrega de la saga "Piratas del Caribe" se reinventa una vez más para abordar una aventura con Angélica -Penélope Cruz- en busca de la fuente de la eterna juventud. En su camino aparecen Barbossa -Geoffrey Rush- y el temible Barbanegra -Ian McShane-, quienes arrastran a Sparrow a recónditos lugares para conseguir el éxito de la misión.

Con más escenario terrestre que marítimo, esta lucha de piratas es más bien a nivel general, con una historia muy simple -cuasi inocente- que no logra capturar la atención, salvo en las escenas de acción, muy bien producidas y logradas, donde la mano del productor Jerry Bruckheimer se hace notar.

Las actuaciones son correctas. Depp y Cruz logran sintonía y el aporte de los veteranos Rush y McShane le entregan la cuota de equilibrio necesaria. Los paisajes -y en especial la fotografía- son preciosos, cuidados; una banda sonora excelente -compuesta por Hans Zimmer- le da un marco épico, tal vez algo sobredimensionado, a un metraje que por momentos cae en severos vacíos, a pesar de la criterios dirección de Rob Marshall.

En términos de expectativas, Piratas del Caribe las cumple. Es entretenida, divertida y amena, dejando tranquilos a los fans de Depp y de la saga. Como aporte cinéfilo, salvo la excelente producción, no entrega mucho más para comentar. La debilidad de la historia y de su tratamiento, junto a diálogos sin demasiado interés y livianos, sólo se contrapesa en parte con la calidad actoral de Johnny Depp que, aunque sobreactuado, debe hacer esfuerzos importantes para cargar sobre sus hombros toda la responsabilidad de sostener la cinta.

Ficha técnica

Titulo Original: Piratas del Caribe IV
Distribuidor: Andes
Calificación: TE+7
Duración: 136 Min.
Género: Comedia - Aventuras.
Año: 2011
País: Estados Unidos
Elenco: Johnny Depp, Geoffrey Rush, Penélope Cruz, Ian McShane, Gemma Ward, Stephen Graham.
Director: Rob Marshall